L+D 77

R$25,00
DIGITAL HUB (TÓQUIO)
CATEDRAL DE NORWICH (NORFOLK) | TEATRO VIVO (SÃO PAULO) | FRESH & GOOD (RIO DE JANEIRO)
GALERIA MELISSA (SÃO PAULO) | FOTO LUZ FOTO: ROMULO FIALDINI

Foto: Cristiano Bauce
LED Lighting Solutions

Inscrições abertas!
Confira os palestrantes já confirmados:
5 e 6 de novembro de 2020
Tivoli Mofarrej Conference Hotel
São Paulo | Brasil
Semana da Luz 2020
Daan Roosegaarde
Holanda
Liz West
Reino Unido
Prof. Jan Blieske
Alemanha
Rafael Leão
Brasil | EUA
Ricardo Hofstadter
Uruguai
Wim aan de Stegge
Holanda | India
4
Mary-Anne Kyriakou
Austrália / Alemanha
experience room: avenida dos tajurás, 152 cidade jardim são paulo | 11.3062 7525 | goelight.com.br

SUMÁRIO
2º Trimestre 2020
edição 77
38 44
50
54
62
66
10
38
44
¿QUÉ PASA?
CATEDRAL DE NORWICH
TEATRO VIVO
50
54
62
66
DIGITAL HUB
Yin-Yang
FRESH & GOOD
Em busca da luz tangível
GALERIA MELISSA
Moda, arte e design
FOTO LUZ FOTO
Romulo Fialdini
6

CAPA
Fabiana Rodriguez
Márcio Silva
Maria Fraga
Orlando Marques
Débora Torii
Thiago Gaya
Lucimara Ricardi
Diogo de Oliveira
Carlos Fortes
PUBLISHER
Thiago Gaya
Iluminação: nendo
Foto: Takumi Ota
EDITOR-CHEFE
Orlando Marques
EDITORA
Débora Torii
VIVÊNCIA VIRTUAL
DIAGRAMAÇÃO
Maria Fraga
PROJETO GRÁFICO
Thais Moro
Pela primeira vez, uma edição inteira da L+D foi desenvolvida de modo
virtual, com nossos colaboradores trabalhando de casa. No entanto, essa
interação está longe de ser “sem efeito real”, como definiria o dicionário.
A verdade é que, durante o processo de trabalho, sentimos de nossos
colaboradores uma qualidade de troca e um comprometimento tão grande
ou maior que antes, o que nos ajudou a seguir com confiança e otimismo no
lançamento desta edição.
Apresentamos cinco projetos com tipologias bastante diversificadas: a
Catedral de Norwich, em Norfolk, Inglaterra, iluminada por Speirs + Major;
o Teatro Vivo, em São Paulo, com projeto de iluminação do Estúdio Carlos
Fortes; a Galeria Melissa, também em São Paulo, cuja iluminação é assinada
pela Lit Arquitetura de Iluminação; o projeto de lighting design para o
restaurante Fresh & Good, no Rio de Janeiro, realizado pela LD Studio em
parceria com o Kelving Lab; e o projeto do estúdio de design japonês nendo
para o novo núcleo de desenvolvimento digital de um escritório internacional
em Tóquio, Japão, capa desta edição.
Se, por um lado, os registros fotográficos desses projetos ilustram
perfeitamente suas distintas naturezas e atmosferas – uns austeros e
monocromáticos, outros coloridos e descontraídos –, por outro, uma
característica em comum os une: espaços arquitetônicos vazios que
coincidentemente traduzem o momento peculiar que o mundo está
atravessando.
Da mesma forma que sentimos a materialidade uns dos outros no
desenvolvimento desta edição, sugerimos que esses espaços também sejam
povoados, ainda que de maneira virtual, antes que voltem a ser vivenciados
presencialmente.
Boa leitura!
REPORTAGENS DESTA EDIÇÃO
Carlos Fortes, Débora Torii , Diogo de Oliveira,
Fabiana Rodriguez, Orlando Marques
REVISÃO
Débora Tamayose
CIRCULAÇÃO E MARKETING
Márcio Silva
PUBLICIDADE
Lucimara Ricardi | diretora
PARA ANUNCIAR
comercial@editoralumiere.com.br
T 11 3062.2622
PARA ASSINAR
assinaturas@editoralumiere.com.br
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ADMINISTRAÇÃO
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PUBLICADA POR
C
M
Y
CM
MY
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CMY
K
Editora Lumière Ltda.
Rua João Moura, 661 – cj. 77, 05412-001
São Paulo SP, T 11 3062.2622
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8

¿QUÉ PASA?
#LEDFORUM20
Análogo ao escopo abrangente da profissão do arquiteto
de iluminação, o conteúdo da sala de conferências do
LEDforum deste ano foi pensado para instrumentalizar e inspirar
o profissional de iluminação.
O arquiteto e lighting designer alemão Jan Blieske, professor
do programa de mestrado internacional de Architectural
Lighting Design na Faculdade de Design da Hochschule
Wismar, na Alemanha, proferirá palestra sobre iluminação
e patrimônio histórico.
A lighting designer australiana Mary-Anne Kyriakou, professora
de Lighting Design na Universidade de Ciências Aplicadas
de Ost-Westfalen Lippe, em Detmold, Alemanha, abordará o
conceito de aprender fazendo no ensino de iluminação.
O lighting designer holandês Wim aan de Stegge, fundador
do escritório Lampje aan Design Consultants, em Nova Délhi,
Índia, apresentará sua investigação de mestrado na aplicação
dos conceitos do desenho biofílico em projetos de lighting
design.
A artista britânica Liz West, especialista na criação
de instalações in situ, explicará detalhes de seus trabalhos que
envolvem cor, luz e suas propriedades físicas.
O premiado artista e arquiteto holandês Daan Roosegaarde,
fundador do Studio Roosegaarde e autor de instalações aclamadas
internacionalmente, falará sobre os bastidores de seu processo
de criação e dará detalhes de seus trabalhos reconhecidos
mundialmente pela inovação e pela inspiração que despertam.
Os renomados lighting designers e arquitetos Rafael Leão,
do Brasil, e Ricardo Hofstadter, do Uruguai, apresentarão
problemas e soluções na aplicação e no uso de tecnologia LED
em projetos de iluminação.
O #LEDforum20 acontecerá nos dias 5 e 6 de novembro
no Hotel Tivoli Mofarrej, em São Paulo. (O.M.)
10

ALYA line + Nix
pendente linear led slim com
sistema DALI para controle do fluxo
luminoso e RGBW.
+
projetor led fixo
Divulgação
¿QUÉ PASA?
40UNDER40
ALYA floor
embutido linear led slim com
sistema DALI para controle do
fluxo luminoso, temperatura da cor
branco e RGB.
Foi divulgada a lista dos 40 indivíduos mais talentosos e
promissores da indústria da iluminação em 2020! A 5ª edição
do prêmio 40under40, criado em 2016 em comemoração aos
40 anos dos Lighting Design Awards, mais uma vez homenageia
lighting designers, arquitetos, artistas e outros profissionais
relacionados, por sua capacidade de trabalhar a iluminação
arquitetural de maneira criativa e competente.
Em consonância com o princípio do equilíbrio de gênero,
amplamente defendido pelo movimento internacional Women in
Lighting, neste ano foram premiados 25 mulheres e 15 homens,
de 12 diferentes países, considerados representantes da nova
geração da iluminação. Todos serão homenageados durante
cerimônia marcada para o dia 22 de setembro em Londres, Reino
Unido, juntamente com a entrega dos Lighting Design Awards.
Dentre as vencedoras deste ano, cinco são embaixadoras
do Women in Lighting e atuam diretamente na divulgação
local do movimento em seus países: a lighting designer e
educadora mexicana Magali Méndez, titular do escritório
SáaS Lighting Conception; a lighting designer e pesquisadora
portuguesa Martina Frattura; a lighting designer grega
Chloe Kazamia, fundadora do escritório CK Design
Lighting; e as lighting designers e educadoras paquistanesas
Momena Saleem e Ana Tanveer, sócias no estúdio
Light Space.
A única brasileira premiada em 2020 foi a lighting designer
Mohana Barros, titular do escritório Archidesign e diretora
financeira da Associação Brasileira de Arquitetos de Iluminação
(AsBAI) na gestão 2020/2021. “A profissão de lighting designer
no Brasil é repleta de muito amor e sacrifício. E é com essa
paixão que venho atuando no mercado da luz, sempre buscando
aperfeiçoar a minha formação. Espero ser um exemplo para o
mercado brasileiro e para os novos profissionais que desejem
atuar no mercado”, declara Mohana.
Nossos parabéns às vencedoras e aos vencedores!
Teatro Vivo, Foyer
São Paulo
Triptyque Architecture
Estúdio Carlos Fortes
VEGA DOT
pendente linear com mini-projetores
led fixo e sistema DALI para controle
do fluxo luminoso.
Teatro Vivo, Plateia
São Paulo
Triptyque Architecture
Estúdio Carlos Fortes
12
São Paulo SP Brasil 11 3871-3755 www.lightsource.com.br @lightsource_lighting

¿QUÉ PASA?
CAPA DA INVISIBILIDADE
A capa da invisibilidade está um passo mais próximo de
se tornar realidade. Pelo menos é o que promete a empresa
canadense Hyperstealth Biotechnology. Guy Cramer, CEO
da companhia dedicada ao desenvolvimento de produtos de
camuflagem, anunciou a recente patente de um novo material
chamado Quantum Stealth (algo como “esconderijo quântico”,
em tradução livre).
Segundo seu criador, o material é formado por microlentes
que permitem curvar a luz incidente, tornando invisível a olho
nu o que estiver por trás dele. Além de distorcer a radiação
eletromagnética que compõe o espectro de luz visível, o
material age sobre as radiações ultravioleta e infravermelha,
bloqueando o espectro termal dos objetos e dos seres vivos e
impossibilitando a detecção de uma pessoa escondida atrás de
uma camada desse material, por exemplo.
Cramer esclarece que o Quantum Stealth, cuja espessura é
igual à de uma folha de papel, tem custo inexpressivo e pode ser
usado em qualquer ambiente, clima e horário, diferentemente
dos padrões de camuflagem comuns. A princípio criado para fins
militares, o material promete “tornar invisíveis” pessoas, veículos,
navios e até mesmo edifícios. Dezenas de vídeos de demonstração
do produto estão disponíveis na página invisibility.ca.
A empresa anunciou também a patente do Solar Panel
Amplifier, que utiliza o mesmo tipo de lente para aplicação em
painéis solares, prometendo gerar mais que o triplo de energia
em comparação com os painéis existentes até o momento. (D.T.)
Hyperstealth Biotechnology
14

¿QUÉ PASA?
LUZ SIN FRONTERAS MÉXICO
Zaickz Moz
A associação sem fins lucrativos Luz Sin Fronteras México
(LSFM) foi fundada no ano passado, com o objetivo de utilizar a luz
e a iluminação como ferramentas de melhoria do desenvolvimento
humano em comunidades carentes desse estímulo. Como
parte da associação internacional Concepteurs Lumiére Sans
Frontiéres (CLSF), baseada na França, que conduz projetos sociais
internacionalmente há mais de dez anos – incluindo importantes
ações no Haiti e no Mali –, a associação mexicana fundamenta-se
na premissa de que a iluminação artificial é um direito humano e
deve, portanto, ser acessível a todos.
A metodologia da associação busca facilitar processos
colaborativos, promovendo um diálogo constante, baseado no
reconhecimento mútuo das capacidades e dos conhecimentos
de cada um dos participantes do processo. Por meio de
dinâmicas lúdicas e de workshops participativos envolvendo
as comunidades, a LSFM busca entender as questões mais
significativas e específicas para cada grupo e então trabalhar
coletivamente para atendê-las.
A associação foi lançada oficialmente no mês fevereiro deste
ano, durante a Expo Lighting America (ELA), o mais importante
evento mexicano de iluminação. Na ocasião, a LSFM apresentou
o processo de um dos projetos em que esteve envolvida nos
últimos meses: Sendero Km21. Trata-se de uma estrada de
300 metros de extensão, comumente usada pela comunidade
Km21, ao longo do rio San Juan de Dios, que, em decorrência
da falta de iluminação noturna, transforma-se em um ambiente
perigoso e violento. Em oposição ao senso comum, esse caminho
não foi iluminado indiscriminadamente com postes, mas sim
levando em consideração o ambiente natural e atendendo, ao
mesmo tempo, às necessidades sociais locais. Mais do que um
espaço de trânsito, a LSFM buscou criar, em parceria com a
comunidade, um espaço de estar, encorajando a presença das
pessoas e sua interação com a luz e com a noite.
A LSFM é atualmente comandada por quatro experientes
lighting designers mexicanas, Alejandra Hernández, Brenda
Castillo, Cristina Escofet e Oriana Romero que acreditam que a luz
e a iluminação podem atuar como elementos de transformação
social, se usadas de maneira adequada e responsável. Para
saber mais informações e colaborar com a associação, entre em
contato pelo e-mail contacto@luzsinfronteras.org. (D.T.)
16

¿QUÉ PASA?
TECENDO A LUZ
Dando as boas-vindas aos visitantes do histórico distrito
londrino de Broadgate – antigo polo da indústria têxtil da cidade –,
a instalação Loom (“tear”, em português) foi concebida pelos
artistas ingleses Ronan Devlin e Michael Flückiger para integrar
o pórtico de entrada do bairro, a convite da incorporadora British
Land, com curadoria de Rosie Glenn.
Inspirados pela história do local, hoje aberto exclusivamente
para pedestres, os artistas desenvolveram uma espécie de
“tear digital”, em que fios de luz são tecidos, em tempo real, de
acordo com o momento do dia e a movimentação do público.
As projeções se apresentam como curvas sinuosas, com
diferentes amplitudes, frequências e cores, que se tornam mais
densas à medida que o público é mais numeroso. O conceito da
instalação se entrelaça à invenção do inovador tear mecânico
pelo francês Joseph Marie Jacquard, no século XIX, que
funcionava com base em um sistema binário, por meio de uma
tela perfurada – o que também é referenciado pela fachada
do edifício que abriga a instalação, totalmente revestida de
cartões perfurados metálicos, criados pelo escritório Orms
Architects.
“Assim como a tecnologia criada por Jacquard impactou a
vida social dos tecelões à época, ao automatizar seu serviço,
Loom encoraja todos a ‘tecer’ novas formas de interação por
meio das tecnologias digitais”, declaram os artistas.
O sistema – cujos aspectos técnicos foram desenvolvidos em
parceria com o escritório britânico Speirs + Major e com a
empresa TLS International – consiste em uma grande luminária
circular, com 5 metros de diâmetro, dotada de difusor em tela
tensionada translúcida. A projeção de luz tem início todos
os dias às 6 horas da manhã, quando apresenta intensidade
luminosa mais sutil, que se torna gradualmente mais definida e
reluzente no decorrer do dia, até ser desligada, à meia-noite. (D.T.)
Luca Piffaretti
18

Tomasz Zurek
¿QUÉ PASA?
RADIO,
LIVE TRANSMISSION
A Grimeton Radio Station é uma estação transatlântica de
telegrafia sem fio construída na década de 1920, na localidade
de Grimeton, Suécia, e declarada patrimônio mundial da
Unesco em 2004, por ser o único exemplar remanescente
da tecnologia pré-eletrônica de rádio transmissão, chamada
alternador Alexanderson.
A artista sérvia baseada na Suécia Aleksandra Stratimirovic
foi convidada pela municipalidade sueca de Varberg a criar
uma instalação permanente para a rádio. Ao visitar o local,
a artista conta que se inspirou na porção imperceptível
da história da estação para criar um elemento inesperado
que pudesse ser visto a distância e tornasse visível, de
maneira poética, a atividade da rádio. Assim foi concebida
a instalação Transmission, que consiste em projeções de dois
feixes de laser verdes, originados do topo de uma das torres
da rádio, a uma altura de 127 metros, que materializam as
comunicações imaginárias emitidas pela torre. As luzes se
movimentam e pulsam em sequências rítmicas de acordo com
o código Morse, transmitindo mensagens reais baseadas no
trabalho da Unesco em prol da paz mundial, do respeito pelos
direitos humanos universais e do desenvolvimento equitativo
e sustentável: “paz; amor; vida; igualdade; diversidade; respeito;
conhecimento; educação; liberdade de expressão; direitos
humanos; diálogo intercultural; esperança”, são algumas delas.
Dessa forma, a instalação se comunica na mesma linguagem
que a utilizada pela Grimeton Radio Station, quando
em atividade. (D.T.)
20

Marco Borggreve
C
¿QUÉ PASA?
EGO
M
Y
CM
MY
CY
CMY
K
Novo trabalho do Studio DRIFT, Ego foi apresentado pela
primeira vez na montagem deOrfeu, ópera de Verdi.
A escultura foi criada para a companhia holandesa de ópera
itinerante Nederlandse Reisopera, por meio de uma parceria
entre a diretora Monique Wagemakers, a coreógrafa Nanine
Linning e a artista Lonneke Gordijn, do Studio DRIFT.
A escultura é tecida à mão, usando 16 quilômetros de
um finíssimo fio de fluorocarbono de cor preta e altamente
reflexivo. Ego foi concebida a partir da forma regular de um bloco
pendurado pelas quatro pontas.
Durante a ópera, um marionetista direciona o bloco ao vivo,
por meio de algoritmos e do uso de um software, para interagir
com dançarinos e cantores. Sua capacidade de mudar de forma
e de estado retrata as perspectivas inconstantes do protagonista
do trabalho de Verdi.
A escultura também foi apresentada nos espaços da galeria
nova-iorquina Pace. Nesses ambientes, o diálogo e a interação
entre o trabalho do Studio DRIFT e o espectador se expande
para além do palco. (O.M.)
22

Henrik Kam, courtesy of Illuminate
¿QUÉ PASA?
CHEIA DE GRAÇA
O projeto sem fins lucrativos Illuminate dedica-se à
realização de ousadas instalações públicas de arte, contando
com o apoio de filantropos e de outras fundações e organizações
não lucrativas. Baseado em São Francisco, Estados Unidos, o
projeto foi responsável por viabilizar a instalação The Bay Lights,
do artista Leo Villareal, exibida permanentemente em uma das
famosas pontes da cidade, a Bay Bridge.
Sua mais recente realização é Grace Light, uma instalação de
grande escala em exibição na igreja episcopal Grace Cathedral,
na mesma cidade, desde outubro passado. Criada pelo artista
norte-americano George Zisiadis, a instalação é composta de
um poderoso projetor – com fluxo luminoso de 30 mil lumens –
instalado sobre o famoso labirinto de meditação pintado no piso,
criando uma cortina de luzes coloridas, com mais de 30 metros
de altura, evidenciada pela fina névoa lançada no espaço.
Os visitantes são convidados a se deitar no labirinto e
vivenciar uma jornada de 15 minutos de luzes sincronizadas a
uma trilha sonora, composta pelo músico californiano Gabriel
Gold especialmente para a instalação.
“Grace Light suscita adoração, sensibilizando desde a mente
até o coração”, declarou o fundador e CEO do Illuminate,
Ben Davis. A experiência é gratuita e teve suas inscrições
rapidamente esgotadas no ano passado, o que fez a Grace
Cathedral estender a temporada até o final de 2020. (D.T.)
24

T O D O P R O J E T O P R E C I S A D E I L U M I N A Ç Ã O.
¿QUÉ PASA?
VALE DE LUZ
MAS ALÉM DISSO, A LUZ PODE EXPRESSAR IDENTIDADE!
26
Kristof Vrancken
Em referência ao “vale da sombra da morte”, citado no
Salmo 91 da Bíblia, o mais recente trabalho da artista visual
polonesa Karolina Halatek, Valley, subverteu essa ideia ao
propor a criação de um “vale de luz”.
A instalação era formada por um estreito corredor
que parecia amplificado pela luz originada das paredes
paralelas retroiluminadas refletida pelas superfícies
brancas de piso e teto. Ao adentrar no espaço, o visitante
era transportado a um ambiente introspectivo, semelhante
à fenda de uma geleira, onde poderia vivenciar a luz de
maneira abstrata, em uma experiência transformadora.
Ao mesmo tempo, a possibilidade de cruzar com outros
visitantes em um espaço diminuto poderia remeter a um
encontro entre dois estranhos, em um contexto urbano, como
em uma estreita passagem entre dois arranha-céus. De acordo
com a artista, a obra demonstra como a arquitetura tanto pode
blindar e dividir quanto conectar.
A instalação foi apresentada na exposição Alone Together,
como parte do festival belga de arte contemporânea Artefact,
que reuniu trabalhos de diversos artistas em busca de explorar
todos os vieses da solidão e da intimidade. “Observando o
crescente desenvolvimento da tecnologia, que leva a um
aumento do isolamento e da ansiedade, quero seguir na direção
oposta, por meio da criação de situações que envolvam todos
os sentidos humanos”, declara Karolina. (D.T.)
Catálogo Revoluz 2020.
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ERCO, Gavriil Papadiotis
¿QUÉ PASA?
A LUZ DE REMBRANDT E DE PETER
A galeria de arte mais antiga do mundo, a Dulwich Picture
Gallery, no sul de Londres, comemorou no final do ano passado
o 350º aniversário da morte do pintor holandês Rembrandt com
a exposição A luz de Rembrandt.
A mostra teve conceito de iluminação do cinematógrafo
Peter Suschitzky, diretor de fotografia dos filmes Guerra nas
Estrelas, Marte Ataca, The Rocky Horror Picture Show e da
maioria dos filmes do diretor David Cronenberg. Na opinião
de Suschitzky, os trabalhos do pintor mostram uma verdade
universal sobre a existência humana, utilizando a luz para criar
movimento e emoção.
28
O projeto de iluminação da exposição explora a temática
de cada sala. Na primeira, por exemplo, Suschitzky acentua
a habilidade de Rembrandt como contador de histórias. Na
última, dedicada à exibição de trabalhos de caráter mais pessoal
do artista, o diretor propõe uma atmosfera sensual e íntima.
A exposição deu ênfase à fase mais produtiva do pintor,
durante o período de 1639-1658, em que viveu na casa de seus
sonhos, no centro de Amsterdã – hoje o Rembrandt House
Museum –, caracterizada por grandes janelas e pela abundância
de luz natural. (O.M.)
PLAFON BOX FOCO FLAT FOCO NO FRAME FOCO
Focos de 10° ou 24° com lente
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© Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York
Tiago Reckler
¿QUÉ PASA?
DESLUZES
A nova exposição Unlights, do artista estadunidense Robert Irwin,
na galeria nova-iorquina Pace, é composta de lâmpadas fluorescentes nuas
e apagadas, que são montadas em luminárias retangulares e instaladas em
fileiras verticais diretamente na parede.
Os tubos de vidro são cobertos por camadas de filtros translúcidos
de diferentes cores e tiras de fita isolante, o que permite que a superfície
refletora de vidro interaja com a iluminação difusa e uniforme do ambiente.
Dessa forma, as esculturas apresentam um jogo de luz e sombra e tonalidade
cromática, propondo sensações de ritmo, pulsação, expansão e intensidade
e promovendo o imediatismo de nossa presença no espaço.
Cada luminária contém uma ou duas lâmpadas apagadas – ou nenhuma
lâmpada –, e intervalos vazios alternados de parede são pintados em sutis
tons leves de cinza, provocando uma sensação de incerteza sobre o que
é tátil e o que é meramente óptico.
Como os intervalos sombreados, pintados e refletidos do espaço aguçam
o campo visual do espectador, a própria parede entra na composição das
esculturas, desestabilizando qualquer senso de materialidade. (O.M.)
30
SHOWROOM DASS
Local: Ivoti - RS
Projeto de arquitetura e iluminação: Acampoi Arquitetura
www.lemca.com.br

Hendrik Zeitler
C
M
Y
¿QUÉ PASA?
FENDAS NO ÁRTICO
CM
MY
CY
CMY
K
Os designers Sofia Hedman e Serge Martynov, fundadores
do estúdio multidisciplinar MUSEEA, são especializados na
criação de espaços expográficos, geralmente de perfil intrigante,
provocador e imersivo. Foi o que apresentaram, mais uma vez,
na exposição The Arctic – While the Ice Is Melting (O Ártico –
Enquanto o Gelo Derrete, em tradução livre), em cartaz pelos
próximos três anos no salão principal do Nordiska Museet, em
Estocolmo, Suécia.
A exposição apresenta uma viagem imersiva à vida no Ártico,
contando sua história e falando sobre seu futuro sob o viés das
mudanças climáticas, cujos efeitos são drásticos na região. O
conceito é todo centrado em rachaduras, que têm um forte apelo
simbólico sobre a vida local, denotando o rápido derretimento
do gelo ocasionado pelo aquecimento global e ilustrando até
mesmo a divisão existente entre os protetores do ambiente
natural e aqueles que o exploram visando lucrar financeiramente.
O visitante inicia seu percurso adentrando pela fenda de um
enorme bloco de gelo, situado no grandioso hall do museu –
que teve suas abóbadas tingidas por projeções mapeadas. Ali,
a primeira sala recria a luz da Estrela do Norte, a mais brilhante
da constelação da Ursa Menor, que se destaca no céu noturno
do polo Norte.
A ambientação ártica é proporcionada pela iluminação
em tons azuis. No decorrer do percurso, a iluminação e
as superfícies se tornam gradualmente mais esverdeadas,
simbolizando o derretimento do gelo até alcançar o azul
profundo do alto-mar.
O espaço em que é demonstrada a importância da madeira
para a cultura local, historicamente utilizada na construção de
casas, é iluminado em temperatura de cor mais cálida.
Após o trabalho nesse projeto, os designers, que já
costumavam empregar materiais reciclados e reutilizados em
suas criações, iniciaram a construção de uma plataforma para
que outros profissionais possam encontrar e compartilhar
materiais de reúso para futuras exposições. “A crise climática é
uma questão crítica, do interesse de todos”, declara Sofia. (D.T.)
32

Stephane Muratet
¿QUÉ PASA?
LOUIS VUITTON MAISON OSAKA MIDOSUJI
FIDELIDADE E REPRODUÇÃO DE COR COMO VOCÊ NUNCA VIU
A arquitetura da nova maison da grife francesa Louis Vuitton
em Osaka presta homenagem à história marítima da cidade
japonesa, em especial aos navios Higaki-Kaisen, tradicionais
embarcações de carga a vela. Concebido pelo arquiteto Jun
Aoki, em parceria com Peter Marino (responsável pelo projeto
dos interiores), ambos colaboradores de longa data da marca,
o edifício chama a atenção por sua fachada revestida de vidro
translúcido e texturizado, que remete às velas de um barco, em
decorrência do formato curvo.
Durante o dia, o material tem aparência opaca, apesar de
permitir a entrada controlada de luz natural nos ambientes
da loja. À noite, porém, a fachada torna-se translúcida, em
razão da iluminação indireta instalada na parte interna da
base de cada vela, criando um dégradé de luz e revelando a
presença da estrutura metálica que sustenta esses elementos.
A luz vinda dos interiores também contribui para a criação
de um interessante jogo de superfícies translúcidas e opacas,
conferindo dinamismo à fachada. Ainda com relação ao tema
marítimo, os acabamentos metálicos do térreo externo buscam
recriar a impressão de um navio flutuando sobre a água, o
que também é reforçado pelos acabamentos em madeira nos
interiores, em referência ao convés.
Nessa loja foi inaugurado o primeiro café da Louis Vuitton,
Le Café V, que, instalado em um terraço descoberto no último
andar, permite uma vista especial das velas da fachada. O café
funciona como antessala para o Sugalabo V, um exclusivo
restaurante de alta gastronomia aberto em parceria com o
badalado chef japonês Yosuke Suga. (D.T.)
34

¿QUÉ PASA?
MISTERIOSO VALE DA ALTA GASTRONOMIA
Shao Feng
A equipe do escritório chinês Various Associates encontrou,
na adversidade, uma inspiração. Contratados para projetar
a sede do restaurante Voisin Organique, em um espaço
preexistente em Shenzhen, os arquitetos depararam com
um ambiente escuro e marcado pelas diferentes alturas, por
razões estruturais. Levando em conta a filosofia farm-to-table
(algo como “da fazenda à mesa”) adotada pelo restaurante, os
arquitetos utilizaram as características do espaço para criar uma
narrativa, que norteou os projetos de arquitetura e interiores:
“um passeio pelo vale”.
Ao entrar, os visitantes são recebidos no lounge, onde
são oferecidos drinks e petiscos. O ambiente é marcado pela
iluminação sutil, proveniente de detalhes lineares integrados ao
fundo do bar e ao balcão, e da falsa claraboia construída em uma
das fendas da estrutura existente, cuja iluminação mimetiza um
pôr do sol. A única conexão com o ambiente externo se dá pelas
lentes convexas instaladas na fachada, que permitem a entrada
da luz natural no espaço.
Um misterioso e escuro corredor leva ao espaço do
restaurante, onde são oferecidos pratos de alta gastronomia
que fazem uma releitura da cozinha chinesa clássica. Os
acabamentos escuros e rústicos dominam esse espaço,
iluminado apenas por poucos downlights sobre as mesas e por
mais uma claraboia falsa, dessa vez fornecendo iluminação com
temperatura de cor mais fria. A pintura marrom-avermelhada
desse elemento se destaca do restante dos acabamentos,
contribuindo para a experiência sensorial diferenciada que os
arquitetos almejavam para esse ambiente. (D.T.)
36 37

CATEDRAL DE NORWICH
Texto: Orlando Marques | Fotos: James Newton
A Catedral de Norwich, em Norfolk, Inglaterra, foi construída
entre 1096 e 1145, após a dominação normanda de Guilherme, o
Conquistador, no século XI.
O estilo gótico normando, atribuído principalmente à
arquitetura românica inglesa, desenvolvida entre os séculos X
e XII, define a arquitetura do edifício de construção em
argamassa e pedra de Caen, tipo de calcário de cor bege-clara,
extraído na cidade de Caen, no norte da França.
Desde 2012 o escritório Speirs + Major trabalha no projeto
de iluminação de seus interiores, caracterizado por arcos,
abóbadas e artefatos históricos.
A principal abordagem do projeto enfatiza elementos
arquitetônicos e decorativos, permitindo, ao mesmo tempo, a
realização de uma série de atividades e usos, próprios de uma
catedral contemporânea, sem descaracterizá-la.
“Sabemos que durante séculos e séculos esse edifício
foi iluminado somente pela luz do dia e pela luz de velas.
Nosso objetivo foi desenvolver um projeto ‘instintivo’,
enfatizando a arquitetura dos elementos litúrgicos, de forma
a permitir diversos usos”, declara Mark Major, arquiteto titular
do escritório.
O projeto de iluminação foi criado em camadas. Na base
do edifício, a luz geral é mais baixa e uniforme, projetada para
facilitar as atividades do dia a dia, como circulação, limpeza e
leitura. Acessos e circulações com alterações de nível do piso
foram iluminados para permitir conforto e segurança a pessoas
com todas as habilidades.
Outra camada de luz é formada por destaques, que
chamam a atenção para os elementos de liturgia, como altares,
púlpitos, assentos especiais, pia batismal, bancos e demais
artefatos, como a cadeira do bispo. Outra camada de luz
inclui a infraestrutura necessária para concertos e eventos da
comunidade paroquiana.
O estilo arquitetônico da Catedral de Norwich é caracterizado
principalmente por uma estética limpa, cujos volumes são
revelados por meio da iluminação natural, o que também
define a experiência sensorial no edifício. A última camada
de iluminação foi concebida para expressar esses volumes.
Esse é o caso do destaque, por meio de iluminação indireta,
das abóbadas da nave central e da lateral, do transepto e do
presbitério, dos nichos e volumes do trifório e do clerestório e
ainda das abóbadas dos corredores do ambulatório.
38 39

Um dos desafios mais críticos do projeto foi determinar
a localização das luminárias com a mínima interferência na
estrutura do edifício. “Para nós foi essencial restringir o máximo
possível o número de perfurações para a fixação das luminárias.
Igualmente crucial foi manter a flexibilidade do conceito
do projeto e distribuir luminárias onde fosse necessário”,
conta Phillip Rose, lighting designer coordenador do projeto.
Definiu-se então que, entre as caneluras das colunas, seriam
fixados, verticalmente, trilhos eletrificados. Cada trilho recebeu
até seis projetores cada, o que permitiu iluminar os volumes
arquitetônicos e os artefatos, de acordo com o uso do espaço.
Para iluminar as abóbadas – e com isso destacar os botões
decorativos nos cruzamentos das vigas –, os trilhos foram
distribuídos na parte posterior das colunas, escondidos do
contato visual, a partir da entrada da nave principal.
Outro aspecto importante no projeto de iluminação
envolveu remover o cabeamento existente e adicionar uma
nova infraestrutura elétrica, mais eficiente e com menos
encaminhamentos. Para minimizar seu impacto visual na
arquitetura, os cabos foram pintados à mão, utilizando a técnica
artística de ilusão de óptica e perspectiva trompe l'oeil.
Os bancos do coro receberam uma reinterpretação
contemporânea do castiçal de vela, por meio de uma luminária
decorativa que brilha suavemente na ponta e, na sua base, emite
luz para baixo, a fim de iluminar o apoio de livros e partituras e
destacar os bancos.
No coro, os bancos são iluminados por luminárias decorativas
inspiradas em uma vela. Uma fonte de luz direta, para baixo,
ilumina o apoio de livros e partituras. Cenas variadas em
diferentes momentos do dia permitem destacar diversas
situações do culto religioso.
No conceito produzido pelos lighting designers, é possível reconhecer as diversas
camadas de luz da nave central e do transepto.
40 41

CATEDRAL DE NORWICH
Norfolk, Inglaterra
Projeto de iluminação:
Speirs + Major
Arqueologia:
Dr. Roland Harris
Levantamento técnico:
Henry Freeland
Integração de sistemas
e administração de contrato:
Light Perceptions
Obra:
EV Bullen
Cliente:
Catedral de Norwich
Fornecedores:
ACDC, Lutron, Mike Stoane
Lighting e Viabizzuno
O escopo do projeto também incluiu a iluminação de seis
capelas e da chancelaria da catedral. O conceito nessas áreas
privilegiou o destaque dos altares, por meio de luminárias
escondidas atrás do observador ao entrar nesses espaços.
O projeto conta com sistema de automação, no qual é
possível controlar a intensidade de todas as fontes de luz de
0% a 100%. Isso permite ao deão total flexibilidade em definir
a ambiência e atmosferas mais adequadas de acordo com o
serviço e o uso dos espaços. Esse sistema permite ainda uma
economia significativa no consumo de energia elétrica. E, por se
tratar de fontes luminosas com tecnologia LED, o projeto também
permitiu reduzir o impacto dos raios UV nos artefatos históricos.
Vista do coro e do presbitério com iluminação de destaque
para o altar.
As circulações laterais são acentuadas pela iluminação
indireta das abóbadas por pequenas luminárias embutidas
nos capitéis das colunas.
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TEATRO VIVO
Texto: Orlando Marques (colaborou Carlos Fortes)
Fotos:Tadeu Melegatti
O Teatro Vivo está situado no térreo da sede corporativa
da operadora de telefonia Vivo, em São Paulo. Projetado
inicialmente para abrigar um cinema, a sala de espetáculos
já tinha sido adaptada anteriormente para um teatro. A atual
reforma, projetada pelo escritório de arquitetura Triptyque,
equipou tanto o teatro em si quanto o foyer com os mais
modernos sistemas de controle de som, vídeo, iluminação,
acústica etc., superando as dificuldades inerentes às limitações
físicas do projeto do antigo cinema.
O reforço da identidade da marca da empresa foi um dos
vetores de sustentação do projeto. Presente nos elementoschave
do projeto de interiores (cortinas de veludo, estofados das
poltronas da plateia e revestimentos acústicos), a cor púrpura –
um tom de roxo saturado e vibrante – também está presente de
forma estratégica no projeto de iluminação desenvolvido pelos
lighting designers do Estúdio Carlos Fortes.
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O conceito inicial dos arquitetos foi pouco alterado durante
o desenvolvimento do projeto de iluminação. Suas premissas
foram sustentadas, e uma detalhada pesquisa de materiais
e tecnologias foi desenvolvida, para que o resultado atendesse
às expectativas.
Em toda a área do foyer, que pode ser subdividido em
múltiplas salas para uso individual, a estrutura de concreto foi
deixada aparente, assim como todos os sistemas de instalações.
Além de servir de foyer ao teatro, esses ambientes atendem
aos usuários da torre corporativa, como é o caso do café que
funciona durante todo o período de expediente, aberto também
ao público externo.
Seguindo esse conceito, todos os equipamentos de
iluminação são aparentes. O principal desafio do projeto foi
desenhar um sistema estrutural ao mesmo tempo rígido e
leve que configura um plano visual abaixo das instalações. Tal
sistema deveria ser o mais esbelto possível, incorporando a
infraestrutura necessária à implantação do complexo sistema
de automação DALI.
O espaço é constituído por dois “quase quadrados”,
inseridos um no outro com os eixos deslocados – o que nos
remete à geometria encontrada na arte concreta brasileira. O
grid da laje nervurada se impõe rapidamente como mais uma
composição entre quadrados. Essa rigidez geométrica é rompida
por uma imponente cortina de veludo roxa, que traça uma curva
separando a área do foyer dos acessos à plateia.
As áreas de uso são delimitadas em torno dos quatro
lados do quadrado menor – que abriga bilheteria, sanitários,
escadas, áreas de apoio e casas de máquinas. A iluminação
difusa da bilheteria, composta de um forro de lona tensionada
retroiluminada, destaca-a na frente do volume central. À
esquerda, a circulação que dá acesso à plateia e conecta o foyer
principal ao café é destacada pela cortina curva de veludo roxo.
À direita, fica a área que pode ser fragmentada em salas de
reuniões – quando todas as divisórias estão abertas, essa área
integra-se com o lounge, na frente, e com o café, nos fundos.
O partido fundamental do projeto foi o traçado de um grid
luminoso de 2 m × 2 m, espelhado no teto e no piso, paginado
a partir do volume central no foyer. A opção pelo sistema de
iluminação RGBW visou, além da versatilidade do sistema,
reforçar a identidade visual da Vivo, centrada na cor púrpura.
Todo o sistema é integrado, incluindo a iluminação da plateia,
100% dimerizável.
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A paginação valoriza o volume central, revestido de espelho
acidado, que abriga bilheteria e serviços.
Além das linhas difusas, luminárias cilíndricas iluminam a área
do café e do foyer, contribuindo na modelagem dos espaços.
O sistema RGBW e a automação DALI permitem quaisquer
combinações de cores; no entanto, a fim de preservar a
identidade da Vivo, as linhas do piso são programadas apenas
em branco quente (3.000 K) ou púrpura.
Toda a iluminação dos ambientes é composta de malha
modular de 2 m × 2 m, que se espelha no piso e no teto. Essa
malha é formada por linhas difusas conectadas entre si, com
um sistema duplo de iluminação RGB e branco dinâmico.
As dimensões do perfil são as mínimas necessárias para
alojar o sistema duplo de fitas de LED, assim como drivers e
controladores, resultando em 2,5 cm de largura.
A paginação da malha inicia com um quadrado que dá
a volta no volume central, iluminando as paredes revestidas
de vidro acidado. A partir desse quadrado, repete-se o ritmo
modular vez ou outra interrompido por elementos estruturais
ou de fixação das divisórias.
No café, no lounge e nas salas de reuniões, um segundo
sistema de iluminação pontual foi inserido na malha, fixado em
tubos que formam uma cruz entre os módulos. Esse sistema
complementar de iluminação direta auxilia na modelagem dos
ambientes e na hierarquização dos espaços.
Como regra geral, o sistema de iluminação difusa pode ser
programado considerando todos os espaços integrados, compartimentados
com diferentes ocupações simultâneas ou ainda
com ocupação parcial. O protocolo de controle DALI confere ao
sistema a flexibilidade necessária para a programação adequada
às diferentes possibilidades de uso.
Para o uso diário do foyer, com todas as áreas integradas
e ocupadas desde a abertura da torre corporativa no início
da manhã até o final da última sessão no teatro, foram
preestabelecidas cenas que corroboram a versatilidade do espaço
e a identidade visual da Vivo.
Essas cenas combinam o branco quente 3.000 K com a cor
púrpura. Durante o dia, a iluminação é mais intensa nas áreas do
café, no lounge e nas salas de reuniões, variando de 5% (piso e
áreas de circulação) a 80% nas áreas em destaque. Nos minutos
que antecedem o início dos espetáculos noturnos, aciona-se a
iluminação púrpura com maior intensidade, em 100%, na área
central revestida de vidro que abriga a bilheteria, e nas demais
áreas, em 5%. Quando é liberado o acesso à plateia, a cor
púrpura dá lugar ao branco quente em baixa intensidade em
5%, com o corredor de acesso à plateia a 80%. No intervalo,
mantém-se a iluminação geral em 5%, com destaque apenas
na área do bar, a 30%. Ao final do espetáculo, a iluminação
púrpura no piso é combinada com a iluminação branca de baixa
intensidade no teto.
Quaisquer outras combinações de cores podem ser
programadas. Como regra impõe-se apenas que a iluminação
embutida no piso seja sempre branca em 3.000 K ou púrpura.
Na plateia, a iluminação direta, vinda de miniluminárias de facho
concentrado agrupadas em linhas contínuas no teto, destaca
mais uma vez a cor roxa das poltronas. Em complemento à
iluminação direta, há uma sanca que ilumina a parede do fundo,
revestida de madeira e com arandelas decorativas de luz indireta
nas circulações laterais.
TEATRO VIVO
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Estúdio Carlos Fortes
Projeto de arquitetura:
Triptyque
Construtora:
Lock
Fornecedores:
Lightsource, Osram e Tensoflex
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YIN-YANG
Texto: Débora Torii | Fotos: Takumi Ota
Yin e Yang são princípios milenares do taoísmo que se
baseiam no conceito de dualidade presente em tudo o que
existe no Universo: sim ou não; verdadeiro ou falso; tudo ou
nada; ligado ou desligado; aberto ou fechado; claro ou escuro...
As relações binárias estão presentes em incontáveis situações
cotidianas, sendo aplicadas também em diversos conceitos e
práticas nos campos da filosofia, da teologia, da astrologia, da
psicanálise e até mesmo da medicina. No entanto, a ciência
a que o sistema binário é mais frequentemente associado é a
computação, cuja linguagem é constituída dos dígitos 0 e 1, que
são a base de toda a codificação e armazenamento de dados.
Esse foi o ponto de partida do projeto de interiores do
estúdio japonês nendo para o novo núcleo de desenvolvimento
digital de um escritório internacional em Tóquio, no Japão. Líder
mundial no mercado de consultoria empresarial, a empresa
americana preza pela discrição ao lidar com dados sigilosos
de importantes clientes, o que se traduz perfeitamente nos
materiais e nos acabamentos adotados no projeto.
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O local é dividido em três galerias, que contêm espaços de
escritório e salas de reuniões, além de um lounge destinado
à apresentação de novas tecnologias digitais e um espaço
multiuso para a realização de eventos e seminários. Os
ambientes são marcados pelo alto contraste dos acabamentos,
como, por exemplo, nas áreas comuns, onde o teto é pintado
na cor preta, permitindo que os equipamentos de iluminação
“desapareçam” em meio às instalações aparentes, pintadas
na mesma tonalidade. Detalhes lineares de iluminação difusa
contribuem para valorizar os acabamentos, como os espelhos
aplicados nas paredes das circulações e o encontro do teto preto
com as paredes brancas na sala multiuso.
O aquecimento das lâminas de vidro, quando posicionadas sobre
moldes de aço, deformou-as pela ação de seu próprio peso,
adquirindo assim a textura formada pelos números “0” e “1”.
Pela irregularidade das superfícies, esses elementos não
puderam ser transportados de maneira tradicional, por meio
de ventosas, o que demandou maior tempo e mão de obra para
sua instalação.
O principal elemento construtivo do projeto são as divisórias
de vidro transparente, criadas pelo estúdio com inspiração nos
dígitos binários da computação. Compostas de duas camadas
de vidro laminado e de quatro camadas de película para a
prevenção contra estilhaços, as divisórias foram moldadas em
fôrmas de aço inoxidável, que lhes imprimiram uma textura
ondulada, feita dos números 0 e 1. Com exceção do mobiliário,
os interiores das salas contidas por essas divisórias são
predominantemente brancos, amplificando a reflexão da luz. Ao
ser transmitida pelo vidro texturizado, a luz é refratada, criando
um curioso jogo de reflexos, semelhantes aos que são gerados
quando a luz do Sol é transmitida e refletida pela água.
As salas do escritório oferecem, ao mesmo tempo,
permeabilidade visual e privacidade, já que a textura do vidro
faz parecer distorcido – ou codificado – tudo o que está do
outro lado. Segundo os designers, “a intenção era expressar o
futuro da ‘Internet das coisas’ (IoT), uma fusão entre o digital e
o real, por meio desse cenário em que imagens reais e virtuais
se integram de maneira harmônica”. Curiosamente, esse futuro
é expresso por meio da referência a esse sistema tão antigo que
confere ao espaço múltiplas interpretações e linguagens – assim
como ocorre na computação.
DIGITAL HUB
Tóquio, Japão
Projeto de iluminação e interiores:
nendo
Oki Sato (Chief Designer)
Mado, Snz (Designers)
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EM BUSCA DA LUZ TANGÍVEL:
A EXPERIÊNCIA DO FRESH & GOOD
Texto: Diogo de Oliveira | Fotos: André Nazareth
A luz biologicamente eficaz ou human centric lighting (HCL)
está no centro do debate entre lighting designers, pesquisadores
e indústria de iluminação. Trata-se, no entanto, de um campo
ainda bastante novo em termos de evidências, mas que, ao
mesmo tempo, atende à crescente demanda por produtos
associados à saúde e ao bem-estar dos usuários. Uma pesquisa
de mercado publicada no ano passado previu crescimento global
de 38% no consumo de produtos baseados em HCL entre 2018
e 2019, movimentando quase 1 bilhão de dólares.
Do ponto de vista fisiológico, a ciência reconhece
fotorreceptores no olho humano não relacionados à visão e
afirma que a luz influi diretamente no ciclo circadiano por meio
da supressão ou da liberação do hormônio melatonina, ligado
ao ciclo sono-vigília e à reprodução, sendo menos atuante
quanto menor é nossa exposição à luz. Estamos diante de
novas áreas do conhecimento que por hora apresentam mais
perguntas que respostas.
Crescentes iniciativas do lighting design e da indústria
de iluminação, no entanto, adiantam-se com soluções que
relacionam os efeitos da luz à qualidade visual e ao conforto,
assim como à qualidade do sono, à atenção, ao humor e ao
comportamento, além de suas consequências na saúde, no
aprendizado, no consumo e no desempenho profissional.
Ainda, práticas correntes nos estudos de mercado, como os
indicadores-chave de desempenho (key performance indicator
– KPIs) e a gestão de marcas (branding) aplicada ao sucesso de
estratégias empresariais, têm fornecido dados para a concepção
de projetos de iluminação visando ao desempenho.
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O conceito de fluidez entre espaços múltiplos, com restaurante
casual, grab & go e bar no térreo e ambiente mais formal
no mezanino, resultou em adequação e integração da luz.
As soluções de iluminação combinaram luz difusa e pontual,
criando contrastes, além de iluminar superfícies.
LD STUDIO E KELVING LAB
Resultado de quatro anos de apuração e aplicação rigorosa
de dados tanto científicos quanto de tecnologia, do design e
do marketing no campo da iluminação biologicamente eficaz,
os parceiros cariocas LD Studio e Kelving LAB desenvolvem
metodologias experimentais que aplicam indicadores de
medição para materializar os benefícios da luz na vida
humana, promovendo desde bem-estar até produtividade e
experiências de consumo.
FRESH & GOOD
O projeto de iluminação do restaurante Fresh & Good, aberto
desde 2018 em Ipanema, Rio de Janeiro, é o primeiro resultado
dessa parceria. A colaboração entre desenho de iluminação
e metodologias de medição dos impactos fisiológicos da
iluminação para otimizar as experiências dos usuários do
restaurante define esse projeto.
O restaurante foi concebido pelos empresários Fabiola
Giffoni e Andre Penso como um espaço gastronômico múltiplo
capaz de acolher o público ao longo de todo o dia, servindo
comida saudável, afetiva e saborosa. Esse conceito de comida
“de verdade” orientou a criação da identidade visual da marca
com paleta de cores intensas, evocando alimentos in natura, ou
seja, não processados.
O projeto de arquitetura de Vicente Giffoni trouxe para o
ambiente essa mesma intensidade de cores, seguindo estratégia
de fortalecimento da marca. Outro elemento relevante é a
convivência de espaços múltiplos: grab & go, restaurante casual
e bar, no térreo, e restaurante mais formal, no mezanino.
O conceito do projeto de iluminação do LD Studio
inspirou-se na fluidez entre esses espaços: a ideia de conexão
e conectividade aplicada não apenas na luz adequada a cada
ambiente, mas também na instalação cenográfica de fios
tensionados com as cores da marca, cuja variação de densidade
identifica os espaços.
Fios coloridos instalados no teto do térreo conectam-se com
divisórias e luminárias também feitas de fios, mesmo elemento
usado próximo ao forro do segundo andar, onde a luz azul reforça
essa conexão entre os ambientes. As soluções de iluminação
combinaram luz difusa e pontual, criando contrastes, além de
iluminar superfícies como as prateleiras do bar, as cortinas do
mezanino e a parede da escada.
56 57

58 59

9h
13h
17h
18h
19h
A ideia de conexão e conectividade inspirou o uso de fios
tensionados com as cores intensas da marca em instalações
cenográficas no teto, cuja variação de densidade dos fios
identifica os espaços, além da criação de divisórias e luminárias.
A sequência acima ilustra as cinco composições espectrais
criadas a partir da variação diária da experiência dos usuários:
café da manhã, almoço, meio da tarde, crepúsculo e noite.
Essas variações foram programadas digitalmente para execução
e monitoramento em tempo real e são resultado da metodologia
de light branding.
O Kelving LAB integrou-se ao projeto na criação de soluções
flexíveis e moduladas de iluminação para o uso dos espaços
por públicos diversos ao longo da jornada de operação da casa,
ajustadas a limitações de orçamento, metas de retorno do
investimento e compreensão de mercado.
Com o objetivo de conhecer e otimizar a experiência
dos usuários em cada período da operação, definiram-se
indicadores-chave de desempenho a partir de atributos
fisiológicos (atender necessidades visuais e não visuais),
psicológicos (efeitos da luz e do ambiente no acolhimento e na
adequação) e identitários (elementos de iluminação e variações
espectrais alinhados com a identidade da marca). Com base
nesse estudo, surgiram composições espectrais como resultado
da aplicação da metodologia de Light Branding, programadas
digitalmente para execução e monitoramento em tempo real e
adequadas a cada período: café da manhã, almoço, tarde, fim de
tarde, crepúsculo e noite.
Um resultado tangível desse foco nas experiências dos
usuários aplicado ao projeto de iluminação, citado pelos
lighting designers responsáveis pelo Fresh & Good, foi o gradual
aumento da frequência no período da noite, uma conquista
bem-vinda quando se esperava público principalmente diurno.
A iluminação biologicamente eficaz amplia a vocação múltipla
da casa.
FRESH & GOOD
Rio de Janeiro, Brasil
Projeto de iluminação:
LD Studio
Clarissa Bonotto, Daniele Valle,
Mônica Lobo e Monique Helen
Consultoria em Light Branding®
Kelving LAB
Projeto de arquitetura e interiores:
VG Vicente Giffoni Arquitetura
e Planejamento
Cliente:
Fresh & Good
Fornecedores:
Dimlux, Ledplus, Light Design + Exporlux,
Osvaldo Matos, Luz Carioca, Zigbee
e Z-wave
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MODA, ARTE E DESIGN
Texto: Fabiana Rodriguez | Fotos: Romulo Fialdini
Em comemoração a seus 40 anos de história, no ano
passado a Galeria Melissa São Paulo foi inteiramente reformada.
Localizada na rua Oscar Freire, famosa por ser o local das
grandes marcas e do circuito paulistano da moda, a proposta
do espaço é misturar moda, arte e design, três pilares da marca.
Com conceito idealizado pelo empresário de design
Houssein Jarouche e projeto arquitetônico desenvolvido pela
arquiteta Moema Wertheimer, do escritório de arquitetura
mw.arq, a ideia foi criar um espaço híbrido para atender a uma
grande variedade de atividades, como intervenções artísticas,
talks, workshops e lançamentos dos produtos da marca.
Com base nessas premissas, o projeto de iluminação,
desenvolvido pelo escritório Lit Arquitetura de Iluminação,
apoiou-se na ideia de flexibilidade e inovação, entendendo o
universo da marca e ressaltando o produto no contexto espacial.
O projeto procurou o equilíbrio entre dois efeitos distintos e
complementares da luz: a iluminação geral difusa do ambiente e
a iluminação de destaque dos produtos e dos demais elementos
arquitetônicos. Além disso, criou uma solução simples e eficaz
para acompanhar a versatilidade de layout dos expositores.
Uma grande praça junto à calçada integra a loja ao contexto
urbano, criando uma área de convivência “dentro-fora” da
Galeria Melissa. A utilização de 20 mil tijolos de PVC Melflex®,
o famoso plástico das sandálias Melissa, como revestimento
das paredes desse espaço, reforça a identidade da marca. A
utilização inovadora desse material como elemento construtivo
conferiu ao espaço a aparência, a textura e o cheiro dos produtos
da marca. Esses “tijolos Melissa” podem ainda, por exemplo, ser
substituídos por outros de cores diferentes e reaproveitados na
fabricação de novos produtos.
A grande superfície de tijolos dourados da fachada é valorizada
com iluminação de baixo para cima por meio de projetores
lineares embutidos no piso com módulo LED de 40 W, 3.700 lm
e 2.700 K. Perfis lineares integrados sob os bancos com fita
de LED LONG RUN de 3,5 W, 31 0lm e 2.600 K e projetores de
LED de 7 W, 85 0lm, 3.000 K e facho de 31° nas jardineiras
completam a iluminação da praça de acesso à loja.
62 63

A aparência das paredes, atualmente com tijolos dourados, é potencializada pelo
sistema de iluminação uplight de maneira intensa e uniforme, por meio de projetores
lineares embutidos no piso. Em complemento à iluminação vertical, foram instalados
perfis lineares integrados aos bancos, para iluminação indireta, e projetores fixados em
espetos nas jardineiras, para destaque do paisagismo.
Ao entrar na loja, um grande espaço com pé-direito duplo abriga, um de cada
lado, expositores em forma de andaimes com rodízios, o que permite também layouts
diferentes na exposição de produtos ou elementos decorativos. Como os expositores
são móveis, a iluminação acompanha esse conceito, por meio de luminárias móveis,
fixadas por garras nas prateleiras ou na estrutura dos andaimes.
Projetores orientáveis com diferentes aberturas de fachos foram incluídos para
destacar os produtos expostos, bem como a mesa coletiva, criando brilhos pontuais
nos ambientes e nos produtos. A iluminação geral da loja, projetada por meio de
perfis de LED para iluminação difusa, está distribuída em linhas descontínuas sobre
um forro de tela metálica expandida. A intenção foi criar uma iluminação homogênea,
permitindo mais conforto visual na transição das áreas externas para as internas.
Para marcar a transição de textura do revestimento de tijolo dourado para o
da tela metálica nas paredes e, com isso, conferir continuidade visual, o projeto de
iluminação repetiu a distribuição dos perfis de LED do forro, fixando-os nos limites
desses revestimentos.
O destaque dos produtos nos expositores móveis é feito por meio
de arandelas orientáveis com lâmpada de LED PAR20 de 6 W,
450 lm, 2.700 K e 25°, fixadas na estrutura dos andaimes por
meio de garras. Sobre a tela metálica expandida foram instaladas
luminárias lineares com LED 25 W/m, 1.600 lm/m e 3.000 K
para iluminação difusa. Sob a tela foi projetado um sistema de
iluminação de destaque com projetores orientáveis com módulo
LED COB de 7,6 W, 1.100 lm, 3.000 K e fachos de 14° e 24°.
O mesmo tipo de sistema uplight da entrada, menos contínuo
e com luminárias de menos intensidade, ilumina a parede verde
localizada na parte posterior do espaço, convidando os clientes
a percorrer toda a extensão da loja até chegar a mais uma área
de convivência da Galeria Melissa.
Para ajudar a trazer mais calidez aos ambientes, foi adotada
tecnologia LED com temperatura de cor entre 2.600 K e 3.000 K,
uma vez que, com exceção dos tijolos dourados, a maior parte
dos acabamentos do projeto é em tonalidade neutra.
Alinhando características técnicas e estéticas de um espaço
híbrido, o projeto de iluminação reforçou esse conceito de
espaço mutável e urbano, destacando o universo estético atual
e democrático que a Galeria Melissa propõe à cidade.
GALERIA MELISSA SÃO PAULO
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Lit Arquitetura de Iluminação
Cláudia Borges Shimabukuro
e Letícia Mariotto (arquitetas titulares)
Projeto conceitual:
Houssein Jarouche
Projeto de arquitetura e interiores:
Moema Wertheimer Arquitetura
(arquiteta titular)
Arthur Madsen (arquiteto coordenador)
Cliente:
Grendene
Fornecedores:
Lemca, LightDesign + Exporlux,
Omega Light e Stella
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FOTO LUZ FOTO
ROMULO FIALDINI
Nesta foto eu quis dar a impressão de uma enorme pilha de
barras de ouro. Foi o que eu enxerguei na primeira vez que vi a
fachada desse projeto. Em todas as fotos que produzi procurei
enquadrar de maneira que tudo parecesse grande, que é o que
eu estava sentindo.
Tive uma dificuldade engraçada na realização dessa
imagem. Antes da reforma, a fachada recebia, quase que
mensalmente, uma nova intervenção de um artista diferente.
No caso desse projeto era uma mudança definitiva...
Então foi marcado um evento para a abertura, como
uma inauguração, com convidados. Tudo foi sincronizado
para dar certo, uma vez que a loja só ficaria definitivamente
pronta no horário da abertura. Quando cheguei havia uma
enorme equipe trabalhando freneticamente para que tudo
ficasse pronto. Estava um caos, e eu precisava das fotos
para o mesmo dia. Nesse momento consegui convencer que
todos saíssem de dentro da loja por 10 minutos. Esse foi o
tempo total que tive para realizar meus trabalhos. Todos toparam,
e as fotos foram feitas milagrosamente – pelo menos para mim –
nesse tempo!
A câmera utilizada foi uma Nikon, lente Nikkor 12-24 mm.
A imagem praticamente não recebeu nenhum retoque, apenas
um ajuste de cor.
Romulo Fialdini iniciou sua carreira como fotógrafo no Museu
de Arte de São Paulo (Masp) em 1971, onde permaneceu até
1974. A partir de então, atua no campo editorial em revistas
como Vogue, Wish, Trip, Joyce, DBA, Prêmio, entre outras,
em publicidade e particularmente no trabalho fotográfico
de edições de livros de arte, arquitetura, decoração, culinária
e memória de empresas.
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