Revistinha do Cine Club Edição 10

EDITORIAL
Olá amigos,
O gênero cinematográfico que ficou conhecido como ficção
científica (ou sci-fi) geralmente é muito pessimista com relação
ao futuro da humanidade. Tal desalento se dá, em grande parte,
pelo nosso baixo progresso humanístico ao longo dos milênios,
onde as pessoas sempre foram concebidas e criadas pela
sociedade para sobreviverem a qualquer custo, não importando o
quê ou a quem precisarão destruir nas suas egoísticas lutas por
poder ou dinheiro, fatores que, segundo essa lógica, serão
determinantes nessa sobrevivência.
Então é natural que os escritores e roteiristas desse gênero
abordem a questão com ceticismo, e mostrem um futuro onde
todo o avanço tecnológico é utilizado como ferramenta para que
os indivíduos que estão no poder aumentem o domínio e o
controle sobre os outros, se mantendo no topo dessa cruel
“cadeia alimentar”.
Nesta edição, trazemos uma lista com “10 filmes clássicos sobre
distopias que você precisa conhecer”, elaborada pelo colaborador
M.V. Pacheco e eu posso garantir que são filmes realmente
imperdíveis.
Teremos ainda a crítica no filme nacional “Entre Irmãs” elaborada
por Leonardo Barreto; do violento “Brawl in cell Block 99” do
diretor Z. Craig Zahler (O Rastro da Maldade, 2015) na crítica de
Eduardo Kacic; o último roteiro de Akira Kurosawa: “Sob o Olhar
do Mar” nos comentários de Cecília Peixoto; a crítica nada
açucarada ao documentário “The Sugar Film” elaborada por Luiz
Santiago; novamente Cecília Peixoto com o filme “Aprile” do
cineasta italiano Nanni Moretti e a resenha do coreano “Na Praia
à Noite Sozinha” apresentada pelo Ricardo Luís.
Na linha de “filmes clássicos”, temos a crítica de Cristiane Costa
ao sensacional “O Galante Mr. Deeds” de Frank Capra; “A Noite
do Demônio” de Jacques Torneur, “Brazil: O Filme” de Terry
Gillian e “A Ilha Nua” de Kaneto Shindô nas resenhas deste editor.
Boa leitura e até semana que vem!
Ary Ximendes
REVISTINHA DO CINE CLUB
Ano I - Edição 10
15 de outubro de 2017
Editor: Ary Ximendes
Design: Ary Ximendes com fotos
disponíveis na internet.
Colaboradores desta edição:
Eduardo Kacic, Luiz Santiago,
Leonardo Barreto, Cristiane Costa,
Cecília Peixoto, Paulo Moura,
Ricardo Luís e M.V. Pacheco.
Esta publicação não possui finalidade
comercial, destinando-se única e
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ENTRE IRMÃS
Por Leonardo Barreto em Quarta Parede
‘Entre Irmãs’: um épico feminino sobre mulheres
construindo os seus destinos
Há uma fala de uma personagem de Entre Irmãs que é
emblemática. “Eu não sou uma dama. Eu sou uma
costureira”. Definido pelo próprio diretor como um épico
feminino e intimista, o longa consegue abordar em
quase três horas de duração temas variados em uma
estrutura que embora tenda ao melodrama, é
sustentada por atuações muitos sólidas e um excelente
visual.
Em Entre Irmãs, Marjorie Estiano é Emília, uma jovem
que sonha em casar e se mudar para a capital. Nanda
Costa vive a impetuosa Luzia, que faz a opção de
seguir um violento grupo de cangaceiros. Criadas para
serem costureiras no sertão nordestino, ao serem
separadas por circunstâncias adversas, elas enfrentam
o preconceito e o machismo, tanto na alta sociedade
quanto no interior.
O diretor Breno Silveira se mostra à vontade para mais
uma vez desenvolver personagens fortes, como em 2
Filhos de Francisco e Gonzaga – de Pai para Filho.
Desta vez ele possui a missão de retratar duas
mulheres de personalidades distintas, porém firmes e
decididas. Outro ponto a favor de Breno é o Nordeste.
Ele sabe como poucos captar imagens e compor os
cenários do interior, auxiliado por uma ótima direção de
arte e figurinos que evocam instantaneamente o
Nordeste do país dos anos 20 e 30, época em que se
passa o filme.
A fotografia também é didática ao dar visões distintas
ao longa. No interior, cores quentes se misturam as da
terra, enquanto enquadramentos mais abertos dão a
sensação de imensidão do local. Na capital os planos
são mais fechados (por conta da situação de uma
personagem em específico) e o visual é mais clean.
Outro aspecto técnico muito eficiente em Entre Irmãs é
a montagem, que intercala bem as histórias de forma
que haja dinamismo, algo necessário por conta da
longa duração do filme. A fluidez só não é percebida no
ato final, que é demasiadamente longo.
A trama se inicia com um prólogo em que
acontecimentos da infância das irmãs são mostrados,
passando pela juventude até o momento em que a
separação acontece. Um acontecimento inimaginável
soa como uma grande surpresa logo nos primeiros
minutos. Se muito do que acontece no decorrer da
trama é de certa forma previsível, há alguns pontos que
subvertem as expectativas do público. As escolhas das
personagens são fundamentais e movem o enredo,
enquanto que o enfrentamento das dificuldades em um
ambiente hostil são explorados em ambos os núcleos.
O roteiro de Patrícia Andrade, baseado na obra de
Frances de Pontes Peebles “A Costureira e o
Cangaçeiro”, é bastante cuidadoso em amarrar todas
as pontas. No entanto, alguns arcos e subtramas
demoram a receber seu desfecho e quando isso
acontece, há um didatismo desnecessário. Porém, o
texto é sensível em muitos momentos e há espaço para
diálogos mais intensos, tanto no cangaço quanto na

alta sociedade pernambucana. Há um ponto extremamente positivo que é,
além de haver personagens femininas fortes, também há espaço para o
desenvolvimento de personagens masculinos.
BRAWL IN CELL
BLOCK 99
Se por um lado o longa possui uma trama de certa forma inflada por muitos
acontecimentos, isso possibilita a discussão de diversos temas. Identidade,
senso de pertencimento a um local, família, machismo, sexualidade e amor
são tratados de maneiras sutis e tocantes. Também há um importante
paralelo com o que acontece com Emília e Luzia, em relação as suas
expectativas de futuro.
As atuações de Nanda Costa e Marjorie Estiano são extremamente
elogiáveis. Nanda carrega em seu olhar mais fechado uma expressividade
necessária à personagem, endurecida por circunstâncias da vida e até
mesmo por sua própria personalidade. Foi uma escalação bastante acertada
assim como a de Marjorie, que por sua vez traz doçura e ingenuidade em
sua caracterização, algo que com o tempo os acontecimentos se
encarregam de amenizar. A química entre as duas é algo muito importante
aqui e elas convencem como irmãs.
Julio Machado e Romulo Estrela também estão ótimos como Carcará e
Degas, personagens totalmente diferentes um do outro mas que possuem a
complexidade para nos envolvermos com suas tramas. Mesmo com um
tempo de tela mais reduzido, Letícia Colin se destaca como Lindalva,
trazendo uma visão diferente de mundo em contraponto aos protagonistas. O
elenco de apoio cumpre seu papel com eficiência, embora haja alguns
trejeitos novelescos em determinados momentos.
Carregando consigo sensibilidade e firmeza do universo feminino em sua
narrativa, Entre Irmãs ainda tem o mérito de discutir temas relevantes e que
ainda são tratados com tabu nos dias de hoje. Com mais acertos do que
erros, o filme figura como mais um bom drama nacional em 2017. É uma
história sobre circunstâncias e escolhas, com um visual primoroso e
belíssimas atuações.
(Entre Irmãs, Brasil, 2017)
Direção: Breno Silveira
Elenco: Ângelo Antônio, Rita Assemany, Cyria Coentro, Nanda Costa, Letícia
Colin, Cláudio Jaborandy.
+++++
Por Eduardo Kacic em Portal
do Andreoli
Um dos melhores filmes lançados
em 2015, até hoje muita gente
desconhece. Estou falando do
violento western Rastro de
Maldade (Bone Tomahawk),
produção que chegou ao circuito
completamente fora do radar dos
grandes lançamentos, protagonizada
por nomes como Kurt
Russell e Patrick Wilson, e
dirigida com mão firme e pesada
por um estreante, o jovem Z.
Craig Zahler. Em minha crítica
para o referido western, isso em
2015, mencionei que o nome de
Zahler merecia um lugar no radar
do público, pois o cineasta
parecia realmente ter algo a dizer
com seu cinema. Hoje, depois de
conferir este ultraviolento Brawl in
Cell Block 99 (EUA, 2017), seu
segundo filme, eu posso afirmar
com um sorriso no rosto: eu
estava certo.
Desta vez, Zahler (responsável
também pelo roteiro da
produção), conta a história de
Bradley Thomas (Vince Vaughn),
que após perder seu emprego
como motorista de um guincho e
descobrir que sua esposa Lauren
(Jennifer Carpenter, de O
Exorcismo de Emily Rose) o está
traindo, decide esquecer tudo e
recomeçar sua vida. Ele perdoa
sua esposa, e juntos eles
planejam construir uma família.
Para isso, entretanto, Bradley
teria de trabalhar por um curto
período como um contrabandista
de drogas, o que acaba

funcionando bem por um tempo. Porém, quando uma negociação com um
cartel acaba dando errado, Bradley é pego no flagra e encarcerado em um
presídio de média segurança.
Sua situação piora ainda mais quando Lauren é sequestrada pelo chefão do
cartel, que ordena a Bradley que encontre uma maneira de ir parar no
presídio de segurança máxima Redleaf, e uma vez lá, Bradley teria de matar
um dos detentos, para assim pagar sua dívida com o cartel. Caso Bradley
não cumpra as ordens do chefão, o bebê que sua mulher está esperando
será arrancado de sua barriga por um abortista (sim, é isso mesmo). A
história então acaba se tornando uma espécie de “filme de fuga de prisão ao
contrário”, com Bradley tentando ir parar em Redleaf para assassinar o
detento da cela 99.
Sempre fui fã do ator Vince Vaughn, mesmo reconhecendo que na grande
maioria das vezes ele repete o tipo de personagem falastrão e folgado que o
fez famoso em várias comédias. Entretanto, Vaughn tem mudado bastante
seu escopo de atuação atualmente, como pôde ser visto na segunda
temporada da série True Detective, por exemplo. Neste Brawl in Cell Block
99 contudo, Vaughn eleva seu nível de atuação a patamares que nunca
havia chegado antes na carreira. O filme vive e morre com Vaughn, que
entrega uma performance física, bruta e visceral, no papel de um homem
que fala sussurrando, mas cuja verdadeira voz é a violência.
faz o filme anterior de Zahler, o
citado e violento Rastro de
Maldade, parecer um passeio no
parque.
Brawl in Cell Block 99 pode não
ser o filme que você espera, mas
ainda assim é um filme
surpreendentemente rico e
poderoso, apesar de sua
“impressão” de filme B. Ao invés
de jogar a plateia no meio da
porrada desde o começo, Zahler
e seu filme querem que o público
invista em Bradley e se importe
com suas decisões, independente
do fato do espectador saber que
ele é um homem capaz de
transformar um indivíduo em suco
de carne. Graças à performance
colossal de Vaughn e a direção
sem concessões de Zahler, Brawl
in Cell Block 99 consegue
escapar ileso da corda bamba de
ser um filme grindhouse, para ser
um drama contundente que
genuinamente se importa com
seu trágico protagonista.
Brawl in Cell Block 99 ainda não
tem previsão de estreia nos
cinemas brasileiros, e deve
chegar ao país diretamente
através do serviço de streaming e
VOD.
Não dá para negar que Brawl in Cell Block 99 tem uma vibe daqueles filmes
de cadeia fuleiros exibidos na TV Bandeirantes. Contudo, o drama exposto
no filme nunca soa barato, e se Zahler quisesse, ele poderia ter partido direto
para a ação. Ao invés disso, ele toma seu tempo, sempre pausando a
narrativa para que o público possa analisar a bússola moral do protagonista,
que sempre que tenta fazer algo de bom, acaba tendo que enfrentar
consequências ruins. Bradley não é um sociopata que procura pela violência,
mas é na violência que ele se destaca. Ele parece ser um homem que não
sente realmente nenhum tipo de dor física, mas também não é indestrutível.
O protagonista é o tipo de homem que quando toma uma decisão, nunca
volta atrás. Ele não barganha, não apela, e não despista. Ele escolhe um
caminho e massacra quem estiver à sua frente.
Para Vaughn, sua performance em Brawl in Cell Block 99 não poderia ser
mais diferente do que seus outros papéis. O ator não precisa que o público
goste de Bradley, mas ele quer que o espectador entenda suas decisões. Ao
invés de se apoiar no diálogo, Vaughn se apoia no físico, usando seu
tamanho e estatura para controlar o tempo da cena, compondo um
personagem que deve ser temido e respeitado, e cujas manifestações de
violência expressam sua verdadeira e demolidora personalidade.
A violência que ele impõe é aterrorizante, e Zahler caminha sobre uma linha
tênue ao mostrar como esta violência carrega o que há de melhor e pior em
Bradley. Sua habilidade em castigar pessoas é o que o colocou em sua difícil
situação, mas é também a única coisa que pode salvar Lauren e seu bebê
que está por vir. Resta então ao público torcer pela fúria destrutiva de seu
protagonista, à medida em que Zahler a retrata com tanta brutalidade, que é
impossível o filme ganhar uma censura inferior à dezoito anos. O filme exalta
cada um de seus sangrentos momentos, e eles são tantos e tão brutais, que
(Idem, EUA, 2017)
Direção: S. Craig Zahler
Elenco: Jennifer Carpenter, Vince
Vaughn, Tom Guiry, Don
Johnson, Mustafa Shakir
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SOB O OLHAR DO MAR
delicada, sobre gueixas em busca
do amor, que foi muito bem
fotografada e encenada.
Último romance escrito pelo
diretor Akira Kurosawa.
(Umi Wa Miteita, Japao, 2002)
Direção: Kei Kumai.
Roteiro: Akira Kurosawa, Kei
Kumai, Shugoro Yamamoto.
Elenco: Nagiko Tôno, Hidetaka
Yoshioka, Masatoshi Nagase,
Misa Shimizu.
Minha nota: 3,8 -5
.Por Cecília Peixoto em Cinema Oriental
"É impossível viver sem algo que nos dê animo."
Um bordel numa cidade à beira-mar. O século: XIX. Uma prostituta que
ainda conserva a pureza dos sentimentos e apaixona-se pelos clientes.
Quando um samurai (Hidetaka Yoshioka, de Rapsódia em Agosto) vai parar
lá, fugindo de uma briga na qual se metera e em que tem lembrança de ter
ferido alguém, apesar de muito bêbado, O-Shin (a linda Nagiko Tohno) o
ajuda. Fusanosuke, esse é o nome dele, fica muito agradecido e passa a
procurar O-Shin. Ela, alertada pelas outras, principalmente por Kikuno, tenta
evitar de vê-lo. A diferença de classe é muito grande entre eles, o que aquele
jovem bem-nascido vai querer com uma moça como ela? Mas isso não
impede que O-Shin se apaixone pelo jovem samurai.
+++++
THAT SUGAR FILM
Fusanosuke lhe diz que ela não tem que ter vergonha do que é, que ela
apenas teve menos sorte que ele e que acredita que se ela deixar de exercer
a profissão, voltará a ser pura. Isso acalenta a esperança não só nela quanto
nas amigas do bordel, que se dispõem a atender os clientes dela para livrá-la
do pecado, enquanto Fusanosuke faz uma viagem.
Como não se encantar com essas mulheres? As gueixas, retratadas sem
vulgaridade, muito pelo contrário, elas eram de uma beleza, sempre com
seus lindos quimonos e penteados, mostrando cuidado e empatia umas com
as outras. Uma história simples e sensível, onde os sonhos de cada uma são
revelados quando elas ajudam O-Shin. Porque embora elas temessem por
O-Shin, por ela se envolver emocionalmente, quando elas resolvem ajudá-la
a se casar com um samurai, elas também estão realizando o lado romântico
escondido delas.
Um outro jovem rapaz (Masatoshi Nagase de Trem Mistério) aparece e se
apaixona por O-Shin,
Um temporal avassalador atinge o vilarejo, provocando a fúria do mar e o
transbordamento dos rios. Um velho cliente aparece para resgatar Kikuno,
ele quer que ela fuja com ele, mas ela não quer, o que provoca uma outra
briga no filme.
O mar, que testemunhou todos os dramas daquele bordel e das gueixas,
vem agora mudar toda a vida delas. A cena de O-Shin e Kikuno no telhado,
quase tocando as estrelas, é de uma beleza ímpar.
Akira Kurosawa escreveu esse roteiro que deixou inédito em 1993. Adaptou
dois contos: "O Cheiro de uma Flor Desconhecida" e "Antes que o Orvalho
Seque", de Syugoro Yamamoto. Sua intenção era desmentir os críticos que
diziam que não sabia escrever personagens femininos. O filme procurou
seguir todas as anotações (desenhos, sketches e até mesmo o desenho de
produção de Kurosawa), inclusive com determinados detalhes, por exemplo,
a heroína é a única a usar quimono vermelho. Foi o filho de Kurosawa quem
escolheu o diretor Kei Kumai para dirigi-lo. Assim, ele contou esta história
Por Luiz Santiago em Plano
Crítico
Primeiro longa-metragem dirigido
por Damon Gameau, That Sugar
Film é um documentário
australiano que parte de
questionamentos do cineasta
sobre uma dieta com a massiva
presença de açúcar (frutose) no
cotidiano. Em dado momento da
fita ele expõe, através de uma
explicação cômica atrelada a uma
excelente animação, como
funciona o processo de digestão
do açúcar em nosso organismo,
marcando um ponto importante
das reflexões sugeridas na obra,
ou seja, não importa se estamos
lidando com sacarose, xarope de
milho com alto teor de frutose ou
com as mais diversas variações
dadas pela indústria alimentícia:

ao digerir esse alimento com uma determinada enzima, nosso organismo
separa glicose e frutose, fazendo o perigo permanecer. A obra nos ajuda a
tornar plural o olhar para a má alimentação em nosso tempo e ressalta que a
gordura não é exatamente a senhora de todos os males.
contra a gordura, iniciada nos
anos 1980, e o estabelecimento
do açúcar como o “mocinho doce”
da história, ainda hoje encoberto
por caminhos de pesquisas
suspeitas que exibem com
orgulho a frase “não há consenso
de que faz mal“. Um daqueles
filmes “inconvenientes” que nos
faz pensar, nos impulsiona a
pesquisar dados sobre o tema e
nos faz querer mudar alguns dos
hábitos alimentares mais comuns
que adquirimos ao longo dos
anos.
A concepção do filme parte, na verdade, de um experimento. No momento
em que estava filmando a obra, Gameau já estava em uma dieta livre de
açúcar há 3 anos, e então, prestes a ser pai e com uma grande quantidade
de notícias e dados alarmantes sobre o tema em mãos, resolveu usar o
próprio corpo como cobaia. Aqui, o espectador percebe o caráter rigoroso do
projeto, o que em termos de valor do documentário — não apenas no tema,
mas no caminho utilizado para se chegar às conclusões científicas — torna a
obra um bom espaço de discussão, mesmo nas discordâncias, uma vez que
o trajeto percorrido teve uma cuidadosa preparação, primeiro com os
exames de sangue, depois pela consulta em diferentes especialistas e só
então chegando ao estabelecendo da nova dieta.
Um dos problemas frequentes encontrados em documentários com
temáticas “onde não exite consenso científico” é o uso solto de justificativas
e processos analíticos, boa parte deles feitos para confundir ou encobrir
caminhos diferentes de interpretação, o que não acontece aqui. That Sugar
Film não só é uma obra criativa, com entrevistas, imagens geradas por
computador, esquetes cômico-histórico-didáticos (protagonizados por Hugh
Jackman, Stephen Fry e Brenton Thwaites), cenas de viagem, inserção de
novas telas, processos de consulta médica, música e animações; mas é
também um documentário que lida honestamente com o outro lado da
moeda, abordando alguns de seus caminhos e entrevistando um dos
representantes deste lado, ligado à Coca-Cola e cuja entrevista é um misto
de vergonha e marketing muitíssimo bem pago. O diretor poderia trazer mais
representantes para comentar o problema e inseri-los de maneira mais firme
nos últimos blocos do longa, mas isto é apenas um caminho de construção
da problemática, não algo que inutilize ou classifique a obra como uma
falácia doutrinadora que quer demonizar o tão delicioso açúcar.
Sendo orientado por sua nutricionista a manter exatamente o mesmo nível
de carboidratos por dia (ao longo do processo ele chegou, inclusive, a ingerir
menos do que antes), o diretor colocou na dieta produtos SAUDÁVEIS (com
a tag light ou diet) contento açúcar, mantendo a média que a maioria da
população consome por dia, e isso sem mergulhar nas junkie foods. Apenas
com drinques energéticos, chás, estimulantes e “substituidores de refeição”,
o documentarista conseguiu aumentar consideravelmente, em três meses de
experimento, o seu peso, a circunferência do abdômen, o nível de gordura
no fígado, além de desenvolver um estágio de letargia e, talvez uma das
coisas mais terríveis que o excesso que açúcar pode trazer, a falta de
clareza mental, devido ao descontrole do cérebro ao lidar com os picos de
“felicidade” pela ingestão de um produto doce e a espera de outra “dose”
(exatamente como um viciado em drogas) para que o estado de euforia volte
novamente. O mais interessante é que no processo, o autor também
manteve o ritmo diário de exercícios diários. Mesmo assim, os resultados
foram catastróficos.
Abordando com cautela as mudanças históricas, colocando algumas
propagandas de TV, problematizando a ação de produtos com alto teor de
açúcar em comunidades (nativas ou não) e alertando para o vício que o
produto causa, That Sugar Film abre uma porta para que o espectador
pense sobre o tema, convidando-nos a entender e a questionar a guerra
(That Sugar Film ,Austrália, 2014)
Direção: Damon Gameau
Roteiro: Damon Gameau
Elenco: Damon Gameau, Hugh
Jackman, Milla Bakaitis, Richard
Davies, Skylar Delphinus,
Christina Evans, Stephen Fry,
Zoe Gameau, Lisa Gloufchis,
Benjamin Hancock, Zelia Kitoko,
Isabel Lucas, Jessica Marais,
Brenton Thwaites
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APRILE
Por Cecília Peixoto em Cinema
Italiano, Capisce?
Nanni Moretti interpreta ele
próprio e o filme tem a
participação da esposa e da mãe
dele.

Depois de "Caro Diário", filme de caráter autobiográfico que recebeu o
prêmio de Melhor Direção no Festival de Cannes de 1994, "Aprile" é uma
espécie de continuação, mas intercalado de ficção. Quando Silvia, sua
mulher, anuncia que está grávida, um misto de felicidade e pânico se
apodera do nosso cineasta.
TAKES
NA PRAIA À
NOITE SOZINHA
Por Ricardo Luís em Espaço
Cine Fashion
Nanni, que tinha abandonado um projeto musical, lastimavelmente para o
ator principal que estava dando tudo de si, está às voltas com um
documentário sobre as efervescentes eleições na Itália de 1996. Sem
cabeça para se envolver com algo tão sério, ao mesmo tempo ele está
preocupado com o futuro da Itália, desse Itália que elegeu Berlusconi em
1994, dessa Itália que será o berço do seu filho. O musical ainda não saiu de
sua cabeça mas ele se sente responsável por fazer um filme político. Ele
acredita que o filho, mesmo ainda na barriga da mãe, já sofre influências,
então ele gosta de conversar bastante com ele, se preocupa até com os
filmes que ele e Silvia vão ver nos cinemas. O que dirá com a situação do
país? Para Nanni, a formação do caráter já começa desde a gestação.
E assim ele segue ansioso, com sua lambretinha, incapaz de concluir nada.
Que filme poderá ser mais importante agora que o filme de sua vida, que o
nascimento de seu primeiro filho?
A equipe cobra concentração dele, mas seus pensamentos voam com os
cuidados que quer ter com seu filho e ao mesmo tempo com cenas do
musical que imagina. É assim que a equipe o vê no meio de uma reunião
respondendo as coisas mais desconexas, isso quando não está ensaiando
uns passinhos de dança.
Na praia à noite sozinha (Coreia
do Sul - Bamui haebyun-eoseo
honja - Zeta Filmes - Drama),
direção Hong Sang-Soo
Younghee (Kim Min-hee) é uma
atriz famosa que tem a sua vida
pessoal exposta após um caso
com um homem casado. Ela
acaba então decidindo deixar sua
cidade e passar um tempo em
Hamburgo, na Alemanha, e dar
uma pausa na carreira. E, ao
retornar à Coréia, Younghee
reencontra os velhos amigos e
começa a refletir sobre suas
possibilidades de futuro. Em
noites regadas a álcool, ela se
libera e diz o que realmente
sente, gerando conflitos bem
complexos com eles.
Seu filho Pietro nasceu no dia 18 de abril de 1996. E é então que até o filho
participa do filme. Três dias depois, Romano Prodi, da coalizão centroesquerda,
vence as eleições. É portanto em abril que Pietro nasce, é em
abril que a política italiana muda radicalmente de rumo. Aprile. Chega enfim
abril, é como se todos os seus pensamentos e sentimentos, como rios,
estivessem convergindo para esse mês e finalmente desaguam, formando
um turbilhão de emoções. E finalmente em abril essas emoções podem se
alinhar de novo, formando um compasso, um compasso tão apaixonado, um
movimento que ele quer compartilhar com todos... de preferência em uma
confeitaria, para mostrar que a vida também pode ser doce. E qual a melhor
forma de fazer isso se não cantando e dançando?
"Aprile" recebeu o Prêmio David di Donatello de Melhor Ator Coadjuvante:
Silvio Orlando.
(Aprile, Itália, 1998)
Direção e roteiro: Nanni Moretti.
Elenco: Nanni Moretti. Silvia Nono, Agatha Moretti, Silvio Orlando.
Minha nota 3,8/5
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CINEMA CLÁSSICO
O GALANTE MR. DEEDS
Por Cristiane Costa em Madame Lumiére
Longfellow Deeds, um adorável tocador de Tumba, interpretado pelo icônico Gary Cooper, herda uma fortuna , vira motivo
de notícias enganosas que descredibilizam sua sanidade e é alvo de oportunistas e ambiciosos. Como essa dinâmica,
Frank Capra, um dos maiores cineastas humanistas, realiza uma das mais divertidas e charmosas comédias do Cinema, O
Galante Mr. Deeds.
Com várias produções no auge dos anos 30, o diretor é de uma época na qual as comédias eram afiadas para tratar temas
sociais e criticar a sociedade de aparências de um modo bem humorado e igualmente cortante. Contemporâneo de
cineastas que investiram no gênero como Howard Hawks e Ernst Lubitsch, Capra é reconhecido pelo seu legado com
clássicos como Aconteceu naquela noite (1934), Do mundo nada se leva (1938), A mulher faz o homem (1939) e A
felicidade não se compra (1946) que enobrecem a comédia com um approach dramático bastante enraizado no idealismo do
diretor. O velho ditado "Dinheiro não traz felicidade" cabe bem na filmografia de Capra. Em grande parte dos seus longas, a
integridade do homem é reforçada como um valor universal e vital.
Merecidamente vencedor do Oscar de melhor diretor por esse filme, o cineasta demonstra um vigor excepcional na direção
ao transformar um plot aparentemente medíocre em uma marcante comédia. No início, Mr. Deeds tem um jeito abobalhado
e deslocado do mundo. Não se importa com dinheiro e tem uma reação atípica que muitos outros não teriam ao ganhar um
grande quantia de dinheiro. Muito querido pela população de uma cidade do interior, Mr. Deeds é apresentado como um
homem íntegro e terno, bem nos moldes dos heróis Caprianos. Pouco a pouco, o roteiro do experiente Robert Riskin, que
tem uma forte parceria com Capra em outros filmes, evoluí para mostrar como as pessoas podem ser bem invejosas e
nocivas com o outro. Mr Deeds vira motivo de chacota com posteriores danos pessoais. Aqueles que ama e que deveriam
protegê-lo, como a jornalista Babe Bennett (Jean Artur), mostram as garras da ambição e da hipocrisia. Mas, nunca é tarde
para se redimir! Afinal, Capra é um otimista.
A comédia é um espetáculo na junção do roteiro, elenco e direção. Transborda em elementos comuns nos filmes da época
como o jornalismo impresso, a mise en scène de um tribunal e os personagens periféricos e patrióticos. Especificamente
aqui, com destreza e articulação, Capra e Riskin trabalham muito bem com grande elenco. Há espaço para outros atores

A NOITE DO DEMÔNIO
que se referem a personas que afetam a vida de Mr. Deeds
e que são retratos dessa sociedade como Jean Artur, a
jornalista esperta e ambiciosa que deseja subir na carreira,
e George Bancroft, o editor patético que adora notícias
ridículas e topa tudo para a primeiro página. Personagens
como fazendeiros, autoridades legais e médicas, vizinhas
do interior e todos os interesseiros em heranças também
são essenciais para o grande momento: Mr. Deeds é louco
ou não?. O que essa sociedade bisbilhoteira incapaz de
olhar para o próprio umbigo tem a dizer? Ela está realmente
atenta às virtudes do homem ou seus argumentos são tão
superficiais como as aparências?
Com louvores, destaque especial para a paciência de Gary
Cooper em um papel que a sanidade do personagem é
testada. Além de combinar com os faroestes como o
imperdível Will Kane, em Matar ou Morrer(High Noon), o
ator cabe muito bem em personagens gentleman com suas
feições angelicais que agregam humor, delicadeza e um
toque de melancolia. Ele se destaca como um galã que não
é apenas um rosto bonito mas um homem que transmite
credibilidade, ética e atrai a simpatia do público. Assim é o
Mr. Deeds: encantador! Ele encarna bem os peculiares atos
que são foco de zombaria, o romantismo e a timidez diante
da amada e o estilo nobre e lúcido de quem não perde suas
humildes origens e não está à venda por qualquer preço.
Até mesmo as mirabolantes ações de generosidade de Mr
Deeds, obviamente nutridas pelos propósitos idealistas,
sentimentais e políticos de Capra, são graciosos.
Demonstram que talvez a generosidade seja um ato de
loucura em um mundo ganancioso que, a todo momento,
testa a nossa humanidade e mina o riso fácil, despojado.
(Mr. Deeds Goes to Town, EUA, 1936)
Direção: Frank Capra
Elenco: Gary Cooper, Jean Arthur, George Bancroft,
Lionel Stander, Ruth Donnelly.
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Por Ary Ximendes em Cine Club
O especialista norte-americano em parapsicologia John Holden
(Dana Andrews) é chamado por um colega, o professor Harrigton
(Maurice Denham), até a Inglaterra para desmascarar o líder de
uma seita satânica conhecido como Dr. Kraswell (Niall
MacGinnis), mas ao chegar a Londres, Holden descobre que
Harrigton morreu em um suposto acidente, e se junta à sobrinha
do professor, Joanna (Peggy Cummins), para tentar desvendar o
que realmente aconteceu. Entretanto o Dr. Kraswell quer que o
especialista Holden se afaste das investigações e ameaça-o com
uma maldição. Cético ao extremo, Holden não acredita em nada
que não possa ver, tocar ou ouvir, e não liga para as ameaças do
líder satânico. Mas ele pode estar incorrendo em um erro, que
poderá lhe valer um encontro com o Demo e custar sua vida.
“A Noite do Demônio” é mais um excelente filme de Tourneur (A
Marca da Pantera, A Morta-Viva) onde o diretor utiliza-se de toda
sua técnica cinematográfica, usando e abusando dos efeitos de
câmera, luzes e sombras, mostrando-nos um demônio bastante
aterrador com belos efeitos visuais.
Entretanto, a grande falha do filme é mostrar o sobrenatural logo
no início da história, perdendo a chance de alimentar no
expectador as mesmas dúvidas que atingem o protagonista do
filme.
Mesmo assim essa luta do Bem contra o Mal gera momentos
fantásticos, e o filme é um grande espetáculo para fãs do gênero.
(Night of The Demon, 1957)
Direção: Jacques Tourneur
Elenco: Dana Andrews, Peggy Cummins, Niall MacGinnis,
Athene Seyler, Maurice Denham
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BRAZIL, O FILME
A ILHA NUA
Por Ary Ximendes em Cine Club
Em uma sociedade futura e totalitária, Sam Lowry
(Price) é um funcionário do governo que é
promovido e transferido por influência da mãe,
uma senhora viciada em cirurgias plásticas, e
descobre que o Estado executou um homem
inocente acusado de terrorismo. Conhece então o
verdadeiro procurado (De Niro), um trabalhador
autônomo que sabota as instalações
governamentais.
Durante seus sonhos Sam Lowry imagina-se um
herói alado, que liberta uma linda mulher das
garras de monstros japoneses. Entretanto ele
descobre na vida real uma mulher idêntica à diva
de seus sonhos (Kim Greist), e tenta protegê-la
do governo que também a classificou como
terrorista. Os dois acabam envolvidos em muitas
perseguições, onde se mistura realidade e
fantasia.
Embora guarde semelhanças com “1984” de
Orwell (dirigido nas telas por Michael Radford);
aqui Terry Gilliam investe na comédia de erros (o
inocente executado teve o nome trocado por um
inseto esmagado) com altas doses de humor
negro. Na distopia do ex-integrante do Monty
Phyton, bombas terroristas matam e mutilam
inocentes e pretensos terroristas pagam até pelos
objetos com os quais serão torturados.
O título “Brazil” não faz referência ao nosso país,
mas sim à música “Aquarela do Brasil” de Ary
Barroso, que sofre vários arranjos diferentes e
tem a própria letra alterada na cena final.
Um filme curioso, surreal, que merece ser visto
como mais uma crítica ao totalitarismo e à
burocracia dos governos.
Segundo o diretor Terry Gillian o filme forma uma
trilogia, a Trilogia da Imaginação, juntamente com
"Os Bandidos do Tempo" e "As Aventuras do
Barão de Munchausen".
(Brazil,Inglaterra, 1985)
Direção: Terry Gilliam
Elenco: Jonathan Pryce, Kim Greist, Robert De
Niro, Bob Hoskins, Ian Holm, Michael Palin, Terry
Gilliam.
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Por Ary Ximendes em Cinema Oriental
Um casal de camponeses mora em uma pequena ilha com seus dois pequenos filhos.
Encurvados sob o peso de barris d’água, que carregam sobre os ombros, eles escalam
a íngreme encosta para irrigar um pequeno pedaço de terra, de onde tiram seu
sustento. A vida deles é dura, pois precisam buscar essa água doce em outra ilha
vizinha em um velho barco. Essa embarcação também serve para que a mulher leve o
filho menor para a escola, enquanto o outro tenta pescar o alimento diário da família; e
para que eles comprem sementes e negociem a pequena produção com os
comerciantes do continente.
É uma vida de isolamento e sacrifício, onde a fragilidade física da mulher fica evidente a
cada passo trôpego que dá ao subir a montanha com tanta carga sobre ela. Quando ela
tropeça, e derruba o precioso líquido que carrega, a brutalidade aflora, e o castigo vem
rápido, pois o marido esbofeteia seu rosto com violência. Ela não reclama e fica
resignada como se merecedora fosse da agressão sofrida, pois sabe que depende da
água para viver e que não poderia tê-la derramado, mas a injustiça paira sobre o gesto
do seu esposo diante desse pequeno e involuntário acidente.
A vida transcorre arduamente para eles através das estações do ano, enquanto aram,
semeiam e colhem; até que a terra-mãe de repente cobra seu preço e decide engolir um
dos membros da família que alimentara, mostrando que a dor pungente e irreparável de
uma perda pode ser muito maior do que todos os sacrifícios que o ser humano comete
para se manter vivo. Agora, revoltada, a mulher joga a água fora e destrói algumas
plantas, mas desta vez o marido não pode repreendê-la, apenas lhe lançar um pouco de
compreensão através de um olhar de tristeza. Mas o ciclo da vida continua, e a terra
continuará a alimentar pessoas e a se alimentar delas; e os camponeses precisarão
subsistir, mesmo que agora carreguem corações feridos.
Em “A Ilha Nua”, o cineasta Kaneto Shindô nos leva às origens do cinema, mostrando
que essa arte pode abdicar das palavras e mergulhar em sua própria essência, ou seja:
no mundo das imagens e dos sentimentos.
Com o mutismo peculiar de seus personagens e cenas, quebrado esporadicamente pelo
som do vento, das folhas, de cabras e de gansos, ou mesmo pela música afinada de
Hikaru Hayashi; o diretor constrói uma obra única onde os diálogos são desnecessários,
pois nossos corações e almas muitas vezes se adaptam e até entendem melhor o
silêncio. Uma obra-prima indispensável.
Nota: os russos descobriram o filme primeiro, e ele venceu o Festival de Moscou em
1961, mas os ocidentais só foram descobri-lo no ano seguinte e ele foi nomeado ao
BAFTA somente em 1963. Mas a concorrência era de peso, vejam só: “Através de um
Espelho” (Ingmar Bergman), “Jules e Jim” (Truffaut), “O Milagre de Anne Sullivan”
(Arthur Penn), “O Ano Passado em Marienbad” (Alain Resnais), “Amor, Sublime Amor”
(Robert Wise), “Lola, A Flor Proibida” (Jacques Demy) e, entre outros, “Lawrence da
Arábia” que acabou ficando com o prêmio... É mole? Pelo menos o filme de Shindô ficou
em ótima companhia entre os indicados. Mas que foi uma injustiça não ter sido indicado
ao Oscar... isso foi.
(Hadaka no Shima, Japão, 1960)
Direção: Kaneto Shindô
Elenco: Nobuko Otowa, Taiji Tonoyama, Shinji Tanaka.
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Por M.V. Pacheco em Tudo sobre o seu filme
Distopia ou antiutopia é o pensamento, a filosofia ou o
processo discursivo baseado numa ficção cujo valor
representa a antítese da utopia ou promove a vivência
em uma “utopia negativa” . As distopias são geralmente
caracterizadas pelo totalitarismo, autoritarismo, por
opressivo controle da sociedade.
A maioria das distopias tem alguma conexão com o
nosso mundo, mas frequentemente se refere a um
futuro imaginado ou a um mundo paralelo no qual a
distopia foi engendrada pela ação ou falta de ação
humana, por um mau comportamento ou por
ignorância.
Listei 10 filmes essenciais. Mas não são os únicos. Há
outros igualmente importantes. Mas segui uma linha de
raciocínio, priorizando algumas características da
distopia. E são ótimos filmes, para duas gerações
diferentes curtirem.
Semana que vem, sai a segunda parte com filmes
Distópicos mais atuais.
Confiram:
A literatura distópica costuma apresentar pelo menos
alguns dos seguintes traços:
Tem conteúdo moral, projetando o modo como os
nossos dilemas morais presentes figurariam no futuro;
Oferecem crítica social e apresentam as simpatias
políticas do autor; Exploram a estupidez coletiva; O
poder é mantido por uma elite, mediante a somatização
e consequente alívio de certas carências e privações
do indivíduo; Discurso pessimista, raramente
"flertando" com a esperança; Violência banalizada e
generalizada.
Paralelo a isto, outras características são bem
presentes no cinema: Homem vs Máquina; Sociedade
em colapso, Tirania; Opressão; Alta Tecnologia não
resultante em avanço social; Escassez de Recursos
Naturais; Devastação Global; Luta por Sobrevivência
(geralmente resultando num conflito Homem vs
Homem); Paranoia Tecnológica (tecnologia
alienadora/controladora/ simulacro de realidade/
virtualização total do homem); Ciência Antiética
(experiências com cobaias humanas, experiências
genéticas, armas biológicas, mutações, clonagem).
O futuro é distante e o mundo está sob o comando dos
poderosos, que isolaram os mais pobres no subsolo
como se fossem seus escravos, para que trabalhassem
em prol dos mesmos. Comandados por Freder
Fredersen (Gustav Fröhlich), os operários são
obrigados a trabalharem sem parar para que a cidade
não pare. Obra-prima de Fritz Lang, reconhecido como
um dos filmes-mudos mais importantes já lançados no
cinema, continuando atual ainda hoje.

quando vê uma mulher preferir ser queimada com sua
vasta biblioteca ao invés de permanecer viva.
Baseado no livro homônimo de George Orwell, em uma
sociedade futurística totalitária, controlada pelo "Big
Brother", o amor é proibido. Winston Smith (Edmond
O'Brien) é um funcionários do Estado, ele é
responsável por reescrever a história e, ao se
apaixonar por Julia (Jan Sterling), é visto como rebelde,
sofrendo tortura e lavagem cerebral pelo seu crime.
Em uma desolada Inglaterra do futuro, a violência das
gangues juvenis impera, provocando um clima de
terror.Alex (Malcolm McDowell) lidera uma das
gangues e, após praticar vários crimes, é preso e
submetido à reeducação pelo Estado, com base em
uma técnica de reflexos condicionados.Quando ele
volta à sua vida em liberdade, é perseguido por
aqueles que foram suas vítimas, Mr. Alexander (Patrick
Magee) e sua esposa.
A cidade de Alphaville é comandada pelo computador
Alpha 60, que aboliu os sentimentos em seus
habitantes. Lemmy Caution (Eddie Constantine) é um
agente enviado ao local, com a missão de encontrar o
professor von Braun, criador de Alpha 60. Seu objetivo
é convence-lo a destruir a máquina. o percurso
Natacha (Anna Karina), a filha do professor, lhe ajuda
como guia.
Uma obra psicodélica sobre um futuro distópico onde a
população é forçada a viver em grandes cidades
subterrâneas controladas por computadores. Coisas
como o livre arbítrio, religião, desejos e sexo são
proibidos. Todos são controlados por drogas que
reprimem seus pensamentos e os deixam "dóceis" para
fazerem suas funções na sociedade de maneira que
não interfira no "equilíbrio" das coisas. Até que o
humano THX-1138 (Robert Duvall) com sua parceira
desafiam o sistema não apenas para defender seu
romance (que é proibido), mas para tentar escapar da
cidade subterrânea e viver livres no "mundo de cima"
Em um Estado totalitário em um futuro próximo, os
"bombeiros" têm como função principal queimar
qualquer tipo de material impresso, pois foi
convencionado que literatura um propagador da
infelicidade. Mas Montag (Oskar Werner), um
bombeiro, começa a questionar tal linha de raciocínio

Em 2022 a face da Terra está bem modificada. Em
Nova York há 40 milhões de habitantes e o efeito
estufa aumentou muito a temperatura, deixando o calor
ficar quase insuportável. No entanto os ricos vivem em
condomínios de luxo, onde belas mulheres são parte
da mobília. Mas a comida está escassa para todos,
tanto que um vidro de geleia de morango custa 150
dólares. Neste contexto é assassinado um milionário,
William R. Simonson (Joseph Cotten), que quando viu
que seria morto não esboçou gesto nenhum para se
defender. O detetive Robert Thorn (Charlton Heston) é
designado para investigar o caso e constata algo
realmente estarrecedor.
Sam Lowry (Jonathan Pryce) vive num Estado
totalitário, controlado pelos computadores e pela
burocracia. Neste Estado futurista, todos são
governados por fichas e cartões de crédito e ainda
precisam pagar por tudo, até mesmo pela permanência
na prisão. Em meio à opressão, Sam acaba se
apaixonando por Jill Layton (Kim Greist), uma terrorista.
+++++
HOMENAGEM
JEAN ROCHEFORT
No mundo de 2293, após descobrir o segredo da
imortalidade, um grupo de intelectuais resolve se isolar
num mundo paralelo chamado Vortex. Lá, eles vivem
longe da violência e do egoísmo humano. Para
preservar essa condição, eles criam o mito de 'Zardoz',
um espécie de deus simbolizado numa cabeça de
pedra, que mantém uma legião de exterminadores,
doutrinados a matar as pessoas, de forma a evitar a
procriação. A estabilidade deste mundo será
perturbada quando um dos exterminadores, Zed (Sean
Connery), consegue ultrapassar a barreira do Vortex e
se relacionar com os seus habitantes.
Por Paulo Moura em Cine Club
A vida não poderia ser mais perfeita no século 23.
Todos tem direito ao bom e o melhor. Porém, não
podem ultrapassar a idade de 30 anos. Logan (Michael
York) é a pessoa responsável por repreender os que
não cumprem a regra. Até o dia em que ele atinge a
idade permitida, decidindo por fugir.
Passou meio batida aqui no Brasil a morte de
Jean Rochefort, o grande ator francês que nos
deixou esta semana. Rochefort brilhava em
qualquer gênero, do drama pesado às
comédias amalucadas. Fez mais de 160
filmes, quase sempre como o terceiro ou o
quarto nome do elenco. Quando lhe deram o
papel principal, como em O Marido da
Cabeleireira, Eu Sou o Senhor do Castelo ou
A Viagem de Meu Pai, criou personagens
fortíssimos e inesquecíveis. Mas para mim
sua maior criação foi mesmo o cínico Marquês
de Bellegarde, em Caindo no Ridículo, dirigido
por Patrick Leconte.

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