L+D 64

JAPAN HOUSE (SÃO PAULO)
E MAIS: TEATRO SANTANDER (SÃO PAULO); COCA-COLA – PAVIMENTO VIP (RIO DE JANEIRO);
BARNEYS (NOVA YORK); ONE QUEEN (TORONTO); FOTO LUZ FOTO: NELSON KON
1

2 3

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São Paulo | Brasil
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Arquitetural da América Latina
Confira os palestrantes já confirmados:
Catharine Perez Vega
Univ. de Wismar
Panamá/Alemanha/
França
Christopher M. Bauder
WHITEvoid
Alemanha
Prof. Christopher Cuttle
Autor e Pesquisador
Nova Zelândia
Pascal Chautard
Limarí Lighting Design
Chile
Claudio Ramos
Electrolight
Brasil/EUA
Victor Palacio
Ideas en Luz/IALD
México
Emily Monato
Cooley Monato Studio
EUA
Hanan Peretz
Peretz Architecture
Israel
Nora Imaz
LD Independente
Espanha
4 5
www.ledforum.com.br

SUMÁRIO
julho | agosto 2017
edição 64
46
56 64
João Caldas
70 78 82
10
¿QUÉ PASA?
46
56
64
70
78
82
TEATRO SANTANDER
Um espetáculo de luzes
JAPAN HOUSE
Mande in...
COCA-COLA
Luz que comunica
BARNEYS
Barneys New York, Downtown
ONE QUEEN EAST
Do opaco ao translúcido
FOTO LUZ FOTO
Nelson Kon
6 7

Romulo Fialdini
Thiago Gaya
publisher
JAPAN HOUSE
Iluminação: Castilha Iluminação
Foto: Rafaela Netto
Orlando Marques
editor-chefe
PUBLISHER
Thiago Gaya
IMAGEM, MENSAGEM
EDITOR-CHEFE
Orlando Marques
DIRETORA DE ARTE
Thais Moro
Um dos objetivos da L+D é relatar – e, assim, divulgar – os resultados mais
recentes da manipulação da luz nos objetos e nos espaços construídos no Brasil e no
mundo. Nesse trabalho, a seleção de imagens tem um papel tão importante quanto
a composição das palavras. É com bastante cuidado que procuramos manipular
esses ingredientes para compor o que finalmente constitui o resultado da publicação.
Cientes dessa importância, todos os autores dos projetos nacionais apresentados
nesta edição empenharam-se em produzir imagens inéditas do resultado de seus
trabalhos, criadas por talentosos fotógrafos, e divulgá-los com exclusividade nas
páginas da L+D. Obrigado, lighting designers!
Guinter Parschalk, titular do tradicional studio ix, apresenta, por meio de belíssimas
imagens de Nelson Kon, o projeto do Teatro Santander, às margens do rio Pinheiros,
em São Paulo. Mônica Rio Branco e Giani Faccini, titulares da RBF Arquitetura de
Iluminação, apresentam o projeto do Edifício Sede da Coca-Cola, de frente para a
espetacular Baía de Guanabara, no Rio de Janeiro, fotografado pelo talentoso André
Nazareth. Marcos Castilha, do escritório que leva seu nome, apresenta a Casa Japão,
com arquitetura de Kengo Kuma e fotos de Rafaela Netto.
Apresentamos também a nova loja Barneys de Nova York, recentemente premiada
pelo IALD 2017, projeto de Cooley Monato Studio – CoMoS, das titulares Renée Cooley
e Emily Monato, com imagens do fotogafo nova-iorquino Scott Frances. Lighting
designer brasileiro radicado no Canadá, Rafael Salsa Correa apresenta o projeto do
lobby do Edifício One Queen, com imagens clicadas por ele mesmo.
Convidados como coeditores da seção ¿Qué Pasa? duplo desta edição, o lighting
designer Carlos Fortes e sua equipe apresentam a belíssima exposição LuzEscrita, em
cartaz no Espaço Cultural Porto Seguro até 30 de julho.
Nelson Kon é o fotógrafo homenageado do Foto Luz Foto. Obrigado, Nelson!
Destacamos também as matérias do ¿Qué Pasa? sobre a instalação criada
pelo designer japonês nendo em comemoração dos 90 anos da Sogetsu, tradicional
escola japonesa de ikebana em Tóquio; o trabalho de representação gráfica da luz
em arquitetura do arquiteto do designer gráfico português André Chiote; os mais
importantes e recentes prêmios do universo LD; e muito mais.
REPORTAGENS DESTA EDIÇÃO
André Becker, Débora Torii, Estudio Carlos Fortes,
Fernanda Carvalho, Gilberto Franco,
Nelson Kon, Orlando Marques
REVISÃO
Débora Tamayose
ADMINISTRAÇÃO
Richard Schiavo
CIRCULAÇÃO E MARKETING
Márcio Silva
PUBLICIDADE
Lucimara Ricardi | diretora
Avany Ferreira | contato publicitário
Paula Ribeiro | contato publicitário
PARA ANUNCIAR
comercial@editoralumiere.com.br
T 11 2827.0660
PARA ASSINAR
assinaturas@editoralumiere.com.br
T 11 2827.0690
TIRAGEM E CIRCULAÇÃO AUDITADAS POR
Boa leitura!
Orlando Marques
Editor-chefe
PUBLICADA POR
A equipe do premiado escritório
paulistano Estudio Carlos Fortes é a
Editora Lumière Ltda.
convidada para a coedição do
Rua Catalunha, 350, 05329-030, São Paulo SP, T 11 2827.0660
¿Qué Pasa? de página dupla desta
www.editoralumiere.com.br
edição. Da esquerda para a direita:
Philippe Jacob Melo, Nathalie Lima
8 Legal, Bruno Luz, Thales Sportero
Débora Esposto e Carlos Fortes.
9
Leka Mendes

Kozo Sekiya Takumi Ota
Takumi Ota
¿QUÉ PASA?
HERA CALEIDOSCÓPICA
Em homenagem aos 90 anos da Sogetsu, tradicional
escola japonesa de ikebana em Tóquio, Japão, sua quarta
e atual diretora Akane Teshigahara organizou Hana So, sua
primeira exibição solo em seis anos, em cartaz entre os dias
5 e 10 de abril. Motivada pelo desafio de criar um ambiente
totalmente inovador, ela convidou o estúdio de design nendo
para conceber o desenho do espaço.
Como parte do projeto, a artista propôs que a decisão
sobre os itens a serem exibidos fosse tomada somente após
a montagem do local, a fim de que seu design servisse de
inspiração para a criação dos arranjos florais. Inspirado
pelo espaço escolhido para a mostra, um jardim de pedras
escalonado, o designer Oki Sato desenvolveu uma “hera de
espelhos” utilizando mais de 40 mil folhas de aço inoxidável
de 0,5 mm de espessura, com acabamento espelhado. As
peças, cortadas em forma de losangos e unidas umas às
outras, foram posicionadas, uma a uma, sobre as superfícies
das pedras.
Essa camada extra entre as pedras e os arranjos ikebana
promoveu sua harmonização, criando um encantador efeito
caleidoscópico em decorrência dos suaves reflexos das
cores e dos contornos dos elementos florais. Além de refletir
o entorno, os espelhos permitiam que fossem reveladas
pequenas amostras da textura e da aparência do jardim de
pedras sob eles.
Até o início da disposição dos arranjos, Akane Teshigahara
relata que se sentia intimidada pelo efeito arrebatador
da hera espelhada. No entanto, após iniciar a montagem,
percebeu que as plantas eram suavemente acolhidas pelos
espelhos, gerando um espaço “deslumbrante e misterioso, no
qual o jardim de pedras, as folhas espelhadas e as plantas se
fundiam num só”, declara. (D.T.)
10 11

André Chiote
¿QUÉ PASA?
REPRESENTAÇÕES ICÔNICAS
A partir de suas pesquisas praticamente diárias em busca
de soluções arquitetônicas para seus projetos, o arquiteto
e ilustrador português André Chiote passou a notar quão
simbólicos e emblemáticos podem ser certos ângulos ou
detalhes dos edifícios. A percepção de que esses elementos
podem, de alguma forma, resumir a intenção de desenho
da construção como um todo o inspira na produção de suas
icônicas ilustrações sobre arquitetura.
Tendo como base sua crescente biblioteca de referências,
o arquiteto produz representações gráficas sutis, utilizando
texturas em duas dimensões. O resultado, porém, vai além
da mera representação arquitetônica, pois sua ilustração
carrega consigo uma carga simbólica própria que, apesar
da simplicidade, permite o reconhecimento instantâneo dos
volumes arquitetônicos retratados.
Para Chiote, a luz é essencial, já que é ela que nos permite
perceber a arquitetura dos edifícios, influenciando a aparência de
sua volumetria, suas transparências e o brilho de seus materiais.
“Os efeitos da luz, e consequentemente da sombra, permitem que
um edifício determinado tenha leituras diferentes de acordo com
a luz que sobre ele incide. E desses momentos de luz e sombra
resultam muitas vezes imagens instantâneas de grande potencial
gráfico e estético”, explica ele.
As luzes artificial e natural influenciam de diferentes
maneiras as ilustrações produzidas por André. A iluminação
natural, em razão de sua força e sua intensidade, cria momentos
de maior contraste entre luz e sombra, que podem ser
considerados graficamente bastante apelativos em seu trabalho.
Já a luz artificial é vista por ele como um tipo de fonte luminosa
mais localizada, o que acaba por dar destaque a porções e
detalhes de um edifício, em vez de “varrer” de luz a totalidade do
espaço, como ele explica. Apesar de menos apelativo, esse tipo
de iluminação possibilita o surgimento de gradações de tons e
de sobreposições de cores e de sombras, o que pode tornar o
trabalho de representação mais variado e, consequentemente,
mais desafiador.
Atualmente André Chiote tem trabalhado em uma série
de ilustrações cujo tema são os edifícios religiosos, dentre
os quais figura a Catedral de Brasília, de Oscar Niemeyer. Em
entrevista à L+D, ele contou um pouco da abordagem por trás
dessa e das demais imagens que compõem a série: “O trabalho
gráfico procura de alguma forma retomar as representações
de outros tempos, de livros e tratados de arquitetura, em que
o uso de tons sépia no desenho da arquitetura (sobretudo a
religiosa) contrastava com os tons pastéis (azuis e verdes)
usados na representação da envolvente natural, que enquadrava
as composições. Simultaneamente esses elementos naturais da
paisagem tinham uma representação menos rigorosa/mais livre,
que é outra forma de contrastar com a representação do edifício
(mais geométrica), dando-lhe assim maior protagonismo”. (D.T.)
12 13

LEMCA RECEBEU O PRÊMIO AsBEA
O Perfil Fit Mundi recebeu a Menção Honrosa
no projeto da fachada do Hotel Venit+Mio
LEMCA FIT BRASILIA
HOTEL VENIT+MIO
Local: Rio de Janeiro
Perfil de sobrepor com fita
Projeto de Iluminação: LD Studio
ou placa de LEDs para áreas
Tel: |11| 2827.0600
14 internas e externas.
Projeto de Arquitetura: STA Arquitetura
www.lemca.com.br
15
Foto: André Nazareth
led@lemca.com.br

1 2
Hufton+Crow, Adam Mørk
Limelight atelier
3
INK
Lichtlauf
4 5 6
Michael Elkan Photography
Rohan Venn
¿QUÉ PASA?
TEMPORADA DE PRÊMIOS 2017
Foi dada a largada para a temporada de prêmios deste
ano, com a divulgação dos resultados de algumas das mais
importantes honrarias anuais do universo da iluminação.
IALD AWARDS 2017
Dentre os 22 projetos homenageados durante a cerimônia
de entrega da 34ª edição do prêmio, o que mais pontuou nas
avaliações do júri – que neste ano contou com a presença do
lighting designer e colaborador da L+D Carlos Fortes – foi o
projeto para a Harbin Opera House, em Harbin, na China 1 , do
escritório Beijing United Artists Lighting Design, que recebeu o
IALD Radiance Award for Excellence in Lighting Design.
DARC AWARDS / DECORATIVE
Promovida pelas revistas darc e mondo*arc, essa é a única
premiação de iluminação decorativa na qual os próprios
designers votam e determinam os vencedores. Em sua primeira
edição, foram premiados os três projetos que melhor utilizaram
a iluminação decorativa em cada uma das seguintes categorias:
Residencial, Corporativa, Hoteleira, Lazer e Varejo. Destacou-se o
projeto para a residência House X 2 , do Limelight Atelier, que foi
agraciado com o darc award – best of the best.
Além desses, os prêmios também foram entregues aos
criadores dos melhores produtos decorativos nas tipologias de
teto, parede, piso, mesa, uso externo, sob medida e lâmpada para
luminária decorativa, dentre os quais se destacaram o pendente
cinético Nebula do INK Lighting 3 , a modular Alphabet of
Light, criada pelo BIG Architects, e a subaquática Munich
Reeds 4 , assinada por Christoph Matthias em conjunto com o
lighting designer Gerd Pfarré.
IESBC VISION AWARDS
Oferecida pela Illuminating Engineering Society of British
Columbia (IESBC) – um setor da Illuminating Engineering Society
(IES) sediado em Vancouver, Canadá –, essa premiação é conhecida
como um termômetro para os IES Illumination Awards, que serão
entregues em agosto, nos Estados Unidos. Dentre os 14 prêmios
distribuídos nas quatro categorias oferecidas, o destaque foi o
projeto de iluminação do Vancouver Creekside Paddling Centre 5 ,
do MMM Group/WSP, agraciado com o IESBC 2017 Vision Award.
LAMP LIGHTING SOLUTIONS AWARDS 2017
Em cerimônia realizada em Barcelona, Espanha, foram
conhecidos os quatro projetos premiados – além de outros dois
reconhecidos com menções honrosas – nas categorias Proposta
Estudantil, Iluminação Urbana e/ou de Paisagismo, Iluminação de
Interiores e Iluminação Arquitetural de Exteriores. Nesta última,
o grande vencedor foi o projeto de iluminação para a fachada do
Australian War Memorial 6 , em Canberra, Austrália, de autoria
do escritório Steensen Varming. (D.T.)
16 17

Imagens: Michael Young
¿QUÉ PASA?
5ª INTERNATIONAL LIGHTING DESIGN
COMPETITION – L A M P
Foram anunciados os prazos e as datas de realização
da 5ª edição da International Lighting Design Competition,
uma premiação-evento produzida pela L A M P (Lighting
Architecture Movement Project) em Vancouver, no Canadá
(não confundir com o prêmio LAMP Awards da empresa
espanhola LAMP). A partir desta edição, o evento passará a
ser bianual, de maneira a oferecer aos designers mais tempo
para que desenvolvam suas criações e seus protótipos.
Aqueles que queiram concorrer aos prêmios já podem fazer
suas inscrições, em três diferentes categorias: Consagrado,
Emergente e Estudante. Assim como nas edições anteriores,
os trabalhos enviados deverão estar relacionados a um tema
específico, que nesta edição será “Equilíbrio”.
Os prêmios e o painel do júri – que já contou com nomes
como Michael Anastassiades e Tom Dixon – serão anunciados
em breve. As inscrições encerram em 15 de dezembro, e os
finalistas serão anunciados no segundo semestre de 2018,
quando também será realizado o evento de entrega dos
prêmios. As regras e o cronograma completo da 5ª edição da
competição estão disponíveis no site welovelamp.ca. (D.T.)
18 19

20 21

Imagens: Kimchi and Chips
¿QUÉ PASA?
NÉVOA LUMINOSA
A série Light Barrier, criada pelo estúdio de arte sul-coreano
Kimchi and Chips, apresenta uma nova abordagem do conceito
de “desenhar no ar”, proporcionando a materialização de
objetos de luz por meio de uma experiência semimaterial. Por
trás da criação, os designers Elliot Woods e Mimi Son tiveram
como inspiração as pinturas impressionistas, produzindo
imagens que parecem saltar da “tela”, como uma espécie de
pintura que extrapola sua perspectiva.
O projeto já está em sua terceira edição, desenvolvida
especialmente para o Asia Culture Center, em Gwangju,
Coreia do Sul, e explora os conflitos existentes no limite
entre material e não material, entre realidade e ilusão, entre
existência e ausência.
São oito “projetores de vídeo arquitetônicos”, aos quais
se subordinam outros 630 subprojetores, que, por sua vez,
atuam sobre uma imponente estrutura de espelhos côncavos.
Da interação entre esses elementos – luz, imagens projetadas
e espelhos –, resulta uma “tela” com 16.000.000 pixels
calibrados individualmente, culminando na geração de uma
imagem unificada no ar, a partir da fusão dos raios de luz
resultantes das projeções e de seus reflexos. A instalação só
foi possível graças ao uso de uma ferramenta de calibração
gráfica desenvolvida pelos próprios designers.
A sequência de projeções tem duração de seis minutos,
e seu tema principal é a figura do círculo, como metáfora
para a abordagem cíclica do nascimento, da morte e do
renascimento. Complementando a experiência, 40 canais
de áudio foram utilizados para a construção de um campo
sonoro, em busca da completa imersão dos observadores.
O vídeo da instalação Light Barrier Third Edition pode
ser conferido no Vimeo (disponível em: https://vimeo.
com/218354021). (D.T.)
22 23

Imagens: Mark Cocksedge
¿QUÉ PASA?
SWAROVSKI NA DESIGN MIAMI/BASEL
Pelo terceiro ano consecutivo, o Prêmio Swarovski Designers
of the Future (que existe desde 2006) selecionou e ofereceu a
um grupo de jovens e promissores designers a oportunidade
de apresentar seus trabalhos durante a mostra Design Miami/
Basel. Durante a edição deste ano, realizada entre os dias 13 e
18 de junho na cidade suíça, tiveram suas criações expostas os
designers Jimenez Lai, Marjan van Aubel e TAKT PROJECT.
Respondendo a orientações individuais – relacionadas
especificamente às suas áreas de atuação –, os designers
foram estimulados a desenvolver seus trabalhos sob um
tema comum: “Moldando sociedades”. Para além do simples
design de produto, eles foram levados ao desenvolvimento
de projetos multidisciplinares, com abordagem conceitual
e técnica de vanguarda, utilizando como base os diversos
recursos da joalheria austríaca.
Os japoneses do estúdio TAKT PROJECT elevaram a
impressão em 3D a um novo nível, sendo os primeiros – em
parceria com a companhia MICRON3DP – a realizar a impressão
em 3D em cristais. O projeto Ice Crystal é composto de uma
série de candelabros e vasos cujo design teve inspiração nas
técnicas de corte e polimento impecáveis da Swarovski, que
produzem reflexos e refrações únicos sob a luz. A impressão
em 3D possibilitou a obtenção de formas e texturas que não
são possíveis por meio das técnicas tradicionais de moldagem,
corte e sopro dos cristais de vidro.
A designer holandesa Marjan van Aubel criou a série
Cyanometer, em colaboração com a equipe técnica da Swarovski
e com o Centro de Pesquisa de Energia dos Países Baixos (ECN).
Com base no fato de que o Sol, em apenas um dia, é capaz
de fornecer energia suficiente para alimentar a rede elétrica
terrestre por um ano inteiro, a designer desenvolveu uma série
de três objetos luminosos “vivos”. Cada um deles é dotado de
painéis solares portáteis, que devem ser portados pelos usuários
durante o dia. Uma célula solar, integrada a um cristal planoconvexo
facetado – desenvolvido pela Swarovski especialmente
para o projeto –, coleta e direciona a luz refletida e refratada de
maneira mais eficiente. A energia armazenada é então usada
para alimentar a iluminação da residência do usuário. A forma
do Cyanometer foi inspirada no aparelho homônimo – inventado
em 1789 para a medição da intensidade da cor do céu –, cujas
cores foram replicadas por meio de cristais opalinos e LEDs.
A instalação que acomodou todos os trabalhos produzidos
pelos “designers do futuro” ficou a cargo de Jimenez Lai,
designer taiwanês radicado em Los Angeles. Terrazo Palazzo
é uma espécie de palácio desconstruído, formado por
estruturas independentes, cujas cores, formas e geometria
se relacionam com o ciclo diário de uma residência típica. O
cenário arquitetônico foi construído com um novo e pioneiro
material, que incorpora cristais Swarovski transformados
e reutilizados. O objetivo é potencializar a eficiência do
uso de recursos, por meio do aproveitamento dos cristais
de “segunda mão” (como são definidos aqueles que não
passaram pelo rigoroso controle de qualidade da Swarovski
em virtude de imperfeições mínimas). (D.T.)
24 25

Imagens: LightGlass
¿QUÉ PASA?
VIDRO INTELIGENTE
A empresa austríaca de tecnologia LightGlass é pioneira
no desenvolvimento de vidros “inteligentes”, com as
mais distintas tecnologias integradas. Uma de suas mais
recentes invenções foi contemplada, no último mês de
maio, com o prestigioso prêmio norte-americano Architizer
A+Award, na categoria “Produtos para a construção –
sistemas e produtos para envidraçamento”. Trata-se da
tecnologia ALED Privacy-Plus, uma nova geração de vidros
autoiluminados que oferece luz artificial com qualidades
similares às da natural, além de atuar como uma forma de
proteção visual.
O sistema conta com LEDs integrados, oferecidos
em quatro configurações, todas dimerizáveis: duas com
temperatura de cor branca fixa, com fluxos luminosos
de 2.575 lm e 10.300 lm por metro linear; a opção ALED
Daylight, cuja temperatura de cor pode ser ajustada entre
2.700 K e 6.500 K; e uma versão RGB.
Além de atuar como um sistema de iluminação, essa
tecnologia permite ao usuário optar por mais transparência
ou por privacidade absoluta ao toque de um botão. Essa
característica potencializa sua utilização em locais como
hospitais, escritórios e residências, já que suas aplicações
são bastante variadas: de fachadas e elevadores a portas e
divisórias. A compatibilidade da ALED Privacy-Plus com os
sistemas convencionais de automação possibilita ainda sua
programação de acordo com o horário ou com as condições
de luminosidade externas, por exemplo.
O produto foi recentemente exibido durante a última
edição da LightFair, realizada entre os dias 9 e 11 de maio nos
Estados Unidos. Seus produtores esperam, em breve, poder
expandir a comercialização do produto internacionalmente
e também afirmam ter a ambição de extrapolar o âmbito
da arquitetura, com estudos para sua aplicação nos ramos
automobilístico e náutico. (D.T.)
26 27

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Imagens: Divulgação
2 3
¿QUÉ PASA?
SOL DE BOLSO
O projeto social Little Sun foi fundado em 2012 pelo
artista Olafur Eliasson, em parceria com o engenheiro
Frederik Ottesen, com o objetivo de levar energia limpa
e de maneira confiável e acessível a mais de 1 bilhão de
pessoas que vivem sem acesso à eletricidade mundo afora.
Ao introduzir a energia sustentável nessas comunidades, o
projeto permite uma redução do uso de alternativas de risco
(como as lanternas de querosene), além de minimizar as
emissões de CO 2
.
O primeiro produto lançado para esse fim foi a Little Sun
Solar Lamp (1), uma pequena luminária portátil, dimerizável
e recarregável por meio da luz do sol, capaz de fornecer
até 50 horas de iluminação contínua. O produto teve sua
distribuição iniciada ainda em 2012 e já teve mais de 500 mil
unidades comercializadas – cerca de metade delas em locais
desprovidos de energia elétrica. Posteriormente foi lançado
o Little Sun Charge (2), que funciona tanto como carregador
para celulares quanto como luminária portátil e recarregável,
apta à geração de até 155 horas de luz.
No último mês de março, Eliasson apresentou o terceiro e mais
recente produto da série durante a Conferência Design Indaba, na
Cidade do Cabo, África do Sul. A Little Sun Diamond (3) é a menor
das três luminárias solares e tem uma lente cristalina e multifacetada
que, inspirada em formas da natureza, emite luz brilhante e reluzente
por um período de até quatro horas. Acompanha a luminária tanto
um suporte voltado para o uso em ambientes fechados – para
leitura, por exemplo – quanto uma corrente para que seja usada
também ao ar livre, como uma lanterna.
O produto estará disponível mundialmente a partir do
segundo semestre deste ano. Todos aqueles que vivem em
locais providos de eletricidade e que adquiram as luminárias
solares contribuem para que elas possam ser vendidas a preços
mais acessíveis nas comunidades desprovidas de energia
elétrica alcançadas pelos produtos.
Durante a conferência sul-africana, Olafur foi questionado
sobre se o design poderia realmente mudar o mundo. Ao que
ele respondeu: “Little Sun não somente acredita que pode como
o está fazendo”. (D.T.)
30 31

Imagens: James Ewing
¿QUÉ PASA?
JOÃO, MARIA E OS DRONES
Construído em 1880, o antigo arsenal Park Avenue Armory,
em Nova York, Estados Unidos, foi transformado, em 2007, em
centro cultural. Desde então, o espaço tem exibido uma variedade
de trabalhos artísticos não convencionais, como performances
imersivas, instalações e colaborações interdisciplinares, todas em
suas inúmeras salas históricas. Na mais imponente delas, o salão
Wade Thompson Drill Hall, estará em cartaz até o dia 6 de agosto
a instalação Hansel & Gretel, idealizada pelos arquitetos suíços
Jacques Herzog e Pierre de Meuron – que também assinam o
projeto de renovação e restauração do edifício, em andamento
desde 2006 – em parceria com o artista chinês Ai Weiwei.
O trio criou um ambiente que envolve os visitantes e os
transforma em elementos ativos como observados e como
observadores. O público adentra no espaço na escuridão, até
chegar ao cenário cavernoso montado no Drill Hall. Fachos
de luzes brancas seguem os movimentos de cada indivíduo
presente no misterioso espaço, permitindo a captura de
suas imagens, que são projetadas no piso, e criando, assim,
um registro visual de seus movimentos. Seu deslocamento
também é gravado por câmeras infravermelhas e transmitido
pela internet, em tempo real, a uma plateia virtual. Além
disso, os participantes também são monitorados por drones
de vigilância que sobrevoam o espaço periodicamente. Os
visitantes passam então ao papel de observadores ao adentrar
na sala seguinte, na qual são confrontados com suas próprias
imagens capturadas no espaço anterior, além de poder assistir,
ao vivo, à movimentação dos que circulam por ali.
Em uma inversão da narrativa do tradicional conto
alemão “Hansel and Gretel” (“João e Maria”, em português),
no qual os protagonistas propositalmente deixam seu rastro
para que não se percam, os visitantes da instalação têm seus
movimentos discretamente rastreados, impossibilitando o
ocultamento de sua localização.
A instalação imersiva desenvolvida por Herzog, de Meuron
e Weiwei – que, neste ano, comemoram 15 anos do início de sua
parceria –, explora a maneira como a vigilância transforma espaços
públicos em ambientes controlados, nos quais os indivíduos são
privados de seu anonimato. Assim, esse “laboratório de vigilância”
visa tornar seu público ciente da extensão de que foi vigiado,
provocando uma discussão a respeito da ética e do impacto
social relacionados à crescente “cultura do monitoramento”.
“O projeto fornece uma grande oportunidade para a análise da
monitoração como um fenômeno social da atualidade, trazendo
questões urgentes a respeito do direto à privacidade em um
mundo hipermonitorado”, explica Rebecca Robertson, produtora
executiva e presidente do Park Avenue Armory. (D.T.)
32 33

34 35

Imagens: Brian Eno, Courtesy Ivorypress
¿QUÉ PASA?
MÚSICA PARA LUZES
O inglês Brian Eno é músico, compositor, produtor musical
e artista visual, conhecido como um dos principais nomes da
música ambiente e da pintura generativa. Seus trabalhos mais
conhecidos incluem o álbum minimalista Ambient 1: Music
for Airports, de 1978, e os álbuns que produziu no início da
carreira da banda norte-americana Talking Heads, incluindo o
premiado Remain in Light, de 1980.
Experimentando sons e luzes desde a adolescência, Eno
define seu trabalho como uma tentativa de “desacelerar
a música”, de maneira a aproximá-la de uma pintura, e de
“animar as pinturas”, de forma que se assemelhem à música,
com a expectativa de que as duas artes “se encontrem e se
fundam no meio do caminho”.
O artista esteve recentemente em Madri, na Espanha,
para a inauguração de Light, sua primeira exibição solo no
país, que ficou em cartaz até o dia 15 de julho na galeria
Ivorypress. A exposição funcionou como uma grande
instalação, composta de caixas luminosas acompanhadas de
trilhas sonoras individuais, além de uma composição musical
desenvolvida para a mostra como um todo. O resultado visual
se assemelhava a uma “paisagem de cores”, obtida por meio
do uso de fontes luminosas RGB, cujos tons se mesclavam na
superfície translúcida de cada caixa.
A instalação, sem início ou final aparentes, buscava
estender as barreiras temporais. A motivação de Eno com
a instalação era encorajar os visitantes a permanecer no
mesmo local por algum tempo, conforme ele explica: “Se há
uma pintura pendurada na parede, não sentimos que estamos
perdendo algo por não prestar atenção nela. Porém, com
música e vídeo, temos a expectativa de algum tipo de drama”.
A mostra contou ainda com sete gravuras relacionadas às
caixas musicais luminosas, além de duas obras compostas de
lentes, criando ilusões de profundidade e de movimento, de
acordo com o deslocamento dos espectadores. (D.T.)
36 37

Imagens: VISIBLE
¿QUÉ PASA?
TRÁFEGO DE CORES
“É possível rastrear os veículos em uma rodovia e gerar
padrões luminosos com base na densidade e na velocidade do
seu tráfego?” Esse questionamento foi a inspiração para que os
designers do estúdio de tecnologia esloveno VISIBLE concebessem
sua mais recente instalação interativa. Com vasto conhecimento
no desenvolvimento de instalações com luz, projeções mapeadas
e experiências multimídia, a equipe foi contratada pela Viparis
– gigante francesa do ramo de gerenciamento de eventos
corporativos – para a realização de uma instalação em um de seus
espaços para conferências, o Paris Expo Porte de Versailles.
Sob uma ponte pela qual o maior anel viário parisiense
cruza a Paris Expo, a instalação é uma resposta afirmativa à
indagação recebida pelo estúdio ainda em 2014. O tráfego sobre
a ponte é monitorado por meio de duas câmeras exclusivas, que
transmitem o material a um servidor. As informações captadas
quanto à velocidade e à densidade de tráfego são continuamente
analisadas por um sistema de controle chamado LightAct –
desenvolvido pelo VISIBLE –, que gera, em tempo real, padrões
que são traduzidos pelas luminárias instaladas sob a ponte.
Inúmeras experiências foram realizadas pela equipe do
VISIBLE, com o objetivo de “ensinar” ao software o que ele
deveria rastrear. Por meio de um algoritmo inteligente, o sistema
detecta automaticamente o tipo, a posição e a velocidade dos
veículos na rodovia. Colocar o sistema em funcionamento foi a
maior dificuldade enfrentada durante o projeto, segundo Mitja
Prelovsek, CEO do VISIBLE, já que eles foram autorizados a
instalar suas câmeras somente em um dos lados da rodovia, o
que dificulta o rastreamento.
O projeto de iluminação foi desenvolvido em conjunto com
o escritório francês de arquitetura e lighting design Seulsoleil
e se baseia em uma suave ondulação de manchas luminosas,
cuja vivacidade e densidade crescem proporcionalmente ao
tráfego. As luzes são magentas e azuis sob a direção norte da
rodovia e laranja sob o sentido sul.
Seus criadores acreditam que o projeto ilustra a extensão
que pode ser alcançada pela inteligência e pela interatividade
nas instalações luminosas contemporâneas. “A adição de uma
camada responsiva à iluminação geralmente traz benefícios à
experiência como um todo. A escolha quanto ao que a luz vai
reagir, no entanto, depende do local em particular. Poderá ser
o vento, o sol, as pessoas ou, como nesse projeto, o tráfego”,
relata Mitja. (D.T.)
38 39

3
4
1 2
Imagens: Destination NSW/James Horan
¿QUÉ PASA?
VIVID SYDNEY 2017
Considerado o maior festival de luzes, música e ideias do
mundo, Vivid Sydney transforma, todos os anos, o famoso
porto da cidade australiana em uma exposição de arte a céu
aberto. Organizado e produzido pela agência de turismo
e grandes eventos do governo do estado de New South
Wales, o festival é dividido em três grandes segmentos: Vivid
Light, que apresenta instalações luminosas e projeções em
grandes escalas; Vivid Music, que oferece performances e
colaborações musicais – incluindo apresentações na Sydney
Opera House; e Vivid Ideas, um espaço para debates e
discussões para a promoção de estímulos criativos, muitos
deles tendo a luz como foco. A edição deste ano do festival
aconteceu entre os dias 26 de maio e 17 de junho e recebeu,
somente no fim de semana de abertura, mais de 326 mil
visitantes, batendo os recordes de público que já tinham sido
superados no ano passado.
Foram mais de 400 eventos musicais e cerca de 280
debates e palestras. Já as instalações com luz foram mais de
90, criadas por cerca de 180 artistas locais e internacionais.
Dentre elas, destacou-se Dreamscape (1), um ousado projeto
que conectou, por meio de 124.128 luzes, toda a área do
Circular Quay – o principal terminal de balsas de Sydney
–, desde a icônica Sydney Opera House até a ponte Sydney
Harbour Bridge. A instalação era interativa, possibilitando aos
participantes controlar cor, textura e comportamento das luzes,
o que rendeu a seus criadores, o estúdio 32 Hundred Lighting,
o prêmio de “maior instalação de iluminação interativa”,
conferido pela organização do Guinness World Records.
As projeções têm ganhado cada vez mais força e
expressividade dentre as obras apresentadas no festival. Em
Magicians of the Mist (2), 12 enormes bombas lançavam no ar
28 toneladas de água por minuto, criando um paredão aquático
com mais de 2 mil metros quadrados sobre o qual eram
projetadas imagens, combinadas a músicas, labaredas, lasers e
fogos de artifício. Já a austera e geométrica fachada do Museum
of Contemporary Art Australia (MCA) foi completamente
transformada por Organic Vibrations (3), composta de projeções
mapeadas de imagens abstratas – desenhadas originalmente
à mão pelo artista –, as quais foram inspiradas em formas
orgânicas e nas cores da natureza.
Provavelmente a mais aguardada instalação do festival, a
projeção mapeada sobre as “velas” da Sydney Opera House,
nesta edição intitulada Lighting the Sails: Audio Creatures
(4), buscou evocar o movimento das criaturas marinhas, as
plumagens deslumbrantes dos pássaros e a iridescência da
flora. As imagens foram acompanhadas de uma fascinante trilha
sonora desenvolvida pelo DJ e produtor brasileiro de música
eletrônica Amon Tobin. (D.T.)
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¿QUÉ PASA?
8º LEDFORUM
Falta pouco para a 8ª Edição do congresso de iluminação
mais importante do Brasil. Com inscrições esgotadas, o
LEDforum 2017 promete repetir o sucesso de suas edições
anteriores, proporcionando a oportunidade de aprender e refletir
com as palestras proferidas por grandes figuras do universo do
lighting design e de especialidades correlatas.
Já foi confirmada boa parte dos palestrantes inter–
nacionais deste ano: a designer e estudante de iluminação
panamenha baseada em Paris Catherine Pérez Vega,
ganhadora do concurso Light Symposium Paper Competition
2016 (evento parceiro do LEDforum e patrocinado pela
L+D), em Wismar, Alemanha; o artista alemão e especialista
em mídia digital Christopher Bauder, à frente do renomado
estúdio WHITEvoid; o lighting designer neozelandês e
educador em iluminação Christopher “Kit” Cuttle; o lighting
designer brasileiro radicado nos Estados Unidos Claudio
Ramos, titular do premiado escritório Electrolight; a lighting
designer norte-americana Emily Monato, sócia-diretora
do Cooley Monato Studio (CoMoS); o arquiteto e lighting
designer israelense Hanan Peretz; a lighting designer
espanhola Nora Imaz; o lighting designer mexicano Victor
Palacio, atual presidente da International Association of
Lighting Designers (IALD); e o premiado lighting designer
francês, radicado em Santiago, Chile, Pascal Chautard.
Fique atento ao nosso site para saber mais sobre
confirmações de novos palestrantes, detalhes do programa,
horários, patrocinadores, apoiadores e muito mais!
8º LEDforum
17 e 18 de agosto
Inscrições no site
ledforum.com.br
42 43

¿QUÉ PASA?
LUZ, FOTO E POESIA
Imagens: Fernando Laszlo
Acontece até 30 de julho em São Paulo a
exposição LuzEscrita, no Espaço Cultural Porto
Seguro. A mostra traz em suas 60 obras a
integração da fotografia e da poesia por meio
da luz, pelas mãos dos artistas Fernando Laszlo,
Arnaldo Antunes e Walter Siqueira. O projeto
foi desenvolvido ao longo dos últimos 15 anos,
idealizado por Laszlo, que buscou, pela poesia de
Arnaldo e de Siqueira, traduzir a palavra fotografia.
A exposição já percorreu cidades brasileiras
como Salvador, Curitiba, Rio de Janeiro e Brasília e a
cidade portuguesa Vila Nova de Cerveira e continua
em constante transformação, levando a cada nova
locação obras geradas a partir das etapas anteriores.
Na chegada a São Paulo, LuzEscrita apresenta nove
obras inéditas.
O circuito de visitação se dá em duas etapas:
primeiro nas Salas Claras, onde estão expostas
as fotografias nas longas paredes brancas e com
grande presença de luz, e, em seguida, na Sala
Escura, que tem as paredes e o teto pintados de
preto e luz controlada, a fim de chamar a atenção
para as obras e desvendar um pouco dos processos
que levaram ao resultado observado nas fotografias
do circuito anterior.
Ao ver os objetos luminosos que deram origem
às fotografias no ambiente completamente escuro,
percebe-se como a luz – ou, ainda, a falta dela – mexe
com muito mais sentidos além da visão. A mostra
explora também os sons, as sensações e as emoções
ao fazer o visitante percorrer os escuros corredores
sem saber ao certo o que encontrará ao final.
Com projeto de iluminação de Fernanda
Carvalho, a exposição nos convida a vivenciar as
diferentes percepções e explorar nossos sentidos
em um ambiente de integração entre luz e sombra,
onde as várias linguagens artísticas interagem e nos
provocam. (Estudio Carlos Fortes)
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As duas extensas fachadas visÍveis a partir da movimentada
Marginal Pinheiros, em São Paulo, foram iluminadas por meio de
uma malha de pontos de LED RGB 3,5 W/ 1.200 lm, individualmente
programáveis. A luz dos LEDs fixados na alvenaria é difundida pelo
revestimento externo de tijolos de vidro.
UM ESPETÁCULO
DE LUZES
Texto: Débora Torii | Fotos: Nelson Kon
Inaugurado no ano passado na cidade de São Paulo, o Teatro
Santander chama a atenção na paisagem noturna da Marginal
Pinheiros. Por trás do elegante e imponente projeto de
iluminação está a equipe do studioix, sob comando do lighting
designer Guinter Parschalk, que teve como parceiros o escritório
paulistano AIC Arquitetura e Urbanismo, responsável pelo projeto
de arquitetura, e os norte-americanos da Eskew+Dumez+Ripple
Architecture, incumbidos do projeto da sala de espetáculos.
Posteriormente, a Edo Rocha Arquitetura também passou a
integrar o time, ficando encarregada do projeto para a fachada
do edifício. Além da função de teatro, o empreendimento foi
concebido pela equipe para funcionar como um espaço cultural
multiúso, preparado para abrigar desde musicais, concertos,
desfiles de moda, shows e dramaturgia até eventos corporativos.
Com escopo bastante abrangente, incluindo não apenas as
áreas sociais mas também as técnicas (com exceção da iluminação
cênica para o palco), o conceito do projeto de iluminação foi
desenvolvido principalmente a partir de elementos lineares, parte
da linguagem do projeto de arquitetura. Dessa maneira, foram
priorizadas as soluções de iluminação indireta, o que possibilitou
a manutenção dos forros livres de interferências visuais.
46 47

Na página anterior, o
saguão principal, que
foi iluminado por meio
de equipamentos com
módulos LED 19,8 W/
10°/ 3.000 K embutidos
nos fechamentos
verticais entre as
vigas transversais,
iluminando-as
longitudinalmente. Essa
iluminação indireta é
complementada por
uma série de luminárias
orientáveis com
módulos LED 13,2 W/
35°/ 3.000 K instaladas
no forro, nos intervalos
entre as vigas. Abaixo,
a parede curva que
acomoda os balcões da
loja, da bilheteria e do
café, cujo revestimento
de madeira foi ressaltado
por meio de sanca
wallwasher com
lâmpadas fluorescentes
tubulares 25 W/ 3.000 K.
Nesta página,, a escada
social, iluminada
homogeneamente por
meio de lâmpadas
fluorescentes
tubulares 25 W/
3.000 K dimerizáveis,
instaladas por trás
de lonas tensionadas
translúcidas em suas
faces inferiores.
Esse é o caso do saguão principal, cujo teto é composto
de diversas vigas transversais com acabamento de gesso
branco, que permitiram o ocultamento de luminárias nos
fechamentos laterais de cada um dos vãos entre elas, em ambas
as extremidades. Os projetores – cujo facho concentrado foi
definido após a realização de testes na obra – iluminam as
vigas longitudinalmente, criando um suave dégradé luminoso.
Já a luz refletida pelas vigas é suplementada por uma série
de downlights instalados no forro, que, de maneira quase
imperceptível, iluminam suavemente o espaço.
Nas extremidades do saguão situam-se as circulações sociais
verticais do edifício: de um lado, os elevadores, cujo hall recebeu
iluminação por meio de sancas para iluminação indireta; de
outro, a escada de estrutura metálica, cujas faces inferiores foram
convertidas em superfícies luminosas por meio da aplicação
de lonas tensionadas translúcidas retroiluminadas, que a
transformaram em um imponente elemento luminoso que
transparece na fachada através de sua envoltória de vidro.
Na parede oposta à entrada principal do saguão – onde se
localizam a bilheteria, a loja e o café –, o acabamento de madeira
de tonalidade clara foi ressaltado por meio de uma sanca tipo
wallwasher, que acompanha sua curvatura. Essa linguagem se
estendeu por todas as circulações horizontais do edifício, o
que contribuiu para realçar o acabamento vermelho-alaranjado
dos corredores laterais à sala de espetáculos. Nesses locais,
a intenção dos lighting designers também foi fornecer aos
espectadores um ponto de referência, mantendo iluminados os
planos verticais opostos a todas as saídas do ambiente, além
de fazer suas propriedades de acabamento presentes também
no interior do teatro.
48 49

À esquerda, as
circulações laterais à
sala de espetáculos,
cujos acabamentos
avermelhados foram
valorizados por meio de
sancas wallwasher com
lâmpadas fluorescentes
tubulares 50 W/ 3.000 K
dimerizáveis. Os degraus
foram sinalizados, em
suas extremidades,
com balizadores de piso
equipados com LEDs 1 W/
3.000 K, emitindo luz
difusa. À direita,
a sala de espetaculos,
cuja iluminacao principal
é indireta, proveniente
de perfis lineares de
LEDs 25,2 W/m 3.000 K,
instalados a 45o por trás
dos painéis prismáticos
executados nas paredes.
A iluminação geral da
sala é complementada por
projetores orientáveis com
módulos LED 19,8 W/ 25°/
3.000 K instalados no forro.
A sala de espetáculos, com capacidade total para até 2.085
espectadores, é predominantemente iluminada de maneira
indireta. O projeto de iluminação beneficiou-se dos painéis em
forma de prisma, executados em madeira acústica na porção
superior das paredes laterais – cuja angulação foi cuidadosamente
calculada pelo projeto de arquitetura –, por trás dos quais foram
instalados perfis de LED. A luz emitida de baixo para cima
ressalta o relevo em formatos triangulares dos painéis, além de
transformá-los em refletores, em resposta à tonalidade clara
da madeira utilizada em seu acabamento. Como complemento
à iluminação geral do espaço, projetores com LEDs de alto
fluxo luminoso foram distribuídos linearmente pelo forro
da sala, solução que se estende também à plateia superior.
50 51

52 53

A fachada se sobressai à discrição da iluminação das áreas
internas. Com duas faces constituídas de blocos de tijolos de vidro,
situadas a 60 centímetros da parede de alvenaria branca que
delimita o edifício, as fachadas tiveram a iluminação inicialmente
idealizada pela Edo Rocha com tecnologia laser. Os lighting
designers então iniciaram uma extensa pesquisa em busca de
transformar a ideia em solução viável, o que não se efetivou.
Apesar de inovadora, a tecnologia se mostrou arriscada quando
comparada ao LED, cujo comportamento é mais bem conhecido,
além de apresentar outras vantagens técnicas. “O efeito poderia
até ser interessante, apesar de relativamente sutil. No entanto,
o laser possui ciclo de vida muito curto, o que demandaria a
substituição constante dos equipamentos”, explica Guinter.
Com esses argumentos, somados a testes in loco com ambas as
tecnologias, laser e LED, a equipe do studioix convenceu cliente
e arquiteto a optar pela segunda opção.
Foi desenhada então uma malha de 70 × 70 centímetros
composta de pontos de LED RGB individualmente programáveis,
instalados sobre a superfície de alvenaria, cuja luz é difundida
pela pele de vidro à frente. O sistema possibilita desde uma
aparência monocromática, com transição de cores, até a
exibição de imagens em baixa resolução e de mensagens de
interesse público. Um verdadeiro espetáculo luminoso no palco
da Marginal Pinheiros.
O volume da escada
social, à esquerda,
foi um elemento da
arquitetura elegantemente
potencializado por sua
iluminação. Seu fechamento
exterior de vidro permite
que a luz difusa e uniforme
dessa circulação vertical
transpareça na fachada do
edifício. À direita, a fachada
do teatro, cujas superfícies
iluminadas somam uma
área de mais de 2 mil
metros quadrados.
TEATRO SANTANDER
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
studioix – Guinter Parschalk (titular), Vinícius Malaco,
Maria Carolina Braga e Taíssa Martins (colaboradores)
Projeto da fachada:
Edo Rocha Arquitetura
Projeto de interiores:
EDR – Eskew+Dumez+Ripple Architecture / AIC Arquitetura
Fornecedores:
Centru, Light Design + Exporlux, Lumini, New Energy,
Osram, Tensoflex, Traxon
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Avenida Paulista, 52. A fachada de madeira da Japan House
é iluminada, no pátio de entrada, por projetores fixados no
piso equipados com lâmpadas LED. Ao fundo, a iluminação
interna aparece filtrada pelas peças de madeira, marcando
dois pavimentos do centro cultural.
MADE IN...
Texto: Andre Becker | Fotos: Rafaela Netto
Uma estrutura recíproca é composta de barras estruturais
independentes, de tamanhos relativamente pequeno. Por
meio de arranjos geométricos e “meros” encaixes, essas
barras vão se solidarizando, apoiando e sendo apoiadas mutuamente
e conseguem vencer vãos e gerar estruturas muito maiores e mais
ricas do que pareceria possível apenas com os elementos isolados.
A Japan House é uma iniciativa recente do governo japonês
para a “difusão de todos os elementos da cultura japonesa para
a comunidade internacional”. São Paulo, assim como Londres
e Los Angeles, foi escolhida para receber a primeira geração
desses espaços.
Localizada no início da Avenida Paulista, o primeiro elemento
que se destaca no projeto, cobrindo parte da fachada do prédio,
delimitando o lote, criando uma pracinha interna e fazendo a
mediação com a calçada, é uma bela estrutura recíproca de
madeira. Ela tem vãos grandes o suficiente para ser convidativa;
é visualmente permeável, o suficiente para ser instigante; é
tecnicamente interessante e legível para os transeuntes; é um
elemento quase abstrato, mas claramente identificado com
a cultura japonesa; e seu aspecto intrinsicamente solidário
é adequado ao desenvolvimento de um projeto como esse,
com equipes técnicas, criativas, burocráticas e políticas no
Brasil e no Japão.
A arquitetura é de autoria do japonês Kengo Kuma (autor,
entre outros projetos, do estádio olímpico dos Jogos Olímpicos
de Tóquio, em 2020), em parceria com os paulistanos do
FGMF (autores de inúmeros projetos premiados dentro e
fora do Brasil). A iluminação é de Marcos Castilha, parceiro
costumaz de projetos do FGMF. E, por se tratar da reforma de
um imóvel existente, todas as surpresas e rearranjos naturais
de uma obra dessa complexidade são mais um elemento de
redistribuição dinâmica de esforços em uma estrutura solidária
no decorrer do projeto.
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Nesta página, o pátio que recebe os visitantes está fechado. O portão de correr com a mesma estrutura de madeira mantém a
permeabilidade visual e não obstrui os projetores que iluminam a parte fixa, conferindo identidade a Japan House.
No centro, o eixo do hall de entrada com downlights embutidos de LED, 67° de facho, 10,5 W, 3.000 K e recuos antiofuscamento.
À esquerda, a biblioteca e o balcão do café. Madeira e metal fosco são iluminados por projetores com lâmpadas de LED tipo
AR111 dimerizáveis, 12° e 25° de facho, 20 W, 3.000 K. A marcenaria do forro é destacada por meio de iluminação indireta feita
por perfil linear de LED, 120o de facho, 7,2 W/m, 3.000 K.
Um ponto interessante a se observar é o tamanho comedido
do espaço. São três pavimentos em menos de 2.000 metros
quadrados de área total, dos quais boa parte é destinada a
escritórios e administração. Contudo, essa característica
se mostra um acerto, pois proporciona espaços culturais e
comerciais mais intimistas, o que torna possível fazer uma
visita completa e olhar com atenção toda a exposição, a
biblioteca, as lojas de produtos nipônicos, tomar um café ou
sentar-se no restaurante de Jun Sakamoto, sem a angústia
comum que se sente em grandes museus, espaços e exposições
de ou não olhar todo o acervo, ou apenas passar os olhos
rapidamente em tudo.
O projeto em si começa na gentil praça semipública, onde
a ponta triangular do lote tem as laterais para a calçada,
mediadas pela estrutura recíproca de madeira; e a fachada
do edifício voltada para essa praça interna recebe um painel
de cobogó – elemento clássico da arquitetura brasileira para a
filtragem de luz e calor que formalmente guarda semelhança
com a estrutura recíproca densa utilizada aqui.
Por ser um espaço externo e escultórico, a iluminação
podia ser mais livre, e até por isso as possibilidades eram mais
amplas. Kuma, num primeiro momento, queria iluminar a fachada
de madeira a partir da rua. Talvez no Japão os trâmites para
iluminar algo privado a partir do espaço público sejam mais
amigáveis, no Brasil, porém, essa hipótese acabou descartada.
Marcos Castilha desenvolveu estudos avaliando o uso de
projetores pontuais, projetores lineares, LEDs aplicados nas
madeiras, etc. No entanto, a solução acabou amadurecendo
quase de improviso. Lourenço Gimenez, do FGMF, avisou
Castilha que Kengo Kuma estaria no Brasil para visitar a
obra, e eles providenciaram rapidamente projetores para
uma sessão de testes. Assim, ao fim do dia, todos foram
ao local experimentar diversos efeitos e posicionamentos
de equipamento para lidar com a estrutura bruxuleante e
vazada, dando subsídios ao projeto final de Castilha, que
locou cuidadosamente projetores pelo piso e em alguns
pontos elevados do pátio, voltados à estrutura de madeira e
também aos cobogós do pátio interno.
Dali, um pequeno corredor leva à recepção da Japan House.
Um balcão dá suporte ao visitante logo na entrada, contígua
à exposição e ao café e livraria, uma vez que o acesso é livre.
Tanto pela escala do projeto como por seu princípio norteador
(poucos elementos extremamente detalhados e adequados;
nada supérfluo ou desnecessário), Castilha utilizou uma
palheta reduzida de modelos e fontes luminosas. No corredor
de acesso, há um dos padrões de luminária que se repetem,
quando adequado, em outros pontos do projeto: downlights
embutidos com recuos antiofuscamento, 67° de facho.
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Abaixo, à esquerda, o andar térreo, com pé-direito maior, tem forro branco com placas de metal e papel Washi. Projetores brancos
para LED tipo AR111 dimerizáveis, 12° e 25° de facho, 20 W, 3.000 K, paginados de acordo com as placas de forro. Acima, o andar
superior: pé-direito menor e concreto aparente recebem projetores similares aos do térreo, porém na cor grafite.
Um elemento das áreas internas do edifício reformado que
marca todo o projeto são as vigas aparentes bem robustas. Elas
ficam visíveis, assim como toda a infraestrutura elétrica e de
ar-condicionado. Essas vigas são elementos arquitetônicos e
base modular para o layout da iluminação.
No primeiro pavimento, vigas e demais infraestruturas
são pintadas de branco. E um elemento adicional importante
faz parte do teto: uma quantidade grande de placas brancas
vazadas, aplicadas num desenho dinâmico com diferentes ritmos
e alturas, compostas de telas metálicas expandidas mescladas ao
tradicional papel japonês Washi. Essas placas foram desenvolvidas
especialmente para divisórias e forros do projeto pelo artesão
Yasuo Kobayashi. Esse elemento se transformou em um desafio
adicional para Castilha, que especificou distâncias e um raio
de abertura mínimo entre placas quando perto dos trilhos de
iluminação. Em alguns momentos, e de alguns ângulos, essas
placas se sobrepõem e filtram a luz, gerando um efeito interessante.
Nos trilhos alocados na modulação estrutural existente, foram
especificados diferentes tipos de projetor em circuitos distintos,
para criar a flexibilidade necessária a um espaço dinâmico
como esse. Projetores cillíndricos dimerizáveis para lãmpadas
LED, com recuo antiofuscamento e aberturas de 25° e 12°, são
controlados por sistema de automação. Iluminância e índice
de reprodução de cor foram cuidados permanentes do projeto,
tanto pela demanda bastante elevada de iluminância mínima
pela equipe de Kuma como pelo próprio esmero de Castilha.
No segundo pavimento, o pé-direito é um pouco menor,
e não há placas se sobrepondo ao vigamento. Aqui, as vigas
estão em concreto aparente, assim como a maioria das lajes
entre vigas. Alguns panos de laje foram pintados de branco,
criando uma composição de contrastes. Nesse pavimento, os
trilhos, as peças de iluminação e os elementos de infraestrutura
e ar-condicionado foram pintados de grafite, “sumindo” contra
o concreto e destacando-se contra o eventual fundo branco,
sempre com diversidade de circuitos por trilho e flexibilidade
para a instalação de peças distintas de iluminação.
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À esquerda, a escultura Conexão 2017, de Chikuunsai IV Tanabe, é destacada por projetores microelipsoidais com zoom de 15° a 40° na
própria luminária e lâmpadas halógenas dicroicas 50 W, 3.000 K. Esse projetor para destaques das exposições trabalha em conjunto
com os projetores para LED que permeiam os trilhos do projeto de iluminação e criam a iluminação geral. Acima, o restaurante Junji, de
Jun Sakamoto, fechado sutilmente pelas telas de Washi, com os projetores iluminando os planos de madeira.
Para entender a inserção precisa da iluminação no projeto,
é interessante perceber as texturas. Os pisos são de madeira
clara e de cimento queimado; as paredes, brancas; guardacorpos,
de vidro e divisórias e forros, de papel Washi, com
efeito semelhante à tela expandida, mas com a textura mais
rústica do trabalho manual. O que marca o projeto de Kuma,
FGMF e Castilha é esse diálogo entre uma linha industrial e
uma série de elementos que traz o artesanal para o espaço, mas
distante do romantismo saudosista, um artesanal absolutamente
adequado e minimalista que humaniza o espaço mantendo
princípios técnicos contemporâneos e coerentes, trazendo
muito do fazer tradicional misturado com a tecnologia de
ponta que caracteriza o Japão e criando um ambiente e uma
experiência totalmente coesos, em uma escala precisa.
JAPAN HOUSE
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Castilha Iluminação
Marcos Castilha (arquiteto titular)
Larissa Oliveira (colaboradora)
Projeto de arquitetura:
Kengo Kuma and Associates
Projeto local de arquitetura:
FGMF Arquitetura
Fernando Forte, Lourenço Gimenes e Rodrigo
Marcondes Ferraz, arquitetos titulares
Luminárias:
Altena, Brilia, Itaim, Ledplus, LIS, Lumicenter,
Philips, Powerlume, Reka, Telem
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O hall dos elevadores recebeu forro especial com instalação
luminosa de silhuetas de garrafas em backlight, iluminada por
fluorescentes LED 18 W e 3.000 K. O balcão principal, visto na
chegada, está integrado a um forro com pintura de laca vermelha,
que recebeu downlights e uma luminária linear de LED 2.700 K, que
realça a cor vermelha e ilumina a logomarca da empresa.
LUZ QUE
COMUNICA
Texto: Fernanda Carvalho | Fotos: André Nazareth
O
edifício sede da Coca-Cola, localizado em frente à
Praia de Botafogo no Rio de Janeiro, teve seu último
andar inteiramente repaginado por ocasião das
Olimpíadas, sediadas na cidade em 2016. Com o privilégio
de uma vista deslumbrante, o andar foi remodelado com um
visual pautado pela forte presença da comunicação visual da
empresa. A arquiteta Bia Petrus, da Foco 153 Arquitetura, ficou
responsável por dar aos interiores o tratamento visual adequado
à proposta do espaço: um ambiente moderno e descolado, com
as instalações de infraestrutura aparentes e organizadas. A
iluminação, totalmente integrada à arquitetura, ficou a cargo
do escritório RBF Arquitetura de Iluminação, das arquitetas
titulares Monica Rio Branco e Giani Faccini.
A principal intenção do projeto de iluminação foi conferir
flexibilidade aos sistemas de iluminação, porém com máxima
integração das luminárias à arquitetura de interiores. Era
desejável que as estruturas estivessem visíveis, porém de
forma organizada e limpa no teto. Outra premissa que permeou
o projeto foi a ideia de que a luz estivesse visível, mas com
as fontes luminosas escondidas. Segundo Giani, mimetizar as
fontes de luz aos suportes da arquitetura ajudaria a trazer essa
organização das instalações.
64 65

Acima, o lounge tem instalações de teto aparentes em que foram
posicionados projetores LED 2.700 K para destacar o mobiliário.
O lustre customizado criado em parceria com a arquitetura mostra
pequenas garrafas iluminadas. Do lado, no hall de acesso aos
restaurantes e à cozinha, um rasgo luminoso preenchido por perfil
em aço inox, fita de LED 9,7 W/m e 27.000 K, com difusor de
acrílico leitoso, é a unica fonte de luz, proporcionando uma
experiência impactante para quem entra. Na imagem à direita da
página seguinte, detalhe da sala do restaurante VIP.
O andar tem auditório com capacidade flexível, lounge,
restaurante com área VIP e um bar para uso reservado. Todos
os espaços são multiúso, podendo ser usados para diversos
tipos de evento. A iluminação acompanha essa premissa ao
utilizar diferentes fontes de luz para criar efeitos variados:
pontos de destaque, áreas de luz difusa, iluminação de planos
verticais e horizontais.
A onipresença da cor vermelha levou as projetistas a optar
por um tom mais quente para a temperatura de cor das fontes de
luz brancas, todas com 2.700 K. A distribuição da luminosidade e
sua disposição pelos espaços de múltiplo uso ajudam a desenhar
esses espaços, ora destacando mobiliários e planos verticais, ora
permitindo áreas de penumbra e sombra. Segundo Giani, essa
distribuição não homogênea evita que os ambientes se tornem
monótonos e permite a valorização de pontos de interesse.
66 67

Na página anterior, pendente criado especialmente para a mesa do restaurante VIP usa lâmpadas halógenas 40 W com base espelhada,
cuja luz é complementada por projetores instalados na estrutura aparente. No bar, uma caixa de tela tensionada, com interior iluminado
por fluorescentes T5 28 W e 3.000 K, remete a um cubo de gelo. Na parede do fundo, garrafinhas cenográficas contam com um efeito
de luz em cada base. Acima, o auditório recebeu perfis de LED RGB controlados por sistema de automação para mudança de cenas e
projetores LED 2.700 K. Ao lado, a mesa do refeitório VIP e a vista para a Baía de Botafogo, filtrada pelas telas solares que garantem a
convivência harmônica da luz natural com a artificial.
Luminárias especiais decorativas foram criadas especialmente
para o projeto, em conjunto com a arquiteta. A solução de
garrafinhas em backlight utilizada no teto do hall de elevadores
já havia sido implantada em outros pavimentos do edifício e
foi repetida para conferir unidade aos andares. Outras são
inteiramente novas, como é o caso da parede escura com
garrafinhas iluminadas individualmente e do pendente customizado
sobre a mesa do restaurante VIP.
O controle da iluminação é automatizado, e os efeitos
são dimerizados a fim de permitir que o desenho de cada
ambiente receba uma regulagem fina de intensidade e cenas
de luz. O auditório, por exemplo, pode ser usado tanto para
treinamentos, palestras e apresentações com iluminâncias
variadas quanto para festas e eventos mais descontraídos, sem
a necessidade de instalar luminárias provisórias. O ambiente
conta com iluminação direta por meio de projetores LED,
que podem ser controlados individualmente, além de uma
iluminação mais cênica, proporcionada por barras de LED
RGB, controladas de forma independente, com a possibilidade
de mudar de cor.
A automação também está presente no tratamento da luz
natural. Todos os ambientes voltados para a vista panorâmica
contam com telas solares controladas digitalmente. A trama da
tela controla a luminosidade que vem de fora, ao mesmo tempo
que mantém a possibilidade de visualizar o exterior, permitindo
que arquitetura, luz e paisagem estejam em equilíbrio.
COCA-COLA – PAVIMENTO VIP
Rio de Janeiro, Brasil
Projeto de iluminação:
RBF Arquitetura de Iluminação
Monica Rio Branco e Giani Faccini (arquitetas titulares)
Projeto de arquitetura e de interiores:
Foco 153 Arquitetura
Bia Petrus (arquiteta titular)
Fornecedores:
Dimlux, Ledplus, Ledprofiles, Lumini, Osram/Traxon
(Jacobina Representações), Tensoflex
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BARNEYS NEW YORK, DOWNTOWN
Texto: Orlando Marques | Fotos: Scott Frances
“Um exemplo perfeito de elegante simplicidade”, assim
definiu um dos jurados do 34º IALD Awards sobre
o projeto da loja flagship Barneys de Nova York,
vencedor do prestigioso prêmio Award of Excellence, concedido
pela Associação Internacional de Lighting Designers – IALD.
Realizado pelo estúdio nova-iorquino CoMoS, acrônimo
de Cooley Monato Studio, sobrenome das lighting designers
titulares Renée Cooley e Emily Monato, a loja teve projeto de
arquitetura de Steven Harris Architects.
A loja ocupa 17.500 m² distribuídos em cinco andares de um
antigo bloco residencial no bairro de Downtown da cidade de Nova
York. Para sua inauguração e de volta à quadra onde a loja iniciou
seus negócios em 1923, a marca encomendou ao diretor Bruce
Weber uma série de curtas-metragens, parte da campanha Our
Town, um tributo à cidade e a seus residentes.
A relação com seu entorno também foi o ponto de partida
para o projeto de arquitetura. A elegante escada em espiral criada
pelos arquitetos, por exemplo, surgiu após a constatação da
ausência de escadas rolantes na maioria das lojas desse tipo
abaixo da Rua 34 da cidade, rua que divide os bairros de Midtown
e Downtown. Localizada no coração do edifício da loja, ela liga o
departamento de cosméticos do subsolo ao terceiro pavimento,
onde também se encontra o notório restaurante Freds. De acordo
com o arquiteto, a escada age como uma espécie de passarela,
para ver e ser visto de um andar ao outro da loja. Além disso, seu
átrio cria a ilusão de que os pés-direitos dos pavimentos são mais
altos do que parecem.
Em virtude do pé-direito baixo, característica de muitos edifícios
residenciais nova-iorquinos, os arquitetos evitaram seccionar
os ambientes. Dessa forma, criaram plantas sem divisórias que
proporcionam circulações fluidas e ambientes amplos. Já o projeto
do forro, em plano com altura única, tem papel fundamental na
percepção desses espaços. Sua superfície lisa, com altura única,
foi projetada como parte integral de outros planos verticais e
horizontais do projeto, proporcionando, assim, “um certo conforto
espacial”, como afirma o arquiteto.
Seus interiores possuem uma paleta de cores neutra, ainda que
variada, com o intuito de criar uma ambiência calma e tranquila que
permite uma convivência harmônica entre as peças de mobiliário
e as mercadorias expostas. Além disso, a abordagem discreta do
projeto de arquitetura permitiu ao projeto de interiores incorporar
uma série de elementos decorativos inspirados em trabalhos de
artistas visuais relacionados à cena artística da cidade. Esse é o caso
da composição de linhas verticais, e ocasionalmente horizontais
e diagonais, gravadas no fechamento de vidro transparente do
átrio da escada, inspirada nos trabalhos dos artistas Agnes Martin
e Fred Sandback. No térreo, pavimento onde são expostos os
acessórios femininos, as colunas foram revestidas de lâminas de
aço inoxidável polido, inspirado no trabalho do artista minimalista
John McCracken, solução que também ajuda na percepção mais
ampla do espaço.
Nesse contexto, o estúdio Cooley Monato desenvolveu um projeto
que assegurasse conforto, unidade estética e amplitude espacial à
loja, além de considerar a economia de energia e atender às rígidas
normas técnicas locais. Todas as luminárias embutidas no forro,
utilizadas principalmente para dar destaque às mercadorias, foram
especificadas com desenho discreto e dimensões minimalistas,
com a intuito de “desaparecer” no espaço. Demais equipamentos
de iluminação foram integrados no tecido arquitetônico e em
detalhes no mobiliário, com o mesmo objetivo.
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PONTO FOCAL
A elegante escada espiral foi iluminada para ser um elemento
de destaque da arquitetura. O projeto de iluminação previu luz
integrada nos corrimões e uplights embutidos nos degraus.
Essas luminárias possuem um rigoroso controle antiofuscamento
feito de um anteparo ou, como explica Emily, “uma espécie de
pálpebra que bloqueia o contato visual direto com a fonte de
luz”. Para provar a eficiência da solução, além de convencer
os arquitetos inicialmente relutantes em embutir luminárias
no piso, foi realizado um mockup da escada em escala 1 : 1.
Já o detalhe do corrimão foi “desafiado diversas vezes
em diferentes níveis de complexidade”, comenta Emily. O
detalhe deveria parecer limpo, sem marcas ou variação de
temperaturas de cor dos pontos de LEDs. O projeto deveria
também atender aos níveis de iluminâncias nos espelhos dos
degraus, necessários para rota de fuga em caso de emergência.
Além disso, as luminárias deveriam ser fornecidas a um
custo baixo.
VITRINES E LOJA
A iluminação das vitrines da Barneys foi projetada com o
intuito de atender às necessidades e às demandas que essas
intricadas cenografias exigem. Para isso, foi previsto um sistema
versátil de projetores em trilhos eletrificados, fixados no forro e,
verticalmente, nas laterais das vitrines. Os projetores possuem
diversas aberturas de facho, sendo alguns RGB para iluminação
com efeitos especiais. As paredes do fundo também foram
destacadas por iluminação linear rente à superfície e por
microprojetores para destaque ou projeções.
Para a iluminação da loja, além da camada para o destaque
das mercadorias e da circulação, foi criada uma camada de
iluminação difusa com o intuito de suavizar sombras nas feições
humanas. Essa camada foi obtida por meio de luz refletida nas
superfícies próximas às fontes de luz escondidas em detalhes
no mobiliário ou integrados na arquitetura. Sancas no forro
em forma de amebas foram iluminados de maneira indireta,
contribuindo também para a camada de luz difusa e geral dos
ambientes. Todas as fontes luz nesses espaços possuem a
mesma temperatura de cor de 3.000 K.
Na página anterior, vista da loja com
destaque para o vazio da escada,
ponto central do projeto. A escada foi
iluminada por luminárias LED 1 W e 3.000 K
embutidas no piso com anteparo
antiofuscamento. Os corrimões receberam
fitas de LED 15 W/m linear e 3.000 K,
fixadas na lateral do detalhe, por fitas
adesivas dupla face de alta aderência. No
piso do setor dos cosméticos no subsolo, a
camada de luz difusa e suave é obtida
por meio de luminárias escondidas no
tecido arquitetônico e mobiliário. As
prateleiras, por exemplo, receberam fitas
de LED 25,6 W/m linear e 3.000 K. Os
espelhos, fixados nas colunas, receberam
duas tiras verticais laterais, uma em cada
extremidade, para iluminação difusa.
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FREDS
O icônico restaurante localizado no terceiro pavimento da loja
foi iluminado seguindo os mesmos princípios das demais áreas: uma
camada de luz para destaque das mesas e do balcão do bar e outra
para iluminação suave e difusa, por meio de iluminação refletida.
Esse é o caso da iluminação do painel de madeira da entrada e do
trabalho figurativo do artista norte-americano Connor Thompson.
A pintura ocupa toda a principal parede do restaurante, oposta ao
bar. Ela foi iluminada por sanca no forro e por iluminação escondida
em detalhe atrás do sofá.
A área do bar recebeu o ponto focal por meio do brilho nas garrafas
iluminadas de baixo para cima, e a frente do balcão foi iluminado for
LEDs fixados sob o tampo. A temperatura de cor especificada nesses
ambientes foi de 2.700 K.
Como a maioria dos projetos de sucesso, o de iluminação
enfrentou enormes desafios, como prazos e orçamentos curtos e
normas técnicas limitadoras. Nessa realidade, os designers tiveram
menos tempo para testar ideias e coordenar a construção e o
desenvolvimento de detalhes – imprescindível no processo do
estúdio e, nesse caso, na realização do conceito do projeto. Segundo
Emily, ela poderia encher uma página com todos os problemas que
o projeto enfrentou. “Estamos aliviadas e um pouco surpresas pelo
projeto ter sobrevivido. Parece que existe final feliz na realidade
desafiadora do mercado de hoje.”
No departamento de acessórios, na página dupla
anterior, as mercadorias são destacadas por meio de
luminárias embutidas no forro LED 14,8 W e 3.000 K, com
acabamento discreto. Acima, à esquerda, as sancas com
formato ameboide foram iluminadas por fitas de LED 24
W/m e 3.000 K. No restaurante Freds, fitas de LED 11,2
W/m linear e 2.700 K foram utilizadas em detalhes sob
o tampo do balcão do bar e no sofá. Nas sancas, foram
especificadas fitas de LED 2.700 K.
BARNEYS
Nova York, EUA
Projeto de iluminação:
Cooley Monato Studio – CoMoS
Projeto de arquitetura:
Steven Harris Architects
Projeto executivo de arquitetura:
Lalire March Architects
Projeto de interiores:
Lee Roberts + Partners
Fornecedores:
Aculux, Eklipse, Feelux, GE Lighting, LED Linear,
Loupi, MP Lighting, OptoLum
Palestrante do
8º LEDforum
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Lâminas horizontais
suavizam a
luminosidade do
painel translúcido, o
que acaba reforçando
a impressão de “luz
natural”, um dos
efeitos pretendidos
pelos designers.
Na outra página,
downlights em LED
têm acesso por meio
do sótão sobre o teto,
o mesmo que serve
para recolher as fitas
de LED articuladas e
removíveis dos pilares.
DO OPACO AO TRANSLÚCIDO
Texto: Gilberto Franco | Fotos: Rafael Salsa Correa
O
edifício One Queen East, em Downtown Toronto, é um
importante conjunto comercial constituído por uma
torre envidraçada de 27 andares, com escalonamentos
defasados ao topo e um lobby com um vazio de cinco andares.
Concluído no início dos anos 1990, surgiu como uma integração
ao 20 Richmond Street East, um edifício do final do século XIX,
de arquitetura neorromânica, com largos arcos de tijolos, que
sofrera um grande incêndio em 1984. Das cinzas desse incêndio,
surgiu, além da recuperação dos danos do edifício histórico,
ao custo de 11 milhões de dólares, a nova torre em questão. O
sítio é hoje entendido como um landmark da região e da cidade.
Por ser um local de passagem, que faz ligação tanto aos
famosos caminhos peatonais subterrâneos de Toronto como à
estação de metrô Queen, recebe diariamente um fluxo intenso
de pessoas. Recentemente, os proprietários deram início a um
processo de renovação, visando tornar o local mais atraente a todos
– passantes, visitantes, inquilinos. Essa renovação, que continuará
ainda por muitos anos, teve início com a remodelação do lobby,
a cargo dos escritórios de arquitetura Building Arts Architects e
WZMH Architects, com iluminação do arquiteto e lighting designer
brasileiro Rafael Salsa Correa, antigo colaborador da então Franco
+ Fortes Lighting Design, e hoje radicado no Canadá.
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ADICIONANDO LUMINOSIDADE
Um dos aspectos que chama a atenção no lobby é a presença
CUBOS DE GELO
No mezanino, onde funciona uma área privada para eventos,
Cubos luminosos que ajudam a
amenizar os distúrbios causados
pela privação da luz natural.
de imensas paredes que envolvem as baterias de elevadores, cuja
algumas paredes foram revestidas de painéis difusos, criando
monumentalidade era vista como um dos elementos que obscureciam
como que “cubos de gelo” no espaço. A generosa iluminação
o espaço. A solução encontrada pelo time de arquitetos e lighting
dessas superfícies verticais destina-se a minimizar o efeito
designers foi adicionar luminosidade a elas, tornando-as atraentes.
conhecido como SAD (Seasonal Affective Disorder), que afeta
Foram então criados extensos painéis luminosos, suavizados por
os canadenses durante o período de inverno, já que nessa
lâminas horizontais, transformando o que antes eram elementos
época ficam bem menos expostos à luz natural. “Estudos têm
A delicadeza dos rasgos de
luz horizontais e verticais
do hall dos elevadores
contrapõe-se à presenca
dos gigantescos painéis.
sombrios em fontes de luz vívidas e atraentes. As questões técnicas
foram resolvidas de forma engenhosa: a adoção de tecnologia LED
em todo o espaço, aliada ao recurso de dimerização, proporcionou
simultaneamente um aumento na luminosidade geral e uma redução
no consumo de energia. A manutenção do sistema de iluminação
dos imensos pilares, por sua vez, foi resolvida com um sistema de
polias capaz de remover para um sótão acima do lobby toda a coluna
de LEDs de cada parede. Como os LEDs são uma sequência de
segmentos articulados entre si, comportam-se como uma corrente,
podendo, assim, alojar-se horizontalmente no topo para a devida
manutenção, retornando posteriormente à sua exata posição original.
Esse mesmo sótão, aliás, serve para a manutenção das luminárias
de embutir que fazem a iluminação funcional.
associado males como depressão e obesidade à privação do
organismo à exposição da luz, e o tipo de solução de iluminação
destina-se potencialmente a minimizar esses danos”, explica
Rafael Salsa.
Como contraponto a esses elementos tão grandiosos, efeitos
de luz mais sutis permeiam o lobby, como a iluminação difusa
linear vertical embutida nas paredes de mármore laterais dos
elevadores e as iluminações direta e indireta integradas nos
fechamentos de madeira sobre as portas.
Assim, a exploração de elementos verticais como fontes
de luz integradas à arquitetura resultou na transformação de
um ambiente outrora dispendioso e pouco convidativo em um
novo espaço luminoso, atraente e saudável.
ONE QUEEN EAST
Toronto, Canadá
Projeto de iluminação:
Rafael Salsa Correa
Projeto de arquitetura do edifício original de 1892:
Knox Elliot & Jarvis
Projeto de arquitetura do edifício novo de 1990:
Page + Steele / IBI Group Architecture
Projeto de interiores de 2016:
Building Arts Architects, WZMH Architects
Fornecedores:
Acclaim, Gotham, Lumenpulse, Selux, Traxon
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FOTO LUZ FOTO
NELSON KON
O que me chamou a atenção no primeiro contato com o edifício
do Teatro Santander é a caótica situação em que ele está inserido.
O rio, a estação, a avenida marginal e os edifícios de diferentes
formas e gabaritos configuram uma geografia muito peculiar.
Eu queria retratar essa situação, mas a falta de recuos
suficientes no terreno e nos espaços próximos ao edifício tornou
a tarefa muito difícil. Passei algum tempo rodeando o edifício de
carro e a pé até encontrar o local adequado: a ponte que faz a
ligação da Marginal Pinheiros à Avenida dos Bandeirantes.
Por ser uma via com tráfego muito intenso, seria impossível
chegar ao local durante os dias de semana. Agendei a fotografia,
então, para o domingo. Iniciei a aventura de atravessar a marginal,
escalar a ponte e me posicionar para a tomada da imagem.
Armei o tripé e a câmera e esperei pelo momento certo.
Alguns motoristas perversos desviavam seu trajeto para passar
rente e disparar a buzina quando bem próximos de mim.
Escolhi uma sensibilidade ISO mais alta que a usual, para
que o tempo de exposição não fosse excessivamente longo, mas
não alta o bastante para degradar a qualidade da imagem.
O momento do disparo teria de ser bem preciso: não tão
cedo que a iluminação não tivesse destaque nem tão tarde que
o céu escurecesse muito e a silhueta dos edifícios do entorno
fosse perdida. O uso do formato quadrado recortou as laterais
dos edifícios adjacentes, o que ressaltou a presença do meu
objeto e permitiu enquadrar o céu e o rio.
A ponte oscilava fortemente com a passagem de grupos de
carros e, principalmente, caminhões. Aguardei o momento de
menor oscilação para fazer a tomada.
Utilizei uma câmera Canon EOS 5DS R com uma objetiva
Canon TS-E 45 mm f/2.8, usei a sensibilidade ISO 400,
velocidade de exposição de 1/10 segundo e diafragma f/8. A
edição final foi feita pela Rafaela Netto no Adobe Photoshop
CS6 com alguns ajustes de cor e contraste, mas sem excessivas
manipulações da imagem.
Nelson Kon é formado pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo. Atua como fotógrafo profissional desde 1885, especializado
em fotos de arquitetura e do ambiente urbano. Seu acervo compreende principalmente imagens da arquitetura brasileira moderna e contemporânea.
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