29 BIENAL DE SÃO PAULO - Instituto Moreira Salles - Uol

29 A BIENAL DE SÃO PAULO

INSTITUTO MOREIRA SALLES

Fundação Bienal
Ministério da Cultura
Longe do circuito de museus e centros culturais europeus e
norte-americanos, cabe ainda hoje à Bienal de São Paulo a
missão de irradiar por todo o Brasil, e mesmo pela América
Latina, o melhor da produção artística atual, a ponta mais
avançada da expressão e da sensibilidade do nosso tempo.
Nesse sentido, a Bienal de São Paulo, consciente do seu
compromisso de oferecer subsídios estéticos, essenciais
para a formação espiritual de uma nação, afirma-se como
uma instituição eminentemente educativa.
Apoiada numa respeitável tradição do nosso país que
ela própria ajudou a desenvolver e em rede com instituições
culturais, escolas públicas e privadas, ONGs, associações
de bairro e organizações comunitárias, a Fundação Bienal
de São Paulo encampa a educação da arte e pela arte – seja
pelo contato direto com as obras expostas, seja pelo uso de
mídias variadas, da impressa à digital, transmitindo os insumos
artísticos sob forma dinâmica, atraente e instigante.
A proposta curatorial de tomar a relação entre arte e
política como o cerne desta 29ª Bienal de São Paulo faz
com que a preocupação assinalada ganhe proporção ainda
maior. No intuito de incentivar a relação dos visitantes com
as obras de arte e entre si, criará espaços de convívio e de
reflexão. Do mesmo modo, o site da Fundação Bienal de
São Paulo foi projetado para ser não apenas um difusor de
informações, mas um catalisador de discussões, um lugar
aberto à interação do público.
O recém-criado São Paulo Polo de Arte Contemporânea
é mais um resultado do empenho da Fundação Bienal em
estimular a formação de redes entre as diversas associações
ligadas à arte e à cultura em São Paulo. No mesmo
espírito, o Projeto Educativo da 29ª Bienal congrega agora
22 instituições culturais da cidade em torno de seu programa
de formação de educadores. A presente publicação
vem contribuir para divulgar o perfil de cada uma dessas
instituições parceiras, bem como as ações que desenvolvem
para promover o ensino e a difusão da arte.
Heitor Martins
Presidente da Fundação Bienal de São Paulo
“Isso é arte?” é uma pergunta que já deve ter passado,
alguma vez, pela cabeça de alguém ao estar diante de uma
obra que não corresponde às suas expectativas sobre o
que deseja presenciar como arte. Arte, e principalmente
arte contemporânea, não é assunto simples de ser tratado
depois de Marcel Duchamp nos ter legado a falsa sensação
de que tudo pode ser arte, ou de Joseph Beuys ter afirmado
que todos podem ser artistas.
As experiências com as várias expressões artísticas,
principalmente com as artes visuais contemporâneas,
tornam-se essenciais para indicar possibilidades de novas
visões e oportunidades de comunicação e percepção.
Determinada pelo contexto histórico-social, a obra de arte
inspira modos de vida, olhares, sentimentos que se fixam
nos canais de seu diálogo com o espectador.
Já a percepção envolta pela vivência cultural de cada
um pode liberar sensações de pertencimento e identidade,
além de resgatar tradições que poderiam estar esquecidas
ou ignoradas. Tais impressões podem minimizar a diluição
cultural, estimular diferenciações que delimitam territórios
específicos de cada sociedade e transformar as culturas
globalizadas em manifestações heterogêneas.
As instituições culturais e educacionais, somadas às
ações da Funarte e do Ministério da Cultura, têm papel
importante na convocação de todos para a empreitada social
e política da educação e da arte no país. Ao provocarem o
estar/ficar em locais projetados para a convivência, essas
instituições convidam o público a compartilhar histórias,
dividir o tempo e o espaço em relações sociais que reforçam
seu sentimento de inserção perante tudo o que emana das
expressões e viveres constituídos histórica e socialmente.
Juca Ferreira
Ministro da Cultura
Sérgio Mamberti
Presidente da Funarte
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Patrocinador do Projeto Educativo
Entre movimentos
O contato com a arte transforma o ser humano. Por isso, a
Votorantim apóia e investe em projetos culturais comprometidos
em tornar esta experiência acessível ao maior
número de pessoas. E isso não requer apenas ampliar as
oportunidades de contato da população com a obra de
arte, mas toda uma estratégia de mediação que permita a
sua melhor fruição.
É isso o que encontramos no Projeto Educativo da
29º Bienal de São Paulo. Além da quebra de barreiras econômicas
e sociais para permitir aos diversos segmentos da
sociedade acessarem o espaço da exposição, há a realização
de ações consistentes e contínuas junto a professores,
estudantes, novos visitantes e toda a comunidade interessada,
para proporcionar a melhor experiência estética. Com
o apoio a este Projeto, esperamos que um número cada vez
maior de pessoas possa descobrir no contato com a arte
novos significados e sentidos para suas vidas. Desejamos a
todos uma boa experiência!
Instituto Votorantim
O trabalho educativo da 29a Bienal foi concebido para se
desenvolver em equipe numa rede de colaborações. A partir
da troca de ideias e experiências – entre profissionais de
instituições culturais e educativas, bem como de ONGs e
comunidades –, criam-se diálogos e debates mobilizadores
em torno das relações entre arte e política. São essas
reflexões que alimentam o Projeto Educativo desta edição
e estão na base da formação oferecida aos educadores que
atenderão o público durante a mostra.
A educação, assim como a arte, possui uma dimensão
política. Tem a capacidade de estimular outras maneiras de
compreender e se relacionar com o mundo. É nesse sentido
que o educador pode atuar como provocador, encorajando as
pessoas a se aventurar por caminhos desconhecidos, já que,
no contato com a arte, muitas vezes é necessário despojar-se
de certezas para abrir espaço a novas leituras e vivências.
Os estudantes que receberão o público durante a
exposição assumem o papel de educadores na medida em
que participam de uma formação constante e mantêm um
espírito investigador, combinado a uma postura flexível,
onde não existem verdades absolutas. Acreditamos no
educador que dialoga e orienta, desarma mas informa,
acolhe mas também provoca, num território onde perguntas
são mais frequentes que respostas. A ideia é favorecer a
conversa entre os visitantes e as obras, incentivando-os a
acreditar em suas próprias percepções e buscando incitar
experiências instigantes e significativas.
Foi pensando na diversidade dos públicos e das possibilidades
de aproximação com a arte que elaboramos a formação
em parceria com 22 instituições culturais de São Paulo
[veja a lista completa na contracapa]. Ao longo do curso,
os alunos entrarão em contato com essas instituições, seus
modos de trabalho e concepções sobre o papel do educador.
Poderão compartilhar suas experiências e especificidades,
como o atendimento a diferentes públicos, as ações poéticas
e ateliês práticos, os cursos para professores etc.
Queremos proporcionar aos participantes diferentes
maneiras de perceber o mundo e a arte, bem como a ação
educativa. A formação é oferecida a quinhentos estudantes
de áreas como artes visuais, arquitetura, história e filosofia,
dos quais trezentos serão contratados para atuar na 29ª
Bienal. Agradecemos as instituições que generosamente
abriram espaço para nos receber e conosco compartilharam
seu trabalho. Acreditamos que este seja o inicio de um longo
caminho de parcerias e colaborações.
Stela Barbieri
Curadora Educacional da 29ª Bienal de São Paulo
Agnaldo Farias e Moacir dos Anjos
Curadores da 29ª Bienal de São Paulo
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Instituto Moreira Salles – IMS
Introdução
Educativo IMS
O Instituto Moreira Salles (IMS) é uma associação civil sem
fins lucrativos que tem por finalidade exclusiva a promoção e
o desenvolvimento de programas culturais. Seu acervo reúne
mais de 550 mil fotografias, 100 mil músicas (25 mil gravações
digitalizadas), uma biblioteca com 500 mil títulos (mais de 80
mil catalogados) e uma pinacoteca com mais de 3 mil obras.
Entre as coleções, mantidas por meio das mais modernas
técnicas de restauração e conservação, destacam-se: na
área de fotografia, as de Marc Ferrez, Marcel Gautherot, José
Medeiros, Hildegard Rosenthal, Otto Stupakoff e Hans Gunter
Flieg; na área de música, as de José Ramos Tinhorão, Humberto
Franceschi e Pixinguinha; e na de literatura, Decio de
Almeida Prado, Ana Cristina Cesar, Mário Quintana, Rachel de
Queiroz, Otto Lara Resende, Paulo Autran, Clarice Lispector,
Erico Verissimo e Lygia Fagundes Telles. Na área editorial,
além de livros e catálogos de arte, o IMS publica a série
Cadernos de iteratura brasileira e a revista de ensaios serrote.
O IMS possui três centros culturais localizados no Rio de
Janeiro, São Paulo e Poços de Caldas, onde promove exposições,
palestras, apresentações musicais, ciclos de cinema,
cursos e ações educativas, além de três galerias de arte dispostas
no Rio de Janeiro (Cinema Artplex), São Paulo e Curitiba.
Os projetos oferecidos pelo EducAtivo do Instituto Moreira
Salles possuem duas vertentes principais: as visitas de
escolas e outros grupos, e os projetos especiais. No primeiro
caso, as visitas podem ter formatos variados, de acordo com
o perfil e a faixa etária do público, contemplando exposições
em geral ou assumindo um recorte e roteiro específicos. Nas
visitas escolares, também é possível realizar um trabalho em
conjunto com o professor, que é então convidado a conhecer
o espaço antes de trazer seus alunos. Já os projetos especiais
são trabalhos contínuos desenvolvidos com escolas
parceiras. A partir de um planejamento feito com o professor
a fim de determinar como as artes visuais podem se relacionar
com os conteúdos trabalhados em sala de aula, os alunos
participam, durante todo o ano, de encontros mensais no
IMS e em outros espaços da cidade, como parques, a própria
escola ou mesmo outras instituições culturais.
Durante as visitas, o público participa de uma série
de atividades que visam estimular a interação e o conhecimento
sobre os espaços e acervos do IMS, ampliar sua
capacidade de observação crítica e fazê-lo ir além do
papel de mero espectador para se tornar agente atuante,
através de exercícios lúdicos e/ou criativos. Essas atividades
valorizam a participação do visitante, cujas falas são
usadas como “ganchos” para a abordagem dos conteúdos
específicos da exposição. Isso ajuda o público a encontrar,
nas obras, significados que eventualmente tenham conexão
com o seu mundo e suas vivências. Promover experimentações
com os trabalhos amplia as possibilidades de interação
com os visitantes e transforma o momento de apreciação
das obras em um ato de investigação.
O foco das ações do EducAtivo do IMS é estimular o
público a se relacionar de modo autônomo com os trabalhos
de arte, a fim de desenvolver um pensamento reflexivo
sobre eles, enxergando as exposições como um espaço que
lhes permite viver experiências enriquecedoras, capazes de
ampliar seus conhecimentos e depurar sua sensibilidade.
Para que isso aconteça, os profissionais desenvolvem diversas
pesquisas a partir de seus próprios interesses e também
dos professores, que se tornam nossos colaboradores, bem
como das demandas da instituição. Esses estudos geram
debates que se refletem na prática educativa e a enriquecem.
Muita conversa, reflexão e diferentes experiências
resultaram no texto a seguir, com o qual acreditamos fornecer
elementos para a discussão sobre ações educativas,
trazendo, em negrito, palavras e expressões consideradas
“chave” para essa atividade.
Visitante utilizando a lupa para investigar também o espaço expositivo, 2008
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
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Algumas considerações sobre
a prática educativa em exposições
Em uma exposição, mais do que estar entre a obra de arte
e o público, o educador deve estar com a obra de arte e
o público. Afinal, o educador não é um transformador de
linguagens, um tradutor de imagens cuja função seria
explicar as obras aos visitantes, mas alguém que pode
estimular uma possível experiência 1 a partir do contato do
visitante com a obra. A diferença das preposições “entre”
e “com” está no lugar que cada uma designa ao educador.
Quando o imaginamos entre a obra e o visitante, pensamos
num caminho de mão única em que o relacionamento
do público com a obra é necessariamente mediado pelo
educador. Mas quando o vemos como um terceiro elemento
dessa relação, os caminhos se multiplicam e os movimentos
ocorrem em variados sentidos e direções. É como se esse
relacionamento se estabelecesse num formato de rede,
cujas conexões partem de todos os envolvidos.
A possibilidade de o visitante ter ou não uma experiência
com uma obra depende de muitos fatores que nem
sempre o educador pode controlar ou atingir por meio
de suas ações. São questões extremamente pessoais
ou fortuitas: o gosto individual, o humor do momento, a
vontade de estar naquele lugar naquela hora... Além disso,
o educador não pode fazer com que o visitante tenha uma
experiência. Ele só pode tentar propiciar essa experiência,
criar uma atmosfera estimulante para que ela aconteça, se
não naquele instante, em outro momento.
Cada pessoa se relaciona de um modo diferente
com uma obra ou exposição, pois cada um é afetado de
maneira distinta, de acordo com os seus conhecimentos,
referências, personalidade e história de vida. As propostas
do educador são determinantes, porque ajudam o visitante
a construir pontes entre aquilo que ele está vendo (a obra)
e suas referências pessoais, e podem também ensejar
experiências para o próprio educador, já que este lida com
as múltiplas percepções, reflexões e abordagens do público,
as quais são capazes de despertar nele novos sentimentos
em relação a uma obra ou mesmo modificar suas concepções
sobre ela. Por isso, é importante que o educador tenha
uma formação sólida e contínua, já que ele precisa estar
atualizado e sintonizado com o público para estabelecer
amarrações em diferentes contextos sobre o conteúdo
exposto. Isso permitirá que a visita seja não apenas informativa
e discursiva, como um texto pronto a ser reproduzido,
mas aberta e reflexiva.
Uma visita é um ato criativo do educador, e o ideal é
que ela possa ser um ato criativo também para o visitante.
Criar espaços e situações para a interação do público com
a obra permite que haja autonomia nessa relação e deve
ser parte daquilo que se busca em uma visita educativa.
Demonstrar ao visitante que ele pode ser autônomo é
ampliar suas perspectivas de vivência em exposições. É
diferente ver um trabalho com e sem um educador, e se o
visitante perceber essa diferença e se der conta de que o
educador e suas propostas não são imprescindíveis para
que ele se relacione com os objetos expostos, talvez retorne
a essa ou outras exposições com um novo olhar sobre o seu
próprio papel enquanto espectador. Ao escutar e valorizar
a fala do visitante, o educador o estimula a se aproximar
da obra por si só, sem que tenha de ser conduzido por ele.
Além disso, abrem-se novos horizontes para o educador
durante a visita, que podem representar uma resposta a
essa ação compartilhada entre ele, o público e a obra.
É necessário planejar as visitas, levando em consideração
o perfil do grupo e suas expectativas, assim como os
objetivos do educador. Mas é importante também encaminhá-las
de acordo com os interesses e o envolvimento
de ambos, percebidos no ato da visita, o que conferirá
organicidade ao encontro. Em outras palavras, é interessante
desenvolver uma estrutura-base para as visitas,
mas somente uma postura flexível permitirá atender às
especificidades de cada grupo. Para a criação de propostas
educativas, é importante pensar sobre o que seria desafiador
o suficiente para instigar a curiosidade dos visitantes e
sua vontade de investigar o objeto observado. Apreciar uma
exposição, um conjunto de obras ou apenas um trabalho
é ativar, aguçar e ampliar nossos repertórios. Entender,
estimular, nomear, compartilhar e estabelecer múltiplas
relações são algumas das diversas formas de interagir
com o espaço expositivo e com as obras nele presentes. É
possível realizar atividades orais, com exercícios de leitura;
lúdicas, com jogos e brincadeiras; ou atividades criativas,
de construção poética. O importante é que a atividade seja
sempre uma proposição e que não traga respostas prontas,
mas permita que elas sejam construídas em conjunto ao
longo do processo, para fazer com que o grupo as perceba
como múltiplas e não únicas.
A reflexão e a investigação propostas aos visitantes são
também essenciais à prática do educador, seja em seu contato
com as obras, seja ao desenvolver atividades e ferramentas
para interagir com o público. Alguns questionamentos,
como os sugeridos a seguir, podem ser úteis nesse momento,
mas cada educador possui suas próprias inquietações e
interesses, que enriquecem e norteiam seu modo de trabalhar,
e é importante que ele tenha em vista esses aspectos
para a formulação de questões que sejam relevantes para si e
que dialoguem com suas ações e intenções.
Em encontro para professores,
atividade de desenho de observação
da paisagem feita em acetato
através da janela do ônibus, 2008
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
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Grupo de alunos usa lupa como ferramenta de observação das fotografias, 2008
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
Grupo observa a exposição utilizando visores, 2009
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
Tópicos para reflexão
Abaixo são propostos alguns tópicos para reflexão,
seguidos não por respostas, mas por comentários que
podem ajudar a desenvolvê-los.
Que ações podem favorecer o acontecimento de uma
experiência?
Não é só com uma obra de arte ou dentro de uma exposição
que é possível ter uma experiência. Ela pode acontecer em
qualquer lugar e em qualquer situação: ao saborearmos
uma sobremesa, ao observarmos pombos em uma praça, ao
caminharmos pela rua. Só é preciso estar aberto, disposto
a ser afetado pelas coisas. No caso das exposições, elas já
possuem um tempo e um espaço protegidos do dia a dia,
do caos e da correria das cidades. Mas como não é possível
isolar-se completamente de tudo, pois nem sempre se
consegue desligar do que é deixado de fora da exposição
(tampouco é interessante que isso ocorra, pois tudo serve
de material para as interlocuções entre o público e a obra), o
educador deve estruturar o encontro de modo a permitir que
o visitante usufrua dessa suspensão, e não só para que ele
experiencie “as duas horas de visita que pareceram trinta
minutos” ou “vista casaco em pleno verão porque no museu
faz 17° C”, mas também para que possa estar em contato
direto com as obras e experimentando os tempos e espaços
que cada uma constrói.
De que maneira posso tornar o contato com esta obra
significativo? O que nesta obra pode ser desafiador para
o grupo que vou atender? Que assuntos podem estar
relacionados a esse trabalho? Que recursos e/ou ferramentas
posso utilizar para instigar o interesse por esta obra?
Tornar uma obra de arte significativa para um espectador
é fazer com que ela ative sua memória e desperte sua imaginação.
Algumas vezes, apenas sua forma já é o bastante
para causar uma impressão profunda. Para uma pessoa
de idade, por exemplo, ela pode ser marcante por remeter
à sua infância, e para uma criança, por lhe parecer assustadora.
Pensar sobre o que as leva a ter essas percepções
potencializa seus significados. Além daqueles que amam ou
odeiam uma obra à primeira vista, há quem só se envolva
com ela por meio de um “detonador” de interesse, algo que
desperte a sua atenção.
A dinâmica da visita pode influenciar muito nesse
sentido. Como já mencionado, ela deve estar adequada ao
perfil do grupo para que as propostas sejam coerentes e os
objetivos possam ser alcançados. Mas para que se torne
significativa, ela precisa provocar um deslocamento no
visitante, ou seja, precisa mexer com suas concepções, tirálo
do lugar-comum. Trazer algo realmente desafiador para o
grupo pode ajudar a mantê-lo interessado na proposta, mas
não deve ser algo nem tão difícil que provoque desistência,
nem tão fácil que desestimule a participação.
A própria obra pode dar dicas de conteúdos potenciais,
e ao pensá-los de forma expandida, podemos articulá-los
com os mais diversos contextos, encontrando muitas vezes
excelentes recursos e ferramentas para a desejada interação
com o visitante. Frutas podem ajudar a discutir as formas de
uma escultura, um barbante pode auxiliar na percepção das
distâncias, fotos podem servir para explicar um processo de
composição, entre outras infinitas possibilidades.
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De que maneiras podemos nos relacionar com um objeto
artístico em uma exposição?
Em primeiro lugar, o próprio objeto e sua forma determinam
como podemos nos relacionar com ele. O espaço onde é
exposto também influencia, por conta da configuração da
montagem e pelos elementos de segurança utilizados, como
faixas e vitrines. Porém, durante uma visita, podemos propor
outros tipos de dinâmica que vão além da apreciação de uma
obra. Quando propomos a montagem de um quebra-cabeça
com a reprodução de uma pintura, por exemplo, estamos trazendo
um novo significado para a experiência que o visitante
tem com essa imagem, porque lhe damos a possibilidade de
sair do lugar do espectador e de reconstruir a obra ele próprio.
O mesmo acontece quando pedimos que os visitantes imitem a
posição dos personagens de uma foto, ou pensem numa nova
configuração para uma instalação, ou ainda escrevam sobre
uma performance a que acabaram de assistir.
O caminho a ser percorrido pelo grupo na exposição já
é em si uma estratégia de trabalho, pois permite estabelecer
um novo recorte, criando diferentes conexões entre os
trabalhos que serão vistos, algumas das quais podendo ir
além daquelas concebidas pela curadoria. Um possível desdobramento
é imaginar um mesmo objeto em outro local,
diferente da mostra, e perguntar aos visitantes para onde
o deslocariam, por que e para quê, discutindo em seguida
como isso alteraria sua relação com a obra.
Exercícios de leitura
Como mais uma proposta de reflexão sobre o trabalho do
educador, seguem sugestões de exercício de leitura sobre
duas fotografias pertencentes ao acervo do Instituto Moreira
Salles, ambas da artista Maureen Bisilliat. Após analisar
cada uma, a ideia é que você pense em como desenvolveria
essa proposta, levando em conta as suas próprias referências
pessoais e profissionais: O que seria relevante para
você? Você partiria de alguma das abordagens levantadas
ou traria um ponto de vista totalmente diferente? Trabalharia
com algum material de apoio para enriquecer a discussão?
Para a leitura da fotografia à direita, poderíamos, a
princípio, observar separadamente alguns de seus elementos.
Pensemos na imagem desconstruída, ou seja, analisemos
primeiro os objetos isolados e depois a imagem como
um todo. Voltemos agora o olhar para o menino, notando
sua pose, seu corpo, suas vestes e adereços.
Que informações eles nos passam? Observemos agora o
cenário − o cômodo e os objetos nele contidos. Como estão
dispostos? Por fim, analisemos a luz, sua direção, sua intensidade
e seu comportamento em relação ao espaço. Uma vez
feita a leitura desses itens, é possível contextualizar o tempo
e o espaço em questão? Existem informações que permitem
identificar a cultura e a condição social reproduzidas?
Em que circunstâncias a fotografia foi tirada? Ela foi
produzida, montada? Ou será que capturou um momento
espontâneo? Quais as diferenças e semelhanças entre a
captura de um momento espontâneo, um momento produzido
e um momento que mescla ambos? A artista se inseriu no
ambiente e fotografou o menino dentro de sua casa? A partir
da fotografia, é possível discutir o olhar da artista, isto é, o
modo como ela se posiciona diante da cultura retratada?
Maureen Bisilliat (1931– )
Menino-anjo 1963
negativo pb 6 x 6 cm
Local: São José do Rio Pardo, São Paulo
Coleção: Acervo Instituto Moreira Salles
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Inicialmente, percebemos que a imagem ao lado é composta
por dois elementos: um em primeiro plano e outro em
segundo. Do objeto em primeiro plano, vemos apenas um
recorte. Que elementos a fotógrafa privilegiou no enquadramento?
É possível deduzir a posição da artista no momento
em que tirou a foto?
Ao observar a composição da imagem, percebemos uma
sobreposição de formas. O que permite a visualização de
ambos os elementos? Quais são as semelhanças e diferenças
entre eles? Se a imagem retratasse somente a estrutura em
primeiro plano, seria possível identificarmos sua função?
Nesse caso, poderíamos considerá-la uma fotografia abstrata?
E se a imagem capturada fosse apenas a do segundo
plano, que termo poderíamos usar para denominá-la?
Podemos deduzir as dimensões da construção (largura
e altura) e os materiais utilizados em sua confecção?
Por que tais materiais? Será que o projeto é baseado em
cálculos arquitetônicos?
Quantas pessoas poderiam habitar a construção e de
que forma elas se organizariam nesse espaço? Será que
essas construções são resistentes? Quanto tempo leva para
serem construídas? E quanto tempo duram?
O que esse objeto representa para os membros da
cultura local? E para a artista? Podemos ainda estabelecer
comparações entre o objeto retratado e seus equivalentes
arquitetônicos nas grandes cidades. Em que eles se
assemelham? Em que se distinguem?
Analisemos agora as duas imagens juntas, a fim de
estabelecer conexões entre elas.
As fotografias fornecem elementos para compreendermos
a poética de Maureen? O que caracterizaria tal
poética? Em que sentidos as imagens dialogam entre si? O
que podemos dizer sobre seus aspectos formais? A artista
explora elementos como linha e perspectiva? Como são os
enquadramentos? Em que altura está a linha do horizonte?
Como a fotógrafa trabalha a profundidade em cada imagem?
Ambas as fotografias são capturadas em preto e branco.
Essa escolha influencia o modo como lemos as imagens?
Como seriam essas mesmas imagens coloridas? Que
cores elas teriam? Será que as interpretaríamos da mesma
maneira? É possível classificar as fotografias por algum
gênero (por exemplo, artístico ou documental)? Quais são as
diferenças entre fotografar figuras humanas e paisagens? O
que um fotógrafo deve levar em conta em cada caso?
Maureen Bisilliat (1931– )
Estrutura de oca em construção 1973-1977
negativo pb 35mm
Local: Xingu
Acervo: Instituto Moreira Salles
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Sobre a fotógrafa
Notas
Conhecer um pouco a vida do artista não é imprescindível
para se relacionar com o seu trabalho, mas pode ajudar a
compreender suas influências, referências e inspirações,
revelando os caminhos que o levaram a construir sua
trajetória e poética.
Após realizar estudos de pintura em Paris e Nova York,
Maureen Bisilliat desenvolveu uma obra fotográfica que
transcende a intenção plástica. Por meio dela, a artista
busca apreender aspectos profundos da cultura brasileira.
Seus temas relacionam-se com a antropologia, ao tratar de
lugares inexplorados, do estabelecido como “exótico” no
imaginário coletivo, e incorporam também referências de
outras artes, como a literatura.
Maureen nasceu em Englefields Green (Surrey,
Inglaterra) em 1931, mas vive no Brasil desde a década de
1950. Sua vinda para o país representa simbolicamente uma
busca por raízes − o que, em suas próprias palavras, sendo
filha de diplomata, ela nunca teria tido. Seu trabalho começou
a se destacar na Editora Abril, onde atuou até o início
dos anos 1970 como fotojornalista nas revistas Quatro rodas
e Realidade. Nesta última, publicou ensaios célebres, como
o que registrava o cotidiano das coletoras de caranguejo de
um mangue em Pernambuco.
Ainda nessa década, no âmbito de várias iniciativas
de resgate da cultura indígena brasileira, Maureen viajou
diversas vezes ao Parque Indígena do Xingu, onde captou
imagens consideradas históricas e antológicas, reunidas
nos livros Xingu, de 1978, e Xingu/Território tribal, de 1979.
Paralelamente, a fotógrafa notabilizou-se pelos ensaios
inspirados nas obras literárias de autores como Guimarães
Rosa, Carlos Drummond de Andrade, João Cabral de Melo
Neto, Adélia Prado, Jorge Amado e Mário de Andrade.
Premiada em diversas oportunidades, a partir dos anos
1980 Maureen passou a se dedicar principalmente ao vídeo.
Em 1988, foi convidada pelo antropólogo Darcy Ribeiro para
formar um acervo de arte popular latino-americana para a Fundação
Memorial da América Latina. Com esse fim, viajou para
o México, Guatemala, Equador, Peru e Paraguai, recolhendo
peças para a coleção permanente do Pavilhão da Criatividade,
um dos espaços desta instituição, da qual hoje é curadora.
Visitante utiliza visor em atividade de observação da exposição, 2009
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
1 Utilizamos a palavra experiência em um sentido específico,
para além daqueles que os dicionários registram. Simplificadamente,
pode-se dizer que ter uma experiência é relacionar-se
com algo de um modo que nos “transforme” de alguma
maneira. O contato com uma obra de arte pode ser bastante
propício para se obter esse tipo de experiência, e é este viés
que abordamos aqui. Alguns autores comentam essa noção
de experiência, entre os quais John Dewey (em A arte como
experiência), Jorge Larrosa (especialmente em Nota sobre a
experiência e o saber da experiência) e Imanol Aguirre (Hacia
un nuevo imaginario para la educación artística, sem tradução
para o português).
Visitante em atividade com câmera obscura, 2009
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
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Conselho Fundação Bienal
de São Paulo
Fundador
Francisco Matarazzo Sobrinho
(1898–1977) Presidente perpétuo
Conselho de Honra
Oscar P. Landmann † Presidente
Membros do Conselho de Honra
composto de Ex-Presidentes
Alex Periscinoto
Carlos Bratke
Celso Neves †
Edemar Cid Ferreira
Jorge Eduardo Stockler
Jorge Wilheim
Julio Landmann
Luiz Diederichsen Villares
Luiz Fernando Rodrigues Alves †
Maria Rodrigues Alves †
Manoel Francisco Pires da Costa
Oscar P. Landmann †
Roberto Muylaert
Conselho de Administração
Elizabeth Machado, Presidente
Membros vitalícios
Alex Periscinoto
Áureo Bonilha
Benedito José Soares de Mello Pati
Ernst Guenther Lipkau
Giannandrea Matarazzo
Gilberto Chateaubriand
Hélène Matarazzo
João de Scantimburgo
Jorge Wilheim
Manoel Ferraz Whitaker Salles
Pedro Franco Piva
Roberto Duailibi
Roberto Pinto de Souza
Rubens José Mattos Cunha Lima
Thomaz Farkas
Membros
Adolpho Leirner
Alberto Emmanuel Whitaker
Alfredo Egydio Setubal
Aluizio Rebello de Araujo
Álvaro Augusto Vidigal
Angelo Andrea Matarazzo
Antonio Bias Bueno Guillon
Antonio Henrique Cunha Bueno
Arnoldo Wald Filho
Beatriz Pimenta Camargo
Beno Suchodolski
Cacilda Teixeira da Costa
Carlos Alberto Frederico
Carlos Bratke
Carlos Francisco Bandeira Lins
Carlos Jereissati
Cesar Giobbi
David Feffer
Decio Tozzi
Eleonora Rosset
Elizabeth Machado
Emanoel Alves de Araújo
Evelyn Ioschpe
Fábio Magalhães
Fernando Greiber
Gian Carlo Gasperini
Gustavo Halbreich
Jens Olesen
José Olympio da Veiga Pereira
Julio Landmann
Manoel Francisco Pires da Costa
Marcos Arbaitman
Maria Ignez Corrêa da Costa Barbosa
Miguel Alves Pereira
Paulo Sérgio Coutinho Galvão
Pedro Aranha Corrêa do Lago
Pedro Cury
Pedro Paulo de Sena Madureira
René Parrini
Roberto Muylaert
Rubens Murillo Marques
Susana Steinbruch
Tito Enrique da Silva Neto
Wolfgang Sauer
Conselho Fiscal
Manoel Ferraz Whitaker Salles
Carlos Francisco Bandeira Lins
Tito Enrique da Silva Neto
Suplentes
Pedro Aranha Corrêa do Lago
Carlos Alberto Frederico
Gustavo Halbreich
Diretoria executiva
Heitor Martins, Presidente
Eduardo Vassimon, 1º Vice-Presidente
Justo Werlang, 2º Vice-Presidente
Diretores
Jorge Fergie
Laymert Garcia dos Santos
Lucas Melo
Luis Terepins
Miguel Chaia
Pedro Barbosa
Salo Kibrit
Diretores Representantes
Embaixador Celso Amorim, Ministro das
Relações Exteriores
Juca Ferreira, Ministro da Cultura
João Sayad, Secretário de Estado da Cultura
Carlos Augusto Calil, Secretário Municipal
de Cultura
29ª Bienal de São Paulo
Curadoria
Curadores-chefes
Moacir dos Anjos
Agnaldo Farias
Curadores Convidados
Chus Martinez
Fernando Alvin
Rina Carvajal
Sarat Maharaj
Yuko Hasegawa
Assistentes Curatoriais
Ana Maria Maia
Diego Matos
Paulo Miyada
Pesquisadoras
Dorothee Albrecht
Stina Edblon
Isabel Teixeira, Secretária da Curadoria
Produção Executiva
Emilio Kalil, Diretor
Yumi Watari, Assistente
Coordenadoras
Dora Silveira Corrêa
Cláudia Vendramini
Felipe Isola, Assistente
Produtores
Ana Francisca Barros
Carolina Vendramini
Luciana Soares
Renato Silva
Marília Arantes Loureiro, Assistente
Editorial
Cristina Fino, Coordenação Editorial
Museografia
Marta Bogéa Arquitetura
Colaboradores
Tiago Guimarães
Laura Bigliassi
Marcus Vinicius Santos
Projeto Educativo
Stela Barbieri, Curadora Educacional
Angela Castelo Branco, Assistente de
Curadoria
Laura M. Barboza Pinto, Supervisão Geral
e Coordenação do Curso de Educadores
Mariana Serri Francoio, Assistente de
Coordenação do Curso de Educadores
Carlos Barmak, Coordenação das Ações
nas Comunidades
Marisa Szpigel, Coordenação Geral do
Curso de Formação a Distância
Bruno Fischer Dimarch, Coordenação
Técnica do Curso de Formação a Distância
Denise Teixeira, Coordenadora de
Oficinas, Workshops e Palestras
Stella Queiroga Gomes dos Santos (Guga),
Secretária
Relações externas
Helena Kavaliunas, Coordenação
Júlia Milaré Gropo
Veridiana Simons
Pedro Milaré Gropo
Professores
Deborah Paiva
Diogo de Moraes
Guilherme Teixeira
Documentação fotográfica
Denise Adams
Mariana Galender
Edição do site e produção de textos
Fernanda Albuquerque
Produção
Melina Borba, Coordenação
Gustavo Melo
Ana Carolina Magalhães
Marcelo Tamassia Fernandes Pinto
Supervisores dos educadores
Adriana Miranda Aguiar
Affonso Prado Valladares Abrahão
Anita Limulja
Carlota Mazon
Elaine Fontana
Emmanuela Tolentino Santos
Fabíola de Almeida Salles Mariano
Fernanda Simionato
Giuliano Tierno
Julia Goeldi
Larissa Glebova
Magno Rodrigues Faria
Maíra Ribeiro Spilak
Maralice Antunes Camillo
Matheus Leston
Maurício André da Silva
Mayra Oi Saito
Otávio Zani Teixeira
Pablo Talavera
Paula Yurie Torelli Hijo
Roberta Fialho de Abreu
Talita Sousa Pedrosa Paes
Tiago Lisboa De Mendonça Athayde
Patrícia Marchesoni Quilici
Voluntários
Isabela Giugno
Natália Braga Tonda
Radamés Rocha
Programas Especiais
Helmut Batista (Projeto Capacete),
Coordenador do Programa de Residências
Pedro França, Coordenador da
Programação dos Terreiros
Fundação Bienal
de São Paulo
Administrativo
Diretor Administrativo Financeiro
Flávio Camargo Bartalotti
Gerência de Recursos Humanos e
Manutenção
Mário Rodrigues, Gerente
Felipe Araújo Machado
Valdemiro Rodrigues da Silva
Vinícius Robson da Silva Araújo
Rodrigo Martins
Gerência Financeira
Kátia Marli Silveira Marante, Gerente
Amarildo Firmino Gomes
Lisânia Praxedes dos Santos
Thatiane Pinheiro Ribeiro
Gerência de Secretaria Geral
Maria Rita Marinho, Gerente
Angélica de Oliveira Divino
Maria da Glória do Espírito Santo de Araújo
Josefa Gomes
Tecnologia e Inovação
Marcos Machuca, Assessor Especial
Anderson de Andrade
Valdemiro Rodrigues da Silva
Arquivo Histórico Wanda Svevo
Adriana Villela, Coordenadora
Natália Leoni, Pesquisadora
Jorge Lody, Administrador de Banco de
Dados
José Leite de A. Silva (Seu Dedé), Auxiliar
Administrativo
Ana Paula Andrade Marques, Estagiária
Bienal Digital
Laymert Garcia dos Santos, Coordenador
Elton Corbanezi, Assessor
Adriana Villela
Ana Maria Maia
Ângela Castelo Branco
André Stolarski
Chico Caminati
Diana Dobranszky
Diego Matos
Marcos Machuca
Paulo Miyada
Pedro Weingärtner
Rony Rodrigues
Stela Barbieri
Victor Bergmann
Design Bienal
André Stolarski, Diretor
Ana Elisa de Carvalho Silva
Felipe Kaizer
Victor Bergmann, Webdesigner
Estagiários
Fernando Laranjeira Petrich
João Paulo Parenti Ceban
Relações Institucionais e Projetos
Especiais
Flávia Abbud, Coordenadora
Marina Terepins, Assistente
Programa Brasil Arte Contemporânea,
convênio com Ministério da Cultura
Elton Corbanezi, Coordenação
Marina Scaramuzza, Assistente
Projeto Setorial Integrado – Brasil
Arte Contemporânea, convênio com
Apex-Brasil
Têra Queiroz, Gerente
Marketing e Captação de Recursos
Coordenadoras
Alessandra Effori
Marta Delpoio
Assistentes
Bruna Azevedo
Glaucia Ribeiro
Produção
Coordenação Administrativa
Vânia Mamede C. Shiroma, Coordenadora
Mônica Shiroma de Carvalho, Produtora
Cultural
Viviane Teixeira, Assistente
Produção Editorial
Diana Dobranszky
Publicação
Concepção
Stela Barbieri
Angela Castelo Branco
Coordenação Editorial
Cristina Fino
Edição dos Textos
Fernanda Albuquerque
Fernanda Lopes
Cristina Fino
Design Gráfico
André Storlarski
Ana de Carvalho
Felipe Kaizer
Fernando Petrich
Produção Editorial
Diana Dobranszky
Revisão Técnica
Angela Castelo Branco
Laura Barboza
Preparação
Carla Mello Moreira
Revisão
Regina Stocklen

Instituto Moreira Salles
Fundador
Walther Moreira Salles (1912-2001)
Diretoria Executiva
Presidente
João Moreira Salles
Coordenador editorial
Samuel Titan Jr.
Coordenador – Internet
Michel Laub
Coordenadora – Música
Beatriz Paes leme
Texto
Equipe Educativo IMS-SP
Luciana Nobre
Lorena Botti
Roseli M. Evangelista
Edição e Revisão
Cide Piquet
Vice-Presidente
Gabriel Jorge Ferreira
Diretores Executivos
Mauro Agonilha
Raul Manuel Alves
Conselho de Administração
Presidente
João Moreira Salles
Coordenador-Fotografia
Sergio Burgi
Coordenadora – Artes
Heloisa Espada
Coordenadoras - Centros Culturais
Elizabeth Pessoa Teixeira
Odette J. Cabral Vieira
Vera Regina Magalhães Castellano
Fotos
2ª Capa
Alunos realizam desenhos para construir
narrativas a partir das fotografias expostas, 2009
Foto: Equipe educativo IMS
Coleção: Acervo educativo IMS
3ª Capa
Fachada do Centro Cultural IMS-SP,
em Higienópolis, São Paulo/SP, 1998
Foto: Edu Simões
Coleção: Acervo IMS
Vice-Presidente
Fernando Roberto Moreira Salles
Conselheiros
Gabriel Jorge Ferreira
Pedro Moreira Salles
Walther Moreira Salles Junior
Administração
Superintendente Executivo
Flávio Pinheiro
Coordenadores Executivos
Jânio Gomes
Samuel Titan Jr.
Coordenadora Executiva de Apoio
Odette Vieira
Coordenadora – Literatura
Elvia Maria de Sá Bezerra
Educativo
Coordenadora responsável
Odete J. Cabral Vieira
Supervisora e educadora - São Paulo
Roseli M. Evangelista
Assistente Cultural e educadora - São Paulo
Luciana Nobre
Educadora - São Paulo
Lorena Botti
Educadoras - Rio de Janeiro
Gabriela da Silva Lima
Joana P. de Moraes
Educadora - Poços de Caldas
Mariza Aparecida Pereira
Instituto Moreira Salles IMS / SP
Rua Piauí, 844 , 1º andar, Higienópolis
http://ims.uol.com.br/ims
EducAtivo IMS
acao.educativa@ims.com.br
11 3825-2560

INSTITUTO MOREIRA SALLES
INSTITUIÇÕES
CULTURAIS PARCEIRAS
Associação Cultural Videobrasil
Caixa Cultural
Centro Cultural Banco do Brasil
Centro Cultural São Paulo
Centro da Cultura Judaica
FIESP/SESI-SP
Instituto de Arte Contemporânea
Instituto Arte na Escola
Instituto Moreira Salles
Instituto Tomie Ohtake
Itaú Cultural
Memorial da América Latina
Museu Afro Brasil
Museu Brasileiro da Escultura
Museu da Casa Brasileira
Museu da Cidade de São Paulo
Museu da Imagem e do Som
Museu de Arte Brasileira da FAAP
Museu de Arte Contemporânea da USP
Museu de Arte Moderna de São Paulo
Museu de Arte de São Paulo
Museu Lasar Segall
Paço das Artes
Pinacoteca do Estado de São Paulo
SESCsp
UNIVERSIDADES
PARCEIRAS
Centro Universitário
Belas Artes de São Paulo
Escola de Comunicações e Artes
da Universidade de São Paulo
Faculdade Santa Marcelina
Fundação Armando Alvares Penteado
Universidade Estadual Paulista
APOIO
CIEE
Projeto Educativo 29ª Bienal
Fundação Bienal de São Paulo
Patrocínio projeto educativo
Patrocínio master
Apoio institucional