UnicaPhoto - Ed.17

Unicaphoto
a revista de fotografia da Unicap
#
17
CORPO
Corpo, carne, organismo. Metáfora e metonímia.
O corpo político. Corpos em trânsito, transa e transe.
O que a fotografia tem a ver com tudo isso?
Entrevista, ensaios fotográficos, artigos,
tentam desvendar os muitos corpos possíveis

Foto: Yêda Bezerra de Mello

editorial
Esta é a sua antiga Unicaphoto, revista do curso
de Fotografia da Unicap. Uma revista-raiz. Ela é
também sua nova Unicaphoto. Nesta 17ª edição, a
revista tem novo projeto gráfico e passa a contar com
outros editores, o professor André Antônio Barbosa
e o escritor e editor Sidney Rocha. Unicaphoto não
chegaria tão bem até aqui, ao seu oitavo ano, sem a
rica colaboração de Carol Monteiro, editora da revista
em 15 das 18 edições. Gratos, Carol.
Neste número, Unicaphoto dá ênfase ao corpo como
espaço de conquista de individualidades e atitude
política, entre outros pontos de vista.
Para isso entrevistamos a fotógrafa e psicanalista
Isabela Cribari, sobre essa nova Idade
ou Século do Corpo.
O tema do corpo perpassa muitos dos ensaios
fotográficos desta edição, como o trabalho de Allana
Rocha, onde corpo e mente assumem discursos nada
amorosos, mas fragmentários, dos tempos atuais.
Há a cidade em dois corpos distintos: na construção
e harmonia do ensaio cosmopolita de “Betón et
photo”, do arquiteto-fotógrafo André Martins e a
cidade em guerra, o Recife de 29 de maio de 2021,
no fotojornalismo de Arnaldo Sete, Douglas Fagner,
Melissa Fernandes e Sérgio Maranhão, que estavam
nas ruas naquele dia terrível e apresentam algumas
fotos onde se destaca o abuso de força, dessa vez
não do corpo, mas da corporação: a polícia militar de
Pernambuco. É essa mesma Recife apresentada em
memórias “coladas” ou desejos, ausências e presenças,
em “Gens”, colagens e fotografias de Renne Sophi.
Um tempo misto, onde saudade se relaciona também
com o futuro, como vocês verão.
Cor & corpo, azul de tão preto, como em “NoirBlue:
deslocamento de uma dança, de Ana Pi”, artigo
assinado por Elysângela Freitas, sobre a dança negra.
A busca dessa identidade também está em “Enegrecer
olhares...”, artigo de Daniel Meirinho, no ensaio “O
ouro de Oxum”, de Jéssica Lopes, e fortemente em
“Por onde tudo flui”, ensaio sobre cores (e corpos),
de Raiz de Maria.
Um corpo é também um não-lugar, de silêncios, como
“Entre o mangue e o mar”, ensaio em preto&branco
de Filipe Falcão. Nesta 17ª edição, o preto&branco
também faz parte da linguagem de vários ensaios,
desde os citados “Você está melhor?”, e “Betón et
photo”, como nas fotos de “Pássaros invisíveis”,
de Marconi Cordeiro e Tifanny Valente. Em
preto&branco, ainda, ensaio de Márcio Novellino
(1976 – 2021), sobre todos os pugilatos, não somente
nos tatames: a vida. Uma dessa fotos está na capa
desta edição, homenagem da Unicaphoto ao amigo
que nos deixa muita saudade.
Você poderá ver um mundo “olho-po-olho” sobre a
performance de fotógrafo e jornalista Flávio Costa.
Há excelentes momentos do mundo acadêmico:
O I Movi - Encontro Brasileiro de Fotografia em
Movimento, realizado pela Unicap, entre 30 de junho e
02 de julho de 2021, cujo tema ou lema foi “A direção
de fotografia no Brasil.” Destaque também para a 7ª
edição do festival Curta Vertentes, no pequeno distrito
de Aracoiaba, no Ceará: reportagem de Paulo Souza e
vinculada do padre Pedro Rubens, reitor da Unicap.
Você confere esses eventos, como a aula inaugural
do MBA (ocorrida em março passado), entre outros
lances, na nossa coluna “Aconteceu”.
Você poderá ver, também, fotos de Roberta Guimarães
em texto da audiodescritora Liliana Tavares, no artigo
sobre visitas guiadas a exposições fotográficas. Sobre
exposições, e um pouco mais sobre cosmopolitismo,
e sobre memória, deem uma olhada em “Expoduo”,
de Renata Victor e Yêda Bezerra de Mello, com
exposição virtual organizada por Natália Albuquerque.
Estávamos com tanta saudade que, na hora de editar,
resolvemos ampliar o número de páginas desta edição,
e transformá-la nesta edição especial, que chega a
público neste Dia Mundial da Fotografia.
Esperamos que gostem.

COORDENAÇÃO EDITORIAL
Renata Victor
CONSELHO EDITORIAL
André Antônio, Renata Victor e Sidney Rocha
FOTO DA CAPA
Márcio Novellino
FOTO DA CONTRACAPA
Jéssica Lopes
QUEM É QUEM NESTA EDIÇÃO
Allana Rocha, fotógrafa e publicitária
André Martins, fotógrafo, arquiteto e designer
Arnaldo Sete, estudante de fotografia
Betânia Corrêa de Araújo, arquiteta e escritora
Carol Monteiro, professora e diretora da Escola de Comunicação da Unicap
Daniel Meirinho, fotógrafo e professor da UFRN
Douglas Fagner, estudante de fotografia
Elysangela Freitas, fotógrafa
Filipe Falcão, professor da Unicap
Flávio Costa, fotógrafo, jornalista e estudante de Fotografia e Arte Latino-americana
Gustavo Bettini, fotógrafo
Isabela Cribari, fotógrafa e psicanalista
Jéssica Lopes, estudante de fotografia
Julianna Nascimento Torezani, professora da Uesc
Liliana Tavares, psicóloga e idealizadora do festival VerOuvindo
Márcio Novellino, fotógrafo e ex-aluno de fotografia da Unicap
Marconi Cordeiro, estudante de Fotografia e Arte Latino-americana
Melissa Fernandes, estudante de fotografia
Natália Albuquerque, fotógrafa
P. Pedro Rubens Ferreira Oliveira, jesuíta, reitor da Unicap
Paulo Souza, professor da Unicap
Raiz de Maria, estudante de fotografia
Renata Victor, professora e coordenadora do curso de Fotografia da Unicap
Renee Sophi Luise, estudante de fotografia
Sérgio Maranhão, fotógrafo
Tifanny Valente, estudante de Fotografia e Arte Latino-americana
Yêda Bezerra de Mello, fotógrafa
Escaneie o código QR abaixo, através de aplicativo no smartphone,
e acesse todas as edições da revista na internet
Unicaphoto é uma publicação semestral do Curso Superior de Tecnologia
em Fotografia da Universidade Católica de Pernambuco.
Esta sua 17a. edição vem a público em 19 de agosto de 2021.
(ISSN 2357 8793)

SU
MÁ
RIO
Você
tá melhor?,
por Allana Rocha
Visita guiada a exposições
fotográficas,
por Liliana Tavares
Entre o mangue
e o mar,
por Filipe Falcão
Gens,
por Renee
Sophi Luise
Entrevista
Isabela Cribari
Por onde
tudo flui,
por Raiz de Maria
Andando pela vida afora,
por Renata Victor &Yêda
Bezerra e Natália Albuquerque
Pássaros invisíveis,
por Marconi Cordeiro
e Tifanny Valente
Enegrecer olhares,
reposicionar presenças...
por Daniel Meirinho
Ontem,
por Betânia
Corrêa de Araújo
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16
24
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54
60
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68
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111
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116
118
123
Recife, 29 de maio
de 2021,
por Arnaldo Sete, Douglas
Fagner, Melissa Fernandes e
Sérgio Maranhão
Olho por olho,
por Flávio Costa
O ouro de Oxum,
por Jéssica Lopes
Azul de tão preto...
por Elysangela Freitas
Betón et photo,
por André Martins
Curta Vazantes,
por Paulo Souza
Nas vazantes do rio
Aracoiaba...,
por P. Pedro Rubens
Ferreira Oliveira
Aconteceu
Arte, técnica e política,
por Julianna Nascimento
Torezani e Paulo Souza
Qual é o melhor
papel Fine Art?,
por Gustavo Bettin
124 Homenagem
a Márcio Novellino

ensaio
você
tá melhor?
por Allana Rocha
“Você tá melhor?” fala através das imagens sobre o
processo de procurar ajuda para tratar sintomas de
doenças psicológicas, mais especificamente depressão e
ansiedade. O processo de aceitação e descoberta é tão
difícil quanto lidar com os próprios sintomas, perceberse
ausente do dia a dia, a grandiosidade de coisas
pequenas, a importância dos diálogos e da solidão de
olhar pra dentro quando ninguém mais pode.
Quando a mente vai para um lugar de inércia ao
mesmo tempo que o corpo formiga, um relevo
cheio de irregularidades que sofreu com a ação do
tempo, ausente de linearidade ou razão, adoecida
pelo afastamento, pela ausência de resposta, pela
acumulação de fios de cabelo e lençóis amontoados, os
questionamentos e angústias tomam conta dos pés e
fazem o caminho de volta. Sem perspectiva de retorno.
Mas olhando para trás. Ouvir as perguntas, mas
nem ao menos esperar que algo lhe faça novamente
respirar. Sem pesar.
As imagens e fragmentos de diálogos me fizeram
perceber o que estava acontecendo comigo. Trazem a
passagem desse tempo, descoberta e aceitação.
No meio da pandemia, do luto coletivo e do
isolamento, essa produção tomou forma. E me ajudou
a falar desse processo, que pode reverberar em muitas
pessoas. É importante lembrar que temos o outro.
Apesar de tudo.
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Allana [Beatryz Ferreira da] Rocha
é fotógrafa e publicitária potiguar, com formações
complementares em fotografia. Participou de mostras
virtuais coletivas como o Prêmio Margem de Fotografia,
com o ensaio “Sagrado Feminino” (2020) e a Semana de
Antropologia da UFRN com o ensaio “Olhos Parados”
(2010).
Pesquisa, de forma independente, feminismos,
discursos e imagem. Na maioria, seu trabalho em
fotografia é produzido em tons de cinza.
Suas produções têm influência de artistas visuais
mulheres e autoras literárias nordestinas.

“Você tá melhor?”
Fotografias digitais manipuladas
em preto e branco, auto
representações, montagens de
trechos de conversas sob as
imagens fotográficas e montagens
de dípticos e polípticos.
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audiodescrição
visita guiada a
exposições
fotográficas
por Liliana Tavares
Antes da pandemia, algumas exposições de fotografia
já estavam sendo planejadas com acessibilidade para
pessoas com deficiência visual, por meio da visita
guiada com audiodescrição - AD.
A realização da audiodescrição de qualquer exposição
envolve engajamento da produção com a equipe
de acessibilidade, para criar e definir as melhores
formas de exibição da AD. Tanto as imagens,
estáticas ou dinâmicas, quanto a expografia são o
material de trabalho para a construção do roteiro
da audiodescrição, que é feito antecipadamente e
ajustado durante a montagem. Por isso, na maioria
das vezes, as gravações da AD só são feitas após a
abertura da exposição. São necessários ainda entre
três e cinco dias para gravar, editar e testar o roteiro
final da visita guiada. Só então ela fica disponível ao
público.
Geralmente, no dia da abertura, a AD é feita ao vivo,
com uso de aparelhos de transmissão e de recepção.
E é bom que seja assim, porque naquele momento os
usuários também querem saber sobre
o artista, sobre as pessoas que ali estão e sobre todo
“auê” da festa.
Depois, com o roteiro gravado, os usuários da AD
podem visitar a exposição no ritmo que desejarem,
pausando ou adiantado o áudio. Por serem, muitas
vezes, exposições de curta duração, geralmente o
orçamento não comporta a instalação de rota com
piso podotátil. Caso a pessoa cega ou com baixa
12
Liliana Tavares é audiodescritora, gestora
da COM Acessibilidade Comunicacional,
doutora em Comunicação pela UFPE
e autora do livro VerOuvindo:
audiodescrição e o som do cinema.

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visão vá desacompanhada, ela irá precisar de alguém
do educativo para ser seu guia. Daí a importância da
capacitação dos mediadores.
Duas exposições, realizadas no Museu do Estado,
com audiodescrição produzida pela equipe da COM
Acessibilidade, são base para nosso relato: “Agricultura
da Imagem”, de Rodrigo Braga, em agosto de 2018,
e “Agô”, de Roberta Guimarães, em abril de 2019.
A nossa intenção, aqui, não é a de refletir sobre a
complexidade da tradução audiovisual, mas a de
retratar a forma como foi feita a exibição da AD.
Ambas as exposições eram compostas por fotografias,
vídeoartes e objetos. Elas tinham aparelhos MP3 na
recepção, para a visita guiada. Na exposição de Rodrigo
Braga, a AD dos vídeos era aberta, ouvida pelo áudio do
monitor, um formato que amplia a recepção da AD para
todo o público, criando uma outra experiência de fruição.
Já na exposição de Roberta Guimarães, um resumo do
vídeo era incluído na trilha da visita guiada.
Para a construção de uma visita guiada com
audiodescrição é importante adicionar uma série de
elementos que colaboram para oferecer uma imersão
mais completa, para além da audiodescrição das imagens.
A ambientação, a iluminação, e a localização devem fazer
parte do roteiro. Indicações sonoras permitem distinguir
rapidamente entre o que é informação e o que é descrição
da obra. Um som de BG (background) pode sugerir a
atmosfera da exposição, caso ela não possua uma trilha
sonora própria.
Ao final do processo, a produção pode ter dois arquivos
de trilhas sonoras:
o da visita guiada; e o das obras, individualmente.
Nos três exemplos disponíveis para esta edição de
Unicaphoto, você escutará: a AD da foto de Rodrigo
Braga, separadamente do roteiro da visita guiada; a
introdução à exposição de Roberta Guimarães; e mais
uma faixa com a sequência de fotos da visita guiada.
Certamente, a maneira como a audiodescrição era
exibida antes da pandemia sofrerá pequenos ajustes,
principalmente quanto ao compartilhamento de
aparelhos de transmissão da audiodescrição e de
fones de ouvido, podendo vem sendo substituídos por
aplicativo ou por QR Code.
O bom de ter a gravação da AD das imagens é que
elas também podem ser hospedadas online com as
fotos no site do artista, da artista.
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ensaio
entre o
mangue
e o mar
por Filipe Falcão
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ensaio
A fotógrafa Renee
Sofhi apresenta
colagens de fotos, onde
passado e presente
se misturam. Tendo
como ponto de partida
a ausência presente ou
a presença ausente,
sua memória familiar,
Renne Sofhi cria um
novo e sensível tempo
de encontro, um
tipo de palimpsesto
visual, um documento
vigoroso, onde corpos
e lugares terminam
se unindo pelo desejo
de pertencimento e
permanência.
A fotógrafa disse:
“A finalidade do
trabalho é que minha
filha hoje, com cinco
anos de idade, e que
infelizmente não
conheceu pessoalmente
seus avós maternos
possa, com o resultado
desse trabalho, ter
uma lembrança de que
em alguns momentos
da sua infância
eles participaram
dela, mesmo que
simbolicamente. Pra
isso foram usadas
como fundo imagens do
Recife e, na colagem,
imagens dos meus pais
e da minha filha.”
enspor
Renee
Sophi
Luise

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entrevista
Foto: Tereza Maia
28

entrevista
29

“... e doem do tant
A fotógrafa e
psicanalista Isabela
Cribari topou
conversar um pouco
com Unicaphoto sobre
imagens, imaginação
e representação.
A partir de reflexões
sobre o corpo, em todos
os sentidos, Cribari
oferece um panorama
amplo e desfaz a ideia
de que a psicanálise
e a fotografia sejam
ideias-prontas e
desarticuladas do
mundo contemporâneo.
Na sua mais recente
exposição, o tema do
corpo, sobretudo o
feminino (você verá
algumas das fotos, aqui)
e ponto de reflexão que a
artista visual transfere
para o cinema, para os
estudos psicanalíticos,
“para a vida, rapaz, para
a vida, não esqueça de
completar a frase”.
Claríssima escuridão I:
na fotografia de Isabela
Cribari, o tema do corpo
aparece como abismo. A
ideia de liberdade se opõe
o tempo todo com a ideia
de clausura, de sins
e de nãos, em sua obra.
30

o que dói a vida.”
Unicaphoto - Por que ainda
tanto Deleuze, Benjamin
e Foucault e tão pouco de
intelectuais feministas como
Rosi Braidotti, Griselda
Pollock, Leonor Arfuch e
Norma Telles, por exemplo?
Falta ainda uma crítica
feminista mais atuante nas
artes e nas academias?
Isabela Cribari - Falta, sim.
Mas falta também interesse
pelo novo, por uma outra
forma de ver e narrar os
fatos. Svetlana Aleksiévitch
escreveu sobre a guerra,
que pode não ter nome de
mulher, mas apresenta outra
guerra, sem nome, que não
tem nada a ver com tudo
o que li e vi antes. Acho
que é importante conhecer
o pensamento pulsante de
nosso tempo. E aí você cita
pensadoras admiráveis,
com grande contribuição
para o pensamento crítico,
para pensar a sociedade e
a subjetividade de nosso
tempo. Rosi Braidotti, com
seu nomadismo filosófico, e
também algo que é tão atual,
a metafísica da presença,
num momento do mundo que
temos que reinventar nossas
noções de espaço e tempo.
Leonor Arfuch ramifica
vários interesses ao tratar
os dilemas da subjetividade
31

contemporânea, dialogando
com a psicanálise, a sociologia
e a arte, quando discute
sujeito, linguagem, sociedade,
identidade(s) e narrativas.
A brasileira Norma Telles
tem-me interessado bastante
por tratar das errâncias,
algo essencial para se pensar
e retratar num mundo
de exilados e refugiados.
Tenho lido sobre este tema
a partir da psicanálise, do
estranhamento e do horror
dessas situações da vida.
Alan Kurdi emocionou o
mundo com a fotografia do
pequeno refugiado de três
anos, morto de bruços na
praia do Paquistão, tem a
foto de Warren Richardson
de um homem passando um
bebê na fronteira Sérvia-
Hungria por uma cerca de
arame farpado. Uma foto sem
flash, às escondidas, para não
atrapalhar a esperança por
uma nova vida.
PH - Corpo, organismo,
carne. Parece que ainda
há certas distinções
medievalescas em relação ao
corpo. Você acha que estamos
entrando em um Idade do
Corpo, ou Século do Corpo?
Onde e aonde avança essa
discussão no campo das artes
visuais?
IC – É contraditório pensar
em uma Idade ou Século do
corpo, num mundo cada vez
mais desmaterializado. Até a
arte está se esvaindo de seu
corpo, não se liquefazendo,
mas perdendo corpo. Há
um livrinho de Descartes,
As paixões da alma, sobre
esses limites do corpo e
da alma, que gostarei de
32

Conexão com a
realidade:
“Penso que a fotografia
e as artes visuais têm
um papel fundamental
neste momento tão
terrível, de extrema
angústia,
de confinamento,
perdas, e algumas
desgraças adicionais
que vivem alguns
países, o Afeganistão
e em proporções
parecidas,
o Brasil atual.
reler após esta entrevista.
Performance? Vivemos em
eterna performance. Mas
mais ainda no tempo trans-
-transitório. É mesmo o
tempo da performance, da
arte efêmera, de esculturas
imateriais, como aquela de
Salvatore Garau. Um mundo
que se pretende minimalista,
mas excessivo, ao ponto da
intrusão. E na contramão da
falta da corporeidade, há o
culto ao corpo, mas não ao
corpo completo, visto como
psicossoma, mas fragmento,
no que se pode manipular,
mudar, exibir, O Século do
corpo na era desencarnada.
PH - Quando o corpo
deixa de ser somente uma
instituição simbólica e passa
a ser também um corpus
político? Qual a contribuição
da fotografia e a psicanálise
nesses caminhos?
IC - Penso que essa passagem
se dá quando os corpos
se encontram, atuam, no
espaço público, no sentido
arendtiano, mesmo. Em
relação à psicanálise, lembrei
do atualíssimo texto de Freud,
naquele seu texto sobre a
psicologia das massas. Tem a
ver com a análise do eu.
PH - As massas “pensam”?
IC -No geral, é esse
pensamento que vinga, aliás.
Não é? Vivemos o resultado
disso, e não somente no plano
simbólico, hoje, no Brasil. O
gado. A imunidade. O rei do
Gado. O panorama, no ponto
de vista do eu, nos faz duvidar
de soluções coletivas. Para
mim, a fotografia é parte dessa
esperança. Do se ver e ver o
Outro. Incansavelmente.
PH - A psicanálise funciona
como um refúgio, não. Um
ciclo bem fechado, não?
PH - Nada. As coisas mudam.
Há uma psicanálise que está
indo para as ruas, que tem-se
reaproximado de outras áreas,
como a arte, a neurologia,
a política, a sociologia, a
medicina. Quando penso numa
psicanálise além do divã, do
indivíduo, mas assumindo uma
atenção a esse corpus político,
como você chama, me lembro
de Maria Rita Kehl, com sua
escuta no Movimento dos Sem
Terra, na sua participação
na Comissão da Verdade,
dentre tantas coisas que faz
a partir de uma psicanálise
encarnada. E, na arte, de
uma forma mais ampla, gosto
muito do trabalho da artista
visual Berna Reale, que é
também perita criminal no
Pará, que utiliza seu corpo em
performances e instalações
incitando uma reflexão sobre
33

Claríssima escurid
O corpo em clausu
“Tenho a nítida
impressão de que a
são espíritos tendo
experiências na m
no corpo, diferente
pessoas comuns. O
para artistas, é es
esfinge, de que falá
mas uma esfinge
buscando sempre n
ciframentos”, diss
final da entrevista
o momento so
contemporâne
especialmente
violência.
PH -Para alg
psicanalistas,
inclusive amo
aconteciment
em um corpo
nas palavras,
isso nos leva
à fotografia, à
um tanto de r
e linguagens.
corporeidade,
simbólica, ap
suas fotografi
contemporâne
IC - Sim, o co
antes da entra
simbólico das
há acontecime
pré-verbal, há
de sensações,
destinados a e
forma de lingu
canal de comu
34

ão II:
ra.
rtistas
atéria,
das
corpo,
sa
vamos,
ovos
e, ao
.
ciopolítico
o, priorizando
o tema da
uns e algumas
a linguagem,
rdaçada, é um
o de corpo,
amordaçado
nas imagens;
à literatura,
s artes, em
epresentações
Como essa
real e
arece hoje nas
as e de suas
as?
rpo existe
da no mundo
palavras, mas
ntos neste corpo
um mundo
de projeções
le, há uma outra
agem, um outro
nicação.
PH - A fotografia?
IC - Ela mais que as outras.
Tento isso nas minhas
fotografias, esse outro canal,
de uma linguagem com
representações mais fluidas,
com menos corporeidade, de
um universo mais arcaico,
especialmente ligado ao Arké,
mais sensorial, isolado e
menos corporal, concreto.
PH - Nunca se falou tanto
em corpo, ou no isolamento
de corpos, ou na negação ao
corpo (para o caso de não
podermos chorar junto aos
corpos das vítimas da Covid)
como nesses tempos. Onde a
fotografia ou as artes visuais
dão conta dessa angústia? Já
podemos ver alguns exemplos
de artistas que encaram
esse problema do corpo, na
performance, por exemplo,
nesse momento tão trágico?
Há exemplos no Brasil e fora
de artistas envolvidos com
esse tema?
IC - Não me sinto tão à
vontade, porque sou fotógrafa
sem um exercício crítico,
de pensar o que têm feito
fotógrafes contemporânexs..
Mas penso que a fotografia e
as artes visuais têm um papel
fundamental neste momento
tão terrível, de extrema
angústia, de confinamento,
perdas, e algumas desgraças
adicionais que vivem alguns
países, o Afeganistão e em
proporções parecidas, o Brasil
atual. São momentos tão
trágicos de uma experiência
quase incomunicável, como
descreveu Walter Benjamin
sobre como as pessoas
voltavam da guerra. Ele
falava de limite, de violência,
de ódio e de uma falta de
linguagem que representasse
essa experiência. E aí as artes
visuais, com seus códigos
outros, que não precisam de
tradução, e que podem ir além
do fato, podem comunicar
muito da dificuldade,
da tristeza, do luto, da
desesperança de um tempo,
vivido de formas diferentes
destes dois lugares, onde o
vírus da Covid 19, desatrelado
da aliança perversa de política
e religião já fazem um estrago
muito grande.
PH -Nesta edição de
Unicaphoto, temos artigo
e ensaios que falam sobre
a representatividade dos
corpos de pessoas indígenas,
negras, corpos nãonormativos...
em oposição ao
corpo branco, “parâmetro
da autorrepresentação dos
indivíduos” (as aspas são
para citar a tese de Isildnha
Nogueira, citada nesta
edição). Como você vê esses
espaços e lugares de fala?
IC- Vejo como um espaço
fundamental. Não vi ainda os
ensaios nem li o artigo, porque
vocês estão me entrevistando
no momento de produção
da revista, mas penso que é
importante também sermos
retratados, conhecer o olhar
dessas pessoas sobre o mundo
que os emudeceu tanto tempo.
Para isso temos que dar
espaço, ouvidos e atenção
para nos aproximarmos
como pessoas, com nossos
códigos e corpos, mas não só a
representação desses corpos,
mas o olhar desses corpos
sobre todos os corpos, seus e
dos outros, e sobre mundo.
PH - Aspas para um
de nossos artigos: “É
assustadoramente vazio
viver em um mundo rodeado
de imagens e não se sentir
parte delas. Concordo
com a curadora negra
Luciana Ribeiro, quando
nos lembra que o desejo
pela própria imagem faz
parte da nossa construção
e da nossa individualidade
e humanidade.” Estamos
em uma corrida pelo Corpo,
a busca pela legitimidade?
Como trazer mais ainda esse
discurso para a discussão
mais ampla?
IC- Como disse antes,
corrigindo essa violência da
exclusão.
PH - Por falar em linguagem,
o corpo é mais uma metáfora
ou uma metonímia? Ou seja,
o corpo é um território onde
se inscreve o sofrimento
e o prazer, ou é mais um
discurso, um símbolo e
palavra? O que faltamos
decifrar nessa representação,
nessa esfinge, que é do corpo?
IC- Gosto muito de pensar
como Galeano, que “o
corpo é uma festa”. O
corpo tem uma linguagem
própria com sua forma,
cor, cheiro, movimentos,
volume, sintomas. O corpo
é simbólico, tangível e
intangível. Mas nesse período
de pandemia o corpo, do outro,
é uma ameaça, uma bomba
capaz de aniquilar os outros.
Essa é a representação do
corpo do outro para mim,
nessa pandemia. A minha
fotografia busca essa estética,
esses limites, que não são coo
teorias, são emoções carnais, e
doem do tanto que dói a vida.
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ensaio
“mulher de toda cor fala
sobre resistência, sobre
fantásticas mulheres que
existem, mulheres que,
mesmo aparentando serem
fora do real, ainda, sim,
permanecem em terra e são
realizadoras. São mulheres
que, além de tudo, levam a
natureza consigo.
este é um olhar e um
movimento que mostram
quem somos, sob as cores,
sempre levando em conta a
fluidez de tudo o que existe
dentro de cada uma de nós.”
por onde
tudo flui
por Raiz de Maria
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exposição

por Renata Victor e Yêda Bezerra de Mello
exposição virtual por Natália Albuquerque
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se um viajante...
Unicaphoto visitou a exposição “Andando pelo mudo afora” das fotógrafas Renata Victor e
Yêda Bezerra de Mello, na plataforma Artsteps [https://linktr.ee/duogaleria].
Renata Victor e Yêda Bezerra são
artistas visuais experientes, com
raízes no fotojornalismo (ambas
foram editoras de fotografia de
jornais e revistas). Porém,
o resultado dessa exposição tem
pouco a ver com esse ponto de
partida. Aqui interessa mais o
ponto de chegada. São imagens
itinerantes. De viagem. Não de
turismos. Viajar é uma coisa: viajar
com uma fotógrafa é outra. Viajar,
a fotógrafa, viajarem as fotógrafas,
é algo mais distinto ainda. Essa
exposição é a verdadeira viagem.
Uma metonímia e metáfora de se
estar em trânsito, mesmo em tempos
de congelamento.
Na entrada, o texto de parede
aponta para algumas singularidades:
a precisão das imagens de Renata
Victor e a “poesia” nas imagens
produzidas por Yêda Bezerra.
Quem visita a exposição poderá
tirar outras as mesmas conclusões.
A nossa é de que o texto de
apresentação acerta quando fala do
caráter contemporâneo das imagens
e nisso há casos positivos nas duas
poéticas. A exposição foi montada
por Natália Albuquerque e, com o
tempo, nosso olho vai catalogando
aquelas espécies e lugares e
detalhes, de modo que, ao sair,
jogamos fora as plaquetas. Não sei
se essa foi a ideia da curadoria. As
duas viajantes oferecem o mesmo:
não interessa para onde: sempre
estamos no mesmo lugar.
A silhueta de um homem solitário
em (uma) exposição, comprimido
pelo relógio, em Nova Iorque, na
foto de Renata, divide a sala com
homens de pedra, provavelmente
em Milão, no topo do mundo, ou
mulheres-gigantes em portais, nas
imagens de Yêda, para mencionar
um dos nichos.
De fato, Renata prefere a cena mais
urbana do mundo afora. Mas o que
dizer da imagem da outra sala, um
veteran car esmeralda, sob a noite
vermelha?
A moça perto de mim comentou:
“Essa cena me lembra Drummond”.
O senhor ao seu lado quis saber
mais. E ela comentou baixinho, se
afastando:
“stop/ a vida parou/ ou foi o
automóvel?/”
49

Andando pela vida afora:
vistas da exposição
virtual organizada por
Natália Albuquerque,
para a Duo Galeria, leiase:
as fotógrafas Renata
Victor e Yêda Bezerra de
Mello.
[Foto: Fernando Neves]
Pensei outra vez nos pontos de
partida e de chegada e no texto
de parede. E nas ilhas soníferas
de Yêda, como aquela ilha de
Konstantinos Kaváfis: “Quando
partires em viagem para Ítaca/
faz votos para que seja longo o
caminho,/”
Vale a pena, depois de visitar tudo,
se sentar diante do mar defronte
ao módulo que abriga a exposição
e notar como essas atmosferas se
misturam.
O vidente aqui não sabe se Yêda
e Renata fizeram alguma vez uma
viagem juntas. Não importa. Os
viajantes que somos, flanadores
e flanadoras, já roubamos essa
“experiência” das fotógrafas.
Me lembrei do ditado: “Quer
conhecer alguém? Viaje com esse
alguém.”
Aqui, cabe um corolário: “Quer
conhecer alguém, peça pra ver suas
fotos de viagem”, eu pensava.
Estava nisso quando o homem e
a mulher saiam da exposição. Já
não me pareciam tão estranhos.
Viajantes, andarilhos, vagantes, se
reconhecem por aí, andando pelo
mundo afora. “Andam por andar
somente, não necessitam de nada”,
acenou para mim Cecília Meireles.
Nota técnica:
A plataforma, se é assim que
se chama, Artsteps, ainda é muito
“dura”, mas isso não estraga
a visita. Tive dificuldades
de me locomover ali e por três
vezes acertei a cara em alguns
quadros. Contudo, isso foi bom,
porque verifiquei de as etiquetas me
levarem a linques onde se pode ver
as dimensões reais
das fotografias e como adquiri-las,
no site Duogaleria, leia-se:
www.duogaleria.com
50

Andando pela vida afora:
vistas da exposição virtual
organizada por Natália
Albuquerque, para a Duo
Galeria.
51

52

53

artigo
pássaros
54

invisíveis
Por Marconi Cordeiro e Tifanny Valente
55

56

Edmond Husserl, o filósofo e
fenomenologista, defendia que o
corpo é o ponto-zero de referência.
É partir desse marco zero que nosso
mundo consciente se organiza. Essa
consciência está naquilo que cheiramos,
escutamos, vemos, tocamos. O corpo é
o meio para se entender o mundo.
Mas isso já Marleau-Ponty. Cheguemos
mais perto. Há ainda elementos do
mundo da psicologia, da percepção,
que no mundo da trívia nos mostra em
documentários científicos e filmes cult:
os indígenas não viam as primeiras
caravelas.
Cheguemos mais perto ainda.
Esse ensaio de Marconi Cordeiro e
Tifanny Valente tentam, pela repetição,
pela repetição, pela repetição, enfrentar
certo deslocamento do olhar: as pessoas
e a paisagem.
A partir de técnicas de sobreposição,
comuns à linguagem do vídeo, os
autores fotografaram a paisagem do
Recife atual, mas sempre antigo em
desigualdades. Esse deslocamento tem
viés de consciência e conscientização,
fenômeno perceptivo e social, ao
mesmo tempo. A partir do fato real,
perceptual, e aponta para um tipo de
cegueira social.
Não são fotógrafo e fotógrafa de
paisagem. A paisagem serve para
definir a relação do eu com o outro eu, o
mundo. A história da fotografia ensinou
isso aos autores deste ensaio. Não
são, contudo, simplesmente fotógrafos
documentais. Eles assumem a caráter
experimental do trabalho. Algo do
experimento de repetições de René
Magritte? Sua mão pintando o Império
das Luzes na rua das Mimosas?
O experimento desses autores se passa
no Recife dos anos 2020 e não nos
anos 1950. Suas inspirações chegam
mais perto: “A fotógrafa Diane Arbus
nos serviu de grande influência para
criar retratos do que a sociedade
evitar enxergar, o que é posto como
‘invisível’”, comentam.
Mas há mais aproximação ainda da
fotografia social, contemporânea:
57

“Aline Motta nos ajudou a pensar mais
sobre discutir questões de invisibilidade.”
Eles estão falando da artista visual e seu
vídeo “Poupa tempo” (2’47”, 2015),
onde se vê com clareza a inspiração
da cultura do vídeo, neste trabalho
publicado em Unicaphoto.
“Corpos se tornam uma massa amorfa,
sem identidade, subrepticiamente
integrados à paisagem urbana.”
Esta fala é da artista Diane Arbus,
no seu site, sobre o vídeo que inspirou
Tifanny e Marconi.
Mas este trabalho inova porque é
experimento feito por repetições.
Assumidamente. Sem a repetição,
esqueça a ciência. A fotografia.
“Buscamos estabelecer um campo de
alusões para um trabalho fotográfico”,
dizem Tifanny Valente e Marconi
Cordeiro. Alusão é uma referência
vaga, enviesada, sem foco, sobreposta.
é parte de uma retórica. Não tem a
força do axioma. Se sustenta, quem
sabe, nos paradoxos. O Brasil é país
das alusões. E da fome. Recife é a
capital das alusões. E da fome. Pessoas
em estado de risco no Recife fazem
parte desse deslocamento de retina,
de retícula, da pele, do corpo, do tecido
social brasileiro.
Os artistas preferiram correr riscos.
Cheguem mais perto. A repetição é a
monotonia. A monocromia. A paisagem
cinza, onde se pode ver, no nada,
uma cidade invisível aparecer sob as
camadas e camadas de outros nadas.
Venham para mais perto. Onde o
inverossímil se torna verossímil.
O invisível, visível. A pessoa, a
paisagem. O plano, o fundo.
Sob o som angustiante do arrulhar de
pombos, ao meio dia, onde um rosto
humano, demasiado humano, comparece
para a fotografia.
Mais perto: o ponto-zero. Bem perto: a
estalar da consciência.
Um estranho Ecce homo.
58

59

artigo
E se expandíssemos interpretação que fazemos
sobre as imagens fotográficas, de forma
tentarmos transcender a superfície estética da
representação e da materialidade discursiva?
Nos sobraria um pouco mais de espaço para
compreendermos os lugares, as vivências e as
histórias de quem a produziu? Quem esteve por
trás daquele olhar, momentos antes do clique e
porque escolheu emoldurar apenas aquela cena
como forma de expressar uma visão de mundo?
enegrecer
olhares,
reposicionar
presenças
Por uma fotografia
negra brasileira
Por Daniel Meirinho
Para o entendimento das narrativas visuais, temos que
perceber algumas estratégias, por vezes ocultas, que
fotógrafos/as/es utilizam como canal relacional e expressivo
para falar sobre si mesmos com o observador. Estaríamos,
assim, desacelerando a frenética forma de observação do
mundo para indagarmos se aquela fala, e olhar, estaria
autorizada para apresentar aquele contexto ou aquelas
pessoas. Qual recusa pode ser feita quando alguém se vê
reduzido a uma representação mimética, de semelhança e
verdade (DUBOIS, 1989) pela qual a fotografia sempre foi
construída? Alguns autores falam que a estratégia passa
pela “apresentação” (FERREIRA DA SILVA, 2020), de
pôr-se à diante, em primeira pessoa.
Tal abordagem implicaria que pessoas indígenas, negras, não-
-binárias, nordestinas retomassem suas imagens e pudessem
recontar suas histórias. Um desfazimento que anularia a
necessidade de mediação de olhares curiosos que sempre
buscaram reproduzir uma rede de significações normativas e
60

de convenções visuais que determinaram a estereotipagem
racial do exótico, do diferente, do subserviente, e até
mesmo do indesejável e inaceitável, em oposição ao corpo
branco, “parâmetro da autorrepresentação dos indivíduos”
(NOGUEIRA, 1998, p. 46).
Esse resgate possibilitaria a recuperação de outras
narrações e outras histórias sobre a existência de
pessoas negras e indígenas, quando a fotografia é e
sempre foi historicamente uma ferramenta elitista
e construída sobre um olhar de expropriação da
representação do outro. A questão demarca um ideário
político-social estruturante (ALMEIDA, 2019) que dá
continuidade ao preconceito sobre corpos racializados e
não normativos, vistos e sentidos como assunto/objeto
e não como sujeitos.
Denise Ferreira da Silva (2020) nos dá pistas
para compreendermos a arte contemporânea,
particularmente a anticolonial, quando diz que ela se
move com o objetivo de contra-atacar essa violência
da representação que controla a imaginação e os
imaginários atrelados as representações de corpos
marginais. As fotografias produzidas por estes artistas
assinaram seus marcadores raciais, de classe, gênero,
sexuais e territoriais como um arsenal bélico, de
confrontos. Formas de expor na presença de alguém
em termos de igualdade, sem serem expostos, pois
o entendimento sobre direitos de imagem passa
por pessoas “livres” também não aceitarem ser
representadas por alguém, além delas próprias. Talvez
tenha sido neste ponto que a fotografia brasileira
negra venha a buscar sua presença. Não no ato de não
apenas representar alguém, mas de afirmar a própria
vida de quem a produz sendo manifestada a partir de
uma inscrição autobiográfica do seu corpo e das suas
vivências, em primeira pessoa.
É assustadoramente vazio viver em um mundo
rodeado de imagens e não se sentir parte delas.
Concordo com a curadora negra Luciana Ribeiro
(2020), quando nos lembra que o desejo pela própria
imagem faz parte da nossa construção e da nossa
individualidade e humanidade. Muniz Sodré (2018)
explica essa lógica perversa de não-lugar e não
pertencimento, quando diz que o racismo brasileiro é
configurado a partir da “saudade” de uma branquitude
que olha para o outro como “um objeto em falta
utilitária na trama das relações sociais” (2018, p.
15). Algo que está inscrito no nosso subconsciente,
sem justificativas racionais ou doutrinárias, mas com
o sentimento de que os lugares sociais já estariam
A escritora e ativista negra
norte-americana Gloria
Jean Watkins, conhecida
como bell blair hooks, assim
mesmo, em minúsculas.
[Foto: bell hooks Institute]
61

socialmente e culturalmente muito bem distribuídos
e não sobraria mais espaço para novas narrativas e
novos olhares.
Se não me vejo, não me reconheço, portanto não
pertenço (RIBEIRO, 2020). É deste desequilíbrio
de presenças que a história da fotografia se encontra
e possibilita a continuidade das estratégias de
representação atreladas à construção e difusão do
racismo cotidiano que foi criado e cristalizando
permanecendo nos imaginários sociais da população
brasileira. Mesmo compreendendo que sub-categorizar
os indivíduos pela raça sempre foi, e continua
sendo, uma ferramenta de poder da branquitude, é
importante debatermos a ênfase de uma fotografia
negra brasileira.
O fotógrafo que se identifica como negro indica nas
suas imagens o seu lugar de fala,
“Jota Mombaça é uma bicha não binária, nascida e criada
no Nordeste do Brasil, que escreve, performa
e faz estudos acadêmicos em torno das relações entre
monstruosidade e humanidade, estudos kuir,
giros descoloniais, interseccionalidade política, justiça
anti-colonial, redistribuição da violência,
ficção visionária e tensões entre ética, estética,
arte e política nas produções de conhecimentos
do sul-do-sul globalizado.”
[Foto e texto do site www.jotamonbaça.com]
e traduz politicamente a urgência de um debate racial
no seu tempo e na sua história (NASCIMENTO,
1978; MUNANGA, 1986; MBEMBE, 2018; hooks,
2019). Omitir a raça ou a etnia de quem produz
essas fotografias pode contribuir para apagar e vedar
uma pluralidade de olhares e perspectivas, pois se
eles não se posicionarem quem irá? Lembramos que
no Brasil não há interesse no diferente do que sempre
foi imposto ou no outro, especialmente quando já
arquitetaram um entendimento palatável do que seria
uma identidade brasileira miscigenada.
A fotografia em sua crise identitária de
reconhecimento entre linguagem artística e registro
documental (ROUILLÉ, 2009; ENTLER, 2009), tem
ignorado o debate sobre representatividade e a
presença de fotógrafos negros nos festivais e mostras
nacionais de fotografia, que atrasaram e muito uma
necessária discussão sobre autorrepresentação. As
estratégias de resistência e olhares internos negros e
indígenas sempre existiram no esforço de fixar novos
significados que contestam a repetição das fantasias
racistas, mas nunca tiveram visibilidade. Basta
reconhecermos uma presença ampla de fotógrafos
populares, que retratam famílias e agendas culturais
locais nas periferias, quilombos e aldeias indígenas
brasileiras, que foram reduzidos ao anonimato e a
clandestinidade dos cultos e rituais ou ao conceito das
artes “populares, e que nunca ganharam o cubo branco
(MUNANGA, 2019).
A vivência negra brasileira, que demarca a
sistematização de suas experiências de corporeidade
ancestral, histórica e cultural, sempre passou por uma
construção fotográfica de narrativa e legitimidade
do olhar branco (MEIRINHO, 2020). E quando os
lugares de fala (RIBEIRO, 2019) ou de enunciação
(BERNARDINO-COSTA e GROSFOGUEL, 2016)
são questionados, o desconforto curiosamente parece
ganhar mais força do que a representatividade e
a inclusão de fotógrafos negros no cenário local.
Como Jota Mombaça (2021) coloca, a crítica
tendencialmente branca insiste em identificar esse
reconhecimento, de forma muito agressiva, como uma
prática de censura “na medida em que os ativismos
do lugar de fala supostamente desautorizam certos
corpos (nomeadamente os brancos, cisgêneros,
heterossexuais, etc.) a falar” (MOMBAÇA, 2021,
p. 36). A pensadore e artista negre, nordeStine
e não-binárie, nos alerta sobre as contradições
intersubjetivas de como algumas alianças brancas,
que são estabelecidas na luta antirracista por maior
representatividade, visibilidade e circulação, geram
62

armadilhas que se fecham em uma certa expectativa
à cumprir, ou que a existência de fotógrafos negros
venham a se alinhar aos privilégios de raça, classe e
gênero hegemônicos. Uma estratégia de “reciclagem
pós-colonial” que valida um regime de verdade que até
hoje determina quem enuncia e quem continua a ser o
representado.
Ainda não se estranha essas ausências e não se aceita
a possibilidade que a representação sobre corpos
negros e indígenas, e suas problemáticas, seja feita em
primeira pessoa, como uma estratégia de apresentação
(FERREIRA DA SILVA, 2020). Esse é um momento
de revisão e ajuste e não temos mais desculpas para
dizer que esses outros olhares não existem.
Reconhecemos que a complexidade da discussão sobre
uma fotografia negra brasileira, pois não existe uma
fotografia e uma fotografia negra, em paralelo. Apesar
da importância de sua ênfase e lugar de fala, também é
redutor encaixotar e limitar o artista fotógrafo negro a
falar apenas de questões raciais pelo simples fato de ser
uma pessoa negra. Ainda se tematiza se colocarmos
essa produção ali, ao lado, limitada a um espaço, ou com
visibilidade em apenas um mês. Se não fazemos essa
cobrança na fotografia feita por pessoas brancas, um
fotógrafo negro têm o direito e liberdade de falar de
suas experiências de vida, sem a exigência de seu
trabalho ter um enfoque racializado. A fotografia
negra vem coabitar um lugar de reconhecimento de
diversidade de vozes e estabelecer um debate a partir
de como cada pessoa olha para si mesma e para o
outro em sua subjetividade. Não mais como um objeto
ou assunto a ser capturado e exposto, mas como
uma tentativa de inscrever um novo ordenamento
e reestruturação de narrativas invisibilizadas e
silenciadas.
O projeto Olhos Negros
como um novo ato
fotográfico
Em um movimento narcisístico inverso, tão
abordado na história da fotografia por Rosalind
Krauss, Susan Sontag, Roland Barthes, Margarida
Medeiros, Boris Kossoy, Luana Navarro, entre outros
(RIBEIRO, 2020), as imagens fotográficas propõem
simbolicamente uma liberação do encantamento que
condenou e impediu a branquitude de se reconhecer
de forma afetiva além do seu próprio reflexo. Como
aponta em suas pesquisas Vilma Neres (2021), a
consolidação, mesmo que ainda muito restrita, da
Figura 1:
Perfil do projeto Olhos Negros
no Instagram
63

Figura 2:
Postagem do perfil do fotógrafo negro
Gabriel Lima (BA)
Figura 3:
Postagem do projeto
#EmMemória sobre a fotógrafa
camaronesa Ginette Daleu
arte afro-brasileira repercute hoje com a existência
de fotógrafos como Walter Firmo (1937), Eustáquio
Neves (1955), Lita Cerqueira (1952), Lázaro Roberto
(1958), Dora Souza (1957), Sónia Chaves (1952) e
Januário Garcia (1943-2021).
Assim, jovens fotógrafos e artistas como Rosana
Paulino (1967), Aline Motta (1974), Ana Lira (1977),
Marcela Bomfim (1983), Gê Viana (1986), Silvana
Mendes (1991), entre muitos outros e outras têm
ampliado suas presenças nos espaços de legitimação
e validação artística. Suas imagens têm influenciado
diretamente na articulação de arranjos coletivos
que buscam o adensamento da complexidade visual
em torno do racismo contemporâneo. A riqueza de
abordagens estéticas propostas pelos fotógrafos negros
contemporâneos nas redes sociais digitais e nos espaços
institucionalizados da arte buscam abordar a negritude
da sua pluralidade de formas e representações.
Com uma maior exposição de fotógrafos negros nos
espaços de arte e nas redes sociais, tem se ampliado a
visibilidade, o interesse e investimento de instituições,
colecionadores, ativistas e entusiastas das múltiplas
e interseccionais formas de representação fotográfica
(PATTON, 1998; POWELL, 1997).
Como forma de compreensão do cenário da fotografia
negra contemporânea brasileira e de perceber os
significados e simbolismos manifestados a partir
das imagens, o projeto Olhos Negros: Visibilidades
e alteridades na fotografia negra contemporânea
brasileira se juntou, em 2020, à iniciativas que
já aconteciam como a do Coletivo Afrotometria,
[Ver mais em https://www.afrotometria.com.br], do
Projeto Afro,[Ver mais em https://projetoafro.com],
Negras[fotos]grafia, [https://www.instagram.com/
negrasfotosgrafias/] e o projeto Fotógrafas Negras
[https://www.instagram.com/fotografasnegras/]
na tentativa mapear, catalogar e inventariar estes
produtores fotográficos negros e que atuam nos
diversos territórios do país. A pesquisa é desenvolvida
pelo Departamento de Comunicação Social da
Universidade Federal do Rio Grande do Norte
(UFRN) e busca ampliar debate sobre decolonialidade,
fotografia, questões raciais, estigmas e cultura visual
e identificar a partir de entrevistas e análises visuais
questões de identidade, representação e resistência
racial que recaem sobre as imagens.
A investigação é coordenada pelos professores Daniel
Meirinho e Rodrigo Almeida, com a colaboração de
alunos e alunas dos cursos de Jornalismo, Audiovisual
e Publicidade e Propaganda, da UFRN. A pesquisa
tem uma base de dados de mais de 120 fotógrafos/as/
64

es negros/as/es entrevistados e divulga semanalmente
em seu perfil no Instagram [Ver mais em https://
www.instagram.com/projeto.olhosnegros/] (Figura
1) o trabalho de fotógrafos de todas as regiões do
Brasil que participam do mapeamento (Figura 2).
Compreendemos essa movimentação de circulação
e partilha de saberes como uma experiência de
aquilombamento, proposto pela historiadora Beatriz
Nascimento (2006), que busca construir visualmente
mundos e referências a partir de uma agregação
de forças e amparo de um conjunto de indivíduos
que não se sentem apoiados pelas políticas de
inclusão e visibilidade. São tecnologias ancestrais e
práticas de resistência decorrentes dos ambientes de
militância do movimento negro que dão vida à ações
coletivistas a partir do acolhimento das diferenças, das
singularidades e dos pensamentos, em espaços como o
proposto pelo projeto de pesquisa.
Uma vez por semana ainda o perfil do projeto
ainda publica referências teóricas e bibliográficas
relevantes para a área, projetos coletivos que utilizam
a fotografia como linguagem expressiva e #tbts do
projeto #EmMemória, com perfis de fotógrafos negros
que tiveram uma atuação marcante na história da
fotografia mundial (Figura 3).
Todas as terças-feiras são realizadas reuniões de
planejamento e encontros do Grupo de Estudos
com o debate de textos e obras relevantes para o
tema da fotografia e da arte afro-brasileira, negra
e diaspórica. Com o foco na troca de experiências
com o público externo à universidade, acontecem os
Encontros.ON, toda a primeira semana de cada mês.
Fotógrafos/as/es, realizadores/as/es, cineastas e
artistas visuais negros/as/es são convidados para
conversas virtuais sobre a produção e a circulação de
seus projetos autorais, ampliando o debate em torno
da complexidade da produção e da representação
fotográfica negra contemporânea em âmbito nacional.
O projeto Olhos Negros busca tencionar a
universalidade que demarca esses lugares de
apagamento na fotografia brasileira. Assim, apesar
do racismo ser uma questão estrutural e estruturante
no Brasil (ALMEIDA, 2019), as experiências sobre
a vivência da negritude ocupam distintas trajetórias.
É percebido um conjunto de múltiplas estruturas que
atravessam os fotógrafos negros brasileiros, desde
a demarcadores territoriais de contextos urbanos e
rurais à questões que cruzam questões de classe, raça
e sexualidade, ancestralidade, geolocalização, matrizes
identitárias afroindígenas e mestiças, entre muitos
outros atravessamentos interseccionais.
Basta uma virada de pescoço nos festivais de
fotografia ou em qualquer vernissage para atestar a
presença majoritária de pessoas brancas. Os dados
coletados pelo mapeamento apontam que de 122
fotógrafos entrevistados, 39% dos fotógrafos atuam
no Nordeste e 32% residem na região Sudeste, sendo
ainda uma escassez de participação de fotógrafos do
Norte (8%) e do Centro-Oeste (8%). De acordo com
a pesquisa, apenas 20% já tiveram a oportunidade de
exibir seus trabalhos em mostras, festivais, galerias
e exposições físicas ou online, enquanto 80% nunca
conseguiram expor suas fotografias, além das galerias
nas redes sociais.
Esse dado evidencia uma dimensão da exclusão
existente para alguns grupos dentro do circuito
da fotografia nacional e acende um alerta para a
centralização de atuação destes artistas e profissionais
no Nordeste e Sudeste do país. Sem nem refletir sobre
a migração e quantidade de oportunidades o circuito
Sobre a formação e educação visual dos participantes,
79% já fizeram algum curso na área da arte e da
fotografia, desde workshops, oficinas, cursos de
extensão e de curta duração. Os dados apontam para
que apenas 40% dos participantes cursam ou tem o
ensino superior completo.
O fato representa a tendência para uma formação
técnica em fotografia, mas não revela um maior acesso
à universidade.
A pesquisa cita que a fotografia continua ainda a ser
eminentemente masculina (59%) ao se comparar
ao número mulheres fotógrafas (40%). O contexto
de desequilibro de gênero piora quando se fala de
pessoas negras travestis e transexuais, em que
apenas uma pessoa fez parte da coleta. Enquanto
alguns números comprovam a escassez dos acessos
da representatividade de gênero, classe social e
sexualidade, do grupo de 122 entrevistados, 82%
apontaram ter começado a fotografar em 2014,
configurando o quesito etário por um grande número
de jovens atuando na fotografia negra brasileira.
Sobre suas imagens e gênero fotográfico, 63%
65

afirmam produzir fotografias documentais, 62 %
declara possuir uma produção artística autoral e 54%
diz ter que suas fotografias são ativistas,
ideológicas e sociais.
Essa questão trata-se de um movimento estéticopolítico
que equilibra poderes entre aqueles que
representam e aqueles que são representados. A
representação permanece sendo uma forma de ecoar
as tensões raciais enquanto um compromisso político
inadiável na fotografia contemporânea
O coletivismo é observado quando a pesquisa aponta
que 48% dos fotógrafos têm ou já tiveram nos últimos
dois anos a participação em coletivos de artistas,
grupos culturais, movimentos sociais e organizações
ligadas ao movimento negro. A prática coletiva,
enquanto lugar simbólico de troca de vivências, tem
se ampliado para a criação de espaços de acolhimento
(SODRÉ, 2017) e reconhecimento de corpos
racializados plurais (BATISTA, 2019). São lugares
de agregação e segurança que fazem esses fotógrafos
criarem assentamentos e partilharem experiências e
práticas de resistência. Enxergamos como espaços de
aglutinação, ou de saída no que Fred Moten e Stefano
Harney (2013) apresentam como estratégias de
fuga, não territorial física, mas como um programa
de existência a partir fugitiva, que desprograma a
norma e recria novas performatividades de recusa e
opacidade (GLISSANT, 2008).
Notas conclusivas
O projeto Olhos Negros está ainda na fase de coleta
de dados e análise de resultados, mas já se apresenta
como uma plataforma que busca tencionar o estatuto
de privilégios e de universalidade da fotografia
brasileira reside muito confortável. As poéticas
de resistência e de presença estão postas à mesa e
revelam a urgência de um debate sobre equidade,
demonstrando que reposicionar corpos, subjetividades,
lugares e imagens só será possível a partir de um
reposicionamento de privilégios. O “dar espaço”
ou “dar visibilidade” não pode ser mensurado ou
uma moeda de troca para a dimensão negativa de
“perder espaço” ou “perder visibilidade”. Quando a
fotografia decide usar seu privilégio para partilhar
olhares (negros, indígenas, trans, gordos, nordestinos)
não deveria haver limites ou condições para essa
distribuição. Não são cotas, mas sim formas de todos
multiplicarmos nossas perspectivas e presenças.
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RIBEIRO, L. A narcísica história da fotografia e possibilidades
de saída de uma história única, SP-ARTE 365, <Disponível
em https://www.sp-arte.com/editorial/a-narcisica-historia-dafotografia-e-possibilidades-de-saida-de-uma-historia-unica/>.
Acesso em: 26 julho. 2021.
ROUILLÉ, A. A Fotografia: entre documento e arte contemporânea.
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SODRÉ, M. Filosofia a toque de atabaques. In: Pensar Nagô.
Petrópolis, RJ: Vozes, 2017.
_________. Uma lógica perversa de lugar. Revista ECO-Pós, v. 21,
n. 3, p. 9-16, 2018.
66

flashes
Ontem
por Betânia Corrêa de Araújo
As fotografias deixaram de ser
impressas e abandonaram os álbuns
e porta-retratos de família, agora
vazios. Vazios também estão os
cadernos com a narrativa das
experiências construídas com palavras.
Os diários deixaram de ser escritos.
Agora nossas imagens, arquivadas nos
telefones móveis, funcionam
como testemunho dos nossos
trajetos e aventuras.
Nossos diários de bordo.
Com a capacidade de armazenar
milhares de fotografias
em aparelhos cada vez mais sofisticados,
os aplicativos desenvolvidos
com alta tecnologia nos enviam
diariamente imagens
do passado, arquivam nossos álbuns,
escolhem trilhas sonoras
para animar nossas viagens
e organizam nossas celebrações.
Direcionam nosso pensamento.
A circulação de nossas histórias
acontece não mais nos ambientes
privados das nossas casas, de nossas
aldeias, mas no mundo do Instagram,
do facebook, do tiktok.
Uma exposição sem limites espaciais
ou temporais.
Bilhões de diários, flutuam sem
cerimônia nas nuvens.
Nuvens de Babel.
67

ensaio
Recife,
29 de maio
de 2021
por Arnaldo Sete, Douglas Fagner,
Melissa Fernandes e
Sérgio Maranhão
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Polícia militar encurrala manifestantes
em ato pacífico, no dia 29 de maio de
2021, no centro do Recife.
[Fotos de Melissa Fernandes]
69

A policia impede que a
manifestação pacífica
siga, em fila indiana,
por conta das medidas
sanitárias; e isola a
avenida Guararapes.
Momentos seguintes,
os policiais avançam
contra os manifestantes
e começam os
disparos, o uso de
gás lacrimogênio e as
prisões. Arbitrárias.
[Foto de Arnaldo Sete]
70

O sinal estava fechado
para a livre-expressão
naquele 29 de junho.
Entre muitos protestos
naquele dia, somente
no Recife tivemos
episódios de violência
policial. [Foto de
Douglas Fagner]
Outra vítima da
violência: o trabalhador
Jonas Correia de
França, de 29 anos.
Atingido no olho
esquerdo, sem chance
de recuperação.
Segundo as
autoridades,
a autorização não
partiu do governo de
Pernambuco. E de
quem?
[Foto de Arnaldo Sete]
71

Acima, duas fotos
de Arnaldo Sete e,
abaixo, foto
de Sérgio Maranhão.
Em todas,
cenas que
transformaram o
centro do Recife em
uma campo de guerra
bem desigual.
72

O trabalhador Daniel
Campelo, 51 anos,
atingido por bala de
borracha disparada pela
Polícia Militar, perdeu
a visão de um dos olhos,
durante repressão às
manifestações pacíficas
contra o presidente Jair
Bolsonaro.
[Foto de Sérgio Maranhão]
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performance
olho
por
olho
por Flávio Costa
74

Foto: Flávio Costa
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dente por dente,
imagem por imagem
Engajamento, do francês Engage. A palavra nasce
quase junta ao existencialismo de Sartre, lá pelos
nos anos 50, 60 do século passado. Jean-Paul Sartre
(1905-1980) foi desses que mudou bastante de
opinião durante a vida e isso caracteriza mesmo o
fazer filosófico. Vai para além do cafezinho cult da
TV. A palavra “engajamento” hoje pulula nas redes
sociais. É preciso não só se engajar, mas engajar
alguém. Converter. Converter-se a si próprio até, se
isso é possível, se nos lembramos do garçom, de O Ser
e o Nada, desse Sartre, para lembrar café & filosofia.
“Estamos o tempo todos engajados, desempenhando
papéis”, dizia o filósofo. E os não-engajados estão
mais engajados ainda, dizemos nós. Se um fotógrafo,
em tempos atuais, escolhe fazer arte pela arte, um tipo
de purismo estético e asséptico, deve estar consciente
de sua opção afetar o mundo em volta, a política em
volta, a volta dos piores regimes, a volta do parafuso.
Ninguém está isento. Nem passa impune. O fotógrafo
e performer Flávio Costa entendeu isso rapidamente,
diante do abuso de poder, durante as manifestações
contra Jair Bolsonaro (veja o ensaio “Recife, 29 de
maio de 2021”. Na página XX). Engajou-se, mediou
e liderou ato de arte política que viralizou nas redes
sociais. “Em relação à performance, esse foi o meu
primeiro trabalho, onde pensei, planejei todas as ações
e deixei de registrar a ação para ser o ator, nela.”
Há tempo, Costa dirige seu trabalho de artista visual à
luta contra a violência, aos conflitos no campo, contra
a exploração sexual de crianças. A ação que tomou
as redes naquele sábado foi ato de arte pensada. Sem
intenção, não há arte. A performance reflete seu
engajamento político, na vida real. @flaviorcosta é
também Flavio Costa. Pessoa e persona (eis outra
palavra ululante na boca dos estagiários de marketing
das redes) no mesmo corpo.
Claro: Flávio Costa não lida com os likes das redes
senão para reforçar seus atos artísticos e políticos.
Hoje, 19 de agosto, Dia Mundial da Fotografia,
ele tem perto de 60 mil seguidores no Instagram.
Não se considera um influencer. É um artista,
um fotógrafo. Sabe das responsabilidades do
engajamento e da representação.
Sempre vivemos em rede, hoje mais ainda, e a
luta é pela sobrevivência virtual, a “supremacia
da imagem”, do avatar, um tipo de cabeça sem
corpo, onde conta mais a audiência para uma
espécie ainda não totalmente catalogada de
emoção.
Pensando nisso, perguntamos ao fotógrafo,
pelo WhatsApp, durante a edição desta matéria:
“É possível de as pessoas terem se comovido
mais vendo fotos de sua performance que mesmo
com fotos do fato
em si, de pessoas atingidas durante o protesto de
29 de maio? O que sensibiliza mais as pessoas
hoje? A metáfora ou a realidade?”
“A realidade será sempre mais impactante,”
respondeu Flávio. “porém a arte, neste
caso, através da performance, tem o poder
de intensificar essa realidade. Na minha
performance eu coloquei 100 pessoas
representando as vítimas das atrocidades da
PM e esse volume de pessoas, com “sangue no
olho”, sensibilizou bastante as pessoas. Isso teve
grande repercussão nas redes sociais.”
“Olho por olho”, de Flávio Costa, acorreu no
dia19 de junho de 2021, no Recife. Marcou
não somente a estreia do fotógrafo na arte
performática, pública. “Funcionou” mais que
listas e abaixo-assinados. Nada contra. Melhor
que centenas de notas de repúdio e posts de
Facebook. Alterou a vida das pessoas. De fato.
A ação deve estar ainda tocando pessoas nas
redes. Suas imagens podem ainda influenciar
fatos sociais e políticos, como as eleições de
2022. Se isso não for arte, que no geral não
tem utilidade alguma, passa a buscar outros
significados. E a fazer muita gente refletir e
encarar, nos perfis, a vida de frente.
76

Olho por olho: multiplicações:
efeito viral nas redes, contribuiu para
alteração dos fatos, na vida real.
A foto que aparece nas postagens
é de Marlon Diego
“Antes mesmo de
começar a performance
eu já havia alertado
os seguidores de
que eu faria algo nas
manifestações. Na minha
primeira postagem no
Twitter foram mais de 80
mil interações. Durante
a performance, a ideia
era ser fotografado e
não fotografar. Então
o fotógrafo Marlon
Diego fez uma foto
minha que em pouco
tempo viralizou na
internet. Perfis no
Twitter e Instagram com
milhões de seguidores,
começaram a postar
e retuitar. Pessoas na
manifestação postando
em suas redes e jornais
como o El País falando
sobre a performance
contribuíram para
espalhar ainda mais.
Mais de um milhão
e oitocentas mil
vizualizações. [...] Dias
depois caiu toda a cúpula
da PM responsável
pelos ataques e os
policiais envolvidos
foram afastados, devido
a grande repercussão.
Quero acreditar que
contribui um pouquinho
e, dessa forma, me senti
‘vingado’: olho por olho.”
Flávio Costa, jornalista,
fotógrafo, performer
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Foto: Flávio Costa
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Foto: Luciano Costa
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ensaio

o ouro
de Oxum
por Jéssica Lopes
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Jéssica Lopes, mulher negra,
mãe, casada com uma mulher
incrível, estudante de fotografia
na Unicap, Educadora social e
produtora Cultural nas Coletivas
Espaço Cultural das Marias e
Periféricas.
O trabalho “O ouro de Oxum” faz
parte de um projeto da Coletiva
Espaço Cultural das Marias
(@espacoculturaldasmarias)
chamado “Cultura de Favela”,
onde o intuito é compartilhar,
enaltecer e ajudar na visibilidade
dos trabalhos de artistes e
artesãos, negres, Lgbtqia+,
favelades, da comunidade do
Ibura.
Essa é uma performance de Lua
Maria, que traz sempre na sua
dança a busca, o reconhecimento
e o reencontro com a
ancestralidade.
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azul de
tão preto
Noir-Blue - deslocamentos
artigo
de um dança, de Ana Pi
por Elysangela Freitas
A dança negra existe, aliás,
é a única que tem uma cor.
Ana Pi
Mineira de Belo Horizonte, Ana Pi é uma artista
coreográfica e da imagem, pesquisadora das danças
urbanas, dançarina contemporânea e pedagoga. Graduada
pela Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia
– Brasil, em 2009/10, estudou no Palácio das Artes em
Belo Horizonte e no Centre Chorégraphique National de
Montpellier, na França, formação EX.E.R.CE, sob a direção
de Mathilde Monnier.
Ana performa e palestra, com apresentações realizadas
na América Latina, na Europa e na África. Por meio
de seu trabalho e como resultado de suas pesquisas,
ela também se interessa pelo desenvolvimento de
uma prática pedagógica, concebendo um diálogo mais
direto com o público. Assim, dentro deste processo,
ela ministra oficinas de dança, baseadas no que vem
desenvolvendo, chamadas de Corpo firme: danças
periféricas, gestos sagrados, onde as danças originárias
das periferias das grandes cidades, também conhecidas
como danças urbanas, se relacionam intimamente com
gestos sagrados presentes na Diáspora Negra. 1
Seu interesse é pelas danças que emergem nas periferias
das grandes cidades do mundo, ditas também danças
urbanas, danças de rua, ou ainda, street dance. Um
encontro em que a dança, enquanto linguagem, transmite
conhecimento, emoções e imagens através do corpo e de
seu movimento. 2
Noir-Blue, espetáculo de
dança solo
Foto: Daniel
Nicolaevsky
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A artista se apresenta como uma pessoa curiosa, um
corpo atento às coisas do mundo. Sua prática criativa
e pedagógica passa pelo trânsito, o deslocamento, o
pertencimento, a sobreposição, a memória, as cores, as
ações ordinárias e seus gestos. Para Ana Pi:
A diáspora negra forçada em direção às Américas
durou cerca de 400 anos. Em outro terreno e sob a
opressão do contexto, esta imensa massa humana
em deslocamento teve a perspicácia de dançar.
Compreender esse impacto oferece a oportunidade
de viver de modo diferente as danças emergentes
de zonas periféricas das cidades, ditas danças
urbanas. A pesquisa coletiva sobre a adaptação,
groove, improvisação e freestyle são a base desta
prática. Dançar em roda, ativar pés, bacia e
olhos são aqui percebidos como gestos sagrados,
produtores de expansão em permanência. 3
Em 2017 Ana Pi cria Noir-Blue, espetáculo de dança
solo, e, estreia o seu primeiro filme intitulado Noir-
Blue – deslocamentos de uma dança (27min) , gravado
em 2016 em 9 países da África (Níger, Burkina, Mali,
Nigéria, Angola, Guiné Equatorial, Costa do Marfim,
Etiópia e Mauritânia).
A viagem para os países africanos da África sub-saariana,
ou África Negra, aconteceu em 2016 no meio do processo
de criação do espetáculo Noir-Blue. Em sua pesquisa, a
que ela chama de exercícios de pertencimento, Ana queria
entender o conceito de dança negra e de como poderia
trabalhar de uma forma mais aberta, colocar juntas danças
que são de contextos totalmente diferentes, como uma dança
de cerimônia e uma dança de batalha, estava preocupada
primeiro em fazer o espetáculo de dança. Ana conta que:
Durante a viagem fui fazendo aqueles experimentos
(...) e encontrei pessoas que foram me dando mais
informações sobre danças negras. Então tudo foi
ficando mais rico, e foi nesse momento que resolvi
pensar nessa expressão racista “azul de tão preto”.
Foi uma questão que me coloquei: como eu criaria
uma dança “azul de tão preta”? 4
4 de agosto de 2016
retornar <> revenir,
mais um exercício para essa criação (azul) em
deslocamento.
Ontem em Paris, ao som da super 8 de Indira
Dominici, dancei aqueles gestos trazidos de África,
das 9 cidades percorridas em junho e julho desse
ano. Dentro do meu tênis ainda tem areia da
Mauritânia, percebi. Coberta pelo meu tecido eu
90

As fotos que
acompanham este
artigo são frames
do documentário
NoirBLUE – les
déplacements d’une
danse (Deslocamentos
de uma dança)
(2018, 27’, realizado
por Ana Pi)
NoirBLUE,
espetáculo de
dança solo
91

Nouakchoot/Mauritânia
Luanda/Angola
92

Malabo/Guiné Equatorial
Lagos/Nigéria
93

pude ver mil rostos. Nas ruas desertas desta cidade
atual eu dancei gestos daquele pertencimento, no
vazio deste espaço tudo era abundância dentro do
meu movimento, me bastava só fechar os olhos e
todo mundo estava ali comigo. 5
Aujourd’hui elle existe cette danse bleue qui dérive
de la noire.
Hier j’ai dansé sans peur, dans l’obscurité. On était là,
le son, la lumière et le mouvement, ensemble à se voir
et s’écouter. Les yeux devant moi étaient, eux aussi,
luminescents. J’ai sentais leur vibration curieuse. Je
suis partie et ça vibrait encore, c’est ça que je voulais
faire sans concession. La liberté est bleue. 6
Hoje existe essa dança azul que deriva da negra.
Ontem, dancei sem medo no escuro. Estávamos lá,
som, luz e movimento, juntos para nos vermos e
ouvirmos. Os olhos à minha frente também eram
luminescentes. Eu senti sua vibração curiosa. Saí e
ainda estava vibrando, era isso que eu queria fazer
sem compromisso.
A liberdade é azul. (tradução livre)
Já o filme NoirBlue – deslocamentos de uma dança,
disponível no site da artista (https://anazpi.com/
noirblue-doc/), surgiu um pouco por acaso. Ana só
percebeu que tinha um filme muito tempo depois de voltar
da África, quando o Facebook lhe mostrou as lembranças,
por meio da amostra de pequenos vídeos diariamente.
Assim, o filme foi realizado de forma independente, com
poucos recursos, uma câmera e sem equipe. Inicialmente
as imagens foram feitas com o objetivo de compartilhar
a experiência da viagem com pessoas próximas e como
objeto de observação da pesquisa em dança, e não era
visto pela própria artista como “cinema”. 7
Narrado em primeira pessoa, o filme é ao mesmo tempo
o relato de uma experiência pessoal bem como uma
performance. Ana Pi narra e dança o que sente. O mais
importante pra mim era contar sobre os pensamentos que
me ocorreram por estar ali, daquela experiência, como
me senti, que informações que eu tive acesso que não
chegam até aqui, ou que não saem de lá, inclusive, diz. 8
Ana conhece a África de seus ancestrais dançando, volta
a se ligar às suas origens através do gesto coreográfico,
se deixa imergir nesse mundo novo, estando dentro dele,
em movimento constante. Segundo Le Breton, para
nós, seres humanos, não existem alternativas senão
experimentar o mundo, ser atravessado e transformado
permanentemente por ele, sendo que o mundo é a
emanação de um corpo que o penetra. Um vai e vem
instaura-se entre sensação das coisas e sensação de si.
94

Enugu/Nigéria
Bamako/Mali
Niamey/Niger
Antes do pensamento, há os sentidos. 9
O antropólogo afirma ainda que o corpo é a condição
humana do mundo, este lugar onde o fluxo incessante
das coisas se detém em significações precisas ou em
ambiências, metamorfoseia-se em imagens, em sons, em
dores, em texturas, em cores, em paisagens etc. 10
E é assim, consciente de seu corpo e com um olhar de
dentro, que a artista vivencia e filma essa experiência,
com o objetivo de mostrar uma outra África, diferente
daqueles relatos explorados pela grande mídia. Em
entrevista, a artista afirma:
Porque acaba que a maioria dos materiais que
a gente tem em imagem sobre África são muito
exotizantes, muito expositivos de uma África
ritualística, mas totalmente fora de contexto, vista
pelo olhar de pessoas que são inclusive céticas
de tudo. Ou então mostram a fome, a miséria, os
animais selvagens…
Quando aconteceu a viagem, já nesse primeiro
momento do avião, que está na narração do
filme – quando vi todas aquelas pessoas negras,
principalmente o piloto e quem estava na primeira
classe –, percebi que iria me deparar com uma
complexidade, que eu iria ficar ao avesso mesmo.
Pensando nessa questão do quão humanos
podemos ser enquanto pessoas negras, ou mesmo
nessa coisa do status social. Naquele momento
eu já percebia que estava indo para um lugar
absolutamente humano, humanizado mesmo,e isso
foi maravilhoso.
(...)
Então o deslocamento era isso, um deslocamento
visando ampliar a reflexão sobre essa questão de
onde viemos e como aquele lugar de onde viemos
está. De uma certa forma as imagens dão conta de
mostrar como ele está um pouco. Entendo como se
fosse uma contação de história, um griot mesmo,
acompanhada das imagens. 11
Dessa forma, Ana Pi em sua obra constrói
contravisualidades, promovendo outras narrativas
e incentivando deslocamentos nas formas como
aprendemos a ver e a vivenciar o mundo. Na avaliação de
ABREU, ÁLVAREZ e MONTELES,
As contravisualidades ajudam a questionar o
círculo da homogeneização do olhar, no qual os
dispositivos de visibilidade formalizam o que é
representável e o que não pode ser visto. Trata-se de
narrar uma alternativa a outras realidades, onde
a presença, em geral invisibilizada do ‘outro’ e de
outros contextos socioculturais, é requisitada. 12
95

96
OUAGADOUGOU/Burkina Faso

Quais as sensações e sentimentos que um gesto provoca
em nós e no outro? Quais os outros modos de conhecer
o mundo? É possível experimentar-compreender através
do puro movimento? Assim, eu conheci Ana Pi, fui
atravessada por sua narrativa e sua dança. Poesia.
A obra da artista me chama a experimentar outras
existências, mesmo sem a presença física naquele espaço.
No início do filme, a artista pede a benção dos ancestrais
e, ao final da narrativa, aos mais jovens. Ela afirma,
ainda, que quando o visível se torna invisível o olho
demora a se acostumar e nos convida a imaginar. Então,
vamos imaginar e sonhar um passado, um presente e um
futuro que dialoguem com os deslocamentos e conexões
geográficas afetivas que Ana Pi nos propõe.
https://anazpi.com/author/anazpi/#:~:text=Ana%20
Pi%20est%20diplômée%20de,E.R. Acesso em
29.04.2021.
https://www.hojeemdia.com.br/almanaque/jovenscineastas-mineiros-se-destacam-na-mostra-de-cinemade-tiradentes-1.687754/cineasta-ana-pi-1.687758.
Acesso em 29.04.2021.
https://cinefestivais.com.br/ana-pi-fala-sobre-noirbluedeslocamentos-de-uma-danca/.
Acesso em 29.04.2021.
Notas
Referências
ABREU, Carla Luzia de; ÁLVAREZ, Juan Sebastián
Ospina; MONTELES, Nayara Joyse Silva. O que
podemos aprender das contravisualidades?, In:
Encontro Nacional da Associação Nacional de
Pesquisadores em Artes Plásticas, 28, Origens,
2019, Cidade de Goiás. Anais [...] Goiânia:
Universidade Federal de Goiás, 2019. p. 831-846.
Le Breton, David, 1953 - Antropologia dos sentidos.
Tradução de Franciso Morás. Petrópolis, RJ: Vozes,
2016.
NoirBLUE – les déplacements d’une danse (2018,
27’). Réalisation : Ana Pi. https://anazpi.com/
noirblue-doc/. Acesso em 29.04.2021
www.anazpi.com. Acesso em 29.04.2021.
https://anazpi.com/corpo-firme-corps-ancre-steadybody-ana-pi/.
Acesso em 29.04.2021.
https://ims.com.br/convida/ana-pi/. Acesso em
29.04.2021.
https://www.institutotomieohtake.org.br/
programacao/interna/noirblue-por-ana-pi. Acesso em
29.04.2021.
https://masp.org.br/exposicoes/ana-pi. Acesso em
29.04.2021.
https://cinefestivais.com.br/ana-pi-fala-sobrenoirblue-deslocamentos-de-uma-danca/.
Acesso em
29.04.2021.
1
https://www.institutotomieohtake.org.br/
programacao/interna/noirblue-por-ana-pi.
Acesso em 29.04.2021.
2
https://masp.org.br/exposicoes/ana-pi.
Acesso em 29.04.2021.
3
https://anazpi.com/corpo-firme-corps-ancre-
-steady-body-ana-pi/. Acesso em 29.04.2021.
4
https://cinefestivais.com.br/ana-pi-fala-sobre-noirblue-deslocamentos-de-uma-danca/.
Acesso em 29.04.2021.
5
https://anazpi.com/author/anazpi/#:~:-
text=Ana%20Pi%20est%20diplômée%20
de,E.R. Acesso em 29.04.2021.
6
Idem.
7
https://www.hojeemdia.com.br/almanaque/
jovens-cineastas-mineiros-se-destacam-na-
-mostra-de-cinema-de-tiradentes-1.687754/
cineasta-ana-pi-1.687758. Acesso em
29.04.2021.
8
Idem.
9
Le Breton, David, 1953 - Antropologia dos
sentidos. Tradução de Franciso Morás. Petrópolis,
RJ: Vozes, 2016.
10
Idem.
11
https://cinefestivais.com.br/ana-pi-fala-sobre-noirblue-deslocamentos-de-uma-danca/.
Acesso em 29.04.2021.
12
ABREU, Carla Luzia de; ÁLVAREZ, Juan
Sebastián Ospina; MONTELES, Nayara Joyse
Silva. O que podemos aprender das contravisualidades?,
In: Encontro Nacional da Associação
Nacional de Pesquisadores em Artes
Plásticas, 28, Origens, 2019, Cidade de Goiás.
Anais [...] Goiânia: Universidade Federal de
Goiás, 2019. p. 831-846.
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ensaio
betón
et photo
por André Martins
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É possível pensar não em uma cidade cenográfica, mas em
uma cidade absolutamente “fotográfica”, por excelência
“photogênica?”
Essa é uma das perguntas que se desprende deste ensaio
de André Martins. O que busca, na verdade, o fotógrafo de
arquitetura? A cena? e menos o acontecimento? Há cidades
“performáticas”?
Martins fotografou Paris, Dublin, Lisboa, Berlin, Haia,
Rotterdam, Munique, Rio de Janeiro, Recife, Bilbao entre
outras senhoras, velhas e jovens, outros rostos, outros
gestos, outros corpos. Neste ensaio inédito, publicado agora
pela Unicaphoto, há essa ideia vertiginosa, o tempo todo,
neste ensaio “Béton et Photo”. A primeira palavra
vem do francês, e significa “concreto”, “pedra”. O projeto
nasceu em 2015, quando o fotógrafo estava no bairro de
LaDefense, em Paris. “A característica de “Béton et Photo”
é a monocromia das imagens”, diz o arquiteto. “Esta estética
é inspirada nas maquetes arquitetônicas, geralmente em
papel, cortiça, madeira, acrílico, para analisar a forma,
volumetria, escala, ambientes e estrutura dos projetos de
arquitetura.”
Seu olhar leva vantagem: André Martins é arquiteto,
urbanista, fotógrafo e designer. Nota-se aí controle dos
pontos de vista. Da perspectiva. O suficiente para confrontar
a formação e deformação da imagem. A vertigem.
Em minibio enviada para Unicaphoto, registra-se: já
superou os 200 mil cliques, em dez anos de carreira.
Atualmente, se dedica à pós-graduação em fotografia e
audiovisual, pela Universidade Católica de Pernambuco.
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aconteceu
Foto: Danilo Galvão
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Curta
Vazantes
por Paulo Souza
Muito se fala do poder transformador da arte e da
educação para uma sociedade, mas, diante da amplitude
da dimensão histórica, poucas vezes somos capazes
de vivenciar os efeitos das sementes que plantamos.
Vazantes, pequeno distrito de Aracoiaba, no maciço de
Baturité, Ceará, nos mostra uma deliciosa exceção a
esse fenômeno. Pouco mais de 4 mil habitantes viram
suas vidas serem transformadas por um conjunto de
projetos sociais e ações culturais iniciados há pouco mais
de 10 anos. Um dessas sementes foi plantada a partir
da inspiradora magia e ludicidade do cinema, com o
nascimento da Mostra Curta Vazantes, que agora chega à
sua 7ª edição.
O mês de junho, como em muitos municípios da região,
é especialmente importante para o povo de Vazantes.
As cerimônias religiosas juninas dividem o coração da
população com os tradicionais concursos de quadrilha e,
agora, com essa especial visita do cinema, que em um
democrático espaço ao ar livre, ilumina a noite com as
mágicas imagens projetadas para toda população. Mais
que uma mostra de filmes, o Curta Vazantes é um evento,
anunciado por toda cidade, esperado pelos brilhantes
olhos dos jovens que encontram nos filmes janelas para
outros mundos e possibilidades. Quando cai a noite
vemos a crescente movimentação, os pequenos comércios
se preparam para atender ao público, os moradores
timidamente vão se aproximando e, pouco a pouco, a
plateia vai se acomodando. Os filmes exibidos são produto
de uma minuciosa curadoria, centenas de filmes de todo
o mundo são submetidos à mostra anualmente, mas
só alguns deles têm a honrosa oportunidade de cruzar
fronteiras e tornar palpável o estado de sonho do cinema
que se instala em Vazantes.
o cinema tem de ir
aonde o povo está
111

Em 1981, Milton Nascimento e Fernando Brandt
cunharam o célebre verso que diz que “todo artista tem
de ir aonde o povo está”. E é essa a essência que traduz a
Mostra Curta Vazantes, que torna possível o impensável,
construindo pontes e superando os obstáculos que
cotidianamente são impostos às populações afastadas
dos grandes centros. Mais que pontes, a chegada do
cinema à Vazantes construiu trampolins, impulsionando e
projetando sonhos de muitos daqueles jovens entusiastas
da sétima arte. Além de exibir filmes, o evento reúne uma
série de oficinas e atividades, apresentando aos jovens da
comunidade a possibilidade de fazer, participar e contar
suas próprias histórias através do cinema.
A cada edição os jovens têm contato com oficinas que,
entre tantas temáticas, já apresentaram fundamentos
como fotografia, maquiagem, animação, sempre a partir
da ideia de uma prática orientada, ou seja, eles realizam
seus próprios filmes e os projetam na mostra noturna. Se
o contato com o cinema já tem toda uma aura de magia,
mais encantadora ainda é a reação dos habitantes aos
verem seus rostos, suas ruas, seu povo e suas histórias
projetadas na tela grande, contadas por seus próprios
filhos, netos, sobrinhos. Lembro-me especialmente de
quão simbólico foi chegar à Vazantes e perceber que
um dos filmes projetados naquela edição foi resultado
não de uma prática orientada, mas desenvolvido
espontaneamente ao longo dos meses que antecederam
o evento, pelos próprios jovens que frequentaram a
Mostra em anos anteriores. Era cristalino, ali uma
semente havia germinado. E, tenho certeza de que, se
outras 10 edições precisassem ser realizadas até um
novo despertar como esse acontecer, a missão social e
cultural do Curta Vazantes continuaria valendo a pena.
Mas o árido solo de Vazantes parece ser muito fértil e, já
em 2018, o documentário Leide, de João Marcos Maia
– um daqueles entusiasmados jovens que, anos antes,
conheceram o cinema através do Curta Vazantes – foi
selecionado e projetado no 28° Cine Ceará – Festival
Ibero-americano de Cinema. No ano seguinte, o jovem
diretor realizou Neusa, que também circulou em festivais
de âmbito nacional, inclusive fora do Ceará.
Bem mais que um espaço de exibição de cinema, a
Mostra Curta Vazantes é a materialização do poder
transformador da arte, da fundamental importância
de sua promoção, onde quer que seja, contra todas
as correntes. Os filmes de Vazantes ecoam em nossas
mentes sempre alertando que há que se continuar
acreditando nas transformações sociais. O cinema das
grandes produções, dos milionários orçamentos de
Hollywood, é agora também o cinema do João Marcos,
de Vazantes, e dos muitos jovens que, como ele, ousarem
sonhar através dos filmes.
vinculada
Nas vazante
lugar onde o
nada está c
por P. Pedro Rubens Ferrei
Fe y Alegria” (FyA) são duas palavras cheias
de magia e vigor, traduzindo, assim, a proposta
de “movimento de educação popular integral”,
internacional, inspirada na pedagogia educacional
jesuíta. Criado na Venezuela, em 1955, esse
movimento chegou ao Brasil em 1981 e,
nas Vazantes do Rio Aracoiaba, em 2005. Apesar
de produzir frutos diferentes em cada terreno
novo, FyA nasce de três raízes comuns: a demanda
de educação, o apoio da comunidade e a orientação
pedagógica jesuíta.
Vazantes, distrito de Aracoiaba, semiárido cearense,
foi emancipado em 1963, mas, por conta da ditadura
militar, o novo município não foi criado, perdendo sua
oportunidade histórica e caindo em certo isolamento.
Mesmo assim, esse pequeno lugar sempre teve destaque
na atuação de educadores, articulando as suas duas
escolas públicas, movimentando a comunidade e
formando muitas gerações. No entanto, em 2004,
houve a ameaça de fechamento de sua escola de ensino
médio (Escola João Alves Moreira – Ejam), em razão
do baixo número de matrículas (menos de 200) e
elevado índice de evasão. Os educadores, junto com
as lideranças da comunidade, reuniram-se e criaram
um movimento “Vazantes vive” para movimentar
a comunidade e defender a escola, além de recorrer
também a um jesuíta, filho da terra e educador.
Assim, uma série de ações voluntárias e
criativas chamaram a atenção de todos e provocaram
a visita técnica de uma diretora da Fundação Fé e
Alegria do Brasil, para avaliar as condições de criação
de uma unidade do movimento no Ceará. O parecer
da professora Raimunda Cadó foi determinante: “Se
essa comunidade não tem condições para uma unidade
112

s do rio Aracoiaba,
s pássaros cantam,
omo antes…
ra Oliveira
Foto: Danilo Galvão
113

O autor desta vinculada,
P. Pedro Rubens Ferreira Oliveira,
Jesuíta, é filho de Vazantes,
Conselheiro da Fundação Fé
e Alegria do Brasil e Reitor
da Universidade Católica de
Pernambuco.
de FyA, nenhum lugar terá”. E assim aconteceu,
com a criação da unidade Ceará da Fundação: os
sonhos foram transformando-se em projetos e,
os projetos, em realizações, sob a liderança das
professoras Francimayre Maia e Antônia Ferreira,
sempre contando com apoio de outros educadores
das escolas. O movimento criou um dinamismo novo,
fazendo surgir várias atividades de apoio escolar (prévestibular,
reforço escolar, brinquedoteca, campanha
de livros para uma biblioteca, etc.), muitos grupos
culturais (flautas, quadrilha, dança regional, balé,
maracatu, capoeira, uma pequena banda, dança
dos idosos, etc.) e algumas ações de geração de
renda (padaria e confeitaria comunitária, fabricação de
produtos de limpeza, corte e costura, artesanato, etc.).
Todo esse esforço comunitário chamou a atenção e foi
reconhecido por instituições de apoio e financiamento,
das quais passo a mencionar as principais.
Uma organização social alemã (Sozialwerk
Brasilienhilfe), fundada pelo jesuíta Padre
Günter, aprovou a construção de dois importantes
equipamentos públicos: o Centro de Desenvolvimento
Educativo e Comunitário (Cedec, 2007) e a Galeria
de Economia Solidária e Lazer Comunitário (Galeria,
2010), espaços totalmente diferenciados. Graças a
esses investimentos, uma mantenedora jesuíta (Aneas)
pode entrar com uma contrapartida financiando
os projetos sociais realizados nesses espaços.
Significativo também foi o apoio do grupo Prover,
da Volkswagen: a doação de uma Kombi possibilitou
uma série de atividades e transporte das pessoas, em
uma localidade de tão difícil acesso. Outras conquistas
da comunidade, nestes últimos 15 anos, merecem
destaque, associadas, direta ou indiretamente à
atuação de FyA e ao protagonismo dos educadores:
primeiro, a escola estadual (Ejam), antes ameaçada
de fechar, uniu-se a outra unidade vizinha e foi
114

Foto: Alex Costa
emancipada (2010); além da reforma da Ejam “por
dentro e por fora”, a nova escola alcançou bons
indicadores e destaque na região e, no final de 2020,
foi elevada à categoria de “Escola de Tempo Integral”;
no mesmo passo, a escola municipal (Escola Capitão
Antônio Joaquim – Ecaj), de ensino fundamental, foi
reformada e recebeu uma nova unidade (ainda sem
funcionamento), além de ter ganhado uma “Creche
modelo” padrão federal (Creche Raimundo Bento de
Oliveira Maia – CRBOM) e uma quadra de esportes.
Portanto, hoje, Vazantes é um verdadeiro polo
educacional.
A vocação cultural da comunidade também foi
intensificada, graças a uma renovação do calendário
de praticamente todas as festas da comunidade,
além de eventos totalmente inovadores que entraram
na agenda, sobretudo a partir de 2013: primeiro,
a criação da Mostra “Curta Vazantes”, cinema
em comunidade, sob a liderança de Leo Tabosa,
atuando desde 2014 (em junho, aniversário do FyA
Vazantes) e, segundo, a experiência do Voluntariado
Universitário, reunindo estudantes de universidades
jesuítas da Espanha e de Pernambuco (parceria
da Unicap, Instituto Humanitas e Magis Brasil,
experiência que se repete durante todo o mês de julho).
No desafiador ano de 2020, FyA Vazantes completou
15 anos, com um grande legado, mas teve que cancelar
muitas atividades por conta da pandemia. No entanto,
por um lado, atuou na assistência às famílias mais
necessitadas, e, por outro, ofereceu apoio às escolas
em parceria firmada com Unicap e a Prefeitura de
Aracoiaba (agosto de 2020): projetos de extensão (ciclo
de conferências para educadores e também para alunos
das escolas), criação de Pré-universitário para reforçar
preparação para o Enem, e, finalmente, a criação do 1º
Polo EAD do FyA do Brasil, com base no Cedec e
acessível a todo o município, com a oferta inicial de
Licenciaturas, mediante a oferta de bolsas.
Nesses anos de atuação na comunidade, portanto,
muitas foram as conquistas associadas ao FyA, direta
ou indiretamente.
E, para coroar esse relato, importa destacar a
aprovação de um projeto governamental que vai
facilitar o acesso e melhorar a estrutura urbana de
Vazantes. Acontece que, em 2016, começaram as
obras de uma estrada importante (a CE 464), mas
passando, como convém, por fora da localidade e
gerando certo isolamento, cruzamentos perigosos e
difícil acesso. Por isso, no mesmo ano, a Fundação
FyA, junto com as lideranças da comunidade, entrou
com um projeto complementar, endereçado ao
governador do Estado, Camilo Santana: inicialmente,
o projeto não alcançou êxito, mas continuamos
insistindo e, no início de 2021, o governador assinou a
ordem de serviço para a construção de uma interseção
da CE 464 com a localidade, além da construção
de uma avenida de 1,8 km, interligando todos os
equipamentos públicos e estruturando a urbanização
do distrito, batizada como Avenida Fé e Alegria.
Ironicamente, essa conquista pública nos remete a
uma célebre frase do grande fundador do movimento,
Padre Velaz: “Onde acaba o asfalto, começa Fé
e Alegria”. Agora, porém, é preciso completar ou
fazer uma nova sentença, como por exemplo: onde
o movimento “Fé e Alegria” começa, tudo se
transforma. Seja como for, deveríamos ter cantado, no
início dessa aventura, algo assim: com Fé e Alegria em
Vazantes, “sei que nada será como antes, amanhã…”
(Milton Nascimento).
115

aconteceu
Fevereiro
Colação de grau 2020.2
O mês começou com a
cerimônia de colação de grau da
Unicap para os estudantes formados
em 2020.2. O evento, que aconteceu
no dia 02 de fevereiro, de modo
remoto, contou com a participação
dos alunos e seus familiares. O orador
que representou a turma de Fotografia
foi Danyllo Feliciano da Silva e o
estudante laureado do curso foi
Matheus Mota Acioli.
Live sobre Cultura Visual na
América Latina
Os professores André Antônio,
Catarina Andrade, Fernanda Grigolin,
Maíra Gamarra, Marina Feldhues e
Rodrigo Lessa participaram no dia 08
de fevereiro de uma live para debater
a cultura visual na América Latina. O
encontro também teve como objetivo
apresentar a proposta do MBA
Cultura Visual: Fotografia & Arte
Latino-Americana. Os professores e
professoras falaram sobre os temas que
serão abordados em suas respectivas
disciplinas no MBA.
Abertura de semestre 2021.1
Três encontros marcaram a abertura
do primeiro semestre de 2021 para
os alunos do curso de Fotografia. A
noite de 18 de fevereiro contou com o
professor Paulo Souza que falou sobre
como organizar uma exposição virtual.
No dia 19 foi a vez de Mariana
Nepomuceno apresentar a temática
“Que história a fotografia conta?”. O
terceiro dia teve a presença de Alyson
Carvalho ao lado de três egressos do
curso de Fotografia.
Março
Aula inaugural do MBA
A aula inaugural da primeira turma do
MBA Cultura Visual: Fotografia & Arte
Latino-Americana aconteceu no dia
primeiro de março. O curso tem como
objetivo capacitar os profissionais à
criação de projetos artísticos e culturais
multidisciplinares, multimidiáticos e
multilinguagens com uso da Fotografia,
incentivando a pesquisa, a reflexão
crítica e a prática artística-cultural, com
ênfase na América-Latina.
Fotografia e métodos de
conservação
Os amantes de conservação e restauro
de fotografia puderam participar de uma
aula sobre o tema com o especialista Luís
Pavão e com o Doutorando em Ciência
da Arte e Patrimônio, ex-aluno do
curso de Fotografia da Unicap, Renato
Menezes. O encontro remoto, que
aconteceu no dia 27 de março, contou
também com as presenças de Betty
Lacerda e Fabiana Bruce.
Abril
Live Abril Pras Artes
O “Abril Pras Artes” 2021, iniciativa
sociocultural que pretende fortalecer a
cultura nordestina e aproximar ainda
mais a arte das atividades acadêmicas,
contou com mediação de Renata
Victor e aconteceu no dia 19 de abril
com Daniel Meirinho, Heudes Regis e
Roberta Guimarães.
Aula aberta
A noite de 29 de abril foi marcada por
uma aula aberta com os convidados
da ONG @imagemagica. O encontro
virtual foi conduzido por Andreza
Portela e Andreza Magalhães. Elas
realizaram dinâmicas em grupo
e mostraram como funcionam os
projetos da ONG.
Maio
Visita de Rafael Beck
O dia 10 de maio foi marcado pelo
talento do músico Rafael Beck. Foi
um encontro maravilhoso que uniu
música e fotografia.
116

Junho
Gincana do saber fotográfico
Autorretratos instântaneos: estudantes vencedores
da Gincana do saber fotográfico, realizada em junho,
de modo remoto. O evento já faz parte da tradição do
curso de fotografia de Unicap.
A manhã do dia 05 de junho
foi marcada por muita energia,
brincadeiras e produções dos alunos do
curso de Fotografia que participaram
da 5ª Gincana do Saber Fotográfico. O
evento, que já faz parte do calendário
do curso, foi adaptado ao formato
remoto e funcionou muito bem
gerando aprendizado e muita diversão.
Podcast sobre fotografia
A Escola de Comunicação da Unicap
realizou em junho uma série de
programas de podcast sobre os cursos
de Fotografia, Jornalismo, Jogos
Digitais e Publicidade e Propaganda. O
podcast de Fotografia ganhou o título
de “Por que fazer fotografia agora?” e
foi apresentado pelo professor André
Antônio, que entrevistou uma aluna
do curso de Fotografia e um aluno do
MBA Cultura Visual: Fotografia & Arte
Latino-Americana.
Oficina de vídeo
O professor Filipe Falcão ministrou
nos dias 15, 22 e 29 de junho uma
oficina de vídeo gratuita, onde
apresentou noções para a produção
audiovisual, a utilização de ângulos
e planos, cuidados com o som e a
iluminação, e dicas de edição com
dispositivos móveis. Ao final, todos
os alunos realizaram vídeos com um
minuto de duração.
Julho
1º Encontro Brasileiro de
Fotografia em Movimento -
Movi
O curso de Fotografia da Unicap
teve a honra de sediar o 1º Encontro
Brasileiro de Fotografia em
Movimento - Movi ocorreu durante os
dias 30/06, 01 e 02/07.
O evento contou com a participação
de grandes nomes da direção de
fotografia brasileira. Apresentou
questões importantes para
o audiovisual. Vida longa ao
@movicinematografia e parabéns pela
organização de um evento
tão necessário.
117

aconteceu
Arte, técnica
e política
um encontro
para celebrar
a direção
de fotografia
por Julianna Nascimento
Torezani e Paulo Souza
Julianna Nascimento Torezani é
Mãe de Lis. Professora do Curso de
Comunicação Social da Universidade
Estadual de Santa Cruz (Uesc).
Professora do Curso de Psicologia da
Faculdade de Ilhéus. Professora do
MBA Cultura visual: fotografia e arte
latino-americana da Universidade
Católica de Pernambuco. Doutora em
Comunicação pela Universidade Federal
de Pernambuco. Mestra em Cultura e
Turismo e Bacharela em Comunicação
Social - Rádio e TV pela Uesc.
Paulo Souza dos Santos Júnior é
doutorando em Comunicação no
PPGCOM-UFPE. Professor da
Universidade Católica de Pernambuco
- Unicap. Mestre em Comunicação pelo
PPGCOM-UFPE (2018). Especialista
em Fotografia e Audiovisual pela
Unicap (2017). Graduado em
Fotografia também pela Unicap (2015).
Pesquisador, fotógrafo documental e
realizador audiovisual de Recife.
118

A estatueta do I Movi,
Encontro Brasileiro
de Fotografia em
Movimento
[Foto: Mariana Leão]
A Universidade Católica de
Pernambuco, por meio do Curso
Superior de Tecnologia em
Fotografia, realizou, entre os dias
30 de junho e 02 de julho de 2021,
o I Movi - Encontro Brasileiro de
Fotografia em Movimento, com
o tema “A direção de fotografia
no Brasil”. O evento reuniu
importantes nomes da fotografia
brasileira como Lauro Escorel,
Heloísa Passos, Beto Martins,
Patrícia de Filippi, Leonardo
Feliciano e Hernani Heffner;
realizou palestras, mesas temáticas,
lançamentos de livros, oficinas,
além de seminários temáticos em
sessões privadas que chegaram
a alcançar 80 espectadores
simultâneos. Foram mais de 300
inscrições, cerca de 40 trabalhos
submetidos e 25 textos a serem
publicados nos anais do evento.
As apresentações da noite foram
acompanhadas pelos intérpretes de
Libras da empresa InLibras para
dar maior acessibilidade ao evento.
Na noite de abertura foram feitas
três homenagens: a Antônio Leão
da Silva Neto (in memorian), pela
sua paixão, dedicação e seu legado
como escritor e colecionador de
filmes; ao diretor de fotografia
Fernando Duarte, pela contribuição
para a filmografia e direção de
fotografia no Brasil; e a Kátia
Coelho, pelas contribuições
históricas e acadêmicas na
cinematografia brasileira e foi
a primeira mulher a dirigir a
fotografia de um filme de longa
metragem no Brasil (Tônica
Dominante, dirigido por Lina
Chamie, em 2000). Para a família
de Antônio Leão, Fernando e Kátia
foram enviadas esculturas feitas
pelo artesão pernambucano Luiz
Benício. Os resultados parciais
podem ser conferidos no site no
seguinte endereço: https://www.
direcaodefotografia.com/movi.
O Movi foi pensado como
um espaço aberto ao
encontro do campo da
direção de fotografia
em geral. Assim,
trocamos informações a
respeito das demandas
e soluções do mercado
e da academia, ao
mesmo tempo em que
criamos dados para o
desenvolvimento das
mais diversas pesquisas.
Matheus Andrade
A noite de abertura contou
com a fundamental palestra do
pesquisador Hernani Heffner,
gerente da Cinemateca do Museu
de Arte Moderna (MAM) onde, por
duas décadas, atuou também como
conservador-chefe. Heffner refletiu
sobre a fotografia de cinema no
Brasil, seus percursos históricos
e tendências a partir de diversos
questionamentos.
Na segunda noite do Movi, Patrícia
de Filippi, que coordenou por 15
anos o laboratório de restauração
da Cinemateca Brasileira, e
Lauro Escorel, renomado diretor
da fotografia cinematográfica
brasileira, discutiram sobre
Restauração e Preservação das
Imagens em Movimento a partir
119

Homenageados:
Kátia Coelho [Foto: Kátia Coelho],
Fernando Duarte [Foto: Eraldo Peres/
Photo Agência] e Antônio Leão,
homenageado (in memorian) do Movi
[Foto: Laura Del Rey]
120
de suas experiências conjuntas
em restauros fundamentais para
a história do cinema brasileiro
como o filme São Bernardo, de
Leon Hirszman. Relatos sobre a
história, reflexões sobre memória,
preservação das mídias, implicações
do digital e políticas públicas, foram
alguns dos temas que permearam o
debate, que também refletiu sobre a
grave situação em que atualmente
se encontra Cinemateca Brasileira,
de portas fechadas para o público
há mais de um ano e gerida
diretamente pelo Governo Federal
desde julho de 2020.
A noite de encerramento do Movi
contou com a presença de uma
das mais virtuosas e importantes
diretoras de fotografia da história
de nosso país, Heloísa Passos,
que nos brindou com reflexões
sobre sua trajetória e sobre o fazer
fotográfico. A mesa redonda contou
com precisas contribuições dos
fotógrafos Beto Martins e Leonardo
Feliciano, que diretamente de seus
sets de filmagem, nos enviaram
contribuições para o debate sobre a
multiplicidade das luzes e rostos do
Brasil.
No Movi foram apresentados
artigos científicos, ensaios, críticas
cinematográficas, entrevistas, relatos
de experiência e vídeo-ensaio nas
oito sessões temáticas, que trataram
sobre fotografia em movimento,
cinematografia, construções de
sentidos e poesias pelas imagens,
estilo e forma da direção de
fotografia, técnica e linguagem
audiovisual, experiências com a
câmera e memórias audiovisuais.
O evento também ofertou duas
oficinas, uma ministrada pela
Que tipo de
história você está
construindo? Quais
são as premissas
da sua narrativa
histórica? E a gente
precisa rever essas
premissas, é preciso
um amplo debate
sobre a narrativa
histórica sobre
cinema no Brasil.
Hernani Heffner
O Movi é necessário
para debater o que
tem se desenvolvido
sobre a direção de
fotografia no Brasil,
ampliando essas
discussões através
de toda a troca
possibilitada pelo
evento. Foi muito
importante para
aprofundar meus
conhecimentos na
área, além de me
permitir entender
a amplitude dos
debates que podem
ser realizados no
âmbito da direção de
fotografia. As mesas
e os convidados
agregaram muito
e os trabalhos
apresentados foram
muito interessantes.
Lorena Borges

Palestra de abertura com Hernani Heffner,
mediada por Marina Tedesco.
Outro momento do Movi: Heloísa Passos fala
sobre luzes e rostos do Brasil, mediação de
Andrea C. Scansani
Eu quero muito agradecer
a esse encontro, porque
para mim é sempre
uma aprendizagem
poder estar junto de
pensadores. Agora com
a pandemia existe esse
intervalo e eu fiquei muito
nesse lugar organizando e
pensando a imagem, lendo
sobre, num mergulho das
imagens que eu fiz e das
imagens que eu sonho
em fazer. Eu tenho que
fechar essa mesa falando
das utopias, mesmo com
todas as tristezas que
nos assolam eu acho
que a gente consegue
seguir firmes, com pernas
firmes e coração leve,
para continuar criando e
fazendo filme e contando
história mesmo, nesse
Brasil tão intenso e tão
imenso e apaixonante, é
muito isso para mim.
Heloísa Passos
A gente vai descobrir um
buraco gigantesco, esses
10 anos (desde que os
trabalhos de restauro
foram interrompidos)
vão gerar um déficit de
restauração – que é o
que os produtores não
dimensionam, além das
autoridades – eu acho que
a situação é bem grave
e numa época que você
tem uma demanda por
conteúdo como você. [...]
A solicitação em cima da
Cinemateca nunca foi tão
grande na verdade para ela
fazer tudo que ela tem que
fazer e ela não tá podendo
fazer nada, tá fechada no
momento. Então eu tenho
uma visão muito triste e
pessimista sobre essa
situação.
Lauro Escorel
121

Lauro Escorel e Patrícia de Fillipi em palestra sobre Restauração e Preservação das Imagens em
Movimento com mediação de Rogério Luiz Oliveira
diretora de fotografia Taís Bardi
contou o processo criativo e
a narrativa visual na prática
através do vídeo “Bá”, com a
direção de Leandro Tadashi. A
outra intitulada “Ferramentas
avançadas da cinematografia
digital” foi ministrada pelo
diretor de fotografia André
Besen. Na sessão de lançamento
de livros, foi possível assistir a
apresentação das obras: Lições
de fotografia para fazer em
casa: técnicas, composição e
criatividade (Editora da UFPB,
2021), de Agda Aquino; Reflexões
sobre a cor (Martins Fontes,
2021), organizado por Marco
Giannotti, com a apresentação
de uma das autoras Fernanda
Riscali; e o lançamento do livro
Cinematografia, expressão e
pensamento vol.2 (Appris, 2021),
organizado por Cynthia Gomes
Calhado e Aline de Caldas Costa
que conta com textos elaborados
pelos pesquisadores do Grupo
Cinematografia, Expressão e
Pensamento.
O evento foi organizado pelos
integrantes do Grupo de Pesquisa
Cinematografia, Expressão
e Pensamento das seguintes
instituições: Universidade Federal
Fluminense (UFF), Universidade
Federal da Integração Latino
Americana (Unila), Universidade
Federal da Paraíba (UFPB),
Universidade Federal de Santa
Catarina (UFSC), Universidade
Federal do Oeste da Bahia (Ufob),
Universidade Estadual de Santa
Cruz (Uesc), Universidade de
Brasília (UnB), Universidade
Estadual do Sudoeste da Bahia
(Uesb), Universidade do Vale do
Rio dos Sinos (Unisinos) e Escola
Superior de Propaganda e Marketing
(ESPM). Já estamos em fase de
preparação do II Movi e contamos
com a participação de todos neste
evento, para mais uma vez analisar,
discutir e apresentar as ideias, as
lutas, as propostas, as questões
estéticas, os elementos técnicos, as
implicações políticas e as expressões
artísticas da direção da fotografia no
Brasil e no mundo.
O Movi cumpre um papel
singular ao estabelecer
uma conexão entre os
diferentes saberes
que constituem a
direção de fotografia.
Unindo a dinâmica do
mercado audiovisual
à sistematização do
ambiente acadêmico,
colabora com a
organização de um
campo de conhecimento
em processo de
consolidação. Além
disso, o evento acaba
divulgando de forma
organizada e atenta
muitas práticas
excepcionais que acabam
passando despercebidas
entre as infinitas obras
da área audiovisual.
Impulsionada pelos
procedimentos da
pesquisa, especialmente,
o evento propõe uma via
de mão dupla qualificada
nesse trânsito entre
realização e pensamento.
Rogério Luiz Oliveira
122

impressão
Qual é o melhor
papel Fine Art?
por Gustavo Bettini
Essa é uma pergunta que escuto
com bastante frequência. Afinal,
com tantas opções disponíveis e
preços muito distintos, a dúvida é
constante: será que os melhores são
mais caros, os de algodão são bons?
Geralmente, faço uma analogia
aos veículos de transporte. Qual
é o melhor: um Jeep 4x4 ou uma
Ferrari? Não é uma resposta exata.
Depende do que você pretende fazer
em ele. Qual o mais adequado pra
determinado uso?
Com os papéis é a mesma coisa.
Precisamos de mais pistas,
informações, sobre a obra, como
será montada, exposta, e também
de uma avaliação da imagem que vai
ser impressa para decidir o papel que
mais se adequa a ela, aquele que vai
potencializar o resultado final.
Podemos dividir os papéis por seus
acabamentos: foscos, semibrilhos
e brilhantes; com base em nas
matérias primas: Alphacelulose,
Algodão, Cânhamo, Bamboo...;
quanto aos tipos de texturas: liso,
texturas leves e grandes texturas;
e ainda em relação aos tons: mais
quentes ou mais frios...; de acordo
com o Gamut de cores (capacidade
de reprodução de cores do papel).
Enfim, a análise, caso a caso, é que
levará em conta o melhor papel para
cada trabalho. Uma escolha definida
pela imagem, autor e impressor.
123

homenagem
“caro
márcio,
Nem sempre a gente ganha. Mas a gente luta sempre. Nem
sempre a gente entende o tempo-sempre no tempo-presente.
De luta. A gente conjuga. A gente subjuga. A gente vem,
a gente vai, a gente luta. E reluta. É isso que a gente faz:
a gente crê. A gente pouco sabe com será. De onde vem. A
vida jabeia. A vida mata-leão. A vida e seus diretos. E seus
cruzados. A gente sabe da Indesejada das gentes, porque o
poeta Manuel já tinha falado. Cada coisa no seu lugar. No seu
sempre. No seu tempo. A gente chuta. A gente soca. A gente
quer mesmo é entender. Uns golpes a gente assimila. Outros,
demoram a sarar. Uns nem saram. Porém, quando menos se
espera, a gente tá de volta. A gente vem pra luta. De frente.
A gente baila. Salta. A gente se defende, não se defende? Ah,
a gente não entrega os pontos, não é assim? Não deixa barato.
E quando as luzes do ginásio se apagam, não é a gente
que fica? A gente fica, a gente fica. Quem pode mesmo com a
gente? Com a força que a gente tem? A gente não perde. Nem
nunca. A gente ganha. Por esperar. Por amar. Por nunca esquecer.
A gente cruza essa vida. A vida enovela. A gente desnovela.
A gente jabeia também, ora. A gente ora. A gente não
para. Se engana quem acha. A gente agacha. Ginga. A gente
passeia. No ringue. A vida ring-ring. A gente soa. A gente
sua. A gente passa. A gente atravessa. A gente-travessia.
Unicaphoto deu voz a estes personagens do ensaio de Márcio Novellino. Uma
homenagem ao fotógrafo nos deixou em 30 de junho deste 2021. Foi mais uma
vítima da Covid. E lutou-lutou-lutou até o fim. Até se apagarem as luzes. A Márcio
Novellino, nosso amigo, desejamos a única coisa que um fotógrafo sempre vai querer
por perto: Luz. A luz verdadeira. Você, lutador, merece. Hora dessas, a gente se vê
de novo. Na luta. Na paz. Na Luz. No amor. Que com tudo isso, a gente sempre
ganha. Na vida. É como dizem os lutadores, as lutadoras. E estão certos.
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Márcio Novellino
23/05/1976 - 30/06/2021
Luz