Revista Terceiro Ato

Revista Terceiro Ato
Edição temática | 2020
Panorama do Teatro
na Baixada Santista
■ Entrevistas ■ Festivais
■ História ■ Bastidores
■ Crônicas ■ Pagu e etc.
Crédito da foto: Eduardo Amaro

TERCEIRO SINAL
Baixada Santista rica em artistas,
palco de cenas teatrais e saraus,
cidades à beira mar com
intento de performar através
de manifestações artísticas e
exegéticas.
Encenar, comunicar, interpretar,
fazer sonhar, surgir a
lança da esperança. Destarte,
fazer Arte! Litoral em coral faz
poesia de sua maresia.
Somos cultura, tradição, povo,
dom, tom, histórias, resistências,
crônicas, belezas cênicas,
canções, livros, danças, ações
e representações. Teatro te tira
da casca, tira de casa e dá asas.
A Terceiro Ato dá voz a
todos nós que em alguma parte
temos ARTE. Compreender o
Teatro te adiciona ao gênio e
ao oxigênio,
este AR TE INSPIRA
este AR TE EXPIRA
AR TE mantém,
persevera,
persiste,
insiste.
ARTE!
Texto: Nina Gagli
foto: Sander Newton

EDITORIAL
“a mais humana e a mais efêmera
das artes”
Eu me apaixonei pelo teatro
na faculdade. Foi
na Sanatório Geral de Artes
Visuais, quando escrevi uma
grande reportagem sobre o
Festival Santista de Teatro
e conheci seus bastidores. E
foi ‘perdida’ pelas coxias do
Guarany e do Coliseu, nos cafés
do antigo Espaço Aberto
e na luta então em vigor dos
artistas locais contra a municipalização
da Cadeia Velha
na hoje, infelizmente fechada,
Vila do Teatro que me
encontrei em sua rica história
e passei a ver nuances de
Pagus, Plínios e Soffredinis
pelas esquinas da vida.
O teatro foi então meu
norte no jornalismo e se
transformou em meu TCC:
essa revista que seis anos
depois chega até você, leitor.
Em um primeiro momento,
ela foi concebida e sonhada
à seis mãos: as minhas e as
das jornalistas Mayara Sampaio
e Nathamy Lopes. Com
ela, fechamos nossa carreira
universitária com a alegria
do dez e seguimos viagem
para Uberlândia, onde ela foi
classificada como o melhor
trabalho da categoria revista
do Estado de São Paulo
e apresentada no XVIII IN-
TERCOM – Congresso de
Ciências da Comunicação da
Região Sudeste em 2015.
Cinco anos depois, os
tempos são outros. E não
deixa de ser simbólico o fato
de chegarmos em 2020 amparados
pelo Poder Público
– a Terceiro Ato foi contemplada
pelo 7º Concurso de
Apoio a Projetos Culturais
Independentes no Município
de Santos, com o Fundo
de Assistência à Cultura (Facult)
– para publicar nosso
registro sobre a história de
luta e resistência que envolve
o teatro e o fazer artístico
de um modo geral na Região.
Hoje o Teatro não é apenas
uma coisa em minha
vida: ele é tudo! E a Terceiro
Ato foi sonhada e produzida
para valorizar essa arte.
Escrevo a história da Articulação
do Fazer Teatral na
Região desde o Festival Nacional
de Teatro de Estudantes
até o atual Movimento.
O jornalista Lincoln Spada,
que durante anos se dedicou
à manutenção de um
espaço jornalístico para o
teatro dentro de seus blogs
‘O Palco Santista’ e ‘Revista
Relevo – as artes sem superfície’
assina quatro crônicas
sobre dias fatídicos de teatro
santista, como o espetáculo
que deu início à criação do
Gapa/BS e a encenação com
pessoas em situação de rua
dirigida por Zéllus Machado
e Maria Tornatore em 2001.
Já a educadora Nina Gagli
escreve sobre pautas identitárias
no palco, com entrevistas
com a atriz Renata
Carvalho, Christian Malheiros
e Tamirys O’hanna.
Em tempos de ataques à
cultura e retrocessos, vamos
forçar a caminhada para
frente. Em tempos de violações
de direitos, iremos lutar
a cada dia mais para difundir
a cultura e a história.
Acreditamos que todo teatro
é político, pois provoca profundas
transformações no
espectador. E queremos que
a Terceiro Ato também seja
política, com o objetivo de ultrapassar
as barreiras e fazer
refletir. Evoé! ■
Rafaella Martinez Vicentini.
Jornalista, artista e uma eterna
sonhadora que acredita na
arte que faz acordar os homens
e sonhar as crianças,
como diria Drummond.
Foto: Paulo Von Poser
Revista Terceiro Ato ■ 3

SUMÁRIO
Ficha Técnica
Interartes
5 ■ Discos, filmes e livros
Panorama
6 ■ Teatro nacional
38 ■ Manufatura de
monólogos
39 ■ Críticas
História
18 ■ Movimento teatral
24 ■ TEP/Unisanta
57 ■ Cadeia Velha
79 ■ Diário cênico
Entrevistas
27 ■ Atores
31 ■ Da Baixada Santista
para o mundo
44 ■ Dramaturgos
46 ■ Bastidores do palco
Calendário
10 ■ Festivais
30
71
14 ■ Encenações
Esquete
23 ■ Homenageados
30 ■ Atores de TV
49 ■ Diretores em SP
Segmentos
50 ■ Linguagens cênicas
54 ■ Artes integradas
Ambientes
59 ■ Teatros de Santos
62 ■ Palcos fechados
63 ■ Espaços cênicos
68 ■ Espaços formativos
71 ■ Projetos itinerantes
Perfil
42 ■ Miriam Vieira
66 ■ Tanah Correa
67 ■ Kadu Veríssimo
74 ■ Sérgio Mamberti
23
Rafaella Martinez
Vicentini, 28 anos, de
São Vicente (SP).
Graduada em Jornalismo
(Unisanta), foi
editora e jornalista do
Diário do Litoral, onde
também atuou como
repórter de Cultura. Na área
de comunicação, teve experiência na
produção de jornais da TV Tribuna.
Integra o Teatro a Bordo (projeto de
itinerância de espetáculos, oficinas e
contação de histórias pelo País).
Lincoln Spada, 28 anos,
de Santos. Jornalista
(Católica Unisantos) e
ator pós-graduado em
Gestão Cultural. Criou
os sites O Palco Santista
e Revista Relevo
e já foi repórter cultural
em A Tribuna, Expresso
Popular, Diário do Litoral e colunista
na CBN Santos. Desde 2009, realiza
assessoria para festivais e, escritor,
já colaborou em revistas literárias.
Nina Gagli (Maria Carollyna Gagliardo
Victor), 30 anos, de São
Paulo e caiçara de Santos.
Advogada e Filósofa
(ambos via Católica
Unisantos). Educadora
que atua em Santos e
São Vicente contribuindo
no processo de aprendizagem
das novas gerações,
e que tem experiência em pesquisa
histórica e novas mídias, respectivamente
em edição de artes cênicas,
e no site de cultura Revista Relevo.
Poeta nas horas vagas
A Revista Terceiro Ato é uma realização
da jornalista Rafaella Martinez Vicentini
| Mtb.: 79116/SP
Contato: rafaella.reporter@gmail.com
Telefone: (13) 99104-5335
Colaboradores:
Anna Amex e Sandro Lopes
4 ■ Revista Terceiro Ato

InterArtes
FILMES
‘Birdman’ (2014), de
Alejandro Iñárritu. Com
Michael Keaton, Zack Galifianakis
e Edward Norton.
Após recusar blockbusters,
um ex-intérprete de super-
-herói busca retomar o auge
dirigindo um texto consagrado
para a Broadway. Melhor
Filme do Oscar 2015.
‘Jogo de Cena’ (2006),
de Eduardo Coutinho.
Com Marília Pêra, Andréa
Beltrão e Fernanda Torres.
Documentário mistura a realidade
e dramaturgia com
atrizes desafiadas a apropriar
das histórias de demais
entrevistadas.
Discos
‘Ópera do Malandro’
(1979), de Chico Buarque.
Um clássico do principal
compositor de teatro musical
brasileiro, inspirado em
Brecht e Kurt Weill, reúne
vários intérpretes nacionais.
‘Company - Original
Broadway Cast’ (1970),
de Stephen Sodheim.
Nenhum outro compositor
revolucionou a estética
dos musicais atuais quanto
este no ‘musical conceitual’.
Reúne orquestra e nomes
como Jones e Elaine Stritch.
Quando o Teatro se
faz elo com outros
segmentos
‘Ricardo III - Um Ensaio’
(1996), de Al Pacino. Com
Alec Baldwin, Kevin Spacey
e Winona Ryder. Documentário
com cenas de bastidores,
montagem teatral e
entrevistas com nova-iorquinos
sobre a obra-título
de Shakespeare.
Por Dino
Menezes.
Com mais de
30 prêmios,
artista multimídia
(artes
cênicas, visuais,
audiovisual, música e
literatura) participou de festivais
no Brasil e no exterior.
‘De Tempos Somos - Um
Sarau do Grupo Galpão’
(2017), do Grupo Galpão.
Revisitam números
musicais de sua trajetória e,
como sarau, mostra maturidade
ao fazer uma polifonia
como uma aula sobre a multiplicidade
de habilidades do
artista brasileiro.
Por Marcelo
Marinho de
Melo. Pós-
-graduado
em História
da Arte e
com Licenciatura
em Música,
é professor e diretor teatral, com
trilhas em diversos espetáculos.
Livros
‘Improvisação para o
teatro’ (Ed. Perspectiva),
de Viola Spolin.
Uma bíblia dos educadores
em jogos dramáticos,
é um manual para atores,
professores e alunos sobre
a arte do teatro, baseada
nos princípios de
Brecht e Stanislavski.
‘Para trás e para frente’
(Ed. Perspectiva),
de David Ball. Além de
ser um guia para a leitura
de peças teatrais, ajuda a
compreender o trabalho
da direção cênica.
‘Panorama do Teatro
Brasileiro’ (Global
Ed.), de Sábato Magaldi.
Fundamental para conhecer
a história do teatro!
Por Vanessa Ratton.
Jornalista,
escritora infantil,
poeta e dramaturga.
Mestre
em Comunicação
e Semiótica
e pós-graduada em
Teatro Brasileiro, leciona
teatro no SESI e no SENAC,
onde coordenou curso técnico
de formação de ator.
Revista Terceiro Ato ■ 5

Panorama
Os jogos de
luzes em
nossos Brasis
Texto: Lincoln Spada
Muitos são os espetáculos
em listas dos principais
prêmios do segmento
artístico, predominantes em
festivais e circuitos ao longo
de 2019. No entanto, o inconsciente
coletivo permite
correlacionar estéticas, temas
e recortes destas obras.
Assim, a proposta desse
prólogo é apresentar um
panorama nacional das tendências
e influências do teatro
brasileiro contemporâneo
que, consecutivamente,
já estão a ecoar nos grupos
e nas casas de espetáculo da
Baixada Santista.
Black power biográfico
| Coletivos e artistas
negros se destacaram recentemente.
O ano de 2018
marcou a chegada retumbante
de ‘Elza’, musical
que já circulou em capitais
e atraiu mais de 110 mil espectadores,
e foi premiado
com APCA (dramaturgia),
Cesgranrio (direção e categoria
especial), Reverência
(dramaturgia, direção, espetáculo
e categoria especial) e
Shell (música).
A ordem cronológica é
ignorada pelas sete atrizes-
-cantoras que se revezam
entre ‘Lata D’Água’, ‘Se acaso
você chegasse’, ‘Maria da
Vila Matilde’ e ‘A Mulher do
Fim do Mundo’. Marcada
por uma série de tragédias
pessoais, da morte dos filhos
Peça ‘Elza’ | Crédito da foto: Léo Aversa
e de Garrincha à violência
doméstica e à intolerância,
a jornada da cantora é contada
com alegria a partir de
suas reviravoltas e renascimentos,
sob autoria de Vinícius
Calderoni e direção de
Duda Maia.
Também o carioca Coletivo
2ª Black ainda em 2018
foi premiado com um Shell
(inovação) por criar um espaço
de encontro, pesquisa,
troca de saberes e apresentações
de experiências com
6 ■ Revista Terceiro Ato

Panorama
artistas negros. A pauta
identitária ganha força com
indicações de outros musicais,
como ‘Dona Ivone
Lara - Um Sorriso Negro’ e
‘Novos Baianos’ para o Prêmio
Aplauso. Entra na lista
‘Madame Satã - Um Musical
Brasileiro’ e ‘Prot(agô)
nistas - O movimento negro
no picadeiro’, estes reverenciados
pelo crítico teatral
Miguel Arcanjo Prado com
troféus em 2019.
O primeiro é um musical
do belorizontino Grupo
dos Dez, em que Taiguara
Nazareth protagoniza na
atual versão sobre a vida do
emblemático transformista
carioca João Francisco
dos Santos, sob a direção de
João das Neves e Rodrigo
Jerônimo. Já ‘Prot(agô)nistas’
reúne 22 artistas dirigidos
pelo circense Ricardo
Rodrigues, onde abordam
a dança Gumboot entre números
de acrobacia, malabares
e clowns, além de
debater sobre o racismo e a
questão da negritude.
Peças ‘Prot(agô)nistas - O Movimento negro no picadeiro’ (Foto acima
de Mariana Ser) e ‘Gota D’Água {Preta}’ (Foto abaixo: Sérgio Silva)
O diretor teatral Jé Oliveira (Foto abaixo: Sérgio Silva)
O atualíssimo Chico
Buarque | A mais notada
produção em temporada no
País é ‘Gota D’Água {PRE-
TA}’. A obra foi contemplada
pelo Prêmio Miguel Arcanjo
Prado (espetáculo),
indicado no Prêmio Aplauso
Brasil, APCA e Shell (espetáculo,
musical e inovação).
A montagem do premiado
ator, diretor e dramaturgo

Panorama
No holofote, o diretor do Teatro Oficina, Zé Celso Martinez | Crédito da foto: Edson Lopes Jr.
Jé Oliveira – fundador do
Coletivo Negro – mostra a
versatilidade do artista ao
longo de sua carreira, que
transita entre diferentes ritmos,
como rap e MPB.
Inspirado originalmente
no mito de Medeia, o musical
então escrito por Chico
Buarque e Paulo Pontes, em
1975, ganha uma releitura
com elenco predominantemente
negro, misturando
clássicos do Chico com estilos
da periferia, como o funk
e o hip hop. A musicalidade
ancestral e a influência das
religiões de matriz africana
compõem a escolha político-
-estética da obra que se conecta
ao momento político
do país em meio à metáfora
de uma traição conjugal, reforçando
as desigualdades
raciais e sociais.
Outra obra de Chico também
ganhou a ribalta nos
últimos anos, pelas mãos do
Teatro Oficina: ‘Roda Viva’.
Com direção de Zé Celso
Martinez, a montagem narra
a ascensão e queda de Benedito
Silva, transformando
por um anjo e um demônio
num herói pop, o cantor de
sucessos Bem Silver, fruto da
indústria cultural e com sua
genialidade pautada nas mídias.
Para se manter no auge,
molda-se em Benedito Lampião,
cantor de música nordestina
e, mais tarde, é sucedido
pela sua esposa Juliana.
A peça questionadora de
Chico (1986) foi escrita durante
o ápice da ditadura militar,
em uma dramaturgia
que se relacionava com a icônica
montagem antropofágica
de Zé Celso em ‘O Rei da
Vela’. Agora é a televisão que,
retratada como a opressora
do protagonista no mundo
showbiz, divide a vilania com
as fake news da Internet pelos
celulares. O Teatro Oficina
chegou também nos últimos
anos a estar em cartaz com o
seu outro clássico citado, ‘O
Rei da Vela’.
Holofote nos monólogos
| Outras questões
sociais também pautaram as
casas de espetáculo, como o
tema da imigração em ‘Um
Panorama visto da ponte’.
8 ■ Revista Terceiro Ato

Panorama
Peças ‘(In)justiça’ (foto acima de Caroline Ferreira) e ‘Todas as
coisas maravilhosas’ (foto abaixo de Jorge Bispo)
O texto de Arthur Miller ganha
versão local com direção
de Zé Henrique de Paula
e contracenado por Rodrigo
Lombardi e Sérgio Mamberti.
Em cena, a Nova York
dos anos 20, onde a tensão
entre americanos e italianos
arrematam em mais violência
nos subúrbios. O drama
é ampliado porque chegam
parentes da família principal
de modo ilegal no país.
A montagem foi laureada
com os prêmios Saci, ABCT
(ambos na categoria ator) e
Shell (direção).
O mesmo debate social
também se faz presente em
‘(In)Justiça’, do Teatro Heliópolis,
indicado no Aplauso
Brasil (espetáculo). Em
um tribunal, o que está por
detrás de um veredito? Um
ensaio cênico que reflete sobre
aspectos do sistema jurídico
do País. No enredo,
o jovem órfão involuntariamente
comete um crime. A
partir daí, o conflito do que
vem a ser justiça, desde a
praticada pela sociedade até
nos tribunais, permeia texto
em processo colaborativo do
elenco com Evill Rebouças e
direção de Miguel Rocha.
O assassinato de Marielle,
o rompimento da barragem
de Brumadinho e o incêndio
do Museu Nacional
ganham contornos pessimistas
no monólogo ‘Sísifo’,
protagonizado por
Gregório Duvivier,
que divide a autoria
com o diretor
Vinícius Calderoni.
Discussões filosóficas
alcançam o
mito grego, agora
contemporâneo,
em que o herói repete
a rotina de
carregar uma pedra
morro acima
só para vê-la rolar
e gerar um recomeço perene.
A produção foi indicada
na Aplauso Brasil (dramaturgia).
Outra obra de um ator
só é ‘Todas as coisas maravilhosas’,
indicada no Shell
(direção e ator). No palco,
Kiko Mascarenhas celebra
35 anos de carreira numa
peça em que, ao retornar
aos sete anos, o seu eu-lírico
elenca compulsivamente
uma lista de coisas que fazem
a vida valer a pena. A
razão é a das mais nobres:
demover a sua mãe deprimida
da ideia de cometer suicídio.
Com texto de Duncan
Macmillan e Joe Donabue,
adaptado por Diego Teza e
direção de Fernando Philbert,
a peça numa linha de
teatro do oprimido de Boal
busca com as plateias encontrar
argumentos para viver
o hoje. ■
Revista Terceiro Ato ■ 9

Intercâmbios entre modos
de fazer: nossos festivais
calendário
Texto: Rafaella Martinez
Aligação da Baixada Santista
com as artes cênicas
é antiga, assim como a vontade
de encurtar as distâncias
entre os fazedores de arte e
o público. Lar do mais antigo
festival de teatro ainda em
atividade no Brasil, a Baixada
tem papel de destaque também
por abrigar o primeiro
festival de cenas do país e a
cada dois anos cruzar os limites
nacionais e promover uma
verdadeira festa ibero-americana
de artes cênicas. Competitivos
ou não, cada festival
cumpre com maestria seu
papel de disseminar a arte,
formar público e promover a
troca entre fazedores de teatro
de todos os cantos.
FESTA - FESTIVAL
SANTISTA DE TEATRO
A mais tradicional FESTA
do teatro santista teve início
em 1958, pelas mãos de
ninguém menos que Patrícia
Galvão (leia mais na reportagem
‘Articulação do fazer
teatral', página 18). Considerado
o mais antigo evento
do gênero no Brasil, o hoje
Festival Santista de Teatro
foi responsável por diversos
capítulos da história cultural
Miriam Vieira na peça ‘Geração Trianon’, da Cia. Pernilongos
insolentes pintam de humor a tragédia (foto: Wilson Melo)
da região. O mais importante
deles foi o de fazer com que
o teatro santista ganhasse
projeção nacional. Ao longo
de seis décadas de existência,
seu maior objetivo ainda
se mantém vivo: promover
intercâmbio e troca de experiência,
rejeitando a mera
mercantilização da arte.
Mais do que promover o
encontro e debate de ideias
com grupos de outras regiões,
o festival fez com que a
cidade se tornasse um laboratório
de novos profissionais
e revelou grandes nomes
da dramaturgia brasileira.
Um dos grandes personagens
dessa história foi
Silvio Roupa, falecido em
dezembro do ano passado.
Em entrevista ao programa
Memória-História Oral, da
Fundação Arquivo e Memória
de Santos em 2018, ele
destacou os primórdios da
antiga Federação de Teatro e
do FESTA.
“Partiu do Oscar Von Pfuhl
a ideia de formação de uma
Federação do Teatro Amador
de Santos. O Greghi Filho
também abraçou a ideia
10 ■ Revista Terceiro Ato

calendário
e daí nasceu a federação. Nós
participamos do 1º FESTA e
ganhamos com o grupo ‘Os
Independentes’ com ‘A Farsa
dos Meninos Bonitos’. Nesse
tempo fiz bastante pelo teatro.
Lutei muito pelo Teatro
Municipal, pois na época tínhamos
teatro, mas não podíamos
usar. Foi uma batalha
com a Patrícia Galvão e
com a Rosinha Mastrângelo,
uma n'A Tribuna e outra n'O
Diário, e na época eu trabalhava
na atual Secretaria de
Cultura. Batalhamos mesmo
até conseguir o teatro que
está aí, o que para nós foi a
glória, o resultado da nossa
grande luta”.
Também integrante dessa
história, Maria Aparecida
Celestino conta com entusiasmo
suas lembranças do
festival.
“O FESTA era a festa anual
do teatro. Todo mundo se
preparava para ele. Antes
houve um festival de teatro
organizado pelo jornal ‘O Diário’.
Muita gente acha que o
teatro é aquilo que se faz na
televisão. É preciso mudar
isso, levar as pessoas para o
teatro e admirar o trabalho
do ator. O FESTA incentiva
isso. Quanto talento não
existe por aí que está afogado?
O teatro é uma escola de
vida e a oportunidade que
temos de viver outras vidas”,
conta.
A atriz Liliane São Paulo (à esq.) na peça ‘É Doce ou Salgado?’
durante o FESTA (foto: Luiz Guilherme Santos)
Vall Carthom, integrante
da Cia Teatral Saga, participa
do festival desde 1992. "No
41º FESTA, em 1999, minha
parceira Rosangela Oliveira e
eu tivemos o prazer de levar
de volta aos palcos o teatro
feito por crianças. Isso fez as
salas de aulas incentivarem
as crianças a fazerem teatro
e o FESTA acabou criando
então a categoria mirim. O
festival proporcionou muita
coisa boa, como a questão de
trocarmos informações com
grupos de outros lugares",
finaliza.
O festival mudou com o
tempo o modo de fazer: deixou
de ter caráter competitivo
em 2009 e em 2011, voltou
a ser nacional, recebendo
apresentações de todo o País.
No mesmo ano, recebeu do
Ministério da Cultura a Ordem
do Mérito Cultural, que
contempla personalidades,
grupos artísticos, iniciativas
e instituições que se destacam
por suas contribuições à
cultura brasileira.
MIRADA - FESTIVAL
IBERO-AMERICANO DE
ARTES CÊNICAS
Em 2010, a cena teatral da
cidade foi reforçada com a
criação do Mirada, o Festival
Ibero-Americano de
Artes Cênicas, que reúne a
cada dois anos companhias
de diversos países da América
Latina, mais Portugal
e Espanha - as duas nações
ibéricas. Em cinco edições,
foram apresentados 404 espetáculos,
de 15 países.
“Em um mundo sacudido
Revista Terceiro Ato ■ 11

por frequentes crises socioeconômicas
e humanitárias,
os espaços dedicados ao encontro,
ao intercâmbio, à
reflexão e ao debate coletivo
precisam ser conservados e
estimulados. A manutenção
de uma agenda de festivais e
eventos diversos, conectando
e envolvendo diferentes
pontos do continente, reverbera
uma pauta urgente e
necessária e é dentro desse
contexto que se insere o Mirada,
corroborando a longa
tradição de efervescência
cultural da cidade”, destaca
Danilo Santos de Miranda,
diretor do Sesc São Paulo.
Para ele, o objetivo do
festival também é “fortalecer
o compromisso com a rica
diversidade ibero-americana,
estimulando o aprofundamento
das relações entre
os povos desse corredor sociocultural,
repleto de afinidades
e particularidades”.
FESCETE - FESTIVAL
DE CENAS TEATRAIS
O FESCETE surgiu em
1997, a partir da necessidade
de incentivar os alunos
do TESCOM a crescerem e
explorarem novas estéticas.
Foi então que Pedro Norato
e Karla Lacerda decidiram
pedir para as turmas pinçarem
cenas de espetáculos e
apresentarem como trabalho
de conclusão de curso.
calendário
Espetáculo 'Mucho ruído por nada' encenado durante o MIRADA
de 2018 | Crédito da foto: Matheus José Maria/Sesc SP
Já no primeiro ano, a
ideia ultrapassou as paredes
do TESCOM e foi aberta para
outros grupos de teatros da
região, seguindo para os teatros
Rosinha Mastrângelo
e do Sindipetro, ocupando
outros espaços tradicionais
da cidade. Hoje o festival
investiga estéticas e integra
todas as linguagens da arte
(dança, música, arte audiovisual,
teatro, artes plásticas
etc.) abrindo espaço para
participação de estudantes,
amadores e profissionais.
No gênero (Festival de
Cenas), o FESCETE é pioneiro
no Brasil, onde homenageia
personalidades santistas
que contribuem com
o fazer artístico e conta com
a participação de profissionais
de diferentes segmentos:
teatro, dança, música,
poesia, literatura e artes
visuais, além de promover
mostras, cursos, workshops,
performances, exposições, e
concurso de poesia estudantil
e universitária.
Na visão de Pedro Norato,
o FESCETE tem como
pilar a formação e o fomento
do teatro. “Começamos
a dar palco para grupos e
artistas reconhecerem seus
trabalhos. Essas cenas são
como defesas de teses para
mostrar para outros grupos.
Uma vez que conseguimos
ter três olhares diferentes
para essa cena (as visões dos
avaliadores), conseguimos
dar uma devolutiva aos grupos
para que eles possam
agregar mais valores para o
espetáculo que será produ-
12 ■ Revista Terceiro Ato

calendário
zido”, conta.
O evento busca também
conscientizar com campanhas
sobre o Desenvolvimento
Sustentável e a
Ecorresponsabilidade.
“Qualquer forma de manifestação
artística é fantástica,
e conseguir nos
dias de hoje fazer a cidade
respirar 15 dias de manifestações
artísticas e receber
artistas que já estão no
cenário nacional para dialogar
com quem está começando
são as grandes conquistas
do festival. A troca
e a formação de novos grupos
e plateias são coisas
fanstásticas que conquistamos
ao longo desses 24
anos”, completa.
FESTES - festival
de Estudantes de
Santos Paschoal
Carlos Magno
O FESTES surgiu em 2006 e
recebeu o nome do diplomata
e teatrólogo em homenagem
ao centenário de seu nascimento.
Criado por iniciativa
da Secult Santos, o festival
tem como objetivo estimular
o interesse pelas artes, promover
o resgate dos antigos
festivais e ampliar a produção
artística na cidade.
O evento acontece tradicionalmente
sempre no mês
de outubro e é voltado para
escolas particulares, estaduais
e municipais (de ensino
médio e técnico), sediadas
em Santos e Região.
Artistas de Arcoverde (PE) realizam sessão ao ar livre durante
o Fescete em 2019 | Crédito da foto: Bruna Quevedo
FESTAC - Festival
de teatro de cuba-
tão
Mais tradicional festival de
teatro de Cubatão, o FESTAC
foi criado em 1989 e tem
como objetivo descentralizar
de espetáculos a atividades
formativas em bairros da
Cidade, além de gerar o intercâmbio
entre produções
artísticas da região, e formar
novas plateias.
O festival é realizado em
revezamento de associações
culturais locais com os coletivos
da Cidade.
FestKaos - Festival
teatro do kaos
Retomado em 2019 após
cinco anos de paralisação,
o Festival Teatro do Kaos,
de Cubatão, reúne diversos
grupos regionais e nacionais
em Cubatão com programação
gratuita.
O festival visa valorizar
o fazer teatral, promover
a troca de experiências e a
formação de plateia. Assim,
difundindo as artes cênicas
para diferentes públicos.
“O teatro me ensinou a
pensar no meu semelhante.
E todo o teatro que faço é
pensando no bem de todos,
por isso, tudo que um dia
sonhei, virou e continua virando
realidade”, destaca o
idealizador da mostra, Lourimar
Vieira. ■
Revista Terceiro Ato ■ 13

calendário
A tradição das
grandes encenações
Destaques da encenação vicentina (da esq. à dir.), marissol dias no núcleo indígena; o padre representado
por Rodrigo Caesar e o núcleo dos navegantes liderados por Martim Afonso de Souza.
Ao lado, de traje verde, o diretor Lucas Magalhães | Crédito de fotos: Cássio Moraes
Texto: Lincoln Spada
Se os festivais artísticos
disputam os palcos e as
plateias de Santos, coube às
cidades vizinhas protagonizarem
em relação a um calendário
de encenações como
principais apresentações cênicas
a fim de agregar os artistas
da Baixada Santista. A
mais destacada é a Fundação
da Vila de São Vicente, criada
em 1982 e nominada como
a maior do gênero em areias
de praia do mundo, segundo
o Guinness Book. São geralmente
1 mil participantes, entre
elenco e equipe técnica do
projeto, que segue de outubro
a janeiro até a temporada de
apresentações na semana de
aniversário da primeira cidade
do Brasil, 22 de janeiro.
Concebida numa soma de
esforços dos coletivos vicentinos,
no final dos anos 90
passa a ser adotada no calendário
municipal e, consecutivamente,
organizada pela
Prefeitura via Secretaria de
Cultura. É nessa década que,
reformulada, ganha proporções
turísticas à medida que
se apropria de arquibancadas,
maiores estruturas,
holofotes e elenco de celebridades
para os papéis principais.
A cada ano, a história
da chegada de Martim Afonso
na praia do Gonzaguinha
é contada sobre uma distinta
perspectiva. Ou até linguagem,
como musicais.
Tendo como narrativa o
14 ■ Revista Terceiro Ato

calendário
Bacharel, Lucas Magalhães
dirigiu pela primeira vez a
encenação em 2019. “A experiência
em si foi um misto de
criatividade, frio na barriga,
preocupação, mas, claro, um
prazer imensurável ao ver o
espetáculo daquela magnitude
sendo gerado por nós. Em
suma, foi incrível”. A bagagem
de assistente de direção
nos anos anteriores permitiu
avanços. “Pude escutar de algumas
pessoas do elenco que
a encenação, esse ano, estava
mais coreografada, pois ensaiamos
bastante e buscamos
desafiar o elenco nesse aspecto.
Foi um espetáculo pensado
minuciosamente para isso
e, por conseguinte, para atingir
o público no aspecto mais
sensível possível”.
Na trajetória, o tradicional
evento já foi prestigiado
por governador, ministro e
consulados, além dos mais
de 25 mil espectadores anuais.
Na praia, dezenas de
celebridades estrelaram,
como Caco Ciocler, Camila
Morgado, Emanuelle Araújo,
Felipe Simas, Helena Ignez,
Henri Castelli, Matheus
Nachtergaele, Murilo Rosa e
Oscar Magrini. O casal Bartira
e João Ramalho por anos
foi repetido pela vicentina
Marissol Dias e Júlio Rocha.
Atualmente, o evento é gerido
pela Adesaf - Associação
de Desenvolvimento Econômico
e Social às Famílias.
Cinquentinha
na ativa
Já a montagem mais antiga
em atividade na Baixada
Santista é a Encenação da
Paixão de Cristo de Cubatão,
criada há 51 anos por jovens
locais da Paróquia Nossa Senhora
da Lapa e que hoje é
produzida pela Associação
Incena Brasil. Recebendo até
4 mil espectadores em sessão
única, o evento ocorre no
CSU - Parque do Trabalhador.
“São mais de 200 pessoas
envolvidas entre atores
profissionais, voluntários,
técnicos e produção. A participação
da comunidade é
voluntária e elas são inseridas
nas oficinas de interpretação,
maquiagem artística e
objetos e adereços cênicos”,
diz a presidente da associação,
Rose Vieira.
Ela ressalta o espetáculo
contar com intérprete de Libras,
audiodescrição e acessibilidade
para pessoas com
deficiência. Com presença de
atores profissionais, o espe-
Revista Terceiro Ato ■ 15

Imagens da 50ª Encenação da Paixão de Cristo de Cubatão
Crédito das Fotos: Thaty Santana
Na foto abaixo, destaque para Imperatriz Leopoldina em
Caminhos da Independência | Crédito: Teatro do Kaos
calendário
táculo que já foi protagonizado
por mais de 30 anos por José
Augusto Silvério, o Zito, hoje
abre seletiva para definição do
papel principal. Nas recentes
edições, contou com artistas
convidados de fora da região,
sob direção geral de Cibelly Piacentini,
como Sérgio Mamberti
(Herodes) e Leonardo Miggiorin
(Pilatos). Se a encenação
vicentina ganhou uma casa de
memórias no Parque Cultural
Vila de São Vicente, a cubatense
rendeu um livro de Welington Borges.
Independência
ou morte
Outra encenação tradicional é a Caminhos
da Independência, realizada
pelo Teatro do Kaos em sua sede no
Largo do Sapo durante a primeira semana
de setembro. “A primeira edição
foi em 2002, com texto de Cícero Gilmar
Lopes, direção de Tanah Correa
e o Alexandre Borges fazia o D. Pedro
1º”, explica o idealizador do evento e
diretor do Kaos, Lourimar Vieira. A
narrativa sempre foi no mesmo espaço
- às vezes ao ar livre, às vezes sob a
lona circense - enquanto se construía
o teatro em si.
O evento que já está inserido no calendário
municipal narra a breve passagem
de Dom Pedro 1º, na véspera
da independência, por Cubatão, logo
no mesmo largo e arredores, onde visitou
um casal de amigos. Carlos Casagrande,
Gabriel Braga Nunes, Juan
Alba, Monique Alfradique, Nuno Leal
Maia já foram convidados para papéis
principais. No último ano, a ótica fe-
16 ■ Revista Terceiro Ato

calendário
minina remodelou a história,
com direção de Miriam
Vieira, texto de Dione Carlos
e Maria Leopoldina interpretada
por Tamirys O’hanna
- todas as artistas já premiadas.
Ambas as montagens
cubatenses são custeadas
pela Ecovias via Lei Rouanet.
Uma via-crúcis
popular
Por sua vez, a ‘Rua da Amargura’
ocorre desde 2007 em
circulação nas semanas de
Páscoa e seguintes pelas praças
de São Vicente. Organizada
pelo coletivo de artistas
da Cidade, atualmente a
montagem com mais de 70
atores, entre membros de
grupos locais e amadores, recebe
o nome de ‘Via Dolorosa
- A Paixão de Cristo’, sempre
com texto do Jobson Ricciardi
e direção de Rodrigo Caesar
e Lucas Magalhães.
Em 2019, foram 1 mil espectadores
para assistir à
obra que passa pela Praça
Tom Jobim, Instituto Histórico
e Geográfico de
São Vicente e até na
Praça João Pessoa a
cada semana. O próprio
elenco - entre
artistas e coro cênico
- costuma criar e reciclar
o figurino e o cenário
dessa tragédia
com final feliz, segundo
Rodrigo. “Porque,
diferente das Paixões de Cristo
que acontecem na maioria
das igrejas, nosso Jesus
nasce, cresce, é crucificado e
ressuscita no mesmo dia! Porém,
cantamos músicas que
fazem parte do repertório da
Igreja, e algumas músicas do
cancioneiro popular”.
A preparação sempre inicia
após a Encenação de São
Vicente, seguindo até a Páscoa.
A pesquisa do grupo é de
uma estética de circo teatro
e teatro de rua. “As pessoas
de idade diziam que, antigamente,
em época de Semana
Santa, os circos de bairros
paravam suas apresentações
para representar a Paixão. E
eu sempre quis fazer algo
que se aproximasse desse
momento: o palhaço fazendo
Judas, a bailarina dando
vida à Madalena, esquete de
músicas populares, principalmente
de Vicente Celestino,
e por aí vai”.
Outras obras
Em simultâneo, os jovens
‘Rua da Amargura’ (foto acima) e teatro
no Humaitá (foto abaixo) | Crédito
das Fotos: Cássio Moraes
da Paróquia São José de Anchieta,
no Humaitá, realizam
há 29 anos a Encenação da
Paixão, Morte e Ressurreição
de Cristo num campo
de futebol em frente à igreja,
recebendo 4 mil fiéis, em
arquibancada e estrutura
apoiada pela Prefeitura. Exceto
em 2000 não houve a
temporada cristã, que conta
com, pelo menos, 200 pessoas
envolvidas, entre cantores,
dançarinos, atores e
parte técnica.
As encenações têm em
comum serem gratuitas ou
com 1 Kg de alimento não-
-perecível ou leite em pó a
ser destinado para o Fundo
Social de Solidariedade da
cidade. Outros municípios
também nos últimos anos
estão investindo via apoio
público realizar um evento
desse porte, seja um feriado
cívico, seja para uma montagem
religiosa. ■
Revista Terceiro Ato ■ 17

Texto: Rafaella Martinez
Berthold Brecht, um dos
mais aclamados nomes
do teatro mundial afirmou
certa vez que todo teatro é
um ato político, pois provoca
reflexões para quem o assiste.
A política está intrinsicamente
ligada à raiz das representações
teatrais: ainda
na Grécia Antiga, o teatro era
usado para expor os problemas
enfrentados pela Pólis.
Os autores mais renomados
também abordaram temas
do cotidiano em suas obras,
provocando profundas reflexões
no espectador.
Na Baixada Santista, a
articulação do fazer teatral
passeia pelas vielas da história.
Seus protagonistas
encurtaram as distâncias
entre a região e os grandes
polos de produção nacional.
Levantaram a voz contra
perseguições. Foram presos
e torturados. Mas também
produziram feitos significativos
e consagraram a Baixada
Santista como um dos maiores
polos de cultura do Brasil
– e do mundo.
Ao longo dos anos, as representações
teatrais tiveram
papel fundamental para
ARTICULAÇÃO DO
FAZER TEATRAL
a construção do caráter combativo
do povo da região. Foi
no palco do primeiro teatro
oficial de Santos, o Guarany,
que ocorreram diversos movimentos
da abolição da escravatura
e em defesa da
República. Em uma de suas
histórias mais emblemáticas,
durante a estreia da peça 'A
sombra da Cabana', do poeta
e advogado José André
do Sacramento Macuco, um
escravo recebeu sua carta de
alforria, que foi paga com o
dinheiro da bilheteria.
Em outra ocasião, o doutor
Carlos Garcia realizou
ali uma conferência sobre
as vantagens de um governo
republicano, em janeiro de
1886. Além da importância
para a arte e para a história,
HISTÓRIA
foi no teatro que surgiu o tradicional
Banho de Doroteia,
no carnaval de 1920. 'Fando
e Lys', de Arrabal, peça-chave
do teatro resistência, teve
sua estreia nacional na cidade.
‘As confrarias’, de Jorge
Andrade, também teve sua
única montagem nacional
em Santos.
Ainda no ano de 1966,
Paulo Lara e Greghi Filho
fundaram o TIC - Teatro Íntimo
de Comédia. Instalado
no prédio do Parque Balneário,
o local contava com apenas
80 lugares. Como cita
Carmelinda Guimarães em
sua obra ‘Memórias do Teatro
Santista’, o TIC “foi a primeira
companhia de teatro
estável de Santos, e a única,
além de ser o primeiro tea-
Em Santos, Pagu na juventude (à esq., foto de acervo familiar) e
já nos anos 50, durante reunião com atores e atrizes (à dir., foto
de acervo da Fundação Arquivo e Memória de Santos.
18 ■ Revista Terceiro Ato

HISTÓRIA
tro a funcionar regularmente
numa cidade de interior”. No
espaço foram montados espetáculos
como 'Toda Donzela
Tem Um Pai que é uma
Fera', de Gláucio Gill (três
meses em cartaz com a casa
lotada de terça a domingo)
e o show 'As Insatisfeitas',
estrelado por Rubinho Gonçalves.
O teatro terminou
por inúmeros problemas,
inclusive a falta de apoio de
órgãos públicos e privados.
Um furacão de nome
patrícia galvão | É
impossível falar do teatro
santista sem citar Patrícia
Galvão, ou simplesmente
Pagu, apelido criado pelo
poeta Raul Bopp. Escritora
e jornalista nascida em São
João da Boa Vista, integrou
o movimento antropofágico,
sob a influência de Tarsila
do Amaral e Oswald de
Andrade, com quem chegou
a se casar. Como escreveu o
jornalista e escritor Sérgio
Willians no site Memória
Santista,
desde
jovem
Pagu foi
considerada
“extravagante”,
demonstrando
u m
comportamento considerado
fora do padrão conservador
da época.
Ingressou no Partido Comunista
Brasileiro (PCB)
em 1931, e chegou a ser presa
em Santos durante um
comício grevista dos estivadores
do porto. Foi encarcerada
na atual Cadeia Velha
por algumas semanas e publicou
romances de forma
clandestina (o conteúdo era
considerado comunista).
Retornou para Santos em
1954, onde viveu até a morte,
em 1962. Na cidade, se
dedicou em especial ao teatro,
particularmente no in-
Plínio Marcos (Foto/divulgação)
centivo a grupos amadores.
Tudo começou em 1958,
com um encontro que reuniu
nomes de peso como o
teatrólogo Paschoal Carlos
Magno (fundador do Festival
Nacional de Teatro de
Estudantes), e jovens que
viriam a revolucionar o cenário
cultural da Baixada:
Plínio Marcos, Wilson Geraldo,
Jansen Cavalcanti,
Fernando Alves, Antônio
Carvalhal, Evêncio da Quinta
e Maurice Legeard.
Com a vontade de fomentar
um festival local e com a
liderança da revolucionária
Patrícia Galvão, o movimento
culminaria com o Festival
de Teatro Amador de Santos,
o FESTA, que anos mais
tarde se tornaria o mais antigo
festival de artes cênicas
do Brasil.
Jornalista do hoje centenário
A Tribuna, Pagu usou
o trabalho para cobrar do
Poder Público apoio para a
cultura local. Com a coor-
Revista Terceiro Ato ■ 19

denação de Luís Carranca,
promoveu a primeira edição
do FESTA dentro do próprio
departamento de cultura do
jornal, onde escreveu: “Caberá
aos poderes públicos
sem olhar a considerações
de ordem política, sem pensar
em aproveitar do estímulo
cultural para se prestigiarem
perante o eleitorado
possível, dar todo o apoio a
esse trabalho, que precisa
do esforço e da cooperação
de todos para poder ser efetivamente
levado a efeito”.
O mundo segundo Plínio
Marcos | O movimento
teatral em Santos
viveu sua efervescência na
década de 60, muito por
conta de a cidade começar a
se destacar como celeiro de
talentos cênicos; a aproximação
com o fazer artístico
de São Paulo e o crescimento
na quantidade de apresentações
após a criação do
festival de caráter regional.
Nesse cenário, um dos nomes
mais fortes
foi o de Plínio
Marcos, escritor
e dramaturgo
santista
presente diretamente
no teatro
atual. Pagu
teria grande influência
na estreia
dramatúrgica
de Plínio Marcos, com
quem manteve uma relação
de amizade e em quem reconheceu
um escritor talentoso.
O dramaturgo nasceu em
1935 e, sem ter frequentado
o ensino formal, tentou inúmeras
profissões, como funileiro
e vendedor de livros,
tornando-se, afinal, artista
circense: o Frajola.
Plínio foi um dos primeiros
a retratar com autenticidade
temas como homossexualidade,
prostituição e
violência. Seus textos trazem
diálogos e situações sempre
cortantes e carregadas de gírias,
oriundas das camadas
sociais periféricas da sociedade.
Entre suas obras mais
conhecidas estão 'Barrela',
sua primeira peça, de 1959,
e 'Dois Perdidos Numa Noite
Suja' (1966), 'Navalha na
Carne' (1967), 'Quando as
Máquinas Param' (1972) e
'Madame Blavatsky' (1985).
Nesse período, o teatro
da Região e do Brasil manteve
uma vertente engajada
HISTÓRIA
contra a exploração política
e social e coube a Plínio ocupar
seu espaço, encontrando
no povo os elementos fundamentais
para a arte.
Morador do Macuco, ele
conhecia a realidade do cais
do Porto, dos arredores do
Mercado e dos becos do Centro.
Deu voz aos marginalizados,
atuando no teatro amador
também com o Sindicato
dos Estivadores, seguindo a
vida artística em São Paulo,
onde faleceu em 1999.
Ditadura: a musa inspiradira
| O Golpe Militar
de 1964 teve profundo
impacto no teatro da Baixada
Santista. Personagem
fundamental desse contexto,
Carlos Pinto precisou
abdicar de sua participação
no movimento sindical e migrar
para a militância cultural.
Em parceria com outros
representantes da classe artística,
fundou a Federação
Santista de Teatro Amador,
da qual foi tesoureiro na primeira
diretoria e nas eleições
seguintes, eleito presidente,
cargo que ocupou por
quinze anos, durante a ditadura
militar.
Em 1968, após a publicação
do Ato Institucional
nº 5, a censura passou a
impedir grande parte das
manifestações artísticas no
Brasil. A Federal Santista
20 ■ Revista Terceiro Ato

HISTÓRIA
de Teatro Amador
assumiu então um
caráter político e
contestador, com
peças audaciosas,
muitas vezes punidas
com castigos
severos. Presidente
da Federação nos anos de
chumbo do regime militar,
Carlos Pinto conta que foi
preso ‘algumas’ vezes, mas
não se arrepende.
Para ele, “a ditadura era
uma musa inspiradora”, que
proporcionou “tempos difíceis,
mas indiscutivelmente
incríveis”. Em entrevista no
ano de 2014, o ex-secretário
de Cultura de Santos disse:
“Havia uma causa pela qual
se levantar e o teatro nada
mais é do que isso, lutar
contra um sistema. Qualquer
espetáculo que apresente
soluções está errado!
O papel da arte é escancarar
o problema e era exatamente
isso que fazíamos. E a população
respondia lotando
as apresentações. Aquele foi
o melhor período do teatro
amador de Santos”.
Na década de 70, com o
esvaziamento proporcionado
pela ditadura militar,
o FESTA foi interrompido,
mas, como destaca o saudoso
Silvio Roupa, os amadores
continuaram a luta por
pautas urgentes, tais como
a construção e a efetiva uti-
Artistas contra o fechamento da Secult, na sessão da Câmara
de Vereadores nos anos 90 (à esq., foto/reprodução), e atual
movimento teatral da Baixada Santista se reune na cadeia velha
durante o FESTA 60 (acima, crédito da foto: adilson félix).
lização do Teatro Municipal
Braz Cubas (inaugurado em
1979), que por anos foi ocupado
apenas por companhias
da capital.
Outro episódio marcante,
já na década de 80, foi a
ocupação da Cadeia Velha
no Governo Maluf, quando
artistas das mais diversas
vertentes fixaram residência
no espaço que até então
permanecia fechado, com
o objetivo de democratizar
seu uso. Como relembra os
diretores teatrais Miriam
Vieira e Sérgio Guerreiro, a
ocupação resgatou também
a estrutura do espaço.
Nesse período, o movimento
também promoveu
caminhadas e apresentações
com o objetivo de alertar sobre
a importância do tombamento
do Teatro Coliseu,
anseio que se tornou realidade
em dezembro de 1989.
Em 1987, o secretário de
Cultura de Santos, Tanah
Corrêa, inicia um trabalho
junto à Federação Santista
de Teatro Amador, presidida
por Naira Alonso. Com
grupos mais amadurecidos,
renasce em 1987, o I Festival
Santista de Teatro Amador,
cuja numeração passou a ser
contada do ponto onde foi
interrompida somente em
1997, graças ao memorável
agitador cultural Toninho
Dantas.
Nos anos 90, a luta
por afirmação | Na década
de 90, a então prefeita
Telma de Souza criou o Projeto
Carlitos, que ministrava
aula de artes para alunos da
rede pública no contraturno
escolar. Muitos artistas hoje
consagrados no cenário cultural
passaram pelo projeto.
Parte dos alunos do projeto
agregou ao movimento
e no final da década lotou as
galerias da Câmara Municipal
de Santos contra a proposta
de extinção da Secretaria
de Cultura.
Revista Terceiro Ato ■ 21

Artistas protestam contra a detenção de Caio Martinez após
peça censurada, em 2016 (crédito da foto: Rodrigo Montaldi)
Já no ano 2000, o FES-
TA promovia um abaixo-
-assinado que requeria que
o Teatro Coliseu recebesse
o nome de Plínio Marcos, o
que não aconteceu.
Outra luta do movimento
foi de 2005 a 2010 para a
criação da Lei nº 2.455, que
alterou o funcionamento do
Fundo de Assistência à Cultura
– Facult e definiu parâmetros
para o apoio oficial
a projetos artísticos independentes.
O edital já proporcionou
a circulação de
dezenas de atividades culturais
gratuitas em espaços
descentralizados de Santos.
Coube ao movimento
também a luta para que
Santos abrigasse uma escola
pública de teatro. Em sua
mais recente ação, o Movimento
Teatral da Baixada
Santista (MTBS) articulou a
ação contra o fechamento, a
municipalização e posterior
ideia de transformar da histórica
Cadeia Velha de Santos
em um Museu. Atualmente
abrigando a AGEM, o
espaço segue com suas celas
impregnadas de arte e cultura,
funcionando como polo
do Projeto Guri e espaço
para ensaios, de exposição e
apresentações teatrais.
Arte contra a barbárie
| No mais recente – e
significativo – episódio da
luta do movimento teatral,
o ator Caio Martinez Pacheco
foi algemado após a
apresentação do espetáculo
‘Blitz - O império que nunca
dorme’, da Trupe Olho da
Rua, no dia 30 de outubro
de 2016, na Praça dos Andradas,
em Santos.
O tumulto começou após
o desligamento do som,
quando os policiais algemaram
Martinez sem falar qual
o crime ele e o grupo teriam
cometido. Pelo Boletim de
Ocorrência (BO), a Trupe
teria atentado contra símbolos
nacionais (bandeira e
hino) e Caio Martinez teria
desobedecido a polícia e resistido
à prisão.
O movimento se
uniu e protestou até
a liberação do artista
no Palácio da Polícia.
O ato levantou o debate
sobre a censura.
Para Caio, o episódio
remontou ao período
da ditadura e disparou
um gatilho de fascismo,
chegando a declarar na ocasião:
“Vivemos hoje um momento
político de quebra da
legalidade e de ascensão do
conservadorismo que legitima
essas ações do Estado
que não tem base jurídica e
que se dão apenas pela perversidade
contra pessoas que
se organizam socialmente. É
triste e revelador de um contexto
local e nacional”.
A ponderação foi reforçada
por Junior Brassalotti,
também integrante do Movimento
Teatral da Baixada
Santista, que enfatizou que,
sobretudo, o pensamento
crítico semeado nas apresentações
teatrais acompanha
o espectador após o fim da
apresentação. Para ele, "se o
público riu em determinada
passagem foi porque pensou.
A política está junto com o
humor o tempo inteiro e ele é
o melhor acesso a ela. Teatro
não foi feito para ser algo prazeroso
e agradável. Não é um
entretenimento barato e sim
um instrumento de guerra". ■
22 ■ Revista Terceiro Ato

Esquete
Os personagens do teatro
Carlos Alberto
Soffredini
(1939-2001).
Autor e diretor
teatral graduado
em Letras,
vencedor do
Prêmio do Serviço
Nacional de Teatro (SNT, 1967).
Pesquisador da cultura popular
brasileira, dirige projeto do gênero
no Sesc (1976-1977) e funda
o Grupo de Teatro Mambembe e
o Núcleo de Estética Teatral Popular.
Escreveu ‘O caso dessa tal
de Mafalda...’, ‘Mais quero asno
que me carregue...’, ‘Hoje é dia
de Maria’. No cinema, roteirizou
‘A Marvada Carne’, de André Kloetzel
(1985, vencedor do Festival
de Gramado). Na SBT, escreveu
a novela ‘Brasileiras e Brasileiros
(1990-1991). Venceu os prêmios
APCA, Apetesp e Mambembe.
Greghi Filho (1937-2001). Iniciado
no teatro por Patrícia Galvão
em 1959, estreou em ‘Fando
e Lys’. Ganhou mais de 20 prêmios,
e se tornou num dos principais
nomes do teatro infantil,
autor de ‘A Farsa do Príncipe Invisível’
e ‘A Procura da Felicidade’.
A sua peça mais famosa foi
a adulta ‘Uma Rosa para Hitler’,
sobre relação abusiva do ditador
e uma judia.
Roberto
Peres
(1945-
2014).
Jornalista,
crítico e
diretor teatral,
dirigiu o Corpo Estável de
Dança de Santos (1991-1996),
a peça ‘Kasato Maru’ (2009), a
Escola de Artes Cênicas Wilson
Geraldo (2010-2014). Foi
coordenador cultural da Bienal
de Artes Visuais, da Pinacoteca
Benedicto Calixto (ambos entre
1993-1995) e do CCBEU (1998-
2004). Premiado pela APCA,
também lecionou em universidades
sobre artes, teatro e cinema.
Roberto
Villani
(1939-2017).
Jornalista, cronista,
autor e diretor teatral, especializou-se
sobre teatro escolar,
lecionando sobre a modalidade
nos anos 70 em colégios e unidades
de jovens infratores na
Baixada Santista. Artista premiado,
iniciou o Teatro Educativo
Roberto Villani, e coordenou
festivais do gênero. Dramatizou
‘Ploc, a borboleta mais linda
que já vi’ e ‘Zanzalá’. Foi secretário
de Cultura de Descalvado.
Textos: Lincoln Spada
Oscar von Pfuhl (1903-
1986). Nascido no Rio de Janeiro,
o médico exerceu a
dramaturgia em Santos, ganhando
destaque a partir dos
60 no teatro infanto-juvenil.
Escreveu ‘A Árvore que andava’
(1960), ‘Dom Chicote Mula
Manca’ (1969), ‘Romão e Julinha’
(1982), entre outros. Em
plena ditadura, seus textos
abordavam sobre a liberdade
de expressão.
Toninho Dantas (1948-
2010). Nascido no Guarujá,
cursou a Escola de Arte Dramática
(USP), atuou nas TVs
Gazeta e Record, em espetáculos
(‘Rasga Coração’ e ‘Revista
do Henfil’) e integrou a
Cia. de Ruth Escobar e o CPT
de Antunes Filho. Em Santos,
dirigiu nos anos 90 as edições
do Festival de Música Popular
Brasileira (Festhamar), do
Festival Santista de Teatro
(FESTA), além dos anos 2000
fundar
o Curta
Santos.
Revista Terceiro Ato ■ 23

Tep/Unisanta,
uma aula de
história
HISTÓRIA
Texto: Lincoln Spada
As dramatizações sobre
o capítulo camoniano
de Inês de Castro e os versos
secos de ‘Navio Negreiro’,
de Castro Alves, foram os
primeiros passos no palco
de uma geração de alunos
do Colégio Canadá que resultaram
na história do mais
longevo grupo cênico em
atividade na Baixada Santista,
o Teatro Experimental de
Pesquisa (TEP/Unisanta),
que alcançou recentemente
o seu Jubileu de Ouro.
Claro que, à época, entre
uma paródia de
‘Romeu e Julieta’
aqui e uma releitura
de ‘Júlio César
e Cleópatra’ acolá,
o coletivo se bastava
como Teatro
e Informação. Um
ano letivo depois,
era a vez de Teatro Amador
Cacilda Becker. No batismo
seguinte, Teatro Verdade de
Informação. As comédias
escapistas até corriam eventualmente
o risco da censura,
conforme cita o fundador
e atual diretor do TEP, Gilson
de Melo Barros.
“Tinha que ir
um censor lá no
Colégio Canadá
e depois dar um
certificado. E de
que a gente estava
proibido. Como é
que pode proibir
o meu escrito?”,
ele comenta em
entrevista à Fundação
Arquivo e
TEP encena peças ‘AcordAmor’
(acima) e ‘A Casa de Bernarda
Alba’ (abaixo, ambos do acervo
TEP/Unisanta).
Memória de Santos. “Foi
quando comecei a perceber
qual era o período que a
gente estava atravessando”.
A caminhada nos palcos se
torna fortalecida quando o
grupo participa de um curso
teatral que origina em ‘Ontem,
hoje e liberdade’.
A peça de André Machado
agrega os estudantes amadores
com outros atores de
Santos fazendo o elenco amadurecer
enquanto TEP, na
segunda metade dos anos 60.
“Junto dos anos 70, foram os
tempos das grandes montagens,
clássicos, em Santos”,
24 ■ Revista Terceiro Ato

HISTÓRIA
TEP no ‘Projeto Limites’ (acima) e encenando ‘Florkactus’
(abaixo, ambos do acervo TEP/Unisanta). Na página seguinte, o
diretor Gilson de Melo Barros (acervo do Curta Santos).
cita Gilson, em relação a ‘A Revolução
dos Bichos’, de George
Orwell, ‘A Casa de Bernard
Alba’, de Federico García Lorca,
‘As Troianas’, de Eurípedes. Em
1978, ‘O Grand Vizir’, de René
de Obaldia, consagra o grupo
no mexicano Festival Cervantino
de Teatro, premiando Nanci
Alonso como melhor atriz do
evento internacional.
É a jovem Nanci quem capitaneará
o grupo a partir dos
anos 70, destacando-se na direção
de ‘Capitães de Areia’,
peça que receberia aval e elogios
do seu autor, Jorge Amado.
Na década seguinte, entre
1987 e 1988, a diretora junto
de outros 70 artistas de Santos
Revista Terceiro Ato ■ 25

HISTÓRIA
decide fazer uma campanha em prol da
saúde de Henfil.
A montagem local de ‘Henfil - A Relativa
Revista’ seria para custear o tratamento
do cartunista hemofílico que foi
contaminado pelo vírus do HIV no hospital.
“Além de ajudarmos nosso amigo,
a peça era um alerta sobre a qualidade do
sangue nos hospitais”, comenta Nanci,
que convidou Gilson para dirigir o espetáculo.
Infelizmente, o desenhista falece
antes da estreia. A peça circula pelo Brasil,
ganhando prêmios em Santos, Ourinhos
e Pindamonhangaba.
A verba arrecadada da temporada,
como também de outros espetáculos nos
anos seguintes, é revertida para o projeto
fundado e até hoje coordenado por Nanci:
o Grupo de Apoio e Prevenção à Aids da
Baixada Santista (GAPA/BS). “As pessoas
sempre se sentiam acolhidas em nossas
sessões, porque falávamos de amor e solidariedade.
E, depois, abordávamos sobre
a prevenção à doença”, relembra Nanci.
Coube a Gilson, nos anos 90, prosseguir
com o TEP, fazendo morada na Unisanta.
Nesta etapa, textos autorais de Gilson
foram encenados no Brasil e no exterior.
Sob a sua direção, ‘Acordamor’, ‘Florkactus’
e ‘Vila Belmiro’, entre outros, tendo
como inovação o Projeto Limites, em que
o elenco levava o teatro para os ônibus
da Cidade.
Em seu histórico de mais de cinco
décadas, numa jornada que ainda promete
muitos passos e aplausos, o TEP/
Unisanta vivenciou ciclos com diversos
artistas, como Christian Malheiros, Domingos
Fuschini, Marco Antonio Rodrigues,
Miguel Hernandez, Silvio Roupa,
Toninho Dantas e Zellus Machado. ■
26 ■ Revista Terceiro Ato

Entrevistas
Da fé cênica ao
olho no olho
o árduo ofício do ator
Texto: Lincoln Spada
Um autor reluz em suas
novelas, o cineasta se
consagra em filmes, mas o
ator se encontra primordialmente
nos palcos. É inestimável
o árduo ofício do
ator, de dialogar diretamente
com o público, a poucos
metros, convidando-o com
a sua fé cênica que o espectador
assuma a imagética do
espetáculo como uma realidade
temporal, um cochicho
intimista de uma narrativa
que lhe abra o imaginário.
Recentemente, uma atriz
praiagrandense conseguiu
gerar essa empatia com a
plateia e o júri em ‘As Sogras’,
em 2019. Ao interpretar
Violeta, Regina Maura
foi a melhor atriz coadjuvante
no 12º Festival Nacional
de Teatro de Governador
Valadares (o FENTA,
em MG). “Estou muito feliz
em todos os sentidos”, ela
disse à Prefeitura de Praia
Grande. “Foi uma surpresa
para mim porque o elenco
é incrível, todos têm muito
destaque e, de repente, duas
atrizes da mesma peça sendo
indicadas já seria maravilhoso.
Ser premiada então,
me deixa emocionada”.
A mesma ansiedade da
artista idosa é partilhada
pelo jovem Marcus Di Bello.
Aos 27, Marcus é arte-educador,
dramaturgo, diretor
teatral e, claro, ator. O chamado
à carreira artística se
deu ainda na infância. “criava
minhas próprias brincadeiras
e sempre fui muito
observador quando era
criança, então acredito que
desenvolvi esse lado da ima-
Rosane Paulo
Rosane, qual a sua primeira
sua memória quanto à decisão
de ser atriz?
Minha mãe me levou para assistir
à ‘Paixão de Cristo’ no cinema,
e me emocionei com o sofrimento
de Maria, muito bem representado
pela atriz. Lembro também de
representar cenas de novela em
casa com as amigas, escrever
e dirigir cenas. Aos 11, de ter me
apaixonado pela Eva Wilma como
atriz [ela protagonizou ‘Mulheres
de Areia’ na TV Tupi], comprando
todas as revistas com alguma matéria
sobre ela ou as gêmeas Ruth
e Raquel. Bem verdade, nos anos
70, fui figurante da novela ‘Éramos
Seis’ [TV Tupi], já que as gravações
eram feitas ao lado do meu colégio.
Aproveitando a sua estreia nas
telinhas, e qual foi a primeira
experiência no teatro?
A primeira vez que subi num palco
foi no Clube Saldanha da Gama,
quando dirigi umas amigas e
apresentamos personagens da
‘Praça da Alegria’ [programa de
Crédito: Márcio Barreto
Revista Terceiro Ato ■ 27

ginação e da invenção nessa
época. Na adolescência, gostava
de escrever poesias e
de criar contos”. Iniciou no
teatro aos 17, à época, para
vencer a timidez.
Experiências do trabalho
coletivo | “Com
o teatro aprendi a lidar com
a introspecção, desenvolvi
minha expressividade e me
tornei mais sensível na relação
com o mundo e com as
pessoas. Fazer teatro é mergulhar
no imprevisível. É
se colocar em risco a partir
do encontro com o outro, é
relacionar diferentes experiências
de vida e perceber
que não estamos sozinhos
no mundo”. Desde 2009,
está na escola teatral Tescom,
onde também aprendeu
as funções de produção
e iluminação.
Envolvido em peças relacionadas
à escola, como ‘Sleep
Mode’, ‘Valsa nº 6’ e ‘Meu
Deus...’, Marcus considera
que a manutenção de uma
jornada num amplo grupo
teatral é uma transformação
constante. “Esse contato
contínuo com diferentes
pessoas foi e continua sendo
essencial para a renovação
do meu fazer teatral e, consequentemente,
da minha
relação com o mundo”.
Para ele, estar em um coletivo
teatral num mundo
Cia do Elefante/Grupo Tescom
em ‘Esta partida não será televisionada’
(Crédito da foto:
Rodrigo Montaldi Morales)
cada vez mais individualista
é revolucionário: “É gritar
para todo mundo ouvir que
é possível confiar no outro e
construir algo juntos”. O teatro
físico, o papel do clown,
linguagens futuristas ou atuação
minimalista já comporam
o vocabulário cênico de
Marcus nos palcos. Uma das
propostas mais pertinentes
humor de TV, criado por Manoel
humor de TV, criado por Manoel
de Nóbrega]. Atuei como Ofélia de Nóbrega]. Atuei como Ofélia e
Velha Surda (risos). Minha mãe
a Velha Surda (risos). Minha mãe
gostava, dava uma força, mas
gostava, dava uma força, mas
nunca permitiu que fizesse parte
nunca permitiu que fizesse parte
de um grupo de teatro, pois naquela
época não era muito bem
de um grupo de teatro, pois naquela
época não era muito bem
visto. Comecei mesmo fazer
visto. Comecei mesmo a fazer
participações em novelas teatros
depois, nos anos 90. Nessa
participações em novelas e teatros
depois, nos anos 90. Nessa
época, como já era mais madura,
época, como já era mais madura,
os diretores sempre me davam os
os diretores sempre me davam os
papéis mais fortes. Minha estreia
papéis mais fortes. Minha estreia
nessa época foi como Medéia.
nessa época foi como Medéia.
Depois interpretei Psiquê, Depois interpretei a Psiquê, a
Bernarda Alba...
Bernarda Alba...
que teatro mudou em você
com
E o que passar
teatro
do
mudou
tempo?
em você
com o passar do tempo?
Essa minha primeira experiência
em
Essa
teatro
minha
me
primeira
mostrou
experiência
que atuar
era
em teatro
muito amis
me mostrou
que uma
que
simples
atuar
imitação.
era muito
Exigia
mais
muito
que uma
mais
simples
do que
pensei,
imitação. Exigia
que esse
muito
deslumbre
mais do que
da
profissão
pensei, e
de
que
atriz
esse
de
deslumbre
televisão era
da
passageiro.
profissão de
Tornei-me
atriz de televisão
uma pessoa
era
passageiro.
mais sensível,
Tornei-me
ativa,
uma
aberta.
pessoa
teatro
mais
nos
sensível,
ajuda
ativa, enxergar
aberta.
mundo
O teatro
de
nos
outra
ajuda
forma
a enxergar
quando
o
promove
mundo de autoconhecimento.
outra forma quando
promove o autoconhecimento.
Como funciona seu processo
Como
criativo
funciona
para
o
um
seu
persona-
processo
criativo para um persona-
gem? Há referências externas,
gem? Há referências externas,
memórias afetivas ou pesquisas
de campo?
memórias afetivas ou pesquisas
de campo?
Sou uma atriz que se entrega
Sou uma atriz que se entrega
totalmente criação de um personagem.
Leio muito, pesquiso:
totalmente à criação de um personagem.
Leio muito, pesquiso:
acordo, durmo, almoço janto acordo, durmo, almoço e janto o
personagem. Sempre me colocando
no lugar dele, observando
personagem. Sempre me colocando
no lugar dele, observando
no dia dia tudo que poderia
no dia a dia tudo o que poderia
caber naquele que irei dar vida.
caber naquele que irei dar a vida.
Vou criado uma atmosfera, um
Vou criando uma atmosfera, um
clima. Tem ambiente, signo,
clima. Tem o ambiente, o signo,
passado que pode ser baseado
o passado que pode ser baseado
em minhas memórias afetivas, em minhas memórias afetivas, a
essência do personagem. Bem, essência do personagem. Bem, o
28 ■ Revista Terceiro Ato

Entrevistas
foi, com outros jovens, conceber antes das Jornadas
de Junho o teatro de rua ‘Esta Partida não
será televisionada’.
Vivências de enfrentar a rua | A obra da
Cia. do Elefante, em 2013, era uma experimentação
vívda do zeitgeist, em vista que manifestações
pleiteando serviços públicos com padrão
Fifa e questionamentos sobre o machismo no
futebol e a higienização urbana para erguer estádios
pautaram a agenda midiática em paralelo
à temporada do coletivo de alunos, ex-alunos
e professores do Tescom. “Nosso objetivo com
esse trabalho era ter autonomia de apresentar
sempre que quiséssemos. A rua nos proporcionou
um olho no olho com o público que nos trouxe
diversos aprendizados”.
Segundo Marcus, “Essa ideia de poder levar o
teatro para todos os cantos nos motivava a estar
em constante movimento”, à medida que adaptavam
a peça pelos bairros de Santos e por cidades
da Região e capital, onde a peça findou temporada
em 2016. De todo modo, considera que “os
reflexos desse processo estão presentes até hoje
em nosso fazer teatral”. Por anos, o artista brilha
com prêmios em festivais, em diferentes papéis,
desde o Fescete até o Curta Santos. ■
Marcus Di Bello no monólogo infantil ‘Cuscuz
com Maçã’ (Foto: Acervo pessoal)
mais importante é acreditar, passando
a verdade ao público.
Quais os papéis ou espetáculos
que mais te marcaram tanto no
palco, como na TV e nas telonas?
Todos os papéis são importantes,
gosto de todos. Porém, tem uns
que marcam mais. Na televisão,
claro, foi a imigrante italiana Mafalda
[Terra Nostra, 1999], que foi de
grande importância como experiência
nesse ano que trabalhei com
carteira registrada no Grupo Globo,
tendo ainda feito outras participações
na casa. No teatro, foi a
Medéia, que interpretei tanto dirigida
por Sérgio Guerreiro, como por
Charles Möeller. Já no cinema, foi
como uma prostituta em ‘Lovi Stori’,
curta dirigido por Dino Menezes
[exibido até no exterior] e onde
ganhei prêmios. Também queria
mencionar uma personagem bíblica,
a Herodíades [na Encenação
da Paixão de Cristo de Cubatão].
Quando leciona, você sempre
estimula exercícios de respiração
aos seus alunos. Como
você descreve a importância
da respiração via diafragma na
interpretação no palco?
Respiração é vida! É um processo
psíquico e fisiológico, involuntário
e voluntário; e temos o controle
de nossa respiração: acelerar,
retardar ou parar. E uso esses
exercícios como técnicas de respiração,
porque podemos assim
diferenciar o tom do choro e do
riso, da palavra e do grito. Enfim,
o controle da respiração é sempre
importante para não perder o fôlego
durante uma frase a ser dita, a
ponto de ser recompor de algum
esforço físico durante a cena.
Revista Terceiro Ato ■ 29

As origens de quem brilha nas telas
Textos: Nina Gagli
Esquete
Os personagens do teatro
Foto: Luiz Carlos Lacerda Foto: Raimundo Rosa Foto: Bruna Quevedo
Bete mendes
(1949-)
“A primeira vez que fui ao
teatro foi em Santos. não
vou conseguir ser nunca essa
atriz que faz teatro, volta pra
casa, e pronto, acabou. Por
mais que queira que minha
vida tenha um ritmo mais
pianinho, nunca conseguiria
me alienar das coisas que
acontecem ao meu redor.
Esse meu lado atriz é um
lado muito mais querido,
tenho de admitir. Mas a política
é também uma paixão,
mas é também uma guerra,
uma luta duríssima”
Em registro no livro ‘Bete
Mendes - O Cão e a Rosa’ (Coleção
Aplauso), de Rogério Menezes,
publicado em 2004
30 ■ Revista Terceiro Ato
Jandira Martini
(1944-)
“O TEFFI - Teatro Experimental
da Faculdade de Filosofia
[da Católica Unisantos,
hoje herdado pelo Gextus]
era um grupo muito sério (...).
Faziam parte a Eliana Rocha,
Carlos Alberto Soffredini, Rubens
Ewald Filho, Ney Latorraca
e eu (...). Estava formada
em Letras e fazia pós-graduação
na área. Foi quando, em
1970, fiz um papel em “Medéia”,
com Cleyde Yáconis no
papel principal. Fui ficando,
ficando... Se não fosse por
isto, provavelmente eu seguiria
uma carreira acadêmica”.
Em entrevista a Clara Monforte
para o Jornal da Orla em 2014.
Alexandre
Borges (1966-)
“Vim de Santos em 1985. Já
fazia teatro infantil lá com
meu pai, o Tanah Corrêa.
Sempre tive o sonho de ser
ator. A família sempre preocupada
(...). Em 1985, tomei
coragem e vim para fazer
um teste com o Antunes
Filho, no CPT [Centro de
Pesquisa Teatral], e passei.
E o grupo Boi Voador era
muito ligado ao Antunes
nessa época. Meu começo
foi ali no Sesc Consolação,
na Rua Dr. Vila Nova”.
Em entrevista ao Blog Miguel
Arcanjo Prado em 2014

Entrevistas
pautas identitárias
em cena
Texto: Nina Gagli e
Lincoln Spada
O
ano de 2019 ressoou as
potencialidades de três
artistas da região que iniciaram
nos palcos locais. O vicentino
Christian Malheiros,
de 19 anos, venceu o Troféu
APCA - Associação Paulista
de Críticos de Arte pelo
longa-metragem ‘Sócrates’,
após ver sua carreira ganhar
destaque internacional
ao ser protagonista da série
‘Sintonia’, pela plataforma
de streaming da Netflix.
Já a santista Renata Carvalho,
de 38 anos, está na
HBO em ‘Pico da Neblina’, de
Christian nas peças ‘Egbé’, da
Wídia Cultural (à esq., DL/Arquivo)
e no sucesso ‘Fedra’ (à
dir, crédito: Edson Kumasaka)
Francisco e Fernando Meirelles,
e Rodrigo Pesavento,
estrelou no filme ‘Os Primeiros
Soldados’, de Rodrigo
de Oliveira, e no videoclipe
‘Das Estrelas’, da banda As
Bahias e a Cozinha Mineira.
Laureada com o 8º Prêmio
Questão de Crítica, consolidou-se
como uma das vozes
da representatividade trans
também nos palcos.
Ela escreveu e estreou
‘Manifesto Transpofágico’,
dirigido
por
Luiz
Fernando
Marques,
a o
mesmo
tempo que está em temporada
internacional com ‘O
Evangelho Segundo Jesus,
Rainha do Céu’, dirigido por
Natalia Mallo e com texto
de Jo Clifford. Por sua vez,
a cubatense Tamirys O’Hanna,
de 25 anos, retornou a
Cubatão após uma meteórica
ascensão, com pesquisas
e estudos na Europa. A sua
retomada a inseriu na atual
única ocupação artística ativa
na Baixada, o Galpão Cul-
Revista Terceiro Ato ■ 31

tural de Cubatão.
Ali, participa da programação
e de espetáculos,
como ‘Vila Parisi’, criação
coletiva do Coletivo 302, e
protagonizando como Imperatriz
Leopoldina a montagem
‘Caminhos da Independência’,
do Teatro do Kaos,
sob direção e texto respectivamente
de Miriam Vieira e
Dione Carlos. Em cartaz em
‘3%’, pela Netflix, participa
de ‘Os 3 Mundos’, produção
da Sesi-SP com direção
de Paula Picarelli e Nelson
Baskerville que ganhou o
Prêmio Shell de Teatro. Pela
peça, Tamirys foi indicada ao
Prêmio Aplauso Brasil. ■
Tamirys O’Hanna:
“Teatro é o meu futuro…”
Arte no andar acima | A
princípio, o teatro não era
a minha primeira opção.
Pensava em trabalhar com
Gastronomia. E aí quando
estava no Libertas, um
[extinto] curso preparatório
para ETEC, eu estava
tentando aprender, mas no
andar de cinema conheci o
Fabiano [Di Melo, diretor
teatral], que dava aula de
teatro. Fiquei interessada,
subi e acompanhei as aulas
e ensaios. Ou seja, caí de
paraquedas, como se os ensaios
altos
dos alunos
no andar
de cima
fossem um
chamado.
A 63 quilômetros | O Teentrevistas
Quando parei para pensar,
já não me imaginava
fazendo outras coisas. Há
questão da minha formação
ser mais conservadora, pela
Igreja Batista. E o teatro
tem esse espaço de discussão
de tabus, imagina, eu,
mulher, preta, lésbica. Bem,
em 2008, o Fabiano me
chamou para o [Teatro do]
Kaos. [Fabiano era um dos
cursos profissionalizantes
de atores no Kaos] Minha
primeira peça era ‘Este Ovo
é um Galo’. E lá no Kaos, o
Douglas [Lima] estava me
incentivando para seguir
esse caminho do teatro, em
fazer a EAD-USP.
Tamirys em ‘3%’ (à esq., Netflix/reprodução)
e, antes, em ‘O Sertanejo e o Tinhoso’, da Cia
Histórias do Baú (à dir., foto/divulgação)
32 ■ Revista Terceiro Ato

Interpreto uma guarda, policial.
Recebemos o texto, há
um período de ensaio, treinamento
com a galera dos
efeitos especiais. Depois rodamos
as cenas meses mais
tarde e há todo um período,
um ano mais ou menos para
editarem, finalizarem e ter o
lançamento dos episódios.
Na trajetória de Tamirys, estudos de Teatro de Formas Animadas
e encenou peças pela Europa (Crédito da foto: CastingLab)
atro do Kaos foi uma porta
de entrada para eu passar
na faculdade [de Artes Dramáticas].
Foi minha primeira
bagagem, consegui o
DRT por causa da formação
lá, com o Lourimar [Vieira,
diretor do Kaos]. Fui da
primeira turma [do curso
profissionalizante], ali que
conheci o [diretor Nelson]
Baskerville e a Cia Mungunzá.
A EAD é o melhor curso
do país, quem não quer ir
lá? Você pode conhecer os
melhores professores. Eu
entendi que aquilo era muito
grande, era a primeira vez
que eu morava fora da cidade.
Eu rompi de certa forma
com a cidade e ali tem grandes
nomes, grandes mestres.
O teatro envolve toda uma
questão de escuta, o teatro
é um mergulho da empatia.
Escolher fazer teatro, escolher
fazer teatro ainda mais
em tempos conservadores...
Porcentagem de streaming
| Por conta da EAD,
recebi o convite dos diretores
do ‘3%’. Eles faziam
audiovisual na USP e nos
chamavam para o teste,
precisavam de pessoas. Disse
que não gostaria de participar,
mais tarde, quando
estavam na Netflix. Só na segunda
temporada (até porque
estava fora do país), Aí
participei da segunda temporada
e da terceira, como a
guarda Marta. Tudo é muito
bem planejado, como uma
grande produção deve ser.
O teatro pede a mão |
A resistência inicial foi com
meus pais, lembro que o
Amauri Alves [então secretário
de Cultura de São Vicente
e diretor da Encenação
da Fundação da Vila de São
Vicente] foi conversar com
meus pais, dizer que o teatro
era meu futuro. Ele tinha me
dirigido na Encenação, foi
um pai para mim, um pai
do coração, e me levou para
participar da encenação
‘Um Porto para o Mundo’
[em Vila do Conde, em Portugal].
Fui fazer a formação
dos coros cênicos, onde é um
trabalho com 400 pessoas.
Fiquei por um ano em Portugal,
onde pesquisei com o
Marcelo Lafontana sobre o
Teatro de Formas Animadas.
Também participei da
companhia do Amauri, onde
apresentamos em algumas
cidades da Europa a peça ‘A
Oca do Curumim’ [teatro infantil
de lendas brasileiras],
fomos de norte a sul de Portugal.
■
Revista Terceiro Ato ■ 33

Christian Malheiros:
entrevistas
“Tudo o que conquistei é estudo,
vocação e estratégia
Amor à primeira vista |
Sabia que o teatro já era sagrado
desde o primeiro dia
em que pisei, numa turma
do Programa Mais Educação
da EMEF Mário Covas.
Isso foi aos nove anos. Lá
tinha turma de hip hop, de
teatro, e, bem, comecei a puxar
meu bonde. Muito ativo,
fui escondido de minha mãe,
toda quinta e terça à tarde.
Falsifiquei até a assinatura
dela na autorização (risos).
Aí teve um dia que ela me
perguntou o que tanto eu
estudava à tarde, e eu já tinha
que pedir dinheiro para
o figurino da apresentação.
Não consegui esconder (...).
A família em si sempre respeitou
minha decisão.
Herança dos humildes
| Geralmente, em uma família
mais pobre como a minha,
você precisa ajudar em
casa. Eu fazia muitos bicos,
já trabalhei em bar, já vendi
sanduíche na praia, já fiz estágio
no Tribunal da Justiça
de São Paulo (...). Meus pais
vieram de uma origem muito
humilde, sempre quiseram
que a gente estudasse,
fosse alguém na vida. Meu
pai falava: “Estuda para ser
advogado, comprar a sua
casa”. E o que meus pais enfatizavam
muito era para
a gente ter honestidade,
transparência, saber como
tratar as pessoas, nunca pegar
nada de ninguém. “Saiba
sempre entrar e sair pelo
mesmo lugar”. Você pode
amar ou odiar as pessoas,
mas pelo menos, mantenha
a educação, e que você deve
ser a pessoa mais educada,
simpática, linda do mundo.
Vou tentar todo dia |
Costumo dizer uma coisa que
às vezes até discordo (risos).
“95% de tudo o que conquistei
até hoje é estudo, é vocação, é
estratégia. Só 5% é talento”.
Estratégia no sentido de saber
onde você quer chegar.
Você tem que saber. Eu sempre
estudei muito, quando ia
para um lugar, eu sempre
soube quem estava fazendo o
que, como chegar nas pessoas,
quando ia para uma peça
estudava sobre a proposta
do grupo, a sinopse, além da
história do teatro brasileiro.
Por exemplo, a estratégia
traçada para entrar na EAC
[ligações diárias para conseguir
um teste e, em seguida,
pedir apoio para professora
de artes para o teste de apresentar
uma cena]. Vou tentar
todo dia até conseguir.
E sou assim em tudo que
faço, quando estabeleço uma
meta, vou muito munido de
estudos, de força de vontade.
Teatro de raiz e de vocação
| Além da EAC, eu
passei pelo CAMPSV, pelo
TEP, Teatro Wídia, Vila do
Teatro, SESI, o Teatro Genoma.
Na companhias, tem
algo que é comum a todas. É
o teatro amador, o teatro de
raiz. Ali é onde você entende
o que é a profissão, o que
é o fazer esse teatro, onde
você só tem o conhecimento
e a sua vontade de fazer
ao seu favor. Você não tem
patrocínio, não tem incentivo
do poder público, e levo
muito essa relação a sério,
pois como aprendi a dar
valor a profissão. Façam
teatro como vocação. Porque
você só fica no teatro se
você ama. Se você não ama,
vai embora, porque não tem
34 ■ Revista Terceiro Ato

nenhuma coisa atrativa a
não ser a magia do palco.
(...) Eu só sei fazer teatro, é
o que me move, o que me faz
pensar, o que me faz levantar
da cama no dia seguinte.
De contribuir para uma
mudança no mundo. Nessa
questão toda que levo muito
comigo é que o teatro me fez
aprender a ser humano, a
ter um olhar de compaixão
com o outro, com as pessoas.
Filme ou estágio | Olha,
o ‘Sócrates’ foi uma coisa
muito louca. Porque nunca
quis fazer cinema(...). Bem,
vi a chamada do teste de
elenco do ‘Sócrates’ na TV.
E eu já logo critiquei, imagina,
ficar debaixo do sol por
horas pra depois fazer uma
ou outra cena. Não vou, não
quero, não vou fazer. Enquanto
isso, estava dando
aula na rede estadual pelo
Mais Educação, e o Alex
[Alexandre Moratto, diretor
do filme] e a produção do
[Instituto] Querô entraram
na sala procurando o pessoal
para fazer teste no filme.
Todos os meus alunos quiseram
ir. Eu já ia sair. O Alex,
“ah, não vem fazer o teste?
Vem fazer o teste?”. Tá. Fiz o
teste de improviso, aí começaram
a me chamar para
mais um teste, outro, outro,
foi uma bateria. Já estava
exausto! Aí já tinha arranjado
o estágio no Tribunal
de Justiça. Quando
estava indo para
a EAC, recebi uma ligação
do Querô. Era
o Alex. Não comecei
nem a deixar ele terminar.
“Olha, meu
tempo é supercurto,
porque neste horário
da tarde estou fazendo
o estágio”. Aí ele
falou: “O papel é seu”.
Itinerário de
emoções | Gravei
o filme, e foi um presente.
Com ‘Sócrates’, a gente
participou de muitos festivais
em 2018, o filme estreou
em Los Angeles, percorreu
Canadá, França, já se apresentou
em Cuba, já se apresentou
na Grécia. É até um
pouco engraçado no festival
da Alemanha [International
Filmfestival Mannheim-
-Heidelberg], porque só há
quatro prêmios no festival, e
eles dão só para diretores ou
filmes. Não existe um prêmio
específico de ator, mas ganhei
o prêmio. Isso foi muito
bacana. [Christian também
foi premiado no Festival
Mix Brasil de Cultura da Diversidade
e indicado ao Film
Independent Spirit Awards,
principal mostra de cinema
independente].
Uma lembrança que tive
era da Mostra de Cinema
Christian protagonizou a série
‘Sintonia’ (Netflix/reprodução)
de Gostoso, lá em Natal. É
uma ONG, tipo o [Instituto]
Querô, quem faz o festival.
Cheguei na cidade, e parecia
uma celebridade. Aí cheguei
lá e durante a entrevista no
making of, o menino que segurava
a luz [assistente de
fotografia] parou, deu uma
pausa para trocar a bateria
da câmera. Quando me
reconheceu, que era do filme
‘Sócrates’ que ia estrear
mais tarde, o menino chorou.
Menino, uns 20 e poucos
anos. Ele dizia que graças ao
filme ele tinha mudado, que
estava com vontade de mudar
o jeito de lidar com a
família, de ajudar mais os
pais. Ele caiu em prantos.
Aquilo foi tão genuíno, tão
marcante. ■
Revista Terceiro Ato ■ 35

Renata Carvalho,
a Rainha do Céu
“E se Jesus
voltasse agora à
Terra como uma
travesti? Não era
para amar ao próximo
como a si me-
smo?”
Johnny Hooker, em
show em 2018
“
A quem interessa retratar
a imagem de Cristo como
transexual? Isso é liberdade
de expressão? É arte? É
cultura?”, tuitou o presidente
Jair Bolsonaro sobre ‘O
Evangelho segundo Jesus,
Rainha do Céu’. Protagonizado
por Renata Carvalho, o
monólogo pautou uma via-
-crúcis de debates de inúmeras
pessoas públicas a cada
sessão. Ora censuras, ora o
‘efeito Streisand’ lotando teatros
pela América e Europa.
Na contramão dos tempos
de Madalena, parte do
atual Brasil atirou pedras o
quanto pôde contra a atriz.
Teve deputado ameaçando
processo, juiz proibindo
sessão, prefeitos fechando
portas, sessão sem local revelado,
polícia na plateia.
“O mais surpreendente é
que todo esse ódio vem de
pessoas que se autointitulam
cidadãos de bem e
defensores da palavra de
Deus”, constata a diretora
da obra, Natalia Mallo.
Renata se tornou rosto e
corpo de quem resiste à intolerância
de um país-continente.
Com outras
trans no
auditório da
Universidade
Federal de
Santa Catarina
(UFSC),
disse: “Esse
espetáculo
é atacado
desde sua
estreia, em
2016. Jesus
é a imagem e
semelhança
de todo mundo.
Menos de
nós, pessoas
trans. É ‘inapropriado’,
é
‘sexualizado’.
Isso se deve
entrevistas
à construção social do que
vocês, cisgêneros, imaginam
ser uma travesti. As pessoas
dizem que não são preconceituosas.
Mas quando falamos
‘Jesus travesti’, as máscaras
caem. Isso é fruto da criminalização
da nossa identidade,
dessa construção social”.
Até então, em 2018, a
peça já alcançava 200 sessões
com mais de 16 mil espectadores.
No enredo, “há
releitura da parábola do filho
pródigo, da samaritana no
poço, das bem-aventuran-
Renata Carvalho no monólogo
‘Dentro de mim mora outra’
(Acervo pessoal)
36 ■ Revista Terceiro Ato

entrevistas
A atriz na peça regional ‘Zona!’, de O Coletivo (à esq., crédito da foto: Adilson Félix) e, anos depois,
no espetáculo ‘O Evangelho segundo Jesus, Rainha do Céu’ (à dir., crédito da foto: Lenise Pinheiro)
ças”, destaca o filósofo Leandro
Karnal. “A peça é muito
boa, a partir de uma reflexão
correta teologicamente sobre
a predileção de Jesus pela
humanidade pecadora e não
pelos doutores da lei”.
Renata iniciou no teatro
em 1996, quando leu no Diário
Oficial de Santos que
a Secult oferecia um curso
teatral. Três anos depois,
estava no palco do TEP em
‘A Casa de Bernarda Alba’.
Logo, passou a fazer direção
teatral, sendo que em 2002,
fundou a Cia. Ohm de Teatro.
Já em 2009, durante a
cena rodriguiana baseada
em ‘O Delicado’, sob direção
de Maria Tornatore descobriu-se
travesti. Em 2012,
Maria a dirigiria no teatro
biográfico ‘Dentro de Mim
mora Outra’. Produtora de
festivais, como o FESTA e
a Sansex, Renata se dividia
na vocação teatral, com os
ofícios de cabeleireira e maquiadora.
Também foi agente de
prevenção da Secretaria de
Saúde de Santos, no início
da década, onde ainda atuava
em peças de O Coletivo
nas ruas da Cidade. Quase 10
anos depois, o Doutor em Letras
(UFPE) Bruno Siqueira
relata a vivacidade da atriz na
peça que marcou de vez a sua
carreira. “O momento final
da peça é muito emocionante,
na medida em que Renata
Carvalho distribui pão para
a plateia, afirmando ser seu
próprio corpo: um corpo que
comemos e nos saciamos. Pedindo
para que todos se dessem
as mãos em oração”.
Já o crítico teatral Dirceu
Alves Jr., destaca à Veja:
“Em linha dramatúrgica próxima
à de outro solo, ‘A Alma
Imoral’, a peça mistura depoimento
e contação de história
para tratar de opressão
e intolerância, especialmente
a sofrida pelos transgêneros.
O carisma de Renata garante
a empatia do público”.
Complementa-se a crítica de
Caio Luidvik para a Folha de
S. Paulo, que considera que o
espetáculo “além de poético
e envolvente, presta emocionante
tributo ao próprio
Filho de Deus”. Afinal, “sabe
dosar a pregação propriamente
dita com ações físicas,
música e imagens potentes, o
que deve muito à expressividade
da atriz”. ■
Revista Terceiro Ato ■ 37

Panorama
O tear estendido da
nova manufatura
Textos: Lincoln Spada
O
ano de 2019 consolidou
a edição experimental
da Manufatura de
Monólogos, idealizada
pelo programador cultural,
Silvio Luiz, do SESC Santos.
A proposta contemplava
projetos de monólogos
para serem desenvolvidos
inicialmente na Fortaleza
da Barra Grande de Santo
Amaro durante o MIRADA
- Festival Ibero-Americano
de Artes Cênicas, em
setembro de 2018.
A inovação é de que os
núcleos cênicos teriam a
orientação gratuita de Luiz
Fernando Lopes Marques, o
Lubi, e Nelson Baskerville.
Ambos diretores teatrais
santistas, atualmente
estão em cartaz no circuito
paulistano. Por exemplo, Lubi
formou-se na EAD (USP)
e é diretor e co-criador de
espetáculos do Grupo XIX de
Teatro desde 2001. Também
desde 2000, orienta o Núcleo
de Direção da Escola Livre de
Teatro de Santo André.
Entretanto, o número
maior de projetos inscritos
de obras - ao todo, 11, de
Cubatão, Guarujá, Santos
e São Vicente -, obrigaram
a reformulação da
manufatura. A dramaturga
paulistana Dione Carlos foi
convidada a também integrar
o time de orientadores.
“Nesta nova fase, cada
monólogo foi transformado
em um espetáculo teatral”,
descreveu Silvio Luiz.
A estreia de fato da
temporada, que previa um
trimestre de pesquisas, foi
prolongada para fevereiro
de 2019. Além disso, alguns
monólogos se ampliaram
em peças - como ‘Resíduos’.
Logo, a proposta repercutiu
para além das sessões únicas
do teatro do Sesc. Parte dos
coletivos organizaram as suas
peças no Teatro Braz Cubas,
em Santos, na mostra ‘Abril
para Cena’, em referência ao
mês das sessões.
Entre maio e junho,
tiveram produções que
participaram da campanha
de popularização do teatro
no Teatro do Kaos (Cubatão)
e realizaram uma mostra de
apresentações no teatro de
contêiner da Cia. Mungunzá
(São Paulo), núcleo já
dirigido por Baskerville.
Ainda, ‘Benjamin’, da
Cia. Trilha de Teatro, e ‘O
Suicídio mais bonito do
mundo', do Coletivo Valsa
Pra Lua, circularam por
festivais nacionais. Já ‘Não
Ela - Experimento Pudica’
esteve em cartaz no Espaço
Satyros (São Paulo).
Em geral, as peças
também são frutos da
cena contemporânea. As
obras, mesmo aquelas que
se baseiam na literatura,
como ‘Nostalgia do Amor
Ausente’, de Pri Calazans,
têm facetas sobre as
pautas identitárias. As
desiguldades racial, de
gênero e diversidade
sexual estão explicitadas
em ‘Lágrimas de Laura’, da
Cia. Vozavó, ‘Malditas’, de
Malvina Costa e Daniela
Paulino, e ‘Cartas para
Satã’, protagonizado por
Jackson França. A seguir,
resenhas sobre parte dos
espetáculos semeados pelo
projeto do SESC Santos.
38 ■ Revista Terceiro Ato

Nostalgia do Amor Ausente
A expectativa de reencontrar quem ama é um prato de
angústia e poesia. E a atriz Pri Calazans janta conosco
tais fenômenos em ‘Nostalgia do Amor Ausente’. Baseada
no conto homônimo do gaúcho Walmor Santos,
a 830 quilômetros do Teatro Braz Cubas, a peça
aborda a distância de dois anjos amantes. Ou melhor,
almas gêmeas.
A melancolia está entre cigarros, a cadeira vazia, a
luz noir de um ventilador de teto sob o holofote. Ali,
Lúcifer narra a separação divina com Gabriel: exilado
por ter sido mais amado que o Pai. A releitura de fatos
bíblicos - Éden e Quaresma - são ambientes para interpretações
sutis sobre casais desfeitos e, na dramaturgia,
o estigma e a reclusão de homossexuais.
No palco, uma ironia implícita (o anjo caído
como uma mulher) é uma descontrução dos padrões
barrocos (atriz e retrato do amado são negros). A
sutileza não é do romantismo ipsis litteris do conto
teatralizado, pois a força vem do repertório, colorido
pelo piano de Marcelo Marinho. Ponto da diretora,
Déia Oliveira.
O brega e o biscoito fino se entrelaçam no palco.
‘Era pra ser’, de Bethânia, ‘Siga seu rumo’, de Pimpinela,
‘Vá pro inferno com seu amor’, de Milionário
e José Rico, ‘Não’, de Tim Bernardes. Todas as melodias
enaltecem o potencial de Pri em cena, que brilha
quando performática. Se cenas da prosa até ofertam
senso de perdão ao anti-herói, é o musical que nos
aplaca em dores existenciais.
Benjamin, o Filho da Felicidade
Após 130 anos da estreia do primeiro grande palhaço
negro brasileiro, ‘Benjamin - O Filho da Felicidade’
chegou aos palcos por artistas locais na Baixada Santista.
Um teatro de bonecos em miniatura e tamanho
real remetem às cenas do pai capataz e da mãe escrava:
“O destino de negro era fugir”.
Tal máxima ganhar ares ciganos quando o prota-
De cima para baixo, foto das peças ‘Nostalgia do Amor
Ausente’ (Crédito: Lairton Carvalho), ‘Benjamin, o Filho
da Felicidade’ (Crédito: Fausto Franco) e ‘Lágrimas de
Laura (Crédito: Catarina Bertholini)
Revista Terceiro Ato ■ 39

gonista vai ao Circo Spinelli,
mas a peça tem como mote
‘fazer o palhaço’ ou ‘ser o palhaço’.
Benjamin tomou batatas
e tomates até rumar à
segunda opção. Este clímax
é em Santos, numa memória
vexatória sobre a hostilidade
da ilha diante do negro no picadeiro.
O clima perene de circo
vem da vara cênica com
bambolês bicolores evidenciando
de cartolas a discos.
O elenco em quarteto de um
idoso que beira ao Benjamin
(Hugo Henrique) acima de
uma torre ornada de figurinos
mambembes. Números
de clown vão ao piso: o
jovem Benjamin (Jair Moreira)
tem suporte de duas
mímicas (Emanuella Alves e
Kevelin Santos).
Jair é um ótimo anfitrião
e joga bem em cena com
Emanuella. Além das esquetes
de corre-corre ou com
baldes, o riso alcança o ápice
nas imitações do marechal
Floriano e do crítico teatral.
O teatro coincide com o ritmo
da linguagem circense.
Tem direito às ‘Lonas Azuis’,
a tributos artísticos e ótima
interação com o público.
Tudo soa bem-vindo, êxito
da diretora Miriam Vieira.
Entusiasmo maior é que
‘Benjamin’ surpreende por
não remeter a nenhuma das
peças recentes da diretora,
do elenco ou do dramaturgo
Ronaldo Fernandes. Tornam
em memória viva a história
do multifacetado ator, autor,
compositor, cantor, figurinista,
palhaço e produtor cultural
do teatro circo brasileiro.
Lágrimas de Laura
É preciso parir a avó Laura.
Nasce ‘Lágrimas de Laura’,
peça protagonizada por Priscila
Ribeiro, que nos convence
a viajar épocas tão somente
com uma cadeira colonial
e um espelho emoldurado na
vertical, levemente coberto
com uma toalha de renda.
Um manifesto: a força do teatro
está na dramaturgia assinada
pela atriz.
A obra compreende na
matriarca envelhecendo
diante
da narradora.
Reflexões sobre
corpo, força e servidão
atravessam
todo o enredo,
entremeado de
cenas singelas. A
porta-bandeira
durante o hino da
X-9 e a agraciada
durante o ritmo
das orixás. Maior
dor para a plateia
vem da saudade,
Panorama
do banzo, interpretado entre
personagens que podem
ser a avó, a neta, outra, mas
também as demais mulheres
negras.
Fácil se identificar, compreender
a história da senhora
que ensina a lidar com a
dor engolindo o choro. Por
vezes, a artista passeia com o
espelho para o público, ecoando
as suas sentenças, como
“eu acho que o afeto é um hábito”.
O desafio da diretora
Juliana do Espírito Santo é
ampliar o espaço cênico ou a
movimentação da atriz, a fim
também de potencializar a
sua expressão vocal.
Não à toa é marcante
quando o palco se torna num
rito de canções e bençãos de
arruda. Último ato, é uma
verdadeira homenagem ao
Letícia Tavares Homem em ‘Não Ela - experimento
vênus pudica’ (Crédito da foto: Lairton Carvalho)
40 ■ Revista Terceiro Ato

‘Resíduos’ (Crédito da foto:
Bruna Quevedo)
público em geral - em especial
às mulheres negras presentes.
Sem detalhar, a peça
é uma moldura coerente a
dar visibilidade a quem é silenciada
diariamente.
Não Ela - Experi-
mento Vênus Pudica
Chega ao 34º dia “o procedimento
que despe o passado
obsceno de uma mulher para
a plenitude de sua existência”.
E o monólogo ‘Não Ela
- Experimento Vênus Pudica’
logo nos leva à freudiana
pulsão de morte. Fruto da
autenticidade de Letícia Tavares
no trabalho mais maturado
da atriz que já vi em
Plínio Marcos, García Lorca
e musical infantil.
Em um jogo de luzes e
sombras, a peça de plásticos
infinitos é um tratamento de
choque para a plateia. Nas
fileiras, mulheres consentiram
com a personagem, em
lágrimas ao tentar recordar
a cicatriz cesariana. Lá se
vão memórias do primeiro
banho e das incertezas de
quem sente na pele a cultura
maternal vigente.
Entre homens, o striptease
é sucedido por uma repulsa
interna. A atriz relata
uma série de assédios desde
criança por um primo ou
um segurança de mercado,
até fazer oral por quem lhe
prometera amor eterno. “As
coisas foram acontecendo
sem me permitir a sentir”
repercute como síntese das
experiências de afeto de boa
parte das mulheres.
O processo de (des)construção
do papel da mulher na
sociedade corta toda a montagem:
pulverizada de dualidades.
Ora a virgem santa,
ora a femme fatale. E a artista
ocupa e decupa cada lugar-
-tempo do teatro, com direito
a fôlegos, como hablar amores.
Enfim, é uma carga emocional
da personagem que
extravasa a ponto de nos atar
até o fim. À ela, cabe aninhar,
temer ou admirar?
Resíduos
Salgadinhos, pétalas e um
samba-canção de outras gerações.
As dimensões da caixa
preta se emboloram no
cruzamento do que o trio de
atores descarta no decorrer
de ‘Resíduos’. A não-palavra
do elenco é substituída por
um fantástico balé do cotidiano.
Não que sons ilustram
a maioria da peça, mas se cadencia
um ritmo nos passos
dos artistas.
A individualidade no vai e
vem de cada ator tarda os clímaxs:
pontualmente quando
trio ou duplas. Sozinhos, Felippe
Alves, Marcus Di Bello
e Paola Caruso retratam nossas
intimidades, como uma
ida ao cinema ou um desleixo
no quarto. Cabe aqui memórias
da plateia ou uma reflexão
sobre a quantidade de
lixo diário que geramos.
Juntos em cena, a sustentabilidade
é sobreposta pelo
imaginário da plateia. Um
êxodo representado quando
uma deixa a mala, outro
abre os pertences. Noutrora,
a falta de entrosamento
refletida quando revezam
suco e bolachas. O ápice é a
subjetividade do cortejo dos
atores enfileirando cadeiras
a um contragosto de Paola a
se assentar.
Também há risos do público,
durante áudios icônicos
de novela. O jogo lúdico de
emergir o imaginário comum
é o forte da peça dirigida por
Dario Felix. O resultado da
dramaturgia coletiva é uma
evolução de abstrair estéticas
e pautas de elenco (‘Meu
Deus...’) e direção (‘Sleep
Mode’). Uma interpretação
inspirada dos versos de
Drummond: “Se de tudo fica
um pouco, mas por que não
ficaria um pouco de mim?”. ■
Revista Terceiro Ato ■ 41

PERFIL
"Precisamos ter consciência
do nosso papel como artista"
Cria do teatro regional e militante do movimento cultural desde o regime militar,
Miriam Vieira defende a arte ‘que olha nos olhos’ do público – e o faz pensar
Textos: Rafaella Martinez
Foi ainda nos primeiros
anos escolares que
Miriam Aparecida Vieira
se descobriu ‘do teatro’,
embora sonhasse mesmo em
ser professora ou aeromoça.
A primeira direção veio na
1ª série, onde escreveu um
espetáculo sobre Folclore.
“Ela disse: a Miriam vai fazer
teatro. Eu tinha capacidade
de articular, falava alto, não
tinha vergonha, coisas que
faço até hoje”, relembra aos
risos a mulher que esteve
à frente de espetáculos
memoráveis, como ‘Reclame
– uma história de amor’.
Da escola, Miriam rumou
para o teatro na igreja,
onde encenou espetáculos
bíblicos durante o período da
catequese. De lá, migrou aos
13 anos para o extinto grupo
Centauro, da Vila Margarida,
de onde passou a participar
do movimento cultural
organizado de Santos.
“À medida que entrava
no segundo grau comecei a
me envolver no movimento
de teatro. Tudo começou
ali, onde os grupos tinham
pegadas populares em plena
ditadura. Fiz parte do TEMO,
que junto com outros cinco
grupos produziram muitos
trabalhos”, relembra.
Na década de 80, passou
a fazer parte do Movimento
Organizado de Teatro do
Estado e do Movimento
Nacional de Teatro, onde
atuou como secretária e
presidente da Confederação
de Teatro de São Paulo, no
mesmo período que passou
a produzir e atuar na Cia
Pernilongos Insolentes
Pintam de Humor a Tragédia.
“Minha história do
movimento de teatro e
do fazer teatral nunca se
desvinculou. Sempre fiz as
duas coisas juntas: produção
e discussão de uma política
que contemplasse não só a
produção propriamente dita,
mas também a ocupação
pública dos espaços”, conta.
Ainda combatente, ela
afirma que existe hoje
uma ‘realidade perversa’
na produção cultural das
cidades. "À medida que a
gente perdeu espaço nos
lugares oficiais das cidades
fomos indo para locais
alternativos e hoje em dia a
gente não vê produções das
cidades dentro dos palcos
convencionais. Não que não
é importante ocupar todos
os espaços, mas é isso, temos
que ocupar todos os locais.
Não temos que ficar restritos
ao alternativo, precisamos
ocupar os palcos, as ruas e
todas as salas”, afirma.
Diretora de espetáculos
da Cia Trilha e da Pixotes
e Quixotes de São Vicente,
Miriam afirma que acredita
em um teatro que se
comunica com o público,
olhando nos olhos da plateia.
“Tenho uma linha muito
próxima ao popular, que foi o
teatro que eu aprendi a fazer.
Tive grandes professores de
teatro, como Tanah Corrêa,
Neyde Veneziano, Roberto
Marchese e Amauri Alves,
que de uma forma ou de outra
acabaram me influenciando.
Gosto de um teatro que
conversa com a plateia, que
42 ■ Revista Terceiro Ato

PERFIL
Moradora de São Vicente, Miriam se descobriu 'do teatro' ainda na infância (foto: danilo tavares)
vai para plateia e que tem
cena de plateia”, conta.
Miriam afirma também
que o trabalho é diretamente
impactado pelos atores,
que criam junto a estética.
“Eu trabalho muito com
os atores que exercem esse
jogo. Eu como diretora não
faço teatro pós-dramático,
não tenho a concepção de
uma plateia estática. Gosto
também de trabalhos que me
desafiem, como o 'Benjamin'
e 'Reclame...', um espetáculo
onde os atores foram
construindo junto. O ator é
o ser-criador e o diretor nada
mais é do que o organizador
da cena. Eu trabalho com o
que o ator me propõe”.
LINHAS DE TRABALHO
Atualmente, Miriam está na
direção de dois espetáculos
distintos. Em 'Benjamin - o
Filho da Felicidade', promove
a discussão do abandono e
do apagamento dos artistas
negros do país. “É um dos
homens mais importantes,
que fez o circo-teatro e que
morreu a mingua. Só se
aposentou porque um grupo
se reuniu para provar que ele
era artista, que é exatamente
o que a gente vive hoje.
A história se repete, nem
sempre como farsa. É
preciso identificar esses
protagonistas. Nossa linha
é a poética da cena e não o
discurso. Acho que todos os
teatros são válidos, mas eu
optei pela poesia, embora
seja um espetáculo muito
duro”, finaliza.
Já 'O livro proibido de
Madalena' vem da história
de uma mulher que está
no convento obrigada. “É
a discussão da liberdade
da mulher. Por que precisa
ser dentro dos padrões?
Madalena rompe com isso
e ela vai para fogueira, mas
não a personagem e sim
todas as mulheres”, conta.
Com ambas as peças
denunciando problemas
sociais, Miriam afirma que
os tempos são difíceis e a arte
precisa resistir. “Precisamos
ter consciência do nosso
papel enquanto artista nessa
sociedade. Não dá para ficar
calado, vendo os absurdos
que estão acontecendo nesse
país. Não dá para aturar que
se faça no Estado o que bem
entender com a cultura. A
cultura não pertence a eles
e sim ao povo e a quem faz.
Não adianta ditar regras, pois
vamos resistir”, finaliza. ■
Revista Terceiro Ato ■ 43

Entrevistas
Por dentro do subtexto
Texto: Lincoln Spada
Um dramaturgo, um
diretor, um iluminador,
um maquiador, um
sonoplasta, um figurinista,
um produtor ou um
fotógrafo, quando não se há
assistentes para cada uma
dessas funções. Enfim, além
do elenco, faz-se essencial
ter uma verdadeira família
quando uma trupe pretende
levantar uma obra cênica nos
palcos ou nas praças. Autor
de encenações com mil atores
até comédias mais intimistas,
o diretor teatral cubatense
Cícero Gilmar Lopes
reconhece esses desafios em
mais de 30 montagens que
seus textos participaram por
diversas companhias teatrais
da região.
"Quando você conta uma
história, invariavelmente
está defendendo uma ideia,
um ponto de vista. Para que
sua história seja absorvida,
não necessariamente aceita,
pois ou seu público pode
discordar das razões dos
seus personagens", descreve
Cícero. "Mas, para isso ou
aquilo, esse público tem
que ser tocado". Para uma
dramaturgia eficiente,
Cícero (segundo à esq.) escreve e atua em ‘Os Filhos da Política’,
do Grupo Macako que Ri’ (foto: acervo pessoal)
além de elementos técnicos
que facilitem a leitura da
companhia cênica para
a montagem, o enredo
necessita de conflito, além
do respeito à inteligência da
plateia.
"Um texto para teatro
clássico, palco em italiano, é
obviamente mais intimista.
Na encenação, tudo tem de
ser grandioso, a começar pela
interpretação dos atores. O
gesto deve ter uma proporção
maior, passa pela quantidade
de elenco". Assim, as cenas
devem ter volume, multidão,
coro de vozes, ser cheia de
elementos na arena, elenca
o autor de 13 edições dos
Caminhos da Independência,
além de uma versão na
encenação vicentina (2010).
"Particularmente, deixo
muitas dessas indicações no
meu texto, mas é o diretor
que finaliza o espetáculo".
Entre as montagens que
o diretor do grupo Zona de
Arte Macako Que Ri, foi
pertinente a experiência de
escrita colaborativa para
'Os Sapatos que deixei pelo
caminho', junto ao Teatro
do Kaos (2014). "Saí de
um processo solitário",
justifica. "O trabalho nascia
das propostas de cenas dos
atores-criadores, que, por
sua vez, criavam as cenas
baseadas na história do nosso
protagonista [Lourimar
Vieira], uma pessoa viva
e presente no processo do
espetáculo".
Entre biografias
e ficções
Outro diretor teatral
44 ■ Revista Terceiro Ato

Entrevistas
que também percorre a
dramaturgia sobre traços
biográficos é Ronaldo
Fernandes. O artista
pernambucano fez de
Santos um átrio para as
suas peças mais maduras,
'Dentro de Mim mora outra'
(2012) e 'Benjamin - O Filho
da Felicidade' (2018). A
primeira abordou sobre a
transexualidade, dirigida
por Maria Tornatore e
estrelada pela consagrada
atriz Renata Carvalho.
"Penso que ali foi que me
reconheci como dramaturgo
e passei a acreditar que eu
poderia ser uma voz".
A experiência mais
recente na região foi na que
retrata o primeiro palhaço
negro do País, Benjamin
de Oliveira, dos mais
notáveis da modalidade de
teatro circo nacional, mas
marginalizado e esquecido
quando comparado aos
demais artistas. Ao contrário
da primeira peça, onde
tratava diretamente com a
atriz biografada, desta vez
as escolhas dramatúrgicas
eram divididas com a direção
de Miriam Vieira.
É nesta produção que foi
instigado a se rever artista:
"uma consciência de que eu
sendo um dramaturgo preto,
sempre estive a serviço de
uma ideologia branca. (...)
Eu ainda não sabia que
O diretor teatral Ronaldo Fernandes (foto: acervo pessoal)
era preciso usar a minha
negritude para dar voz às
questões da negritude.
Depois do 'Benjamin',
comecei a me perguntar:
quantas dramaturgias
brancas criei? Acho que pra
ser aceito e reconhecido
como dramaturgo, fui
reproduzindo experiências
majoritariamente brancas e
escrever 'Benjamin' me abriu
os olhos para isto".
Em relação às diferenças
de escrever biografias e
ficções, pondera maior
zelo no primeiro gênero:
"Quando se parte da
história de uma pessoa que
de fato existiu, é preciso
ter cuidado, é necessário
respeitar a trajetória de vida
de quem serve de base para
a dramaturgia. É preciso
que lá também estejam as
fragilidades, pois são elas que
criam a identificação. Somos
irmãos nas fragilidades e não
nas fortalezas".
Já na ficção, a sua
base são referências
não necessariamente
de dramaturgos, mas
pensadores, autores ou
pesquisadores que se
conectem com as ideias de
sua trama. Por exemplo, a
escritora infantil Ruth Rocha
em 'Linda Flor' e o filósofo
Nietzsche e o psiquiatra
Daniel Siegel em 'Meu
Deus...'. Embora considere
mais livre a escrita para a
ficção, reconhece que "todos
os meus textos sofrem
influência do processo de
montagem. O encontro do
texto com os atores e o diretor
é um processo vivo, portanto,
transformador". ■
Revista Terceiro Ato ■ 45

Texto: Rafaella Martinez
Vicentini e Lincoln Spada
O
trabalho dos profissionais
nos bastidores
de um espetáculo é maior do
que você imagina. Conheça
a história de alguns desses
artistas das coxias.
“Aprendi a engati-
nhar no palco do
municipal”
Não é errado dizer que Noa
Marchese nasceu no teatro.
O pai, Roberto Marchese,
foi presidente da Federação
Santista de Teatro e a mãe,
a atriz Adna Cruz, hoje atua
como diretora de dublagem.
Dando os primeiros passos
de vida em cima do palco
do Teatro Municipal pouco
tempo após do Regime
Militar, as lembranças de
infância de Noa se misturam
ao clima de tensão em relação
às montagens teatrais dos
pais e dos irmãos de Coxia,
muitos que hoje são colegas
de trabalho.
A primeira ação no
teatro aconteceu durante a
faculdade de Administração
de Empresas. “Costumo
brincar que filhos de artistas
Os bastidores
do palco
vão tentar negar os pais
em algum momento. Só no
meio da faculdade que eu
comecei a pensar que podia
juntar os conhecimentos
administrativos e aplicar na
cultura. Fiz diversos cursos
em três anos, mas ainda
sinto que minha entrada
no mundo cultural veio
das minhas vivências na
infância”, conta.
Hoje diretora da Upah!
– Soluções Culturais, Noa
conta que no início não havia
modelo de negócios nos
quais se inspirar na Baixada
Santista e foi na prática que
mãe e filha aprenderam a
moldar o trabalho. “Tive
a chance de ter reunião
com o Zellus Machado,
Entrevistas
por exemplo, que passou
por lá para deixar vários
projetos antes de falecer,
uma lembrança afetiva
que guardo comigo. Mas
também conheci centenas
de artistas nesse processo,
confirmando a fala de que a
Baixada Santista é um celeiro
de grandes e talentosos
profissionais”, afirma.
Ainda nessa fase, Noa
criou uma Companhia de
Teatro Infantil chamada
Cia da Lua para treinar
a inscrição em leis de
incentivo fiscal. O grupo
acabou conquistando editais
e levando apresentações
para escolas e foi assim que
Noa passou de produtora
para também escritora
de espetáculos infantis.
Nessa época, ela estudou
acessibilidade cultural
e passou a investir em
espetáculos que dialogassem
também com pessoas com
deficiência auditiva, visual
A produtora cultural Noa Marchese (crédito: Fabi Conway)
46 ■ Revista Terceiro Ato

Rodrigo Montaldi Morales (Foto: Platão Capurro Filho)
ou com mobilidade reduzida.
“O primeiro espetáculo
com tradução em LIBRAS
em Santos aconteceu em
2013 no Teatro Guarany,
com a produção da Upah.
Levamos muito a sério essa
questão”, enfatiza.
Hoje atuante em diversas
frentes – que vão do teatro
ao cinema passando pela
música, Noa acredita que
a lógica de um projeto é
aplicada a todas expressões
artísticas. “A transparência
é essencial para atuar nesse
segmento e o pagamento
digno para a mão de obra
artística também é essencial,
pois a pessoa que está
executando um trabalho está
de corpo, alma e mente”, diz.
Se enxergando agora
como artista, ela conta que
exercita todos os seus lados.
“Poder fazer muitas coisas ao
mesmo tempo é o que mais
me encanta nessa área. Um
dia estou focada no teatro,
outro na música e outro no
cinema. Sou plural e grata à
área cultural por me permitir
ser muitas”, finaliza.
“As reações estão
nas ruas”
Rodrigo Montaldi não se
define bem como fotógrafo.
Para ele, a fotografia é uma
forma de registrar o mundo
e contar histórias - e é isso
que ele faz. “Fotografar é
uma forma que encontrei de
fazer um registro histórico
em um congelamento de
imagem”, destaca.
Após atuar no fotojornalismo
e em diversos
projetos de teor educacional e
cultural da região da Baixada
Santista, além de promover
mostras e exposições, ele
se considera um artistas de
múltiplas linguagens.
Para ele, que atua tanto
no palco italiano como em
espaços abertos, ‘as reações
estão nas ruas’. “O teatro de
palco tem barreiras e para
meu ofício de registrar, você
não consegue olhar nos
olhos das pessoas. Já na rua
a paisagem se transforma.
No teatro de rua o grande
personagem é o público”,
afirma.
Iluminar como ato
cênico
Quem compartilha da ideia
de um teatro que evolui a cada
etapa é Juliana Sousa, que
já dirigiu a Paixão de Cristo
de Cubatão, é atriz, arte-
-educadora e desempenha
várias funções, também na
área de iluminação - neste
papel desde 'Bailei na Curva',
do Teatro do Kaos (2000).
"Foi algo que surgiu sem
pretensão alguma. Nasceu do
encontro entre a necessidade
da mão de obra técnica no
teatro, e o meu desejo de estar
envolvida, de alguma forma,
numa produção teatral". Já
que falta mão de obra no
setor na região, com o passar
Revista Terceiro Ato ■ 47

do tempo passou a iluminar
até os Grupos Artísticos de
Cubatão, grupos de dança,
shows musicais e até teatro
de rua.
Premiadíssima na área
desde 'O Guarani' (2003),
ela comenta os desafios de
iluminar espetáculos em
espaços alternativos. Em
'República - Muito mais que
quatro paredes', do Coletivo
302 (2017), imprimiu a sua
identidade na luz em uma
estrutura cênica ousada:
um cubo de alumínio, como
vigas que dividiam o cenário
de um apartamento. "Ele
requer diversas tonalidades
em um espaço com
pouquíssima amperagem
para alimentação dos
equipamentos. Só tínhamos
como optar pelo LED em
toda a composição de luz".
Desde efeitos de DJ com
laser até cordões coloridos
e luminárias precisavam
ser compostos de lâmpadas
LED.
O mesmo modelo foi
revisto no teatro de rua 'Vila
Parisi' (2019, do Coletivo
302), onde nem era possível
contratar um gerador no
local. No cenário de um
laboratório, as fontes frias
de LED com incidências
pontuais de vermelho e
verde. No ambiente da vila,
simular casas com cores
quentes e interruptores,
além de um spot em um tripé
para uso manual de destacar
fases da peça. Ainda, outros
espaços da peça no Cruzeiro
Quinhentista precisaram de
lâmpadas junto a garrafas
coloridas de álcool, ou latas
de alumínio furadas em
meio a um festão de luzes,
respectivamente remetendo
à uma casa de prostituição e a
uma procissão no cemitério.
Enfim, de refletores
artesanais até os de uso para
jardins, de lanternas a elas,
não foram poucas as formas
de que Juliana fez nascer a luz
em diferentes espetáculos.
"Foram esses projetos para
Juliana Sousa (Foto: Acervo pessoal)
Entrevistas
espaços alternativos que me
conduziram a uma pesquisa
de materiais e efeitos talvez
únicos na minha carreira",
comenta entre a rotina de
compreender quantidade de
equipamentos, cabeamento,
dimensões do espaço,
como fixar e alimentar os
equipamentos, entre outros
fatores para composição
da luz. O maior desafio é
a adrenalina de concluir o
tempo de montagem em
tempo hábil para que os atores
façam a marcação, gravem as
cenas e testem os efeitos - em
seguida, as cortinas se abrem
para o respeitável público. ■
48 ■ Revista Terceiro Ato

Esquete
Sucesso além da serra
Os diretores santistas celebrados na capital
Textos: Nina Gagli
Foto: Agência O Estado Foto: Taba Benedicto Foto: Acervo pessoal
Marco Antonio
Gimenez (1955-)
Inicia no teatro paulistano
em 1984. Licenciado em
Psicologia, no Teatro-Escola
Célia Helena foi professor
(1991-2011) e co-diretor
(2001-2004). Foi servidor
da Funarte (1987-1990), secretário
de Cultura de Santos
(1995-96), fundou e foi diretor
artístico do grupo Folias
D’Arte (1998-2010), um dos
grupos que lidera movimento
Arte contra a Barbárie e
resultará no programa de Fomento
ao Teatro para a Cidade
de SP. Hoje dirige o Teatrão
em Coimbra (Portugal).
Venceu os prêmios Molière
(1991) e Mambembe (1996).
Nelson
Baskerville
(1961-)
Graduado na Escola de Arte
Dramática (USP, 1983), lecionou
no Teatro-Escola Célia
Helena (1991-2010). Participou
de mais de 10 novelas
e minisséries, como ‘Pedra
Sobre Pedra’, ‘Éramos Seis’ e
‘Viver a Vida’. No teatro, foi
dirigido por Celso Frateschi,
Bibi Ferreira, entre outros, e
dirigiu desde 2005 mais de
15 peças, como ‘Luís Antônio-
-Gabriela’, ‘17 x Nelson’ e ‘As
estrelas cadentes do meu céu
são feitas de bombas do inimigo’.
Ganhou os prêmios Shell,
Cooperativa Paulista de Teatro
e Governador do Estado.
Neyde Veneziano
(1944-)
Pós-doutora em Teatro
(Itália, 1999), professora
de teatro brasileiro (Unicamp),
autora de livros
desde 1991, encenadora
e diretora teatral. Nesta
função, estreia em 1984
com ‘Balada Feroz’ e ‘Procurando
Firme’ (ambos em
1984). Já dirigiu 40 obras,
desde a Encenação da Fundação
da Vila de São Vicente
(1999) até os grupos
Parlapatões, La Mínima e
Geração Trianon. Especializou-se
nas pesquisas sobre
teatro de revista, manifestações
populares e o
acervo de Dario Fo.
Revista Terceiro Ato ■ 49

Segmentos
O teatro e as
suas múltiplas
linguagens
Texto: Rafaella
Martinez Vicentini
Poucas pessoas frequentam
o centro de Santos
aos domingos à noite. As
ruas, durante a semana
ocupadas pelo vai e vem de
homens e carros, respiram
tranquilas. Um grupo de
aproximadamente 40
pessoas aguarda o início de
uma apresentação teatral.
Sem aviso, uma moradora
de rua surge correndo,
empurrando um carrinho de
supermercado cheio de coisas
aparentemente inúteis.
Em outro ponto, um
bêbado questiona o banco
que teria roubado seu
dinheiro. Deus aparece no
alto da Prefeitura, e uma
mulher é violentada diante
de nossos próprios olhos.
Pouco tempo se passa
e várias outras pessoas
resolveram acompanhar a
movimentação. São aqueles
que pararam e ficaram:
trabalhadores do porto,
crianças abandonadas e
usuários de drogas.
Em uma cena épica
daquele outubro de 2013,
uma pessoa em situação de
rua interage com o contexto
apresentado e a realidade
cruza tão bem cruzado a arte,
que ambas se confundem. O
que nos separa?
A cena narrada acima é
da primeira apresentação do
espetáculo teatral ‘Projeto
Bispo – tratados como bichos,
comportam-se como um’.
O espetáculo ‘de ruas’ como
define um de seus atores,
tinha como objetivo levar os
espectadores a refletir sobre a
loucura humana. Na prática,
exatamente pelo fato de
estar na rua, a peça enxergou
a loucura de várias outras
formas: os atores já foram
ameaçados por autoridades
policiais, a produção já foi
multada e os espectadores
quase foram atropelados.
Dificilmente as questões
citadas aconteceriam caso
o 'Projeto Bispo' fosse
Fora do espaço e
do modelo tradicional,
as múltiplas
facetas da arte
ocupam os espaços
públicos e
resignificam as
cidades
um espetáculo produzido
e encenado no palco
tradicional. “Eu acho que o
ator e o espectador precisam
estar sob a mesma luz,
poucos metros de distância”,
afirma o diretor do projeto,
Kadu Veríssimo.
Há várias diferenças
entre o espetáculo de palco
e as apresentações de rua.
Diferenças além da ausência
de equipamento técnico
ou cenário, pois envolvem
dramaturgia, preparação de
atores, entrosamento de cena
50 ■ Revista Terceiro Ato

Segmentos
e linguagem específica.
Trupe do século 21 |
Além disso, toda a trama
pensada depois de muito
tempo de ensaio pode ser
mudada de uma hora para
outra, sem aviso prévio.
Fora da caixa, qualquer
fator interage com a cena
e os atores jamais saberão
quais são esses fatores até
que eles aconteçam ao vivo
e, nesse caso, a resposta
precisa ser imediata.
A Trupe Olho da Rua
surgiu em dezembro de 2002
com seis integrantes. Cada
um investiu R$ 150 e, com o
montante, passaram janeiro
de 2003 viajando em busca
de público. A experiência
foi tão benéfica que, no
retorno à Santos, a trupe
decidiu dar continuidade
à ideia, investindo na
pesquisa e na linguagem
aberta, própria para a rua.
“Naquela época, parecia que
a população perdia cada vez
mais o interesse no teatro
de palco, mas percebemos
que na verdade, o que estava
acontecendo com o teatro
tradicional não se refletia nas
ruas: lá havia muito público”,
afirma Caio Martinez
Pacheco, um dos fundadores.
Para João Paulo Teixeira
Pires, outro integrante da
trupe, dentre as diferenças
entre o palco e a rua está, por
exemplo, o que diz respeito
ao erro em cena. “Quando se
erra esteticamente no palco,
o artista continua e por vezes
nem deixa transparecer o
erro. Na rua, a resposta é
instantânea: o artista erra e
as pessoas vão embora”.
Essa opinião é
compartilhada pelo ator
Junior Brassalotti. Para ele,
o artista de rua precisa se
reinventar a cada minuto
para manter a atenção do
público. “No teatro de caixa
você está protegido, as
pessoas foram até lá para
te ver, há um respeito. Na
rua ninguém te chamou,
você está invadindo aquele
espaço. A pior coisa no teatro
de rua é você formar uma
roda e ela ir esvaziando”.
coletividade | Ambos
os grupos citados possuem
uma forma diferente da
tradicional para criar a
dramaturgia que será
empregada nos espetáculos:
é uma construção coletiva e
colaborativa. “Percorremos
caminhos diferentes para
chegar à dramaturgia. Desde
2008, por exemplo, nossos
espetáculos se estendem até
a plateia que assume muitas
vezes o papel principal”,
afirma Caio Martinez.
Para Brassalotti, a
dramaturgia da rua é viva, pois
a história está sempre sendo
construída. “Transformamos
a plateia passiva em algo
extremamente ativo. O
público pode ser qualquer
coisa, mas antes precisamos
ter um jogo combinado. A
gente sabe para onde quer
que a plateia vá, se ela vai
ou não depende da nossa
Circularam em praças as peças ‘Hamlet Futebol Clube’ do Teatro do Kaos (crédito: Sander
Newton) e ‘Blitz’, da Trupe Olho da Rua (crédito: Gabriella Zanardi)

competência”.
O conteúdo para rua
também não cabe dentro
da proposta de um ator
convencional. “Na minha
opinião, todo ator de rua
deveria saber dar um
salto mortal”, pondera
Brassalotti. Isso porque a
carga dos espetáculos a céu
aberto exige um preparo
físico maior por parte dos
atores. Na maioria das vezes,
a arte de rua inclui diversas
outras vertentes dentro da
tradicional: os espetáculos
podem ser montados
através do circo, da dança e
da música.
A história do teatro se
confunde com a própria
história do homem.
Suas raízes estão nas
apresentações da Grécia
Antiga, onde a população
expunha os problemas da
pólis e dos cidadãos nos
espaços abertos. Outras
correntes acreditam que o
teatro surgiu com o homem
primitivo, em forma
de danças dramáticas
coletivas. Em ambos os
casos, a arte de usar o corpo
e os gestos para apresentar
uma determinada história
e com ela provocar
sentimentos diferentes na
plateia surge na rua.
Abandonar a caixa |
No Brasil, o movimento
ganhou força e notoriedade
nos anos 80, sendo uma voz
contra a ditadura militar.
Em 1982, Amir Haddad, um
dos expoentes do gênero
no Estado de São Paulo,
decidiu “abandonar a caixa”
e ganhar a rua, acreditando
que o teatro poderia voltar
a ser teatro. Vários grupos
apareceram, seduzidos pelas
possibilidades que a rua
oferecia em detrimento às
dificuldades impostas pelo
poder público para o uso dos
espaços oficiais.
Junior Brassalotti afirma
que o que garante a vida do
espetáculo é a temporada
e, quando nenhum espaço
oficial da cidade oferece
Segmentos
essa possibilidade, a solução
é ir para a rua e criar o
próprio espaço. Para a
trupe, a questão é utópica.
“Santos comporta até 20
apresentações simultâneas
em suas praças”, afirma João
Paulo Teixeira Pires.
Outro fator fundamental
para o teatro de rua é a
linguagem empregada. Por
esse motivo, a dramaturgia
precisa ser uma maneira de
contar uma história com o
corpo através do texto para
um público popular que na
maioria das vezes não tem
o costume de ir ao teatro. “É
preciso um diálogo aberto
para poder falar com todas
as classes”, afirma Caio.
Para quem está na rua, a
função do teatro é ser antena
da sociedade. O produtor
cultural e artista circense
Sidney Herzog acredita que
sair de casa para ir até um
teatro ainda é algo elitista e
que a arte de rua pode mudar
uma parcela da sociedade.
“Para quem passa por uma
Com a peça ‘De Repente Thiago’, da Esquadrilha Marginália de Teatro de Rua (crédito: Eduardo Ferreira)
e a contadora de histórias Camila Genaro (crédito: Rodrigo Montaldi Morales)

Segmentos
praça com uma roda de
espetáculos ou um circo
armado, aquela praça nunca
mais será a mesma para
quem viu. Mesmo que não
tenha mais nada montado
ali, ela tem um outro valor
simbólico”, finaliza.
Um lugar entre duas
linguagens | Aos 19 anos,
o cubatense Matheus Lípari
começou a desenvolver
uma pesquisa sobre o teatro
performático, segmento que
abrange e ao mesmo tempo
renova a arte teatral.
“Minha pesquisa me
fez perceber que posso ser
dono das minhas ações
e criações e que em cena
posso dizer muito sem usar
necessariamente recursos
vindos do texto”, destaca o
ator, hoje com 25 anos.
Uma das técnicas, por
exemplo, dizem respeito
ao uso de luzes em cena.
“A performance é um lugar
livre para criações. No caso
da luz, ela altera o estado de
percepção: pode ser usada
para mostrar caminhos
ou ressaltar a penumbra”,
enfatiza.
Era uma vez | Para quantas
sensações e lembranças essas
três palavras te remetem?
Dos clássicos infantis até as
inúmeras notícias relatadas
nas páginas de um jornal:
viver é a arte de contar
muitas histórias. De vasto
currículo na arte cênica, a
santista Camila Genaro bem
sabe o poder quase mágico
que emana das palavras
contadas. A mulher que se
descobriu artista durante o
magistério entende que o
ofício vai além do tempo que
dura um conto.
“Hoje as pessoas não se
escutam mais. Eu acredito e
vivencio o fato de que quando
estimulamos a imaginação,
ganhamos um fio que irá
conduzir as pessoas de todas
as idades para um lado mais
bonito da vida. Para a leitura,
para a escrita, para a arte de
sonhar... Quando a gente
fala ‘Era uma vez’, estamos
Matheus Lípari no Galpão Cultural (Crédito: Matheus Cordel)
transportando o ouvinte
para um lugar que só existe
dentro dele”, conta.
Através dos tempos,
a tradição oral marcou a
história da humanidade,
estimulando não apenas
o ouvir, mas também
despertando a imaginação
de crianças e adultos.
Apesar de ser um dos mais
antigos ofícios do mundo, a
profissionalização é um dos
obstáculos no caminho dos
contadores de histórias.
Mais do que ter um
papel fundamental na
preservação e transmissão
do saber e das manifestações
da cultura popular, contar
histórias é auxiliar na
reescrita de algumas delas.
“Eu tinha um trabalho
semanal na Gibiteca de
Santos, onde atendia
escolas de regiões
vulneráveis da cidade. Um
dia uma menininha veio
animadíssima falar para
mim que depois de ter
escutado uma das histórias
foi na biblioteca da escola
e pegou o livro para ler
para a irmã mais nova.
Aquilo me emocionou e me
emociona sempre que falo,
pois aquela criança estava
mudando sua realidade,
adquirindo um novo hábito
e transmitindo para a sua
família. É sobre essa magia
que conto”, finaliza. ■
Revista Terceiro Ato ■ 53

Segmentos
Teatro que transborda
Roberto dirige a Cia Dons em ‘64 - O Canto Calado’ (foto acima,
acervo pessoal), enquanto Kelly é arte-educadora (foto abaixo,
de Raquel Siebra)
Texto: Lincoln Spada
Do circo à dança, as
linguagens irmãs-
-siamesas do teatro por
vezes se intercalam nas
produções cênicas. Além
disso, habilidades como a
desenvoltura corporal ou o
bom timbre e afinação em
musicais ganham pontos
entre os atores e demais
fazedores de cultura.
Em uma sociedade pós-
-moderna, que as fronteiras
virtuais e científicas se
reduzem em lufadas, o
mundaréu artístico é ainda
mais abrangente que um
abraço materno: dificilmente
os coletivos não comungam
de outros campos artísticos.
Em Santos há o coro cênico
Broadway Voices, enquanto
na vizinha São Vicente, os
musicais escalam dezenas de
jovens atores na Cia Dons de
Teatro Musical. A direção é do
vicentino Roberto Frantinelli,
de 26 anos, que já cursou no
TeenBroadway, SP Escola de
Artes, Senac SP, CP Teatro
Musical, entre outras escolas
especializadas no segmento.
"O teatro musical me permite
buscar a 'perfeição' como
artista completo, pois me
permite usar teatro, música,
dança e circo, conhecer um
pouco mais sobre o caminho
artístico que quero seguir e
que hoje se tornou minha
profissão".
O seu espetáculo mais
recente foi 'O Canto Calado',
musical que aborda
sobre a ditadura militar.
Tanto essa, quanto
outras montagens
são inspiradas em
uma autodenominada
'insônia criativa'. "Passo
a madrugada criando e,
quando o Sol nasce, já
tenho algo pronto. É
algo muito mágico para
mim", diz o também
diretor da Cia. Lúdicus
de Circo. Outra artista
que permeia ambos
os segmentos é a arteeducadora
santista Kelly
Jandaia, de 33 anos.
"Comecei a minha
carreira artística nas aulas
livres de circo na Cadeia
Velha [em 2005], e, após
oito meses, montamos o
54 ■ Revista Terceiro Ato

Luana Albeniz (Crédito da foto:
Rogério Murilo Mesquita)
grupo teatral Os Panthanas,
que misturava as linguagens
de rua e circo", relembra a
profissional em Educação
Física. "Essa experiência
foi um divisor de águas nas
minhas escolhas", sendo que
hoje, como arte-educadora,
tem como processo criativo
as suas próprias vivências:
viagens, exposições, além de
filmes, séries e livros.
A performer que denuncia
| Por sua vez, a
cubatense Luana Albeniz, de
20 anos, já percorreu países
na Europa e na América
Latina expondo os frutos
das artes visuais, teatro,
performance, circo e dança,
"em que abordo uma pesquisa
relacionando o bambolê e a
dança contemporânea". Ela,
que mais recente assume
uma arte-denúncia, iniciou
os estudos de música e balé
clássico na ETMD - Escola
Técnica de Música e Dança
Ivanildo Rebouças da Silva
(Cubatão), depois a formação
de atriz pelo Teatro do Kaos
(também em Cubatão) e
a Escola de Artes Cênicas
Wilson Geraldo (Santos).
Paralelamente, participou
de atividades formativas
noutras linguagens, como a
Bienal de Performance de
Buenos Aires, a residência
perfomática do Mirada -
Festival Ibero-Americano
de Artes Cênicas de Santos,
convenções de malabares
e circo, entre outros. "Meu
processo e aprendizado
no teatro complementa e
compõe a minha visão como
performer. A relação com o
público e com o meu próprio
corpo, a consciência e o
domínio do meu corpo e voz.
Não tenho apreço em pensar
as artes de forma que não
seja integrada".
Luana é enfática. "Sou
movida artisticamente
pelas minhas inquietudes
internas e sociais, sinto que
explodo se não transbordo
em arte". Foi assim que
criou a performance cênico-
-circense 'Presente - Relatos
de um corpo ausente', entre
a angústia que sentiu com
o assassinato da vereadora
carioca Marielle Franco, um
poema virtual de uma amiga,
fatos da ditadura militar,
e a história por detrás
de 'Menino', clássico de
Milton Nascimento. "Meus
trabalhos se desenvolvem na
imersão de, ao menos, dois
segmentos artísticos".
O ator que dança | E
do Grupo Janela de Teatro,
é que o vicentino Lucas
Onofre, de 27 anos, abriu
seus caminhos para outras
artes cênicas, vivenciando
o Grupo Vigora de Dança, a
Cia 5 e, atualmente, participa
da Cia. Etra de Dança. "O
teatro é primordial para um
artista cênico, em questão
de expressões, estudo,
dramaturgia. Possui um
longo processo criativo e
também caminha lado a lado
com a dança ao meu ver. Um
simples movimento pode ser
considerado uma dança".
Lucas complementa: "A
intenção que você insere
naquele movimento, a forma
como você transforma um
sentimento em movimento,
Revista Terceiro Ato ■ 55

Lucas (acima, acervo pessoal)
e Kathlleen (abaixo, foto de
Harley David Santos)
gesto, é uma dança. O nosso
corpo fala de diversas formas.
Seja pelo olhar como por uma
pirueta. Não consigo me ver
sem essas duas artes juntas,
e por ser ator e performer
busco sempre me aperfeiçoar
em cursos, oficinas e
vivências que me ajudem a
continuar amadurecendo e
me descobrindo como um
artista".
Esta mesma maturidade
vai sendo acompanhada por
outra jovem, a atriz santista
Kathleenn Andrade
Kezerle, de 18 anos. Na
infância, foi Miss Santos
Mirim, 1ª Princesa do
Estado de São Paulo e
modelo pela Agência By
Clô, a partir dos 4 anos.
Logo, passou a fazer
comerciais e campanhas
publicitárias, rendendo
viagens e aprendizados.
Ainda, aos 6 anos, a
sua mãe a inscreveu
simultaneamente nos
cursos de teatro e dança de
56 ■ Revista Terceiro Ato
rua, este aderindo ao Grupo
Adrenalina, dirigido por
Ricardo Andrade.
A miss que improvisa
| Logo se viu desde as
aulas teatrais e de música
na UME Olavo Bilac até
de teatro e jazz no Projeto
TamTam. A partir dos
11, entrou na Tescom,
onde logo no primeiro ano
ganhou o prêmio de Melhor
Atriz no Fescete, em 'Entre
Julietas e Catarinas' (2011).
É nessa última escola que
prefere se especializar no
núcleo de teatro musical. No
ano seguinte, protagoniza
'O Pequeno Imperador' e
'O Príncipe e a Raposa',
ganhando novos prêmios no
mesmo festival.
Em sua carreira precoce,
ainda atuou em espetáculos
de mímica e pantomima,
teatro físico e de bonecos.
Segmentos
Desde os 14 anos desenvolve
a palhaça Dorine. Mas foi aos
15 que debutou sobre jams
de improviso e pesquisas
sobre expressão corporal,
a partir da oficina da arteeducadora
Luciana Raccini.
Desde então, tornou-se
intérprete bailarina da Cia.
Aplauso Contemporâneo,
dirigido por Luciana. "A
companhia valoriza a
diversidade artística que
cada um traz em si, sempre
busca o diálogo entre
dança, teatro, circo e artes
plásticas".
Intérpretes, professores,
músico e fotógrafo
participam em conjunto de
Kathleenn na companhia
de dança. 'Algumas cenas e
várias vidas', 'Estava Cega'
e 'Planet Pink' são algumas
das obras em que a artista
participa. Ela exemplifica
o processo criativo de
múltiplas linguagens:
"O expressionismo,
o teatro do absurdo e
o teatro de máscaras
são pesquisas
frequentes em que
desenvolvo para
meu trabalho como
intérprete-bailarina,
tanto na dança
contemporânea, como
no teatro". Agora,
também sonha em
se aprofundar na
área de fotografia e
videomaker. ■

História
Todos os caminhos levam
para a Cadeia Velha
Texto: Lincoln Spada
O
nascedouro da última
geração do teatro santista
foi a múltipla Cadeia
Velha de Santos, enquanto
epicentro de uma teia de fazedores
culturais, de diferentes
segmentos artísticos,
programas formativos e de
difusão, como festivais, que
avizinhados em datas e celas,
tornam-se naturalmente o
espaço como irradiador das
artes integradas.
O edifício primou pela
trajetória cultural, principalmente
quando se tornou
o único brilho na primeira
década dos anos 2000. Da
decadência até o fechamento
por mais de 10 anos do Teatro
Rosinha Mastrângelo e
a criação da Escola de Artes
Cênicas na década seguinte,
quando é reconstruído o
Teatro Guarany, faz do centro
cultural próximo da Rodoviária
Municipal como a
maior referência para muitos
dos artistas, que, na falta
de espaços públicos em toda
a região, adotam a rua como
linguagem cênica.
Jovens do Projeto Guri (Crédito da foto: Sander Newton)
Atualmente sede da
Agência Metropolitana da
Baixada Santista (Agem), da
regional do Projeto Guri, e de
oficinas da Secult de Santos,
o local tem um versátil repertório
de funções sociais desde
a sua fundação: Câmara
Municipal, presídio, fórum,
Tribunal da Justiça, quartel-
-general e até hospital - durante
epidemias na Cidade
entre 1872 e 1888. Eis a antiga
Casa de Câmara e Cadeia,
mais conhecida como Cadeia
Velha de Santos.
“Ainda mais, porque é
uma construção típica do
Brasil, com pedra, cal, argila,
areia e melado de cana-de-açúcar”,
detalha Luciana
Sans de Menezes, que
arquitetou o projeto do último
restauro do local (de
2011 a 2016) que guarda
muitas memórias em seus 2
mil m², com 20 salas - dessas,
13 ambientes no térreo,
sendo oito celas.
Nos idos de cadeia nova
| “Na verdade, ela era chamada
antes de Cadeia Nova,
porque foi a segunda da Cidade”,
destaca Luciana. O
primeiro presídio de Santos
também concentrava os poderes
Executivo, Legislativo
e Judiciário e foi erguido
ainda no século 19, bem na
Praça da República, mas
demolido em 1870. Assim,
Revista Terceiro Ato ■ 57

Festivais e eventos de economia criativa ocorrem na Cadeia
Velha, como exposições (acima, foto de Sander Newton),
circo e audiovisual (abaixo, foto de Adilson Félix).
os serviços do Paço Municipal,
da Câmara e do Fórum
foram transferidos ao novo
equipamento.
Já em 1820, as lideranças
da futura cidade (a emancipação
seria em 1839) cogitavam
a construção de um
local ampliado, bem no largo
que pertencia aos Andradas.
Em 1831, o projeto original
sem autoria previa a cadeia
nova com dois pavimentos
em todo o prédio, sem os alpendres
(sacadas) no pátio
interno, sequer janela central
na fachada: no lugar, haveria
um brasão do Império.
A princesa e a Pagu |
Com o decorrer das obras,
iniciadas em 1838, o prédio
foi ampliado, até ser concluído
30 anos depois. A demora
está relacionada com a Guerra
do Paraguai. Com os combates,
a economia do Império
previa poucos recursos para
investir, além de transformar
o lugar, entre 1865 e 1866,
em quartel. Somente a partir
de 1870 é que centralizaria os
História
três poderes. A Princesa Isabel
e seu marido visitaram o
local em 1888, após a Cadeia
Velha presidir manifestações
abolicionistas.
Daí a razão da princesa
batizar a plenária de vereadores.
Mas no decorrer do século
20, o espaço perde gradualmente
as funções políticas
e policial. Luciana explica o
funcionamento do espaço:
“Nas Casas de Câmara e Cadeia,
era bem comum que nas
salas do pavimento superior
funcionassem o Legislativo e
o Fórum, e o primeiro andar
fosse reservados aos presos.
O atual jardim central, no térreo,
na época, era o pátio dos
prisioneiros”.
Ali esteve a modernista
Patrícia Galvão. Pagu foi a
primeira mulher presa política
no Brasil, em 1930.
Superlotado, com 300 encarcerados
para 80 vagas, o
prédio se tornou prisão até
1958. Logo, foi desativado,
restaurado e tombado como
patrimônio histórico em nível
federal. Em 1973 e 1974,
o espaço também foi tombado
respectivamente em
níveis municipal e estadual.
A reabertura oficial se deu
em 1984, já como delegacia
regional de cultura. Exceto
durante a reforma entre
2011 e 2016, será o âmbito
que exercerá até os dias
atuais. ■
58 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
Os palcos regionais
Texto: Rafaella Martinez
O
registro do primeiro teatro
santista data de 1830
na rua do Campo, depois
Beco do Teatro (atual Rua
Riachuelo), em um prédio
que na época pertencia à Santa
Casa da Misericórdia.
Quase todas as companhias
que se apresentavam
na capital vinham a Santos e
para que as famílias pudessem
chegar até o teatro era
preciso que os escravos transportassem
as cadeiras até o
local. Iluminado com velas
de cera e candeias de azeite,
foi neste espaço, considerado
como um “pardieiro” que a
história do teatro santista começou
a ser escrita.
Fechado definitivamente
em 1879 devido às péssimas
condições de conservação, o
local se transformou em armazém
cafeeiro e em loja, até
ser demolido em 1940. Quando
o Beco do Teatro entrava
em sua fase decadente, por
volta do ano de 1876, começou
a ser sentida na cidade a
ausência de um espaço que
garantisse boas apresentações
e comodidade. Foi assim
que começou a ser sonhado o
Teatro Guarany.
Teatro Guarany | Em
7 de dezembro de 1882 foi
inaugurado na Praça dos
Andradas o Teatro Guarany,
primeiro palco da cidade
destinado a grandes eventos.
Em meados da década de 20,
com o surgimento do Teatro
Coliseu, o Guarany entrou em
decadência. Em 1950, passou
por alterações em seu interior,
onde foi instalado um cinema,
um bar e uma loja. Em
1981, pouco tempo antes do
seu centenário, um incêndio
de grandes proporções destruiu
o imóvel.
Em 1994, as ruínas do
imóvel foram arrematadas
por um comerciante por R$
90 mil. Foi somente em 2003
que a Prefeitura de Santos
desapropriou o imóvel e iniciou
um projeto de compra e
recuperação.
No Guarany atual, duas
colunas de ferro e parte da
parede do piso superior remontam
à construção original.
Com capacidade para
340 pessoas, atualmente
abriga também a Escola de
Artes Cênicas Wilson Geraldo,
da Secult. As pinturas são
uma obra à parte. A primeira,
no teto, retrata uma cena do
clássico “O Guarany”, de José
de Alencar. A segunda, pouco
apreciada pelo público em
geral por estar localizada no
foyer do segundo piso, é uma
releitura do artista Paulo Von
Poser para um quadro de Benedito
Calixto.
Artistas e estudantes de artes cênicas no foyer do Teatro
Guarany (crédito de foto: Bruna Quevedo)
Revista Terceiro Ato ■ 59

Teatro Coliseu | O Teatro
Coliseu, tal como conhecemos
hoje, foi inaugurado
em 21 de junho de 1924. Sua
história, porém, data de alguns
anos antes. Em 1887 o
local era um velódromo, que
permaneceu em atividade até
1903. Em 1909 foi inaugurada
no espaço uma edificação
de madeira com capacidade
para 800 lugares, que serviu
para apresentações culturais
e manifestações políticas. A
edificação deu lugar, anos
mais tarde, para um luxuoso
teatro, construído em estilo
neo-clássico.
Ainda na década de 30, o
Coliseu passou a funcionar
também como cinema e cassino,
atingindo seu apogeu
na década de 40, quando recebeu
grandes companhias
em suas instalações. Nos
anos 50, o teatro começa a
perder sua força. Em 1967,
parte da estrutura foi demolida
para a construção de um
posto de gasolina. O início da
exibição de filmes pornográficos
na década de 70 marcou
a decadência do espaço.
Tombado pelo Conselho
de Defesa do Patrimônio Histórico,
Artístico, Arquitetônico
e Turístico (Condephaat)
e pelo Conselho de Defesa do
Patrimônio Cultural de Santos
(Condepasa) no fim da
década de 80, o imóvel passou
a pertencer à prefeitura
Ambientes
em fevereiro de 1993.
Em 1996 foi iniciada uma
reforma que durou uma década,
sendo o teatro devolvido
para a população em janeiro
de 2006. Em abril de 2013 o
Coliseu volta a fechar as portas,
reabrindo onze meses depois,
em março de 2014.
Arquitetonicamente o teatro
mais completo de Santos,
a plateia do Coliseu possui
a forma de ferradura, o que
permite a observação de todos
os detalhes das cenas. O
terraço permite visão privilegiada
do Centro Histórico de
Santos e a cobertura do espaço
possui a elegante forma de
um piano.
Em 2019 o Poder Públi-
Fotos abaixo e ao lado da abertura do 60º FESTA (crédito de foto: Rodrigo Montaldi Morales
60 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
co anunciou a primeira das
quatro etapas da reforma do
espaço, com investimento de
R$ 6,3 milhões em um convênio
entre a Prefeitura e o
Governo do Estado. A reabertura
deve ocorrer em outubro
e o término total das
obras no final deste ano.
Teatro Municipal Braz
Cubas | Inaugurado oficialmente
em 10 de março
de 1979, ele veio suprir uma
carência cultural na cidade:
na ocasião, todas as casas de
espetáculos existentes eram
particulares.
Em 1983, a delegacia de
cultura de Santos, sob orientação
de Carlos Pinto, promoveu
uma oficina de teatro
no espaço, reunindo os veteranos
do teatro amador. Foi
assim que pouco tempo após
ser inaugurado, o Municipal
passou a ser ocupado pelos
artistas da região.
Fechado em maio de 2009
para reforma, o teatro reabriu
em 2010 com melhorias,
dentre elas a ampliação do
número de assentos dos antigos
544 para os atuais 588
lugares. Em julho de 2014, o
Municipal foi novamente fechado
e reabriu em 2015.
Há um projeto de modernização
do espaço aguardando
recursos. Enquanto não
acontece, a Prefeitura organiza
o espaço.
Outros espaços | Em
Guarujá, o Teatro Procópio
Ferreira foi inaugurado em
15 de dezembro de 1979, passando
por uma ampla reforma
em 20011. Reinaugurado
em abril de 2015, o teatro
ganhou um novo projeto arquitetônico
e teve seu layout
modificado. Ao todo, no ano
de 2019 recebeu 191 espetáculos,
com uma soma total de
público de aproximadamente
36 mil e 900 pessoas.
Outro palco da cidade é o
Anfiteatro Ferreira Sampaio,
anexo da Escola Napoleão
Laureano no Jardim Maravilha.
Ocupado desde 2009,
tem 110 lugares e atende mais
de 300 alunos por mês, distribuídos
em 8 cursos.
Em Praia Grande, o Teatro
Serafim Gonzalez, inaugurado
em 2008, está instalado
no Palácio das Artes,
complexo cultural de seis mil
metros quadrados margeado
pela Mata Atlântica. Capaz
de de receber em um único
espetáculo até 513 pessoas,
o espaço tem mais de 1.300
metros quadrados de área e
formato retangular que permite
uma melhor propagação
do som.
No mesmo complexo, foi
inaugurado em 2014 Teatro
de Bolso Leni Morato. Menor
e mais intimista, quando
comparado com o Serafim
Gonzalez, o palco tem capacidade
para 80 pessoas.
O Centro Cultural Raul
Cortez de Mongaguá, inaugurado
em dezembro de 1996,
abriga o Teatro Municipal
Ronaldo Ciambroni, com
estrutura e capacidade para
320 espectadores. ■
Cortejo das Praiaças no foyer do Teatro Municipal Braz Cubas
(acima, foto de Rodrigo Montaldi Morales)
Revista Terceiro Ato ■ 61

Cortinas Fechadas
Ambientes
Texto: Rafaella Martinez
Locais completamente a-
bandonados, pichados,
depredados e que, inclusive,
colocam em risco a saúde pública.
O cenário pitoresco poderia
compor um espetáculo,
mas embora estejamos, sim,
falando de teatro, corresponde
a uma cruel realidade de
alguns espaços culturais da
Baixada Santista.
Ônibus no lugar de palco
| O estimado Teatro Municipal
de São Vicente nunca
saiu efetivamente do papel.
A obra teve início na gestão
Tércio Garcia, em 2009.
Em 2018, a Prefeitura começou
a construção da nova
rodoviária da cidade na parte
frontal do prédio. Afirmou,
por meio de nota, que mantém
planos de recuperar o
espaço e abrir, futuramente,
o Teatro Municipal. “A área
destinada exatamente ao palco
e à plateia foi preservada
para a instalação do futuro
teatro vicentino”, destacou.
Início da transformação do projeto do teatro municipal de são
vicente em rodoviária (foto: nair bueno)
Da cultura para a saúde
| Após se arrastar por mais
de 30 anos, o que era para ter
sido o Teatro Municipal de
Cubatão, hoje dá espaço para
um Centro de Saúde. Ao longo
dos anos, milhões foram
gastos na obra, que permaneceu
abandonada e ocupada
do início da década de 90 até
a destinação final, em meados
do ano passado.
Em nota, a Prefeitura
afirmou que um novo teatro,
dentro do Parque Anilinas,
será realidade em breve. A
Secretaria de Cultura informa
que, após levantar todo o
descritivo das necessidades
de obras e arquitetônicas do
lugar, será aberto processo
de licitação para contratar
uma empresa que terminará
a obra, realizada com recursos
próprios e parcerias. O
teatro do Anilinas compreende
um espaço dentro do Centro
Multimídia. Contará com
350 lugares na plateia, cumprindo
todas as normas de
acessibilidade e segurança. A
previsão é de retomar a obra
ainda este ano.
A triste cena do rosinha
mastrângelo |O teatro
de arena Rosinha Mastrângelo
foi inaugurado em
1º de setembro de 1992 no
andar térreo do Centro Cultural
Patrícia Galvão. Por
quase uma década o Rosinha
foi ponto de encontro do rock
local, além de palco para o
início da carreira artística de
muitos amadores.
Fechado desde 2009, foram
muitas as promessas e
paralisações de obras. A nova
previsão de entrega é em meados
deste ano, após uma
parceria com a iniciativa privada
que permitirá 100% do
teatro modernizado. ■
62 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
Espaço é um
lugar praticado
Texto: Rafaella Martinez
A
frase do livro ‘A invenção
do Cotidiano', de Michel
Certeau, define com exatidão
o movimento que gradativamente
ganha espaço no teatro
santista. São muitos os
motivos que podem justificar
a migração da arte cênica
para espaços alternativos.
O diretor André Leahun
lida com teatro em Santos
desde 1985 e viveu essa transição.
Para ele, a insistência e
a persistência são os motivos
que fazem Santos ter um movimento
teatral forte e atuante.
Leahun acredita que a arte
não precisa do espaço físico
teatro para acontecer.
“Ainda está no subconsciente
humano que teatro
é algo elitista, pois a imponência
do espaço tradicional
assusta e nossa sociedade é,
por si só, extremamente preconceituosa”.
Para o diretor,
a classe teatral santista está
modificando essa ideia de
forma inversa: ir até as pessoas
e oferecer a possibilidade
delas conhecerem em diversos
outros espaços as produções
culturais da cidade.
A experiência Tescom |
Localizado na Avenida Conselheiro
Rodrigues Alves, o
TESCOM é um espaço que
reúne as praticas artísticas,
educativas e sociais. Enquanto
coletivo, é oriundo
do Grupo Teatral “Uma Mão
Com Mel” dirigido por Iracema
Paula Ribeiro, tendo
o início de sua carreira em
1976. Atualmente, o espaço
cultural promove encontros,
debates, workshops, projetos
sociais e cursos livres.
Comandada pelos artistas
Pedro Norato e Karla Lacerda,
a escola já preparou mais
de 1000 alunos e mantém
em sua filosofia de trabalho,
um curso voltado para a formação
do ator, atuando com
a expressão corporal, vocal,
técnicas de atuação e estudos,
características para o
profissional da arte.
Sala Iracema Paula Ribeiro do Tescom, onde há mostras e aulas
(foto abaixo, crédito da foto: Denise Braga)
Revista Terceiro Ato ■ 63

17 anos de arte e cultura
em Guarujá | A
Casa3 desenvolve atividades
na área de artes cênicas na
cidade de Guarujá. A escola
surgiu do encontro de três
artistas: Kadu Veríssimo,
Marcelo Wallez e Tânia Mastroeni
que celebraram a amizade
e a profissão, através da
criação do espaço.
Na escola são desenvolvidas
atividades formativas
em cursos de teatro, ballet
(formação), jazz, sapateado,
canto, dança de rua e dança
contemporânea.
Os cursos são livres e despertam
nos alunos a apreciação
estética e cultural, possibilitando
também a entrada
no universo artístico, seja
desenvolvendo carreira em
teatro, cinema ou TV.
Única escola de teatro
em Guarujá, a Casa3 de Artes
proporciona aos alunos
a interação com linguagens
diversas, possibilitando
uma formação mais abrangente
em arte.
Marcelo Wallez e Kadu
Veríssimo, além de gestores
do espaço, são atores e atuantes
no Movimento Teatral
de Guarujá, tendo desenvolvido
em 13 anos de parceria
diversos projetos culturais e
estreado 25 espetáculos.
Ambientes
Teatro à serviço da cidade
em Itanhaém | Há
29 anos, Silvio Luís Guimarães
de Mello une teatro e cidadania
para transformar a
vida de crianças e adolescentes
em situação de vulnerabilidade
de Itanhaém através
do Teatro Galpão.
Trabalhador do teatro há
mais de 40 anos, ele acredita
que o teatro deve transformar
quem o faz e quem o vê.
“Não ministramos apenas
aula de teatro. Trabalhamos
com a educação e com o pensar,
promovemos debates
para que nossos alunos tenham
consciência”, conta.
A sede do grupo – que
ministra aulas para alunos
de 9 a 17 anos de forma totalmente
gratuita – é custeada
por Silvio e sua esposa,
através do trabalho dela e
da venda de livros. Quando
o grupo precisa se deslocar,
começa uma vaquinha para
custear o transporte.
Com um acervo com mais
de 2 mil peças e uma média
de 8 espetáculos por ano, já
passaram pela porta do Galpão
mais de 3.500 crianças
de bairros carentes de Itanhaém.
“Muitas vezes o nosso
trabalho não aparece, pois
é algo desenvolvido para e
com a periferia. Teatro é coisa
séria e que pode mudar realidades”,
finaliza.
Uma morada para cultura
no coração do
Anilinas | Fruto dos anseios
do Coletivo 302, o Galpão
de Experimentos de
Artes é um espaço de congraçamento
social no coração do
Novo Anilinas. Localizado no
final do parque, ocupado anteriormente
para o desempenho
de funções burocráticas,
é fruto de uma parceria com o
64 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
Poder Público Municipal, que
concedeu a permissão de uso
de ambiente coletivo.
“O Coletivo 302 existe
desde 2014. Somos frutos
do Teatro do Kaos e
após a formação no curso
passamos a nos reunir em
espaços alternativos para
ensaiarmos e percebemos
que precisávamos de um
espaço para os ensaios e
apresentações”, enfatiza
Sander Newton, integrante
do coletivo. Atualmente no
Galpão acontece mostras de
teatro, saraus e encontros.
janela de acesso | Trabalhar
com a inclusão social é o
objetivo da ONG TAMTAM,
que por décadas ocupa o terceiro
piso do Centro Cultural
Patrícia Galvão, em um espaço
alternativo chamado Café
Teatro Rolidei.
A origem do grupo reforça
ainda mais o poder de transformação
que está atrelado
ao teatro: o projeto teve início
na extinta Casa de Saúde
Anchieta, a face santista do
horror que traduzia as clínicas
de saúde mental.
A maior parte dos alunos
possui atestado de capacitação
profissional junto
ao DRT. São profissionais e
como tal precisam evidenciar
isso nos ensaios. Em
cena, narram através de seus
corpos um mundo indigesto,
Coletivo 302 apresenta no galpão cultural de cubatão (ao lado,
foto: jade oliver) ; acima, a professora Fábiola Moraes com alunos
de Artes Cênicas na Casa3 (Crédito da foto: Eduardo Amaro)
arruinado pela ação do homem.
Fora dela, sabem perfeitamente
bem que o teatro
é a ‘janela’ de entrada para
um mundo que insiste em
lhes fechar as portas.
Hoje, 30 anos depois, longe
da Casa de Saúde Anchieta,
mas ainda fiel à origem,
não existe qualquer rótulo ou
estereótipo. O teatro é trabalhado
para pessoas com deficiência
e demais públicos.
"Naquela ocasião, dentro
de um sanatório ou aqui,
vivendo de fato a inclusão,
percebo que apenas a arte
é capaz de resgatar aqueles
que foram deixados para
trás pelo sistema", conta o
fundador Renato Di Renzo.
De mãos dadas em são
vicente | Um ambiente
democrático e colaborativo,
onde artistas das mais diversas
áreas possam desenvolver
seus projetos sem as distrações
de espaços públicos
e a preços populares: essa é
a ideia do espaço ‘Amigos da
Cultura’, em São Vicente
Instalado em um sobrado
na Avenida Capitão Luiz
Hourneaux, 507, no Jardim
Paraíso, o equipamento conta
com palco em três níveis,
biblioteca e salão de balé
no piso superior. No espaço
também são ministrados
cursos de teatro, música,
dança, técnicas de som, luz e
audiovisual. ■
Revista Terceiro Ato ■ 65

Tanah Correa:
“A preparação de um ator exige
uma experiência que só o
palco dá”
Textos: Rafaella
Martinez Vicentini
Quando recorro à minha
memória afetiva,
lembro-me que minhas tias
encenavam pequenas peças
e contações de histórias
dentro de casa. Minha mãe
também cantava óperas e
meu avó pintava e tocava
piano e violão. A maioria
das imagens que tenho
guardadas na mente são de
espetáculos teatrais, logo na
minha primeira infância.
Sempre trabalhei na
área teatral. Comecei no
teatro amador estudantil
e na vida adulta. eu
sobrevivia como técnico de
processamento de petróleo
na refinaria da Petrobras
de Cubatão. Porém, fui
demitido por motivos
políticos e perseguido pelo
DOPS (Departamento de
Ordem Política e Social),
órgão do governo cujo
objetivo era controlar
e reprimir movimentos
contrários à ditadura.
Então decidi procurar
trabalhos na área teatral
em São Paulo. Meu primeiro
emprego remunerado foi
como assistente de direção
do espetáculo ‘O Santo
Inquérito’, com produção
de Flavio Rangel e com a
Regina Duarte no elenco.
Me orgulho de ter
trabalhado com muitos
profissionais do teatro
e acredito que aprendi
muito mais do que ensinei.
Trabalhei
c o m
Umberto
Magnani,
J o ã o
Fonseca,
M a r c o
Antonio
Rodrigues,
Perfil
Renata Zhaneta e com
Plínio Marcos, além é claro,
com meus próprios filhos.
Todos, em algum momento,
fizeram teatro comigo.
Fui um dos
incentivadores da criação
da Secretaria de Cultura
enquanto estava como
assessor do gabinete de
Educação durante o governo
do prefeito Osvaldo Justo.
Uma das nossas maiores
metas foi privilegiar e
apoiar produções da Cidade.
E não somente no teatro,
como também na música,
cinema e dança. Lembro que
mais de 40 grupos estavam
em atividade naquele
tempo. Bem, falavam que
eu era muito populista. Mas,
mesmo se fosse verdade,
acredito que foi um período
positivo pois conseguimos
retomar o FESTA e vários
espetáculos daqui saíram
em turnê pelo País.
É preciso desenvolver
espetáculos de todas as
formas de atuação teatral.
Agora, o teatro começou na
rua. E ele consegue alcançar
alguém que não está com o
objetivo de assistir a uma
peça, mas que acaba se
encantando pelo enredo.
Mas reitero: é preciso olhar
para ambos com cuidados e
critérios iguais. ■
Tanah dirigindo nova versão de ‘Navalha na
Carne’ (acervo/divulgação)

Perfil
Kadu Veríssimo:
“Ator e espectador precisam
estar sob a mesma luz, a
poucos metros de distância”
Nasci em Santos, mas
morei minha vida
inteira no Guarujá. E
lembro que tinha por volta
dos 11 anos quando entrei
em contato com atividades
artísticas através da escola.
Descobri também o gosto
pelo traço. Passei a desenhar
e a escrever bastante.
Busquei estudos na área e
me formei em Artes Visuais
(Unisanta, 2009). Ao mesmo
tempo, comecei a fazer cursos
de interpretação pensando
em ser ator. Mas quis fazer
outras coisas, não parecia
suficiente. Hoje em dia, dirijo
mais do que atuo.
Acredito que, nas artes,
uma atividade complementa
a outra. E quando você está
produzindo um espetáculo.
acaba envolvido com tudo
relacionado a ele. É uma
causa que defendo nas
oficinas que ministro: o
fato de o ator ser também
o criador, um profissional
que deve participar de todo
o processo artístico. Não
não acredito mais naquilo
de ser só ator, ainda mais
se falarmos na questão
financeira. Tem que saber
fazer outras coisas para se
virar no meio artístico.
Quando ando na rua,
tudo para mim vira história
ou personagem. E gosto de
contar a história do outro,
seja ele quem for. Uma das
peças mais desafiantes foi o
'Projeto Bispo', pois aconteceu
no meio de um processo de
amadurecimento. Foram
Kadu, à esq., dirige ‘Zona!’ (Foto: Rodrigo Montaldi Morales)
um ano e dois meses de
processo, uma preparação
considerada até que bem
longa para quem faz teatro
aqui. Outro que mexeu muito
comigo foi 'Camille Claudel'.
que estreou em 2005, foram
quase dois anos de ensaio.
Esses trabalhos, que exigem
mais concentração, estudo e
um mergulho no assunto me
dão muito mais prazer.
Percebo que a presença
do público é maior quando a
peça tem um ator conhecido,
global. O teatro causa uma
dúvida nas pessoas do que
irão encontrar. Então,
quando existe este apelo
televisivo, há mais interesse.
Uma coisa que eu senti
com o 'Projeto Bispo' foi
que muita gente jovem, que
não tinha costume de ir ao
teatro, teve interesse. Rolou
um boca a boca que ajudou
na divulgação. Diziam que
era uma peça estranha. com
gente doida e acontecia no
meio da rua. Essa estranheza
chamou a atenção.
Penso que ator e
espectador precisam estar
sob a mesma luz, a poucos
metros de distância. E o legal
é o imprevisto. Se começa a
chover ou alguém desmaia,
eu não vou fingir que nada
aconteceu. Você aprende a
incorporar essas situações
inesperadas ao o que você
propõe em cena. ■
Revista Terceiro Ato ■ 67

Ambientes
Quando a Pedagogia
alcança o palco
Texto: Lincoln spada
As artes cênicas como
ferramentas pedagógicas
são tão comuns quanto
às encenações infantojuvenis
de fábulas da Disney
nos auditórios escolares.
Jogos de improviso, dramatizações
e técnicas de respiração
e expressão corporal
são algumas das atividades
do teatro que são herdadas
no dia a dia de quaisquer
colégios. Você mesmo se
lembrará de algum fato que
envolva tal fé cênica na sua
antiga sala de aula.
Na Baixada Santista, há
colégios tradicionais em
montagem de espetáculos,
como o COC Novo Mundo
(Praia Grande), o Colégio
do Carmo (Santos) e a Escola
Verde que te quero Verde
(São Vicente). Por outro
lado, também estão abertas
as portas de escolas de teatro,
como a Casa3 (Guarujá),
o Tescom (Santos) e o
Teatro do Kaos (Cubatão).
O panorama chega a universidades
santistas, como
o Gextus na Unisantos, o
TEP na Unisanta e um curso
profissionalizante de
atores no Senac. Ainda, o
Poder Público oferece cursos
livres sobre o segmento.
Em Cubatão, cabe à servidora
pública e arte-educadora
Vanessa Souza idealizar,
conceber e montar
uma sala teatral no Centro
Multimídia do Parque Anilinas,
desde 2014, para lecionar
artes cênicas gratuitamente
para crianças até
idosos - são mais de 100
alunos ao ano. Um dos legados
é a criação no núcleo
Cabras Cegas, de crianças
interpretando peças anti-
-bullying e fábulas, que circulam
na rede municipal
Crédito: Yvonne Guerin
Alan Queiroz
Você leciona teatro há quanto
tempo? E há quanto contribui
no Núcleo de Artes do PDA?
Em média, qual é a faixa etária
e quantidade de alunos ou
turmas?
Leciono teatro há 13 anos, no Palácio
das Artes (PDA) estou desde
2016. Atendemos a partir dos
14 anos, e temos alunos de várias
idades, até com mais de 70. Aliás,
temos muitos alunos da terceira
idade, acredito, que nas minhas
sete turmas, mais da metade são
idosos. Ao todo, leciono para 130
alunos, a mesma quantidade da
Selma Bosch, que também dá aulas
no PDA.
Geralmente, cursos livres têm
grupos muito heterogêneos.
Quais as razões mais comuns
que você observa para alguém
estudar teatro?
Muito heterogêneo, mesmo, em
especial no PDA os motivos divergem
pela idade. Os adolescentes
vêm com o sonho de ser
um ator famoso e global. Mas a
68 ■ Revista Terceiro Ato

Vanessa Souza com alunos na conclusão anual das suas turmas de teatro (foto: Sander Newton)
de ensino.
Já em Praia Grande, há
um núcleo de pesquisa teatral
bem no Palácio das
Artes, em que funcionários
dirigem e ensinam dezenas
de alunos via cursos livres,
em turmas para diversas
faixas etárias. Um dos responsáveis
pelo êxito do
projeto municipal, o diretor
Alan Queiroz, concedeu
entrevista abordando sobre
a trajetória dessa iniciativa
que completa 10 anos.
grande maioria vê o teatro como
uma fuga dos problemas ou como
um momento particular seu, uma
atividade para ativar o corpo ou
o cérebro. Temos pessoas que
antes de começar a fazer teatro
estavam em suas casas com depressão
e hoje passam longe de
remédios.
Nas aulas, como se dá o planejamento
do curso e como
você avalia a evolução dos
alunos?
Costumo planejar de acordo com
a turma. Tem turma que posso
exigir um pouco mais, então trabalhamos
por linguagens. Outras,
que estão “engatinhando”, trabalho
mais o processo de iniciação
com temas e, à medida que evoluem,
passo para as linguagens.
Trabalhamos muito o processo de
construção de personagens nas
mais variadas formas.
Quando alguns começam a se
destacar, são incluídos em grupos
que fazem itinerância. Já os
demais entram em cenas e espetáculos
que ficam em cartaz no
PDA. Todos em algum momento
são inseridos em espetáculos e
passam pelo palco.
Poderia descrever um momento
na classe ou comentário de um
aluno que mais lhe marcou enquanto
docente na área teatral?
Teve uma aluna que relatou que
desde que o marido faleceu, ela
se encontrava em casa deprimida,
por quase cinco anos. Aí a
vizinha dela fez a matrícula dela
no PDA e a “obrigou” a vir. Resultado
é que hoje ela faz parte
do nosso grupo itinerante, fez
turnês com a peça e passa longe
de remédios.
Revista Terceiro Ato ■ 69

Mostra estudantil do Teatro do Kaos (acima, foto de Sander Newton)
e conclusão dos alunos da EAC (abaixo, foto da EAC)
Ambientes
Década de Referência
| Por sua vez, Santos
se tornou referência
com a Escola de Artes
Cênicas Wilson Geraldo,
que já celebrou uma
década formando atores
profissionais da região
no Teatro Guarany.
“Leciono teatro há 31
anos e coordeno a EAC
desde 2015”, comenta a
artista Renata Zhaneta.
“A faixa etária predominante
é de 17 a 22 anos.
As disciplinas são: interpretação,
expressão
vocal, expressão corporal,
história e teorias do
teatro, com avaliações
teórica e prática”.
A implantação do
modelo profissionalizante
veio do saudoso
Roberto Peres, antecessor
de Renata: “Com
isso, a EAC se igualou
aos melhores cursos de
teatro da capital. Nossos
ex-alunos estão
inseridos não só no teatro,
mas também no
cinema e na dança”.
Desde 2016, a escola
está conveniada com o
Sindicato dos Artistas,
propiciando o registro
profissional de ator aos
formandos - atualmente,
há cerca de 120 alunos
com tal formação
gratuita. ■
70 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
Da Baixada para
os confins do País
Texto: Rafaella
Martinez Vicentini
Cruzar os limites da cidade
e levar a arte para os confins
do Brasil: essa é a sina
de projetos da Região que
utilizam Políticas Públicas
Culturais, tais como editais e
legislações específicas. No total,
cerca de 500 municípios
brasileiros já receberam a visita
do projeto santista Teatro
a Bordo e as apresentações
cênicas do Widia Cultural, de
Santos.
Há doze anos nas estradas,
a ‘Caixola’ de aço do
Teatro a Bordo transporta riquezas
imateriais tais como
apresentações, intervenções
artísticas e oficinas educativas
para regiões de um Brasil
que muitas vezes o próprio
Brasil desconhece.
A ideia de transformar um
contêiner comum em palco,
utilizando os mesmos recursos
cênicos dos espaços convencionais,
surgiu em 2007,
durante um curso de Gestão
Cultural que a atriz Talita
Berthi frequentou. A proposta
final do projeto era mapear
e propor soluções para
as necessidades culturais da
região. “Um dos maiores empecilhos
na Baixada Santista
é a deficiência de espaços culturais
para apresentações. O
uso de espaços alternativos é
uma opção, mas sentia falta
da qualidade técnica e dos
recursos cênicos disponíveis
nos espaços convencionais.
Não fazer a estética própria
do teatro de rua e sim levar o
teatro para a rua”.
A produtora acrescenta
que o uso do contêiner é
baseado principalmente no
fato da caixa de aço ser um
símbolo de troca. “Nessa
nova circulação, não chegamos
com o espetáculo pronto.
Conversamos e conhecemos
a população para poder
assim dar voz ao público, que
está convidado a interferir
na cena”, afirma.
Com o passar
dos anos e após visitar
mais de 400
cidades brasileiras
o projeto passou
por diversas adaptações.
“Hoje, com
o imediatismo,
precisamos pensar
em novos formatos
e em um espetáculo
mais dinâmico.
Uma coisa, no entanto, não
mudou: pelo menos metade
de quem entra na nossa tenda
nunca foi ao teatro e essa
é a magia da itinerância. Precisamos
criar plateias pelo
Brasil e reforçar a importância
da arte. Quando vamos
embora a história fica naquela
praça”, aponta o produtor
Douglas Zanovelli.
Desde 2015 a arte do teatro
a bordo anda de mãos dadas
com a sustentabilidade. O
sol, companheiro de viagens,
é hoje o responsável pela iluminação
cênica do contêiner-
-palco, a partir da instalação
de módulos fotovoltaicos.
“Aliamos passado e presente.
Nos inspiramos nas
trupes de commedia dell’arte,
que cruzaram a Europa
entre os séculos XV e XVIII
em carroças e, muitas vezes,
criavam efeitos de luz em
seus espetáculos com o sol
de mãos dadas com o público e
com a sustentabilidade
(crédito: Sandro Lopes)

refletido em espelhos. Além
disso, a equipe técnica não
precisa se preocupar com a
busca por pontos de energia
em bairros mais afastados
que visitamos. Essa é a função
da arte: apontar novos
caminhos”, pondera Douglas
Zanovelli. “Além de ser
muito inspirador contar com
a presença do sol durante
a noite, estamos utilizando
energia limpa, aliando arte
e sustentabilidade na democratização
do acesso à cultura”,
completa Talita.
Pelo tamanho do projeto,
o Teatro a Bordo funciona
à base de leis de incentivo.
“Como fazer um projeto dessa
estrutura e que seja gratuito
para a população? Ele
sempre foi um projeto pensado
para ser parte de políticas
públicas de democratização
de acesso à Cultura. A
população precisa conhecer
os benefícios da legislação e
também a rigidez dela. Para
ser aprovado e executado, o
projeto passa pela mão de
muita gente e há diversas
prestações de contas, tanto
para o Governo quanto para
Ambientes
o patrocinador. E qualquer
pessoa pode acompanhar
esse caminho que o dinheiro
público faz nas plataformas
digitais”, destaca Talita.
A mesma ideia é defendida
pelo diretor Platão Capurro
Filho, que já circulou por
mais de 50 cidades do Estado
amparado pelos editais
do ProAC – Programa de
projeto Teatro a Bordo leva
artes às cidades (Fotos de
Rodrigo Montaldi Morales e
sandro lopes)
72 ■ Revista Terceiro Ato

Ambientes
Ação Cultural do Estado
de São Paulo. Ele
acredita, no entanto,
que as oportunidades
estão sendo limitadas.
“A verba disponibilizada
não comporta a
demanda de projetos
inscritos. Estamos
acompanhando uma
queda significativa no
número de projetos
aprovados e a junção
de várias categorias distintas
em um mesmo edital. Isso
está dificultando o trabalho
dos artistas”, conta.
Dentre os aspectos positivos,
Platão reforça a importância
de ‘estar onde
o público está’ – e onde a
arte geralmente não chega.
“Sempre procuro levar os espetáculos
para regiões com
baixo IDH, com população
menor que cinco mil habitantes
e preferencialmente
em zonas rurais. A presença
do teatro é algo que impacta
diretamente na vida dessas
pessoas”, afirma.
Desafios | Para possibilitar
a itinerância dos projetos,
cada mecanismo tem suas
contrapartidas e suas próprias
formas de execução.
Enquanto a Lei de Incentivo
à Cultura funciona via renúncia
fiscal – onde pessoas
comuns e empresas podem
abater o valor destinado do
Imposto de Renda -, o ProAC
projeto ‘Meu quintal é maior
do que o mundo’ circulou por
cidades do estado; abaixo, o
diretor platão capurro filho
(fotos de Rodrigo Montaldi)
possui duas possibilidades:
editais específicos ou ICMS,
que também funciona com
incentivos fiscais.
Platão acredita que o principal
desafio após a aprovação
é a conciliação das agendas
com as Secretarias Municipais
e os atores envolvidos,
situações naturais dentro de
projetos itinerantes.
Já Talita destaca a importância
de aliar as expectativas
do projeto com os
anseios dos patrocinadores.
“Entendemos que há um tripé:
Lei, Artista e Empresa. O
patrocinador na maior parte
das vezes tem o desejo de
atuar nos espaços onde está
inserido e dentro desse cenário
buscamos a interlocução
para ir onde geralmente a
arte não chega”, finaliza. ■
Revista Terceiro Ato ■ 73

Perfil
Visitando
o Senhor
Mamberti
Texto: Lincoln Spada
Foto: Raphael Montanaro
A
vizinhança em Santos felicitou
extraordinariamente a amizade
entre uma mulher de mais de
50 anos e um adolescente de 14, 15
no mais tardar. Era o ano de 1954.
“Todo mundo falava que ela era
comunista, porque tinha sido presa
no período da ditadura [de Vargas].
E aquela mulher estranha de
repente apareceu no Clube de Cinema
de Santos, e nos tornamos amigos.
Todo dia que ela ia para o cineclube,
passava em casa para me
buscar”, detalha Sérgio Mamberti
sobre as suas primeiras impressões
de Patrícia Galvão. “Sim, a Pagu foi
minha amiga de infância”.
O relato foi à Leda Nagle no último
setembro, onde abordou sobre
o seu ingresso ao mundo das artes
ao lado do saudoso irmão mais
novo, Cláudio Mamberti (1940-
2001), ator de cinema, teatro e TV.
Filho de um agitador cultural e uma
educadora, Sérgio passou a infância
sendo cativado pelas peças de
Procópio Ferreira, no clube dirigido
por seu pai na Cidade. Cresceu

Perfil
com Bibi Ferreira, Cacilda
Becker, Cleyde Yáconis e
uma geração de grandes nomes
do teatro. Na vida, já se
encontrou com Jean Genet e
os filósofos Jean-Paul Sartre
e Simone de Beauvoir. Mas
confessa que o seu repertório
cultural foi com Monteiro
Lobato, ainda na primeira
infância. “Fui formado no
‘Sítio do Pica-Pau Amarelo’,
que vejo como formação nobre”,
diz à apresentadora.
Daí o seu encanto diante
do papel de um bruxo de três
mil anos: o Victor Astrobaldo
Stradivarius Victorius, o Tio
Victor do célebre ‘Castelo Rá-
-Tim-Bum’.
O programa infantil da TV
Cultura teve estreia em 1994
e já foi exibido em 16 países
da América Latina, a maior
parte via canal Nickelodeon,
rendendo prêmios até em
Nova York. “Foi o meu maior
legado, porque pegou gerações.
É um coisa, assim, das
pessoas me encontrarem e
chorarem: ‘Você faz parte da
minha vida, da minha infância.
Se sou quem sou hoje, é
por sua causa’”.
Sérgio se comove na entrevista.
“Isto é a coisa mais
importante, porque acho que
aí a gente cumpre esse papel,
essa função social do ator”,
enfatizando que o programa
educativo primava pela
formação de cidadãos. Ator
profissional desde 1962 com
‘Antígone América’, reúne
mais de 80 peças, 50 filmes
e 30 telenovelas em sua trajetória,
Sérgio teve outros
personagens marcantes.
Principalmente na TV, desde
que estreou em ‘Brilhante’
no Grupo Globo (1981) como
Galeno Sampaio. Em ‘Vale
Tudo’, foi Eugênio (1988) e
mais recentemente, em ‘Sol
Nascente’, interpretou Manfredo
(2016). Até está em
cartaz na Netflix, como Matheus
na série ‘3%’ (2016).
O diplomata da Cultura
| “E o que é cultura?
Tem uma coisa nos faz como
Com Emilio Orciollo Netto na novela ‘Sol
Nascente’ | Crédito da Foto: Grupo Globo
brasileiros, que é justamente
o cultivar dessa riqueza
das etnias que contribuíram
para a nossa identidade
múltipla. Então, o brasileiro
acolhe quem vem do exterior
e logo a pessoa também
se sente brasileira nessa comunicação
muito cordial.
Sim, a gente tem uma barra
pesada na nossa história,
no tempo colonial, a gente
sabe que tem uma herança
da escravatura que ainda
está muito presente. Mas,
há uma cordialidade, uma
alegria que não se encontra
noutros países”.
Se o sonho de sua família
era que fosse diplomata, Sér-
Revista Terceiro Ato ■ 75

Perfil
gio desempenhou esse papel
a partir da Era Lula. Até o
impeachment de Dilma, foi
titular da secretaria nacional
de Música e Artes Cênicas, a
da Identidade e da Diversidade
Cultural, a de Políticas
Culturais e presidiu a Fundação
Nacional das Artes. Na
Funarte, foi responsável pela
itinerância da entidade pelo
Brasil, alcançando a descentralização
de representações
em quatro das cinco regiões
- exceto o Sul brasileiro.
Já no Ministério da Cultura,
chefiou missões em prol
do intercâmbio cultural com
Com Zé Celso Martinez durante Prêmio Arcanjo de Cultura no
Theatro Municipal de SP (Foto acima: Edson Lopes Jr.) e durante
sessão de ‘O Ovo de Ouro’ (Foto abaixo: Leekyung Kim)
a América Latina - “existe
uma coesão muito nítida do
continente” -, e participou de
todas as reuniões relativas à
proteção e conservação do
patrimônio natural e cultural
realizadas pela Unesco. “Fiquei
seis anos cuidando de
políticas para os povos indígenas.
Não sabia que o Brasil
tinha 227 etnias e 180 línguas
falantes. Depois do meu
trabalho, mais de 100 etnias
foram apresentadas [ao Ministério
da Cultura]”.
O artista e político ressaltou
em entrevista à Carta
Capital, em julho de 2019:
“Fizemos quatro grandes
conferências nacionais, onde
foi criado o Sistema Nacional
de Cultura, e o fomento passou
a ser uma questão fundamental.
Todo um processo
de um SUS da Cultura, tudo
isso está sendo desmontado”.
Como futuro, desafia
que o atual governo retome
as discussões do projeto Pro-
Cultura, estagnado no Congresso
Federal.
Frente contra o desmonte
| “Existe uma política
de extermínio cultural,
de fazer como que a cultura
perca seu papel de agente
transformador, sendo que há
um desmonte sistemático de
todas as conquistas dos últimos
anos”, denuncia o diretor
teatral.
76 ■ Revista Terceiro Ato

O Pós-MinC
Entre maio de 2016 a fevereiro
de 2020, a ex-global Regina
Duarte é o 9º nome entre ministros
e secretários nacionais
de Cultura. Ela sucede Roberto
Alvim, que não durou três
messes no cargo após rápida
ascensão hostilizando publicamente
Fernanda Montenegro,
entre outros artistas. A queda
se deu devido à pressão da
Confederação Israelita, quando
em vídeo institucional, o
ex-secretário fez um discurso
que emulava o nazismo.
“Emular a visão do ministro da
propaganda nazista de Hitler,
Joseph Goebbels, é um sinal
assustador da sua visão de
cultura, que deve ser combatida
e contida”, disse em nota
a entidade. “Uma pessoa com
esse pensamento não pode comandar
a cultura do nosso país
e deve ser afastada do cargo
imediatamente”. Autoridades
do Judiciário e Legislativo estiveram
do mesmo lado da Embaixada
da Alemanha no Brasil:
todos repudiaram a fala que copia
o discurso nazista.
Em menos de um ano, o ministério
foi transferido como braço
do Ministério da Cidadania e
até à época de Alvim, encontrava-se
subordinado ao Ministério
do Turismo, onde o titular
da pasta, Marcelo Álvaro Antônio,
é alvo de investigações em
relação a um eventual laranjal
mineiro do PSL, durante as
eleições de 2018. Na primeira
pasta, a Lei Rouanet foi atualizada
com mais contrapartidas
sociais, embora barrando o
segmento de musicais com o
teto de valores. Mas, em vista
da rede de equipamentos públicos
culturais e as próprias
produções financiadas via Lei
Rouanet terem apelo turístico,
até então a secretaria se configura
ao atual tal órgão.
Como o personagem Tio Victor do clássico programa infantil
‘Castelo Rá-Tim-Bum’ | Crédito da Foto: TV Cultura/Divulgação
Aos 80 anos, o artista não vê
de modo pessimista o futuro
da cultura, embora tenha
perdido prestígio, status ministerial
e várias produções e
artistas tenham sido alvo de
censuras e boicotes em eventos
pelo país.
“A cultura já começou a
ir para as ruas, mas concordo
que tem que avançar mais
(...). Acho que a cultura tem
de assumir essa liderança, e
tem de estar com a classe trabalhadora.
Precisamos olhar
para trás e aprender um pouquinho.
Os estudantes foram
fundamentais (na resistência
à ditadura civil-militar).
E temos os movimentos do
campo, como o MST que é
revolucionário, e o MTST.
Falta juntar tudo isso. Acho
que os elementos estão aí. A
cultura é o elemento aglutinador
desse processo”.
Para a Carta Capital, Sérgio
complementou da tendência
de um desmonte das
políticas culturais desde a
gestão Temer (2016). “Não
acredito que essa tempestade
vai durar muito tempo”,
prevê o santista em conversa
com o jornalista político Bob
Fernandes, em maio de 2019.
O seu anseio era o da retomada
das políticas culturais,
Revista Terceiro Ato ■ 77

Perfil
em especial, a substituição da
Lei Rouanet pelo ProCultura.
“Que procurava contornar
determinadas distorções, que
consideravam fundamentais
para a gente combater, que
era a concentração [de verbas]
no Sudeste”.
No novo programa, “metade
da Lei Rouanet seria
utilizado para editais diretos
(...), e a outra metade as pessoas
podiam utilizar o mesmo
mecanismo atual, mas
com uma pontuação”. A depender
dos critérios de acessibilidade
e contrapartidas,
“a empresa não precisaria
investir nenhum percentual,
ou além de ter o subsídio [renúncia
fiscal], ela teria que
fazer também uma inversão,
utilizando de recursos diretos
[privados]”.
Livro, mostra e espetáculos
| Se não há o que comemorar
na conjuntura política
atual, Mamberti festeja
os seus 80 anos nos palcos.
Na Baixada Santista, foi Herodes
na 51ª Paixão de Cristo
de Cubatão. Na China, interpretou
Sr. Green, no clássico
“Visitando Sr. Green”,
em cartaz há cinco anos sob
a direção de Cássio Scapin,
amigo desde os tempos da
TV Cultura. “Meu personagem
é um velho judeu, que a
mulher morreu e está muito
solitário. Ele vai atravessar a
rua e é quase atropelado por
um jovem executivo, que é
obrigado a prestar serviços
comunitários e vem visitá-lo
sempre às quintas-feiras”,
comenta à Regina Volpato
durante junho de 2019, no
Programa Mulheres.
Ainda, em dezembro estreou
‘O Ovo de Ouro’, sobre
um sobrevivente do campo
de concentração, que relata,
já na velhice a uma repórter,
que participou da cruel função
do Sonderkommando
- grupo de prisioneiros que
trabalhavam nas câmaras
de gás e nos crematórios. A
peça tem direção de Ricardo
Grasson e texto de Lucas
Papp. Nas artes plásticas, reviu
sua memórias na exposição
‘Comandante Mamberti’,
idealizada por Regina Boni.
Também
em breve, o
artista, que
concebeu
uma instalação
no
paulistano
restaurante
Ritz e tem
uma estrela
na Calçada
da Fama
do santista
Cine Roxy,
lançará
sua autobiografia
pela Editora
Sesc, escrita em parceria
com Dirceu Alves.
Nos palcos, o homenageado
com a Ordem de Mérito
Cultural já colecionou
os prêmios Saci (1964), Governador
do Estado de São
Paulo (1969, 1975), Molière
(1975), APCA (1975, 1989),
Mambembe (1995), Sharp
(1995), Lumière (1998), entre
outros. Graduado na Escola
de Arte Dramática da
USP (1961), destaca-se no
teatro com ‘O Balcão’ (1969),
‘Réveillon’ (1975) e ‘Pérola’
(1995). “O teatro se mantém
há mais de dois mil anos porque
não há nada que substitua
essa relação. Não há
Internet, não há tela. É respiração
com respiração. E é
isso que faz do teatro uma
experiência maravilha”. ■
Com Rodrigo Lombardi na peça ‘Um Panorama
visto da ponte’ | Crédito da foto: Alê Catam
78 ■ Revista Terceiro Ato

Diário Cênico
14 de março de 1886
Palco dos Boêmios Libertários
Textos: Lincoln Spada
Foto: FAMS/Divulgação
A
data foi celebrada por
duas mil pessoas no Teatro
Guarany, em vista que
o presidente da Câmara de
Santos, major Joaquim Xavier
Pinheiro, fundou uma
sociedade para comprar escravos
santistas e lhes dar
a alforria nos palcos. Uma
dezena foi liberta nessa
noite, em uma época que já
estavam livres os idosos e
recém-nascidos. Santos era
um município distinto: metade
dos 6 mil habitantes
eram negros; não à toa a cidade
mantinha quilombos,
como o de Quintino de Lacerda,
no Jabaquara, e o de
Pai Felipe, na Vila Mathias.
De acordo com pesquisas
acadêmicas e históricas,
há três versões para a eclosão
de movimentos contra a
escravização de negros entre
as classes mais abastadas.
Alguns indicam um legítimo
anseio de uma geração de jovens
intelectuais pela liberdade
de todos os cidadãos,
outros de que a elite preferia
o embranquecimento demográfico
com a futura vinda
de mão-de-obra europeia
para o país marginalizando
os ex-escravos. Há ainda
quem anote nos quilombos
locais uma forma de apropriação
da elite que colaboraria
aos quilombos em
troca de serviços domésticos
dos supostos beneficiados.
Fato é que ao passar dos
anos, as páginas de jornais
amarelaram convencionando
os movimentos abolicionistas
da Cidade como
representações do mais alto
quilate cívico, afinal, por se
oporem à maior tragédia do
passado nacional. Em 1881,
o mais famoso e descentralizado
coletivo ganhou as ruas
de Santos, a Bohemia Abolicionista.
As reuniões diárias
eram nos bancos dos jardins
ou numa residência na Praça
Rui Barbosa.
O movimento reunia o
ex-marinheiro Eugênio Wansuit
e o advogado Rubim
César, ambos os mais eloquentes
oradores entre os
pares. O motim ideológico
também vinha na forma de
15 jornais, manuscritos ou
folhetins, como O Embrião,
O Porvir e O Pirata. De tons
panfletários, os textos mais
ilustres pertenceram ao poeta
Vicente de Carvalho. A
dramaturgia se fez presente
nos textos de José Sacramento
Macuco, que dá
nome ao bairro santista.
Em 1884, registra-se que
o autor encenou ‘A Sombra
da Cabana’, onde toda a bilheteria
arrecadada financiou
a libertação de um escravo.
Segundo Francisco Martins
dos Santos, em 1939, “a carta
de liberdade foi entregue ao
pobre homem em cena aberta,
no Teatro Guarany, e nessa
ocasião, enquanto Sacramento
Macuco e os rapazes
abolicionistas recebiam delirante
ovação, o dr. Rubim
Cesar pronunciava uma das
suas mais belas [...] e violentas
orações”.
Ao lado da Câmara de
Santos, então na Cadeia Velha,
o Guarany também era
palco da libertação de escravos
por outros coletivos,
associações e grupos locais.
No mesmo ano, durante palestras
sobre a abolição e a
república, outra dezena de
homens e mulheres ganhou
a liberdade. E, durante toda
a década, o mesmo teatro
seria testemunha privilegiada
de alforrias e campanhas
contra a escravização na Cidade.
■
Revista Terceiro Ato ■ 79

A
Aids assusta moradores
da fictícia ilha de
Tanga, homônima ao único
filme (de 1987) dirigido por
Henrique de Souza Filho, o
Henfil. Ele lutara contra a
hemofilia, a ditadura, porém,
rendia-se, junto aos
dois irmãos, Chico e Herbert
(Betinho), à infecção do HIV
através de uma transfusão
de sangue. Nesta campanha
pela vida, os irmãos foram
os pioneiros a conseguir
a liberação da importação
do antiviral AZT e receber
apoio financeiro de artistas
de todo o Brasil.
A extinta Federação Santista
de Teatro Amador, então
capitaneada por Nanci
Alonso, também se organizava
para lhe enviar verbas.
O então secretário de
Cultura Tanah Corrêa e os
diretores teatrais Domingos
Fuschini, Toninho Dantas e
Paulo César Pereio engrossavam
o coro de atores que
encenavam ‘Henfil - A Relativa
Revista’, com personagens
clássicos do cartunista.
Não vieram boas notícias da
capital paulista: Henfil faleceu
antes da estreia.
Em 13 de fevereiro, em
Cubatão, a resposta não
tardou como homenagem
póstuma. O tema voltava a
ser discutido em encontros
da classe artística no Teatro
Diário Cênico
13 de fevereiro de 1988
Solidariedade
em Revista
Municipal Braz Cubas. O
movimento compreendeu a
necessidade de um trabalho
permanente de conscientização.
Criava-se o Grupo de
Apoio e Prevenção à Aids
na Baixada Santista (Gapa/
BS), do qual é presidido até
hoje por Nanci.
A montagem encenada
pelo amigo Gilson de Melo
Barros (TEP/Unisanta) seguiu
em cartaz por dois
anos. Toda a verba obtida
pelo TEP financiava o Gapa/
BS: premiações e cachês
desse espetáculo, como das
intervenções urbanas e de
uma peça infantil ‘A Princesa
Aurora’. Esta última trata-se
de uma menina enferma
que vivia isolada em seu
reino. Aos moldes de uma
fábula, as crianças aprendiam
a importância da inclusão
nas escolas.
As campanhas preventivas
ganharam a mídia e
contavam com a colaboração
de mais de 100 voluntários,
como os atores Alexandre
Borges, Ney Latorraca,
Sérgio Mamberti. Cartazes,
partidas de futebol, venda
de produtos foram alguns
projetos realizados para subsidiar
a casa do Gapa/BS. O
teatro também apadrinhou
a luta contra a Aids em duas
oportunidades a se destacar.
Nos anos 90, havia até
gincana de arrecadação em
prol à ONG durante o Festival
Santista de Teatro. Nos
últimos anos, cabe ao Fescete
- Festival de Cenas Teatrais
realizar uma campanha
de alimentos enlatados a
serem doados pelos teatros
da Cidade durante o evento
para a entidade. O Gapa/BS
atende atualmente mais de
400 famílias, 70 crianças -
estas, em situação de vulnerabilidade
social ou órfãs de
familiares com Aids - e distribui
65 cestas básicas para
famílias cadastradas. ■
Acervo: Gilson de Melo Barros
80 ■ Revista Terceiro Ato

Diário Cênico
7 de setembro de 2001
Liberdade sem Ruas
Zéllus Machado Plínio Marcos Maria Tornatore
Mais de 600 quilos de alimentos
não-perecíveis se
acumulavam no Centro Cultural
Patrícia Galvão em 7 de setembro
de 2001. O feriado nacional
marcava também a estreia do
espetáculo ‘Homens de Papel’,
ovacionado no teatro local por
reunir na ribalta 11 pessoas em
situação de rua. As cortinas de
invisibilidade se desfaziam a
cada cena sob a direção de Maria
Tornatore e a coordenação
de Zéllus Machado.
Há três décadas de diferença
de sua concepção, a nova
versão de ‘Homens de Papel’
continuava contemporânea. Os
catadores de papel existiam e
ainda persistem como personagens
urbanos mostrando sobre
a marginalização social em que
vivemos e notamos - ou evitamos
notar - em nosso dia a dia.
Num contexto de miséria perene
de migrantes que vão da roça
até os arranhas-céus, os personagens
enfrentam seus vícios e
seus traumas à medida que se
revoltam contra o Berrão. Este,
um patrão que a dureza capitalista
não permite valores nobres
de justiça ou solidariedade.
Plínio Marcos se consagrou
como autor das vozes de
uma parcela urbana que vive
silenciada até os dias atuais.
A prostituta e o cafetão, o viciado
e o detento são alguns
dos anônimos que só chegaram
aos palcos nas versões
do dramaturgo que observou
tão bem as noites e as manhãs
do Centro de Santos. À época,
a montagem também era uma
homenagem póstuma que a
Prefeitura organizava ao artista,
falecido em 1999. Por sua
vez, Zéllus morreu em 2012.
Anos mais tarde, em entrevista
ao CulturalMente Santista
(site de André Azenha), Zéllus
explicou a iniciativa. “Falei para
o [secretário de Cultura] Carlos
Pinto. Sempre meus projetos
com ele são aprovados. Plínio
Marcos na veia. Fui à Pastoral do
Valongo, falar com os caras”, em
proposta que reuniu também a
então Secretaria de Assistência
Social (Seas) e o Fundo Social
de Solidariedade. A peça findava
ao som da X-9 santista, ‘Quando
você ouvir a melodia...’.
A viúva de Plínio, Vera Artaxo,
chorou na estreia relacionando
a atuação do elenco à
mensagem principal do autor:
“que todo o ser humano tem um
cantinho no coração, por mais
que ele tenha sofrido e endurecido,
que é um cantinho extremamente
sensível que basta a
gente saber tocar”. O sucesso
da temporada deu sequência
em ‘Mancha Roxa’, projeto que
Zéllus convidou Dino Menezes
para direção atrás de elenco formado
inicialmente por mulheres
em situação de prostituição.
Já Maria Tornatore seria lembrada
pelo espetáculo mais de
uma década depois. Em 2013,
a Secult e a Seas a convidaram
para o projeto ‘Se essa rua fosse
deles...’, para coordenar oficinas
de canto (Diego Spósito),
percussão (com Márcio Barreto)
e teatro (Cícera Carmo) para
população em situação de rua
atendida no Centro Pop, resultando
numa temporada de cenas
e rodas de partilha.
Coliseu, Sesc Santos e Tescom
receberam as sessões da
iniciativa no ano seguinte, durante
mostra que revisitava os
15 anos do adeus de Plínio. “A
arte realmente transforma. E o
resultado serão instalações cênicas,
onde cada um interpretará
suas lembranças para o
público”, disse Maria à época.
“Se resgatarmos uma pessoa,
já valerá a pena”. ■
Revista Terceiro Ato ■ 81
Créditos das fotos: Adilson Félix
(esq.), Prefeitura de Santos (cto.) e
Canal Oito de Dança (Dir.)

Crédito da Foto: Maycon Soldan
Um celular, um crachá, um
desodorante, um DVD,
um gorro, uma parafina, uma
pistola de plástico, um simulacro
de tonfa, duas máscaras
de cão, duas máscaras de rato,
onze cartazes, utensílios domésticos
e crânios de plástico.
O conteúdo era parte da cenografia
de ‘Blitz - O Império
que nunca dorme’, montagem
contemplada pelo Governo
Estadual e que teve sessão
censurada pelo Governo Estadual
em 2016.
O boletim de ocorrência de
30 de outubro ainda elencava
um teste negativo para um
pó branco - provavelmente
sal - que, num copo de plástico,
simulava ser entorpecente
numa esquete, além de duas
bandeiras, a do Brasil e a de
São Paulo. Por estarem hasteadas
de cabeça para baixo,
com os esqueletos nas pontas,
foi a alegação escolhida pela
Polícia Militar para interromper
a peça em plena tarde de
um domingo ocioso na Praça
dos Andradas, a mini-Roosevelt
por ser rodeada de espaços
culturais.
A sessão foi às 18 horas,
mas o boletim no Palácio da
Polícia a quatro quadras de
distância foi concluído quase
às 23. No ínterim, o diretor
teatral da Trupe Olho da Rua,
Caio Martinez Pacheco, foi algemado
e levado à delegacia.
Do lado de fora, artistas e militantes,
advogados e jornalistas
faziam vigília à medida que
circulavam mensagens nas redes
sociais sobre a detenção
do membro do Conselho de
Cultura da Cidade e da Cooperativa
Paulista de Teatro.
‘Blitz’ foi concebida como
sátira sobre o histórico de repressão
do Estado, a militarização
da vida, o fetiche da
violência e a mídia - principalmente
de telejornais policialescos
da TV aberta. Raro não
ter risadas no decorrer das cenas,
menos ainda a interação.
Ainda mais, quando teatro-
-denúncia há reflexões desde
o mundo cão dos policiais até
chacinas por São Paulo e os
Crimes de Maio de 2006.
A censura dominical aderiu
à agenda pública nos dias
seguintes. A ouvidoria da PM,
o Gregório Duvivier, os secretários
de cultura, o Jean
Diário Cênico
30 de outubro de 2016
Bandeiras
contra a
Censura
Wyllys, a TV Cultura e os deputados
estaduais se dividiam
sobre a posição da ação policial
contra o teatro de rua.
A fala mais notória veio do
próprio governador à época,
Geraldo Alckmin, em 1º de
novembro: “Claro que a atitude
deles [atores] foi de muito
mau gosto. (...) Agora, liberdade
de expressão é liberdade de
expressão. Goste ou não goste,
é um direito das pessoas”.
Infelizmente a sessão não
se tornou excepcional anos
seguintes - desde então, é
cada vez mais comum ver
desde prefeito mandar lacrar
gibis até série da Netflix ser
censurada por juiz. Para reflexão
nos tempos atuais, com
a palavra, o próprio Caio um
dia após a fala do governador:
“Gostaríamos muito de dar
oportunidade dialética [com
a PM], para poder fazer um
debate público, onde colocassem
os agentes públicos em
um lugar que eles tivessem
que respeitar a expressão artística
e discordar dela, como
qualquer cidadão pode fazer,
sem se achar no direito de impedir
que ela aconteça”. ■
82 ■ Revista Terceiro Ato

CORTINAS CERRADAS
Crédito da foto: Sérgio Silva
Aquele feixe de luz que
os holofotes iluminam,
versam sobre a Arte
acendida atravessadamente
pela inspiração e exame dos
cenários políticos, sociais e
do dia a dia. Os escritores,
cineastas, diretores, artistas,
musicistas, dançantes
e andantes produzem para
“movimentar” nosso senso
crítico e emocional.
O que ocorre com nosso
Brasil e no nosso Brasil,
definitivamente não são os
holofotes da vida dos nossos
artistas da Baixada Santista,
não são o centro de tudo! A
luz interior destes que revelam
muito mais do que 100
holofotes e são totalidade.
Enquanto rotina, a Vida
é mesmo o clichê do Teatro
sem ensaio, e nós, reles mortais,
vamos reproduzindo
continuadamente as mesmas
cenas sem nos darmos
conta.
Será que estamos fazendo
o melhor roteiro possível
de nós mesmos e dos nossos
atos? Será nossa existência
apenas uma experiência
para o fim?
Luzes apagam-se e
cortinas abaixam-se ou
fecham-se. Penso que não
morremos quando a morte
se dá; ao menos não os
artistas e os que lutam,
pois estes deixam o legado
de si para a eternidade
afrontando a demolição
das instituições culturais,
incomodando nosso ser
para ação, promovendo a
arte brasileira e provocando
o debate.
Nossas peças, caráter e
ações continuam em cartaz
por muito tempo. Obrigada
a todos vocês e façam valer
sempre cada segundo. ■
Texto: Nina Gagli
Revista Terceiro Ato ■ 83

A Revista Terceiro Ato é uma publicação jornalística independente contemplada
pelo 7º Concurso de Apoio a Projetos Culturais Independentes de Santos.
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Programa de Apoio Cultural
Facult 2017
Crédito da foto: Eduardo Amaro