Revista Unicaphoto Ed.07
Revista do curso de Fotografia da Universidade Católica de Pernambuco (Unicap)
Revista do curso de Fotografia da Universidade Católica de Pernambuco (Unicap)
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<strong>Revista</strong> do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Unicap - #7, ago 2016<br />
www.unicap.br/unicaphoto
Na web<br />
www.unicap.br/unicaphoto<br />
/fotografiaunicap<br />
Expediente<br />
Coordenação: Renata Victor<br />
Edição: Carolina Monteiro<br />
Diagramação: Arline Lins<br />
Textos: Dario Brito, Suann Medeiros,<br />
Augusto Cataldi, Germana Soares, Frederico<br />
Paulo de Barros e Rafaela Bôaviagem<br />
Cavalcanti da Silva, Marcos D´Rua, Paulo<br />
Souza, Juliana Nascimento Torezani, Rafael<br />
Martins, Diego Araújo, Rautemberg Nóbrega,<br />
Ãngela Grangeiro<br />
Fotos: Ivan Alecrim, Hélia Scheppa, Marcela<br />
Freire, Renata Victor, Marcos D´Rua, Rafael<br />
Martins, Diego Araújo, Rautemberg Nóbrega,<br />
Suann Medeiros<br />
A UnicaPhoto é uma publicação semestral do<br />
Curso Superior de Tecnologia em Fotografia<br />
da Universidade Católica de Pernambuco<br />
(ISSN 2357-8793).<br />
Fotos da capa: Yêda Bezerra de Melo<br />
[2]
EDITORIAL<br />
Foto: Daniel Guimarães<br />
Viva a fotografia!<br />
Apesar da fotografia ser uma jovem senhora de 190 anos, não para de surpreender e se reinventar. Ela<br />
muda de artefato, amplia as suas funções sociais e se afirma como importante instrumento para história,<br />
memória e cultura mundial.<br />
Ao longo da minha vida profissional, trabalhando e lecionando na área da fotografia, tenho me<br />
encantado com o poder que ela tem de agregar pessoas, aumentar a autoestima e ser um forte<br />
instrumento de inclusão social. Tempos atrás, trabalhando em um jornal local, fui escalada para uma<br />
pauta com uma médica que havia voltado de uma residência em um hospital francês que desenvolvia<br />
uma pesquisa com mães e filhos separados após o nascimento porque os bebês necessitavam de<br />
maiores cuidados e permaneciam no hospital enquanto as mães recebiam alta médica. Para amenizar o<br />
sofrimento deles, mães e filhos eram fotografados. Uma foto era dada à mãe e outra ficava na incubadora<br />
do filho. Os resultados foram extraordinários, pois as mães demostravam mais tranquilidade e os bebês<br />
apresentavam melhoras e levavam menos tempo no hospital.<br />
O objetivo maior da UNICAPHOTO é ampliar e compartilhar conhecimentos imagéticos. Hoje,<br />
trazemos a 7ª edição da UNICAPHOTO para comemorar o Dia Mundial da Fotografia, 19 de agosto.<br />
A seleção temática desta edição contém estudos e ensaios fotográficos desenvolvidos por alunos<br />
do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia e da especialização As Narrativas Contemporâneas da<br />
Fotografia e do Audiovisual, entrevista com os agraciados com o prêmio Alcir Lacerda 2016, os fotógrafos<br />
Yeda Bezerra de Mello e Fernando Neves, o lançamento da Coleção ADI de fotografia, as tradicionais<br />
colunas e seções e, as novas seções fotossíntese e tutoriais.<br />
Por fim, agradeço aos alunos, professores, colaboradores que contribuem para a existência da<br />
UNICAPHOTO, em especial às professoras/editoras Carolina Monteiro e Julianna Torezani e à jornalista e<br />
diagramadora Arline Lins.<br />
Boa leitura!<br />
Renata Victor<br />
Coordenadora do Curso Superior de<br />
Tecnologia em Fotografia da Unicap<br />
[3]
Sumario<br />
Aconteceu<br />
no Curso de Fotografia da Unicap<br />
6<br />
8<br />
Acervo Unicap com Ivan Alecrim<br />
Entrevista com Fernando Menezes<br />
10<br />
13<br />
Entrevista com Yêda Bezerra de Mello<br />
Reportagem<br />
ADI lança coleção de<br />
imagens artísticas.<br />
16<br />
19<br />
Reportagem<br />
As narrativas contemporâneas da<br />
fotografia e do audiovisual<br />
Ensaio<br />
Florscience<br />
De Marcela Freire<br />
22<br />
28<br />
Reportagem<br />
Sobre o fluxo de<br />
gerenciamento de cor<br />
Reportagem<br />
Edward Weston: do lugar<br />
comum ao incomum<br />
31<br />
36<br />
Ensaio<br />
Ciclo da vida<br />
De Renata Victor
Coluna Foto _Síntese com Marcos Jr.<br />
46<br />
48<br />
Reportagem<br />
A fotografia de Cinema,<br />
Aspirinas e Urubus<br />
Coluna<br />
Direito autoral e direito de imagem<br />
com Julianna Torezani<br />
54<br />
56<br />
Ensaio<br />
Photografo Ergo Sum<br />
De Rafael Martins<br />
Coluna<br />
Foto_Síntese com Diego Araújo<br />
62<br />
64<br />
Reportagem<br />
Revelação caseira de filme<br />
fotográfico diapositivo chromo<br />
Reportagem<br />
Expedição Endurance: a incrível<br />
viagem à Antárdida completa 100 anos<br />
68<br />
72<br />
Ensaio<br />
Quem é você nas cores?<br />
De Suann Medeiros<br />
Reportagem<br />
O fotógrafo, a fotografia<br />
e a história<br />
78<br />
80<br />
Coluna<br />
Dicas de filmes, livros e sites<br />
com Juliana Torezani
ACONTECEU<br />
MAIO<br />
1. Lançamento da 6ª edição da UnicaPhoto<br />
2. Fotografia na Gastronomia é tema de aula<br />
3. 1ª Gincana do Saber Fotográfico (foto)<br />
4. Aluno Rautemberg Nóbrega visita a<br />
Exposição Genesis de Sebastião Salgado<br />
JUNHO<br />
1. Início das 2ª e 3ª etapas da especialização As<br />
Narrativas Contemporâneas da<br />
Fotografia e do Audiovisual<br />
2. Exposição Interdisciplinar<br />
3. Ex-estagiária Ashley Melo tem foto selecionada<br />
para final do Prêmio Cristina Tavares (foto)<br />
4. Ex-aluna Vanessa Dias é eleita para o<br />
hanking do Bride Association<br />
5. Aniversário da professora Carolina Monteiro<br />
[6]
MAI-AGO 2016<br />
JULHO<br />
1. Colação de Grau 2016.1 (foto)<br />
2. Parabéns aos alunos que participaram<br />
do Intercom NE 2016<br />
3. Exposição do Pernambuco Foto Clube<br />
“Tributo a Sebastião Salgado”<br />
4. Último dia do estagiário Augusto Cataldi<br />
5. Vestibular Portas Abertas<br />
6. Workshop de Fotografia de Gastronomia<br />
com Rafael Medeiros<br />
AGOSTO<br />
1. Abertura do 2º semestre (foto)<br />
2. Exposição da aluna Amanda Pietra em Garanhuns<br />
3. Lançamento da Coleção Fineart da ADI<br />
[7]
ACERVO<br />
UNICAP<br />
Adeus a Dom Miguel<br />
o ultimo dos idealistas<br />
Coluna organizada pelo<br />
professor Dario Brito<br />
FOTÓGRAFO - Ivan Alecrim<br />
CAMERA - Canon EOS<br />
LENTE - 50mm<br />
ISO - 100<br />
LUZ - Natural<br />
DATA - 14 de agosto de 2005<br />
[8]
“No dia da morte Miguel Arraes eu estava de<br />
folga do jornal. Era agosto de 2005, eu estagiava<br />
na Folha de Pernambuco havia uns oito meses e,<br />
entre outras coisas, era o plantonista dele nas últimas<br />
semanas, cobrindo o hospital onde ele estava<br />
internado. O telefone tocou e me avisaram: “Arraes<br />
faleceu, venha para a redação”. Quando cheguei lá,<br />
estavam escalando quem ia para o velório e quem<br />
não ia, quem ficaria dando suporte ao restante<br />
da equipe. Vi que eles separaram uma time peso<br />
pesado para a cobertura. Tinha Daniela, Clemilson,<br />
Bobby, Betini... e de estagiário apenas eu. Quando<br />
me disseram “Você também vai”, eu gelei. Hoje,<br />
penso que foi ótimo, mas na hora foi tenebroso.<br />
Na divisão das atribuições, teve gente que foi para<br />
o aeropoto, para o Palácio do Campo das Princesas,<br />
registrando quem visitava o caixão, enfim, e<br />
eu fiquei no entorno do Palácio sozinho. Essa era a<br />
minha missão. Me coloquei ali na frente da praça e<br />
o choque foi maior ainda quando cheguei porque<br />
os outros jornais só mandaram gente de renome<br />
também e muitos deles lá fora comigo. Pensei:<br />
“Vou ser comido pelos leões aqui, mas bem, se não<br />
tem o que fazer, o que eu vou fazer é nada”. Tudo<br />
foi acontecendo bem naturalmente e, para mim, foi<br />
muito marcante porque apesar de não ter militância<br />
ou formação política alguma, lembrava sempre<br />
dos meus pais falando de Miguel Arraes e da força<br />
dele diante do povo. Ele sempre foi uma figura<br />
muito comentada dentro de casa. Depois eu percebi<br />
a sorte que eu tive de ficar do lado de fora porque<br />
via as pessoas chegando e, principalmente, como<br />
estavam chegando, tanto os oficiais, políticos, artistas,<br />
quanto as pessoas reais chegando também.<br />
E essas eram as mais interessantes. De repente,<br />
chega um caminhão carregado de ex-eleitores de<br />
Arraes, todos de chapéu de palha, cantando jingles<br />
antigos de campanha. Fiquei ali no melhor lugar, no<br />
camarote, sem saber. Via pessoas chorando e toda<br />
aquela energia do momento. Depois de um tempo,<br />
gritaram: “Vai sair”, e percebi que estavam falando<br />
do caixão. Vi, então, que eu estava na melhor das<br />
posições. Subi numa estrutura de ao vivo de uma<br />
TV local e veio aquela história gigante na minha<br />
cabeça: Arraes havia saído do Palácio na época do<br />
Golpe para o exílio, pelo mangue, depois voltou<br />
ao Brasil logo que eu nasci. Foi eleito e entrou de<br />
novo no Palácio pela porta da frente, assim como<br />
saiu quando acabou o mandato. Então ele entrou<br />
e saiu diversas vezes daquele local. Mas aquela era<br />
a última vez que ele saía do Palácio e certamente<br />
era a mais emblemática: no caixão, pelos braços do<br />
povo. Consegui registrar isso de frente, toda essa<br />
manifestação, todos os eleitores ali, de chapéu de<br />
palha. Sei que não é a minha foto mais bonita, mas<br />
é a mais incrível e a história depois dela também<br />
me enche de orgulho. Cheguei muito cansado naquele<br />
dia em casa e umas horas depois, o telefone<br />
toca. Era alguém do jornal. Eu, estagiário, já pensei:<br />
“Deu alguma bronca, fiz algo de errado”. Mas era o<br />
pessoal da minha editoria me dando parabéns. Eu<br />
havia ganho a minha primeira capa: “Ivan, essa sua<br />
foto é sensacional, vai abrir o jornal de amanhã”. Só<br />
tive a real noção do que havia feito no dia seguinte,<br />
quando cheguei na redação e os meus colegas estavam<br />
lá, vibrando e me parabenizando. Ainda teria<br />
uma outra alegria imensa: meses depois, essa foto<br />
me renderia o primeiro prêmio da carreira, o Cristina<br />
Tavares de Fotografia na categoria estudante”.<br />
[9]
Entrevista<br />
Com a palavra,<br />
os homenageados<br />
A 7ª edição da UnicaPhoto traz uma conversa com duas das<br />
grandes personalidades da fotografia brasileira. Yêda Bezerra de<br />
Melo e Fernando Neves, homenageados no 5º Prêmio Alcir Lacerda,<br />
falam de suas histórias, a relação com a fotografia e contam sobre<br />
fatos inusitados e ainda, dão dicas e conselhos para quem começa<br />
a aventura na área da escrita da luz. Quem proseou com eles foi a<br />
aluna do Curso de Fotografia, Suann Medeiros. Deleitem-se!<br />
Fernando Neves (centro) com Simonetta Persichetti e Thomaz Farkas.<br />
UnicaPhoto: Fernando, como a fotografia entrou na<br />
sua vida?<br />
Fernando Neves: Acho que foi a curiosidade. Meu<br />
pai fotografava, porém pouco. Tínhamos pouca<br />
convivência com ele, por ser Jornalista e Advogado.<br />
Mas a fotografia sempre esteve presente nos cantos<br />
da casa. Na época de jovem, comecei a mexer na<br />
máquina Olympus Trip. Em seguida, quando nasceu<br />
[10]<br />
f e r n a n d o neves<br />
Fotos: Arquivo ADI<br />
meu primeiro filho, descobri que da curiosidade<br />
passou a ser uma paixão. Então, iniciei a consumir<br />
rolos e rolos de filmes. Por semana, eram de três a<br />
quatro rolos de 36 mm. Fotografei muito a infância<br />
dos meus filhos.<br />
UnicaPhoto: Qual é a sua formação profissional?<br />
Fernando Neves: Sou formado em Economia, pela<br />
Universidade Católica de Pernambuco. Trabalhei
inicialmente no Banorte, uma grande escola<br />
para todos da área da minha geração. Depois<br />
passei para área financeira na administração dos<br />
Shoppings Centers durante 15 anos e por último,<br />
no projeto de implantação do Paço Alfândega. Até<br />
que “paquerando” o prédio em frente a esse último<br />
emprego, resolvi mudar de vida e assumir o que seria<br />
uma aposentadoria compulsória, um plano B de vida,<br />
a Arte Plural Galeria. No fundo é só uma mudança de<br />
profissão, porque o trabalho é o mesmo e até maior.<br />
UnicaPhoto: Você está com quanto tempo de Arte<br />
Plural Galeria? E quais são as maiores dificuldades?<br />
Fernando Neves: Fizemos onze anos em maio deste<br />
ano (2016). A dificuldade que temos na galeria<br />
são bem típicas das áreas que exigem uma certa<br />
insistência. O consumidor, a pessoa que curte a arte<br />
hoje, tem uma certa dificuldade por uma questão<br />
de mercado. Até os anos 80, nós víamos que o<br />
grande curtidor de arte era o profissional liberal<br />
que gostavam e curtiam artes. Após os anos 90,<br />
começamos a sentir uma nova realidade no país.<br />
Temos uma ascendência de uma classe média que<br />
não tem uma base de educação voltada para arte,<br />
que nos exige um certo “jogo” para poder convencer<br />
a conviver com ela, a dar valor a arte como um<br />
elemento não apenas decorativo, mas como um<br />
produto de experiência, de prazer, querer colecionar.<br />
UnicaPhoto: Durante esses 11 anos você promoveu<br />
várias exposições, nos destaque algumas, por favor.<br />
Fernando Neves: É difícil. Pois já ocorreram, até<br />
recentemente, 72 exposições. Na realidade, tivemos<br />
várias exposições interessantes, como a de Walter<br />
Filho e de Thomas Farkas, que foi uma oportunidade<br />
incrível não só pela mostra e, sim, por conviver com<br />
ele durante uma semana, além de nomes como<br />
Raul Córdoba e César Romero. E também tem os<br />
pernambucanos, sempre tivemos boas exposições,<br />
como a do Maurício Arraes, de Dantas Suassuna e<br />
do Carlos Pragana.<br />
UnicaPhoto: Existe o Fernando colecionador,<br />
galerista e o fotógrafo. Parece que você é um<br />
pouco tímido quando falamos do Fernando<br />
fotógrafo….<br />
Fernando Neves: Acho que a questão é mais de<br />
saber até onde vai o hobby e o prazer de fotografar<br />
e até onde pode ir o mostrar fotografia. Sou muito<br />
crítico, não sou tímido. Acho que sou crítico em<br />
mostrar o que faço. O valor da fotografia que realizo<br />
é algo mais pessoal. E tem outro ponto que é não<br />
colocar fotografias minhas na galeria. Isso seria<br />
o cúmulo. Se o meu papel é de galerista, preciso<br />
priorizar as imagens dos profissionais.<br />
UnicaPhoto: Mas como é a sua relação com a<br />
fotografia?<br />
Fernando Neves: Gosto de sair para fotografar.<br />
Quando viajo, levo sempre meus equipamentos.<br />
Entrevista<br />
No cotidiano uso mais o celular. Mas nas viagens<br />
carrego minhas câmeras e gosto de fotografar<br />
paisagens, pessoas nas ruas. Me dá prazer ficar<br />
sentado num café ou em algum ponto que haja um<br />
trafego de pessoas para ficar observando de longe.<br />
Como diz o professor Walter Filho, roubando as<br />
imagens. Ser o ladrão da fotografia.<br />
UnicaPhoto: Como fotógrafo, galerista,<br />
colecionador… Quem são os fotógrafos que você<br />
admira e gostaria de trazer para a Arte Plural e<br />
ainda não teve essa oportunidade?<br />
Fernando Neves: A lista é enorme. Quando comecei<br />
a Arte Plural, sempre brinquei dizendo que gostaria<br />
de trazer o Thomas Farkas, Evandro Teixeira e<br />
Sebastião Salgado. Os dois primeiros eu já cumpri,<br />
o Salgado é mais salgado (risos), é outra história.<br />
Mas admiro muito o trabalho do Sebastião Salgado<br />
e dos outros fotógrafos também. Lembrar assim no<br />
Brasil tem nomes novos surgindo e grandes nomes<br />
da fotografia nascendo. O Walter Carvalho, na minha<br />
opinião, é um dos grandes fotógrafos do Brasil que<br />
se dedica muito ao cinema mas faz fotografia como<br />
ninguém.<br />
UnicaPhoto: Sem sombras de dúvidas, com o<br />
surgimento da galeria, tivemos um fortalecimento<br />
na fotografia pernambucana. Como é que você vê<br />
a galeria dentro deste contexto?<br />
Fernando Neves: Acho que só estava faltando o<br />
lugar. As relações já estavam maduras entre os<br />
fotógrafos para se encontrarem e saberem das<br />
necessidades e procurarem estabelecer seus laços e<br />
buscar um caminho para o crescimento da fotografia<br />
pernambucana. Neste momento, quando a galeria<br />
estava apenas começando, decidimos realizar uma<br />
exposição com o grupo ‘Vixe Marias’. E isso marcou<br />
como ponto de encontro dos fotógrafos. Porque a<br />
partir dessa primeira mostra, trouxemos, na medida<br />
do possível, uma conversa com o Alcir Lacerda - que<br />
até sua morte, era o grande nome que tínhamos<br />
na cidade. Como fotógrafo, professor, ser humano,<br />
incentivador. E essa prosa foi muito bonita, forte<br />
e agradável. Ele mostrando com a simplicidade<br />
que tinha do seu trabalho e a partir disso, vários<br />
fotógrafos começaram a querer mostrar também<br />
seus trabalhos para os amigos, colegas, e até<br />
mesmo os desconhecidos. E isso foi gerando uma<br />
demanda de encontros que nós apelidamos de Terça<br />
Foto.Com isso, a galeria foi crescendo. Em seguida,<br />
já veio o Atelier de Impressão (ADI) completando esse<br />
trabalho da galeria com impressões de qualidade.<br />
UnicaPhoto: Como você enxerga o mercado? O<br />
que você projeta para o futuro da galeria e como<br />
você acha que o mercado da fotografia está sendo<br />
conduzido?<br />
Fernando Neves: Acho que toda vez que falamos<br />
de mercado, temos que ter um certo cuidado<br />
[11]
Entrevista<br />
porque essa palavra tem várias conotações. A parte<br />
comercial de retorno é algo lento que demanda<br />
tempo. A parte de investimento que cada artista<br />
precisa fazer, não só o fotógrafo, mas o próprio<br />
artista de uma forma geral, é importante porque<br />
está investindo na sua carreira. Muitas vezes a<br />
galeria é um elemento, um caminho, uma forma de<br />
empurrar. Mas que o trabalho já está pronto para ser<br />
apresentado ao público. Atualmente, nós estamos<br />
investindo na Coleção ADI de Fotografias buscando<br />
uma forma de incentivar o colecionismo. Temos<br />
que procurar meios e caminhos para as pessoas<br />
entenderem que a fotografia é uma arte e vai além de<br />
uma decoração.<br />
UnicaPhoto: Qual conselho você daria para<br />
as pessoas que estão começando agora na<br />
fotografia?<br />
Fernando Neves: Diria para as pessoas terem foco.<br />
Depois, saber que isso requer não só aprendizado,<br />
mas requer também investimento próprio na sua<br />
carreira. Você precisa saber como elaborar, planejar<br />
aquilo que estás fazendo para que tenha retorno no<br />
futuro. E isso demanda trabalho e dedicação.<br />
UnicaPhoto: Nesta sua jornada de fotografia, houve<br />
algum momento de fortes emoções?<br />
Fernando Neves: Sempre tem. A vida sempre nos<br />
emociona. A vinda do Thomas Farkas para a galeria<br />
foi carregada de emoções pela própria história<br />
dele, pelo fato da idade avançada, pela lucidez<br />
e debilidade da saúde dele. Ouvimos histórias<br />
riquíssimas e trocamos muitas informações. Mas<br />
outras figuras também trouxeram emoções para<br />
a galeria, como o próprio Evandro Teixeira e suas<br />
histórias fantásticas no fotojornalismo, o Walter Filho.<br />
Todos eles tiveram coisas para nos acrescentar e nos<br />
emocionar. Foram bons e ainda está tendo vários<br />
momentos ótimos que continuem se reproduzindo.<br />
UnicaPhoto: E o fotógrafo Fernando Neves, lembra<br />
de alguma emoção ao fazer uma fotografia?<br />
Fernando Neves: Eu acho que a cada fotografia<br />
ela tem uma história própria. Minha encanta muito<br />
as nuances. Você trabalhar com camadas. Eu me<br />
emociono mais com as imagens dos outros. Mas<br />
certa coias que fazemos, nos dá prazer. Eu fiz<br />
umas fotografias na cabeceira do rio Capibaribe<br />
que remontaram a água e que depois até renderam<br />
uma exposição em um sobrado em Olinda. Aquele<br />
momento mágico que passei de carro, parei e<br />
comecei a fotografar. As fotos saíram legais e que<br />
gosto muito. Como também tem a fotografia que fiz<br />
no ateliê de um amigo que me dá uma sensação de<br />
tranquilidade e prazer toda vez que a vejo.<br />
UnicaPhoto: Fernando, você citou Alcir Lacerda<br />
como um profissional que agregou conhecimento<br />
não só a ele como a muitos de uma determinada<br />
geração. Você está sendo agraciado com o prêmio<br />
Alcir Lacerda, o que isso significa para você?<br />
Fernando Neves: Acho que isso é de um peso muito<br />
grande e ao mesmo tempo de uma satisfação forte.<br />
Mas eu não me vejo merecedor disso. Tudo que<br />
fazemos aqui na galeria, sem nenhuma demagogia,<br />
é juntar as pessoas. Damos espaço para as pessoas<br />
conversarem, discutirem e olharem a fotografia. É<br />
um peso bom, porém ao mesmo tempo é um peso<br />
receber esse prêmio com o nome do mestre Alcir<br />
Lacerda que tanto frequentou nosso espaço.<br />
UnicaPhoto: Em uma frase, Fernando, o que é a<br />
fotografia para você?<br />
Fernando Neves: Vou ser meio que clichê, mas<br />
fotografia é luz, paixão e realidade.<br />
[12]
Entrevista<br />
YÊDA BEZERRA DE MELLO<br />
Fotos: Renata Victor<br />
UnicaPhoto: Como a fotografia surgiu na sua vida?<br />
Yêda Bezerra de Mello: A lembrança mais antiga que<br />
tenho é de uma viagem que fiz para a Amazônia.<br />
Acredito que tinha 11 ou 12 anos e levei uma<br />
Olympus Pen EE-2. Essa câmera, na verdade,<br />
duplicava as imagens. Se o filme tinha 36 poses,<br />
depois da revelação você tinha 72 fotos. E eu<br />
lembro que me encantei com a floresta e fiz muitas<br />
fotos. Voltei e ficava olhando as imagens após a<br />
revelação. Elas ficaram na minha lembrança. Essa foi<br />
a primeira vez que olhei para fotografia como forma<br />
de contar algo. Depois comecei a fotografar teatro,<br />
devido à influência da minha família nesta área. Foi a<br />
partir deste momento que a luz começou a ter uma<br />
certa importância. É quando começo a observar a<br />
grandeza da luz na construção da imagem, tentando<br />
através também da luz contar e falar história. Depois<br />
de um tempo, na época em que cursava Educação<br />
Artística, na UFPE, participei de um concurso<br />
de fotografia pela Prefeitura do Recife e acabei<br />
ganhando o primeiro lugar. A partir disso, resolvi<br />
largar a graduação e estudar fotografia, de fato, na<br />
Escola Panamerica de Artes, em São Paulo. Após o<br />
término do curso, fui convidada a lecionar no próprio<br />
estabelecimento de ensino. Depois, voltei para o<br />
Recife e recebi o convite para trabalhar como repórter<br />
fotográfica no Jornal do Commercio. Em seguida,<br />
exerci o cargo de editora de fotografia na Folha de<br />
Pernambuco - outro tipo de lição e escola na área<br />
da imagem - e, hoje, trabalho na área independente,<br />
mas autoral. Ah, sem esquecer que lecionei na<br />
Universidade Católica de Pernambuco, no curso de<br />
Fotografia, na disciplina de Curadoria e Montagem<br />
de Portfólio, em 2011. Foi outra experiência onde<br />
retomei a aulas e trocar e compartilhar com os alunos<br />
as informações de fotografia.<br />
UnicaPhoto: Você vivenciou a transição do<br />
analógico para o digital. Como foi isso para você?<br />
Yêda Bezerra de Mello: A minha geração fez parte<br />
de um momento de transição da fotografia analógica<br />
para a digital. Para mim foi um pouco dolorido. Tive<br />
uma certa resistência, até porque fiz um caminho<br />
longo até entender, de fato, a fotografia analógica.<br />
Cada filme, como ele respondia. Como eu podia<br />
trabalhar filme X em determinado momento. E de<br />
repente, me vejo sem filme e com a máquina digital<br />
tendo que aprender tudo de novo. No começo,<br />
a resolução não era muito boa. então, não tinha<br />
a resposta como nas películas. O resultado, às<br />
vezes, não correspondia para mim. Só que depois<br />
[13]
Entrevista<br />
de um tempo comecei a relaxar, me entregar… e<br />
a resolver tudo de novo, no ato de fotografar. Foi<br />
quando comecei a aprender e a trabalhar neste novo<br />
caminho. Hoje trabalho com o digital, mas sempre<br />
digo que trabalho pensando analogicamente. Pois<br />
ainda continuo pensando em obturador e diafragma.<br />
Depois de passar por tudo isso, percebo que a<br />
transição foi muito boa e tivemos muitos ganhos.<br />
UnicaPhoto: Como é seu trabalho autoral, hoje? E<br />
como é o seu processo de criação?<br />
Yêda Bezerra de Mello: Após sair do trabalho fixo<br />
do jornal e seguir sozinha, foi um momento difícil<br />
se lançar para um lugar onde você não sabe bem<br />
o que vai acontecer. Porém, com o tempo tudo foi<br />
acontecendo. E, ao mesmo tempo, voltei a frequentar<br />
os grupos de exposições, como Vixe Marias - grupo<br />
só de mulheres fotógrafas. Foi quando surgiu a Arte<br />
Plural Galeria que apostou e incentivou o trabalho<br />
fotográfico na cidade do Recife e abriu as portas<br />
para as mostras. A Arte Plural nos proporcionou essa<br />
mudança. Foi um momento bem importante não só<br />
para mim mas para a fotografia de Pernambuco.<br />
UnicaPhoto: O que a fotografia lhe trouxe após o<br />
fotojornalismo?<br />
Yêda Bezerra de Mello: Em meados dos anos 2000,<br />
meu trabalho fotográfico começa a sofrer uma<br />
transformação. Porque até então ele estava ligado<br />
ao Fotojornalismo. Comecei a contar histórias não<br />
só dos outros, mas minhas também. Foi quando<br />
Fernando Neves me convidou para realizar a minha<br />
primeira exposição autoral, na Arte Plural, intitulada<br />
‘A saudade que sinto de você’ que nasce da minha<br />
intimidade com meu marido e acaba extrapolando<br />
para o público. Em seguida, surge também outro<br />
trabalho autoral muito interior que foiquando minha<br />
mãe faleceu chamado ‘Para poder te olhar’ com<br />
fotografias dela onde eu fiz tela para trabalhos<br />
artesanais como pintura, crochê e sobreposição das<br />
imagens. E acabou virando uma exposição e livro.<br />
Em seguida, virei os olhos para nossa cidade, o<br />
Recife, que gosto tanto e sinto que está abandonada.<br />
Então, resgatei um trabalho de 2009 que foi quando<br />
eu comecei a retratar a cidade tentando trazer uma<br />
relação da cidade com a fotografia. Pensando a<br />
fotografia tida como um instante, como um momento<br />
e tentando reverter isso. Com esse ensaio, estou<br />
repensando e dando um novo olhar sobre ela que em<br />
breve irei divulgar.<br />
UnicaPhoto: Qual conselho você dá para quem<br />
está começando?<br />
Yêda Bezerra de Mello: A fotografia para mim<br />
sempre foi uma forma de estar no mundo. Eu acho<br />
Foto: Yêda Bezerra de Mello<br />
[14]
Entrevista<br />
Sobre a fotografia da capa da<br />
UnicaPhoto<br />
UnicaPhoto: Fale-nos sobre o projeto e sobre as<br />
fotografias que serão expostas.<br />
Yêda Bezerra de Mello: Na verdade, essa imagem<br />
são fotos de Recife que estou fazendo, que é<br />
desse novo ensaio, esse novo projeto que estou<br />
empenhada. A ideia é fotografar a cidade e tentar<br />
fazer uma relação e questionar a respeito da<br />
fotografia e da cidade também. Ao mesmo tempo<br />
que eu quero questionar a fotografia enquanto<br />
instante único, momento único, também questionar<br />
essa cidade que é tão bonita e está tão abandonada.<br />
Então, as imagens são formadas por muitas<br />
imagens e o título de cada foto remete ao número<br />
de fotogramas que a qual é formada. As fotos se<br />
chamam assim: ‘427’, ‘328’, ‘284’...<br />
UnicaPhoto: Este projeto é inédito?<br />
Yêda Bezerra de Mello: Na verdade, eu comecei<br />
a fotografá-lo em 2009 e fiz três fotografias, aí, o<br />
projeto ficou guardado e estou retomando agora.<br />
Ele te três fotos que já foram expostas e estou<br />
retomando agora, fazendo outras fotos e ampliando<br />
muito mais.<br />
UnicaPhoto: Como é ter uma foto do projeto na capa<br />
da revista UnicaPhoto, que será lançada no dia em<br />
que receberá o prêmio Alcir Lacerda?<br />
Yêda Bezerra de Mello: É um privilégio, eu fiquei<br />
muito feliz com o convite e com a homenagem. A<br />
foto que vai sair na capa da revista, é uma foto que<br />
fiz do Marco Zero, vem pelo chão e passa por toda<br />
calçada, até a Rosa dos Ventos, feita pelo Cícero<br />
Dias. Na verdade, descobri depois que ele tem<br />
um trabalho enorme sobre Recife e o título desse<br />
trabalho é ‘Eu vi o mundo e ele começa em Recife’.<br />
Estou pensando em usar isso em alguma coisa desse<br />
meu projeto.<br />
UnicaPhoto: Como começou o seu interesse por<br />
colagens?<br />
Yêda Bezerra de Mello: Comecei a trabalhar assim<br />
por conta das possibilidades de juntar mais de uma<br />
imagem para dar um significado só. Gostei e estou<br />
explorando. Uso o photoshop para isso, mas de uma<br />
forma bem básica.<br />
que sou uma pessoa privilegiada por ter a sorte de<br />
descobrir uma profissão que me dá tanto prazer. O<br />
meu conselho para quem está começando é olhar e<br />
fotografar bastante. E pensar o que está fotografando<br />
e porque está fotografando.<br />
UnicaPhoto: O que é para você receber o prêmio<br />
Alcir Lacerda?<br />
Yêda Bezerra de Mello: O fato de estar recebendo o<br />
prêmio Alcir Lacerda é de uma honra sem tamanho.<br />
Eu iniciei na fotografia sempre levando e revelando<br />
filmes no laboratório de Alcir. Ele sempre muito<br />
atento e prestativo. Chegava até ceder o laboratório<br />
para ensinar como revelar os filmes. E isso sempre<br />
foi muito encantador. Alcir nos revelar sempre o<br />
que a gente estava fazendo. Guardo sempre boas<br />
lembranças dele. Ele foi uma grande escola. E estou<br />
muito feliz em estar recebendo um prêmio no nome<br />
dele.<br />
Foto: Yêda Bezerra de Mello<br />
[15]
ADI lança coleção de imagens<br />
artísticas<br />
Projeto tem como ideia incentivar o colecionismo e<br />
valorizar a arte fotográfica<br />
Texto de Suann Medeiros<br />
Fotos: Hélia Scheppa<br />
[16]<br />
O Atelier de Impressão (ADI) acaba de<br />
lançar o projeto itinerante “Coleção ADI de<br />
Fotografias” composto por 50 fotografias de 30<br />
reconhecidos fotógrafos brasileiros. As imagens<br />
têm tamanho A3, com tiragem limitada, assinadas<br />
pelos autores e estão sendo apresentadas<br />
dentro de uma caixa, que mescla o design de<br />
uma maleta e de um móvel dos anos 50.“Como<br />
o Atelier é formado por fotógrafos, a gente<br />
pensou em fazer algo que promovesse a fotografia<br />
e ajudasse a formar o mercado atento a<br />
essa fotografia de qualidade com longevidade,<br />
fidelidade e conservação e ao mesmo tempo<br />
que fossem acessíveis e as pessoas pudessem<br />
colecionar. Com isso, começamos a pensar<br />
em um produto final onde tivesse os padrões<br />
de qualidade de impressão e convidamos os<br />
fotógrafos”, explicou um dos sócios Gustavo<br />
Bettini.<br />
Participam do projeto os fotógrafos Amélia<br />
Córdula, Ana Araújo, Arnaldo Carvalho, Cristiana<br />
Dias, Evandro Teixeira, Fred Jordão, Geraldo<br />
Pestalozzi, Gustavo Bettini, Hélia Scheppa,<br />
Hesíodo Góes, João Urban, Juliana Leitão,<br />
Mateus Sá, Miva Filho, Nando Chiappetta, Priscilla<br />
Buhr, Renata Victor, Renato Vale, Ricardo<br />
Labastier, Roberta Guimarães, Rodrigo Lobo,<br />
Teresa Maia e Yêda Bezerra de Melo entre<br />
outros profissionais.<br />
Com intuito de incentivar o colecionismo e<br />
valorizar a arte fotográfica, as imagens têm<br />
tiragem máxima de 50 impressões e são acompanhadas<br />
de certificado, nota técnica com recomendações<br />
de manuseio e conservação, além<br />
de vir dentro de uma caixa, com design assinado<br />
por Marcos Pinheiro, da Pick Image. “Essa é<br />
a primeira caixa e já estamos produzindo mais<br />
três maletas. A ideia é que essas caixas percorram<br />
vários estabelecimentos, como pontos culturais<br />
da cidade. Não queremos que a fotografia<br />
de qualidade esteja só na galeria e, sim, em<br />
diversos ambientes da cidade do Recife - como<br />
cafés, lojas de decoração, livrarias, festivais de<br />
artes”, afirmou Bettini.
[17]
O Projeto “Coleção ADI de Fotografias”<br />
se encontra na Arte Plural Galeria, no Bairro<br />
do Recife Antigo, no Recife, e fica até o final<br />
de agosto. Todas as fotos são impressas em<br />
altíssima qualidade, montadas em passe-partout,<br />
entregues em uma embalagem especial<br />
de PH neutro, assegurando durabilidade às<br />
imagens e os preços variam a partir R$ 400.<br />
[18]
Pós<br />
As narrativas contemporâneas<br />
da fotografia e do audiovisual<br />
Texto de Augusto Cataldi<br />
Fotos de Pedro Pereira, Renata Victor, Karina Rocha e Suann Medeiros<br />
O mundo hoje é mediado pelas imagens.<br />
A cultura visual se impôs sobre os processos<br />
narrativos da Comunicação, principalmente<br />
no ambiente das mídias digitais e o contexto<br />
previsto pelo fotógrafo húngaro Lázló Moholy-<br />
-Nagy, na década de 20, quando disse que o<br />
analfabeto do futuro não será quem não souber<br />
ler e escrever, mas aquele que não souber<br />
se comunicar através das imagens já chegou.<br />
Neste sentido, não apenas os profissionais de<br />
Fotografia mas de outras áreas da comunicação<br />
precisam estar preparados para atuar<br />
neste campo de maneira aprofundada e conectada<br />
com as formas narrativas da contemporaneidade.<br />
No primeiro semestre de 2016, a Universidade<br />
Católica de Pernambuco (Unicap) lançou<br />
uma oportunidade para buscar esta formação<br />
ampliada através do curso de Especialização<br />
sobre As Narrativas Contemporâneas da Fotografia<br />
e do Audiovisual. Pioneiro na região, o<br />
curso teve sua aula inaugural no último dia 20<br />
de maio, ministrada pela Profª Dra. Simonetta<br />
Persichetti no primeiro módulo sobre Fotografia:<br />
Crítica e Curadoria. Ao longo de 16 meses,<br />
as demais disciplinas oferecidas serão Direção<br />
de Fotografia, Narrativas Poéticas da Imagem,<br />
Literatura, Fotografia e Audiovisual, História<br />
e Estética do Audiovisual, Gêneros do Audiovisual,<br />
Produção de Audiovisual, Processos<br />
Criativos e Gestão de Projetos em Fotografia e<br />
AudiovisualMetodologia da Pesquisa e Edição<br />
de vídeo e finalização.<br />
A pós-graduação lato sensu trouxe de volta à<br />
casa ex-alunos que hoje atuam no mercado da<br />
fotografia e atraiu também outros profissionais,<br />
inclusive de outros estados do Nordeste. É o<br />
caso de Rafael Martins. Baiano, fotojornalista,<br />
Rafael veio ao Recife em busca de novas oportunidades<br />
e encontrou no curso a proposta de<br />
aprofundamento que buscava. “Fazer um curso<br />
focado em Narrativas é uma possibilidade para<br />
um profissional, com algum tempo de mercado<br />
como eu, de aprofundar meu trabalho enquanto<br />
identidade, focando no sujeito que o constrói”,<br />
reforça o fotógrafo.<br />
[19]
A proposta de ampliar o debate crítico sobre<br />
o processo fotográfico e ampliar as possibilidades<br />
narrativas para o campo do Audiovisual<br />
tem promovido incursões dos alunos nas áreas<br />
de cinema, do documentário e da fotografia<br />
multimídia, em perspectivas quem passam<br />
pelos estudos da cultura, da poética e da estética,<br />
além de fornecer também um instrumental<br />
técnico que habilita os futuros pós-graduados<br />
a também praticarem os conhecimentos adquiridos<br />
em atividades de análise e leitura de<br />
imagens, bem como de produção de produtos<br />
audiovisuais como curtas metragens de ficção<br />
e documentários.<br />
“A pós em fotografia e audiovisual oferece<br />
uma nova dimensão dos estudos da imagem.<br />
Temos construído relações entre as linguagens<br />
da fotografia, do vídeo e da literatura, abordando<br />
elementos narrativos, estéticos e de produção<br />
de sentido. Há um nítido estímulo à criação<br />
de textos acadêmicos, assim como a pesquisa<br />
e à criação de fotografia e cinema. O espaço<br />
dado às análises e produções no campo audiovisual<br />
tem me despertado especial interesse e<br />
apreço pelo curso. Certamente é um processo<br />
de aprofundamento teórico e analítico em relação<br />
ao curso de graduação, contribuindo para<br />
a consistência e relevâncias de nossas produções”,<br />
comenta o aluno Paulo Souza, graduado<br />
em Fotografia pela Unicap.<br />
A coordenadora Renata Victor, explica a proposta<br />
que originou o curso. “A especialização<br />
foi criada baseada na solicitação constante dos<br />
graduados do Curso Superior de Tecnologia em<br />
Fotografia da Unicap e em uma demanda de<br />
mercado também. Embora Pernambuco tenha<br />
uma grande produção visual, pouco se aborda<br />
isso na academia. Então, esperamos que essa<br />
especialização venha a suprir esta necessidade.<br />
A base do nosso curso é comunhão da<br />
fotografia, audiovisual e literatura”.<br />
[20]
[21]
[22]<br />
ENSAIO
Florscience<br />
A aluna do quarto módulo do curso<br />
de Fotografia da Unicap, Marcela<br />
Freire, é a autora do ensaio que ilustra<br />
estas páginas. O trabalho, chamado<br />
de Florscience, foi desenvolvido como<br />
atividade de Fotografia Mobile da<br />
disciplina de Mídias Digitais.<br />
Marcela comenta o trabalho: “Feito<br />
com ediçāo em aplicativos mobile, o<br />
Florscience, foi fruto de um trabalho<br />
de faculdade que se deu de forma<br />
bastante intuitiva, receio de fotografar<br />
rua, centros do Recife, simplesmente<br />
retratos, a ideia foi ir um pouco mais<br />
além. Criatividade, sensibilidade e o<br />
ingrediente principal: intuiçāo. Foi<br />
preciso plantar, cuidar, e de várias<br />
tentativas sairam algumas dessas artes.<br />
Feitas com dupla exposiçāo, unindo<br />
flores, vegetais e cores. Pretendo dar<br />
continuidade ao projeto e criar uma<br />
exposiçāo!”<br />
[23]
[24]
[25]
[26]
[27]
Foto: XRite<br />
Sobre o fluxo de<br />
gerenciamento de<br />
cor<br />
Primeiro passo:<br />
CALIBRAÇÃO DE MONITOR<br />
Texto de Germana Soares<br />
Quando o assunto é o gerenciamento<br />
das cores, infelizmente alguns profissionais<br />
não dão a devida importância ou até mesmo<br />
desconhecem o que estamos tratando. Por<br />
isso, decidi trazer um pouco do conteúdo<br />
abordado na disciplina de Gerenciamento de<br />
cor e Impressão para mostrar que, na verdade,<br />
esse processo não é o monstro que<br />
parece ser.<br />
Podemos dividir o fluxo do gerenciamento<br />
em três etapas:<br />
- Calibração de monitor;<br />
[28]
- Calibração de câmera;<br />
- Criação de perfil de Impressão.<br />
Nesta edição vou falar sobre a calibração<br />
dos monitores: a importância do processo,<br />
os instrumentos disponíveis e como ocorre<br />
na prática. Vamos lá?<br />
Imagine: depois de horas, você fez aquela<br />
foto incrível e conferiu no visor da câmera.<br />
Ficou tudo como planejou: foco, brilho<br />
e contraste do jeito que queria. Aí quando<br />
você vai passar para o computador, abre o<br />
arquivo e.......... Bate aquele desespero!!! A<br />
sua foto maravilhosa aparece toda verde ou<br />
magenta. Totalmente diferente daquilo que<br />
você fez, com as cores todas alteradas. E<br />
agora? O que aconteceu de errado? Como<br />
você fará as edições necessárias na foto se<br />
as cores não são aquelas capturadas?<br />
A resposta é bem simples: o monitor que<br />
você está utilizando está com os canais<br />
RGB descalibrados.<br />
Não precisa se apavorar. Seu arquivo<br />
continuar preservando as cores e ajustes<br />
maravilhosos, basta você calibrar seu monitor<br />
para iniciar o processo de tratamento da<br />
forma correta.<br />
De forma grosseira e simples a calibração<br />
de cor do monitor significa fazer com que ele<br />
apresente as cores da forma que mais se<br />
aproxime do real, dentro da sua capacidade<br />
de reprodução.<br />
(Apenas abrindo um parênteses: quando<br />
falamos de fotografia digital, devemos saber<br />
que os equipamentos que utilizamos (câmera,<br />
monitores e impressoras) possuem capacidades<br />
de reprodução de cor diferentes um<br />
dos outros. E a função do gerenciamento é<br />
justamente fazer com que as cores capturadas<br />
sejam preservadas ao máximo durante<br />
todo o processo de tratamento, até chegar a<br />
fase da impressão.)<br />
Então depois de toda essa historinha que<br />
contei, já sabemos qual importância da calibração<br />
do monitor, não é?! Como você fará<br />
ajustes nos canais, exposição, contraste e<br />
baixas luzes se a imagem apresentada não<br />
é a real? A calibração de monitor é nosso<br />
primeiro passo para que possamos garantir<br />
estar visualizando o arquivo da melhor<br />
forma possível, sem a influência excessiva<br />
de qualquer um dos canais do RGB (vermelho,<br />
verde ou azul) e com o ponto de brilho<br />
balanceado.<br />
E como faremos isso?<br />
Os próprios sistemas operacionais, tanto<br />
da apple quanto Windows trazem utilitário<br />
que permitem uma “calibração” da tela. Mas<br />
é claro que não iremos tratar esse assunto<br />
de forma tão resumida e subjetiva, então<br />
vou apresentar os instrumentos indicados<br />
para esse processo.<br />
Os colorímetros são equipamentos que<br />
caracterizam amostras coloridas para obter<br />
uma medida objetiva das características da<br />
cor. No mercado encontramos os modelos:<br />
colormunky display, i1 display, Spyder 5 pro<br />
entre outros.<br />
[29]
Todos eles funcionam com softwares específicos que<br />
acompanham o aparelho ou podem ser baixados na<br />
internet. O processo é muito simples e intuitivo. Como<br />
cada aparelho possui interfaces diferentes, vou abordar<br />
alguns pontos que não devem ser esquecidos:<br />
1<br />
Antes de iniciar a calibração, o monitor deve estar ligado por pelo menos<br />
30 minutos para que esteja em sua máxima capacidade de luminância e<br />
garantir a estabilidade. Desative qualquer proteção de tela.<br />
2<br />
O fundo da área de trabalho deve ser cinza médio. Isso<br />
facilita o equilibro entre os canais RGB.<br />
3<br />
O colormunky display e o i1 display, citados acima, tem a função de<br />
fazer a medição da luminância ambiente. Isso é importante para que<br />
o ponto de brilho do monitor seja ajustado de acordo com a intensidade<br />
da luz. Caso você esteja trabalhando com notebook ou não<br />
tem como manter o colorímetro sempre conectado ao computador, o<br />
ideal é ajustar o ponto de branco para 120 cd/m2. E para fazer a<br />
medição corretamente ele deve estar posicionado próximo à tela.<br />
4<br />
Após a criação do perfil, ele é salvo no diretório correto automaticamente.<br />
Sendo assim, todas as vezes que o sistema operacional for<br />
inicializado o último perfil criado automaticamente será carregado.<br />
E é isso. Espero que esses primeiros passos possam<br />
auxiliar quem está iniciando nesse mundo colorido do<br />
gerenciamento. Na próxima edição da revista, falaremos<br />
sobre a criação do perfil de câmera.<br />
[30]
Edward Weston:<br />
do “lugar comum” ao incomum<br />
Texto de Frederico Paulo de Barros e<br />
Rafaela Bôaviagem Cavalcanti da Silva<br />
Fotos: Met Museum, ESPM, Artnet, The Getty e Socially Curated Lists<br />
Edward Weston é uma inspiração<br />
para os artistas modernistas. Foi um dos<br />
mais importantes fotógrafos do século<br />
XX, pela sua fotografia artística, com um<br />
olhar diferente sobre os objetos comuns,<br />
unindo o simples e o real com a abstração.<br />
Nasceu em Hilland Park, Illinois,<br />
em 24 de março de 1886, e foi criado<br />
em Chicago, maior cidade do Estado.<br />
Era filho de Edward Burbank Weston e<br />
Alice Jeanette Brett, que morreu quando<br />
ele tinha apenas cinco anos. Seu pai era<br />
médico, mas ele foi criado pela sua irmã<br />
Mary Jeanette-May. Em sua juventude<br />
era retraído, inquieto e melancólico.<br />
Estava sempre de mau humor.<br />
[31]
Armco, Middletown, Ohio<br />
Copyright: © 1981 Arizona Board of Regents, Center for Creative Photography<br />
Not currently on view<br />
Sua primeira câmera fotográfica foi uma<br />
Kodak, que ganhou de seu pai aos 16 anos<br />
de idade. Autodidata, começou a fotografar<br />
em seus tempos<br />
Object<br />
livres<br />
Details<br />
e foi trabalhar porta a<br />
porta como fotógrafo retratista ao se mudar<br />
Title:<br />
para morar na Califórnia, em 1906. Publicou<br />
Armco, Middletown, Ohio<br />
livros, ganhou vários prêmios importantes na<br />
Artist/Maker:<br />
área fotográfica e realizou exposições.<br />
Ao sentir a necessidade de se aperfeiçoar,<br />
retornou<br />
1886<br />
para<br />
- 1958)<br />
Effingham, Illinois, para<br />
estudar na Culture: Illinois College of Photography,<br />
em 1908. Seis meses após a conclusão do<br />
curso, Weston retorna para a Califórnia. Em<br />
Los Angeles foi contratado no George Steckel<br />
Portrait Studio. Mudou para o estúdio<br />
Louis A. Mojoiner, em 1909, para trabalhar<br />
como fotógrafo, onde se destacou pela sua<br />
luz e seus retratos.<br />
Em 1911, abriu seu próprio estúdio, localizado<br />
em Trópico, Califórnia. Seus retratos<br />
de estilo pictorialista, com foco suave, ganharam<br />
vários prêmios profissionais, incluindo<br />
prêmios internacionais. As fotos foram<br />
publicadas em várias revistas especializadas<br />
da época, como a American Photography.<br />
Produziu retratos com estilo pictorialista em<br />
seu estúdio até 1919, quando migrou para<br />
uma fotografia mais abstrata, retratando partes<br />
do corpo humano em ângulos incomuns.<br />
[32]<br />
Edward Weston começou a escrever diários<br />
em 1915 que ficaram conhecidos como<br />
seus Daybooks, crônicas de sua vida e desenvolvimento<br />
fotográfico feitas até meados<br />
dos anos 1930. Em 1912, conhece a mulher<br />
que ele dizia ser a mais importante da sua<br />
vida, Margrethe Mather. Ela passa a ser a<br />
sua assistente de estúdio e modelo por dez<br />
anos. Mather era uma forte influência para<br />
Weston.<br />
Em 1922, viajou para Middletown, Ohio,<br />
onde fotografou a indústria ARMCO. Foi<br />
um marco na mudança de estilo fotográfico<br />
Página 1 de 3<br />
de Weston. Durante esse período ele deu<br />
novas características ao seu trabalho, enfatizando<br />
formas abstratas e mais nítidas, com<br />
ângulos retos, fiel à realidade.<br />
No mesmo ano viajou para Nova York,<br />
onde conheceu Alfred Stieglitz, Charles<br />
Sheeler e Paul Strand, fotógrafos da Straight<br />
Photography, uma vanguarda moderna que<br />
nasceu no começo do século XX, nos Estados<br />
Unidos, que se opunha ao tradicional<br />
pictorialismo e buscava a objetividade na<br />
imagem.<br />
Edward Weston, com sua veia repleta de<br />
vontade de inovação, se permitiu fotografar<br />
uma série linda de nus, de Tina Modotti, com<br />
quem viajou, em 1923, para o México, onde<br />
Edward Weston (/art/collection/artists/1641/edward-weston-american-1886-1958/) (American,<br />
http://www.getty.edu/art/collection/objects/37716/edward-weston-armco-middletown-ohio-american-1941/?dz=0.5000,0.4165,0.67
morou por cinco anos. Nessa época ele também<br />
registrou o cotidiano do país, os seus<br />
agregados familiares, fauna, flora, formações<br />
rochosas e as nuvens. Nasce, então,<br />
uma nova estética apoiada pelos artistas da<br />
Renascença Mexicana como Rivera, Siqueiro<br />
e Orozco.<br />
É durante a estada de Weston e Tina<br />
Modotti no México que ele inicia suas experiências<br />
fotográficas de natureza-morta.<br />
Momento de mudança do estilo fotográfico<br />
pictorialista para o modernista, o qual<br />
deu muito certo. Fotografava objetos da<br />
sua coleção de arte folclórica e brinquedos<br />
enquanto esperava seus clientes para retratá-los.<br />
Em 1926, ele retorna para Califórnia onde<br />
inicia um novo estudo, desta vez valorizando<br />
detalhes do inusitado, como árvores retorcidas<br />
pelo vento, couve, conchas, cactos,<br />
dunas. Das suas fotografias ricas em detalhes,<br />
a mais famosa é a Pimentão nº 30, a<br />
qual faz parte de uma amostra fotográfica<br />
de pimentões verdes. São mais de 40 fotografias<br />
de pimentões feitas entre os anos de<br />
1927 e 1930, utilizando luz natural.<br />
Através do enquadramento e da composição<br />
da luz, Weston consegue chamar a<br />
atenção para as curvas do pimentão e o remete<br />
diretamente ao corpo humano. Dessa<br />
forma, com essas novas experiências, ele<br />
consegue unir o simples e real do comum<br />
com a abstração e amplia a imaginação do<br />
espectador.<br />
De acordo com a filósofa americana<br />
Susan Sontag: “...um dos êxitos mais duradouros<br />
da fotografia foi sua estratégia de<br />
transformar seres vivos em coisas, e coisas<br />
em seres vivos. As pimentas que Weston<br />
fotografou em 1929 e 1930 são voluptuosas<br />
de um modo que raramente acontece em<br />
suas fotos de mulheres nuas. Tanto os corpos<br />
nus como as pimentas são fotografados<br />
pelo jogo de formas — mas o corpo é mostrado,<br />
caracteristicamente, curvado sobre si<br />
mesmo, todas as extremidades cortadas, a<br />
carne tão opaca quanto o permitem a iluminação<br />
e o foco, reduzindo assim sua sensualidade<br />
e elevando o caráter abstrato da<br />
forma do corpo; a pimenta é vista em close<br />
mas em sua inteireza, a pele lustrosa ou<br />
oleosa, e o resultado é uma descoberta da<br />
sugestão erótica de uma forma ostensivamente<br />
neutra, uma ampliação de sua palpabilidade<br />
aparente” (SONTAG, 2004, p. 58).<br />
Na década de 1930, Edward Weston<br />
também produziu nus fotográficos de Charlis<br />
Wilson, que na época era sua assistente e<br />
[33]
tinha apenas 19 anos de idade. Segundo<br />
Carol King, no livro Tudo sobre Fotografia:<br />
“... a precisão que empregava fotografando<br />
objetos inanimados se transferiu ao estudo<br />
da nudez... as fotografias estão cheias de<br />
uma carga erótica baseada não na passividade<br />
do nu tradicional, mas na excitação<br />
da mulher moderna sexualmente liberada”.<br />
(KING, 2012, p.254)<br />
Seu primeiro livro foi o The Art of Edward<br />
Weston, publicado em 1932, com imagens<br />
fotografadas por ele. Dois anos antes, havia<br />
realizado sua primeira exposição individual,<br />
em Nova York.<br />
Edward Weston, como pioneiro em fotografia<br />
direta, sem intervenções durante o<br />
processo, em 1932, juntamente com os fotógrafos<br />
Ansel Adams, Imogen Cunningham,<br />
John Paul Edwards, Sonya Noskowiak,<br />
Henry Swift e Willard Van Dyke fundou o<br />
Grupo f/64. O grupo, que durou apenas até<br />
o ano de 1935, tinha como características<br />
fotográfica, além da ampla profundidade de<br />
campo, excelentes composições, temáticas<br />
cotidianas, manejo e controle da exposição<br />
e o caráter realista. A primeira exposição do<br />
grupo f/64 foi realizada em 15 de novembro<br />
do mesmo ano no Museu Memorial H. M.<br />
Young, em San Francisco.<br />
Após o grupo f/64 se desfazer, Weston<br />
foi residir em Santa Mônica, onde encontrou<br />
lugares que o inspiraram fotograficamente.<br />
No ano seguinte inicia um trabalho de fotografias<br />
de nus e dunas, que para alguns foi<br />
sua melhor fase. Ele foi o primeiro fotógrafo<br />
a receber, em 1937, por um trabalho experimental,<br />
a bolsa da Fundação Guggenheim.<br />
Passou dois anos seguintes viajando pela<br />
Califórnia, sudoeste e oeste americano, com<br />
Charis Wilson. Em 1941, usa suas fotos<br />
realizadas durante sua viagem em uma nova<br />
edição de Walt Whitman, Folhas de Relva.<br />
Em 1946, foi apresentada a maior exposição<br />
de todo seu repertório fotográfico,<br />
no Museu de Arte Moderna, em Nova York.<br />
Após dois anos, fotografou pela última vez,<br />
já com sintomas de Síndrome de Parkinson,<br />
em Point Lobos, Califórnia. Brett e Cole,<br />
seus filhos, continuaram a ampliar fotos<br />
de seus negativos, com a supervisão de<br />
Edward Weston até sua morte em 1958.<br />
[34]
Referências:<br />
DIAS, Mariana. Edward Weston: o mestre das curvas, [s.d.]. Disponível em:<br />
. Acesso em: 14 de abril de 2016.<br />
FIGUEREDO, Hernâni de Lemos. Recensão critica da obra de Edward<br />
Weston, “Seeing Photographically”, 2011. Disponível em: .<br />
Acesso em: 18 de abril de 2016.<br />
KING, Carol. O corpo moderno. In: HACKING, Juliet (editora geral). Tudo<br />
sobre fotografia. Tradução de Fabiano Morais, Fernanda Abreu e Ivo Korytowski.<br />
Rio de Janeiro: Sextante, 2012.<br />
MARTINS, Eloise. O olhar direto de Edward Weston, 2013. Disponível em:<br />
< http://www.ideafixa.com/o-olhar-direto-de-edward-weston/ >. Acesso em: 10 de<br />
abril de 2016.<br />
O´HAGAN, Sean. Edward Weston: the greatest American photographer of<br />
his generation?, 2010. Disponível em: < http://www.theguardian.com/artanddesign/2010/aug/18/edward-weston-photography>.<br />
Acesso em: 07 de abril de 2016.<br />
PEUTER, Luisa de. Un acercamiento a la vida y obra del que aún hoy<br />
es considerado “el fotógrafo americano más influyente del siglo XX, 2001.<br />
Disponível em: .<br />
Acesso em: 31 de março de 2016.<br />
SONTAG, Susan. Sobre Fotografia. Tradução de Rubens Figueiredo. São<br />
Paulo: Companhia de Letras, 2004.<br />
TRAVELLI, María Marcela. Grupo f/64: la belleza de la fotografía directa,<br />
2013. Disponível em: .<br />
Acesso em: 18 de abril de 2016.<br />
[35]
[36]<br />
ENSAIO
CICLO DA VIDA<br />
Fotos de Renata Victor<br />
[37]
[38]
[39]
[40]
[41]
[42]
[43]
[44]
[45]
Foto_Síntese<br />
Uma cadela que como tanto outros animais foi<br />
levada para o lixão pelo seu “dono” para se livrar<br />
de um “peso”. Para mim, esta fotografia, além<br />
de um toque poético também faz uma denúncia<br />
sobre os maus tratos do homem contra os animais<br />
e o meio ambiente. O que vemos é um registro de<br />
um ser com um olhar misterioso como se quisesse<br />
dizer algo. Ao me ver em meio aos entulhos do<br />
lixão onde vive e disputa espaço e comida com<br />
outros animais, a cadela parou por alguns segundos<br />
me olhando, deixando assim que eu fizesse o<br />
registro. O fato da imagem está monocromática é<br />
uma opção para que o observador percorra toda a<br />
imagem sem influência das cores.<br />
Texto e foto: Marcos D`’Rua<br />
[46]
[47]
A fotografia de Cinema,<br />
aspirinas e urubus<br />
Texto de Paulo Souza<br />
Fotos: still do filme<br />
O presente trabalho se propõe a analisar<br />
a fotografia em Cinema, aspirinas e urubus<br />
(2005), do diretor Marcelo Gomes, através de<br />
elementos de linguagem como luz, planos,<br />
ângulos e composições. O filme insere dois<br />
personagens de pensamentos e sentimentos<br />
delicados, em busca de superar vidas difíceis,<br />
em um encontro na árida e dura paisagem do<br />
agreste paraibano.<br />
Assim que a primeira imagem surge na tela é<br />
impossível não associar a paisagem ao padrão<br />
estético do Cinema Novo, que explora a luz<br />
tropical brasileira sem disfarçá-la ou escondê-<br />
-la. A luz que castiga a vegetação da caatinga é<br />
também elemento de significação, dura e seca,<br />
se contrapondo a Johann e Ranulpho, com<br />
suas inquietações, sonhos e planos.<br />
“Em primeiro lugar, é preciso dizer que a proposição<br />
de reconhecer traços do Cinema Novo<br />
numa obra contemporânea parte de pressupostos<br />
mais estéticos do que políticos. É sobretudo<br />
a textura visual do filme de Marcelo Gomes que<br />
remete a certos filmes do Cinema Novo, sobretudo<br />
à tríade Vidas secas /Os fuzis /Deus e o<br />
diabo na terra do sol. Em parte, essa textura é<br />
fruto da própria locação em que foi filmado (o<br />
agreste paraibano), em parte das condições de<br />
produção. Sabemos que o diretor usou técnicas<br />
de produção que em muito lembram aquelas<br />
utilizadas por Glauber Rocha ou Nelson Pereira<br />
dos Santos: filmagem em locação; câmera<br />
16mm, na maior parte do filme fora do tripé́;<br />
poucos recursos de iluminação; figurantes da<br />
própria região onde se filmou. Independentemente<br />
da história que se conta, esse esquema<br />
de produção por si só leva a uma série de identificações<br />
com o Cinema Novo e até́ mesmo<br />
com o Neo-Realismo” (MULLER, 2016, pg. 22).<br />
[48]
Cor<br />
A direção de fotografia é de Mauro Pinheiro<br />
Jr, que nos apresenta uma paisagem de tonalidade<br />
sépia, um tanto amarronzada, tanto nas<br />
cenas externas quanto nas internas. Em uma<br />
das cenas Johann faz um elogio ao casaco<br />
que a mulher está usando, rosa, observando<br />
que ela fica bem com essa cor (figura 01).<br />
Acontece que o que vemos na tela é uma cor<br />
quase que imperceptível, pois prevalecem tons<br />
pastéis e não há cenas com grande saturação<br />
ao longo da película. O céu na tela não é azul<br />
como vemos, as poucas folhas verdes se apresentam<br />
tão secas e sem vida quanto os galhos<br />
da vegetação (figura 02). A paleta de cores reforça<br />
a criação de um universo quente e seco,<br />
que é comum a Ranulpho, mas que conflita<br />
com o conhecido pelo imigrante Johann.<br />
Luz<br />
A primeira cena do filme é um anúncio de<br />
uma escolha, uma aderência as propostas de<br />
fotógrafos como Waldemar Lima e Luiz Carlos<br />
Barreto, que no cinema novo decidiram assumir<br />
as singularidades da luz brasileira, sobretudo<br />
da luz nordestina, uma luz forte, que produz sobras<br />
duras, se afastando da estética europeia e<br />
americana do belo.<br />
Logo após os créditos iniciais o espectador é<br />
lançado a uma tela totalmente branca, como se<br />
estivesse em um quarto escuro e subitamente<br />
todas as paredes fossem derrubadas (figura<br />
03). O sol incandesce nossas vistas ao ponto<br />
de não identificarmos nada para além do branco<br />
total.<br />
Aos poucos a fotometria vai sendo ajustada<br />
e nossa “retina fotográfica” vai passando a<br />
reconhecer o ambiente, como se estivéssemos<br />
nos adaptando e sendo convidados a integrar<br />
o universo fílmico (figuras 04 e 05). A fotografia<br />
fala: aqui é o agreste do Brasil, aqui não há luz<br />
difusa e suave quando estamos com o sol a<br />
pino. Só depois de alguns longos segundos reconhecemos<br />
os elementos da cena, um homem<br />
dirige um caminhão em um cenário desértico.<br />
[49]
O momento final da cena, de iluminação<br />
mais balanceada, nos revela um desafio da<br />
luz tropical, não é possível expor céu e terra,<br />
interior e exterior, sem perder detalhes. Não<br />
há como evitar o estouro da luz e nem a dureza<br />
negra das sombras (figura 06). No quadro<br />
observamos que as margens da estrada apresentam<br />
detalhes, o céu não está totalmente estourado,<br />
ainda conseguimos ver uma gradação<br />
do azul ao branco, já o centro da entrada está<br />
claramente superexposto em alguns pontos e<br />
o interior do caminhão, refletido no espelho,<br />
apresenta uma subexposição. É evidente, o fotógrafo<br />
estará sempre diante de escolhas sobre<br />
suas prioridades diante de uma situação limite<br />
como essa.<br />
É fundamental discutir o papel dessa escolha<br />
de representação sócio-política herdada<br />
do Cinema Novo. Não se trata de uma escolha<br />
puramente estética, mas de um compromisso<br />
histórico e cultural, de valorização de nossa<br />
regionalidade e brasilidade, da rejeição a uma<br />
colonização visual e cinematográfica. É a defesa<br />
de um cinema coerente e original.<br />
Waldemar Lima, diretor de Deus e o Diabo<br />
na Terra do Sol (1964) e Bebel, Garota Propaganda<br />
(1968), é talvez um dos maiores defensores<br />
e estudiosos da luz tropical brasileira.<br />
O cinema é uma arte cuja leitura é feita<br />
através de imagens, uma arte que se manifesta<br />
através de fotografia. Se o filme conta uma história<br />
em uma determinada região, a fotografia<br />
deve fazer parte da história, as luzes e as cores<br />
da região estão lá. Caso isso não aconteça, de<br />
que valeria ir a uma região fotografar os seus<br />
habitantes, os seus costumes, as suas danças,<br />
sua arquitetura? Não estaríamos descaracterizando<br />
a textura da luz? A luz que é também<br />
uma característica daquela região (LIMA, 2013,<br />
pg. 330)?””<br />
[50]
Em Cinema, aspirinas e urubus, a caatinga<br />
não é mera locação escolhida ao acaso ou<br />
disponibilidade, ainda que não carregue caráter<br />
alegórico de crítica social ou política, de denúncia<br />
da fome e miséria. É em um viés humano e<br />
afetivo que o agreste se faz presente, em sua<br />
textura, monotonia e aridez.<br />
Os contrastes de luz poderiam ser atenuados<br />
pelo uso de iluminação das cenas, refletores,<br />
espelhos, rebatedores. Mas seria um<br />
ataque cruel ao real efeito desejado. Por isso<br />
observamos um de viés natural, onde viajamos<br />
com os personagens em uma cabine de caminhão<br />
cheia de sombras com uma paisagem<br />
seca e estourada ao fundo.<br />
Câmera e planos<br />
A câmera na mão é mais uma peça do conjunto<br />
de uma obra que preza pela naturalidade<br />
e humanidade, a câmera vai tremer nas estradas<br />
de barro, vai estar próxima aos atores e vai<br />
revelar imperfeições de movimento, que nada<br />
mais são que um espelho do real.<br />
Na cena em que Jovelina pede carona e<br />
entra no caminhão temos uma belíssima composição<br />
planos, um enquadramento os há um<br />
verdadeiro balé de cabeças, em disputa pela<br />
atenção da moça.<br />
A mulher entre no caminhão visivelmente<br />
triste e passa a ser consolada por Johann e<br />
Ranulpho. A câmera mostra a cabine do caminhão<br />
com os personagens em um plano médio,<br />
que enfatiza as expressões faciais dos atores<br />
(figura 08).<br />
Em um primeiro momento Johann e Jovelina<br />
são colocados em planos distintos, mas a comunicação<br />
visual se dá no extra plano. Quando<br />
Johann pega um cantil e o direciona para fora<br />
do quadro (figura 09), não há dúvidas quanto<br />
a sua destinatária, há uma comunicação visual<br />
no extracampo, seu olhar para fora do quadro<br />
indubitavelmente fita aquela estranha que acabara<br />
de chegar.<br />
[51]
Considerações finais<br />
O resultado apresentado no filme representa<br />
o domínio da técnica colocado a serviço da<br />
intencionalidade criativa. Cinema, aspirinas<br />
e urubus é um marco no cinema brasileiro. O<br />
filme transita entre o potencial crítico e criativo<br />
de seus autores e o diálogo com o público,<br />
apresentando uma obra que trata de emoções<br />
universais, mas que constrói um universo particular,<br />
representado fortemente por suas escolhas<br />
estéticas de imagem e de som, sendo a<br />
fotografia, talvez a mais evidente delas.<br />
Referências<br />
LIMA, Waldemar. Luz Tropical Brasileira.<br />
Rebeca: revista brasileira de estudos de<br />
cinema e audiovisual, São Paulo, ano 2, n. 3,<br />
p.327-332, jun. 2013.<br />
MÜLLER, Adalberto. Cinema (de) novo,<br />
estrada, sertão: notas para (se) pensar Cinema,<br />
aspirinas e urubus. Logos: cinema,<br />
imagens e imaginário, Rio de Janeiro: UERJ,<br />
Faculdade de Comunicação Social, Vol. 1, n.<br />
24, p. 21-27, 2006. Semestral. Disponível em:<br />
. Acesso em: 05/07/2016.<br />
[52]
Aos poucos a comunicação entre Johann e<br />
Jovelina dá sinais de evolução, parece haver<br />
um interesse mútuo, mas Ranulpho insiste em<br />
evidenciar sua posição, ele não está entre os<br />
dois apenas fisicamente, é também um elemento<br />
de interrupção das tentativas de diálogo.<br />
Conforme a afinidade vai se tornando mais<br />
evidente, Ranulpho termina perdendo espaço<br />
e sai de cena, se recolhendo e afundando no<br />
banco do caminhão (figura 13). A câmera é<br />
posicionada muito perto dos atores, o que torna<br />
inevitável o desfoque no rosto de Jovelina em<br />
primeiro plano, ainda assim suas expressões<br />
são facilmente identificáveis, elementos essenciais<br />
para evolução da cena. O resto da cena<br />
está em foco, o que certamente mostra o uso<br />
de uma boa profundidade de campo. Provavelmente<br />
veríamos os detalhes da vegetação,<br />
se não houvesse uma gritante diferença de luz<br />
entre interior e exterior da cabine.<br />
A cena se encerra com um grande plano<br />
geral (figura 14), mostrando o caminhão em<br />
meio a caatinga, contrastando com os planos<br />
próximos que precederam toda a construção<br />
anterior.<br />
[53]
PROJETO CREATIVE COMMONS<br />
DIREITO AUTORAL E<br />
DIREITO DE IMAGEM<br />
Julianna Nascimento Torezani,<br />
professora do Curso de Fotografia da Unicap.<br />
Email: juliannatorezani@yahoo.com.br.<br />
Como uma alternativa do direito autoral, que<br />
requer autorização prévia e expressa de obras<br />
intelectuais, surge o Projeto Creative Commons<br />
em 2011, criado por Lawrence Lessing, professor<br />
da Universidade de Stanford, nos Estados<br />
Unidos. Trata-se de uma entidade sem fins<br />
lucrativos para garantir maior flexibilização na<br />
utilização de obras protegidas por direitos autorais.<br />
O projeto é colaborativo e tem por finalidade<br />
expandir a quantidade de obras criativas<br />
disponíveis ao público, já autorizadas pelos<br />
autores para o uso respeitando os limites que<br />
o criador indica a cada obra, permitindo assim,<br />
criar outras obras sobre a original e compatilhá-<br />
-las.<br />
Trata-se do processo de licenciamento de<br />
obras, ou seja, autorização de uso, mas não há<br />
transferência de patrimônio como nos casos de<br />
cessão e concessão (a Lei de Direito Autoral,<br />
Lei n. 9.610/1998, trata de licenciamento no<br />
Artigo 49). Vale ressaltar que quem viola uma<br />
licença Creative Commons viola os direitos autorais.<br />
No Brasil, o projeto é coordenado pelo<br />
Centro de Tecnologia e Sociedade da Escola<br />
de Direito da Fundação Getúlio Vargas no Rio<br />
de Janeiro com apoio do Ministério da Cultura.<br />
Para Manuella Santos (2009, p. 140), na<br />
obra Direito autoral na era digital: impactos,<br />
controvérsias e possíveis soluções, “o Creative<br />
Commons oferece licenças que abrangem<br />
possibilidades entre a proibição total dos usos<br />
sobre uma obra (todos os direitos reservados)<br />
e o domínio público (nenhum direito reservado).<br />
Trata-se, pois, de um meio-termo (alguns<br />
direitos reservados). Assim, o autor que optar<br />
por alguma licença Creative Commons conserva<br />
seu direito autoral ao mesmo tempo em que<br />
permite certos usos de sua obra”.<br />
O projeto indica a possibilidade dos usos<br />
através de quatro tipos de licença que devem<br />
estar explícitas na exibição das obras através<br />
dos ícones a seguir:<br />
• Atribuição: O autor permite que outras<br />
pessoas copiem, distribuam e utilizem sua obra<br />
[54]<br />
contanto que seja dado crédito ao autor da criação<br />
original. Pode criar obras derivadas mesmo<br />
que para uso com fins comerciais. É a licença<br />
menos restritiva.<br />
• Uso não comercial: O autor permite que outras<br />
pessoas copiem, distribuam e utilizem sua<br />
obra e obras derivadas criadas a partir dela,<br />
mas somente para fins não comerciais.<br />
• Não a obras derivadas: O autor permite que<br />
outras pessoas copiem, distribuam e utilizem<br />
somente cópias exatas da sua obra, ou seja,<br />
não permite que sejam criadas obras derivadas<br />
a partir da sua.<br />
• Compartilhamento pela mesma licença: O<br />
autor pode permitir que outras pessoas distribuam<br />
obras derivadas somente com a mesma<br />
licença que sua obra possui. Convém ressaltar<br />
que a condição do compartilhamento pela<br />
mesma licença só se aplica a obras derivadas,<br />
o que implica dizer que uma licença não pode<br />
conter as opções Compartilhamento pela mesma<br />
licença e Não a obras derivadas.<br />
Mais informações podem ser encontradas no<br />
endereço . Pelo<br />
site é feito um contrato entre o titular do direito<br />
autoral e os que desejam utilizar a obra.
Sua fotografia merece esta ampliação<br />
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Fotografias: Gustavo Bettini<br />
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atendendo aos rigorosos requisitos<br />
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[55]
[56]<br />
ENSAIO
Photografo Ergo Sun<br />
Salvador, BA - Brasil | 2013<br />
O jogo de luz e sombra é um convite ao diálogo com o universo<br />
da mulher. A partir do contraste entre o olhar externo e o mirar-se<br />
a si mesma se desenha um corpo fragmentado que se expande e se<br />
contrai. Um corpo de afetos.<br />
Photografo Ergo Sum é um elogio à dúvida. Aponta mais para<br />
indagação e menos para respostas.<br />
Texto e fotos de Rafael Martins<br />
[57]
[58]
[59]
[60]
[61]
Foto_Síntese<br />
O Projeto Hiatos Urbanos (http://hiatosurbanos.<br />
wix.com/projeto) foi criado a partir de inquietações<br />
referentes aos espaços urbanos ociosos<br />
na cidade do Recife e da necessidade de estudar<br />
e conhecer cada um deles. Tomou-se então como<br />
primeira amostra destes espaços os baixios sob<br />
alguns dos viadutos espalhados pela cidade, registrados<br />
e mapeados através de recursos multimídia.<br />
Com esse primeiro material é possível ter uma<br />
amostra do alvo das nossas investigações e submetê-las<br />
à interação com o público em geral, ouvindo<br />
suas opiniões, experiências e sugestões sobre o<br />
projeto e sobre as ações que devem ou não ser tomadas<br />
para a melhoria de cada local. A ideia é que o site<br />
se torne uma ferramenta de interação entre profissionais<br />
de arquitetura e cidadãos interessados na construção<br />
de uma cidade melhor.<br />
Texto e foto: Diego Araújo<br />
[62]
[63]
Revelação caseira<br />
de filme fotográfico<br />
diapositivo chromo<br />
O universo fotográfico vem se expandido para o<br />
digital, mas existe um mundo inteiro que ainda<br />
vive de forma analógica e encara como algo<br />
mágico. Fotografar com filmes, revelar, aguardar<br />
cada imagem, fascina esses seres apaixonados<br />
pelo analógico. Mesmo com toda a escassez do<br />
material no território brasileiro, muitos acabaram<br />
adaptando e fazendo da sua casa seu próprio<br />
laboratório. É o caso do nosso aluno Rautemberg<br />
Nóbrega. Atualmente estudando no quarto módulo,<br />
ele é um apaixonado por esse mundo e resolveu<br />
relatar um pouco da experiência com revelação<br />
caseira tanto em P&B quanto em Chromo.<br />
[64]
Sempre fui entusiasta por filme fotográfico e<br />
câmeras analógicas manuais. Além de fotografar<br />
procuro ser o mais completo e envolvo as<br />
várias etapas da fotografia analógica desde sua<br />
revelação. No inicio dos meus estudos minha<br />
pretensão era aprender a revelar filmes 35mm<br />
negativo preto & branco. Com a dificuldade de<br />
encontrar lojas específicas para revelações e<br />
comprar materiais químicos, precisei tornar-me<br />
o próprio laboratorista. Tenho produzido reveladores<br />
energéticos, banhos interruptores ácidos,<br />
estabilizadores e outros. Não possuo nenhum<br />
estudo avançado no campo da química, mas<br />
tudo isso foi possível através de pesquisas em<br />
livros antigos de fotografia com suas receitas<br />
caseiras.<br />
Hoje, depois de inúmeras tentativas e erros<br />
de revelação preto & branco, posso afirmar que<br />
produzo uma revelação limpa e contrastante<br />
por meio de banhos interruptores precisos e<br />
longa fixação ressaltando a importância da<br />
lavagem para a remoção de resíduos. Isso não<br />
quer dizer que cheguei na perfeição da revelação<br />
de um filme negativo preto & branco, mas<br />
que posso transpor esses conhecimentos para<br />
revelar as cores de um filme cromo, diapositivo.<br />
Diferente dos químicos que produzem o<br />
revelador de filme preto & branco, os químicos<br />
ficha técnica:<br />
- Praia de Tamandaré<br />
- Filme 35mm<br />
Fuji Chrome Provia 100F<br />
- Nikkor 80-200mm<br />
para originar os reveladores de filmes cromo<br />
estão escassos e alguns deles com venda<br />
restrita no território nacional. Contornei essa<br />
dificuldade importando um kit de revelação<br />
cromo de 1 litro já vencido dos EUA. Esse kit<br />
acompanha garrafas com soluções de revelador,<br />
fixador e estabilizador. O rendimento esperado<br />
é de revelar 12 rolos de filmes 35mm ou<br />
120mm no período de até 6 meses. O processo<br />
de revelação do filme cromo é bem parecido<br />
com o preto & branco, após enrolar seu filme<br />
no quarto escuro e colocar no tanque de revelação,<br />
basta seguir as recomendações descritas<br />
no manual.<br />
Através de banho-maria, mantendo a temperatura<br />
da água em constantes 38ºC, é feito um<br />
banho inicial de 5 minutos para aquecer o tanque<br />
de revelação e as 3 soluções (First Developer,<br />
Color Developer e Bleach + Fix) diluídas<br />
em água. A quarta solução chamada de STAB<br />
também diluída em água deverá ser mantida<br />
na temperatura entre 20ºC e 25ºC. A agitação é<br />
[65]
[66]
constante nos primeiros 15 segundos e depois<br />
a cada 15 segundos em todas as etapas.<br />
Nota: A temperatura é algo primordial durante<br />
o processo. Qualquer diferença na temperatura<br />
trará resultados não satisfatórios.<br />
Tempos utilizados na revelação:<br />
• Primeiro revelador (First Developer): 6 minutos e 30 segundos.<br />
• Banho de interrupção: 2 minutos.<br />
• Revelador de cor (Color Developer): 6 minutos.<br />
• Banho de interrupção: 2 minutos.<br />
• Branqueador e Fixador (Bleach + Fix): 6 minutos.<br />
• Banho de interrupção: 4 minutos.<br />
• Estabilizador (STAB): 1 minuto.<br />
O resultado desta primeira tentativa vindo de<br />
uma solução química vencida e de todo processo<br />
ter sido feito em casa me surpreendeu. Acredito<br />
que com a compra de um kit de revelação<br />
cromo dentro da validade as cores fiquem mais<br />
marcantes com transparência e um contraste<br />
profundo sem manchas. Continuarei a pesquisa<br />
com os mesmos químicos em novas revelações<br />
com tempos e diluições diferentes... é assim<br />
com a fotografia analógica, tentar e tentar até<br />
chegar no resultado desejado. Sempre há algo<br />
para melhorar e, com esse propósito adoto o<br />
campo da fotografia analógica praticando esse<br />
assunto fascinante. Creio que desse rito é que<br />
surge a qualidade e a técnica do processo.<br />
Foto: Karina Rocha<br />
Meu nome é Rautemberg Nóbrega e estou<br />
no 4º módulo do Curso Superior de Tecnologia<br />
em Fotografia da Unicap. Busco investir meus<br />
esforços em carreira acadêmica e em projetos<br />
de fotografia autoral. Agradeço ao ensino dos<br />
professores, colaboração dos laboratoristas<br />
e do apoio imprescindível da coordenadora<br />
Renata Victor pela oportunidade de contribuir<br />
com a revista UnicaPhoto.<br />
[67]
Expedição Endurance<br />
a incrível viagem para a<br />
Antártida completa 100 anos<br />
Capitão Sir Ernest Shackleton<br />
“A fotografia documental tem o mérito de registrar um momento de<br />
tempo real que não mais se repetirá, e que será sempre lembrado,<br />
como é o caso da Expedição de Sir Ernest Shakleton à Antártida em<br />
1912, que foi extensivamente registrada pelo fotógrafo australiano<br />
Frank Hurley, e que ficou conhecida como uma das maiores aventuras<br />
do homem na luta pela sobrevivência no século XX”.<br />
Eduardo Masami Kitahara (2007, p. 127)<br />
Texto de Julianna Nascimento Torezani<br />
Fotógrafo Frank Hurley<br />
[68]
Viagem!<br />
Aventura!<br />
Desafio!<br />
Sobrevivência!<br />
Essas palavras ajudam a definir a viagem<br />
realizada no início do século XX da Europa<br />
para a Antártida. O capitão Sir Ernest Henry<br />
Shackleton (1874-1922) tinha por objetivo<br />
cruzar o continente antártico a pé e de trenó,<br />
além de desenvolver pesquisas no Pólo Sul,<br />
mas essa aventura resultou também em um<br />
marco na fotografia documental e ambiental.<br />
O plano era cruzar o Círculo Polar Antártico,<br />
atravessar o traiçoeiro Mar de Weddell e<br />
aportar na Baía de Vahsel, uma caminhada<br />
de 3300 quilômetros onde uma parte da tripulação<br />
desembarcaria para a travessia por terra<br />
até o Mar de Ross, para isso levou 69 cães<br />
canadenses treinados para puxar trenós. No<br />
entanto, essa viagem teve outra percurso.<br />
A viagem teve diversos financiadores sob<br />
a venda de todos os direitos sobre notícias e<br />
imagens da expedição, visto que esse tipo de<br />
fotografia teve grande apelo popular desde a<br />
expedição de Robert Falcon Scott, em 1902,<br />
no qual Shackleton também participou. Assim,<br />
Shackleton colocou no jornal um anúncio<br />
com o seguinte texto: “Procura-se homens<br />
para jornada perigosa, salário baixo, frio cortante,<br />
retorno seguro duvidoso”.<br />
A Expedição Transatlântica Imperial de<br />
Shackleton partiu no navio Endurance (uma<br />
embarcação de madeira preparada para enfrentar<br />
o gelo) de Londres em 1º de agosto de<br />
1914, dias antes do início da Primeira Grande<br />
Guerra. Mesmo com a guerra recebeu autorização<br />
de Winston Churchill para continuar a<br />
viagem. A equipe comandada pelo explorador<br />
irlandês Shackleton (que já tinha participado<br />
de duas expedições à Antártida) tinha 27<br />
pessoas, entre marinheiros, pesquisadores<br />
e o fotógrafo australiano Frank Hurley (1885-<br />
1962).<br />
Levou como equipamento fotográfico: câmeras<br />
Graflex; câmera de fole para negativos<br />
de vidro; Kodak’s de vários tamanhos, inclusive<br />
uma V. P. K. (Vest Pocket Kodak), número<br />
3 e 3A F.P.K.; filme N. C. da Kodak; chapas<br />
Austral Standard; chapas Austral Lantern<br />
para preparer diapositivos; lentes Cooke de<br />
foco e aberturas variáveis, inclusive a conhecida<br />
Portrait, de doze polegadas f/3.5; lente<br />
Ross Telecentric de dezesseis polegadas<br />
f/5.4.<br />
[69]
Em 7 de dezembro de 2014, a expedição<br />
chegou ao banco de gelo na Antártida, as<br />
banquisas. Shackleton resolveu esperar o<br />
inverno passar e o gelo derreter para seguir<br />
viagem, neste momento já registrava quase<br />
15 graus negativos.<br />
Neste período mantém toda tripulação<br />
ocupada em atividades de pesquisa (como<br />
a coleta de plâncton), cuidados com o navio<br />
ou atividade de lazer como ouvir gramofone,<br />
jogar xadrez e futebol.<br />
Em 27 de outubro de 1915, o Endurance é<br />
esmagado pelo gelo e a tripulação abandona<br />
o navio. Shakleton permite que cada tripulante<br />
recolha cerca de um quilo de pertences e<br />
monta um acampamento oceânico. O naufrágio<br />
completo do navio ocorreu em 21 de<br />
novembro de 1915.<br />
Hurley teve que abandonar o equipamento<br />
fotográfico mais pesado, das 500 fotografias<br />
feitas guardou 120 imagens e quebrou as<br />
demais placas de vidro. Shakleton temia que<br />
Hurley colocasse sua vida em risco, tentando<br />
recuperar as chapas posteriormente, por isso<br />
que as imagens foram quebradas. Para o<br />
resto da viagem, Hurley ficou com uma Kodak<br />
V. P. K. e 3 rolos de filmes.Os homens foram<br />
divididos em três botes pequenos e passaram<br />
sete dias no oceano Atlântico Sul até chegar<br />
a Ilha Elefant em 15 de abril de 1916. Desta<br />
forma, a tripulação passou 497 dias no gelo<br />
e no mar para chegar a Terra firme. O problema<br />
que a ilha estava fora da rota dos navios<br />
baleeiros, por isso em 24 de abril Shackleton<br />
resolveu seguir com cinco pessoas da tripulação<br />
no bote James Caird que tinha 6,6 metros<br />
de comprimento para tentar chegar à Ilha<br />
[70]
Georgia do Sul habitada por noruegueses,<br />
há 1300 quilômetros de distância. Durante a<br />
viagem no bote poderiam enfrentar ventos de<br />
130 km/h e ondas de até 20 metros.<br />
Após 17 dias no mar em condições precárias,<br />
enfrentaram um furacão até chegar a<br />
estação baleeira da Ilha Georgia do Sul em<br />
10 de maio de 1916. Lá desembarcam no<br />
lado contrário da estação, não tiveram como<br />
seguir navegando porque o bote estava muito<br />
avariado. Sheckleton com dois homens atravessaram<br />
a pé as geleiras no interior da ilha,<br />
um percurso de 37 quilômetros, onde tiveram<br />
que escalar montanhas, glaciais e picos nevados,<br />
até alcançar a Vila Stromness após 36<br />
horas de caminhada. Foram resgatados por<br />
um navio, que deu uma volta na ilha e resgataram<br />
os demais tripulantes do outro lado. No<br />
entanto, ainda faltavam buscar os integrantes<br />
da expedição na Ilha Elephant, por conta da<br />
guerra a Inglaterra não tinha navio para o resgate,<br />
assim Shackleton teve que buscar apoio<br />
na Argentina, Uruguai e Chile para encontrar<br />
uma embarcação que suportasse a viagem<br />
de volta.<br />
Shackleton só conseguiu chegar à Ilha<br />
Elefant apenas na terceira tentativa. Dentro<br />
do navio, ainda no mar ele contou quantas<br />
pessoas estavam na ilha e observou que todos<br />
estavam vivos. O resgate ocorreu em 30<br />
de agosto de 1916 pelo navio chileno Yelcho,<br />
comandado por Luis Pardo Villalón. Todos retornaram<br />
à Inglaterra. Shackleton foi recebido<br />
como um herói pois lutou pela sobrevivência<br />
de todos da equipe da sua expedição. Em<br />
1922, Shackleton voltou para a quarta experdição<br />
à Antártida, ao chegar na Ilha Geórgia<br />
do Sul sofreu um ataque cardíaco e faleceu<br />
aos 47 anos, foi sepultado na própria ilha.<br />
Essa emocionante história de sobrevivência<br />
foi contada no documentário A Lendária<br />
Expedição Antártica de Shackleton dirigido<br />
por George Butler, em 2001. É até hoje considerada<br />
uma das grandes aventuras de todos<br />
os tempos.<br />
Referências:<br />
KITAHARA, Eduardo Masami. O uso da<br />
fotografia e da imagem digital em pesquisas<br />
oceanográficas: novos rumos proporcionados<br />
pela evolução do processo<br />
digital. In: Conexão – <strong>Revista</strong> de Comunicação<br />
e Cultura da Universidade de Caxias do<br />
Sul, UCS. Caixas do Sul, v. 6, n. 12, jul./dez.<br />
2007.<br />
Dicas de livros:<br />
ALEXANDER, Caroline. Endurance. São<br />
Paulo: Companhia das Letras, 1999.<br />
LANSING, Alfred. A incrível viagem de<br />
Shackleton. Rio de Janeiro: Sextante, 2009.<br />
[71]
[72]<br />
ENSAIO
Quem é você nas cores?<br />
Cada um de nós somos formados por cores, somos representados<br />
por uma ou várias delas. Essa é a tradução de nossa essência e é<br />
justamente a essência a protagonista dos ensaios do projeto “Você<br />
nas cores”, de Suann Medeiros, jornalista formada, estudante de<br />
fotografia e, acima de tudo, uma pessoa que usa suas cores para<br />
colorir o mundo de todos ao seu redor: uma apaixonada.<br />
O projeto vem da vontade da autora de evidenciar as nossas<br />
cores interiores, em composições que são mistos de cenário<br />
original, olhar poético e técnico e principalmente, a beleza única<br />
de quem está sendo fotografado. Além disso, a pessoa fotografada<br />
também é entrevistada e instigada a refletir sobre o papel das cores<br />
em sua vida.<br />
[73]
[74]
[75]
[76]
[77]
O FOTÓGRAFO, A FOTOGRAFIA<br />
E A HISTÓRIA<br />
Texto de Angela Grangeiro<br />
Fotografia e restauração (segunda imagem): José Nunes<br />
Formar um fotógrafo demanda mais que ensinar a técnica<br />
do manuseio da câmera, da utilização do flash, do conhecimento<br />
das regras básicas de enquadramento e aproveitamento da<br />
luz. O curso de fotografia estimula o fotógrafo a compreender,<br />
através da história, como a fotografia vem mudando conceitos<br />
e se estabelecendo como uma arte, que como qualquer outra,<br />
exige cada vez mais o aperfeiçoamento dos seus adeptos.<br />
Sob essa perspectiva, vem sendo agregada, ao fotógrafo<br />
contemporâneo, mais uma competência: a recuperação da fotografia,<br />
que para ser bem desempenhada, exige grande conhecimento,<br />
não apenas da técnica, mas da história e principalmente<br />
do domínio do software atualmente utilizado para o exercício<br />
dessa atividade.<br />
Quando se recupera uma fotografia se garante que a história<br />
de uma família, uma cidade, um país, da humanidade, seja<br />
resgatada e preservada. Nessa matéria conheceremos um pouco<br />
sobre um processo fotográfico muito utilizado em meados dos<br />
século XIX, a ferrotipia.<br />
Ferrotipia (em inglês, tintype ou ferrotype), consiste em uma<br />
fotografia feita sobre uma chapa fina de metal revestida de colódio<br />
úmido (uma substância formada por álcool, éter, algodão<br />
e pólvora permitia que a foto ficasse pronta em 30 segundos) e<br />
banhada em sal de prata. Datada da década de 1850, mais de<br />
160 anos atrás. O processo surgiu como alternativa mais barata<br />
em relação à daguerreotipia, firmando-se nas duas décadas<br />
seguintes especialmente entre fotógrafos itinerantes. Esse foi<br />
o método usado nos registros de Mathew B. Brady na Guerra<br />
Civil Americana.<br />
Marie Loup Sougez na obra História da Fotografia (2001,<br />
p. 110) afirma que “o ferrótipo era muito econômico e tinha a<br />
vantagem de poder enviar-se pelo correio, sem risco de partir:<br />
foi o meio ideal para os retratos dos pioneiros do Oeste, ou dos<br />
[78]
pesquisadores de ouro que podiam, assim, mandar<br />
o seu retrato ou receber o de uma pessoa querida.<br />
Essa matéria é ilustrada pelo ferrótipo de Fiel<br />
Grangeiro, nascido em 1844 em Catolé do Rocha.<br />
Formou-se na Faculdade de Direito do Recife e<br />
estabeleceu residência em Palmares, onde adquiriu<br />
dois engenhos e constituiu família. Faleceu em<br />
1897, aos 53 anos, deixando quatro filhos, sendo<br />
um deles o meu avô. A família doou os seus livros<br />
à Biblioteca Pública de Palmares.<br />
O processo de desgaste do ferrótipo, em questão,<br />
ainda não foi estabilizado, sabemos que não poderemos<br />
reverter o dano causado pelo tempo e mau<br />
acondicionamento, porém como já citado anteriormente,<br />
é possível recuperar a informação.<br />
José Nunes, fotojornalista e aluno do Curso de<br />
Fotografia da UNICAP, após fotografar o ferrótipo,<br />
tratou-o no Photoshop, recuperando não apenas as<br />
características físicas do personagem assim como<br />
a indumentária e a tendência da época, pois no<br />
século XIX, quando foi feito, era habitual posar<br />
em estúdios com cenários devidamente construídos<br />
para esse fim. Graças a esse trabalho, o registro<br />
não apenas foi perpetuado, mas também compartilhado,<br />
agora a imagem virou informação, que<br />
pode ser disponibilizada na internet e acessada<br />
por qualquer pessoa ou entidade interessadas no<br />
assunto.<br />
Assim desde 1826, data atribuída a primeira<br />
fotografia conhecida, até os dias atuais, a fotografia<br />
vem se consolidando como um efetivo meio de<br />
perpetuação e disseminação da história da humanidade.<br />
Fontes:<br />
SALLABERRY, Diogo. App TinType simula processo fotográfico de ferrotipia, mas sem a<br />
magia analógica. Disponível em: . Acesso em:<br />
03/08/2016 às 10:51<br />
SOUGEZ, Marie-Loup. História da Fotografia. Lisboa: Dinalivro, 2001.<br />
[79]
F O T O G R A F I A :<br />
MÁQUINA DO TEMPO<br />
Texto de Julianna Nascimento Torezani<br />
A imagem fotográfica como elemento do<br />
processo cultural, estético, técnico e ideológico<br />
é o tema da obra Os tempos da fotografia: o<br />
efêmero e o perpétuo de Boris Kossoy. Neste<br />
livro o autor também apresenta pesquisas sobre<br />
fotógrafos do passado e a censura na imprensa<br />
brasileira no século XX. Como o título indica<br />
os tempos da fotografia, Kossoy apresenta o<br />
tempo da criação como a primeira realidade, ato<br />
de registro e momento efêmero e o tempo da<br />
representação como a segunda realidade, foto<br />
documental, momento perpétuo.<br />
A primeira parte da obra trata da “Teoria<br />
e metodologia: conceitos, proposições,<br />
abordagens”, nesta são apresentadas as fases de<br />
construção e desmontagem da fotografia. O autor<br />
expõe uma importante lista de autores e obras<br />
que serviram como referencial teórico de suas<br />
pesquisas, etapa extremamente importante no<br />
desenvolvimento de uma investigação, ou seja, a<br />
revisão de literatura sobre o tema que se deseja<br />
analisar. Kossoy apresenta as ideias de Erwin<br />
Panofsky que elabora três fases de investigação<br />
de imagens: descrição pré-iconográfica da cena,<br />
os elementos visíveis; análise iconográfica, para<br />
identificação de tais elementos; interpretação<br />
iconológica para buscar significados e sentidos<br />
a cada imagem criada. Após essa explanação,<br />
o autor indica o estudo da codificação formal<br />
(captura de luz, equipamentos, produção e pósprodução)<br />
e da codificação cultural (elementos<br />
explícitos e implícitos) das cenas são essências<br />
para encontrar os significados destas. A partir<br />
de tais elementos pode chegar a estética de<br />
representação das fotografias, já que “toda<br />
fotografia tem atrás de si uma história” (KOSSOY,<br />
2007, p. 52).<br />
“Imprensa e história” é o título que abre a<br />
segunda parte do livro, inicialmente Kossoy conta<br />
a trajetória de vida da fotógrafa suíça Hildegard<br />
Rosenthal que deixou a Alemanha nos anos 30<br />
por conta do seu futuro marido Walter Rosenthal<br />
ser judeu. No Brasil, registrou a cidade de São<br />
Paulo como metrópole durante o Estado Novo<br />
trabalhando para a agência Press Information.<br />
Durante dez anos (entre final da década de<br />
[80]<br />
1930 e final da década de 1940) Rosenthal criou<br />
imagens utilizando fotomontagens e foi pioneira<br />
no fotojornalismo brasileiro. Kossoy também<br />
relata como era a imprensa na Era Vargas, tendo<br />
o jornal O Estado de São Paulo, no período<br />
de 1933 a 1938, publicações antissemitas e<br />
anticomunistas, na maioria das vezes eram<br />
textos sem imagens, caracterizando um imprensa<br />
controlada, o que ocorre também a partir do<br />
Golpe de 1964 com a instauração da ditadura<br />
militar no país.<br />
Na terceira parte do livro chamada de<br />
“Imaginário e memória”, o autor afirma que<br />
fotografia é memória, é o assunto retirado do seu<br />
contexto de criação, que há a memória coletiva<br />
nacional (documentação fotográfica oficial) e a<br />
memória individual (retratos e álbuns de família).<br />
Volta a tratar do tempo da criação e o tempo<br />
da representação, lembrando que este segundo<br />
é perpétuo se as imagens forem preservadas.<br />
Segundo Kossoy (2007, p. 147), “através da<br />
fotografia dialogamos com o passado”. E, ainda, a<br />
questão do tratamento digital de cena, chamando<br />
de reciclagem das imagens. Como máquina do<br />
tempo, a imagem preservada é o ‘frigorífico’ da<br />
memória, através principalmente dos bancos<br />
informatizados, que pela pesquisa fazendo a<br />
leitura dos diálogos e dos silêncios, o aparente e<br />
o oculto se relacionam.<br />
Por fim, o autor indica que sem a<br />
fotografia o século XIX seria outro. O mundo<br />
portátil e ilustrado trouxe uma referência<br />
mental ao indivíduo acerca do mundo real,<br />
assim conhecemos o mundo também pelas<br />
representações que são feitas dele. A imagem<br />
como o ‘ópio da imaginação’. Assim, as imagens<br />
são “espelhos que guardam memórias” (KOSSOY,<br />
2007, p. 163).
Confira outras dicas de livros, filmes<br />
e sites dos professores do curso de<br />
Fotografia da Unicap<br />
A<br />
A Lendária Expedição<br />
Antártica de<br />
Shackleton.<br />
Diretor: George Butler,<br />
2001.<br />
Os tempos da fotografia:<br />
o efêmero e o perpétuo.<br />
Boris Kossoy, 2007.<br />
Portal Photos<br />
B<br />
A história da<br />
eternidade.<br />
Diretor: Camilo<br />
Cavalcante, 2015.<br />
A ilusão especular: uma<br />
teoria da fotografia.<br />
Arlindo Machado, 2015.<br />
Icônica<br />
C<br />
Grande Hotel<br />
Budapeste.<br />
Diretor: Wes Anderson,<br />
2014.<br />
Índia.<br />
Steve McCurry, 2015.<br />
Hypeness<br />
D<br />
Mia madre.<br />
Diretor: Nanni Moretti,<br />
2015.<br />
Os gestos.<br />
Osman Lins, 1957.<br />
Porto das Letras<br />
E<br />
A Insustentável<br />
Leveza do Ser.<br />
Diretor: Philip Kaufman,<br />
1988.<br />
Pensamento crítico em<br />
fotografia: Antologia<br />
Brasil, 1890-1930.<br />
Ricardo Mendes, 2013.<br />
Marketing para<br />
fotográfos<br />
Dicas de:<br />
A - Julianna Torezani<br />
B - Sofia Queiroga (aluna do curso)<br />
C - Marcela Freire (aluna do curso)<br />
D - Robson Teles Gomes<br />
E - Carolina Monteiro<br />
[81]