19 Rococo - Histeo.dec.ufms.br

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Antoine Watteau – Desenho de uma Concha<br />
Este desenho foi provavelmente feito por razões de<br />
documentação, mas a concha aqui ilustrada pode quase ser<br />
considerada um microcosmo do Rococó.<br />
Muitas das características do estilo estão expostas: a curva - S<br />
irregular, as frondes e picos, a assimetria, a sensação de<br />
desenvolvimento e o fascínio com o mundo natural e o exótico.<br />
Os motivos de conchas ocorrem freqüentemente na decoração<br />
rococó alemã, embora não tanto na francesa.<br />
Antoine Watteau<br />
Desenho de uma concha<br />
(Giz / 29,6x18,6cm: 1715)

Meissonier<br />
Desenho de uma terrina<br />
(Livre d’Ornaments / 18,5x26cm: 1735)<br />
Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Meissonier – Desenho de uma Terrina<br />
As formas intricadas desta fantástica<br />
terrina, que teria sido executada em<br />
prata, refletem as formas naturais da<br />
concha desenhada por Watteau.<br />
Há também uma semelhança em<br />
espírito. O trabalho de Meissonier é<br />
representativo do genre pittoresque,<br />
uma fase do Rococó caracterizada pelo<br />
amor à assimetria e um grande<br />
interesse pelo mundo da vida marinha<br />
e vegetal como fonte de motivos<br />
decorativos.

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Joseph Willians – Pastores em trajes turcos<br />
Meissen, o mais importante centro<br />
europeu de manufatura de porcelana na<br />
primeira metade do séc. XVIII, estimulou o<br />
desenvolvimento de fábricas de porcelana<br />
na Inglaterra.<br />
Chelsea, a mais antiga de todas, foi<br />
fundada, segundo parece, pouco depois<br />
de 1745, sendo o seu mestre-modelador o<br />
flamengo Joseph Willems.<br />
O estilo de Willems é uma elaborada<br />
interpretação do rococó.<br />
Joseph Willems<br />
Pastores em trajes turcos<br />
(Porcelana /32,4cm: 1765)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
René Dubois – Mesa Tilsit<br />
Essa mesa parece ter sido feita para Luiz<br />
XV, que a deu ou vendeu à Imperatriz<br />
Catarina II da Rússia.<br />
Recebeu o seu nome do fato suposto de<br />
ter sido nela assinado o Tratado Franco-<br />
Russo de Tilsit (1807), sendo o seu<br />
proprietário de então o Príncipe<br />
Kurakine, embaixador russo na côrte<br />
imperial francesa.<br />
Os intricados ornamentos em relevo e as<br />
elaboradas cariátides das pernas (já<br />
atribuídas ao escultor Étienne Falconet)<br />
dão a esta peça uma qualidade rica e algo<br />
austera, apesar de toda a sua elegância,<br />
embora o laqueado tenha escurecido.<br />
René Dubois –<br />
Mesa Tilsit ( Carvalho laqueado –<br />
76x143cm: 1770)<br />
Carvalho, laqueado em verniz ouro e<br />
verde, e parcialmente dourado, com<br />
molduras de bronze marchetado e<br />
dourado; o tampo é formado de<br />
marroquim verde.

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Claude Audran – Desenho de um teto<br />
Este desenho para parte da decoração de um<br />
teto é semelhante aos produzidos por Audran<br />
para o Château de Ia Ménagerie.<br />
Os motivos são adaptados de arabescos (um<br />
tipo tradicional de desenho intricado usando<br />
uma mistura de formas abstratas com figuras,<br />
animais e plantas) mas tudo ficou mais leve,<br />
mais livre e alegre.<br />
Tais desenhos foram uma importante fonte de<br />
inspiração do Rococó.<br />
Claude Audran<br />
Desenho de um teto<br />
(Detalhe / 20,1x34,3cm: 1709)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Robert Adam – A Sala Etrusca<br />
Adam afirmou que “um modo de decoração foi aqui<br />
tentado, que difere de tudo o que até agora se praticou<br />
na Europa", isto é, a aplicação de motivos de vasos<br />
gregos à decoração de um interior.<br />
De fato, a sala tem uma leveza rococó e as formas e<br />
cores usadas têm uma semelhança mais próxima com os<br />
grotesques de Pompéia e da Renascença do que com<br />
qualquer coisa encontrada na cerâmica grega;<br />
mas o espírito arqueológico subentendido nos desenhos,<br />
estimulado pelas descobertas realizadas em Herculano e<br />
Pompéia, mostra-nos um aspecto do movimento<br />
neoclássico.<br />
Robert Adam<br />
A Sala Etrusca<br />
(Inglaterra - 1775)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Robert Adam – Syon House<br />
O arquiteto Robert Adam (1728-92) está indissoluvelmente ligado ao<br />
movimento neoclássico inglês, e o seu nome ficou associado a um<br />
estilo de decoração interior.<br />
O estilo Adam alia a compreensão da proporção a um apuro nos mais<br />
ínfimos pormenores, como o puxador de uma porta ou um vaso.<br />
Adam foi freqüentemente encarregado de remodelar edifícios - e não<br />
tanto de construí-los - e o seu talento residia na capacidade de criar<br />
seqüências de divisões bem proporcionadas e com formas<br />
interessantes que eram um prazer para a vista e atraíam o visitante.<br />
A este conceito, chamou ele «movimento», afirmando que ele era «a<br />
ascensão e a queda, o avanço e o recuo em relação a outras formas,<br />
nas diversas componentes de um edifício, para aumentar<br />
substancialmente a componente pictórica da composição).<br />
Estes pormenores de Syon House, em Middlesex, que sofreu uma<br />
remodelação entre 1761 e 1771, mostram como ele criou o seu estilo.<br />
Robert Adam<br />
Syon House ( Middlesex – Inglaterra: 1761)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Cabinet de la Pendule – Versalhes<br />
O Cabinet de Ia Pendule faz<br />
parte dos "Petits<br />
appartements" criados na<br />
década de 1730 por Luís XV na<br />
ala norte de Versalhes, de<br />
frente para a Cour de Marbre.<br />
Essas salas foram<br />
deliberadamente projetadas de<br />
modo a serem mais leves, mais<br />
agradáveis e mais íntimas do<br />
que os "grands Appartements"<br />
feitos para Luís XIV e são típicos<br />
do rococó francês.<br />
A lareira e o mobiliário são da<br />
época mas o fundo da sala,<br />
originalmente oval, foi<br />
modificado em 1760.<br />
Cabinet de la Pendule<br />
(Versalhes - 1738)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Germain Boffran – Palais Soubise<br />
Germain Boffran<br />
Salão da Princesa/ Palais Soubise<br />
( Paris - 1732)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Germain Boffran – Palais Soubise<br />
Germain Boffran<br />
Salão da Princesa/ Palais Soubise<br />
( Paris - 1732)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jacob Prandtauer – Basílica de Wallfahrst<br />
Jakob Prandtauer<br />
Basílica de Wallfahrts<br />
(Áustria - 1729)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Baltazar Neumann – Sala do Imperador<br />
Balthasar Neumann<br />
Sala do Imperador<br />
(Alemanha - 1744)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Baltazar Neumann -Igreja de Vierzahnheiligen<br />
Balthasar Neumann<br />
Igreja de Vierzahnheiligen<br />
(Alemanha - 1743)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Baltazar Neumann - Igreja de Vierzahnheiligen<br />
Balthasar Neumann<br />
Igreja de Vierzahnheiligen<br />
(Alemanha - 1743)

Jakob Prandtauer<br />
Mosteiro de Melk<br />
(Áustria - 1702)<br />
Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jacob Prandtauer – Mosteiro de Melk<br />
A Igreja fez uso de efeitos<br />
impressionantes em suas construções. O<br />
mosteiro de Melke, às margens do<br />
Danúbio, com sua cúpula e torres de<br />
formato insólito, ergue-se sobre a colina<br />
como uma aparição irreal, para quem<br />
navega rio abaixo.<br />
Foi edificado por um construtor local<br />
Jakob Prandtauer (falecido em 1726) e<br />
decorado por alguns dos virtuosi<br />
itinerantes italianos que estavam sempre<br />
dispostos a retirar novas idéias e novos<br />
projetos do incomensurável repertório de<br />
modelos barrocos. Com que maestria<br />
esses humildes artistas tinham aprendido<br />
a difícil arte de agrupar e compor um<br />
edifício, dando-lhe uma aparência de<br />
grandeza sem monotonia! Também eram<br />
cuidadosos ao graduar a decoração e ao<br />
usar com parcimônia as formas mais<br />
extravagantes, mas sempre com a maior<br />
eficácia, nas partes do edifício que<br />
queriam destacar.

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jacob Prandtauer – Mosteiro de Melk<br />
No interior, porém, abandonavam todas as limitações. Nem<br />
mesmo Bernini ou Borromini, em seus dias de humor mais<br />
exuberante, teriam ido tão longe.<br />
Uma vez mais, devemos imaginar o que significa para um simples<br />
camponês austríaco deixar sua humilde casa na granja e penetrar<br />
nesse estranho mundo encantado.<br />
Há nuvens por toda parte, com anjos tocando música e<br />
gesticulando na bem-aventurança do Paraíso.<br />
Alguns pousaram no púlpito, tudo parece mover-se e dançar, e a<br />
arquitetura que cerca o suntuoso altar parece oscilar ao ritmo dos<br />
cânticos jubilosos.<br />
Nada é "natural" ou "normal" em semelhante igreja... nem<br />
pretendia ser. A intenção é fazer-nos antegozar a glória do Paraíso.<br />
Talvez não seja essa a idéia que o homem comum faz do Paraíso,<br />
mas, quando está envolvida por tudo aquilo, qualquer pessoa<br />
sentir-se-á feliz, pondo de lado todas as interrogações.<br />
É como se penetrasse num mundo em que as nossas regras e<br />
nossos padrões simplesmente não se aplicam.<br />
Jakob Prandtauer<br />
Mosteiro de Melk<br />
(Áustria - 1702)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Baltazar Neumann - Escadaria / Würzburg<br />
Balthasar Neumann<br />
Escadaria / Würzburg<br />
(Alemanha - 1744)

Rococó<br />
Brasil - século XVIII<br />
Aleijadinho – Igreja de N. Sra. do Monte do Carmo<br />
Aleijadinho<br />
Coro da igreja de N. Sra. do Monte do Carmo (Sabará - 1770)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jean Honoré Fragonard – O Balanço<br />
O jovem pretendente está aos pés de um monumento de<br />
pedra - incidentalmente coroado por Amor, o deus do amor -<br />
como se acidentalmente tivesse tropeçado e caído nos<br />
arbustos, onde, como por acaso, consegue vislumbrar as saias<br />
interiores da bela mulher no balanço.<br />
No entanto a cena mostra mais do que um jogo de namorico<br />
entre o voyeurismo e o exibicionismo.<br />
O rosto do jovem deitado entre as rosas é iluminado como se<br />
fosse por uma fonte de luz invisível - como um santo perante<br />
uma visão celestial. No entanto, não é uma verdade divina que<br />
se lhe revela, mas algo muito mais humano: o que ele<br />
vislumbra é o paraíso na terra, e as alegrias que promete são<br />
de natureza muito mundana.<br />
O olhar da bela mulher é inexpressivo, e os seus olhos<br />
parecem vidrados no rubor encantador do seu rosto. O que<br />
está acontecendo aqui, já está simbolizado pelo balanço a<br />
alcançar o ponto mais alto do seu arco. Dentro em pouco,<br />
cairá novamente, recolhido pelo homem idoso no fundo<br />
escuro: uma fração de segundo de arrebatamento erótico, tão<br />
feliz e arriscado como o próprio Rococó.<br />
Jean Honore Fragonard<br />
O Balanço<br />
(Óleo s/ tela: 83x63cm – 1767)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jean-Antoine Watteau – Festas Venezianas<br />
Nesta festa, nada nem ninguém parece ser o centro das<br />
atenções.<br />
O casal que dança um minueto parece completamente<br />
absorto, o tocador de gaita de foles olha fixamente para o<br />
espaço com ar sonhador, um cavalheiro ocupa-se da<br />
conquista de uma mulher bonita, um casal passeia frente à<br />
fonte, duas mulheres e um ator estão envolvidos numa<br />
conversa profunda.<br />
De um forma geral, os materiais apresentam certa<br />
semelhança e todos contribuem para o sentimento de<br />
celebração.<br />
Jean-Antoine Watteau<br />
Festas Venezianas<br />
(Óleo s/ tela: 56x46cm – 1719: Edimburgo)

Rococó<br />
Primeira metade do século XVIII<br />
Jean-Baptiste Oudry – Natureza morta com pato branco<br />
Oudry era um profundo conhecedor das naturezas-mortas do século<br />
XVII, de origem holandesa. Ele tinha-as visto e sabido da sua<br />
existência através dos seus professores, Michel Serre e Nicolas de<br />
Largilliere.<br />
No entanto, neste trabalho tardio, Oudry mostra, de forma radical,<br />
que as naturezas-mortas da França do século XVIII revestem uma<br />
índole completamente diversa. O conteúdo da tela não só não<br />
antecipa qualquer sugestão alegórica, antes pelo contrário, a vê<br />
virtualmente negada. A escolha dos objetos - o pato branco, a<br />
sobremesa branca em taça de porcelana branca, a toalha branca de<br />
damasco, a vela branca em castiçal de prata, o pedaço de papel<br />
branco assinado e datado, tudo disposto sobre uma parede<br />
esbranquiçada - não nos deixa qualquer dúvida: esta tela não trata do<br />
significado dos objetos em si, mas sim da exploração de um complexo<br />
jogo de tonalidades brancas e prateadas. É uma pintura<br />
monocromática com uma diferença: em vez de retratar objetos<br />
coloridos já privados das suas cores, retrata objetos cuja cor original é<br />
o branco.<br />
A artificialidade do Rococó, tantas vezes citada como a sua principal<br />
característica, é aqui totalmente destruída com ironia e perícia. O que<br />
aqui vemos não nos é apresentado como sendo algo fantástico, mas<br />
sim como objetos reais, numa situação real. O fato é que a<br />
artificialidade e finesse são desta forma apresentadas como<br />
realidade. Por outras palavras, a realidade jaz no olhar do espectador.<br />
Jean-Baptiste Oudry<br />
Natureza morta com pato branco<br />
(Óleo s/ tela: 95x63cm – 1753)

Francisco José de Goya<br />
Peru depenado<br />
(Óleo s/ tela: 44,8x62,4cm – 1753)<br />
Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Francisco José de Goya – Peru depenado<br />
No seu ciclo de gravuras intitulado<br />
Caprichos, Goya retrata prostitutas<br />
extorquindo os seus clientes e<br />
escorraçando-os com os bolsos<br />
vazios.<br />
A palavra espanhola para isto é<br />
desplumar, que significa “depenar”.<br />
Ele mostra-as como aves feias e<br />
depenadas com cabeça de homens,<br />
como metáfora de exploração e<br />
revelação, expondo-as em toda a<br />
sua mediocridade.<br />
Nesta natureza morta, a ave<br />
depenada e nua representa a<br />
brutalidade da verdade tão<br />
violentamente revelada.<br />
Tal como esta pintura não permite<br />
ao espectador refugiar-se nos<br />
confortos da edificação moral,<br />
também torna impossível evitar a<br />
verdade nua e crua.

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Francisco José de Goya – A Maja Vestida e A Maja Desnuda<br />
Maja é a palavra espanhola para descrever uma<br />
rapariga vulgar das classes mais baixas quando<br />
se veste com a última moda e elegância.<br />
Ela é igualmente simples e especial, do povo, e<br />
um regalo para os olhos ao mesmo tempo.<br />
A Maja de Goya não é nenhuma Vênus; o que<br />
vemos aqui não é sensualidade sublimada na<br />
forma de antiguidade, mas a própria<br />
sensualidade. A sua pose é inequívoca, o seu<br />
desafio arrojado. Goya mostra-a vestida e<br />
despida: a nudez não é aqui um atributo<br />
mitológico, mas apenas um estado de<br />
vulgaridade.<br />
Dispensando os padrões tradicionais, o artista<br />
cria uma cena de realidade provocante.<br />
Francisco José de Goya<br />
A Maja Vestida<br />
(Óleo s/ tela: 95x190cm – 1797: Museu do<br />
Prado)<br />
A Maja Desnuda<br />
(Óleo s/ tela: 97x190cm – 1797: Museu do<br />
Prado)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Francisco José de Goya – O fuzilamento dos rebeldes a 3 de maio de 1808<br />
Francisco José de Goya<br />
O Fuzilamento dos rebeldes a 3 de Maio de 1808<br />
(Óleo s/ tela: 266x345m – 1914: Museu do Prado)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Eugéne Delacroix – A Liberdade liderando o povo<br />
Eugène Delacroix<br />
A Liberdade Liderando o Povo (Óleo s/ tela, 260x325 cm: 1830)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Eugéne Delacroix – Órfã no cemitério<br />
Eugène Delacroix<br />
Órfã no cemitério<br />
(Óleo s/ tela, 66x54 cm: 1823)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Ingres – A banhista de Valpinçon<br />
Além da arte retratista, um dos principais gêneros pictóricos do<br />
século XIX, Ingres concentrou-se sobretudo nos nus femininos.<br />
Na sua celebrada A Banhista de Valpinçon, o arrojado espírito<br />
inovador que permeou as pinturas de David do período<br />
revolucionário continua patente, refletido na monumentalidade<br />
neoclássica de motivos insignificantes, sem os elementos<br />
decorativos mitológicos ou orientais, pelos quais Ingres veio a<br />
desenvolver mais tarde um certo gosto. Atendendo a que, antes<br />
da Revolução Francesa, a representação na pintura rococó de<br />
corpos femininos nus tivera um cunho claramente erótico, tornase<br />
evidente o novo sentido moral deste artista.<br />
A sensualidade das suas obras reside no prazer contemplativo da<br />
beleza tranqüila dos objetos numa sala banhada de luz, cuja<br />
estrutura vertical e horizontal eles absorvem. A pintura<br />
assemelha-se a uma natureza-morta. Só a presença dos objetos<br />
importa.<br />
A figura humana converte-se ela própria num objeto, na medida<br />
em que o rosto, enquanto símbolo de individualidade, se desvia<br />
do espectador, emprestando ao corpo a mesma existência<br />
silenciosa da materialidade ambiente, transfigurada pela luz.<br />
Jean Auguste Dominique Ingres<br />
A banhista de Valpinçon<br />
(Óleo s/ tela, 146x97,5 cm, 1808: Louvre)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Jacques-Louis David – A morte de Marat<br />
Em 12 de Julho de 1793, David visitou o seu camarada<br />
jacobino Marat. “Encontrei-o”, relatou: “numa situação que<br />
me espantou.<br />
A seu lado estava uma caixa de madeira, sobre ela um<br />
tinteiro e papel e, durante o banho, anotava os seus últimos<br />
pensamentos para bem do povo.” No dia seguinte, Marat<br />
foi assassinado por Charlotte Corday e David foi<br />
encarregado pela Convenção de o pintar.<br />
David registra as suas últimas impressões. A caneta está a<br />
escorregar da mão de Marat, e a cabeça cai para o lado. A<br />
mão moribunda de Marat segura ainda um pedido<br />
enganador de Charlotte Corday para uma audiência; na<br />
caixa de madeira está uma carta de um filantropo anônimo;<br />
no chão jaz a arma do crime.<br />
À primeira vista a pintura aparenta ser demasiado privada<br />
para um memorial oficial. Porém, numa inspeção mais<br />
próxima, a sua composição rigorosa faz com que pareça um<br />
memorial propagandístico: a caixa de madeira com a sua<br />
inscrição torna-se uma lápide tumular e o banho em que jaz<br />
o homem assassinado num caixão.<br />
Jacques-Louis David<br />
A Morte de Marat<br />
(Óleo s/ tela, 165x128cm: 1793)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Jacques-Louis David – Napoleão atravessando os Alpes<br />
Este retrato eqüestre de Napoleão atravessando os Alpes<br />
não o retrata como um estrategista inteligente, nem como<br />
um general destemido e sem escrúpulos, mas como um<br />
herói romântico elevado à figura mítica atravessando uma<br />
fronteira mítica - os Alpes.<br />
David glorifica Napoleão como um herói incansável, cujo<br />
rosto une os ideais de beleza e determinação neoclássicos.<br />
Napoleão não posou como modelo para ele nesta pintura.<br />
Mas em 1797 ele tinha concedido posar durante duas horas<br />
para o estimado pintor da corte. O esboço a óleo criado<br />
nessa sessão de pose tem menos pathos, e a expressão do<br />
general é menos heróica, mas mesmo nesse retrato<br />
Napoleão pode ser visto como um homem elegante, de<br />
maxilar forte, olhar forte e forte vontade.<br />
O esboço apenas serviu como esboço preparatório para<br />
uma pintura planeada que pretendia mostrar Napoleão<br />
contemplando os Alpes e que nunca foi executada.<br />
Jacques-Louis David<br />
Napoleão atravessando os Alpes<br />
(Óleo s/ tela, 259x221cm: 1799)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Jacques-Louis David – Napoleão no seu escritório<br />
Os contemporâneos de David admiravam a perfeição da sua técnica. tal<br />
como o fariam as gerações posteriores. Todavia, ele não é geralmente<br />
considerado como um artista de grande empatia psicológica. Mesmo<br />
assim, se examinarmos este famosíssimo retrato de Napoleão com um<br />
olhar imparcial, podemos detectar a profundidade psicológica por trás da<br />
superfície suave.<br />
Foi pintado em 1812, um ano fatídico para Napoleão. Em 1804 ele tinhase<br />
coroado a si mesmo imperador na presença do papa, e David, que<br />
tinha sido nomeado pintor da corte imperial nesse mesmo ano, registrou<br />
este ato oficial de pompa fria e egomania. Em 1812, a vida do militar<br />
corso tinha chegado a um ponto de viragem.<br />
Foi o ano em que o seu triunfo se transformou em derrota pela primeira<br />
vez. Na retirada de Moscou, o exército foi esmagado. Nesta pintura,<br />
Napoleão não se parece com um herói. A sua cara pálida está inchada, o<br />
seu corpo disforme, o seu olhar melancólico em vez de vitorioso. E a pose<br />
que devia parecer confiante, parece incerta.<br />
O imperador não está firme e dinâmico, mas ligeiramente curvado para a<br />
frente, entre a sua mobília suntuosa de estilo oriental. Vemos um homem<br />
que já passou certamente o zênite da sua vida e do seu sucesso aos 43<br />
anos. Já quase não resta nada do arrojado herói, o conquistador ao<br />
assalto pintado por David em 1799/1800.<br />
Jacques-Louis David<br />
Napoleão no seu escritório<br />
(Óleo s/ tela, 204x125cm: 1812)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
Na França. o Neoclassicismo romântico começa com a edificação da maior obra<br />
da época, o Panteão. Os contemporâneos de Soufflot caracterizavam o<br />
Panteão como sendo "o primeiro exemplo da arquitetura perfeita".<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva / Panthéon<br />
(Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
A cúpula gigantesca deste edifício que concorre com as de São Pedro em Roma,<br />
São Paulo em Londres e a dos Inválidos em Paris, deveria exceder em muito a<br />
altura do bairro e identificar o local do túmulo da padroeira da cidade.<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva / Panthéon<br />
(Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva /<br />
Panthéon<br />
(Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
A renúncia, por parte de Soufflot, a um sistema de colunas, contrafortes e<br />
paredes mestras, assim como a racionalidade e pureza da forma, produzem uma<br />
construção de grande efeito.<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva / Panthéon<br />
(Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
Soufflot procurou criar uma síntese entre a leveza das<br />
construções góticas e as formas da Antiguidade Clássica: a planta<br />
em cruz grega persegue os ideais do Renascimento.<br />
Os elementos de suporte já não são as paredes, mas as colunas. O<br />
concreto armado, aplicado nas 22 colunas que formam o pórtico,<br />
é um elemento precursor da arquitetura moderna.<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva / Panthéon (Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Soufflot – Santa Genoveva/ Panthéon<br />
Jacques-Germain Soufflot<br />
Santa Genoveva / Panthéon (Paris:1764-1790)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Chalgran – Arco do Triunfo<br />
Chalgrin<br />
Arco do Triunfo ( Paris:1806-1836)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Chalgran – Arco do Triunfo<br />
Chalgrin<br />
Arco do Triunfo ( Paris:1806-1836)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Robert Smirke – Museu Britânico<br />
Na Inglaterra. o inicio do séc. XIX é caracterizado pelo chamado (Greek<br />
Revival - revivalismo grego). o estudo da arquitetura da Grécia Clássica,<br />
que toma rapidamente o lugar de paradigma.<br />
A linguagem formal exterior exprime a função e a história do edifício. Os<br />
edifícios públicos não só competem com as obras sacras ou os palácios,<br />
como também tentam excedê-los arquitetonicamente.<br />
Sir Robert Smirke<br />
Museu Britânico<br />
(Londres:1823-1847)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Robert Smirke – Museu Britânico<br />
A fachada sul do edifício segue o estilo da arquitetura dos templos gregos,<br />
com uma poderosíssima colunata de 48 colunas jônicas.<br />
Sir Robert Smirke<br />
Museu Britânico<br />
(Londres:1823-1847)

Neoclássico<br />
Séculos XVIII e XIX<br />
Robert Smirke – Museu Britânico<br />
Sir Robert Smirke<br />
Museu Britânico<br />
(Londres:1823-1847)

Neoclássico<br />
Arquitetura na América (Séculos XVIII e XIX)<br />
Willian Thornton – Capitólio / Congresso Americano<br />
A construção de um Capitólio estatal agitou os ânimos<br />
na América. O modelo seguido foi o Capitólio da<br />
antiguidade romana, como local privilegiado do poder<br />
democrático.<br />
A linguagem arquitetônica inspira-se no classicismo de<br />
Palladio e na sua teoria das proporções.<br />
William Thornton<br />
Capitólio / Congresso Americano<br />
( Washington: 1793 - 1865)

Neoclássico<br />
Arquitetura na América (Séculos XVIII e XIX)<br />
Willian Thornton – Capitólio / Congresso Americano<br />
A cúpula monumental de Thomas Walter é o símbolo da cidade.<br />
Personifica o sonho americano de liberdade e de possibilidades<br />
ilimitadas e representou, também, uma façanha técnica.<br />
Walter utilizou, pela primeira vez. o ferro fundido. Como proteção<br />
contra as forças de expansão deste material construiu dois cascos,<br />
cintados de modo complicado e encavilhados um no outro.<br />
William Thornton<br />
Capitólio / Congresso Americano ( Washington:1793 - 1865)

Neoclássico<br />
Arquitetura na América (Século XX)<br />
Lincoln Memorial<br />
Classicismo nos Estados Unidos<br />
Lincoln Memorial ( Washington: 1911)

John Russel Pope<br />
Arquivo Nacional ( Washington: 1934)<br />
Neoclássico<br />
Arquitetura na América (Século XX)<br />
John Russel Pope - Arquivo Nacional

Neoclássico<br />
Arquitetura na América (Século XX)<br />
John Russel Pope – Thomas Jefferson Memorial<br />
Classicismo nos Estados Unidos<br />
Thomas Jefferson Memorial ( Washington: 1908)

Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária<br />
A fachada possui dois pavimentos,<br />
definidos pelas cimalhas robustas que<br />
percorrem toda a sua extensão e que são<br />
divididas, nos dois pisos, por pilastras<br />
dobradas que entalam os vãos de portas e<br />
janelas. Pilastras e cimalhas são de<br />
cantaria, de gnaisse carioca.<br />
O corpo central da fachada é ladeado pelas<br />
torres sineiras que, nos topos, têm bulbos<br />
com contornos caprichosos revestidos de<br />
azulejo.<br />
Três períodos de obras podem ser<br />
definidos por suas diferentes<br />
características: um barroco, visível no<br />
corpo frontal, na fachada e nas torres<br />
sineiras; um neoclássico, na cúpula semiesférica<br />
apoiada no tambor de base<br />
poligonal e no interior das naves e do<br />
transepto; e um eclético, nos corredores<br />
que ladeiam as naves.<br />
Neoclássico no Brasil<br />
Igreja Matriz da Nossa Senhora da Candelária<br />
( Rio: 1775 - 1811)

Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária<br />
Neoclássico no Brasil<br />
Igreja Matriz da Nossa Senhora da Candelária<br />
( Rio: 1775 - 1811)

Neoclássico no Brasil<br />
Igreja Matriz da Nossa Senhora da Candelária<br />
( Rio: 1775 - 1811)<br />
Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária<br />
A Igreja da Candelária tem três naves,<br />
transepto e cruzeiro encimado pela cúpula<br />
e capela-mor ladeada pelas sacristias.

Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Grandjean de Montigny _ Palácio do Comércio<br />
O arquiteto que maior importância teve na implantação da arquitetura<br />
neo-clássica aqui - Grandjean de Montigny -, verdadeiro chefe de<br />
escola cuja atuação começou em 1816, com a chegada da missão<br />
Lebreton de que ele fazia parte e se estendeu até a sua morte, em<br />
1850, ocorrida no Rio de Janeiro, de que jamais se afastou.<br />
Aluno de Percier na Escola de Belas-Artes de Paris, Grandjean<br />
entregou-se, na Itália, primeiro com seu colega de premiação Famin,<br />
depois, sozinho, a levantamentos reunidos em livro, de obras de<br />
Benedeto da Maiano, Micheloso, Antonio da San Galo, Michelangelo,<br />
Palladio e muitos outros grandes arquitetos da Renascença, de cuja<br />
influência se deixou impregnar e transparece em muitas das obras que<br />
realizou no Rio de Janeiro, principalmente, no projeto para a Academia<br />
de Belas-Artes, o qual, na versão, originalmente construída, revela,<br />
pelo apuro de proporção e elegância requintada de linhas, inequívoco<br />
parentesco com a arquitetura de Andréa Palladio na Vila Rotonda.<br />
É igualmente, reconhecível, em Grandjean, a influência da arquitetura<br />
francesa da sua época, em particular a de seu mestre Percier, um dos<br />
criadores do estilo Império (na técnica de execução dos desenhos a<br />
bico de pena e até na composição).<br />
Neoclássico no Brasil – Missão Francesa (Rio de Janeiro - Séc. XVIII)<br />
Grandjean de Montigny / Palácio do Comércio: atual Casa França-Brasil ( Rio: 1819 - 1820)

Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Grandjean de Montigny _ Palácio do Comércio<br />
Neoclássico no Brasil – Missão Francesa (Rio de Janeiro - Séc. XVIII)<br />
Grandjean de Montigny / Palácio do Comércio: atual Casa França-Brasil ( Rio: 1819 - 1820)

Neoclássico<br />
Arquitetura Neoclássica no Brasil (Séculos XVII e XIX)<br />
Grandjean de Montigny _ Palácio do Comércio<br />
Neoclássico no Brasil<br />
Grandjean de Montigny / Casa França-Brasil<br />
( Rio: 1820)

Gian Lorenzo Bernini<br />
Praça de São Pedro/Colunata ( Roma: 1568)<br />
Neoclássico<br />
O Classicismo na Arquitetura

Aldo Rossi - Edifício de Habitação (Berlim, 1988)<br />
Neoclássico<br />
O Classicismo na Arquitetura<br />
Hotel Il Palazzo (Fukuoka, Japão, 1998)<br />
“A forma da cidade é sempre a forma de um tempo de cidade, e<br />
existem muitos tempos na forma da cidade.<br />
No próprio decorrer da vida de um homem, a cidade muda de<br />
fisionomia em volta dele, as referências não são as mesmas.<br />
Baudelaire escreveu: “a velha Paris já não existe (a forma de<br />
uma cidade/ muda mais depressa, ai de nós, que o coração de<br />
um mortal)” (3)<br />
(3) Aldo Rossi (1931– 1997): A Arquitetura da Cidade (Pádua: 1966)<br />
Aldo Rossi - Edifício de Habitação (Milão, 1973)

Neoclássico<br />
O Classicismo na Arquitetura<br />
Élvio Garbini / Eduardo Facchini<br />
Museu do Índio (Campo Grande: 2006)