Revista Curinga Edição 07

Curinga
Revista laboratório | Jornalismo | UFOP | Agosto de 2013 | Ano III | nº7
Edicao especial musica ’ ˆ
muito
barulho
por
tudo!
Direitos autorais
a
’
Musica negra a Lenine

Curinga
Expediente
Curinga é uma publicação da disciplina Laboratório Impresso II
Revista produzida pelos alunos do curso de Jornalismo da Ufop.
Instituto de Ciências Sociais Aplicadas (ICSA)
Departamento de Ciências Sociais, Jornalismo e Serviço Social (DECSO)
Universidade Federal de Ouro Preto.
Professores Responsáveis:
Frederico Tavares - 11311/MG (Reportagem)
Priscila Borges (Planejamento Visual)
Ana Carolina Lima Santos (Fotografia)
Editora geral
Gersica Moraes
Subeditora
Jéssica Romero
Editora fotográfica
Nara Bretas
Editora de arte
Caroline França
Subeditora de Arte
Rayana Almeida
Editor digital
Rolder Wangler
Editores e revisores
Ana Paula Rodarte, Kleiton Borges, Lorena Costa, Mariana Mendes, Paulo
Victor Fanaia, Rafaela Buscacio, Tamara Martins
Repórteres
Adriana Souza, Filipe Barboza, Isadora Bruzzi, Jéssica Clifton, Joyce
Afonso, Patrícia Botaro, Rodrigo Pucci
Infografistas
Alexandre Anastácio, César Raydan
Diagramadores
Ana Luiza Batista, Arthur Gomes da Rosa, Bárbara Costa, Ester Louback,
Isadora Rabello, Lívia Almeida, Luís Fernando Bráulio, Patrícia Souza
Fotógrafos
Ana Luísa Rodrigues, Ana Malaco, Bárbara Zdanowsky, Bruna Silveira,
Isadora Faria, Laura Ralola, Núbia Cunha, Ramon Cotta
Produtores digitais
Fábio Brito, Isabela Azi, Paula Peçanha
Foto capa
Isadora Faria
Endereço: Rua do Catete 166, Centro, CEP 35420-000, Mariana-MG
Tiragem: 1.500 exemplares
Setembro 2013
Cartas do leitor
Para comentar as matérias ou sugerir pautas para nossa próxima edição,
envie e-mail para
revistacuringa@icsa.ufop.br
Errata: Na edição passada publicamos na editoria “Perfil” a história de Marta, Mãe
de Santo de um terreiro de Umbanda em Marianam, Minas Gerais. O nome do terreiro
é “Mãe Maria de Aruanda” e não “Mãe Maria de Luanda”, como publicamos.
Pedimos desculpas pela falha.

Editorial
O som que escreve
Texto: Gersica Moraes e Jéssica Romero
Edição gráfica: Rayana Almeida
“Minha música quer ser
De categoria nenhuma
Minha música quer
Só ser música
Minha música
Não quer pouco...”
Minha música - Adriana Calcanhotto
Entre reportagens, fotos e palavras contadas para
caber na página, um simples editorial talvez tenha
sido o mais difícil de construir nessa edição temática da
Curinga. O tema? Música! As dificuldades? Falar dela
nos desapegando de todos os clichês, metáforas, trocadilhos
e imaginários tão particulares ao seu significado. Mesmo
assim seguimos, tendo cada vez mais dúvidas do que respostas.
Será que isso não é óbvio? Será que moda tem a ver com
música? Será que isso interessa? A mistura de provocações que
esse tema causou nos trouxe até uma revista que expressa bem
o que música é: algo essencialmente diverso. E talvez esteja aí a
raiz de nossos questionamentos. Se música é e pode ser tanta
coisa, como explicar na apresentação da revista, assim, em poucas
palavras, para nós, o que ela é?
Aqui descobrimos que música vende, cura, desperta sentimentos,
vira hino de protesto, faz transcender, dita moda
e faz dançar. Ela, que nasce da arte que só os músicos entendem,
da linguagem de partituras, notas e sinfonias,
se transforma em várias. Chega até nossos ouvidos
através do rádio, do som alto do vizinho, das trilhas
do cinema, da voz baixinha de alguém cantando e
até mesmo de nossos momentos de silêncio.
A sétima edição da Curinga fala sobre política,
saúde, história, moda, esoterismo... Tudo isso
entrelaçado à música, essa arte que também é
ferramenta de mobilização social e manifesto
contra opressões vividas em diferentes épocas
e sociedades.
O mesmo som que possui letras políticas,
até pra quem não entende um determinado
idioma, ganha um novo significado e
provoca emoções que vão além das barreiras
linguísticas. Ritmo que instiga o corpo e
desperta várias sensações através da mente.
Música também pode ser uma forma de ligação
da nossa alma com outros mundos, uma
ligação mística...
Ao mesmo tempo em que a música parte
de uma sequência de notas para se formar, o
jornalismo parte das palavras para expressar um
todo de ideias, opiniões e informações. Ambos
podem caminhar lado a lado com igual pretensão:
despertar algo em quem ouve e em quem lê.

ˆ
comporta
gritos
( en)
Cantados
perfil: mi
papo ret
'
- INFOGRAFICO: MUSICA NEGRA
- opiniao: ˆ Rap na palestina
- plural: barreiras linguisticas '
- retalhos: lembrancas - gospel
'
- musicoterapia

- contemporaneo: ˜ direitos autorais
- Entrevista: Lenine
- Ensaio: grunge e moda
mento: musica ' e misticismo -
lton sanfoneiro -
o: barbatuques -
como localizar as paginas? '
Como os números, as contagens e (por que não?) a matemática, também fazem parte do universo musical. A
Curinga, nesta edição, transforma a numeração de suas páginas e traz na partitura a inspiração para compor uma
diferente linguagem numeral.
Nossa contagem obedece a uma lógica na qual a cada cinco páginas, modifica-se o símbolo numérico. Uma
progressão que varia entre bolas vazias, cheias, riscadas, até a formação de notações musicais. O número correspondente
à página está preenchido de preto e obedece a ordem da posição das bolas. Por exemplo, na página 1 pinta-se
a primeira bola, já na 2, é a segunda bola que aparece preenchida. Passando da página cinco para a seis, muda-se o
símbolo, ou seja, a contagem volta para a primeira bola, entretanto, esta com uma aparência diferente, mostrando
que ali alterou-se a ordem de contagem. E assim por diante...
Entenda a páginação:

Entrevista

Texto: Joyce Afonso
Edição Gráfica: Ester Louback
Fotos: Laura Ralola
Oswaldo Lenine Macedo Pimentel, ou Lenine, chamado assim por conta de uma
homenagem do pai socialista ao líder soviético, nasceu em Recife no dia 2 de fevereiro
de 1959. Há 30 anos, tem a música encarnada em si como profissão. O artista tem dez
discos lançados, já ganhou cinco prêmios Grammy Latino e percorreu muito chão
por aí. “Chão”, por sinal, é o nome do último álbum do cantor, lançado em março do
ano passado. Apesar de ser autoridade no assunto, quando informado de que esta
conversa seria sobre música, Lenine se assustou e disse: “Cara, mas eu não sou a
pessoa mais indicada para falar de música não!” Não é o que mostra a entrevista a
seguir, realizada durante o Festival Natura Musical, em Belo Horizonte, no último mês
de agosto.

Curinga: A diversidade musical está
presente na vida, as pessoas ouvem música
porque querem. O leque musical faz com
que ela chegue a gente dos mais diversos
gostos, às vezes de maneira profunda.
Como você enxerga essa relação íntima dos
indivíduos com a música, sendo que essas
pessoas, muitas vezes, não estão ligadas a
ela profissionalmente?
Lenine: Ah, boa! Porque independe do fato de
você se profissionalizar ou não. Agora, condição
sine qua non para isso acontecer ou não é o
fato de você ter musicalidade. O brasileiro tem
esse dom. Todo mundo tem a noção e a adequação
do ritmo a tudo. Isso é muito incrível!
C: Você acha que a diversidade da música
chega à indústria fonográfica com a mesma
riqueza em que é criada? Ou a indústria
impõe um empobrecimento no processo
criativo?
L: Olha, essa indústria... Que indústria? (risos)
Essa é uma pergunta que tem que ser
compartimentada. Primeiro existem muitos
processos para fazer música, e várias maneiras
diferentes de você ter sucesso nisso. (risos)
Mas existem caminhos e caminhos e todos
eles podem ser musicais. A indústria, hoje
em dia, se revela de várias maneiras. Existem
ainda os ecos do que ela foi, quer dizer, daquelas
multinacionais que geravam o produto
naqueles veículos, que eu vi passar de vinil,
para CD para videolaser, para HD, MD. Eu vi
tantas formas diferentes, mas a música continua
existindo, a criação continua existindo.
Hoje tem uma turma que não precisa mais do
físico, do papel. Então as formas são muitas,
não é? É muito amplo falar sobre isso, porque
são tantas maneiras e, eu mesmo, talvez seja
mais uma exceção do que uma regra, porque a
minha trajetória foi bem ímpar.
C: Por que sua trajetória foi ímpar?
L: Fui muito cabeça dura, tive que ser um
pouco intransigente e só fazer o que acreditava.
Isso definiu o meu caminho, então não
sou exemplo para nada, acho que sou mais
exceção. Eu diria que hoje é muito bacana
perceber que o Brasil é como uma reunião de
muitas tendências, e por isso tem essa diversidade,
possui uma maneira diversa de conseguir
o sucesso e cada um de um jeito diferente.
E isso é muito individual, porque cada região
descobriu alguma forma de sobreviver, se perpetuar
e historificar o que faz. Seja fisicamente
ou não.
C: Com o advento das novas tecnologias,
você acredita que os álbuns perderam valor
e que o trabalho na produção pode ser em
vão?
L: Não faço parte dessa turma não, eu continuo
acreditando! Não que o que eu faça seja
um aglomerado de canções. De tempos em
tempos faço um romance. E isso é um disco,
uma série de fotos do que você faz, do que
te emociona, do que te incomoda e do que te
toca. É essa compulsão que me leva a fazer
discos, continuo com esse desejo e ainda tenho
muito chão pra trilhar! O “Chão” ainda
vai comigo até... nem sei. (risos)
C: As novas tecnologias deram maior força
aos artistas independentes e a relação com
as gravadoras têm se modificado...
L: Quando você fala isso, no meio da pergunta
já tive vontade de lhe interromper pra
dizer assim: O que é independente? Quando
falamos de produção independente... Eu não
gosto dessa palavra. Porque a produção independente
é a produção mais dependente. Ela
depende do carinho das pessoas envolvidas,
porque não tem dinheiro envolvido, da entrega
de cada um, do amigo e do cara que diz “assim
não, faz teu disco, faz teu projeto”. Esse
movimento dependente é o que se beneficiou
de melhor maneira no universo digital. O universo
digital realmente democratizou muito
os meios de produção de qualquer produto e
a expansão disso tudo. Então, acho que todo
mundo se beneficiou, primeiramente com essa
disponibilidade, com esse acesso direto. Hoje
em dia eu tenho a noção clara, sei quem são
meus seguidores. Em cada cidade, vejo eles se
comunicando nas redes sociais para irem juntos
ao show, me pedindo música pra tocar e eu
toco! Nos aproximou muito. E estou falando
só de uma experiência pessoal, de alguém que
já está com 54 anos, já passou por vários veículos
e mesmo assim fica estarrecido com o
poder dessa nova janela que se abre. Sou um
entusiasta de todas essas novas tecnologias e
tudo que puder pulverizar a arte e a criação é
bem-vindo.
C: O que você acha que vai ser da música
daqui pra frente? Quais rumos a sua música
vai seguir de agora em diante?
L: Eu não sei nem o que é música agora! Imagina
se vou saber o que é música daqui pra
frente. Eu não, cara. Meu processo é intuitivo!
Não tenho a mínima noção de onde chego. Eu
sei onde eu não quero chegar! Continua sendo
uma grande incógnita. Apesar do fato do processo
ter sido o tempo todo intuitivo, jamais
ousei entendê-lo e decupá-lo. Se tiver o desejo
de fazer um disco, eu me tranco, vou e faço!
Faço as canções, arranjo, mergulho profundamente
nisso. Depois de mixar e tudo, esse
processo chega ao cúmulo da masterização, aí
então é um exorcismo. E vira o show, o melhor
momento. Porque é no show que se dá o
encontro, é no show que eu posso mensurar
como chega o que eu faço, é no show que se dá
o objetivo daquele disco ou de qualquer pro-

duto que venha a existir. Esse contato é o mais
genuíno e a gente percebe, não é?
C: O que é música para você?
L: Música é minha profissão e meu prazer. Eu
pude conjugar essas duas coisas. Sou um puta
felizardo! (risos)
C: O compositor e o músico imprimem no seu
trabalho muito de suas ideias e percepções
íntimas acerca do mundo material. E quando
essa música se dissipa, ela pode levar uma
mensagem engajada para quem ouve. Você
se preocupa com essa responsabilidade,
com o efeito da música sobre as pessoas?
L: Perfeitamente. Prefiro acreditar que meu
trabalho vai além do entretenimento. Prefiro
acreditar que meu trabalho tem a ver com historificação.
Que o que eu faço passa pelo viés
da educação; que depois de um show, além de
ter se divertido ou ter dançado, também tenha
ficado algum tipo de residual do questionamento
que minhas músicas levam. Se isso
acontece ou não, aí é outra questão. Eu continuo
acreditando que sim.
C: Você acredita que a música pode ser
política?
L: Não existe nada sem ser político. Para mim,
tudo é política! A política de fazer uma boa
reportagem. A política da boa vizinhança. A
política do amor, que é a coisa mais complexa.
A política é uma coisa que está no ser humano.
Nesse sentido, não estou falando de politicagem.
(risos) Não estou falando de Brasília
não! Estou falando de política, do convívio entre
seres, de uma maneira social.
C: Se a música fosse uma pessoa, quem ela
seria para você?
L: (Longa pausa).Um filho de Deus! (risos)
Um filho do divino, um dos filhos mais perfeitos
do divino.
C: E se você fosse um professor, dentro de
uma sala de aula e tivesse que definir o que
é a música para os seus alunos, como você
a definiria?
L: Música é uma maneira de se tocar o outro.
C: Como a música está em você? É possível
separar o Lenine da música?
L: Não. A música é uma coisa do convívio diário.
A música é na hora da chaleira. O “Chão“
é repleto de uma música que é diária comigo.
A chaleira, a máquina de lavar. Sabe, tudo tem
um relevo sonoro e estou atento (ele aponta
para o céu enquanto um avião sobrevoa o local
onde estávamos) a tudo isso. Isso compõe
uma trilha sonora que é a da vida da gente.

Comportamento
Melodia que
transcende
A experiência mística através do som
Texto: Isadora Bruzzi
Edição Gráfica: Patrícia Souza

As sensações que as músicas proporcionam vão muito além
do que imaginamos. Música é magia. É sentir algo bom ou
ruim quando se escuta, é transcender daqui para outro lugar.
Há quem se utiliza dela para rituais religiosos, meditação, yoga,
cura e até mesmo para a busca do autoconhecimento.
Sentar para ouvir um som pode ser uma experiência mística.
Essa prática vislumbra tudo aquilo que está além do plano
físico. Usada pela primeira vez no Mundo Ocidental nos
escritos atribuídos a Dionísio, a palavra “místico” já era vista
além de uma Teologia. Segundo Ralph Lewis, escritor norteamericano,
“o místico é aquele que aspira a uma união pessoal
ou a unidade com o Absoluto, que ele pode chamar de Deus,
Cósmico, Mente Universal, Ser Supremo.” Nesse sentido, pessoas
envolvidas com o misticismo procuram alcançar uma verdadeira
união com uma força superior.
Jakob Bohme, filósofo alemão, escreveu que a prática é
considerada a religião dos mistérios, uma busca pela ligação
com a divindade de forma intuitiva. Apesar disso, há uma diferença
entre o misticismo e a religião. O primeiro, ao contrário
da segunda, identifica-se por ser uma experiência direta
e pessoal com a natureza divina sem intervenção de dogmas,
buscando uma comunhão do homem consigo mesmo.

foto: Ana Nepomuceno
Através da música muitos encontram um caminho para
manifestar sua fé. A devoção está acompanhada por instrumentos
e canções. Os sons místicos podem ser um intermediário
para alcançar a divindade, ao mesmo tempo temos escolha
de qual repertório ouvir, sem intervenção de um líder para
guiar nossas vontades.
Cantores, bandas brasileiras e estrangeiras tiveram forte
influência mística em seu trabalho. Na década de 70, foi através
de seu som que Raul Seixas, o Raulzito, ultrapassou o lado
comercial da música em seus shows. Considerado maluco por
muitos, ele foi primordial para despertar o interesse de seus fãs
no misticismo e em pensamentos da linha esotérica.
O cantor vivia sem regras e acreditava em uma Sociedade
Alternativa. Sua intenção era proporcionar pela música uma
revolução interna do ser humano, sugerindo que as pessoas
fossem livres para seguir seus próprios caminhos. As canções
de Raul buscavam transmitir conhecimentos ocultos do membro
da Ordem Hermética da Aurora Dourada Aleister Crowley,
o que despertou a atenção de muitos para o seu estilo.
Poder da música
Toninho Buda, amigo de Raul Seixas, relata que seu interesse
em participar do movimento da Sociedade Alternativa
iniciou-se ao ver que os conhecimentos ocultos de Aleister Crowley
eram transmitidos pela música. Ele entrou no movimento
da época junto com Raul e o escritor Paulo Coelho.
A atual relação de Toninho com o misticismo é emocionalmente
a mesma. Ele fala que sua interação com o Mistério continua
sendo de contemplação, mas que sempre foi cético com
relação a qualquer tipo de organização humana, consequência
de suas decepções com a sociedade.
Ao falar da música mística como busca do autoconhecimento,
o escritor acredita que não existe o fenômeno isolado.
Ele enxerga a vida como uma teia de inter-relações. Segundo
Toninho, a gente ouve uma música e correlaciona com alguma
coisa intrínseca, que talvez nem saibamos direito o que é, pois
há presença muito forte do subconsciente, conteúdos que jamais
acessaremos por completo.
É difícil medir a influência da música, já que ela pode causar
diferentes sensações em cada um. Enrico Mencarelli, estudante
de jornalismo e músico, acredita no poder dos sons
sobre as pessoas, e que ele é tão ou mais influente que a visão.
Exatamente pelo fato de não ser visto, o som tem um aspecto
subjetivo muito forte, diferente para cada imaginação. Ele
também compreende a música como instrumento para relaxar,
melhorar a concentração e o aprendizado, até mesmo curar.
Jan Rodrigues, estudante de engenharia ambiental, também
acredita no poder da música. Ele afirma que a melodia
pode levar a outra dimensão, produzindo sensações únicas. A
ligação com as práticas místicas lhe trazem paz interior, algo
que segundo ele está cada vez mais difícil de sentir nos dias
de hoje.
O mantra, sílaba ou um poema religioso, normalmente escrito
em sânscrito é utilizado como técnica para facilitar a meditação
e concentração, para energizar, para adormecer, despertar
ou até mesmo desenvolver chakras (centros enérgicos
dentro do corpo humano). Jan utiliza o mantra como meio de
comunicação com seu Deus e afirma que por meio da canção
sua alma é levada até a divindade, sendo assim purificada.

Sons do misticismo
A interação que o músico estabelece com seu público pode
ser muito forte, dependendo das trocas que acontecem entre
um e outro. Raul queria uma revolução interna do ser humano.
Outros cantores e bandas, não com a mesma intenção mas
usando também da inspiração do misticismo, envolveram fãs
que puderam ter acesso a esses conhecimentos através das
canções. E não é difícil perceber que cada conjunto teve uma
relação sentimental que o motivasse a escolher tal estilo musical.
Nando Reis, cantor e compositor brasileiro, não possui
uma religião, mas se diz adepto à beleza das coisas da natureza
como uma manifestação divina, colocando também seus filhos
e família como parte deste sentimento. Em entrevista ao blog
Vya Estelar, ele explica que a canção “O Segundo Sol” foi inspirada
em um texto esotérico no qual se falava no surgimento
de outra estrela.
O cantor diz que a expressão pode também ser interpretada
como uma metáfora de uma relação amorosa. Nas palavras do
compositor, “uma pessoa pode ter um segundo sol na vida”.
Sua música “Mantra” conta com instrumentos próximos daqueles
usados na Índia e da expressão Hare Krishna, que significa
invocação direta a Deus, em amor e devoção.
O oitavo álbum de estúdio da banda britânica Pink Floyd,
“The Dark Side of the Moon” (1973) possuía características
místicas e psicodélicas, que tornaram as músicas especiais pela
diferente sensação causada nos fãs. O sentimento transmitido
pelas canções do disco era de angústia humana, solidão, morte.
O trabalho do conjunto musical foi marcado pela inspiração
da banda com Syd Barret, um dos fundadores do Pink Floyd.
Devido ao uso contínuo de drogas, o membro do grupo ficou
mentalmente fragilizado e demonstrava sua indignação com
a sociedade. A tradução do título da obra é “O lado escuro da
lua”, fazendo alusão ao lado negro que todo humano possui.
Outro famoso que se identificou com o mundo místico foi
George Harrison, guitarrista dos Beatles. O músico se envolveu
com a cultura indiana e o hinduísmo na década de 60, disseminando
e expandindo instrumentos como a cítara, muito
utilizada para meditação. O misticismo indiano se tornou elemento
presente nas músicas da banda, apresentando um estilo
diferente ao público do Ocidente.
“The Inner Light” foi a primeira canção de George Harrison
em um single dos Beatles. A parte instrumental da música foi
gravada em Bombaim, na Índia, com vários músicos indianos
utilizando instrumentos locais. Considerado o membro mais
“quieto” da banda, George possuía interação com o espiritualismo
místico.
O que conecta estas bandas e cantores é a relação sensitiva
com a música que a faz ser diferente e causa emoções diversas
nos fãs. Pode ser o fato de a sensação não passar pela razão, de
ter uma lógica “sensível”, não depender da linguagem. Gilles
Deleuze, filósofo francês, afirma que a sensação é o que atinge
o sujeito na relação com uma obra de arte, o mesmo pode ser
pensado para a melodia.
A música nos atinge de uma forma inimaginável e a busca
dos sentimentos através do misticismo e dos sons nos permite
desfrutar de experiências intuitivas. O interessante é se deixar
levar pelo som e permitir novas experiências, isso é sentir.

Infografico
Texto: Alexandre Anastácio
Arte: César Diab

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A frase como protagonista. Esse
estilo valoriza as rimas, trovas,
versos em suas canções. Também cria
terreno para improvisação vocal.
Tendência que percorreu
caminhos da múscia negra e,
sobretudo, originou seu próprio estilo
musical lançando luz sobre uma
época.
Danças singulares marcaram
esse modo de ser da música. Uma
representação corpórea do som que
rompe com o passado em busca do
novo.
Estilo com alto nível de execução
por parte dos instrumentistas.
Caminhos para o improviso são
férteis nessa corrente da música.

Opinião
A paz contra o povo
Texto: Jessica Clifton
Edição Gráfica: Ana Luiza Batista
Foto: Isadora Faria

O rap, música provinda
do movimento Hip Hop, no
ocidente é a voz dos marginalizados,
geralmente negros e
moradores das periferias, que
contam seu sofrimento através
das letras que falam sobre
drogas, violência, problemas
sociais, política e narram as
dificuldades da população
menos favorecida. O Oriente
Médio também adotou esse
estilo para dar voz as suas
dificuldades, como guerras,
falta de liberdade de expressão
e problemas comuns aos
jovens.
Esse estilo musical teve
seu início na década de 1960
na Jamaica e se popularizou
na década de 1970 nos Estados
Unidos. Posteriormente o
rap inseriu-se em outras culturas,
mesmo com o preconceito
existente em relação ao
estilo musical, considerado
por boa parte da população
como uma música violenta e
vinda da periferia. A partir do
final da década de 1990 surgiu
o rap árabe, com destaque
para o rap palestino narrando
o conflito entre Israel e Palestina.
Em entrevista concedida a
agência AFP, em 2006, o cantor
de rap palestino Mohammad
alega que, no início, as
pessoas pensavam que os rappers
palestinos queriam ser
como os rappers americanos,
principalmente por causa das
roupas. Mas depois dos primeiros
shows em Gaza, no
início dos anos 2000, o estilo
se difundiu na região.
A influência ocidental foi
adotada por se tratar do ritmo
musical das pessoas que
sofrem e, ao contrário das
músicas tradicionais árabes, o
rap é livre e toca diretamente
seus ouvintes com letras fortes.
Os palestinos mostram
como são discriminados. O
mundo ocidental os vê como
terroristas, mas quem sofre
a violência e o mal-estar são
eles, através dos ataques de
Israel, local cujo exército é financiado
pelo Ocidente.
O grupo Da Arabian MC’s
(DAM), fundado em 1999, foi
o primeiro de rap palestino e
um dos precursores do estilo
no mundo árabe. Em 2001,
teve mais de um milhão de
downloads da música “Min
Irhabi”, tornado-se popular
entre os jovens de todo o
Oriente Médio. As canções do
grupo combinam ritmos árabes
de percussão, melodias
orientais, hip hop urbano, e
narram os dramas vividos pelos
próprios integrantes. Outros
exemplos desse estilo na
Palestina são os grupos Dead
Army, Shadia Mansour, Nizar
Wattad.
Israel tem dinheiro, poder
e apoio das grandes nações, a
Palestina vem perdendo suas
terras e seu povo desde a criação
do estado judeu no local
que, segundo as tradições
de algumas religiões, seria
a “terra sagrada” ou “terra
prometida”. É um absurdo
considerar uma guerra o que
ocorre na região, pois guerra
tem dois lados para lutar.
A Palestina não tem capital,
nem condições de defesa, só a
esperança do povo de ter seu
lugar respeitado, conseguir
alguma qualidade de vida, e
o desejo de que finalmente a
paz seja a favor dos palestinos
após mais de 50 anos de massacre,
assédio, humilhação.
As pessoas do ocidente
desconhecem o lado palestino.
A visão sionista é difundida
pelos Estados Unidos
e Europa através da Organização
das Nações Unidas
(ONU), com a desculpa de reparação
social ao conceder as
terras aos judeus que foram
perseguidos durante a Segunda
Guerra Mundial e assim
marginalizando um povo
que já habitava a região. A
música é a tentativa de mostrar
que quem foi oprimido é
hoje o opressor, e as frases de
rap dos jovens ultrapassam a
arte, elas são os gritos de dor
de um sofrimento contínuo. E
fica no ar a pergunta contida
na tradução do refrão da música
de “Min Irhabi”: “Quem
é o terrorista? Eu sou o terrorista?
Como sou eu o terrorista
quando é você que tomou
minha terra? Quem é o terrorista?”.

Foto ilustração: Ana Malaco
Capa
seja revelando a represao na ditadura ou a desigualdade n
periferia, as cancoes de protesto dao voz as reivindicacoe
da sociedade e acompanham suas transformacoes.

Texto: Adriana Souza
Edição gráfica: Lívia Almeida
a
s
O jingle “Vem pra rua” do grupo O Rappa ficou marcado
como trilha musical nas recentes manifestações populares
ocorridas no Brasil, que tiveram como mote central o aumento
das passagens de ônibus. A música, originalmente produzida
para a campanha publicitária de uma marca de automóveis, foi
apropriada pelos manifestantes como hino de protesto devido
sua letra convidativa e simbólica que coincidia com o contexto
da realização de um grande evento esportivo no país.

A relação da música com protestos sociais
é antiga. O termo “canção de protesto”, por
exemplo, ganhou destaque na década de 60 e
desde então tem variado em sua forma e contexto
produtivo. Durante a Ditadura no Brasil,
período marcado por intensa efervescência política,
essas canções externavam uma vontade
de mudar o mundo e politizar as pessoas,
sendo difundidas principalmente por jovens
da classe média brasileira. No pós Segunda
Guerra, no cenário internacional, as canções
de protesto também estiveram presentes na
revolução cubana, na independência da Argélia,
durante a guerra antiimperialista no Vietnã
e nas lutas anticoloniais na África.
Em junho de 2013, o Brasil apresentou
imagens poéticas (termo usado pelo historiador
Marcos Napolitano para se referir às
ideias utópicas captadas nas letras de canções
de protesto), como na década de 60. “A crença
no poder da canção e do ato de cantar para
todo mundo ouvir; A denúncia e o lamento de
um presente opressivo além da crença na esperança
de um futuro libertador’’. Como complementa
o produtor musical Alex Gomes, “A
música é a forma mais simples de atingir a
massa, que movida por um mesmo sentimento,
transforma-se num forte elemento capaz
não só de influenciar, mas de transformar a
sociedade, no caso fortalecer os protestos”.
Alguns estudiosos acreditam que não é
necessariamente o momento histórico que
determina a existência dessas canções, mas
também o lugar de onde elas vêm. A pluralidade
que o termo “canção de protesto” atingiu
está relacionada à apropriação das canções de
protesto por vários grupos sociais que lutam
por diferentes causas no cotidiano. O doutor
em Multimeios Eduardo Paiva, professor no
departamento de Multimeios, Mídia e Comunicação
da UNICAMP, afirma, “cada grupo
social hoje tem a sua canção de protesto. O
pessoal da periferia, por exemplo, tem o rap.
Acredito que não existe uma canção de protesto
como a de 1960 que consiga juntar todas
as tribos”.
Ilustração: Lívia Almeida
“Nao adianta olhar pro
Com muita fe e p
No Brasil, letras e estilos
O texto do manifesto do Centro Popular de
Cultura (CPC), organização associada à União
Nacional dos Estudantes (UNE), dizia, em
1962, que o intelectual deveria aproximar-se
das massas com o intuito de levar até elas a
consciência política capaz de superar o estado
de alienação e de produzir a partir de elementos
da própria cultura do povo a verdadeira
“arte popular revolucionária.”.
Levanta aií que voceê tem
E muita gre

“Nos estamos aqui para revolucionar a MPB,
pra pintar de negro a asa branca,
atrasar o trem das onze, pisar nas flores do
Geraldo Vandre,
e fazer da Amelia uma mulher qualquer.”
Clemente Tadeu
ceu
ouca luta
muito protesto pra fazer
ve, vocE pode, voceê deve, pode crer”.
Gabriel o pensador

Para o professor Eduardo Paiva, os elementos
usados nas canções de protesto retratam
o momento político em que a música está
inserida e funcionam como meio canalizador
de informação. Nas letras, a apropriação de
vivências próximas a realidade social do público
tem a finalidade de fortalecer os laços
entre a música e as pessoas e disseminar determinadas
mensagens.
Com o Golpe de 64 e o acirramento da
repressão política e cultural a partir de 1968
no Brasil, nomes como Chico Buarque, Geraldo
Vandré, Caetano Veloso e outros artistas,
através de suas músicas, criticavam o abuso
de poder e a violência, além de gritarem palavras
de ordem que mobilizaram a sociedade
a lutar por seus direitos. Canções como “Cálice”
(1973), “Pra não dizer que não falei das
flores” (1968) e “É proibido proibir” (1968),
as duas últimas marcos do Festival Internacional
da Canção promovido pela Rede Globo,
entraram para a história deste período.
Em 1985, durante a campanha das “Diretas
Já”, a banda punk Plebe Rude perguntava
em suas canções o que todos queriam
saber: Afinal, até quando esperar para eleger
o presidente?”. E o rock do Ultraje a Rigor,
ironizava os militares com a canção intitulada
“Inútil”.
Na década seguinte, um pernambucano
que misturava diferentes ritmos
como o maracatu e a música eletrônica
criou o gênero chamado
“mangue beat”. Chico Science,
líder da banda Nação Zumbi,
popularizou canções
que traziam nas letras
a mensagem de insatisfação
com os
problemas do
governo da
época. “A
cidade
n ã o
pára, a cidade só cresce, o de cima sobe e o
debaixo desce” ou “E no meio da esperteza
internacional, a cidade até que não está tão
mal, a situação sempre mais ou menos, sempre
uns com mais e outros com menos” são
versos da letra de “A cidade”, lançada pelo
cantor em 1994.
No início deste século, a canção “Até
Quando” (2001), de Gabriel O Pensador, também
é um exemplo de mistura de ritmos para
criticar a realidade. “Ela utiliza elementos de
música brasileira, como uma levada de samba
no início, que nos faz entender que esses problemas
se passam no Brasil”, diz Bruno Mantovani,
produtor musical. O primeiro verso da
canção é direto: “Não adianta olhar pro céu
/ Com muita fé e pouca luta / Levanta aí que
você tem muito protesto pra fazer / E muita
greve, você pode, você deve, pode crer”.
Contagiados pelo clima das recentes
manifestações em junho de 2013 no Brasil,
muitos músicos criaram canções específicas
para o momento. Entre eles, Leoni, com “As
coisas não caem do céu”, menciona nas redes
sociais, que só a ação modifica o mundo
e que as pessoas nas ruas foram capazes de
dizer isso de forma impactante e convincente.
E Tom Zé, em “Povo Novo”, cuja letra fala de
uma nova geração que sai às ruas para clamar
seus direitos, um pouco retraída, mas que
sabe o que quer.
A trajetória histórica que liga movimentos
sociais importantes a canções de protesto
serve de base para vários questionamentos e
associações. Matheus Nere, estudante de Direito
e militante político na Assessoria Jurídica
Universitária Popular da UFMG (AJUP-
UFMG), lembra o atual “Movimento Passe
Livre” no Brasil: “muitas das músicas e pautas
se parecem e até resgatam a identidade
ideológica que outrora (como nos anos 60)
era mais intensa”.
Protesto para quem?
Um impasse marca a produção de canções
de protesto. De um lado a vontade de denunciar
os crimes cometidos pelas classes dominantes
do sistema capitalista e, de outro, a
subordinação a este sistema que vende tais
produções. No meio desse dilema, estão
os músicos e as bandas. O professor
Eduardo Paiva se lembra de uma exceção
na história das canções de
protesto e da indústria da música.
“Existe uma entrevista dos
Rolling Stones na década de
60 em que Mick Jager fala
do rompimento com a
gravadora porque eles
não tinham liberda-

de para se
manifestar
contra a indústria
de venda de
radares para a Guerra
do Vietnã, que tinha uma
ligação com a gravadora”.
Em contrapartida, o produtor
musical Augusto Pereira aponta
o grande interesse dos cantores de 60
em atrelar-se à denominação Música Popular
Brasileira (MPB) para conseguir mais
ouvintes e vender mais discos. Segundo ele,
a regra era: “Voz e violão, compassos lentos,
tranquilos, com rimas repetitivas, com muitos
‘ão’, no formato de um hino, coisa fácil
de decorar.” Assim, muitas “canções de protesto”
foram apropriadas pela indústria fonográfica
como “canções de protesto da MPB”.
A receita de produção era simples e os lucros
das vendas iam além dos dizeres nas manifestações.
O estudante Matheus Neres, que já
milita há alguns anos em movimento social,
concorda com a regra descrita acima e afirma
que essa lógica permanece. “As canções
se tornam hino quando são reiteradamente
utilizadas nas manifestações, e quando conseguem
ser aprendidas com facilidade”, diz.
Na maioria das vezes, os interesses da
indústria fonográfica e/ou dos cantores não
permitem que algumas canções sejam vistas
como protesto devido ao preconceito com
bandas rotuladas como bregas, satânicas, ou
consideradas disseminadoras de apologia ás
drogas, sexo e violência. O grupo de heavy
metal Iron Maiden, por exemplo, usa na canção
Clansman metáforas para falar do abuso
de poder, da exploração e dos problemas de
uma sociedade caótica.
O movimento punk da década de 80 também
é uma dessas referências, assim como o
rap, reggae, samba e funk. O mestrando em
história, Eder Novaes, destaca a importância
da banda inglesa The Clash, lembrada por seu
engajamento político para o cenário do punk
brasileiro, que também nasceu nas periferias.
Para ele o ‘protesto’ do punk se faz de maneira
distinta, abarcando outros pontos da sociedade
brasileira, como a desigualdade decorrente
do excesso de privilégios pelas classes
dominantes. Além disso, o punk queria revolucionar
a música, como visto na canção de
Clemente Tadeu Nascimento, do grupo Inocentes
“Nós estamos aqui para revolucionar a
MPB, pra pintar de negro a asa branca,atrasar
o trem das onze, pisar nas flores do Geraldo
Vandré, e fazer da Amélia uma mulher qualquer.”
Estudiosos
como
Marcos Napolitano
e Fábio Zan acreditam
que a realidade social
faz as próprias classes desfavorecidas
começarem a usar a música
como protesto. Muitos artistas da nova
geração da música de protesto se envolvem
diretamente em ações sociais e alegam que a
corrente atual é uma música política de resultados,
não de utopias como viveram os jovens
de 60. O historiador Luiz Carlos Maciel
acredita que a origem pobre desses artistas
justifica sua participação social mais objetiva.
Em matéria do portal CliqueMusic da Uol,
Mv Bill afirma ter o projeto de montar cursos
profissionalizantes na Cidade de Deus e é um
dos fundadores do Partido Popular Poder para
a Maioria (PPPomar), um partido político do
movimento negro. Já o grupo O Rappa é citado
na mesma matéria por ter uma conhecida
relação com a FASE (Federação de Órgãos
para Assistência Social e Educacional), divulgando
o trabalho da ONG. Na Bahia em 1983,
surgiu o Afroreggae, um grupo que produzia
um jornal sobre cultura negra e ao longo do
tempo se transformou em uma ONG fortemente
ativa ,além de atuar como banda.
Com isso, as canções de protestos das periferias
serviram para re-significar o termo apresentando
os problemas locais e contribuindo
para solucionar suas carências através de projetos
sociais.
Lugares marginalizados definem por si só
a letra dessas canções, mostrando que elas
ganharam forma e significados ao longo dos
anos e não se fizeram presente somente em
períodos emblemáticos da história. A canção
de protesto é portanto a voz que em diferentes
timbres reclama o esquecimento e os direitos
de um povo. Um grito encantado que
deve continuar fazendo história, ajudando a
transformar a realidade.

Ensaio Fotográfico

Foto
Foto e Texto:
Núbia
Núbia
Cunha
Cunha
Edição
Edição gráfica:
Arthur
Arthur
Rosa
Rosa
Modelos:
Douglas
Douglas Gomes,
Giovanna
Giovanna
de
de
Guzzi,
Marianna
Marianna Leonel,
Richard
Richard
Dias
Dias e
Thaís
Thaís
Moreira
Moreira
A música por diversos momentos serve como inspiração para
estilistas criarem e recriarem tendências. O estilo grunge, que
surgiu no final dos anos 1980, como marca registrada das bandas
de rock underground de Seattle, ainda hoje é resgatado pelo
mundo da moda: camisetas de bandas, calças rasgadas, casacos
amarrados na cintura, estampas xadrez e coturnos. O espírito do
grunge no universo fashion se modernizou com elementos como
tachas, coletes, gorros e botinhas, atualizando o despojamento já
característico ao movimento.

Papo Reto
B
A
R
B
A
Corpo que se move, se diz, se cria, surpreende, estala,
embola
Corpo que se envolve, remexe, ecoa , rebola, arrepia
Corpo que seduz... TUM, PÁ, PLAFT!
Corporifique!
Essas palavras buscam demostrar um pouco da identidade
do grupo Barbatuques, que há 17 anos foi fundado pelo
músico Fernando Barba. O grupo era composto por
estudantes de música que se propuseram a criar algo novo,
que poderia parecer impensável: utilizar o próprio corpo
como instrumento musical! Hoje, os 15 artistas ultrapassam
as barreiras culturais e ganham espaço no cenário musical
brasileiro e mundial. Neste bate-papo, três deles, que estão
no grupo desde o início, falam sobre a trajetória irreverente
do Barbatuques.
U
T
Q
Como surgiu o grupo?
Lú Horta: O grupo surgiu da iniciativa do Fernando Barba,
que é um diretor musical, e que tinha uma mania incrível de
fazer ações com o corpo. A gente se reuniu em 1996, como um
grupo de estudo, em um primeiro momento. Todos nos conhecemos
na faculdade de música. O Barba começou a organizar e
dividir o corpo humano nas diferentes frequências, organizando
diferentes levadas. Ele começou a traduzir ritmos brasileiros
pensando o corpo humano como uma bateria.
Marcelo Pretto: No começo, o foco era oficina. O pensamento
de todos os integrantes do grupo não era de fazer música no
sentido de ser um grupo musical. Era uma turma de uma oficina
que tinha laços afetivos entre si.
Lú Horta: E aí foi que o Barbatuques decolou como grupo
artístico mesmo. Nasceu assim!
U
E
Texto: Joyce Afonso e Tamara
Martins
Edição gráfica: Isadora Rabello
Fotos: Laura Ralola
Por que trabalhar especificamente com percussão corporal?
Marcelo Pretto: O Barba teve essa ideia inicial. Agora, você se
dar conta de que isso é uma linguagem e que tem uma gama
de coisas, que é possível fazer música só com aquilo é muito
positivo. A percussão corporal é curiosa, ela é ancestral, mas
nunca foi usada sistematicamente, de um grupo pegar e fazer,
então também era um desafio, mas a gente estava se lançando,
foi uma proposta completamente nova.
S

Então vocês são pioneiros no Brasil?
Lú Horta: Acho que a gente é pioneiro nessa visão de pegar a
linguagem musical original, do jeito que ela é tradicionalmente.
Você pensa as propriedades da música e as frequências em
todos os termos da linguagem musical tal qual você pensaria
para um instrumento, transportando esse código para o corpo.
Eu nunca vi nenhum outro grupo fazer isso.
Marcelo Pretto: Fica engraçado, porque a gente brinca que
não é dono da percussão corporal. Mas, somos pioneiros, sim,
dentro de uma linguagem. Se for considerar o que é o Barbatuques,
a gente é muito pioneiro!
Em algumas entrevistas vocês já ressaltaram que fizeram
mais apresentações no exterior do que no Brasil. A que vocês
atribuem isso? Vocês acreditam que fora do país a música
experimental tem mais espaço?
Lú Horta: Não foi um acaso total, às vezes é uma questão de
estrutura também. É que a gente tem uma estrutura muito
grande, é difícil chegar a lugares mais simples. Isso exclui locais
que adoraríamos estar no Brasil e não conseguimos chegar.
Marcelo Pretto: Quando você chega a um lugar diferente,
sente-se perdido com a cultura. Com a língua, então, nem se
fala! Aí bastou você fazer isso aqui (barulho de palma, boca e
dedos), que se abre aquele sorriso no qual você atravessa uma
ponte cultural impressionante. Então o Barbatuques prescinde
da palavra, você não precisa da palavra. Isso é fantástico,
chegar a qualquer lugar do mundo, não mudar seu show, não
traduzir. Ele ser o mesmo e a gente não ter pensado nisso. Isso
que é o mais legal! Ele é assim, tem essa característica.
O último álbum de vocês, o “Tum Pá” é o primeiro de cunho
infantil. Por que vocês decidiram gravar um álbum para esse
público?
Marcelo Pretto: Essa demanda surgiu, principalmente, porque
o grupo sempre se deu muito bem com as crianças. A gente
foi sentindo isso. No dia em que começamos a prudzir música
infantil, falo por mim, foi maravilhoso! E aí é mais outro
ingrediente para essa paixão.
Lú Horta: Mas é isso. Desde o início do grupo, o carinho foi
imediato com as crianças. A linguagem já é lúdica em si. A
única diferença de foco foi o repertório, né?! Você falar mais
próximo, mais diretamente à linguagem das crianças.
É perceptível que vocês têm influência de vários estilos
musicais. Então, como se dá esse processo criativo? Como o
grupo chega a um consenso?
Dani Zulu: (Risos) O Barba geralmente chega, não em todas,
mas ele chega com uma música pré-construída e a gente vai
fazendo os arranjos juntos, tendo ideia, partindo de uma coisa
que a gente está vivenciando. Aí também tem a proposta, depende
de como a música vem.
Lú Horta: O processo criativo, em si, é essa química, entendeu?
Às vezes a gente se estapeia. Um acha uma coisa, outra
acha outra coisa. Às vezes, um vem com uma ideia já mais ou
menos pronta e todo mundo contribui. Às vezes, a ideia chega
completamente pronta e a pessoa ensina aos outros a reproduzir
aquilo, mas mesmo que chegue pronto, todo mundo cria
junto e dá opinião. É um caldeirão, assim!
Como vocês definiriam essa música que fazem?
Dani Zulu: A gente até começou falando percussão corporal.
“Hoje em dia eu considero que a gente faz mais uma música
corpórea.
Marcelo Pretto: Música feita com o corpo, música corporal.
Tudo pode ser feito, não é um estilo, pelo contrário, é a possibilidade
de todos os estilos. Inclusive na nossa cabeça, no nosso
gosto musical que quer ouvir de tudo e quer aprender. Então, o
que é comum a tudo isso? É a música que é feita com o corpo.
Lú Horta: É, existe um termo que é “música orgânica”, mas,
em outras palavras, é a música do corpo. Para mim o que é
mais fascinante nessa linguagem é o fato de que se convocam
todas as dimensões do ser. Não adianta ter um corpo que mecanicamente
está funcionando para aquilo se você não está
emocionalmente conectado, se intelectualmente você. Não
entrou na “viagem” de colocar o pensamento nesse trabalho.
Então, acho que é a música de um corpo animado com a alma.
Para ver e ouvir o grupo acesse: http://www.barbatuques.com.br

Perfil

Mil tons de um
sanfoneiro
Texto: Filipe Barboza
Edição gráfica: Bárbara Costa
Fotos: Bruna Silveira
Por telefone, ele não me passou o endereço
completo. Com a referência de que a sua moradia
“é a única da vizinhança que tem uma
porteira na entrada”, chego ao movimentado
e populoso bairro Cabanas, em Mariana, com
a impressão de que encontraria dificuldades
em procurar a casa do sujeito. Ao adentrar
na região, percebo que a referência dada está
suficientemente adequada, já que não foi tão
complicado assim descobrir uma grande porteira
de madeira em uma região de características
urbanas.
Entro no terreno e, logo de cara, vejo galinhas,
patos, cachorros e um cavalo branco
arreado. A princípio penso que estou em um
sítio ou, como se diz, em um rancho bem distante
de tudo. Observo atentamente o ambiente
na tentativa de encontrar uma boa
expressão para descrever o recinto, até que
o homem, que se aproxima para me receber,
comenta: “eu moro em uma espécie de roça
dentro da cidade”.
Quem diz a frase é Milton, 43, o sanfoneiro
mais conhecido do município. Ele, que mora
em um recanto rural no meio de um bairro
agitado e que nos finais de semana costuma
rodar a região com animadas apresentações
musicais, tem um sugestivo nome artístico.
“Nos lugares que eu ia tocar, todo mundo me
via com a sanfona na mão. Então começaram
a falar ‘Milton Sanfoneiro’... ‘Milton Sanfoneiro’...
até que pegou. Hoje, se perguntarem
aqui na cidade sobre Milton Ângelo Martins,
ninguém sabe quem é, mas todo mundo conhece
ou já ouviu falar de Milton Sanfoneiro”,
conta o artista.
Milton, que toca sanfona desde os cinco
anos de idade (aprendeu com o pai na cidade
natal de Diogo de Vasconcelos – localizada a
cerca de 50 km de Mariana), faz de tudo um
pouco dentro do rancho arrendado. Cria, compra
e vende animais, trabalha como domador
de cavalos e também aproveita para ensaiar
sozinho (ou com outros músicos), de vez em
quando, na varanda de sua casa. “Os vizinhos
nunca reclamaram, até porque eu sei onde
posso ir com o som. Aliás, o que acontece, na
maioria das vezes, é o oposto. Quando se inicia
o ensaio, começa a chegar gente para acompanhar”,
relata.
Se pudesse o sanfoneiro só viveria de música,
mas ele sabe que não é tão simples assim.
“A gente toca muito em determinados
períodos do ano, como junho, julho e agosto,
devido à quantidade de festas na região. Tem
época que essa demanda diminui. Por isso é
preciso correr atrás de outras coisas”.
A luta não é em vão, afinal de contas,

Milton tem dois filhos: Pedro Henrique, nove
anos, fruto do primeiro casamento, e Milton
Junior, um ano e quatro meses, do seu atual
relacionamento. Pedro não mora com o pai,
mas passa todos os finais de semana no rancho.
É direto quando perguntado se vai seguir
também a carreira musical: “Não gosto de
tocar não. Meu pai tentou me ensinar, eu até
gostei uma vez, mas depois nunca mais gostei.
Eu quero ser dançarino de Hip Hop, dança de
rua. Sei muito já”, afirma o menino enquanto
ensaia timidamente alguns passos. Observando
o filho, o sanfoneiro pondera: “Eu gostaria
que ele aprendesse a tocar, porque a música
faz bem pra alma, faz bem pra tudo, mas não
posso obrigá-lo”.
O tom profissional da
música
Quatro dias após o primeiro encontro, retorno
à residência de Milton em uma noite de
ensaio com o objetivo de ver (e ouvir) como
funciona, na prática, o forró. O sanfoneiro
puxa no seu acordeom branco – com o acompanhamento
da dupla sertaneja Ronei Costa
e Fabiano – a canção “Do jeito que a moçada
gosta”, famosa nas vozes de Zezé de Camargo
e Luciano.
Em shows, geralmente, os três músicos
sobem ao palco com uma sanfona e dois violões.
Um contrabaixista, contratado pelo trio,
completa a banda. Mas isso se altera de acordo
com o propósito da festa. Milton para o ensaio
para me explicar esse processo. “A estruturação
da banda varia muito. Em apresentações
menores costumam ir quatro músicos, mas,
se a festa for maior, a gente coloca baterista e
tecladista. E, se o contratante quiser, tem jeito
até de acrescentar dançarinas”, ressalta.
Se a quantidade de músicos que sobem no
palco vem ao gosto de quem contrata e paga o
espetáculo, a escolha das músicas fica a cargo
do público. O sanfoneiro, que não tem repertório
próprio (nem composições registradas),
faz exibição de canções que vão de Luiz Gonzaga
e Gino e Geno a Gusttavo Lima e Victor
e Leo. “O meu estilo é o forró. O que eu gosto
mesmo é de puxar um xote, um forró pé-deserra,
daqueles bem dançantes. Mas a gente
tem que tocar o que está na moda também, o
que passa nas rádios. E se o povo pede o sertanejo
universitário, não podemos deixar de
fazer”, afirma o versátil músico.
Milton Sanfoneiro toca e canta em festas
particulares e públicas. Casamentos, batizados,
cavalgadas, rodeios, quadrilhas, ou seja,
onde couber a musicalidade dos foles e baixos
da sua bela sanfona, o músico entra sem
fazer feio. E para provar que é “pau pra toda
obra”, ele conta que realizou, no início da década
passada, um grande show na exposição
agropecuária de Mariana. A apresentação fez
tanto sucesso que chegou aos ouvidos do cantor
Sérgio Reis. Este, em uma atitude muito
elegante, fez questão de chamar o sanfoneiro
para tocar algumas canções na noite seguinte
da festa. “O Sérgio Reis falou assim no meio

do seu show: ‘Oh gente, alguém aqui conhece
o Milton Sanfoneiro?’ O pessoal começou a
bater palma, gritar meu nome e eu lá no meio
do povo com aquela emoção toda... Aí ele disse
assim: ‘Uai, mas o show aqui é de quem? É
meu ou dele? Por que quando gritei o nome
de Milton Sanfoneiro vocês aplaudiram mais
do que na hora que entrei no palco?’. Ele falou
tudo isso brincando, mas essa brincadeira
marcou a minha vida”, relembra Milton com
a foto do momento em mãos.
De todas essas experiências em apresentações
musicais, o sanfoneiro tem apenas duas
ponderações: não gosta de tocar em barzinho
e nem em casas de show. “Quando eu ia em
barzinho, geralmente, o dono pedia para tocar
músicas que fizesse o povo ficar sentado
tomando chope, mas eu acabava animando o
ambiente com levadas mais agitadas e o pessoal
saía das cadeiras pra dançar”, conta. Já
nas casas de show a história é outra: “nessas
boates, você tem hora para começar, mas não
para terminar. Enquanto tiver chegando gente,
o proprietário quer que você toque, pois a
bilheteria faz o faturamento da casa. Isso desgasta
o músico”, explica.
O tom que agrega
Se Milton tem restrições de tocar em alguns
lugares, no terreno de sua casa a conversa
é outra. Com o solo de acordeom da canção
“Pica pau na madeira”, de Gino e Geno, ele
retoma o animado ensaio ao lado dos amigos
e vizinhos que se aproximam do forró.
O anfitrião prepara o ambiente com muito
carinho. Para beber tem cerveja, refrigerante e
a tradicional cachacinha mineira. E ninguém
fica com fome, pois o músico faz questão de
colocar na mesa uma panela de arroz soltinho,
outra de tropeiro e uma deliciosa leitoa
à pururuca assada ali mesmo, em um forno
de barro.
Música vai, música vem e começo a perceber
naquele ambiente que o ensaio é, na realidade,
uma grande confraternização de gente.
Milton e a dupla Ronei Costa e Fabiano abrem
espaço para outras pessoas puxarem as mais
diferentes músicas. O grupo de amigos toca
Amado Batista, Felipe e Falcão, Falamansa e
o ensaio acontece na melhor improvisação de
todas, quase como uma moda de viola.
Nesse momento, o Milton dos pequenos,
médios e grandes shows (inclusive da memorável
exibição com Sérgio Reis) contracena
com o outro Milton: o sujeito simples que
leva uma vida rural dentro do perímetro urbano
de Mariana. É ali que o prazer de tocar
se confunde com o de bater um bom papo, de
tomar um refrigerante (porque o sanfoneiro
não bebe álcool), de comer uma leitoa à pururuca
e, principalmente, de tratar o outro com
a aquela hospitalidade característica de quem
vive na roça. No final da festança, que teoricamente
seria um ensaio, Milton sintetiza qual
tom representa a música em sua vida: “música
é alegria, te traz novas amizades, você conhece
novos lugares e pessoas. É tudo de bom!”

Contemporâneo
Legislação
em
Update
Texto: Patrícia Botaro
Fotografia: Bárbara Zdanowsky
Edição gráfica: Luís Fernando Bráulio
Modelos: Rafael Camara, Tácito Chimato, Marllon Bento
A internet mudou o hábito de quem era acostumado a ouvir
vinis e cds. Temos à nossa disposição várias maneiras de
consumir música, seja executando downloads ou via streaming
(ouvindo sem baixá-las). As novas tecnologias alteraram,
também, a divulgação dos trabalhos dos artistas. Diversas
bandas optam por associar-se a instituições, como o Escritório
Central de Arrecadação e Distribuição (Ecad), que garantem
a proteção de seus materiais, mas há outras que preferem
trabalhar de forma independente. Esses novos hábitos mudam
o cenário da indústria fonográfica, mas a proteção na rede se
faz necessária de modo a assegurar os direitos dos artistas.
Acontece que, no Brasil, ainda não existe uma lei que garanta a
totalidade dos direitos autorais sobre as reproduções musicais
no ciberespaço, apenas a lei de Direitos Autorais Brasileira,
criada em 1998, época anterior às tecnologias que temos hoje.

Paulinho da Viola - Pecado Capital
Uploaded by RevistaCuringa on Aug 19, 2013
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Roberto Carlos - Ciúme de você
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1:14/ 5:51

“Não tem que ter nada
que impeça cada vez mais a
proliferação de cultura por aí
a fora.” é o que diz Fernando
Anitelli, vocalista do Teatro
Mágico, banda independente
que utiliza a internet como
modo de reprodução e divulgação
de suas músicas. Em
entrevista ao blog Musica x Direitos
Autorais o vocalista conta
que a banda já recebeu convites
de gravadoras para contrato,
mas recusaram, pois
preferem disponibilizar suas
músicas de graça na internet
e nenhuma das propostas incluía
isso.
A banda atribui o sucesso
que conquistou a internet e
aos fãs, que filmam os shows
e postam no site Youtube, além
de baixar as músicas gratuitamente.
A trupe vende seus
cds a R$ 5,00 depois do show
e por R$ 10,00 pelo site. Para
eles o importante é que a música
e a cultura sejam acessíveis
a todos. Fernando chama
isso de “pirataria saudável”.
Uma fã do Teatro Mágico, em
entrevista também para o
blog Musica x Direitos Autorais,
diz que “a essência deles está
em ser um grupo alternativo,
que deu certo e que conquistou
o público por ter seu
material democratizado na
internet.”
Assim como o Teatro Mágico,
várias bandas agem de
forma independente no meio
musical, se associando ou não
a instituições que garantam
seus direitos e optam por liberar
suas obras direto na rede.
O produtor musical e atual
vereador da cidade de Ouro
Preto, Chiquinho de Assis,
também é um artista independente
e concorda com as
bandas que não se associam a
gravadoras, mas diz que não
se deve ignorar a segurança
autoral desses artistas. Hoje,
tais bandas têm uma opinião
sobre associar-se a gravadoras,
mas podem mudar
de ideia depois. “Cito aqui
Bertold Brecht: ‘Onde o ouro
fala, tudo cala’. Nesse caso,
tudo toca, tudo canta”, diz o
produtor.
A Rua da Virada, formada
em 2012, é uma banda de Minas
Gerais independente que
já recebeu proposta da gravadora
Micheli Records, do
Rio de Janeiro. Não fecharam
contrato por não acharem as
propostas interessantes. As
músicas são criadas e adaptadas
por Adner Sena e Rao
Soares, todas registradas no
International Standard Recording
Code (ISRC), ou Código
de Gravação Padrão Internacional
e, em breve, na Biblioteca
Nacional. A divulgação
do trabalho foi feita, inicialmente,
no “boca a boca”. Em
seguida, passaram a disponibilizar
as músicas na internet,
ação que repercutiu de forma
positiva. A banda não se associou
ainda a nenhuma instituição
de arrecadação, mas
Adner diz que em algum momento
isso vai acabar acontecendo,
já que somente desse
modo a legislação prevê retorno
financeiro para os artistas.
Já o grupo In Box, atualmente
associado da UBE
(União Brasileira de Escritores),
tem suas músicas registradas
na Sociedade Brasileira
de Autores Compositores
e Escritores de Música (SBA-
CEM). No início trabalharam
de forma independente
e três anos depois assinaram
contrato com o Midas Music.
Segundo Daniel Fina, baixista,
assinar contrato com
uma gravadora reconhecida
é o “sonho de todo músico”,
por isso optaram por fazê-lo.
A divulgação da banda é feita
basicamente pelo site ou na
sua página no facebook, além
da venda de camisas, canecas,
adesivos e bolsas.
Lei de Direitos
Autorais e
internet
O MySpace é uma rede social
que divulga, de maneira
legalizada, trabalhos de
diversas bandas. A cantora
paulista Malu Magalhães, por
exemplo, ganhou visibilidade
e lançou um cd depois de
divulgar suas músicas nessa
plataforma. Bandas como
o Coldplay e os Guns N’ Roses
também lançaram seus álbuns
“Vila la Vida” e “Chinese
Democracy”, em 2008,
no MySpace, antes mesmo de
colocá-los a venda. O site não
oferece downloads, fazendo
com que o usuário permaneça
ali enquanto escuta a música
e acessa informações sobre a
banda de seu interesse. Além
do MySpace existem outras
maneiras para escutar ou baixar
músicas gratuitamente
como o 4shared, Kboing, Itunes,
Ares, Soundcloud e Last.fm.
Mesmo tão popular, o
MySpace não está livre de fiscalizações.
A gravadora Merlin
Network, uma agência internacional
criada para defender
os direitos das gravadoras
independentes de todo o
mundo no ambiente digital,
cancelou o acordo com o site
no final de 2012. O MySpace
continuou reproduzindo, no
início desse ano, canções no
modo streaming de bandas associadas
a Merlin sem ter seus
direitos renegociados. Segundo
o site Tecmundo, o MySpace
assumiu a culpa e disse que
membros aleatórios foram
responsáveis pelas postagens.
A lei brasileira nº 9.610/08
aprovada em fevereiro de
1998 e que regulariza os direitos
autorais é gerenciada
pela Diretoria de Direitos Intelectuais
do Ministério da
Cultura, o MinC. O advogado
Guilherme Varella, do Instituto
de Defesa do Consumidor
(Idec) disse em entrevista
para o site Portal Brasil, que
essa lei precisa ser reformulada
pelo fato de ter sido
criada fora do ambiente repleto
de tecnologia que temos
atualmente. Segundo ele, se
levarmos em consideração as
normas dos direitos autorais,
estamos agindo errado, já que
hoje usamos a internet com
muito mais frequência para
baixar e trocar conteúdos.

Ultraje a Rigor - Mim quer tocar (Money)
Uploaded by RevistaCuringa on Aug 19, 2013
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Cássia Eller - Sabotagem
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A advogada Líbine Christian,
especialista na área criminal,
explica que diferentemente
do que acontece no
Brasil, existem tratados fora
do país que garantem a proteção
no meio digital, como o
WIPO Copyright Treaty (WCT).
O WCT protege os direitos do
autor em todos os programas
de computador, sem importar
como está sendo usado. “A
partir do momento que o Brasil
enxergar a necessidade de
proteção dos Direitos Autorais,
firmando acordos como
o mencionado acima, teremos
efetivamente uma proteção
maior aos direitos do autor e
a possibilidade de punir infratores
que comercializam e exploram
músicas sem a devida
autorização”, diz ela.
Para o produtor musical
Chiquinho de Assis, é preciso
que haja uma reformulação
na lei de Direitos Autorais.
Ele acredita que hoje é impossível
se pensar no direito autoral
no Brasil sem considerar
as atuais plataformas digitais
e a existência de autores que
distribuem seus trabalhos
na rede. Há artistas que não
veêm necessidade de cobrança
e outros que não enxergam
dessa maneira. Para ele, essa
divisão de opiniões só será resolvida
depois da revisão desse
regulamento.
Adner Sena, um dos integrantes
da Rua da Virada,
também concorda que a Lei
de Direitos Autorais tem que
se adaptar ao atual contexto
de produção, distribuição e
divulgação da arte. Mas ele
vê também a necessidade de
uma mudança no conceito
de autoria. ”A Lei do Direito
Autoral parte da velha noção
do autor como proprietário de
sua obra. Há, com isso, a meu
ver, a valorização da música
enquanto produto, mas uma
total desconsideração do seu
trabalho enquanto processo.
Acho que a lei entende pouco
das artes”, explica o músico.
Trabalhando de forma independente
ou não, muitos
artistas se associam a instituições
que recolhem os valores
de arrecadação de suas
músicas. O autor tem direito
de ser recompensado pela
exploração e reprodução das
suas obras. Uma dessas instituições
é o Ecad.
O Ecad
A lei Medeiros e Albuquerque
foi a primeira lei brasileira
criada sobre o direito
do autor, em 1º de agosto de
1898. Mas, somente com a
chegada do Código Civil de
1916, a sociedade começou
a se preocupar com a importância
dos direitos autorais, já
que no ano seguinte foi criada
a Sociedade Brasileira de Autores
Teatrais (SBAT). A compositora
Chiquinha Gonzaga
foi uma das principais líderes
da sociedade. No início trabalhou
apenas com autores
teatrais, anos depois começou
a lidar com produtores musicais.
Depois da criação da
SBAT, outras sociedades foram
surgindo. O aumento
dessas associações fez com
que a arrecadação desses direitos
se tornasse confusa e
desordenada. Associados deixavam
de pagar por não saber
a quem pagar. Para acabar
com as disputas das sociedades
arrecadadoras foi instituída,
em 1973, a Lei de Direito
Autoral nº 5.988/73. Essa lei
determinava a criação de um
sistema único para gerenciar
os direitos autorais: o Ecad.
O Escritório Central de
Arrecadação e Distribuição
(Ecad) é a principal forma de
fiscalização, cobrança e distribuição
do dinheiro para os artistas.
Atualmente é mantida
pela Lei de Direitos Autorais
brasileira. O escritório é uma
instituição privada que fica
no Rio de Janeiro e tem nove
associados. Essas associações
têm a responsabilidade de
controlar e enviar os dados de
cada sócio e o seu repertório
ao Ecad.
No dia 10 de julho desse
ano, foi aprovado no Senado
Federal e na Câmara o projeto
de lei que define novas condições
de arrecadação e distribuição
de direitos autorais
sobre obras musicais. Esse
texto base, aprovado pela
Comissão de Constituição e
Justiça (CCJ), segundo o site
do Senado Federal, garante o
direito dos próprios artistas
definirem os preços de suas
composições e as formas de
cobrança. Exige, ainda, transparência
do Ecad e das associações
que lidam com esse
tipo de serviço e prevê a fiscalização
dessas associações
pelo Ministério da Cultura.
Em 2012 foram arrecadados
mais de 600 milhões de
reais. Muitos artistas brasileiros
acompanharam a votação
diretamente do Senado, em
Brasília, como Lenine, Caetano
Veloso, Roberto Carlos,
e Carlinhos Brow. “Queremos
fiscalização acirrada”, diz a
cantora Roberta Miranda em
entrevista à TV Senado.
Os artistas dizem que não
há transparência do órgão, reclamam
das taxas altas e ressaltam
que a distribuição do
dinheiro não é correta. A CPI
do Ecad foi criada para investigar
essas irregularidades no
funcionamento do escritório.
“O que estamos fazendo é um
update no Ecad”, ressalta Carlinhos
Brown, também em
entrevista para a TV Senado.
A lei foi aprovada e publicada
no Diário Oficial da União, no
dia 15 de agosto desse ano. A
nova lei passa a vigorar dentro
de 120 dias e destinará
85% dos valores arrecadados
aos artistas, que recebem hoje
75,5%.
Uma coisa é certa: mudanças
trazem novas possibilidades.
A evolução da
tecnologia mudou o nosso
comportamento no que diz
respeito ao consumo e a produção
de música. A internet
facilitou o acesso à música
e o modo de divulgá-la, ajudando
a propagar o trabalho
das bandas que ouvimos, mas
não queremos atrapalhar o
trabalho delas. A reivindicação
por novas leis é pertinente,
para garantir os direitos
dos artistas e de seus fãs.

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Cartola - O mundo é um moinho
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acava aqui
`
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Retalhos
O Gatilho da Memória
Lembranças
Texto: Rodrigo Pucci
Edição gráfica: Isadora Rabello
No filme “O Lado Bom da Vida” (2012), o protagonista Pat
Solitano (Bradley Cooper) tem um sério problema com uma
música. A canção “My Cherie Amour” de Stevie Wonder funciona
como um “disparador”, que ao ser acionado faz com que
o personagem tenha um surto, remetendo a uma péssima lembrança.
Segundo Geraldo José Ballone, médico psiquiatra e professor
de psiquiatria da Faculdade de Medicina da PUC Campinas,
“a música acompanha praticamente todos os momentos
emocionais importantes nas nossas vidas, desde as canções de
ninar até a música fúnebre.” Em seu blog psiqweb.med.br, Ballone
ainda explica: “a atividade musical envolve quase todas as
regiões do cérebro. A música que emociona acaba ativando as
estruturas das regiões cerebelares (responsáveis
pela produção e liberação dos neurotransmissores
dopamina e noradrenalina) e principalmente
da amígdala, que é a principal área
do processamento emocional.”
O artista autônomo Alejandro Villa, 37
anos, recorda-se de uma viagem que fez ao
Uruguai, há mais ou menos 15 anos, marcada
por uma trilha sonora. “Éramos quatro
amigos em uma kombi, e havia um disco do
Legião Urbana que foi repetido várias e várias
vezes pela estrada. Até hoje, quando ouço a
voz de Renato Russo, me lembro daquela viagem
inesquecível.”
A aposentada Edinéia Luzia da Silva, 63,
sempre que ouve o cantor Roberto Carlos,
lembra-se de quando era jovem. “Uma ótima
lembrança que eu tenho é a de um show do
Roberto Carlos na cidade em que nasci, Cachoeiro
de Itapemirim. Ouvi-lo hoje não só
me faz lembrar daquele dia, mas de toda minha
juventude”.
Ao longo de nossas vidas adquirimos
diversas experiências. Quando estas são
acompanhadas de música, ficamos sujeitos
a reviver tais histórias através da lembrança
musical. É como se nossa memória estivesse
sempre com o dedo no gatilho, pronta para
atirar, trazendo à tona momentos agradáveis
como a juventude de Edinéia e Alejandro ou o
trauma de Pat Solitano.
O
Ilustração: Lucas Salum
Embalos de
Musicoterapia
Texto: Rodrigo Pucci
Edição gráfica: Isadora Rabello
Ocean Drum
Com relatos de utilizações similares desde a Grécia Antiga,
a musicoterapia se diferencia das outras formas de tratamento
por estar incluída na categoria de terapias alternativas. Nela
“a música é a linguagem que desencadeia o processo terapêutico
e possibilita a ativação do imaginário”, afirma a doutora
Alcita Coelho, formada em Música pela Universidade Federal
de Uberlândia (UFU) e Musicoterapia pela Universidade de Ribeirão
Preto (UNAERP).
Segundo a doutora, “é possível criar imagens mentais a
partir de uma audição. Não precisa haver letra, às vezes uma
música instrumental pode remeter a uma determinada época
ou a alguma paisagem”. O trabalho pode ser feito em grupo
ou individualmente, dependendo das características e necessidades
dos envolvidos. Idosos, gestantes, bebês, crianças com

Comprar, ouvir e orar
Gospel
Texto: Rodrigo Pucci
Edição gráfica: Isadora Rabello
tã. Não passa de uma mera rotulação para
agradar aos fiéis ouvintes. A música que
fala sobre a fé em Cristo é gospel; seja por
meio do pop/rock, metal, rap ou reggae.
O jornalista, publicitário e diretor de
marketing do Salão Internacional Gospel,
Marcelo Rebello, 39, relaciona essa pluralidade
a uma abertura da Igreja para outros
estilos: “Na década de 80, a Música
Gospel era fechada dentro da Igreja. De
uns tempos para cá, houve um crescimento
em termos de quantidade, de qualidade
e de investimento. A própria Igreja abriu
as portas para poder fazer música de uma
forma diferente. Antes não podia ter bateria,
guitarra, não podia tocar rock, reggae,
a música tinha que ser clássica, lírica, sacra
mesmo.” Essa mudança de comportamento
reflete também as preferências do
mercado musical.
Em se tratando de números, apesar do
maior número de vendas de um disco do
segmento pertencer ao Padre Marcelo Rossi,
os evangélicos vêm ganhando espaço,
reflexo da mudança no comportamento
religioso da população. Segundo dados do
Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística
(IBGE), entre 2000 e 2010, a porcentagem
de evangélicos no Brasil subiu de
15,5% para 22,2%, já a população católica
no mesmo período diminuiu de 73,6%
para 64,6%.
Fotos: Ramon Cotta
De acordo com a última pesquisa sobre
o perfil musical brasileiro feita em 2011 pela
Associação Brasileira de Produtores de Discos
(ABPD), os artistas representantes do estilo
conhecido como Gospel ocupam metade da
lista dos 10 Cds mais vendidos do ano. Um
retrato da influência da fé na venda de discos.
Esse tipo de música surge no início do
século 17 nos Estados Unidos e tem como
principal essência a Música Cristã Negra, originada
da imposição aos escravos para que
participassem dos cultos religiosos. Como na
época a maioria das igrejas não dispunha de
instrumentos, as canções eram interpretadas
em estilo acapella.
Já o termo “Gospel” só viria a ser utilizado
em uma coletânea de músicas chamada
“Gospel songs” de Philip Bliss, considerado
um dos pais do gênero, em 1874. A palavra
vem da expressão “god spell”, que significava
“boas novas”, fazendo alusão à chegada de
Cristo no mundo. Com letras que glorificam o
Senhor, o gênero serviu de grande influência
aos artistas do blues/rock dos anos 1950, tais
como Mahalia Jackson, Aretha Franklin, Ray
Charles, além de Elvis Presley, que cantou em
cultos religiosos durante a infância.
No Brasil, mesmo ocupando a vice-liderança
em número de vendas, o “Gospel” caracteriza
quase que exclusivamente artistas
evangélicos, enquanto que o catolicismo é representado
pela Música Contemporânea Crisdificuldade
de aprendizado, pessoas com Síndrome de Down,
Alzheimer, em coma e com problemas psiquiátricos são pacientes
comuns. A musicoterapia também pode ser aplicada em
conjunto com UTIs, tratamento fisioterápicos, de câncer; e em
escolas regulares e dinâmicas de grupo em empresas.
Para o musicoterapeuta, cada sessão é única, tal como uma
apresentação é para um artista. Profissional da área há mais de
15 anos, Alcita explica que a Musicoterapia trabalha com um
conceito chamado identidade sonora e a sua aplicação pode
variar segundo a vivência individual, o tipo de música que
mobiliza o paciente. “Então, ao contrário do que muita gente
imagina, nem sempre a pessoa vai ouvir uma música calma e
meditar. Isso depende da história musical de cada um e essa
identidade é muito forte”.
O local onde ocorrem as sessões é chamado de “set”. Ele
deve ser confortável e oferecer possibilidades para a experimentação
musical. O ambiente deve estar montado privilegiando
estímulos diversos, com instrumentos que podem
ou não ser usados. Deve ter espaço para movimentos que
podem estar ligados a expressão pela música.
No “set” onde atua a doutora Alcita Coelho, é possível
observar instrumentos variados, desde os conhecidos piano,
tambor e violão até outros mais exóticos como o caxixi,
agogô e o ocean drum, uma espécie de caixa com várias bolinhas
dentro, que ao ser rodada, imita o som de ondas do
mar, atribuindo poder terapêutico às ondas sonoras.

Texto: Kleiton Borges
Edição gráfica: Ana Luiza Batista
Foto: Isadora Faria
Plural
“A música tem uma linguagem
universal”- palavras
do holandês Tijs Michiel
Verwest, mais conhecido
como DJ Tiesto. A trance music
de Tiesto mistura batidas
eletrônicas e vozes. Sugere,
como o nome já diz, uma sensação
de transe para quem
ouve. Podemos não entender
holandês entretanto a euforia
e vitalidade transmitidas
por suas músicas ultrapassam
barreiras linguísticas.
Certa vez, meu velho pai
confessou-me que uma das
músicas mais marcantes de
sua vida é “Ob La Dí, Ob La
Dá, lagos on”(sic). A primeira
parte da sentença é inconfundível:
um sucesso dos
Beatles de 1968. Porém, o que
me intrigou foi justamente a
segunda. Pra ele, pouco importa
que o correto seja “Life
goes on”. Nascido em Minas
Gerais, nunca saiu das terras
tupiniquins. Quantos milhões
de pessoas tem suas vidas
marcadas por músicas nas
quais, suas letras não fazem
sentido? Ou ainda, quantas
músicas sequer possuem letras
e, somente por sua melodia,
ficam guardadas na
memória? A música consegue
superar o “verb to be”.
De acordo com o professor
de música Edésio de Lara
Melo, a música acompanha
a humanidade desde que o
Homo Sapiens surgiu na terra
há cerca de 100 mil anos.
“O ser humano usava além
da voz, o próprio corpo como
instrumento de percussão. O
homem por assim dizer é o
‘instrumento musical’ mais
antigo que se conhece”, afirma
Edésio.
“Quem me
enfeitiçou
O mar, marée,
bateau
Tu as le
parfum
De la cachaça
e de suor”
(Joana Francesa, Chico Buarque)
Talvez essa junção homem,
voz e instrumento expliquem
minhas questões. A
linguagem musical tem sua
universalidade, somos músicos
e seres sonoros em nossa
essência.
Dispensa dicionários, regras
ou acordos gramaticais.
Não é feita para ser necessariamente
compreendida, mas
acima de tudo para ser sentida.
Mesmo quando não se intende
o verso, a voz se torna
mais um instrumento dentro
da composição, e um dos
mais harmoniosos, diga-se de
passagem.
Apesar do canto ser a
expressão musical mais evidente
do ser humano, aquilo
que é cantado nem sempre
possui uma fórmula.Exemplo
disso é a letra da canção
“Joana Francesa” composta
para o filme homônimo de
Cacá Diegues. Chico Buarque
brinca com a linguagem, usa
duas línguas de origem latina
– francês e o português – na
mesma canção, transcendendo
a “barreira” linguística dos
idiomas.
Até quando não há uma
voz dentro da composição, a
música tem a capacidade de
nos transportar. Prova disso é
a ópera “As Quatro Estações”
de Vivaldi. Seja na América
do Sul, onde ouço a canção,
seja na Itália, país de origem
do músico, a intensidade do
inverno ou o vigor do verão
são sentidos através da música
orquestrada.
A música é a arte e a ciência
de combinar os sons de
modo agradável ao ouvido.
Devemos considerar que cada
ouvido é acariciado de um jeito
diferente por ela, porém,
por mais exigente que esse
ouvido seja, sempre existirá
uma música para agradá-lo,
afinal: ser humano é ser música.

Curingaonline
Fotos: FÁBIO BRITO
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digital, o mp3 em formato de CD.
No ensaio desta edição online da
Revista Curinga, confira o encontro
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