L+D 63

TEMPLO BAHÁ’Í (SANTIAGO)
E MAIS: GASHOLDER PARK (LONDRES); GUINDASTES DO PÍER MAUÁ (RIO DE JANEIRO); THE FARM RESIDENCE (GERROA);
NOVO CENTRO DE CONVENÇÕES DE ROMA; BACIO DI LATTE (SÃO PAULO); EUROLUCE 2017; FOTO LUZ FOTO: ARYEH 1 KORNFELD

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SUMÁRIO
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maio | junho 2017
edição 63
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44 50
36 56
60
10
¿QUÉ PASA?
32
36
GUINDASTES DO PÍER MAUÁ
A cor além do metal
THE FARM RESIDENCE
Luz como matéria
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TEMPLO BAHÁ’Í
50
56
NOVO CENTRO DE CONVENÇÕES DE ROMA
Nuvemteca
BACIO DI LATTE
O sabor de um bom projeto luminotécnico
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EUROLUCE 2017
66
FOTO LUZ FOTO
Aryeh Kornfeld
6 7

Romulo Fialdini
Thiago Gaya
publisher
TEMPLO BAHÁ’Í
Iluminação: Limarí Lighting Design
Foto: Aryeh Kornfeld
VOCAÇÃO PARA O DETALHE
Orlando Marques
editor-chefe
PUBLISHER
Thiago Gaya
EDITOR-CHEFE
Orlando Marques
DIRETORA DE ARTE
Thais Moro
Uma das abordagens conceituais bastante utilizadas em projetos de iluminação
arquitetural em geral consiste na criação de detalhes integrados ao tecido arquitetônico,
com a finalidade de esconder equipamentos de iluminação, proporcionando, assim,
uma camada de luz cuja procedência parece brotar do próprio edifício.
Esse trabalho envolve habilidades que vão além do conhecimento a respeito do
comportamento da luz no espaço e seus efeitos nas superfícies materiais: requer
um entendimento específico das propriedades físicas dos materiais e de suas
capacidades construtivas.
Portanto, quanto mais esmiuçado for o detalhe, melhor ele vai se comunicar ao
longo do cronograma da obra e, com isso, maiores serão as possibilidades de ser
implantado conforme inicialmente projetado.
Nesta edição trazemos alguns exemplos de projetos cujos detalhes para a
integração de equipamentos de iluminação no tecido arquitetônico foram concebidos,
desenvolvidos e coordenados de maneira exemplar. Apresentamos também os
principais lançamentos da Euroluce 2017, com destaque para as luminárias que, por
seu desenho, estão procurando responder às questões prementes encontradas no
conceito “human centric design”.
Homenageado na seção Foto Luz Foto desta edição, o fotógrafo chileno Aryeh
Kornfeld apresenta a imagem síntese de seu trabalho no templo Bahá’í. Além disso,
os arquitetos do premiado escritório Limarí Lighting Design são os convidados para
a coedição do ¿Qué Pasa? especial desta edição, apresentando o delicado projeto de
luz e sombras dos também premiados arquitetos do escritório Speirs + Major para o
projeto Gasholder Park, em Londres.
Destacamos, ainda, o trabalho do artista Daniel de Paula com as carcaças das
antigas pétalas dos postes de iluminação da avenida Paulista, exposto no Museu de
Arte de São Paulo – Masp.
REPORTAGENS DESTA EDIÇÃO
Carlos Fortes, Debora Torii, Fernanda Carvalho,
Gilberto Franco, Limarí Lighting Design,
Orlando Marques, Thiago Gaya
REVISÃO
Débora Tamayose
ADMINISTRAÇÃO
Richard Schiavo
CIRCULAÇÃO E MARKETING
Márcio Silva
PUBLICIDADE
Lucimara Ricardi | diretora
Avany Ferreira | contato publicitário
Paula Ribeiro | contato publicitário
PARA ANUNCIAR
comercial@editoralumiere.com.br
T 11 2827.0660
PARA ASSINAR
assinaturas@editoralumiere.com.br
T 11 2827.0690
Boa leitura!
Orlando Marques
Editor-chefe
TIRAGEM E CIRCULAÇÃO AUDITADAS POR
O time do escritório chileno
Limarí Lighting Design
apresenta no ¿Qué Pasa?
duplo desta edição o
premiado projeto Gasholder
Park em Londres, do
escritório Speirs + Major.
PUBLICADA POR
Editora Lumière Ltda.
Rua Catalunha, 350, 05329-030, São Paulo SP, T 11 2827.0660
www.editoralumiere.com.br
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¿QUÉ PASA?
ORIGAMI ESPACIAL
A grandiosidade das esculturas cinéticas criadas pela
cenógrafa britânica Es Devlin impressiona. Tendo iniciado sua
carreira com modestos projetos para pequenos espetáculos
teatrais londrinos, a designer tem hoje em seu currículo cenários
desenvolvidos para alguns dos maiores nomes da cena musical
internacional, como Kanye West, Lady Gaga e U2, além de ter
feito parte da produção das cerimônias de encerramento dos
Jogos Olímpicos de Londres e do Rio de Janeiro.
Uma de suas mais recentes e ousadas criações é a
cenografia da nova turnê do cantor canadense The Weeknd
– que recentemente se apresentou no Brasil. A The Weeknd’s
Starboy: Legend of The Fall Tour apresenta aos espectadores uma
surpreendente estrutura triangular que paira sobre o palco e
cuja movimentação faz alusão a uma aeronave. O conceito foi
desenvolvido em conjunto com o próprio artista e com o diretor
criativo de sua gravadora, que consideram o enredo do show
similar aos movimentos de um plano de voo. Assim, no início
da performance, a estrutura se apresenta como um triângulo
plano, com “asas” que lentamente se dobram e se movimentam,
culminando em um mergulho de nariz e na posterior separação
dessas asas, que passam a se mover de maneira independente.
Sustentada por meio de treliças de alumínio, a estrutura é
revestida por um tecido cinza, sobre o qual uma série de imagens
é projetada durante a apresentação, perfeitamente sincronizadas
aos movimentos da estrutura. Essas imagens complementam a
iluminação principal do palco, realizada por meio de uma série de
projetores fixados em uma vara central móvel.
Devlin explica que a intenção de seu projeto era traduzir ambas
as linguagens, analógica e futurista, da forma como interpreta as
canções criadas pelo cantor. “Sua música funde a analogia do soul
ao futurismo eletrônico, portanto imaginamos um elemento cênico
que referenciasse tanto um origami de avião de papel quanto uma
nave espacial futurística”. As linhas de LEDs que delineiam as
formas da estrutura reforçam essa sensação. (D.T.)
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Imagens: Messe Düsseldorf/Constanze Tillmann
¿QUÉ PASA?
EUROSHOP 2017
Entre os dias 5 e 9 de março aconteceu mais uma edição da
EuroShop, a maior feira do mundo dedicada às novidades para o
setor do varejo. Organizado há 50 anos pela Messe Düsseldorf,
o evento é realizado a cada três anos na cidade alemã e, nesta
edição, recebeu mais de 113 mil visitantes, que circularam dentre
os cerca de 2.300 estandes dispostos em uma área de 127 mil
metros quadrados de espaço expositivo.
A feira é dividida em sete “dimensões de experiência”,
dentre as quais se destaca a Iluminação, com praticamente dois
pavilhões dentro do evento.
A economia de energia, a integração da luz nos
equipamentos no mobiliário e, em especial, as possibilidades
dos sistemas de iluminação digital – e inteligente – foram os
principais temas observados. A tecnologia LED, continua o
centro das tendências apresentadas na feira, que prometem
ser o futuro do setor de retail: a digitalização do varejo;
a “emocionalização” da experiência de compra por meio
da criação de narrativas (utilizando arquitetura, design e
iluminação como ferramentas); e o conceito de omnichannel
solutions – ou soluções desenvolvidas sob medida que permitam
oferecer aos clientes experiências de compra exclusivas.
A Editora Lumière e a L+D estiveram presentes na
EuroShop 2017, acompanhando a comitiva da Associação
Brasileira da Indústria de Equipamentos e Serviços para o
Varejo (ABIESV), que desde a edição anterior do evento,
em 2014, apoia a participação de empresas brasileiras na
feira, em parceria com a Agência Brasileira de Promoção
de Exportações e Investimentos (Apex-Brasil). A próxima
edição da EuroShop acontecerá entre 16 e 20 de fevereiro de
2020. (D.T.)
12 13

Imagens: Rauno Träskelin/Courtesy Galerie Maria Wettergren
¿QUÉ PASA?
EFEMERIDADE
A Galerie Maria Wettergren, em Paris, dedica seu espaço à
exibição de trabalhos dos mais importantes artistas e designers
da cena escandinava desde a sua fundação, em 2010. Em março
último, o trabalho do internacionalmente premiado artista
finlandês Ilkka Suppanen esteve em cartaz na mostra Evanescent.
A exposição reflete sobre o fenômeno da evanescência por
meio de 15 grandes esculturas de vidro, produzidas em parceria
com Murano Tiozzo e Claudio Pino Signoretto, na cidade
de Murano, na Itália. A delicadeza e a fragilidade das obras
remetem à efemeridade do processo de transição da matéria
entre dois estágios. Assim, representam, metaforicamente, o
elo entre água e vidro e suas propriedades de transformação, de
estado sólido a líquido ou vapor. As etéreas esculturas parecem
capturar o momento de condensação da água – congelada ou
líquida –, e suas superfícies translúcidas produzem, sob a luz,
tonalidades que variam sutilmente entre brancos, verdes e
azuis. Algumas delas são compostas também de prata, o único
metal, além do ouro, que pode ser fundido ao vidro.
Por meio de suas obras, o artista costuma conduzir seu público
a reflexões coletivas acerca de temas como o desenvolvimento
sustentável e a globalização. Por trás da fragilidade estética das
peças, Suppanen emite seu olhar crítico, sinalizando os perigos do
aquecimento global e do consequente derretimento das calotas
polares. A importância da preservação dos recursos naturais é
sua mensagem, demonstrada por meio da conexão entre o ciclo
eterno das águas e as possibilidades de reciclagem do vidro.
Além de Evanescent, a galeria exibiu a linha de luminárias
Porcupine, também de autoria do finlandês. Os pendentes
foram desenvolvidos por meio de um inovador processo de
impressão em 3D em três versões diferentes (resina, cobre e
madeira), com design que combina formas orgânicas e padrões
matemáticos. (D.T.)
14 15

Imagens: Thierry Bal
¿QUÉ PASA?
EXPERIÊNCIA TRANSITÓRIA
Inspirado pela vida itinerante que leva desde que deixou
sua cidade natal, Seul, na Coreia do Sul, para estudar e viver
em Nova York, nos Estados Unidos, o artista Do Ho Suh exibe,
em grande parte de seus trabalhos, suas reflexões a respeito
da ideia de “lar”. É exatamente essa a abordagem de Passage/s,
sua maior e mais recente exposição em Londres, cidade na
qual vive desde 2015.
Em cartaz durante os meses de fevereiro e março
deste ano na Galeria Victoria Miro, a mostra apresentou
réplicas meticulosas da arquitetura dos locais onde o artista
viveu, desde a sua residência durante a infância até seus
apartamentos nos países ocidentais. Ocupando quase a
totalidade dos 25 metros lineares da sala de exposições, seus
“lares” foram recriados por meio de superfícies translúcidas de
poliéster colorido, costuradas na forma de um longo corredor
que conecta todos os chamados “Hubs” – nome dado a cada
“cubículo”, representando uma residência diferente.
As estruturas buscam comunicar a interpretação de
Suh acerca de temas como a migração, a transitoriedade
e as mutações de identidade. A permeabilidade visual
proporcionada pelos tecidos é potencializada pela abundante
iluminação zenital no interior da galeria e remete, de maneira
metafórica, à perambulação entre culturas, na qual se perdem
os limites entre público e privado. A conexão entre os “Hubs”
acentua o senso de fluxo, que alude à passagem da vida do
próprio artista e rompe com as barreiras entre imaginação e
realidade, entre passado e presente.
Alguns detalhes das residências foram também apresentados
por meio de uma nova técnica desenvolvida
pelo artista. O sul-coreano utilizou uma espécie de tecido
gelatinoso, costurado de maneira semelhante ao poliéster. Em
contato com a água, porém, o material se dissolve e resulta em
grandes imagens bidimensionais que atuam como verdadeiros
retratos viscerais que complementam suas reflexões.
A experiência transitória é composta ainda de um vídeo –
gravado e exibido sob três pontos de vista diferentes –, no qual
o artista, acompanhado de suas filhas, explora os arredores
de sua residência londrina. Os sons ambientes e os diálogos
entre eles (em inglês e coreano) ressaltam o cruzamento
entre fronteiras culturais e geográficas. Para o artista, o “lar”
não é apenas uma construção física mas abrange também as
experiências vividas em cada local. (D.T.)
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¿QUÉ PASA?
MEMORIAL
PAULISTANO
Por ocasião do seu 70ª aniversário, o Masp – Museu de
Arte Assis Chateaubriand – inaugurou em fevereiro a exposição
Avenida Paulista, em cartaz até 28 de maio. A intenção da
curadoria foi chamar a atenção não apenas para o edifício
do museu, mas para seu entorno. Além de documentos do
acervo histórico da avenida, reunidos entre 1891 e 2016, são
apresentados 14 trabalhos comissionados, isto é, criados
especialmente para essa exposição.
Entre os convidados a executar esses trabalhos está o artista
Daniel de Paula, que apresenta a instalação Campo de ação/
campo de visão, que consiste na disposição regular de 20 pétalas
feitas das antigas luminárias da avenida, substituídas em 2011.
Além das peças, o artista apresenta um esquema gráfico do
sistema de postes de iluminação e Uma breve cronologia da luz
na avenida Paulista, na qual relata fatos marcantes ocorridos no
local, como a “substituição das lâmpadas brancas de mercúrio
por lâmpadas amarelas de vapor de sódio” em 1991, a “crise do
apagão que afeta o fornecimento de energia no país e modifica
a paisagem noturna da avenida Paulista” em 2001 e a agressão
a um jovem “com uma lâmpada fluorescente em ataque
homofóbico na avenida Paulista”, em 2010, entre outros.
As sucatas foram adquiridas em um leilão da Prefeitura
Municipal de São Paulo. Colocadas no contexto do museu
e dispostas como lápides em um cemitério, adquirem novo
significado, permitindo refletir sobre temas como a escala
urbana, evidenciada pelo tamanho desproporcionalmente
grande das luminárias, e a humana, a memória, a obsolescência
e a finitude. As peças, em formato que lembram caixões,
parecem ser tratadas como entes que, após a morte, repousam
alinhados nesse triste memorial. De fato, o ambiente remete a
algo ritualístico e solene.
Com essa estratégia de ressignificação, o artista potencializa
a lógica do objeto “luminária” como instrumento da visão e do
“lugar avenida Paulista/Masp” como palco da ação. O nome do
trabalho evidencia a relação que o artista intencionou estabelecer
ao unir o palco dos principais acontecimentos do país e os
holofotes que os iluminam. Tais objetos deixam assim de ser lixo
e passam a ser reconhecidos como entes que “testemunharam
o agregado de todos os acontecimentos ocorridos entre 1974 e
2011 na avenida Paulista, iluminando-os e permitindo que fossem
percebidos”, relata o artista. (F.C.)
Foram anunciados os prazos e as datas de realização da
5ª edição da International Lighting Design Competition, uma
premiação-evento anual produzida pela L A M P (Lighting
Architecture Movement Project) em Vancouver, no Canadá
(não confundir com o prêmio LAMP Awards da empresa
espanhola LAMP). A partir desta edição, o evento passará a
ser bianual, de maneira a oferecer aos designers mais tempo
para que desenvolvam suas criações e seus protótipos.
Aqueles que queiram concorrer aos prêmios poderão
inscrever suas criações a partir de 1º de junho, em três
diferentes categorias: Consagrado, Emergente e Estudante.
Assim como nas edições anteriores, os trabalhos enviados
deverão estar relacionados a um tema específico, que nesta
edição será “Equilíbrio”.
Os prêmios e o painel do júri – que já contou com nomes
como Michael Anastassiades e Tom Dixon – serão anunciados
em breve. As inscrições encerram em 15 de dezembro, e os
finalistas serão anunciados no segundo semestre de 2018,
quando também será realizado o evento de entrega dos
prêmios. As regras e o cronograma completo da 5ª edição da
competição estão disponíveis no site welovelamp.ca.(D.T.)
18 19

Imagens: Surrey NanoSystems
¿QUÉ PASA?
VANTABLACK É O NOVO PRETO
Quando se fala em cores escuras, o preto é, sem dúvida, a
primeira cor que vem à mente. É praticamente inimaginável que
uma cor possa ser ainda mais escura. Mas não para os cientistas
da empresa britânica Surrey NanoSystems, que não apenas a
imaginaram, como foram capazes de desenvolver um pigmento com
essa característica. Trata-se do Vantablack, um tipo de revestimento
que detém o título de substância mais escura do mundo.
O nome deriva da expressão “Vertically Aligned NanoTube
Array Black”, que nada mais é do que uma descrição da composição
do material. Diferentemente de um pigmento em pó tradicional,
o Vantablack é composto de uma “floresta” de nanotubos de
carbono (impressionantes 1.000 milhões por cm 2 ), alinhados
e uniformemente espaçados. Isso faz com que o processo de
pigmentação seja “cultivado” sobre a própria superfície do material
a ser pintado – e não por meio de uma simples aplicação, como
ocorre com uma tinta comum.
Em razão de sua constituição, o material absorve mais
de 99,9% da luz incide em sua superfície, e isso não se refere
apenas à luz visível mas também a outros componentes do
espectro, invisíveis ao olho humano. “A luz que penetra nos tubos
ricocheteia entre eles, sendo transformada em calor, que é então
dissipado”, explica Narayan Khandekar, expert em pigmentos e
diretor do Straus Center for Conservation and Technical Studies,
pertencente a Harvard Art Museums, que detêm uma amostra
do material em sua coleção de pigmentos.
Seu surpreendente nível de absorção tem consequências ópticas
curiosas. Quando aplicado sobre uma superfície tridimensional,
Vantablack dificulta o discernimento de suas características,
fazendo com que o objeto pareça bidimensional. Por causa disso,
seu uso sem prévia autorização pode ser considerado ilegal, e a
aquisição de amostras junto aos desenvolvedores está sujeita à
obtenção de uma licença do governo britânico.
O material foi originalmente desenvolvido para a aplicação
em sistemas de instrumentação científica espacial. No
entanto, suas propriedades ópticas e físicas singulares –
complementadas por sua alta resistência mecânica e térmica,
sua elasticidade e sua leveza – aguçaram a criatividade da
comunidade científica, que começa a vislumbrar outras
aplicações, por exemplo, para fins militares ou mesmo em
itens de design.
O lançamento de uma nova versão em spray (Vantablack
S-VIS) promete facilitar a aplicação em superfícies com formas
mais complexas. Essa nova opção, porém, vem acompanhada
de uma polêmica: o direito exclusivo de seu uso para fins
artísticos foi cedido ao artista indiano-britânico Anish Kapoor,
que tem acesso ilimitado ao material desde o ano passado.
A negociação gerou muitos protestos no meio artístico, já
que é atípico que um artista detenha, com exclusividade, os
direitos de uso de uma cor em particular. Kapoor se defende
alegando que se trata de uma colaboração, pois está tentando
ajudar os criadores do material a expandir as possibilidades de
seu uso. Até o momento, no entanto, o artista não conseguiu
utilizar o Vantablack em nenhuma criação, em virtude da grande
complexidade técnica de seu processo de aplicação. (D.T.)
20 21

¿QUÉ PASA?
Imagens: Deniz Birgi
ARTE, CIÊNCIA E
TECNOLOGIA
Inspirados pela física por trás da luz, o único elemento
eletromagnético que pode ser percebido pelo olho humano,
os designers do estúdio turco Ouchhh criaram iOTA – Data
Live Performance. O nome da instalação deriva da linguagem
de programação, na qual a nona letra do alfabeto grego,
grafada em letra minúscula, denota o mapa de inclusão de
um espaço em outro.
iOTA é uma escultura de luz que remete às pesquisas
a respeito da origem da geometria. Uma profusão de
gráficos, em aparente desordem, é formada por centenas
de LEDs distribuídos na superfície de uma gigantesca placa
vertical de vidro. Instalada em um átrio do que parece ser
um shopping ou um aeroporto vazios, a escala da escultura
parece encolher o observador, que é praticamente forçado
a mover-se pelo espaço a fim de vivenciar a experiência a
partir de todas as perspectivas que ela oferece. “A natureza
da luz e seus diferentes fenômenos podem ser observados
além da perceptividade da mente humana, em uma tentativa
de traduzi-los de maneira unificada e não espacial”, divagam
os autores. A experiência conta com uma trilha sonora
desenvolvida especialmente para o projeto pelo estúdio de
design sonoro Audiofil. O vídeo de iOTA pode ser conferido
no site Vimeo, no canal do Ouchhh.
A instalação foi exibida ao público pela primeira vez
durante o festival de música, criatividade e tecnologia Sónar
Istanbul, realizado na cidade turca nos dias 24 e 25 de março.
O estúdio de novas mídias Ouchhh, com sedes em Istambul
e Los Angeles, tem se consolidado cada vez mais no mercado
de mídias interativas, experiências imersivas, animações
e projeções mapeadas, tendo dentre seus clientes marcas
como Nike, Turkish Airlines, Coca-Cola, Apple e MTV. (D.T.)
22 23

Imagens: Luke Hayes
¿QUÉ PASA?
TECNOLOGIA SEM FRONTEIRAS
Conhecida pelo desenvolvimento de projetos de formas Sobre as telas eram projetadas imagens gráficas com
notavelmente ousadas, a equipe do Zaha Hadid Architects, movimento contínuo, especialmente desenvolvidas pelo
agora sob a direção de Patrik Schumacher, foi designada pela estúdio de design Universal Everything para a ocasião. Os
Samsung para a criação de Unconfined: The Galaxy S8 Design. visitantes também tinham a oportunidade de criar seus
Trata-se de uma instalação interativa que ficou aberta ao próprios avatares utilizando os aparelhos Galaxy S8 e vê-los
público entre os dias 4 e 9 de abril no distrito de Tortona, em projetados sobre as telas. O objetivo da marca era demonstrar
Milão, Itália, como parte da Design Week deste ano.
a perfeita integração entre o espaço gráfico físico e o virtual,
Concebida para a divulgação dos novos smartphones da marca refletindo a história por trás da criação do aparelho, que une
sul-coreana, a instalação imersiva contou com sete telas suspensas design, tecnologia e experiência.
sob o teto – cada uma com cerca de 5 metros de comprimento e O espaço de 800 metros quadrados apresentou também
3,5 metros de altura –, as quais, apesar da magnitude, pareciam uma área destinada à exploração dos novos recursos do
flutuar pelo espaço. Seu desenho curvo, semelhante ao de smartphone, cuja tecnologia pioneira e design integrado de
pétalas retorcidas, foi criado com inspiração nas formas, nas sua tela “infinita” são os principais atrativos. Daí parte o
cores e nos materiais do recém-lançado aparelho celular. conceito da instalação: sem bordas e sem limites. (D.T.)
LEMCA FIT BRASÍLIA
GUINDASTES DO PIER MAUÁ
Perfil com LEDs para uso
Local: Rio de Janeiro
interno e externo.
Projeto de Iluminação: LD Studio
24 Foto: Andrés Otero
www.lemca.com.br | led@lemca.com.br
25
Tel: |11| 2827.0600 | 3719.3555

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Imagens: Tokujin Yoshioka Design
¿QUÉ PASA?
ESPECTRO TÁTIL
O designer japonês Tokujin Yoshioka é declaradamente
fascinado pela luz natural e pela sua aura mística, capaz de
modificar toda a atmosfera que a rodeia. Focado na investigação
da relação entre o homem e a natureza, Yoshioka costuma
realizar experimentos acerca das sensações provocadas pela
luz natural, que ele acredita ter o poder de ressoar com as mais
íntimas emoções do observador.
Inspirado pelos experimentos de Isaac Newton, o primeiro
filósofo e cientista a demonstrar a decomposição do espectro
da luz solar através de um prisma transparente, o designer
explora o fascínio do homem quanto à relação entre luz e
cor. Sua predileção por materiais transparentes também é
explicada pelo fato de ele considerar ser essa a “cor” mais
próxima da luz, que se torna radiante sob a luz natural. Dessa
forma, já fez uso desse tipo de material anteriormente em pelo
menos duas grandes instalações (KOU-AN Glass Tea House, em
2011, e Rainbow Church, parte da mostra Crystalize, de 2013,
ambas no Japão), antes de apresentar Spectrum – Resonant
rainbows radiate from prisms, sua mais recente criação.
Em cartaz na Shiseido Gallery, em Tóquio, entre os meses
de janeiro e março deste ano, a experiência pode ser definida
como uma jornada mística, formada por “infinitos” arco-íris
que irradiavam da escultura instalada sobre a parede de uma
sala branca. A instalação era constituída de 200 prismas
que, sob a luz branca, refratavam cerca de 4 mil raios de luz
colorida. A obra buscava transmitir uma aura de natureza, a
passagem do tempo e a beleza da luz por si mesma. “Já estudei
e experimentei com a luz natural muitas vezes, por ser um
fenômeno tão único. Durante esse processo, aprendi sobre o
caráter imprevisível da luz natural e tentei recriar essa beleza
sublime, sob o meu ponto de vista. Sempre procuro capturar
a essência do tempo e da natureza em experiências de design
simples, de maneira a permitir que o observador se integre à
natureza e à luz de forma palpável”, explica Yoshioka. (D.T.)
28 29

¿QUÉ PASA?
GASHOLDER PARK
Texto: Limarí Lighting Design | Fotos: Speirs + Major / James Newton
O projeto Gasholder Park, no bairro de King’s Cross,
em Londres, se encontra imerso em um projeto global de
revalorização desse antigo bairro industrial da capital inglesa.
É uma iniciativa muito atraente por vários motivos, como a
cuidadosa restauração e reconstrução da estrutura de aço do
Gasholder 8, um marco da época vitoriana do bairro, às margens
do Regent’s Canal.
Sua metamorfose em um “parque de bolso” se deu pelas
mãos dos arquitetos do escritório inglês Bell Phillips, que
projetaram uma impressionante estrutura circular de aço
inoxidável polido como um espelho, instalada internamente à
estrutura original, circundando um disco de grama com cerca de
20 metros de diâmetro.
O projeto de iluminação desenvolvido por nossos colegas da
Speirs + Major ganhou vários prêmios, entre os quais o recente
Darc Awards na categoria “Best Landscape Lighting Scheme – high
budget”, em 2016. O projeto se destaca por intervir na arquitetura
de forma bastante integrada e elegante, por meio da delicada
iluminação em tom branco frio, que realça a estrutura de aço
patrimonial. Além disso, foi criada uma iluminação dinâmica com
duração de 20 minutos, baseada no conceito do eclipse solar, que
usa a estrutura de aço polido como um refletor secundário para
gerar uma animação nesse espaço público de um bairro residencial.
O projeto foi agraciado com o honroso prêmio IALD Award
of Merit, concedido este ano pela Associação Internacional de
Lighting Designers (IALD).
30 31

A volumetria dos guindastes é revelada pelo
contraste de luzes e sombras em suas superfícies.
O conceito do projeto de iluminação é composto,
basicamente, de fontes monocromáticas a 3.000 K
e por projetores RGB, cuja programação se alterna
entre as cores laranja, vermelho, azul e violeta.
A COR ALÉM
DO METAL
Texto: Débora Torii | Fotos: Andrés Otero
O
projeto de revitalização da zona portuária do Rio de Janeiro,
intensificado durante a preparação da cidade para os Jogos
Olímpicos no ano passado, continua ganhando reforços
mesmo após o encerramento do evento. Sua mais recente atração
será a nova iluminação dos dois guindastes portuários do Píer Mauá.
Remanescentes da década de 1960 e já há algumas décadas fora de
operação, eles são personagens conhecidos pela maioria dos cariocas
e agora passam a integrar o emergente contexto cultural do local.
Sob o comando da equipe da LD Studio, esses equipamentos
ganharam vida, deixando de ser meros “pedaços de metal”, como
define Mônica Lobo, uma das titulares do escritório. “Desde pequena
sempre achei que os guindastes remetem a animais, e essa ideia, que
é até um pouco infantil, trouxe a inspiração para o conceito”, explica
ela. Buscando como resultados a vivacidade e o movimento, a equipe
optou pela iluminação RGB e, em conjunto com o cliente, definiu quatro
diferentes cores, que se alternarão em uma sequência pré-programada.
Além disso, o sistema de cores possibilita que a estrutura se comunique
com a cidade, homenageando eventos e datas comemorativas por
meio de cenas que serão acionadas automaticamente.
Enquanto a estrutura principal dos guindastes recebe a luz de
LEDs em temperatura de cor 3.000 K, acentuando sua tonalidade
laranja, o interior da cabine e a haste de carga são revelados pelas luzes
dinâmicas. O desafio, nesse caso, foi obter um resultado equilibrado
entre esses dois elementos, visto que seus acabamentos diferentes
se comportam de maneiras distintas sob as luzes coloridas. Houve
bastante cuidado também com a luminância das superfícies, de modo
que seu brilho fosse compatível com o do entorno do local onde estão
expostas as estruturas, evitando, assim, distorções na compreensão
de sua volumetria, cuja tridimensionalidade é revelada por meio de
suaves contrastes.
32 33

Ao lado, a estrutura principal
dos guindastes é iluminada
por projetores orientáveis
compactos, com LEDs de
17 W, 38°, e de 12 W, 40°,
ambos a 3.000 K. Acima, o
interior da cabine é revelado
por meio de projetores lineares
com LEDs RGB 80 W, com
facho assimétrico 30° × 60°.
Já as hastes de carga são
iluminadas por projetores
com LEDs RGB 50 W, 10°. A
parte superior da estrutura
de cor laranja é iluminada por
projetores uplight, com LEDs
17 W, 12°, e 12 W, 20°, ambos
a 3.000 K. A base da cabine
é suavemente destacada
com perfil de LEDs 9,6 W/m,
3.000 K, instalado sobre a
base circular da estrutura.
Em razão da especificação de equipamentos de altíssima
eficiência, o resultado foi alcançado com apenas 16 projetores
por guindaste, com diferentes fachos e potências, além de perfis
lineares que destacam a base da cabine de maneira mais homogênea
e sutil. Não somente a performance mas também as dimensões
das luminárias foram determinantes para sua escolha, já que era
importante que o volume não sobressaísse à escala da estrutura.
Mônica Lobo ainda recorreu a uma inspiração antiga para esse
projeto: a iluminação das pontes de Cleveland, nos Estados Unidos,
assinada pelo lighting designer Ross de Alessi em comemoração ao
bicentenário da cidade, em 1996. Sem que ainda existissem os LEDs
RGB na época, foram usados filtros coloridos e a movimentação
mecânica das próprias luminárias para criar o efeito dinâmico de
cores e intensidades luminosas da chamada “City of Bridges”. Essa
referência a direcionou à liberdade e ao dinamismo com os quais
interpretaram as estruturas a serem iluminadas.
GUINDASTES DO PÍER MAUÁ
Rio de Janeiro
Projeto de iluminação:
LD Studio
Mônica Luz Lobo, Daniele Valle
(arquitetas titulares)
Flavia Azambuja, Priscila Pacheco
(arquitetas colaboradoras)
Cliente:
Píer Mauá S/A
Fornecedores:
iGuzzini (O/M), Lemca, Philips
34 35

A residência apresenta detalhes cuidadosamente integrados
na malha arquitetônica. Nesta imagem, linhas de LED 2.700 K
sobre as vigas que separam o caixilho inferior e o superior fazem
o teto flutuar.
LUZ COMO
MATÉRIA
Texto: Gilberto Franco | Fotos: Rohan Venn
se projeta uma casa para que ela brilhe?”– pergunta
capciosamente Donn Salisbury, autor do projeto de
“Como
iluminação desta residência de fim de semana situada
nas redondezas de Gerroa, um vilarejo no sudeste da Austrália.
“Com um planejamento cuidadoso e luz invisível” – ele mesmo
trata de esclarecer.
A casa, conhecida por “The Farm Residence”, está situada no
topo de uma ampla colina relvada e é constituída por um core central,
no qual se acumulam as funções principais (lazer, estar e serviços),
ladeado por duas alas independentes, cada uma com um grupo de
dormitórios. Toda a edificação se debruça como um pássaro sobre a
colina, ao mesmo tempo que suas robustas paredes de terra batida
parecem emergir do solo como se dele fizessem parte.
Esse conjunto arquitetônico, de materiais em estado bruto –
madeira, terra batida e concreto – e de forte personalidade, não
deveria, segundo Donn, ser perturbado por sistemas de iluminação
que o ferissem, mas sim ser “honrado” por ela. Isso significou um
habilidoso trabalho de esconder as fontes de luz, como se quisesse
transformar o próprio edifício em uma grande luminária – ou “lanterna”,
termo que ele utiliza. “Queríamos que a luz fluísse pela arquitetura
como se fosse ela mesma a fonte de luz”, completa.
Dois sistemas complementares foram utilizados, ambos
integrados à arquitetura: a iluminação indireta, por meio de fontes
lineares escondidas no topo das paredes (que nunca encostam no
teto), fazendo o teto flutuar; e a iluminação vinda do teto, formada
36 37

Acima, linhas de LED escondidas
sobre as paredes fazem a casa brilhar
também quando vista pelos fundos.
Abaixo, esquemas mostram como a
luz se distribui pela casa nos diferentes
ambientes, quase sempre rebatendo no
teto ou nas paredes e se distribuindo.
Abaixo, à direita, a casa vista de baixo,
pela colina, com o rebatimento das
linhas de luz.
38 39

Acima, projetores de solo junto aos pilares difundem a luz no teto de modo ritmado, provocando
sombras irreais. Acima, à direita, em cada um dos dormitórios, três pontos no teto, quase
imperceptíveis, fazem a iluminação das paredes, conforme ilustrado nos esquemas da página
anterior. À direita, projetores de facho elíptico iluminam a piscina, proporcionando uma faixa
homogênea de luz na parede oposta.
geralmente por grupos de microluminárias que iluminam móveis
ou áreas que necessitam de mais destaque – às vezes funcionando
também como wallwashers, como nos dormitórios. Em todos
os casos, o desenho integrado foi a chave para conseguir fazer
desaparecer as luminárias.
Nos corredores, cada dormitório é identificado por conjuntos de
pequenas luminárias lineares verticais, desenhadas especialmente
para o projeto, as quais, de maneira poética e inusitada, servem
tanto como numeração do quarto quanto como luz noturna. Outras
peças, por exemplo, os pendentes da mesa de jantar e as arandelas
de latão dos quartos, com formas que mimetizam a arquitetura do
edifício, também foram desenhadas especialmente para a residência.
Embora toda a iluminação seja controlada por protocolo DALI,
sua utilização é bastante simples para o usuário, permitindo apenas
três cenas em cada espaço, programadas para atender tanto à
ambientação quanto ao exercício das atividades necessárias.
Não é apenas a luz que exala pelas janelas dessa robusta, porém
sintética, residência. É a sintonia fina entre arquiteto e lighting
designer, é o tratamento dado à luz como se fosse matéria, assim
como são o concreto e a madeira.
O projeto foi agraciado com o honroso prêmio IALD Award of
Merit, concedido este ano pela Associação Internacional de Lighting
Designers (IALD).
40 41

PROCESSO
Corte
80
Madeira
W3
W3
3mm
140
Elevação frontal
120
200
Parte interna de
latão escovado
Parte externa de
latão envelhecido
Na página anterior, acima, arandelas
de latão, mimetizando as formas da
arquitetura, foram desenvolvidas
especialmente para esta casa; abaixo,
diferentes detalhes construtivos de
cada fonte de luz, incluindo croqui
para os pendentes das áreas sociais.
Nesta página, acima, a iluminação
escondida, integrada aos detalhes
de marcenaria, cria uma espécie de
“arquitetura de luz”, complementada
por três globos difusos para luz de
espelho; abaixo, uma linha ultrafina
de luz faz brilhar a caixilharia
de madeira dos corredores dos
dormitórios. Balizadores de desenho
customizado indicam a numeração
dos dormitórios, além de servirem de
iluminação noturna.
50
Espelho
Latão
Acabamento
branco fosco
Fita dupla-face 3M
resistente a calor
L9
70
30
15
Madeira
Luminária
Forro de gesso
Vidro
Revestimento
de madeira
100
80
Luminária
Espaçador para
permitir alinhamento
da luminária com a
face inferior do perfil U
Pedra
40 x 40
Esquadria
Parafuso soldado no
perfil metálico
Porca
Mola de fixação
Luminária
Exterior
25
30
Interior
Vidro
Luminária
Anteparo
Cabo de alimentação
THE FARM RESIDENCE
Gerro, Austrália
Projeto de iluminação:
Electrolight
Donn Salisbury, Vladimira Rosolova
Projeto de arquitetura:
Fergus Scott Architects
Fergus Scott, Caryn McCarthy e
Richard Smith
Fornecedores:
Bega, Flos, IBL, iGuzzini, KKDC,
Nocturnal Lighting, Philips, TAL,
Viabizzuno, WE-EF
42
43
Luz
Palestrante do
8º LEDforum

O Templo Bahá’i, em Peñalolén, Chile,
está implantado na pré-cordilheira
dos Andes, de onde se descortina uma
magnífica vista da região. A arquitetura
é destacada pela iluminação interna,
que reforça a translucidez do vidro e do
mármore das fachadas.
TEMPLO BAHÁ’Í
Texto: Carlos Fortes | Fotos: : Aryeh Kornfeld
O
imponente edifício do templo Bahá’í destaca-se na
paisagem da pré-cordilheira dos Andes, nos arredores
de Santiago do Chile, em Peñalolén. Sua vocação
monástica e contemplativa é magnificamente reforçada pela
arquitetura em forma de flor e pela iluminação – tanto diurna
quanto noturna –, que realçam o brilho e a translucidez dos
materiais – vidro e mármore branco –, revelando nuances,
curvas e sombras.
A doutrina e a fé Bahá’í pregam a unidade espiritual de todos
os indivíduos e é amplamente calcada na prática de orações
e meditações. A arquitetura, em forma de flor, parece querer
traduzir os princípios de diversidade e união, com as pétalas
descrevendo um movimento em direção ao topo do edifício.
Implantado em um terreno de 58 hectares, o projeto do escritório
canadense HPA (Hariri Pontarini Architects), concebido por
Siamak Hariri como um corpo luminoso, foi vencedor de um
concurso internacional em 2003.
44 45

Em sentido horário, as superfícies de mármore
e vidro são iluminadas internamente por
36 projetores fixados em alojamento de bronze,
para LEDs de 35 W, 2.700 K, não dimerizáveis.
Esse sistema revela na fachada a silhueta
da estrutura interna, entre a superfície de
mármore e a de vidro. A iluminação indireta
das superfícies de mármore é proveniente de
63 luminárias equipadas com lentes elípticas,
para LEDs de 3 W, 2.700 K, dimerizáveis.
Pendentes cilíndricos de bronze para iluminação
direta marcam a posição da escada. Como
complemento à iluminação indireta, foram
desenhadas 26 luminárias de piso de bronze,
equipadas com lâmpadas halógenas bipinos de
75 W, 12 V. Nas áreas de circulação interna, com
forro de madeira, foram utilizadas 36 luminárias
do tipo downlight, para LEDs 8 W, 2.700 K,
dimerizáveis. Nos acessos, com forro de bronze,
foram utilizadas 27 luminárias do tipo downlight
IP 54 para LEDs 8 W, 2.700 K, dimerizáveis.
As nove pétalas que compõem o volume do edifício se
desenvolvem em torno de um eixo central. As fachadas são
constituídas por uma estrutura metálica revestida externamente
por lâminas de vidro fundido, desenhadas para o projeto, e
internamente por mármore português branco translúcido. A
luz diurna penetra no interior do templo pelas janelas, que se
desenvolvem entre as nove pétalas, e através da dupla camada
translúcida formada pelas superfícies de vidro e de mármore.
O conceito arquitetônico de “corpo luminoso” foi traduzido
no projeto do lighting designer francês radicado no Chile Pascal
Chautard, por meio da acertada proposta de privilegiar a translucidez
das superfícies e as aberturas verticais das janelas pela iluminação
interna. Assim, o templo brilha na paisagem e reflete no espelho
d’água, revelando sutilmente os interiores e a teia da estrutura
metálica, ensanduichada entre o mármore e o vidro.
A iluminação interna deveria ser propícia às atividades
monásticas, essencialmente contemplativas. Aliando-se o objetivo
formal de valorizar os elementos arquitetônicos e os materiais de
acabamento à demanda por um ambiente voltado à oração e à
meditação, enfatizou-se a iluminação indireta, buscando-se alojar
os equipamentos de iluminação de modo a serem minimamente
percebidos, sem agregar novos elementos à arquitetura.
Para a iluminação direta das superfícies de mármore, que
proporcionaram o efeito externo de translucidez e brilho, foram
46 47

Os 36 projetores que iluminam as superfícies das pétalas, assim como os 18 projetores que iluminam o óculo central, são fixados em
tubos cilíndricos de bronze, locados junto às estruturas verticais das janelas, entre as pétalas.
O óculo central e o topo das pétalas são iluminados por 18 projetores para lâmpadas halógenas AR 111 de 75W /8 graus.
utilizados 36 projetores fixados na estrutura metálica de interseção
entre as janelas e as pétalas, os quais projetam a luz em direção
à pétala oposta. Esses projetores foram fixados em um tubo
cilíndrico de bronze junto às estruturas verticais das janelas. A
parte superior das pétalas e o óculo central são iluminados por
18 projetores fixados na mesma estrutura.
As superfícies de mármore também cumprem a função de
rebatedores para iluminação difusa. O principal sistema de
iluminação indireta é composto de 63 equipamentos localizados
atrás dos bancos do pavimento superior, realçando a forma
complexa das pétalas e a textura do mármore.
Em complemento à iluminação indireta, foram desenhadas
luminárias de piso difusas, que emulam a luz de vela, cumprindo
também a função de restabelecer a escala humana nesse
espaço de 30 metros de altura. Além desses elementos,
foram desenhados cilindros pendentes de bronze, fixados nas
superfícies de mármore das pétalas, para iluminação direta das
escadas e do local de pregação. As circulações que circundam
a nave central são iluminadas por downlights embutidos no
forro de madeira. Os nove acessos que conectam o interior ao
exterior também são iluminados por downlights, embutidos
em placas de bronze.
O templo de Peñalolén para a América do Sul foi a oitava e
última edificação construída pela comunidade Bahá’í e é aberto à
comunidade local. O templo é um convite à contemplação – seja
pela bela arquitetura religiosa, seja pela magnífica vista que se
descortina a partir do terreno onde foi construído. E o projeto
de iluminação respeita e valoriza o edifício, seus usuários e a
paisagem, conectando, como na filosofia Bahá’í, a diversidade
e a união.
O projeto foi vencedor do prêmio Lighting Design Awards 2017,
na categoria Integration Project of the Year (Projeto de Integração
do Ano).
TEMPLO BAHÁ’Í
Peñalolén, Chile
Projeto de iluminação:
Limarí Lighting Design – Pascal Chautard, Carolina Roese, Raúl
Osses, Magdalena Roa, Francisca Nicoletti, Cristina Fahrenkrog
Projeto de arquitetura:
HPA – Hariri Pontarini Architects – Siamak Hariri, Doron
Meinhard, Justin Ford
Fornecedores:
Cristobal Brahm, DGA, Home Control, JANMAR, Lutron
48 49

Fachada do Novo Centro de Convenções de Roma,
projetado por Massimiliano e Doriana Fuksas,
titulares do Studio Fuksas, e projeto de iluminação
dos lighting designers do Speirs + Major.
NUVEMTECA
Texto: Orlando Marques
Fotos: Maurizio Marcato + AP Press Association Images
e Moreno Maggi, cortesia iGuzzini Iluminação
nas nuvens do céu que transformam os sonhos
em realidade”, nasce o Novo Centro de Convenções de
“Inspirado
Roma, o maior edifício de grande escala construído nos
últimos 50 anos na cidade. O empreendimento procura suprir a
escassez de lugares para sediar conferências internacionais de
grande porte, nos moldes dos grandes centros europeus e de
diversos lugares do mundo.
O complexo está situado em EUR, bairro inicialmente projetado
pelo governo de Benito Mussolini para abrigar a Exposição Universal
de Roma em 1942. Sua construção, no entanto, foi interrompida
durante a Segunda Guerra Mundial, restando dessa época apenas
alguns edifícios de arquitetura racionalista, danificados pela guerra.
Dentre as edificações, destacam-se o Palácio da Civilização
Italiana – também conhecido por “coliseu quadrado” –, a Basílica
dos Santos Pedro e Paulo e o Palácio do Congresso.
Nas décadas de 1950 e 1960, as autoridades de Roma decidiram
finalizar os edifícios do EUR, procurando firmar o local como novo
centro financeiro da cidade, o que provavelmente poderia ter
inspirando os demais centros europeus, como Londres e Paris,
a agir da mesma forma mais tarde. Para a 17ª edição dos Jogos
Olímpicos, realizados em Roma em 1960, outros edifícios foram
construídos no bairro, com destaque para o Palácio dos Esportes
e a Torre de Vidro (que, depois da Basílica de São Pedro, seria a
construção mais alta de Roma até 2012).
O projeto de arquitetura do novo centro de convenções foi
concebido pelos arquitetos italianos Massimiliano e Doriana Fuksas,
titulares do Studio Fuksas. O projeto consistiu em dois volumes
geométricos autônomos, com evidente referência às escalas dos
50 51

Para iluminar o revestimento
de fibra de vidro e silicone
translúcidos que envolve a
nuvem, foram especificadas
luminárias de alta
performance utilizadas
em teatro. Os projetores
foram fixados em nichos nos
patamares da circulação
dos pavimentos na nuvem,
os quais foram iluminados
por luminárias fixadas
na estrutura metálica e
sob o forro. O conceito
apresentado no croqui de
Massimiliano Fuksas foi
sensivelmente interpretado
pelos lighting designers.
O resultado apresenta
uma composição de cores
quase monocromáticas,
conferindo drama e realismo
à iluminação da nuvem.
volumes da arquitetura do entorno. O volume maior abriga o
centro de convenções, com capacidade para até 8 mil pessoas,
e o auditório, com 1.800 lugares. Outro volume tornou-se um
hotel com 439 quartos, sete suítes especiais, spa e restaurantes.
O projeto de arquitetura foi definido com base na ideia de três
elementos: “teca”, “nuvem” e “lâmina”. Seu conceito, segundo
os arquitetos, “define a justaposição de uma articulação espacial
livre, sem regras, e uma forma geometricamente definida”. A teca
consiste em uma caixa de vidro com estrutura metálica, na qual
se articulam os espaços para exposições, feiras e conferências e
também as áreas administrativas e técnicas. A nuvem, elemento
considerado o coração do projeto, abriga o auditório principal e um
zigue-zague de rampas e patamares de circulação e convivência,
conectando o auditório e os quiosques de bebidas e de comidas à
teca. A lâmina abriga o hotel.
O projeto de iluminação foi desenvolvido pelo escritório londrino
Speirs + Major, parceiro dos arquitetos em outros projetos bemsucedidos,
como o do Aeroporto de Shenzhen, na China, e o das
lojas Armani em Tóquio e Nova York, entre outros.
52 53

A iluminação de boas-vindas da teca é feita por projetores fixados a 14 metros de altura, os quais fornecem 50 lux no plano.
Nas demais áreas, a iluminação é fornecida pela retroiluminação da nuvem.
Os pendentes projetados pelo arquiteto, organizados em uma malha ortogonal, possuem duas emissões de luz: uma direta e
outra indireta. A porção direta apresenta facho médio e fluxo de 5.000 lumens e 3.000 K.
Segundo os lighting designers, o projeto é uma celebração à
escala do edifício e a suas propriedades transparentes e translúcidas.
Sua principal intenção foi criar uma identidade noturna marcante
para o empreendimento no bairro histórico. Outro aspecto foi
oferecer ao usuário uma experiência imersiva no espaço, como
se estivesse “andando nas nuvens”.
A solução foi abordar o projeto de maneira que a nuvem
parecesse autoiluminada, como uma fonte de luz gigante,
disforme. Dessa forma, sua luminosidade revelaria sua natureza
orgânica em direta oposição à ortogonalidade da estrutura
metálica de seu invólucro. Além da abordagem poética e
sensorial, a nuvem também deveria prover iluminação funcional
e mais “pragmática” tanto para os espaços de dentro quanto
para os de fora.
Para isso, projetores de alta performance utilizados em
teatro foram fixados em nichos estratégicos nas rampas e nos
patamares da nuvem, com o intuito de iluminar de frente suas
superfícies revestidas de fibra de vidro e silicone translúcidos.
Os projetores são dotados de tecnologia que permite variação de
cor, sendo possível adicionar diferentes tonalidades à nuvem, o
que ajuda a enfatizar sua volumetria e sua tridimensionalidade.
Para a iluminação das rampas e das circulações, luminárias de
sobrepor quadradas foram escondidas ora nos nós da estrutura,
ora sob a o forro dos patamares. Já a iluminação das circulações
internas da teca se dá por meio de downlights e projetores fixados
a 14 metros de altura, para iluminação direta.
Nas áreas externas de acesso à teca, foi explorada a iluminação
de balizamento indireta, escondida nos corrimões, de forma
a não desviar a atenção do visitante do volume do edifício.
No coração da nuvem, o amplo auditório apresenta layout
dividido em plateia com pé-direito duplo e simples e mezanino,
onde se situa a galeria. O forro e as paredes do ambiente são
revestidos por mais de 4.700 painéis de madeira cerejeira
americana. O uso desse revestimento garante alta performance
acústica, ao mesmo tempo que confere ao espaço uma atmosfera
aconchegante e até mais intimista.
O projeto de iluminação dessas áreas é percebido por meio
da distribuição regular de luminárias cilíndricas pendentes,
desenhadas especialmente para o projeto. Sua forma esbelta e
longilínea parece ajustar a escala do ambiente à escala humana,
proporcionando equilíbrio entre o edifício e o usuário.
Os pendentes possuem duas emissões de luz, uma para
iluminação direta e funcional da plateia e outra para iluminação
indireta. A emissão indireta imprime um padrão geométrico no
forro, ressaltando tanto o material de revestimento – pois destaca
as qualidades oferecidas pelo uso desse material –, quanto a malha
regular de distribuição das luminárias. Downlights nas áreas de pédireito
simples e balizadores de pequenas dimensões embutidos
nos degraus das plateias completam a iluminação desse espaço.
Inspirados no projeto do Roma Convention Center La Nuvola,
espera-se que outros edifícios do histórico bairro, como o Palácio
da Civilização Italiana, hoje sede do grupo Fendi, também
sejam restaurados, para que a história de Roma continue a ser
contada por meio de seus edifícios no século XXI.
O projeto recebeu Menção Honrosa na categoria Integration
Project of the Year (Projeto de Integração do Ano), na premiação
Lighting Design Awards 2017.
NOVO CENTRO DE CONVENÇÕES DE ROMA
Roma, Itália
Projeto de iluminação:
Speirs + Major
Projeto de arquitetura:
Studio Fuksas:
Massimiliano & Doriana Fuksas
Projeto de engenharia:
AI Engineering
Fornecedores:
ETC, iGuzzini (O/M)
54 55

O SABOR DE UM BOM PROJETO
LUMINOTÉCNICO
Apesar de fazer parte do Top Center Shopping, esta unidade da sorveteria tem sua fachada principal voltada para a avenida Paulista,
o que demandava seu destaque. Assim, para que ficasse em evidência, a logomarca foi iluminada por meio de uma arandela linear de
comprimento customizado, equipada com ledline 14,4 W/m, 2.700 K e difusor.
Texto: Débora Torii | Fotos: Beto Riginik
Um cliente decidido e disposto a investir em uma boa
iluminação, uma nova loja de grande visibilidade. Com
esses ingredientes, aparentemente perfeitos para uma
receita de sucesso, a lighting designer Renata Fongaro, à frente do
Studio 220V, iniciou seu projeto para a sorveteria Bacio di Latte
do Top Center Shopping, em São Paulo.
No entanto, lidar com esses elementos revelou-se um
verdadeiro desafio até a obtenção do resultado equilibrado e
aconchegante que já pode ser apreciado na loja.
Nenhuma das unidades da rede de sorveterias havia tido, até então,
um projeto luminotécnico. Por essa razão, o grupo responsável por
sua fundação e seu gerenciamento estava extremamente insatisfeito
e “traumatizado”, nas palavras de Renata, com a iluminação dos
estabelecimentos. A nova unidade, localizada na avenida Paulista,
era uma das grandes apostas da rede, por isso todos estavam
ansiosos por obter um resultado tão bom quanto o esperado.
Nesse cenário de grandes expectativas, a lighting designer
tinha um duplo trabalho pela frente: provar a importância de
um bom projeto luminotécnico, por meio da obtenção de um
resultado satisfatório, e, ao mesmo tempo, convencer sutilmente
seu cliente de cada uma das soluções de iluminação proposta
por ela, visto que ele já tinha em mente diversas ideias – até
mesmo de fontes luminosas –, embora não tivesse qualquer
conhecimento técnico a respeito dos efeitos de tais recursos.
Assim como nas lojas anteriormente inauguradas, o conceito
dos projetos de arquitetura e de interiores buscava conferir à
nova unidade na avenida Paulista o conforto e o aconchego
de uma residência. Além dessa premissa, Renata tinha como
objetivo desenvolver uma identidade de luz para a loja, utilizando
linguagens e padrões luminotécnicos que pudessem ser replicados
em projetos futuros. Essa necessidade foi identificada após um
extenso levantamento feito nas outras unidades da rede, por
meio do qual ela também constatou outros problemas, como
a existência de muitas sombras e de áreas mal iluminadas e o
destaque inadequado dos objetos decorativos.
Sendo assim, o projeto de iluminação partiu do desejo de
iluminar o espaço de maneira uniforme e sutil, sem a presença
de fachos marcados. Renata buscava também promover uma
verdadeira limpeza no forro do local, visto que foi nessa superfície
que praticamente todos os equipamentos de iluminação foram
instalados nos projetos anteriores. Para isso, utilizou distintos tipos
56 57

de montagem e de efeito, como a valorização do plano vertical
principal ao fundo da loja – por meio da luz difusa proveniente de
uma sanca – e da iluminação indireta instalada no topo do mobiliário
– evitando que o forro ficasse escuro.
Fatores restritivos, como o prazo extremamente curto – cerca
de 20 dias entre a contratação do projeto e a inauguração da loja
– e o orçamento limitado disponibilizado pelo cliente, levaram a
lighting designer a optar por downlights com lâmpadas halógenas
como principal fonte de luz para a área do salão. A escolha foi
influenciada também pela solicitação do cliente de que as luzes
fossem ligadas a um controle de intensidade luminosa – sistema
que se provou desnecessário após a inauguração da loja, conforme
já havia previsto Renata.
Já a área de serviço, atrás do balcão de atendimento, é iluminada
por meio de downlights com lâmpadas LED, de maneira a garantir
que a temperatura desse local – onde são armazenados e servidos
os sorvetes – não sofresse nenhuma elevação decorrente dos
equipamentos de iluminação, fator apontado pelo cliente como um
problema nas outras unidades. A temperatura de cor sutilmente mais
fria dessa área da loja a unifica com a cozinha, que, sob o cuidado
de Renata, passou a ter um desenho de teto mais organizado e
elegante, diferentemente dos projetos anteriores, que sempre
trataram o espaço como um local estritamente de serviço, apesar
de poder ser observado pelos clientes através de duas grandes
janelas, que remetem a vitrines.
Os acabamentos predominantemente brancos, tanto da
arquitetura quanto dos objetos decorativos, parecem, à primeira
vista, trabalhar em favor da iluminação, que se beneficia de suas
altas refletâncias. No entanto, a variedade de tipos de acabamento
e de material, com diferentes propriedades, comportamentos e
pigmentos, demandou a realização de inúmeros testes até que
a temperatura de cor das fitas de LED pudesse ser corretamente
definida, de maneira a permitir um resultado homogêneo.
O esforço conjunto das equipes de iluminação, de arquitetura
e de marcenaria e também do fornecedor dos equipamentos de
iluminação foi crucial para a correta execução dos detalhes de
fixação desses equipamentos no mobiliário da loja. Além disso,
houve cuidado para que a luz não se transformasse em um objeto
decorativo, já que as lojas da rede costumam ser ricas em objetos e
detalhes, para os quais o cliente demandava que houvesse destaque.
“Não desejo chamar mais atenção do que a arquitetura, mas sim
trabalhar em conjunto com ela, de forma que os visitantes não
considerem a luz linda, mas sim o espaço confortável”, afirma Renata.
Com uma de suas fachadas voltadas para a avenida Paulista,
essa unidade da sorveteria necessitava ainda de maior ênfase
na logomarca, outro ponto de insatisfação do cliente quanto aos
projetos anteriores. Para tanto, foi necessário lidar com as inúmeras
restrições impostas pela administração do shopping quanto à fixação
de equipamentos na área externa da loja. Assim, a lighting designer
optou por uma arandela de dimensões bastante reduzidas, cujo
comprimento foi customizado de acordo com a logo, resultando
em uma iluminação intensa e, ao mesmo tempo discreta, o que
agradou bastante o cliente.
Mesmo que com alguns ajustes, grande parte dos padrões
de projeto implementados por Renata nessa “experiência teste”
continua sendo aplicada pela marca nas unidades posteriormente
inauguradas. Prova de que a receita do bolo – ou melhor, do sorvete
– deu certo.
Nas imagens ao lado, a área do salão da loja, cuja
iluminação geral é realizada por meio de luminárias
orientáveis embutidas no forro, com lâmpadas
halógenas PAR 30 35 W, 30°, dimerizáveis,
complementadas pela iluminação indireta
proveniente da prateleira superior do mobiliário,
com ledline 9,6 W/m, 2.700 K. As superfícies da
mesa e do balcão são iluminadas por pendentes
com lâmpadas halógenas PAR 20. Acima, é possível
observar o discreto contraste de temperaturas de cor
entre a área do salão e a área de atendimento, que foi
iluminada por meio de downlights com lâmpadas
LED AR 111, 10 W, 24°, 2.700 K sobre o balcão e
PAR 30, 10 W, 30°, 2.700 K ao fundo – resultando
em uma aparência levemente mais fria. A parede
ao fundo foi destacada pela sanca wallwasher
com lâmpadas fluorescentes tubulares T5, 28 W,
2.700 K. A estante ao fundo da loja, assim como
todo o restante do mobiliário, teve suas prateleiras
equipadas com ledlines 9,6 W/m, 2.700 K, montadas
em perfis lineares a 45°, para destaque dos
abundantes objetos decorativos.
BACIO DI LATTE – UNIDADE TOP CENTER SHOPPING
São Paulo, Brasil
Projeto de iluminação:
Studio 220V – Renata Fongaro
Projeto de arquitetura:
C.A.ST. – Companhia de Arquitetura & Store Design
Fornecedores:
Lemca e Ômega Light
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EUROLUCE 2017
A VEZ DO HUMAN CENTRIC DESIGN
Texto: Thiago Gaya
Aconteceu entre os dias 4 e 9 de abril a 29ª edição da
Euroluce. O evento é parte do Salão do Móvel, que, com
os eventos Fuori Salone, compõe a Semana de Design
de Milão, momento em que os olhos do mundo se voltam para
a cidade italiana.
O Salão recebeu aproximadamente 345 mil visitantes,
de 165 países, em busca das novidades dos mais de 2 mil
expositores – dos quais 485 estavam na Euroluce. O crescimento
de 10% no número de visitantes em relação a 2015 consolida
a impressão que tivemos esse ano: a contínua retomada da
atividade econômica e um fôlego maior dos principais players
e a qualidade e a relevância dos lançamentos apresentados. Se
nas últimas edições observamos muitas releituras de coleções
anteriores, que passaram a abrigar a tecnologia LED, a Euroluce
2017 trouxe novas ideias, formas, usos e possibilidades, e o design
retomou o controle, usando a tecnologia como ferramenta, e
não como um fim bastante em si.
Verificamos nas últimas edições a soberania dos desenhos
escandinavo e japonês e a consequente busca pela simplicidade
das formas e pela “verdade dos materias”, com o uso da madeira,
do vidro, do concreto, do cobre, do couro e do feltro. Permanece
essa tendência, mas, no que diz respeito a materiais, o vidro
reinou absoluto neste ano, estando presente em todos os
estandes e na maioria dos lançamentos mais relevantes. E
vale destacar a relação – na verdade, a interação – entre vidro
e tecnologia. Ainda que seja um elemento tão tradicional,
sobretudo da indústria italiana, muitos produtos traziam o
vidro totalmente integrado à exploração das possibilidades
de novas formas e usos em razão da evolução tecnológica
das fontes de luz.
Outra forte tendência observada na feira deste ano foi a
portabilidade. Luminárias portáteis, com baterias recarregáveis,
estavam por toda parte. Alguns novos produtos e muitos
clássicos que agora podem ser levados a qualquer lugar, com
autonomia de até 12 horas.
As linhas de produtos componíveis integrados à arquitetura,
apresentados em especial pela Vibia e pela FLOS nas últimas edições,
ganharam ainda mais destaque e também puderam ser vistas em
diversos estandes com um viés interessante: a humanização das
composições. Os lançamentos presentes na Euroluce 2017 vão além
da personalização proporcionada por essas linhas componíveis;
elementos como plantas, pássaros estilizados, pequenos objetos de
nosso cotidiano e até a chama de uma lamparina foram integrados
aos equipamentos, quase sempre com fontes de luz cálidas, para
criar ambientes acolhedores e mais humanos, que estabeleçam
um contato dos usuários com o mundo real e nos remetam às
nossas origens.
Saímos da feira com a sensação de que a Euroluce, depois de
algumas edições pouco inspiradas e inspiradoras, volta a fazer um
contraponto às feiras de tecnologia, especialmente no atual momento,
em que Light+Building e LighFair mergulharam no mundo dos bits
e bytes e que o tema luz se pautou essencialmente nos aspectos
técnicos da evolução dos LEDs e suas variáveis. A Euroluce volta a
abrir outra porta, de diferentes estímulos, com os quais o desenho
reafirma sua força, como que nos dizendo “não se esqueçam de mim”.
Também é muito interessante notar que, seja pela tecnologia
– por meio dos apelos “ecológicos” do LED e pela atual hegemonia
da Human Centric Lighting –, seja por esse “human centric design”
observado como principal tendência na Euroluce, o homem
parece querer fazer as pazes com a natureza e consigo mesmo.
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VIBIA
Protagonista das últimas duas edições da Euroluce, a fabricante
catalã Vibia apresentou quatro novas famílias de luminárias e
evoluções de coleções apresentadas em anos anteriores. Das
novidades, destacamos duas linhas de produtos componíveis,
muito características da marca: Structural 1 , de Arik Levy, que se
baseia na combinação de volumes cúbicos que formam esculturas
integradas na arquitetura, desconstruindo e dispersando as fontes
de luz e proporcionando jogos de luz direta e indireta; e a coleção
Palma 2 , de Antoni Arola, que é composta de sutis esferas de
vidro soprado, unidas por meio de um aro e de estruturas de
alumínio. Pode ser instalada de forma individual ou múltipla,
permitindo criar diversas composições – pendentes, de parede
ou de piso – e integrar plantas ao conjunto.
O estúdio sueco Note Design Studio criou a coleção Musa 3 , cujos
objetos proporcionam uma interessante interação entre a iluminação
suave emitida pelo difusor de vidro soprado e a luz indireta e envolvente
refletida na superfície adjacente.
O designer Stefan Diez desenvolveu com a Vibia uma nova
forma de aplicar a tecnologia LED, integrando a luz à matéria,
fazendo com que ela percorra o vidro de forma invisível e apareça
do nada. A união do material e do virtual nas luminárias Guise 4
foi obtida por meio da aplicação de alta tecnologia: LED de última
geração, corte preciso do vidro borossilicato de altíssima qualidade
e estriamentos realizados no cristal por robôs. O resultado é uma
coleção de belos objetos transparentes que emanam luz.
FONTANAARTE
A FontanaArte dá sequência à sua repaginação, iniciada na
Euroluce 2013, com lançamentos que certamente conquistarão
o mercado.
A linha Equatore 5 , dos designers Gabriele e Oscar Buratti,
reinterpreta os abajures clássicos, com cúpulas de vidro.
Enquanto nas peças clássicas o difusor aloja e controla a
fonte de luz em seu interior, nessa coleção de luminárias, os
difusores, paradoxal e sugestivamente, estão vazios e o efeito
luminoso é produto da distribuição regular das luzes de LED
de dois discos luminosos dispostos no interior de uma faixa
metálica visível através do difusor, que evoca a linha do equador.
O disco inferior projeta luz direta para baixo, enquanto a luz
gerada pelo disco superior ilumina a cápsula de vidro, para
uma difusão suave e um interessante efeito reflexivo.
A luminária Galerie 6 , de Federico Peri, é inspirada na
estética e na funcionalidade das antigas lamparinas a óleo da
Belle Époque. O difusor é feito de vidro soprado em quatro
camadas, e preso por uma tira de couro, que permite que a
peça seja pendurada em diferentes posições na estrutura
metálica. Está disponível nas versões para parede e para piso.
Dois discos de vidro com rotação livre bloqueia ou deixa a
luz passar, de forma gradual e suave. O mecanismo da luminária
Heliacal 7 , concebida por OS & OOS, é uma metáfora do
comportamento dos corpos celestes, como o processo diário
e permanente de graduação da luz provocado pela alternância
entre o nascer e o pôr do sol. Como descreve a fabricante,
"uma luz mágica e preciosa de uma luminária de grande
potência expressiva".
A família de luminárias Setareh 8 , criada pelo jovem
arquiteto siciliano Francesco Librizzi, é composta de esferas de
vidro soprado acetinado, suspensas por diferentes estruturas
metálicas, sutis e graciosas.
FLOS
A FLOS foi a grande estrela da Euroluce 2017. Em um estande
lindo, que permaneceu absolutamente lotado durante toda a
feira, a fabricante italiana apresentou lançamentos que aliam
design e tecnologia com maestria. Novas formas, novos usos e
possibilidades mil, em peças assinadas por grandes designers
da cena contemporânea.
Arrangements 9 nasce do fascínio do designer Michael
Anastassiades pelo paralelismo entre objetos de luz e joalheria
e do desafio de traduzir a natureza delicada das joias no espaço,
em uma escala diferente, mantendo sua preciosidade graças à
maneira como os materiais são apresentados. Arrangements é
um sistema modular de elementos geométricos de luz que podem
ser combinados de diferentes formas, transformando múltiplas
composições em chandeliers individuais. Cada unidade se une
à outra de forma simples, “repousando” em perfeito equilíbrio,
como um elemento de uma corrente luminosa.
Anastassiades criou também o pendente Overlap 10 ,
que consiste na interseção de dois discos, revestidos pela
membrana cocoon – amplamente usada pela FLOS em peças
clássicas da marca – como forma de conceber e materializar o
espaço do entorno de duas superfícies planas perpendiculares.
A divertida luminária Blush Lamp 11 , desenhada pelo
estúdio Formafantasma, faz uso de uma fita de LED e uma
peça de vidro dicroico para projetar reflexos coloridos na
parede, evocando na memória a recordação de um longo
dia de verão, como resposta à falta de saturação de cores
nos períodos invernais. Também desenvolvida pelo estúdio
holandês, a luminária WireRing 12 é um “exercício de redução,
pelo qual seus componentes essenciais oferecem o máximo
com a utilização do mínimo”. É composta de dois elementos
separados: um cabo que sustenta e transmite eletricidade a
um anel de LED.
O estúdio de design japonês nendo criou para a FLOS a
coleção Gaku 13 : um conjunto de caixas, projetores e pendentes
diminutos e objetos singelos que são pura poesia. Um sortimento
de elementos de luz e acessórios para combinações diversas,
como se estivéssemos casualmente organizando os móveis
de um quarto em miniatura.
A coleção Noctambule 14 , de Konstantin Grcic, é feita de
módulos cilíndricos de vidro soprado transparente. O módulo
individual é como uma lanterna e, quando combinado com
outros, cria uma coluna de luz ou um chandelier.
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ARTEMIDE
A Artemide mais uma vez chegou à Euroluce com uma
grande quantidade de lançamentos. Entre desdobramentos de
coleções anteriores e novos produtos, foram nada menos que
as novidades apresentadas. Destacamos aqui quatro produtos:
A coleção Yanzi 15 , dos designers Lyndon e Rossana Hu, foi
um dos highlights da Euroluce 2017. Trata-se de uma delicada
composição de signos gráficos: estruturas como galhos e
poleiros sobre as quais são colocadas outras figuras estilizadas,
como andorinhas icônicas, com corpo de latão escovado e
cabeça de delicada esfera de vidro que acondiciona a fonte de
luz. Um sistema aberto, ideal para criar composições singelas
e paisagens de luz que alegram qualquer espaço com uma
atitude poética e elegante.
A designer Carlotta de Bevilacqua sempre apresenta produtos
futuristas. O pendente Harry H. 16 , desenhado em parceria com
Laura Pessoni, foi apresentado como uma “máquina óptica híbrida”,
que utiliza tecnologia LED e OLED. Dentro de um difusor de
vidro transparente, dois sistemas ópticos diferentes trabalham
conjuntamente para proporcionar diferentes cenários, luz e alta
performance. A parte inferior é constituída de quatro pares de
painéis OLED orientáveis, que emitem luz dos dois lados. Quando
desligados, são superfícies espelhadas que refletem seu entorno
e a luz emitida pela outra fonte, de LED, na parte superior.
Desenvolvido pelo escritório BIG, Alphabet of light 17 é um
sistema modular de componentes de luz lineares e curvos que
oferecem inúmeras possibilidades de desenhos: letras, linhas
retas e curvas.
Emera 18 , desenhada por Ernesto Gismondi e Daniele Moioli,
combina mobilidade com desempenho. Mais uma opção de
luminária portátil apresentada na feira, com autonomia de
até quatro horas.
BOCCI
O estande da fabricante canadense Bocci é sempre um
espaço de muita inspiração. A criatividade de Omer Arbel e
sua equipe surpreende a cada edição da Euroluce. As formas
orgânicas, que parecem invadir e se apropriar da geometria
do estande, causam estranheza e fascinam, em uma feira
marcada pela tradição limpa dos desenhos nórdico e japonês.
Quatro novas coleções foram apresentadas este ano, dentre
as quais destacamos três: as duas coleções de pendentes,
84 19 e 87 20 e uma de parede, a 76 21 .
DAVIDE GROPPI
O designer italiano Davide Groppi, diretor criativo da fabricante
homônima, é hoje o ícone do minimalismo na iluminação. Seus
produtos aliam de forma única a simplicidade, a leveza e a
essencialidade das formas com tecnologia. Dois de seus lançamentos
em Milão têm a marca de seu desenho delicado, com tecnologia
de ponta integrada. O pendente QuiQuoQua 22 é composto de
uma fonte de luz com bateria recarregável (entrada mini USB) e
autonomia de até 12 horas, acoplada magneticamente a um disco
de metal, suspenso por um finíssimo fio de aço. Também portátil
e recarregável, a luminária de mesa Tetatet Flûte 23 concentra
na parte superior a fonte de luz e a bateria, que parecem flutuar
sobre a elegante coluna de vidro quase invisível.
ASTEP
A marca dinamarquesa Astep foi uma das boas surpresas
da Euroluce 2017. Além de uma linda parceria com a FLOS para
a produção de luminárias clássicas de Gino Sarfatti – avô do
fundador da empresa, Alessandro Sarfatti –, apresentou dois
lançamentos portáteis, tecnológicos e repletos de significado.
A luminária Candela 24 , concebida pelo designer argentino
Francisco Gomez Paz, transforma o calor de uma chama em
eletricidade por meio do efeito termelétrico de Seebeck.
Isso mesmo: a luminária, que é alimentada por 260 ml de
bioetanol (para cinco horas de autonomia) possui uma chama
que gera eletricidade suficiente para acender um LED. O uso
do fogo para alimentar o LED representa simultaneamente
a mais remota e mais atual forma de iluminar.
A luminária Nox 25 , por sua vez, não é apenas mais um
exemplo de luminária portátil, dentre os diversos apresentados
na feira, mas o mais funcional deles. Estética e funcionalidade
são ainda acompanhadas por tecnologia de ponta: a luminária
desenhada por Alfredo Häberli utiliza sistema de indução –
sem fio – e é dimerizada por toque na estrutura de alumínio
anodizado.
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FOTO LUZ FOTO
ARYEH
KORNFELD
Esta imagem que selecionei permite
resumir com excelência as características de
um projeto de grande escala e envergadura.
De linhas particulares, simples, mas ao mesmo
tempo com complexidade e desenvolvimento
de seus materiais e acabamentos, enquadrados
sob um trabalho de iluminação preciso.
A fotografia foi tirada com uma câmera
Canon 5DMK III e com lente TS-E 17 mm
f4/L, com abertura de diafragma em f8,
para extrair um resultado melhor da óptica
da lente, e com exposição de ¼ de segundo,
em resposta às condições de iluminação – o
que demandou que o equipamento fosse
montado sobre um tripé. O interessante aqui
é o uso de uma lente de óptica móvel (“Tilt-
Shift”), que permite corrigir a perspectiva e
gerar um deslocamento óptico com mínima
distorção, além de proporcionar amplitude ao
espaço, com enfoque na iluminação sobre o
revestimento da cúpula.
O enquadramento foi feito de maneira
vertical para valorizar as características do
espaço e “brincar” com a escala do local. Além
disso, foi incluída a escala humana como
recurso, e o registro foi tomado de uma altura
mais baixa, para enfatizar a calidez do piso de
madeira e seus reflexos.
De modo geral, sempre calibro a imagem
da maneira mais fiel possível à realidade e
regulo as diferenças geradas pelas distintas
temperaturas de cor. Somente se acentuaram
certos pontos, que avaliei estarem de acordo
com a imagem final.
O maior desafio que enfrentei nesse lugar
foi como trabalhar a luz sutil e atmosférica
sobre um mármore branco de grande escala,
em contraste com a superfície do piso, muito
mais escura, opaca e horizontal, no qual o jogo
das formas é primordial.
Especialista em fotografia arquitetônica e corporativa, Aryeh Kornfeld é sócio-fundador e diretor do estúdio chileno de design e fotografia
Draft. Arquiteto formado pela Universidad Central de Chile, também é docente na Escuela de Diseño da Universidad Gabriela Mistral
(UGM) e na Escuela de Artes Visuales y Diseño da Universidad Andrés Bello (UNAB).
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