Revista UnicaPhoto - Ed03 Ago/2014

unicaphoto
Revista do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Unicap - #3, ago 2014
www.unicap.br/unicaphoto
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Na web
www.unicap.br/unicaphoto
/fotografiaunicap
Expediente:
Coordenação: Renata Victor. Edição: Carolina Monteiro.
Diagramação: Arline Lins. Textos: Arline Lins, Carolina
Monteiro, Dario Brito, Fabiana Bruce, Germana Soares,
Juliana Nascimento Torezzani, Karina Galvão, Leonardo
Castro Gomes, Niedja Dias, Paulo Souza, Rebeca Patrício,
Rodrigo Silva, Sollon Filho, Thaís Carvalho. Fotos: Alunos do
Curso de Fotografia da Unicap, Adelson Alves, Renata Victor,
Rafaela Melo. A UnicaPhoto é uma publicação semestral do
Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Universidade
Católica de Pernambuco (ISSN 2357-8793).
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Foto da capa: Edvaldo Rodrigues

EDITORIAL
Ser fotógrafo, nos dias de hoje, é bem mais simples, não só por não ser necessário esperar
a revelação e a ampliação para saber da qualidade das imagens, mas por todas as inovações
tecnológicas dos equipamentos, pelos cursos universitários de fotografia e pelas inúmeras
literaturas voltadas à fotografia e áreas afins. Pensando dessa forma, percebemos o quanto
devemos respeito e gratidão às gerações passadas, que abriram os caminhos para a realidade
que hoje vivenciamos.
Assim, criamos o prêmio Alcir Lacerda para homenagear os profissionais pernambucanos
da imagem. Um evento colaborativo que, pelo 3º ano consecutivo, acontecerá no dia 19 de
agosto, dia mundial da Fotografia, no auditório da Livraria Cultura Paço Alfândega. Os homenageados
desse ano são Edvaldo Rodrigues, repórter fotográfico há 52 anos, o fotógrafo e
empresário Rivaldo Varela e o fotógrafo Alexandre Severo, que faleceu quando estava a trabalho
na campanha eleitoral do Governador Eduardo Campos à presidência da República.
Para comemorar o dia mundial da Fotografia, trazemos para esta 3ª edição da Unicaphoto
uma série de matérias, entre elas o perfil dos agraciados com o Prêmio Alcir Lacerda. Na sequência,
uma matéria que aborda a revolução da produção de vídeo com equipamento HDSLR
e o projeto do Prof. Dario Brito e seus alunos, que discute o poder da representação nas
intervenções urbanas no Recife. Na seção de entrevista, temos o fotógrafo Edvaldo Rodrigues,
enquanto que a coluna de Direito Autoral aborda a legislação nacional pertinente
ao tema, em especial a Lei nº 9.610/1998. Os ensaios fotográficos irão nos levar ao Uruguai,
Grécia e aos clássicos filmes representados por imagens gastronômicas. É com grande
saudade que relembramos em páginas gráficas os momentos felizes que compartilhamos
com o nosso ex-aluno, o talentoso Alexandre Severo.
Até o último dia 15 de agosto, a primeira edição da Unicaphoto teve 40.275 visualizações,
enquanto que a segunda, 40.902. Esses números sinalizam que o nosso objetivo de
aproximar a produção acadêmica do mercado de trabalho tem logrado êxito e nos motivam
ainda mais para a continuidade desse e de outros projetos.
Renata Victor
Coordenadora do Curso Superior de
Tecnologia em Fotografia da
Universidade Católica de Pernambuco
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Mais de meio século
de fotojornalismo
Edvaldo Rodrigues, 73 anos, é o
entrevistado da professora Niedja Dias
nesta edição da UnicaPhoto. Com nada
menos do que 52 anos de fotojornalismo,
ele é um dos homenageados da terceira
edição do prêmio anual Alcir Lacerda,
que celebra o trabalho deste profissional
que integra a equipe de fotojornalismo do
Diario de Pernambuco. Nesta entrevista,
ele conta um pouco sobre sua vivência
na profissão e sobre a adaptação à
tecnologia, além das curiosidades da sua
trajetória jornalística.
Foto: Adelson Alves
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UNICAPHOTO - Como a fotografia entrou em
sua vida?
EDVALDO RODRIGUES - Trabalhava numa
construtora, ainda bem jovem, quando um irmão
inventou de fotografar e me chamou para aprender.
Compramos livros, equipamentos, material químico
e, em um quarto no fundo do quintal, fizemos um
laboratório e aprendemos a fotografar e a revelar
filmes.
UP - Quando percebeu que gostaria de ser um
repórter fotográfico?
E.R - Costumava comprar o Jornal do Commercio
nos finais de semana. Até porque o dinheiro era
pouco e não dava pra comprar diariamente, mas lia
com frequência.
Lá, um dia, tinha uma nota: ´Precisa-se de repórter
fotográfico´. Conversei com meu irmão e ele me
disse: “Rapaz, isso é negócio pra gente grande...
Repórter fotográfico não é pra gente. A gente é um
´retratistazinho´ de bairro”. Arrisquei e fui aprovado.
Pedi demissão do emprego e comecei. Me
mandaram para rua e eu sem nenhuma experiência,
mas a primeira matéria que fiz – lembro como se
fosse hoje – foi um acidente de um caminhão com
uma bicicleta, em Olinda. A foto foi publicada e fui
bastante elogiado.
UP – Como foi a sua adaptação à tecnologia, já
que começou a sua carreira na década de 60,
com a fotografia analógica?
E.R - A tecnologia me fascina, mas tenho certa
dificuldade ainda de absorver tudo. Aproveito os
colegas mais jovens do jornal, com a cabeça mais
fresca e eles me dão dicas. Também pesquiso
na internet e fiz alguns cursos rápidos, tanto de
iluminação, como de Photoshop, entre outros.
UP - Como foi trabalhar em plena ditadura?
E.R - Foi um período difícil, viu? Fui preso algumas
vezes, espancado na rua. Foi uma situação muito
dramática.
UP- Você conseguiu driblar a censura e
publicar alguma imagem polêmica?
E.R – Isto era muito difícil porque a censura estava
dentro do jornal. Havia um coronel do Exército
lá dentro fiscalizando toda matéria que chegava.
Nunca consegui colocar nenhuma foto censurada,
mas alguns fotógrafos criaram na época agências
de fotografia e mandaram suas fotos para o exterior,
onde foram publicadas.
UP- Você chegou a ser agredido em pleno
exercício da profissão. Qual o limite que um
profissional deve ter para conseguir uma boa
imagem?
E.R - Para uma boa imagem – como dizia o
grande fotógrafo [Robert] Capa - você tem que
estar dentro do assunto. Você tem que estar bem
perto para trazer a grande foto. Mas eu ainda
advogo uma precaução porque a nossa polícia
tem uma cultura muito violenta e até as pessoas
mesmo. Algumas vezes nós já fomos atacados por
manifestantes que confundem as coisas, pensam
que a gente está de outro lado. Já fui atacado e foi
grave, fiquei desmaiado no meio da rua e quando
acordei estava no hospital.
UP - Como lida com a emoção dos fatos que
aparecem diante da sua lente?
E.R - Ainda sou uma pessoa muito sensível a tudo,

sabe? Então tudo me comove. Tenho me deparado
com situações difíceis de pessoas muito pobres e
em determinados lugares ou com pessoas que são
muito mal tratadas, violentadas tanto pela polícia
como por outras pessoas que têm o interesse em
fazer aquilo. Isso tudo me comove.
UP - Quando considera que é hora de
esquecer o fotógrafo e dar espaço ao seu lado
mais humano? Quando é hora de abaixar a
câmera para Edvaldo?
E.R - Quando está havendo alguma injustiça com
alguém, evito determinadas fotos e às vezes até
questiono com o repórter ao meu lado. Fui fazer
um trabalho na polícia e estava preso um cidadão
acusado de cometer um crime, mas não havia
provas. O repórter que estava comigo mandou que
eu o fotografasse e senti que o repórter estava com
certo interesse junto aos policiais e me neguei a
fotografar. Disse a ele que não tinha prova e que a
pessoa era um suspeito.
UP - Fotografar esportes sempre foi a sua
paixão. Como foi participar de três Copas do
Mundo consecutivas?
E.R - Foi muito emocionante. Lembro como se
fosse hoje. Estava na Espanha, em 1982, cobrindo
a primeira Copa da minha vida em Madri. Aquela
cidade, muita gente bonita, uma coisa diferente da
minha cidade e eu disse pra mim mesmo: “meu
Deus, estou aqui na Europa. Vim lá de um bairro
pobre e me encontro aqui num lugar desse”. Foi
muito emocionante .
UP - De que forma vê o ambiente do jornal?
E.R - O ambiente do jornal hoje não é mais
como antigamente. Eu e meus contemporâneos
tínhamos uma amizade muito grande, éramos uma
família. Tinha amigos que eu frequentava a casa
constantemente e eles a minha. Hoje não, cada
um terminou o seu trabalho “puxa o carro”. Não há
mais essa relação de amizade.
UP - Como vê a função de repórter fotográfico
com o advento de registros fotográficos feitos
por pessoas que não são fotógrafos?
E.R - Estou com medo que desapareça. Em alguns
jornais até o repórter fotográfico já desapareceu.
Os jornais hoje não buscam mais qualidade,
buscam informação rápida. Então hoje usam
imagens de leitores enviadas através do Whatsapp,
sem qualidade técnica, nem olhar de jornalista.
O repórter fotográfico, mesmo que não tenha
estudado, quando entra é como um escritor. Ele
tem no sangue, tem no olhar um lado crítico que vai
buscar através da foto uma mensagem.
UP - Existe muito jogo de ego entre os
fotógrafos nas redações?
E.R - Tem muitos fotógrafos que se acham o “rei
da cocada” e se acham melhores até do que os
repórteres de texto porque acredita que “uma
imagem vale mais do que mil palavras”. Acho que
uma imagem é muito importante, mas se vale mais
que mil palavras, depende muito da imagem, não
é?
UP - Já se viu numa situação absolutamente
embaraçosa, numa pauta onde o suporte
fotográfico ainda era o filme? Onde não havia
essa possibilidade de apagar e refazer.
E.R - Já me vi, mas consegui recuperar. Em 1968
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a rainha da Inglaterra, Elizabeth II, veio ao Recife e
eu fui o fotógrafo escalado para fazer a chegada
dela. Na época, para economizar, os jornais não
compravam o filme na caixinha pronta, mas rolos
que colavam em laboratório com uma fita ao
rebobinar. Então eu já tinha feito um bom número
de fotos, quando o filme se soltou da máquina.
Com isso fiquei sem poder fotografar mais porque
tinha que trocar o filme e fiquei na dúvida se
abria a câmera para tirar e arriscar queimar várias
fotos ou se voltava para o jornal. Fiquei naquele
impasse mas, como trabalhávamos de paletó
naquela época, tirei o paletó, enrolei a máquina
nele e por dentro consegui tirar o filme e colocar
dentro da caixinha. A maioria se salvou. E rendeu
capa (rindo).
UP - Alguns fotógrafos já foram
contemplados com verdadeiros furos por
conta da chegada tardia e/ou má localização
na pauta. Você tem alguma situação que
legitima isso?
E.R - Sim. Cheguei atrasado ao aeroporto militar
para cobrir a vinda do Papa João Paulo II ao
Recife. Os colegas já estavam posicionados e
um Coronel comandando a imprensa disse que
não poderia mais entrar. Disse a ele que se
não fizesse a foto perderia meu emprego e ele
terminou me colocando em um local diferente dos
outros. De repente, quando o avião chegou, fiquei
só e o tapete vermelho foi colocado na minha
frente. Esta foi a foto que rodou o mundo (foto
ilustrativa de capa da UnicaPhoto). Todos fizeram,
mas estavam num ângulo distante, diagonal, e
eu num frontal. Fiz o Papa descendo do avião,
acenando para mim. Respondi com uma mão e
fotografei com a outra. Essa foto foi premiada,
muito vendida para vários países. Dom Helder
Câmara levou essa foto para o Vaticano e eu dei
a ele de presente. Foi uma foto que considero o
momento certo no lugar incerto.
UP – Que a dica que você deixa para quem
está começando e deseja deixar sua marca
no Fotojornalismo?
E.R - O Fotojornalismo é uma coisa muito
dinâmica, muito bonita e as pessoas que estão
começando devem se entregar mesmo e buscar
sempre se aperfeiçoar cada vez porque esta é
uma atividade que participa da história no seu
país. Acredito que dei a minha contribuição
histórica para o país porque venho de um período
antes da revolução de 1964, num período em que
este país estava em efervescência com as Ligas
Camponesas e o regime muito rígido da Ditadura
Militar. Eu documentei tudo isso e esta é uma
parte da história do Brasil.

Foto: Adelson Alves
Foto: Luana Alencar
Prêmio Alcir Lacerda homenageia
profissionais pernambucanos
Por Arline Lins
Edvaldo Rodrigues e Rivaldo Varela são
os fotógrafos homenageados na 3ª edição do
Prêmio Alcir Lacerda, oferecido sempre em 19
de agosto, Dia Mundial da Fotografia. O tributo
foi criado por Renata Victor, coordenadora
do curso superior de Tecnologia em Fotografia
da Unicap. “O prêmio é uma forma de agradecer
aos que abriram os caminhos da fotografia
para as novas gerações”, ressaltou Renata,
que fotografa há 32 anos. Em 2012, na primeira
edição, quem levou a estatueta para casa
foi o próprio Alcir Lacerda. A filha dele e historiadora
Betty Lacerda contou que o pai ficou
tomado de emoção com a homenagem: “ele
ficou muito feliz porque encontrou os amigos e
porque adorava estar em qualquer evento que
tivesse relação com a fotografia.”
No ano seguinte, os premiados foram os
Pedro Luiz e Gilberto Marcelino. Cada um,
com seu trabalho em jornalismo e publicidade,
respectivamente, escreveu o nome na história
da fotografia em Pernambuco. “O prêmio é importante
porque lembra o valor dos profissionais
mais antigos, que já estavam um pouco
esquecidos, e traz inspiração para quem está
começando agora”, disse Pedro Luiz, que, em
50 anos de carreira, já passou por veículos
como a revista O Cruzeiro, o Jornal do Commercio,
Diario de Pernambuco e O Globo.
O prêmio é simbolizado por estatuetas,
que nos dois primeiros anos foram elaboradas
pela professora e artista plástica Niedja Dias.
A do primeiro foi especial: uma escultura do
próprio Lacerda. Este ano, Mano Victor é o
responsável pelas peças de madeira, que vêm
em formato de câmera fotográfica.
LACERDA - Alcir Lacerda, que começou a
fotografar em 1942 e inspirou Renata Victor
a nomear o prêmio, faleceu em setembro de
2012, pouco depois de receber a homenagem.
Foi-se o artista, ficou a obra. “Se papai
estivesse vivo, ficaria muito feliz de homenagear
pessoas com o nome dele. Ele tinha honra
de pertencer à classe dos fotógrafos. Estaria
muito honrado”, completou Betty Lacerda.
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Acervo unicap
“VOLTA NA PRAIA”
Equipamento: iPhone 4
Ano: 2012
* A coluna Acervo Unicap é organizada pelo
professor Dario Brito, professor da instituição
“Era novembro e eu aproveitei um
feriado prolongado para esticar até o
Rio de Janeiro e curtir uma cervejinha
na praia. Sempre tive essa relação
muito forte e intensa com o mar,
tanto que considero a praia meu
segundo escritório. Gosto de correr
na areia fofa, mergulhar, pescar e
surfar. Acho que nas minhas veias,
além de sangue, corre também
água salgada. Há um tempo vinha
desenvolvendo séries de imagens
com essa temática de praia nos seus
mais diferentes aspectos, desde as
atividades de lazer até o comércio
ambulante, por exemplo, e, nesse dia
em especial, estava
em Copacabana
quando vi alguns
atletas de ginástica
olímpica treinando
na areia. Aquela
imagem era muito
forte pela beleza
dos movimentos e
chamava a atenção
de quem estava
ali perto. Puxei o
celular e comecei
a clicar, fui me
aproximando e
fazendo varias
imagens até que
essa saiu”.
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Rodrigo Lobo,
fotógrafo e diretor
de fotografia.

A Fotografia em
Pernambuco no
Século XIX
Karina Galvão, Paulo Souza, Rodrigo Silva, Sollon Filho, Thaís Carvalho
O advento do daguerreótipo, em no século
XIX, teve grande repercussão na Europa,
sendo levado rapidamente para os Estados
Unidos. Em poucos anos já havia um grande
quantitativo de pessoas que dominavam
sua técnica, sendo mais que uma ferramenta
artística. O invento criou um novo mercado de
comercialização de imagens e se manteve soberano
por vários anos. Os daguerreotipistas
chegam ao Brasil e a Pernambuco quase que
como colonizadores e circulam dentro do território
nacional com grande frequência. Alguns
com interesses comerciais, outros movidos
pelo espírito documental, buscando retratar
uma sociedade até então desconhecida.
As fotos do Recife geralmente eram grandes
planos abertos, mostrando as belezas e o
cotidiano da cidade. Eram um convite ao estabelecimento
de empreendimentos comerciais
ligados à fotografia, e isso contribuiu para o
surgimento dos primeiros estúdios fotográficos
da cidade. A colonização fotográfica pernambucana
seguiu os moldes da nacional. Os
equipamentos e os fotógrafos desembarcavam
carregados de toda influência e visão de
mundo trazidas da Europa. Se o pensamento
político, as condutas sociais e os mais variados
elementos eram adotados no país sob
influência do que acontecia além do oceano,
era de se esperar que a fotografia pernambucana
nascesse com sangue europeu, e isto,
é claro, na adoção dos retratos como modelo
comercial, com trajes e objetos de cena tipicamente
importados do velho continente.
A construção de uma fotografia local passou
pela exploração de elementos e características
que eram próprios de Pernambuco.
Os registros do Recife e sua relação com o
mar e o Rio Capibaribe, as edificações, estradas,
engenhos, alguns dos elementos que
registravam uma cidade em construção, a
chegada do desenvolvimento. Talvez essas
imagens carregassem uma bagagem ideológica
muito própria dos europeus, mas ainda
assim contribuíram para a construção da
representação visual de Pernambuco.
Os europeus deixaram seu legado, participaram
da formação de novos fotógrafos e,
ainda no século XIX, alguns brasileiros passaram
a dominar o oficio fotográfico. Falar
sobre a fotografia de Pernambuco no século
XIX é falar sobre esses homens que assumiram
a fotografia como oficio e deram uma
contribuição sem precedentes na construção
da representação do povo e do território de
Pernambuco. Dessa forma, é fundamental entender
como cada um desses fotógrafos pode
contribuir para formação da produção visual
pernambucana e de que forma seu legado foi
passado aos profissionais locais. Para isso
será feita aqui uma abordagem da vida e obra
deles, com ênfase na atuação em Pernambuco
de alguns dos principais nomes do período.

MARC FERREZ
Foto: Marc Ferrez
Filho de pais franceses
que moravam no Brasil,
Marc Ferrez nasceu no
Rio de Janeiro em 1843.
Aos oito anos ficou órfão e
viveu parte de sua infância
com a família de Joseph
Eugene Dubois, gravador
de medalhas, com quem
foi morar em Paris em
1855. Em 1860, retorna ao
Rio de Janeiro e trabalha
na Casa Leuzinger, estabelecimento
fotográfico
de George Leuzinger. No
mesmo ano, Ferrez conhece o engenheiro Franz Keller-Leuzinger, com quem aprende a técnica
fotográfica. Aos 22 anos, em 1865, estabeleceu-se por conta própria sob a razão comercial
Marc Ferrez & Cia., no Centro do Rio de Janeiro, exercendo a profissão de fotógrafo. Em
1870, torna-se fotógrafo da Marinha Imperial. Em 1875, Ferrez recebe um convite para integrar
a expedição financiada pela Comissão Geológica do Império. Nesta expedição, chefiada pelo
cientista norte-americano Charles Frederick Hartt, que tinha como objetivo pesquisar as formações
rochosas das diferentes províncias do país, Ferrez percorreu os atuais Estados da Bahia,
Pernambuco, Alagoas e parte da Região Amazônica, fotografando as vistas das províncias
visitadas, os recifes de Pernambuco, a cachoeira de Paulo Afonso, corais e paisagens, fazendo
retratos etnográficos dos índios da tribo Botocudo, da Bahia, nunca antes fotografados. As
imagens do fotógrafo Marc Ferrez podem ser encontradas no Instituto Moreira Salles, no Arquivo
Nacional, na Biblioteca Nacional, na Casa Rui Barbosa, na Biblioteca Nacional de Caracas
(Venezuela) e na Biblioteca Nacional de Paris, França (INSTITUTO MOREIRA SALLES; ITAÚ
CULTURAL, 2013).
Foto: Francisco Labadie
FRANCISCO LABADIE
Nasceu na França no século XIX. Era fotógrafo e proprietário
da Photographie Française, estúdio com nome que homenageava
seu país de origem e que funcionou entre os anos de 1870 e
1880. Era um dos mais concorridos estúdios de retratos do Recife,
que oferecia inclusive cópias pelo processo de carvão, que tem
penetração restrita no Brasil apesar de garantir um acabamento
singular e grande durabilidade. Labadie morreu em Pernambuco,
em 1883. Seu acervo se encontra na Biblioteca Nacional, no Rio
de Janeiro, e na Fundação Joaquim Nabuco, no Recife.

Foto: João Ferreira Villela
JOÃO FERREIRA VILLELA
Pernambucano, pintor e fotógrafo,
Villela produziu imagens entre
1850 e 1870 e se estabeleceu em
um estúdio na Rua do Cabugá, no
Recife entre 1855 e 1870. Foi um
importante nome do século XIX,
sobreviveu comercialmente como
retratista, mas produziu imagens
com paisagens da capital pernambucana. Registrou fatos importantes na vida social, com a
visita do Imperador Dom Pedro II ao Recife, no ano de 1859, tendo, inclusive, o presenteado
com seis vistas da cidade, sendo agraciado com o título de Photographo da Casa Imperial no
ano seguinte. A trajetória de João Ferreira Villela foi marcada por ter trabalhado com diferentes
processos fotográficos, apresentados em formatos diversificados e sobre suportes variados.
GUILHERME GAENSLY
Fotógrafo suíço, nascido em Wilhelm
Gänsli, no ano de 1843, reconhecido
principalmente pelo grande registro que
fez da cidade de São Paulo entre os
anos de 1890 e 1920. Gaensly imigrou
para o Brasil em 1871 com sua família e
trouxe a tradição de retratos da Europa,
abrindo inicialmente um estúdio chamado
Photographia Premiada, na cidade
de Salvador, onde realizou trabalhos
mais comerciais. Fotografou também em
algumas cidades do Nordeste, incluindo Recife, em trabalhos que deixavam de lado o oficio
de retratista e abordavam vistas da cidade. A região central da cidade foi registrada com suas
ruas, construções e monumentos.
Foto: Alberto Henschel
ALBERTO HENSCHEL
Foto: Guilherme Gaensly
Nasceu em Berlim, Alemanha, no ano de 1827, e é considerado
talvez o maior empresário da fotografia no Brasil no século
XIX, tendo criado uma verdadeira cadeia de estúdios de fotografia,
mantendo escritórios em Pernambuco, Bahia, São Paulo e Rio de
Janeiro. Foi premiado com o título de Photographo da Casa Imperial,
honraria que abriu portas para que ele retratasse o cotidiano da
monarquia brasileira no Segundo Reinado. Chegou ao Recife em
1866, abriu um estabelecimento no Largo da Matriz de Santo Antônio,
em parceria com o compatriota Karl Heinrich Gutzlaff, o Alberto
Henschel & Cia., que em seguida passa a se chamar Photographia
Allemã. Em seu acervo existe grande quantidade de fotos produzidas
em Pernambuco, retratos em engenhos, usinas, na capital e no
interior, abordando a alta sociedade e também os escravos. O fotógrafo
Constantino Barza, assistente de Henschel, deu continuidade
aos serviços da Alberto Henschel & Cia., seguindo a mesma linha
de fotografias que seu mentor produzia.

FLÓSCULO DE MAGALHÃES
Magalhães atuou como fotógrafo em Recife, Pernambuco,
entre os anos de 1886 e 1887, na Rua do Barão da Victoria, n.
14, e depois, no ano de 1898, na Rua da Imperatriz, n. 54. A
título de especulação, podemos supor que tenha havido uma
relação de parceria ou sociedade entre os fotógrafos Mattos e
Flósculo de Magalhães. Magalhães produziu uma interessante
documentação fotográfica das paisagens urbanas de Ribeirão
Preto e parte da sua obra encontra-se sob a custódia do Arquivo
Público e Histórico de Ribeirão Preto.
Foto: Flósculo de Magalhães
THEOPHILE AUGUSTE STAHL
Nasceu em 23 de maio de 1824 na França.
Chegou ao Recife em 1853 e iniciou sua
atuação como fotógrafo em 1854, quando
abriu seu primeiro estabelecimento na capital
pernambucana. Fez o registro da chegada
da família imperial à cidade pernambucana,
quando o imperador, Dom Pedro II, e a imperatriz,
Dona Teresa Cristina, visitaram o Recife
pela primeira vez, em 22 de novembro de
1854. Autorizado a fotografar o casal imperial,
seu trabalho chamou a atenção do imperador,
que o agraciou com o título de Photographo
da Casa Imperial em 1862. Desde então, passou a deter o monopólio da imagem dos monarcas
na província de Pernambuco. Documenta ainda a construção da segunda estrada de ferro
brasileira, a Recife and S. Francisco Railway, que liga Recife à cidade do Cabo, em 1858, além
de ter fotografado negros escravos e alforriados, realizando belos retratos. Stahl permaneceu
em atividade no Recife por oito anos, quando então se mudou para o Rio de Janeiro, no início
de 1862.
Foto: Charles Fredricks
CHARLES DEFOREST FREDRICKS
Nasceu em 1823 na cidade de Nova York, nos
Estados Unidos, e faleceu no mesmo país, em
Nova Jersey, em 1894. Foi estudante da técnica de
daguerreotipia com Jeremiah Gurney, um popular
daguerreotipista da Broadway, que inclusive lhe
vendeu seu primeiro equipamento. Aos 20 anos
partiu em uma viagem para Venezuela, para visitar
seu irmão, que trabalhava no país, em seguida
se deslocando para o Brasil através da fronteira
amazônica, onde fotografou povos indígenas em plena selva, que fugiram com todo seu equipamento,
relato do ocorrido é contado por Pedro Vasquez. Após sua recuperação, retornou ao
Brasil com novo equipamento e atuou em várias cidades, como Belém, São Luís, Recife, Salvador
e Rio de Janeiro. Explorou a fotografia como um artigo de luxo, com cenários que simulavam
um modelo de vida burguês, valorizando a busca pela aparência e culto a imagem. Na sua
passagem pelo território Pernambucano realizou alguns registros do Recife, em daguerreótipo,
tendo se destacado por fazer alguns dos primeiros registros conhecidos da cidade, ainda no
ano de 1851. Sua foto do Fonte de São Francisco da Barra é provavelmente o registro mais
antigo da cidade.

A produção fotográfica no século XIX sofreu
uma clara bipartição entre os objetos
fotografados. De um lado, se enfileiravam os
profissionais com viés comercial, dedicados
quase que totalmente aos retratos, em forma
de cartão de visita, seguindo a moda que se
popularizava na Europa. De outro, seguiam
os artistas dedicados a fotografar paisagens,
retratar o cotidiano da vida social e as belezas
naturais, principalmente da cidade capital,
Recife.
Talvez não existisse entre os fotógrafos que
se estabeleceram em Pernambuco, e mesmo
entre os que passaram pelo Estado, uma
identidade visual que os vinculasse ao povo e
território fotografado, mas ainda assim os registros
do período são elementos fundamentais
para estudo das transformações sociais e
históricas da época, sendo ainda pouco exploradas
diante de sua relevância histórica. Sem
dúvidas, a identidade visual de Pernambuco
foi concebida a partir dos registros do século
XIX, e algumas daquelas imagens permanecem
como cartões-postais e locais de grande
apelo turístico até os dias de hoje.
É fundamental estabelecer elos e procurar
entender de que forma a fotografia foi utilizada,
as relações de uma sociedade escravocrata,
o apogeu e o declínio dos engenhos
e da sociedade do açúcar, a preocupação
já existente com a imagem, que já mostrava
distorções entre a imagem do sujeito fotografado
e sua posição real na sociedade, sendo
a fotografia o momento de exaltar e exibir uma
imagem geralmente maquiada.
A fotografia em Pernambuco é um campo
aberto para pesquisa, de grande importância
para a história do Estado. Os acervos
históricos institucionais e pessoais são ricos
e possuem vasto material, que precisa ser
explorado e conservado, preservando uma
memória que é recente, quando pensamos no
tempo da história, mas que já sofre com as
limitações físicas impostas pela deterioração
dos materiais e ação dos processos químicos
e biológicos, tornando cada vez mais necessária
uma célere intervenção para preservação
desse patrimônio histórico e imagético da
sociedade pernambucana.
Este trabalho foi desenvolvido na disciplina
de História da Fotografia ministrada pela
Profª. Ms. Julianna Torezani em 2014.1.
Karina Galvão, Paulo Souza, Rodrigo Silva,
Sollon Filho e Thaís Carvalho foram alunos
do 1º período do Curso de Fotografia da
UNICAP em 2014.1.
REFERÊNCIAS
BORGES, Maria Elízia. A fotografia: seu
aparecimento e expansão na capital do café
no período da Primeira República. Revista
Comunicação e Artes, São Paulo, n. 17, p. 119-
131. 1986.
HEYNEMANN, Cláudia Beatriz. A fotografia
imperial de Albert Henschel. In: SIMPÓSIO
NACIONAL DE HISTÓRIA CULTURAL, VII,
2012, Teresina. A fotografia imperial de Albert
Henschel. Teresina: UFPI, 2012. p. 1 - 12.
INSTITUTO MOREIRA SALLES. Acervo –
Fotografia. 2013. Disponível em: .
Acesso em: 15 maio 2014.
ITAÚ CULTURAL. Enciclopédia Itaú Cultural
– Artes Visuais. 2013. Disponível em:
. Acesso em: 14
maio 2014.
KOSSOY, Boris. Dicionário histórico-fotográfico
brasileiro: fotógrafos e ofício da fotografia no
Brasil (1833-1910). São Paulo: Instituto Moreira
Salles, 2000. 405p.
KOSSOY, Boris. Realidades e ficções na trama
fotográfica. Cotia – São Paulo: Ateliê Editorial,
2002. 149p.
LEE-MEDDI, Jeocaz. Os fotógrafos do Império
do Brasil. 2009. Disponível em: .
Acesso em: 16 maio 2014.
MANESCHY, Orlando. Cartografias da história
da fotografia no Pará. 2003. In: ANPUH –
SIMPÓSIO NACIONAL DE HISTÓRIA, XXII,
2003, João Pessoa. Cartografias da história da
fotografia no Pará. João Pessoa. p. 1 - 8.

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tesouros
de um
império
caído
Por Paulo Souza*
Foto: Paulo Souza
20

22
Existe uma aura de mistério que cobre o
continental território russo. O fechamento
político e econômico por muitos anos gerou
curiosidade sobre o modo de vida daquele
país, e é intrigante imaginar que condições
propiciaram o surgimento de uma indústria
de fotografia soviética, produto do esforço de
um país que até o início do século XX não
detinha qualquer domínio da tecnologia, mas
que assumiu a missão de recriar sem qualquer
colaboração técnica os equipamentos da
clássica indústria alemã.
A engenharia comunista se mostrou surpreendentemente
capaz, produziu câmeras
indiferentes à passagem do tempo. Com um
acervo que varia de primorosos equipamentos
com qualidade ótica e mecânica comparável
as das melhores câmeras alemãs, até produtos
de qualidade questionável, conhecidos por
vazamentos de luz e aberrações cromáticas,
as analógicas do império soviético vêm ganhando
adeptos e colecionadores ao redor do
mundo, são incrivelmente baratas e produzem
encantadores resultados.
Entre as grandes fábricas de câmeras
destacaram-se a LOMO, a Empresa Estatal
Arsenal de Kiev, a KMZ e a Belomo. Outras
dedicaram-se à produção de lentes, emulsão
fotossensível, rolos, papel fotográfico, filme
para cinema e químicos de revelação. Poucas
delas se mantém em atividade no mercado
fotográfico, algumas migraram para outros
setores e outras simplesmente desapareceram.
Nesse artigo é abordada um pouco da
história de uma das mais significativas marcas
do mercado soviético, a ucraniana FED.
FED pré-série N°58
Fonte: sovietcams.com
A história da FED remonta ao ano de 1927,
quando por iniciativa de Felix Edmundovich
Dzerzhinsky (polonês criador do serviço
secreto da URSS), nos arredores de Kharkiv,
atual território da Ucrânia, foi iniciada a construção
de várias casas para moradia de crianças
de rua, onde poderiam viver , estudar
e se formar como aprendizes em trabalhos
técnicos. A comuna, inaugurada em 29 de dezembro
de 1927, tinha grande viés industrial
e foi batizada homenageando seu idealizador,
sendo chamada FE Dzerzhinsky.
Cinco anos se passaram, até que em 1932
foi organizada a planta da fábrica da FED,
tendo como primeiros produtos produzidos
uma linha de furadeiras elétricas, item escasso
na União Soviética no período. Estima-se
que nessa mesma época foram produzidos
os primeiros modelos experimentais da FED,
buscando reproduzir com tecnologia nacional
as câmeras alemãs, Leica I.
Em apenas dois anos, a tecnologia de produção
das Leica havia sido dominada pelos
soviéticos. Em 1934 são lançadas as FED-1,
cópias quase que idênticas das câmeras Leica
II, com uma pequena diferença na rosca de
encaixe, equipadas com lente de fabricação
própria f3.5/50mm.
Durante a 2a Guerra Mundial, com o avanço
dos nazistas, a fábrica foi transferida para
Berdsk, na Sibéria, em 1941. Após o término
do conflito as câmeras FED passaram algumas
sutis alterações e assumiram total compatibilidade
com o sistema de rosca M39 da
Leica e, a partir do “antepassado” comum,
evoluíram paralelamente modelo a modelo
com as FED 2, 3, 4, 5, 5B, 5C.
Enquanto os oficiais nazistas carregavam
suas Leicas, os espiões da KGB e oficiais do
exército vermelho faziam uso das FED, devidamente
personalizadas com insígnias militares.
Há uma série especial sem nome específico,
montada entre 1949 e 1950, conhecida
pelas iniciais TSVVS e desenhada para serviço
topográfico da força área, produzidas em
uma planta militar de Moscou.
Esse modelo é especialmente bem construído,
tem o corpo revestido em couro e consiste
basicamente em um corpo tipo Leica com
uma lente Zeiss Sonnar, montada em baioneta
Contax, ficou conhecida como a “FED dos
Generais”.
O primeiro modelo das “ФЭД”, em alfabeto
cirílico, foi produzido até o ano de 1955,

FED TSVVS Nº 441 de 1949
Fonte: sovietcams.com
com várias melhorias e pequenas evoluções
em sua tecnologia, entre as séries clássicas
se destaca um lote de câmeras falsificadas
produzida com o logotipo da Leica em substituição
a logomarca soviética e uma edição
comemorativa de 1954, que celebrava os
300 anos da união entre Ucrânia e Rússia.
Segundo o site sovietcams.com, maior banco
de dados sobre câmeras da URSS, o último
modelo da FED-1 conhecido tem número de
série 712.834, mas há relatos que a produção
tenha chegado até a casa dos 800.000.
A partir de 1955 surgem as primeiras FED-
2, completamente redesenhadas e recheadas
de novos recursos. Introduzem um corpo com
traseira removível que trava a câmera com
duas chaves na parte inferior. O conjunto do
telêmetro também foi redesenhado. Agora
com uma base de maior comprimento, combinando
o telêmetro com o visor. Conta ainda
com uma alavanca de ajuste de dioptria sob o
botão de rebobinar e também um novo obturador.
Foram produzidas mais de 1.600.000
unidades da câmera, ainda hoje largamente
comercializada no mercado analógico. Ironicamente
as FED e demais “Leicas soviéticas”
foram produzidas em quantidade bem maior
que a original, e não seria leviano afirmar que
são soberanas em quantidade quando se fala
no tipo de montagem M39.
As FED-3 abandonam o desenho idêntico
ao das Leica, o que representa uma perda
estética, mas que de alguma forma deu vida
própria as câmeras da empresa. As mudanças
tecnológicas foram adotadas com o passar
dos anos, como em 1964 onde o fotômetro é
incorporado, primeiro em uma adaptação do
corpo da FED-3, conhecida como FED-4a,
e logo em seguida redesenhado e lançado
como FED-4b.
Ao longo dos anos foram lançados
modelos fora da série convencional, como
a FED MICRON, MICRON2, FED-35 e
FED-50. Fabricaram objetivas, câmeras
FED 5c comemorativa
dos Jogos Olímpicos
de Moscou - 1980,
Nº64.360
Fonte: sovietcams.com
estereoscópicas e outros acessórios
fotográficos, como tripés e telêmetros
externos.
A divisão fotográfica da empresa parou de
produzir máquinas e lentes em 1997, sendo
o modelo de visor direto, FED 50, o último
produzido, encerrando uma notável história
na indústria fotográfica. A FED existe até hoje
atuando em outros ramos, como na fabricação
e desenvolvimento de componentes para
indústria aeronáutica, sistemas hidráulicos,
navios e veículos terrestres.
Ainda que a qualidade ótica e mecânica,
principalmente dos modelos mais recentes,
não seja comparável com a das câmeras produzidas
na Alemanha, hoje as FED se consolidam
como excelente opção para fotografia
analógica de baixo custo, sendo um grande
salto para os fotógrafos que buscam mergulhar
no universo analógico sem desembolsar
grandes somas de dinheiro. São excelentes
opções de câmera rangefinder, completamente
mecânica, com visual incrível. As FED
possuem um charme próprio e cativam os
apaixonados por fotografia e, assim como os
demais equipamentos soviéticos, são dotadas
de robusta mecânica e construídas para
durar. A possibilidade de utilizar lentes M39
é uma outra grande vantagem, pois além da
própria Leica, Voigtländer e outros fabricantes
alemães, há compatibilidade com verdadeiras
pérolas de construção ótica, como a lendária
Jupiter-3 50mm f1.5 fabricada pela KMZ, também
na União Soviética. É possível montar
um conjunto de corpo e lente por um valor infinitamente
inferior ao que se pagaria por uma
Leica, Voigtländer, Konica Hexar, ou alguma
das câmeras telemétricas clássicas.
*Paulo Souza é aluno do Curso de Fotografia da
Unicap.
23

E
VOCÊ,
24

FOTOGRAFA
PRA QUÊ?
Por Germana Soares*
25

Com a chegada da máquina digital, a
fotografia faz parte do nosso dia a dia quase
como um ato involuntário. Seja na câmera, no
celular ou no tablet, milhões de imagens são
produzidas diariamente, algumas sendo compartilhadas
nas redes sociais, como o Facebook
e o Instagram, outras servindo de conteúdo
para sites, blogs e afins. E essa produção
desenfreada me leva a um questionamento:
as pessoas fotografam para quê?
Claro que cada um tem seus motivos, suas
preferências e eu não estou aqui para julgar,
mas, às vezes, deveríamos parar um pouco
para pensar a real função que a fotografia
pode ter na nossa vida. Aos poucos, esse ato
tão definitivo que é o registro de milésimos de
segundos da nossa história se torna efêmero
e a função de eternizar se perde entre uma
curtida e outra.
Então quer dizer que só devemos fotografar
o essencial? Não. O que podemos fazer
é unir essa ferramenta tão poderosa que é a
fotografia para nos auxiliar na documentação
da nossa história.
E se você pudesse reviver sua infância
através de fotografias feitas pelos dos olhos
da pessoa que mais amor pode transmitir?
Quando Tomé crescer ele vai poder aproveitar
um presente desses. Manu, mãe de Tomé e
Nina e esposa de Hugo, decidiu deixar para
seus filhos um registro diário da família. O
crescimento das crianças fotografado sem
muitas regras e com muito amor.
Para que as imagens não se percam, Manu
decidiu criar uma caixinha de lembranças virtual.
As imagens estão salvas no Tumblr que
diariamente é alimentado com pedacinhos da
história de Tomé. Com curadoria de Georgia
Quintas, a infância de Tomé construiu a exposição
“Plenitude” no Festival de Fotografia de
Tiradentes, 26 a 30 de março de 2014.
E sobre o crescimento, pessoal e familiar,
Manu segue escrevendo um diário sobre a escolha
de sair de cidade grande e descobrir um
novo universo, com pés no chão e cheiro de
mato. Para quem quiser acompanhar através
de relatos divertidos o dia a dia dessa família
linda, segue o link: http://notasobreumaescolha.wordpress.com/
*Germana Soares é professora do Curso de Fotografia
da Unicap
26

Plenitude
Por Georgia Quintas
Algumas imagens são para sempre.
Ao menos, nascem assim. Para
deixarem de estar no passado ao
encontrarem o afago do futuro.
A exposição Plenitude, da fotógrafa
mineira Manu Melo Franco, percorre
parte de seu arquivo contemporâneo,
pessoal-familiar. Através do
exercício cotidiano, a fotógrafa narra
um discurso sensível sobre a infância,
um modo de viver e
experimentar valores autênticos de
escolha para sua família. Estar no
campo surge nas imagens como prosa
que enfronha-se nas descobertas
do protagonista genuíno dessa
história: Tomé.
Divisou o tempo, plantou a seiva
do futuro. Porque as coisas vistas
são mais profundas, conseguem içar
a plenitude dos afetos, da sinceridade
das relações com o mundo.
Porque acessar a memória pela imagem
é a chance cabível a todos de compreender
sua identidade. Da possibilidade
de encontrar o imaginário sensível
ao adentrar nas ranhuras impressas na
história da alma.
Plenitude expressa o esforço íntimo do
afeto, do cuidado em amansar, através
da fotografia, a passagem dos acontecimentos,
do crescimento de Tomé. Todo
dia, Manu “guarda” na web uma imagem
de seu filho. Ela intenta assim apaziguar
o esquecimento. Vontades de mãe. Diz
querer guardar esse “instante de tempo
na memória do futuro”. Captura coisas
vividas, achadas, desencantadas por ele.
São fotografias que possuem narração
cuidadosa, sentidos porosos, atmosfera
diáfana. Imagens de terra, muita terra.
Quase que como a esperar a chuva,
por saber que o sol será ainda
mais amparador.
27

28
A Dama e o
Vagabundo

Comidas
Trabalho realizado durante a disciplina
de Anatomia da Câmera Fotográfica
se inspira no livro Cozinha Pop, de
Mariane Lorente e Laura Salaberry, que
traz receitas das 100 melhores cenas
gastronômicas do cinema e séries de
TV, para revelar 30 imagens de dar
água na boca, cuidadosamente recriadas
para reproduzir o clima, a luz e, claro,
as delícias de cada um dos filmes
retratados. Uma delícia para
os olhos e para o paladar.
Trabalho dos alunos Jefferson Paulino,
Karina Galvão, Paulo Souza, Rodrigo
Silva, Sollon Filho e Thais Carvalho..
29

30
V de
Vingança

Volver
Um Beijo
Roubado
Como Água para
Chocolate
31

Harry Potter
(cerveja amanteigada)
[500] Djas Com Ela
Tomates Verdes e Fritos
32

O Fabuloso Destino de
Amélie Poulain
Pulp Fiction
Psicose
Forrest Gump
33

Ratatouille
Bonequinha de
Luxo
A Fantástica
Fábrica de Chocolate
34

fragmentos do uruguai
Por Renata Victor
35

Isso não é um simples
trabalho universitário
Alunos da disciplina Poética da Imagem desenvolvem projeto para discutir o poder da representação nas
intervenções urbanas e envolvem todo o Recife nessa jornada
Por Dario Brito
Às vezes a urgência do cotidiano faz com que utilizemos os espaços urbanos da cidade como “seres
anestesiados”. A dinâmica voraz, a pressão imposta pela competitividade e o fôlego ligeiro acabam
nos afastando da relação natural do homem com aquele ambiente que ele ocupa. Diante desse ponto
de partida - que é tão revelador do nosso cotidiano - os alunos do 3º Módulo do curso de Fotografia
da Universidade Católica de Pernambuco lançaram exposições itinerantes que atingiram pessoas de
diversos pontos do Recife.
Durante os quatro meses letivos da disciplina de Poética da Imagem eles estiveram envolvidos com
dois grandes temas da atualidade: o poder da representação e o impacto da intervenção urbana.
Após pesquisar e debater algumas experiências nacionais e internacionais de intervenção, assim
como explorar a bibliografia recente sobre a narrativa visual, nasceu o projeto “Isso Não É”, totalmente
idealizado, produzido e coordenado pelos alunos, com supervisão do titular da disciplina.
O desenho final do projeto - baseado na obra “A traição das Imagens”, de René Magritte, na qual se lê
a frase “Isso não é um cachimbo” - foi assinado pelas estudantes Elysangela Freitas, Mariana Gallindo,
Marina Feldhues e Rebeca Patrício e absorvido por todos os alunos da disciplina.
A turma se dividiu em nove equipes e explorou imageticamente diversos locais emblemáticos da
cidade: Ponte da Boa Vista, mercados públicos de São José e da Encruzilhada, Poço da Panela,
Parque da Jaqueira, Rua da Aurora, Praça do Derby, Casa da Cultura e, por fim, o Recife Antigo.
Nestes locais, a intervenção consistia em expor as imagens feitas dias atrás nesses mesmos locais
e estimular a interação do público passante, bem como a reflexão sobre o poder da imagem, sobre
aquilo que vemos na fotografia e sobre o que é real, o nosso dia a dia.
O resultado foi parar na página do projeto no Facebook (há centenas de imagens clicadas pelos alunos
no www.facebook.com/issonaoe), que sugerem uma outra visão desses ambientes urbanos justamente
para chamar a atenção dos “seres anestesiados” pela pressa cotidiana. Como desdobramento,
houve a “redescoberta” desses espaços “in loco” e, na web, uma página com várias curtidas e
compartilhamentos.
O trabalho, que esteve vinculado à disciplina durante o período letivo 2014.1, ganhou autonomia,
pois devido ao grande impacto, alguns fotógrafos externos procuraram saber como se engajar
para participar das intervenções. Ou seja, o futuro do projeto “Isso não é” ainda está sendo escrito,
certamente de maneira empolgante.
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Foto: Marquinhos Atg Foto: Simony Rodrigues
Foto: Maria Xavier
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Foto: Marina Feldhues
Foto: Eva Feitosa
Foto: Anchieta Américo
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Foto: Raquel Northfleet
Foto: Deborah Barros
Foto: Gilberto Vieira
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Presente dos deuses
Aluna do curso de fotografia da Unicap, Rafaela Melo revela a beleza e a emoção que sentiu
na ilha grega de Mykonos
Mykonos (ilha branca), uma das mais belas ilhas gregas, foi descoberta em 1950 por
um grupo de jovens gregos, mas parece que foi criada pelos deuses, com suas belas
praias, cerca de 360 igrejas e ótima infraestrutura para o turismo. Quando fui a Mykonos
pela primeira vez pude sentir na pele tudo que tinha ouvido falar sobre o lugar, sua
tranquilidade e emoção sem fim. Já desfrutei de muitos pores do sol, mas nenhum que
se comparasse ao espetáculo que assisti em Mykonos. Lugar onde se presencia o amor,
a beleza, a alegria e os moinhos, além do grande mascote da ilha, Petrus, o pelicano. A
também chamada “Veneza grega” encanta os olhos que quem chega por lá, como dizem,
quem pisa em Mykonos jamais esquece.
46

Abrace a
novidade
multimídia
Por Carolina Monteiro*
52
Ilustração: Arline Lins

54
Um novo desafio se apresenta para quem
escolhe hoje em dia a profissão de fotógrafo.
Se antes os domínios técnicos e estéticos
recaíam sobre a imagem estática, a fotografia
agora abarca também o campo da multimídia
e suas infinitas possibilidades de formatos obtidos
através da mistura entre a foto, o audiovisual,
a animação e as linguagens de programação.
Em comum entre todos eles está
a visualidade e a necessidade do profissional
conhecer não apenas os novos equipamentos
e softwares disponíveis, mas as diferentes
linguagens na hora de criar suas narrativas
visuais.
O uso das câmeras DSLRs para captura de
vídeo é apenas a faceta mais comum desta
chamada fotografia multimídia e requer uma
percepção macro da imagem que se espera
obter, uma vez que a preocupação deixa de
ser a captura de um instante decisivo, suficiente
para a fotografia estática, mas passa a
ser a concepção de takes ou sequências que
precisam ter começo, meio e fim. Outro desafio
da realização de vídeos com câmeras fotográficas
é a utilização do foco, que tem que
ser sempre manual, e o cuidado com a profundidade
de campo, o que costuma confundir
muito fotógrafo que inicia a sua trajetória com
o audiovisual.
Vencidos os desafios da captura, passa a
ser uma habilidade a mais requerida do profissional
da área o conhecimento dos recursos
de edição. Mesmo que o fotógrafo opte por
não editar seus próprios vídeos, contratando
terceiros para realizar a tarefa ou usando
as equipes de edição de vídeo para a web,
comuns nas grandes redações de sites e produtoras
que trabalham com o formato, ainda
assim, é preciso ou indicado que o autor das
imagens se envolva no processo, sugerindo
formatos de edição (linear, não-linear etc), as
imagens mais adequadas para o roteiro ou os
recursos que sugere para enriquecer a narrativa.
Desta forma, é importante pelo menos ter
uma noção básica dos programas mais usados,
Adobe Premiere e Final Cut, entre outros.
Para se ter uma ideia da penetração do
vídeo no campo da fotografia, desde 2011, o
prestigiado concurso WordPress Photo criou
a categoria fotografia multimídia, onde premia
os melhores trabalhos nas categorias de
edição linear (narrativa editada com começo,
meio e fim, sem possibilidade de interação por
parte do espectador) e interativa, onde é possível
interagir com a narrativa ou consumi-la
em diferentes plataformas.
Aliás, o endereço www.worldpressphoto.org
deve ser o ponto de partida para quem ainda
não entendeu muito bem as novidades trazidas
pela revolução digital para área da fotografia
e pode conferir trabalhos como Prision
Valley, primeiro vencedor do prêmio, ainda
em 2011. Realizado por David Dufresne e
Philippe Brault, o trabalho conta a história da
indústria dos presídios americanos, a partir da
cidade de Cañon City, onde estão localizadas
nada menos do que 13 unidades prisionais
abrigando 36 mil detentos.
O formato se apresenta como um web-documentário,
como vem sendo comum chamar
as produções audiovisuais feitas para a internet.
É possível acessar seu conteúdo pelo
endereço http://prisonvalley.arte.tv, em uma
plataforma que combina fotos, vídeos, texto,
integração com as redes sociais e recursos de
personalização da navegação pelo extenso
conteúdo. Outra opção é baixar e assistir o

Foto: www. alma.arte.tv
Foto: www.nytimes.com
Foto: www. prisonvalley.arte.tv
documentário completo pelo iTunes ou ainda
instalar o aplicativo para iPhone, que traz
conteúdo extra.
Em 2013, o vencedor da categoria interativa
foi Alma: a tale of violence (http://alma.
arte.tv), que conta a história da integrante de
uma gangue da Guatemala com um incrível
recurso que permite interagir com a janela
do vídeo, oferecendo outra narrativa visual
que se desenvolve dentro da mesma janela,
quando o espectador move o cursor dentro
da imagem. Inovação que deixa o observador
intrigado sobre como é possível desenvolver
e editar dois materiais diferentes no mesmo
ambiente.
Este ano, a surpresa é o formato de A short
history of the highrise (http://www.nytimes.
com/projects/2013/high-rise), um documentário
do NYTimes sobre a verticalização da
cidade de Nova York em uma narrativa interativa
inspirada nas possibilidades de interação
trazidas pelo iPad e criada com ilustrações e
fotos históricas da cidade e seu inconfundível
skyline. O que os três trabalhos citados
até aqui tem em comum é a capacidade de
surpreender e fornecer aos profissionais da
imagem um novo mundo de possibilidades
criativas.
Entre os novos formatos de fotografia multimídia,
outro que vem despertando o interesse
e parece ter caído nas graças dos fotógrafos é
o timelapse, recurso que permite juntar várias
fotos tiradas com intervalos regulares de segundos
entre elas, montadas como se fossem
um vídeo mas com o efeito de fotos estáticas
em movimento. Ideais para cenas de nascer
e por do sol, cenas urbanas e de natureza, o
timelapse já foi integrado como recurso de alguns
modelos de câmera (Nikon D800, Canon
5D e 7D e GoPro Hero 3, entre outras).
Basta posicionar a câmera em um tripé,
definir o intervalo entre os disparos e esperar
para montar resultados impressionantes como
em Time of Rio (http://vimeo.com/55945051)
e Mar de Luz (http://vimeo.com/65395616),
ambos feitos pelo pernambucano Marcos
Michael e pelo paulista Gustavo Pellizzon. Em
mais ou menos três minutos de vídeo, mais de
55

35 mil imagens de tirar o fôlego. O recurso do
timelapse também está disponível para quem
vem se apostando nas fotografias feitas com
smartphones e pode ser feito facilmente com
aplicativos como Lapse It, iMotion, oSnap e
Miniatures, entre outros.
Para quem trabalha profissionalmente
com a fotografia, apostar na multimídia e em
novos formatos é mais do uma “instigação”.
Ser criativo, inovador e lançar mão de todos
os recursos disponíveis pode e deve ser um
diferencial no seu trabalho, tornando-se uma
nova área de expertise e prestação de serviços.
Experimente!
Foto: Reprodução do vídeo Time Of Rio
Próximos passos da
revolução do vídeo
56
na fotografia

Já estabelecidas no mercado audiovisual, as câmeras DSLRs ampliaram as
oportunidades de atuação profissional para o fotógrafo. O mercado prepara
novidades que devem elevar a captura das imagens a outro patamar
Por Leonardo Castro Gomes*
*Carolina Monteiro é
jornalista e professora das
disciplinas de Semiótica
e Fotografia e de Mídias
Digitais do Curso
Superior de Fotografia da
Universidade Católica de
Pernambuco
As câmeras DSLR (Digital Single Lens
Reflex) promoveram uma revolução no segmento
do vídeo prosumer (termo que designa
equipamentos de baixo custo voltado a
usuários avançados e possibilita ambições
profissionais) e, simultaneamente, trouxeram
uma ampliação das oportunidades de atuação
profissional para o fotógrafo. Desde 2008, ano
de lançamento da já lendária câmera Canon
5D Mark II, o debate em torno do potencial
desses equipamentos para o audiovisual
independente celebra qualidades como a
ótima relação custo-benefício, a versatilidade
(funciona como máquina fotográfica e câmera
de vídeo), o acervo de objetivas disponíveis, o
bom desempenho em situações de baixa luminosidade
e o dito “look cinematográfico”.
O entusiasmo inicial que marcou esse
debate trouxe uma certa mistificação, potencializada
pelos impressionantes exemplos
de séries de televisão, vídeoclipes e filmes
realizados com câmeras HDSLR, e o lançamento
de novos equipamentos para concorrer
nesse segmento dificultou ainda mais a compreensão
das limitações e cuidados exigidos
para obtenção dos melhores resultados que
esse tipo de equipamento proporciona. Uma
reflexão sobre os aspectos técnicos do modo
vídeo nas câmeras HDSLR ajuda a compreender
a dimensão dessa revolução.
Parte da “revolução” HDSLR começa a se
definir em 2003 quando a primeira versão das
normas de padronização do codec (conjunto
de instruções utilizados para representar um
sinal de vídeo em um código numérico binário)
H.264/Mpeg-4 AVC é concluída pelo grupo
de trabalho formado por especialistas do ITU-
-T Video Coding Expert Group e do ISO/IEC
JTC1 Motion Picture Expert Group (MPEG). O
codec H.264/Mpeg4 AVC inovou na solução
do problema da codificação do sinal vídeo
aplicando eficientes técnicas de compressão,
o que permitia obter uma codificação de qualidade
superior utilizando a mesma quantidade
de dados ou a utilização de menos dados
para obter a mesma qualidade de codificação
que os codecs anteriores.
No quadro evolutivo das câmeras DSLR
para aplicações profissionais ou semi-profissionais
(fotojornalismo, eventos, publicidade,
fine art etc), a exigência de processamento de
imagem em formatos raw, com alta velocidade
de obturação, suporte a múltiplos disparos e
modos “inteligentes” de auto-focus, bem como
a utilização de uma geração de cartões de
memória com desempenho superior a 50Mb/s,
promoveram o desenvolvimento de um hardware
que também era capaz de codificar o
sinal eletrônico gerado pelo sensor da câmera
em H.264/Mpeg4 AVC, com diferentes resoluções
em HD, trazendo uma nova perspectiva
para o modo vídeo em equipamentos fotográficos.
Atualmente, as câmeras DSLR são hegemônicas
no que se refere ao segmento da
produção independente. A cada dia obras
57

58
fotograficamente bem elaboradas são postadas
no Vimeo ou no Youtube junto a uma
quantidade ainda maior de trabalhos fotograficamente
medíocres, evidenciando que
uma direção de fotografia destacável exige o
domínio da linguagem, pois a própria ergonomia
e os aspectos relacionados à arquitetura
dessas câmeras delineiam as melhores abordagens
para a produção de um vídeo. Nessas
circunstâncias, o realizador de vídeo se diferencia
do fotógrafo still, pois está habituado ao
pensar a gravação como conjunto de imagens
e eventos que se relacionam. Assim, ele coleciona
planos, pois sabe que é na montagem
que o projeto adquire sua forma ideal. Em
todo caso as propriedades das DSLR exigem
um aprendizado para quem é habituado ao
uso de câmeras de vídeo.
“O ano de
2014 marca o
amadurecimento
do que foi
considerada a
revolução do vídeo
em equipamento
DSLR”
Uma das principais vantagens das DSLR
em relação às câmeras de vídeo semi-profissionais
é o tamanho do sensor. Os sensores
empregados na maioria das DSLR são
APS-C ou 35 mm (full-frame), que possuem
área maior do que os sensores de 1/4 à 3/4
de polegada utilizados nas câmeras de vídeo
semi-profissionais do período pré-DSLR.
A consequência prática é que os sensores
maiores possuem densidade de pixels e sensibilidade
à luz superiores, que qualificam o
sinal eletrônico e favorecem uma codificação
ótima em condições adequadas de exposição.
Aliando os recursos oferecidos por objetivas
rápidas (com abertura de diafragma abaixo de
f2.8) e as possibilidades de ajuste de sensibilidade
ISO (sensibilidade acima de ISO1600,
frequentemente ISO6400 ou maior) chegaremos
ao celebrado desempenho das DLSR em
situações de pouca luminosidade. Tal desempenho
encoraja metodologias criativas que
consideram a luz natural como opção conceitual,
o que há princípio não configura um erro,
mas impõe restrições devido a características
do modo vídeo em DSLR.
Fotógrafos habituados ao fluxo de trabalho
baseado em formatos raw e pós-produção em
suítes como Adobe Lightroom e que iniciam
experiências no modo vídeo já devem ter
percebido a dificuldade de obter vídeo com
a mesma qualidade visual obtida no modo
foto. No modo vídeo a exposição é muito mais
crítica, pois os vídeos codificados em H.264/
Mpeg4 AVC possuem uma relação de contraste
próxima a 6-stops (no mesmo sentido utilizado
pela escala de cinzas descrito por Ansel
Adams) entre o preto e o limite de branco,
enquanto no modo raw essa relação alcança
14-stops. Com isso, o modo vídeo encontrará
maior dificuldade em obter boas imagens em
situações de alto contraste do que no modo
foto. Essa dificuldade não é tão percebida
pelo cinegrafista, pois mesmo limitado em
comparação ao modo foto, o contraste suportado
pelo modo vídeo nas câmeras DSLR é
dramaticamente superior ao da maioria das
câmeras de vídeo pré-DSLR.
Outra característica relacionada a esse
aspecto é a reduzida profundidade de campo
nas imagens produzidas com objetivas rápidas
(aberturas abaixo de f2.8), que definitivamente
não é um problema na fotografia still
(sobretudo com os eficientes modos semi-automatizados
de auto-focus), pode se converter
um transtorno quando o motivo se movimenta
no enquadramento. O efeito bokeh pode
ser explorado criativamente ou se converter

em incômodo/estranhamento a depender da
abordagem. Resolver o problema do foco em
situações de baixas luzes exige trabalhar com
diafragmas mais fechados (abertura acima
de f3.5), entretanto, com essas aberturas a
qualidade fotográfica será preservada apenas
utilizando técnicas de iluminação adicional,
empregadas para preservar o efeito de penumbra,
mas com luminosidade mínima para
garantir um bom nível de vídeo. A opção alternativa
seria trabalhar com velocidade de shutter
mais baixa (limitado ao mínimo de 1/30s,
o que torna essa função quase irrelevante
em situações de baixas luzes) ou aumentar a
sensibilidade ISO, com o inconveniente de incidência
de ruídos (grão eletrônico) nas áreas
de sombra e dificuldade de reprodução de cores,
sobretudo de tons de pele. Se essas observações
alertam para os riscos de situações
de sub-exposição no modo vídeo em DSLRs,
o inverso também resulta em inconvenientes,
pois em situações de superexposição as
áreas acima do limite de luminosidade suportada
pelo sensor serão codificadas “clipadas
em branco” não permitindo ajustes de exposição
mais radicais na pós-produção, exigindo
do diretor de fotografia rigores e segurança
conceitual para determinar a exposição mais
adequada.
Chegamos, portanto, ao aspecto chave
para enfrentar a mistificação em torno dos
recursos técnico-expressivos oferecidos pela
função vídeo nas câmeras DSLRs. A questão
chave para o diretor de fotografia, entre outras
questões também relevantes (como composição
de quadro e movimento de câmera),
continua sendo determinar a exposição correta
para produzir uma imagem adequada ao
conceito fotográfico do vídeo ou filme. A possibilidade
de controle sobre as luzes incidentes
na cena e sobre os parâmetros da câmera
determinam as circunstâncias em que se dá o
processo criativo. Isso justifica a disparidade
de resultados obtidos nos melhores filmes publicitários,
curtas ou longas metragens, videoclipes
ou séries de TV rodados em Canon 5D
Mark III, Panasonic DMC GH4 ou Nikon D600
e a realidade de produção dos segmentos de
eventos, de produção de conteúdo pra web,
de produções acadêmicas ou experimentais,
pois enquanto em produções profissionalmente
estruturadas a câmera é apenas parte
de um sistema de aquisição de vídeo em um
complexo aparato (que envolve acessórios
como follow focus, matte box, suportes, tripés,
grua, travelling, steadycam, monitores, drones,
equipamento pesado de iluminação, rebatedores,
modificadores, lentes, filtros, etc.),
nas produções precárias o improviso acaba
restringindo a capacidade de ação no que se
refere à direção de fotografia. Em todo caso,
para a realização, seja em condições técnicas
favoráveis, mas ainda mais em situações
precárias, uma sólida compreensão dos fundamentos
da fotografia permite a adoção de
soluções criativas que valorizam o trabalho.
O ano de 2014 marca o amadurecimento
do que foi considerada a revolução do vídeo
em equipamento DSLR. A iminência do lançamento
do codec H.265/HEVC, as pressões
em torno de resoluções UHD e 4K DCI e o
lançamento de diversos equipamentos de
cinema digital na faixa de preço das versáteis
DSLR, configuram o que é conhecido como
período pós-DSLR. Isso não significa a obsolescência
dessa tecnologia, mas a estabilização
de uma maneira de pensar e conceber
a produção audiovisual a partir das circunstâncias
colocadas por essa tecnologia. A
implementação de funcionalidades a partir de
modificações de sistema operacional, como o
desenvolvido pela comunidade Magic Lantern
para as câmeras Canon, habilitam funcionalidades
como a gravação de vídeo no formato
raw CinemaDNG e em resoluções superiores
a Full HD exigem o aprendizado e desenvolvimento
de fluxos de trabalho que elevam as
câmeras DSLR a outro patamar. Precisamos
estar abertos para assimilar essas transformações,
pois a evolução da técnica é um caminho
irreversível.
*Leonardo Castro Gomes é mestre em
Comunicação Social pela UFPE e professor
da disciplina de Captura e Edição de Vídeos
DSLR no Curso de Fotografia da Unicap.
59

ANALISE
DE IMAGEM
Para esta edição da Unicaphoto selecionamos
a análise de imagem da aluna Rebeca
Patrício feita durante a disciplina Linguagem
Fotográfica I, em 2013.2, ministrada pelo professor
Leonardo Ariel. O fotógrafo homenageado
desta vez é o Mexicano Manuel Álvarez
Bravo. Figura importantíssima da história da
foto na América Latina, cuja trajetória imagética
eternizou o povo de sua terra em cliques
singelos carregados de poesia.
60
Foto: Manuel Álvarez Bravo

Sobre o fotógrafo
Considerado um dos artistas fotográficos
mexicanos mais renomados do século 20,
Manuel Álvarez Bravo possui um trabalho
fotográfico singular que se destaca do comum
pela sua irreverência e ironia. Ele transformou
o normal e aparentemente banal em algo extraordinário
e monumental. Nascido e criado
na Cidade do México, ele estudou Artes na
Academia de São Carlos, contudo sua fotografia
é autodidata. Sua carreira teve início
nos anos 1920 até o apogeu nos anos 1990.
Seus trabalhos apresentam influência europeia,
uso do pictorialismo e da estética; fotos
de paisagens, retratos, nus e reportagens
fazem parte do seu portfólio. Descrito como
“misterioso” pelos críticos, Bravo não estava
preocupado em contar uma história através de
suas fotos, simplesmente sentia o anseio em
expressar a essência do seu país através de
suas lentes.
Análise da imagem
De costas para a câmera, uma menina
usando uma saia branca espreita por uma janela
redonda em uma parede estampada com
a pintura descascada. Sua cabeça não está
totalmente à mostra, pois foi ofuscada por um
sombreiro (chapéu de abas largas, símbolo da
cultura mexicana) que tem forma semelhante
à janela redonda. Descalços, seus pés estão
sobrepostos e parecem simular a criação de
uma escada, mostrando que ela quer conseguir
enxergar melhor o que há por trás da
janela redonda. Sua mão direita desaparece
na escuridão da janela ao querer investigar o
seu conteúdo, invisível aos olhos do fotógrafo.
Seu corpo reflete uma sombra suave na
parede, indicativo da luz provavelmente filtrada
por nuvens, revelando o horário em que
a fotografia foi feita. O jogo do claro/escuro
brinca com a imaginação do observador. A
foto encenada busca provocar curiosidade. O
contraste entre a luz intensa do lado de fora e
da escuridão total revelada através da janela
causa inúmeras interpretações. Uma delas se
refere à inocência da menina, que usa uma
saia de cor branca, símbolo de pureza e ingenuidade.
Em contrapartida está o interior da
janela, totalmente escuro, com seu conteúdo
invisível aos olhos, representando o fim dessa
inocência em um futuro próximo.
Embora não se tenha ideia do que a garota
olha dentro da janela, há um sentimento de
que é algo sinistro, amedrontador, mas exige
coragem da parte dela. Tal interpretação pode
ser relacionada com a época em que a foto foi
produzida, visto que desde a década de 1910
os mexicanos passaram por uma revolução
político-social no país, incluindo revoltas e
conflitos civis.
Quanto à estética da foto, pode-se dizer
que o jogo de formas foi bastante pensado. A
forma da janela refletida na forma circular do
chapéu e o desenho de quadrados e retângulos
dispostos na parede ajudam a criar um
arranjo visual, causando uma composição e
enquadramento equilibrados.
O plano médio (que aproxima o personagem
em meio ao ambiente retratado, proporcionando
valor descritivo e harmonia entre os
elementos) consegue direcionar o olhar do
observador e o situa através de toda a foto,
levando-o a observar a situação de cima para
baixo, simulando um triângulo (da janela obscurecida,
passando pela sombra refletida na
parede até os pés da menina).
Conhecido por suas fotos poéticas, Bravo
demonstra nesta foto boa parte da sua essência
literária. A utilização dos elementos de
significação torna essa poesia bastante clara.
O chapéu, utilizado pela menina, é indicativo
da sua nacionalidade. Típicos da cultura mexicana,
o sombreiro é um dos grandes símbolos
da cultura do país. Além disso, pode-se enfatizar
a questão dos pés descalços, representativo
de humildade e baixo poder aquisitivo,
situação em que muitos mexicanos se encontravam
na época.
Elementos da linguagem fotográfica
Jogo do claro/escuro, luz suave, formas,
composição e equilíbrio, elementos de significação,
enquadramento, plano médio, geometria.
Referências de pesquisa
Masters of Photography – Manuel Alvarez Bravo.
Acesso dia 29/09/13.
MARNHA, Patrick. Photopoetry, por Manuel Alvarez
Bravo.
Acesso dia 29/09/13.
Manuel Álvarez Bravo.
Acesso dia 29/09/13.
61

DIREITO AUTORAL E
DIREITO DE IMAGEM
LEGISLAÇÃO BRASILEIRA DE DIREITO AUTORAL
Julianna Nascimento Torezani*
Assim como existe uma legislação internacional
para proteção das obras intelectuais
através da Declaração Universal de Direitos
Humanas e das Convenções de Berna e de
Genebra, no que confere a legislação nacional
sobre o direito autoral é contemplado no
Artigo 5 da Constituição Federal de 1988:
ARTIGO 5 - Todos são iguais perante a lei,
sem distinção de qualquer natureza, garantindo-se
aos brasileiros e aos estrangeiros
residentes no País a inviolabilidade do direito
à vida, à liberdade, à igualdade, à segurança
e à propriedade, nos termos seguintes:
XXVII - aos autores pertence o direito exclusivo
de utilização, publicação ou reprodução
de suas obras, transmissível aos herdeiros
pelo tempo que a lei fixar.
XXVIII - são assegurados, nos termos da lei:
a) a proteção às participações individuais
em obras coletivas e à reprodução da imagem
e voz humanas, inclusive nas atividades
desportivas;
b) o direito de fiscalização do aproveitamento
econômico das obras que criarem
ou de que participarem aos criadores, aos
intérpretes e às respectivas representações
sindicais e associativas.
A atual Lei de Direito Autoral (Lei nº
9.610/1998) trata do direito moral e do direito
patrimonial dos criadores de obras intelectuais.
O direito moral consiste na autoria da
obra em que o autor tem titularidade da obra,
assina a criação e é um direito intransferível.
O direito patrimonial permite a negociação da
obra para exibição, publicação e comercialização,
em que obra intelectual só pode ser
difundida com a autorização prévia e expressa
do autor ou pelos herdeiros. As obras intelectuais
protegidas pela lei brasileira só ficam em
domínio público após 70 anos da morte do
autor e, mesmo assim, continua a valer o direito
moral do autor, toda vez que esta a obra
for utilizada deve indicar o nome do criador.
Quanto às obras fotográficas ficam protegidas
por 70 anos, a contar de 1º de janeiro do ano
após sua divulgação.
Art.7. São obras intelectuais protegidas as
criações do espírito, expressas por qualquer
meio ou fixadas em qualquer suporte, tangível
ou intangível, conhecido ou que se invente
no futuro, tais como:
VII – as obras fotográficas e as produzidas
por qualquer processo análogo ao da fotografia.
Art. 12. Para se identificar como autor, poderá
o criador da obra literária, artística ou científica
usar de seu nome civil, completo ou abreviado
até por suas iniciais, de pseudônimo ou
qualquer outro sinal convencional.
Art. 79. O autor de obra fotográfica tem direito
a reproduzi-la e colocá-la à venda, observadas
as restrições à exposição, reprodução e
venda de retratos, e sem prejuízo dos direitos
de autor sobre a obra fotografada, se de
artes plásticas protegidas.
Para Manuella Santos (2009, 87), autora da
obra Direito autoral na era digital: impactos,
controvérsias e possíveis soluções, “a função
social do direito autoral é a difusão cultural
em prol da coletividade e do meio ambiente
social, elemento essencial no processo evolutivo
das civilizações. [...] Cremos que quanto
mais protegido for a obra do intelecto, mais
incentivado será o seu criador, mais conhecimento
produzirá e mais desenvolvida será a
sociedade”.
Assim, a Lei de Direito Autoral tem por função
a questão social, para manter a integridade
da obra e proteger o conhecimento cultural
criado por gerações, o que contribui para
o crescimento do país. Portanto, as obras
intelectuais devem ser protegidas tanto para
o devido uso de quem as criou, quanto para
valorização cultural do patrimônio do país.
* Julianna Nascimento Torezani é formada em Comunicação Social (UESC) e professora do Curso de Fotografia
da UNICAP onde ministra a disciplina de Legislação para o uso da Imagem

DICAS
A
Lixo Extraordinário
Diretor: Lucy Walker,
2010
Caminhando numa
cidade de luz e
sombras: a fotografia
moderna no Recife na
década de 1950,
Bruce, 2013
http://blogs.estadao.
com.br/olhar-sobreo-mundo/
B
O Fabuloso Destino
de Amélie Poulain
Diretor: Jean-Pierre
Jeunet, 2001
Foco: A atenção
e seu papel
fundamental para o
sucesso
Daniel Goleman,
2013
http://olhares.uol.
com.br/
C
Muito Além do
Jardim
Diretor: Hal Ashby,
1989
Contexto e
Narrativa em
Fotografia
Maria Short, 2013
http://
tramafotografica.
wordpress.com/
D
A fotografia
dentro da cozinha
Diretor: Mauro
Holanda, Editora
Photos
Estúdio:
Fotografia‚ Arte‚
Publicidade e
Splashes
Tony Genérico
http://www.
walterfirmo.com.br/
home/galeria.php
E
O Grande Mestre
(Yut doi jung si)
Diretor: Wong Kar-
Wai, 2013
Expor uma história:
a fotografia do
cinema
Ricardo Aronovich,
2004
http://www.
artofthetitle.com/
64
Dicas de:
A - Julianna Torezani
B - Germana Soares
C - Renata Victor
D - Leonardo Ariel
E - Leonardo Castro

Caminhando numa
cidade de luz e sombras:
um convite à pesquisa
histórica da fotografia
Por Fabiana Bruce
Não sabemos qual é a fotografia que vai ficar
para as gerações seguintes, para nossos filhos e
netos. A fotografia, como um dado do real, está
hoje, cada vez mais, em toda a parte. Só que
em um suporte distinto que nem mais queremos
manusear, basta que a compartilhemos nas redes
sociais. Talvez estejamos um tanto dessensibilizados
diante das imagens fotográficas. Se
procuramos a novidade, fica
parecendo também que não
mais nos surpreendemos com
o que é fotografado e mostrado
como imagem. Se, há algumas
décadas, perdemos o processo
molhado, como dizia Jeff
Wall (Milk), e não temos mais a
espera necessária para “ver o
resultado”, como os fotógrafos
“mais antigos” bem o sabem,
com o tempo também parecemos
ter perdido a noção de que
quem está por trás da fotografia
é o fotógrafo. Talvez esteja exagerando
um tanto, mas muito
me afeta a banalização da imagem
fotográfica em seu pedestal
natural. É preciso desnaturaliza-la
e, com isso, aprender a
ver e não ficar passivo diante de
uma fotografia, principalmente
quando ela é legendada. Neste ponto a fotografia
e a história convergem. Uma história que, além do
fato acontecido, é reflexão, critica e criação.
É isso que a pesquisa, que resultou no livro
Caminhando numa cidade de luz e sombras. A
fotografia moderna no Recife de 1950, que não
tinha a pretensão de ser um livro, quis mostrar,
pois é o resultado de um trabalho de pesquisa
em arquivos fotográficos do Recife transformada
numa tese de doutorado em História, e sabemos
que a maioria das teses não encontra canais de
publicação. Acabou sendo publicada porque
resolvi, de última hora, envia-la pelos Correios,
com pseudônimo, para participar de um concurso
recém-lançado na época, em 2010: o 1° Concurso
do Cehibra Fonte de Memória, da Fundação
Joaquim Nabuco. Assim, o trabalho passou por
uma Comissão de Avaliação e foi selecionado,
considerando-se que a documentação utilizada
na pesquisa e para a escrita da tese pertence ao
Cehibra: condição para a premiação.
A ideia de moderno que o livro acentua considera
presente e passado ao mesmo tempo,
simultaneamente, e busca a especificidade da
fotografia praticada no Recife sob esse sentimento.
Reconhecida como fotografia moderna, essa
prática está igualmente vinculada a um projeto
construtivista, cuja entrada no Brasil o olhar
pernambucano adiciona mais um evento para
além do eixo Rio de Janeiro - São Paulo, através
do fotógrafo Alexandre Guilherme Berzin (Riga,
1903 – Recife, 1979). Berzin que chegou ao Recife
em 1928 argumentava sobre
a importância de “aprender a
olhar” e “ensinar a ver”, como
exercícios do fazer fotografia.
O livro diz que ele foi o aglutinador
desse grupo de fotógrafos
que se autodenominavam
camera conscious, interessados
em pensar fotografia e
em participar de Salões, onde
compartilhavam suas experiências
e concorriam com
outros fotógrafos do Brasil e
de fora do país, como os da
França e da Argentina.
Na parte inicial o livro trata
do Foto Cine Clube do Recife,
de seus personagens na década
de 1950, de sua organização,
de seu funcionamento,
de sua produção fotográfica,
de sua escola. Na sequência
vai expondo, como numa caminhada, alguns
referenciais que, embora não sejam literalmente
assinalados pelos entrevistados, antigos integrantes
do FCCR, puderam ser identificados em
suas práticas e na documentação da Coleção AB/
FCCR, em confronto com os estudos disponíveis
em 2005. Na parte final, o livro pode ser considerado
como uma legenda extensa, contando uma
história não linear. Essas pequenas histórias contadas
(short cuts) a partir da experiência do Foto
Cine Clube do Recife, têm a intenção de refletir a
fotografia como montagem (metodologia, narrativa,
memória) e como campo do saber. Aqueles «
fotógrafos do Recife » nos mostraram isso.
65

Fotógrafos têm canal de
TV gratuito na Web
Foto: www.tvescambo.com.br
66

A TV Escambo oferece, desde
março, programas para enriquecer
o conhecimento dos interessados no
mercado fotográfico
Por Arline Lins
“Com o intuito de mostrar as novas tendências
do mercado, a TV Escambo foi criada
para trazer aos profissionais e amantes da
fotografia conselhos, trocas de ideias, um
novo conceito de TV interativa, ampliando sua
bagagem de conhecimentos no ramo fotográfico.
Dicas sobre moda, gastronomia, edições
fotográficas e outras atividades que serão
reveladas sob um olhar aprofundado.” Isso é o
que diz o parágrafo de apresentação da web
TV do Escambo Fotográfico.
A marca, já conhecida pelos fotógrafos
em Pernambuco, lançou em março deste
ano um canal de televisão online para divulgar
informações gratuitas sobre o mundo da
fotografia. “A nossa única intenção é passar
conhecimento de graça para os fotógrafos.
Todo mundo vê TV o tempo inteiro, mas nem
sempre encontramos assuntos que nos interessam
diretamente. A Escambo oferece isso
aos profissionais da área”, explicou Henrique
Leite, diretor comercial da Escambo Fotográfico.
Por enquanto, o público pode assistir a dois
programas. O primeiro é o Fotogastrô, apresentado
pelo fotógrafo Rafael Medeiros. Ele
passa por restaurantes da Região Metropolitana
do Recife e, em cada programa, mostra o
passo a passo para fazer um prato diferente.
Enquanto o chef prepara o prato, Medeiros
se preocupa com a luz e vai pensando nos
enquadramentos e imagens que poderá capturar,
uma vez que a comida estiver pronta.
“Para tirar fotos de comidas, é preciso saber
como funciona a gastronomia”, explicou Leite.
O segundo programa é conduzido pela
jornalista Vitória Pirro. O Fotoprosando é um
espaço de bate-papo sobre fotografia, com
pessoas de várias áreas profissionais ligados
ao tema. Entre os já entrevistados, estão
nomes como Renata Victor, Francisco Cribari
e Fernando Azevedo. O vídeo deste último já
teve mais de cinco mil visualizações.
Cada programa é postado semanalmente.
O Fotoprosando aos sábados, 14h, e o Fotogastrô
aos domingos, ao meio-dia. No site
também é possível assistir aos programas
anteriores. Henrique Leite tem projetos de
acrescentar outros programas à grade, sendo
um deles voltado para a fotografia no mundo
da moda. O diretor aguarda apenas a chegada
de um novo cinegrafista para dar início às
filmagens.
67

Alexandre Severo
68
Um dia, um rapaz, estudante de uma instituição
que lecionei durante curto período, me
procurou dizendo que gostava de fotografia
e que queria saber o que fazer para conhecer
melhor as técnicas que envolvem a criação
de uma imagem fotográfica. Costumo dizer
que quem gosta da fotografia já é meu amigo,
e com aquele jovem curioso não foi diferente
- logo me afeiçoei a ele. Assim, trouxe-
-o para o meu convívio e tive a felicidade de
acompanhar sua trajetória. Outras características
suas me fizeram ter ainda mais orgulho,
pois era um rapaz educado, determinado,
sensível e que demonstrava um carinho
especial pela família.
Anos depois, ainda tive a oportunidade de
ser mais uma vez a sua professora, pois ele
fez parte da primeira turma do Curso de Fotografia
da UNICAP.
Infelizmente, quis o destino nos privar do
imenso talento de Alexandre. Aquele jovem
do início aprendeu rapidamente a técnica de
fotografar, e fotografar muito bem.
Severo partiu muito cedo, mas o pequeno
consolo é saber que ela era feliz e morreu fazendo
o que mais gostava, trabalhando com
fotografia.
Você está eternizado pelo seu trabalho, em
cada imagem de sua autoria estará você. Ao
apreciar suas fotos iremos amenizar a enorme
saudade gerada pela sua ausência.
Querido Alexandre, agradeço o privilégio de
ter sido sua professora, amiga e madrinha de
casamento e da fotografia. Vai em paz.
Renata Victor

Foto: Alexandre Severo
Foto: Alexandre Severo
74

Foto: Alexandre Severo