Quem procura acha

REVISTA
Nesta edição, a Continuum fala sobre a arte
“escondida” no dia a dia.
O curador britânico Guy Brett
reflete sobre a produção
contemporânea e o legado
de Hélio Oiticica.
ITAÚ CULTURAL 25
Quem
procura
acha
E mais:
Crônica de Eliane Brum mostra uma vida construída
com fragmentos de histórias alheias.
Em conto inédito, Daniel Galera traz diferentes significados
para uma foto.
Striptease também é arte?
itaucultural.org.br/continuum | participe com suas ideias

Arte é participação
Nas ruas e ladeiras, nas platibandas, dentro das casas, no metrô, em um gesto. A arte está em todo lugar, basta
apropriar-se dela, todos os dias. A ideia, aparentemente simples, foi centro da reflexão e de obras de artistas como
Hélio Oiticica e Lygia Clark. “O museu é o mundo; é a experiência cotidiana”, escreveu Oiticica em 1966. Pensando
nisso, a Continuum Itaú Cultural aborda as diversas formas da arte como elemento perene em nossa vida – ela
está em todos os lugares, a todo o tempo, apenas à espera de um olhar atento que a faça despertar.
Com o título Quem procura acha, a edição se inicia com uma reportagem que esclarece não existir arte sem o
olhar do outro, a participação de um espectador. O debate de que toda arte é participativa também está presente
na entrevista com o curador britânico Guy Brett, um dos responsáveis pela projeção da produção contemporânea
brasileira na Europa.
Ter os ouvidos atentos às narrativas simples, registrá-las e fazer
delas pequenas peças literárias é o trabalho da jornalista gaúcha
Eliane Brum, que, na Crônica, conta de que forma histórias
de vida constituem, também, o motor de sua existência. A
fotorreportagem traz a investigação de três fotógrafos brasileiros
acerca de detalhes corriqueiros de casas que remetem a
estilos da arte, a exemplo do barroco, do rococó e até mesmo
do contemporâneo.
A cidade imaginada como um imenso espaço expositivo, lugar em que é possível a um curador rearranjar volumes
ou alterar cores da paisagem urbana. Esse foi o desafio proposto aos cenógrafos Kiko Canepa e Valdy
Lopes Jn. e à artista visual Edith Derdyk. Eles reinventaram, respectivamente, trechos de São Paulo, Salvador
e Belém, por meio de desenhos e da manipulação de imagens.
E confirmando a tese de que a arte está em todos os lugares a Continuum comemora a grande
participação dos leitores na seção Área Livre. Ao todo, foram recebidos 64 trabalhos, entre desenhos,
fotografias, charges, textos e poemas visuais. Parte deles está na edição impressa,
e o conjunto completo você vê no site da revista. É uma prova de que o exercício
de descondicionar a forma de viver o cotidiano, enxergando a arte que
existe em todos os cantos, é algo não só prazeroso como também
pode trazer bons resultados. Experimente
você também!
2 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 3
Ilustração: Vânia Medeiros
Continuum Itaú Cultural Projeto gráfico Jader Rosa Design gráfico Laura Daviña Edição Marco Aurélio Fiochi, Mariana Lacerda Redação André Seiti,
Thiago Rosenberg Produção editorial Caio Camargo Revisão Polyana Lima Colaboraram nesta edição Augusto Paim, Casa de Marimbondo, Daniel
Galera, Daniel Marenco, Diogo Sponchiato, Edith Derdyk, Eliane Brum, Henrique Manreza, Ivan Pires, Jean-Frédéric Pluvinage, Kiko Canepa, Manuela
Eichner, Marcelo Rampazzo, Marcio Banfi, Mariana Sgarioni, Micheliny Verunschk, Paula Desgualdo, Phamela Dadamo, Tatiana Diniz, Theo Firmo, Valdy
Lopes Jn., Valéria Simões, Vânia Medeiros, Wilson Inacio Agradecimento Antônio Macena Valentim, Carla Guagliardi, Cecília do Val, Flávio Teodoro Marques,
Francisco das Chagas dos Santos, Gabinete de Arte Raquel Arnauld, Luca Bueno, Olivia Brett e Orides de Moraes
capa ilustração: Liane Tiemi Iwahashi | foto: André Seiti
ISSN 1981-8084 Matrícula 55.082 (dezembro de 2007)
Tiragem 10 mil – distribuição gratuita. Sugestões e críticas devem ser encaminhadas ao Núcleo de Comunicação e Relacionamento
continuum@itaucultural.org.br. Jornalista responsável Ana de Fátima Oliveira de Sousa MTb 13.554
Esta publicação segue as normas do Acordo Ortográfico da Língua Portuguesa, assinado em 1990, em vigor desde janeiro de 2009.

Entrevista
30. Interseção infinita
O curador britânico Guy Brett fala sobre como a arte brasileira é vista –
e apreciada – no exterior, e afirma: “Arte é vida mediada pelo artista”.
Reportagem
6. A vida como obra de arte
O legado de Hélio Oiticica. Saiba por que e como cada
canto do mundo pode se transformar em um museu.
12. Um flerte de longa data
De Adão e Eva a Arthur Bispo do Rosário, passando por
Coco Chanel e Leonilson: como a arte esteve e está
presente na moda.
22. O remédio está nas tintas...
Quando a música, a literatura, a pintura, a fotografia e
outros meios de expressão se aliam à medicina para
proporcionar bem-estar.
42. Ninguém veio para cá por
outro motivo, além de nós
Um repórter e uma coreógrafa visitam uma casa noturna
em busca da resposta para a seguinte questão:
striptease também é arte?
58. Casa em obras
Lar, doce lar: os artistas que fazem de suas residências
espaços expositivos, trazendo para o cotidiano um
quê de arte.
Intervenção
16. A cidade em exposição
A convite da Continuum, Edith Derdyk, Kiko Canepa
e Valdy Lopes Jn. elaboraram projetos para recriar o
espaço urbano de três grandes cidades brasileiras.
4 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 5
2010|25
6
Crônica
26. “Minha vida dá um romance”
O ato de ouvir histórias alheias atentamente pode
transformar nossa própria história.
Fotorreportagem
36. Onde vive a arte
Uma sala com móveis que lembram a arquitetura moderna,
um quintal com o desenho das calçadas de São
Paulo, paredes de celas presidiárias que parecem pinturas.
Imagens revelam os segredos guardados nos interiores.
Balaio
56. A arte de cada dia
As dicas de livros, filmes e músicas da Continuum.
36
Ficção
50. Cavalo amarrado a bicicleta
Uma praia, um enquadramento, uma fotografia e uma
história. Em conto inédito, o escritor Daniel Galera narra
um acontecimento banal, com diferentes significados.
Espaço do Leitor
Deadline
58
46. A arte narrativa na vida digital
O estudante de jornalismo Jean-Frédéric Pluvinage
escreve sobre como os games on-line de RPG mudaram
o jeito de contar e viver histórias.
62. Convocação
Saiba como ser um repórter da revista e fique por
dentro do tema da próxima edição. Você pode ainda
mandar cartas ou e-mails com sugestões, críticas e, é
claro, elogios.
63. Área Livre
Os trabalhos artísticos de leitores que buscaram –
e encontraram – a arte escondida no dia a dia.

6 Continuum Itaú Cultural
A vida como obra de arte
reportagem
Não é preciso estar em um museu para contemplar uma obra. Ao seu redor
há um mundo feito de arte, que só aparece a quem participa dele.
Por Mariana Sgarioni
Existe uma célebre frase, atribuída ao líder indiano Mahatma Gandhi, que diz algo como: “A arte da vida
consiste em fazer da vida uma obra de arte”. Essa ideia é discutida não apenas por quem pensa o comportamento
humano, mas também por artistas e por quem reflete o papel da arte no nosso cotidiano. Não se trata
de questionar apenas o que é a arte e sim onde ela está e de que maneira diz respeito a nós, espectadores.
O artista brasileiro Hélio Oiticica foi um dos principais responsáveis por tirar essa discussão do meio acadêmico
e trazê-la para o grande público. No início da década de 1960, ele publicou o texto “O Museu É o
Mundo”, no qual questionava o lugar da arte. Até então se falava apenas nas quatro paredes de um museu.
Para Hélio, não era preciso entrar em um para vê-la. Ela estaria no dia a dia, nas ruas, nas casas, nas atitudes,
no mundo. “Pretendo estender o sentido de ‘apropriação’ às coisas do mundo com que deparo nas ruas. Isto
seria um golpe fatal ao conceito de museu, galeria de arte etc., e ao próprio conceito de exposição – ou nós
o modificamos ou continuamos na mesma. Museu é o mundo; é a experiência cotidiana”, escreveu Oiticica
em 1966. Curiosamente, a curadora Lisette Lagnado lembra que, ao mesmo tempo que o brasileiro falava
dessa experiência aqui, nos Estados Unidos outro autor dizia exatamente o contrário: o mundo é um museu,
defendendo o caráter estático da arte.
Ao lado, Hélio Oiticica com Bólide B33 Caixa 18 Homenagem a Cara de Cavalo, 1965/1966, de sua autoria | foto: Cláudio Oiticica

E o que isso quer dizer? Para Oiticica, tudo ao nosso redor
poderia ser uma obra de arte. Parece meio estranho
pensar isso em relação a um lápis ou um chaveiro jogado
na mesa, mas a ideia está longe de ser tão simplista.
“Para o artista, o dia a dia de alguém pode ser uma
obra de arte. É só descondicionar seus hábitos, como
beber um copo de água de uma maneira diferente”,
observa Paula Braga, crítica de arte e autora do livro
Fios Soltos: A Arte de Hélio Oiticica (Perspectiva, 2008).
Oiticica mostrava que as coisas estão ali, no mundo,
prontas para ser experimentadas e se tornar arte.
Com a série de trabalhos chamada Bólides (a partir
de 1963), ele deixou essa marca bem clara. Trata-se
de recipientes simples (caixas, sacos, latas, bacias)
com materiais elementares e manipuláveis que
induzem à experimentação. O Bólide Lata-Fogo,
por exemplo, mostra que a lata pegando fogo
não precisa estar dentro de um museu
para se tornar arte. Ela está no mundo,
na vida. E é arte porque toca,
chama atenção.
Nós no papel de artistas
Ao desenrolar o conceito de que o museu está por toda
parte, outra noção veio à tona: a de que o público não
seria apenas um espectador que vê passivamente a obra,
e que a arte só se concretiza quando existe integração.
Segundo o próprio Oiticica, “o participador lhe empresta
os significados correspondentes – algo é previsto pelo
Integrar, no caso da arte, significa usar todos os sentidos
e não apenas a visão – assim, os trabalhos de Oiticica ultrapassam
a mera contemplação das obras ao misturar a
visão ao olfato, ao tato, à audição e ao paladar.
artista, mas as significações emprestadas são possibilidades
suscitadas pela obra não previstas, incluindo a não
participação nas suas inúmeras possibilidades também”.
Ou seja, o artista nunca sabe ao certo qual resultado a
obra terá, tudo vai depender de quem participa dela.
De certa forma, esse conceito se aproxima da pedagogia
proposta por Paulo Freire, que criticava a passividade
do aluno perante o professor, o qual seria o detentor
do conhecimento. Freire acreditava que o professor
deveria propor seu conhecimento aos estudantes,
assim como Oiticica propunha sua obra ao público.
O resultado final aparecia quando ocorria a chamada
integração entre as duas partes.
Integrar, no caso da arte, significa usar todos os sentidos
e não apenas a visão – assim, os trabalhos de Oiticica
ultrapassam a mera contemplação das obras ao misturar
a visão ao olfato, ao tato, à audição e ao paladar. Nesse
ponto, uma referência importante foi o filósofo francês
Maurice Merleau-Ponty, que afirmava que nossa percepção
do mundo se dá por meio da integração dos cinco
sentidos e não de cada um separadamente. Oiticica
ampliou a ideia: não existe a audição sozinha, nem o
tato sozinho e assim por diante. Da mesma maneira,
Penetrável PN 1,1960, de Hélio Oiticica | foto: César Oiticica Filho
8 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 9

não existe
a arte sozinha, nem
a política, nem a sociologia. Tudo
está misturado. É como se perguntava
o sociólogo francês Roland Barthes: “A que
distância devo me manter de meus semelhantes
para construir com os outros uma sociabilidade
sem alienação?”
“Com os Núcleos, de 1960-1963, espaços definidos
por planos ortogonais dependurados do teto por
fios, Oiticica inaugurou a construção de um espaço
de cor que podia ser penetrado pelo espectador. Daí
o termo penetráveis, que o artista usaria até o final de
sua carreira. Esses ambientes exigem mais do que um
espectador: a obra só faz sentido quando experimentada,
habitada”, diz Paula Braga.
Aonde chegariam os conceitos “oiticiquianos” hoje? De que
maneira eles conduziriam a relação da arte no mundo, da
participação do indivíduo, da coautoria? Oiticica deixou
essas questões em aberto. Uma obra em aberto, prestes a
ser construída por algum de nós.
Quem experimenta e quem habita? Ora, o corpo.
Oiticica passou a ter um contato diferente com o
próprio corpo ao começar a frequentar o Morro da
Mangueira, no Rio de Janeiro. Teve aulas de dança
e tornou-se passista da escola de samba Estação
Primeira de Mangueira. Descobriu que seu corpo era
muito mais do que um mero receptor de estímulos
sensoriais, ele era parte do ambiente. Foi daí que
nasceu sua mais famosa série de obras, os Parangolés,
feitos a partir de 1964, os quais exigem um corpo que
dança e se movimenta.
Diversos artistas têm bebido dessas referências para
compor suas obras. Marcelo Cidade, por exemplo, usou
na intervenção Eu-Horizonte seu próprio corpo como
matéria-prima para reivindicar um horizonte na capital
paulista. Até que ponto um horizonte é importante
no contexto urbano? Em uma performance, o artista
aparece nu, suspenso, em uma movimentada esquina
da zona leste de São Paulo. Apesar de admitir a referência
dos anos 1960, Marcelo acredita que se Oiticica
estivesse vivo a discussão seria outra. “Naquela época,
tratava-se de um mundo polarizado, entre ideologias
de direita e esquerda. Atualmente, discutimos como
podemos viver eticamente”, afirma.
Aonde então chegariam os conceitos “oiticiquianos”
hoje? De que maneira eles conduziriam a relação da arte
no mundo, da participação do indivíduo, da coautoria?
Será que qualquer um poderia vir a ser um artista do seu
próprio dia? Não se sabe ao certo. Oiticica deixou essas
questões em aberto. “Hélio imaginava a arte como um
elástico, que sempre pode ser esticado para um lado
que ainda não foi”, explica Paula Braga. Talvez esse lado
seja justamente uma obra em aberto, como ele deixou,
prestes a ser construída por algum de nós.
10 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 11
Vestido Herói Marginal, 1965, de Hélio Oiticica | registro fotográfico: Alexandre dos Santos Silva

Um flerte de longa data
Como a arte está presente na criação de alta-costura e como a moda
é referência em vários projetos artísticos.
Por Micheliny Verunschk | Ilustração Marcio Banfi
reportagem
E Deus criou o homem e a mulher, que comeram do fruto proibido e já foram inventando moda e arte. Afinal,
nada mais performático do que aquela folha de parreira com que Adão e Eva se deram a desfilar nas passarelas
do paraíso. Brincadeiras à parte, moda e arte vêm traçando caminhos paralelos praticamente desde que o
mundo é mundo. Das túnicas da nobreza egípcia aos drapeados da corte espanhola retratada por Velásquez,
passando por Coco Chanel e desaguando em nomes como Hélio Oiticica e Arthur Bispo do Rosário, para
ficar apenas nos brasileiros, as relações e os diálogos entre moda e arte vêm há anos rendendo panos para
mangas e resultados inimagináveis.
Conforme explica a curadora e especialista em arte moderna e contemporânea Cacilda Teixeira da Costa, no seu
livro Roupa de Artista – O Vestuário na Obra de Arte (Imprensa Oficial, 2008), a moda, como a entendemos hoje,
surgiu em meados do século XIV, quando reis e nobres da Europa medieval, irritados por suas roupas serem
copiadas pela burguesia em ascensão, passaram a usar modelos diferenciados que logo eram descartados
após serem novamente imitados. Dentro desse ciclo infinito de repetições, o ato de vestir-se vem ganhando
uma importância crescente, avalizada, embora não exclusivamente, pelas artes visuais.
Das telas às ruas
Segundo o jornalista especializado em moda Ricardo Oliveros, a moda existe para estar na vida: “É nas ruas,
não nas passarelas, nem nas revistas, que a moda completa seu ciclo e é para estar lá que ela existe. Porém,
ela vem ganhando outros significados desde que deixou de ser sinônimo de roupas e passou a ser um objeto,
no sentido filosófico, que está sendo estudado por diferentes saberes. Eu penso a moda como um dos mais
importantes e confiáveis documentos para entender o espírito de cada tempo”, afirma.
Um trabalho que ilustra perfeitamente a posição de Oliveros é a tela Mulheres no Jardim, do pintor impressionista
francês Claude Monet. As saias das personagens-título, avolumadas pela crinolina – armação feita
de algodão e crina de cavalo trançada –, representam bem a ascensão do estilo vitoriano e do romantismo
no século XIX, seja pela sobriedade dos trajes, seja pela aura de distanciamento da figura feminina. Ou como
observa Alison Lurie, no seu livro A Linguagem das Roupas (Rocco, 1997), “a saia rodada parecia dizer que os
homens não podiam se aproximar, nem para beijar a mão da mulher. Mas é claro que esse distanciamento
era uma grande enganação. A saia rodada era um instrumento de sedução”. E é esse clima de desejo e interdição,
malícia e suposta inocência que o pintor acaba por capturar para dentro do seu trabalho.
De outro lado, e puxando para a contemporaneidade,
Hélio Oiticica levou ao extremo da vitalidade o diálogo
arte-moda-rua ao criar os Parangolés, obras de arte
vestíveis que só ganham sentido ao se apoderar do
movimento dos corpos que as levam. Bandeiras de
vestir, pinturas de dançar, os Parangolés resumem o que
diz Cacilda ao afirmar que “a moda em grande parte se
alimenta da arte e, em alguns momentos, essa relação
pode se reverter, acontecendo de ambas transitarem
por opções semelhantes e de grande cumplicidade”.
Contemporâneo de Oiticica, Arthur Bispo do Rosário,
interno da Colônia Juliano Moreira, instituição para
doentes mentais localizada no bairro de Jacarepaguá,
Rio de Janeiro, confeccionou, entre várias obras, mantos
bordados com pingentes, palavras e cordões, entre
outros materiais e expressões, de grande beleza plástica
e que dialogam com os mantos dos caboclos
de lança do maracatu rural pernambucano. Essas
vestes, concebidas pelo artista como roupas de
se apresentar a Deus, são bons exemplos
do trânsito e intimidade entre arte,
vida e o sagrado.
12 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 13

A relação
entre a moda, a arte e
o transcendente está presente
também na pungente obra do artista
visual cearense Leonilson, morto em 1993,
que fez da biografia o principal motivo de sua
arte. Sua última obra, uma instalação na Capela do
Morumbi, em São Paulo, na qual cadeiras vestidas
com camisas do próprio artista com mangas tornadas
mais compridas que o usual, alude não apenas à
fragilidade da vida e à ausência de materialidade do
corpo, mas também à efemeridade de tudo o que faz
o mundo. Inclusive a moda, podemos acrescentar.
Moda e literatura
Nem só de artes visuais vive o namoro entre arte e
moda. A literatura busca reproduzir em palavras os
brilhos, as texturas, as sedas e os cetins do vestuário
de um sem-número de personagens. É o que afirma a
professora e especialista em moda e literatura Genetti
Tavares: “A moda como demarcador de um tempo, de
uma época, como forma de leitura social e cultural de
um indivíduo é amplamente explorada na literatura. A
construção do personagem ficcional se apoia muitas
vezes nesse traço da moda”.
Genetti, que pesquisou as formas de apresentação
da moda na literatura de Machado de Assis, explica:
“O leitor de suas crônicas vai se deparar com uma
infinidade de referências ao vestuário e à moda sempre
parecendo acaso, mas comumente associando
essas referências às características da época, a acontecimentos
inesperados. Ele [Machado] também era
muito dedicado às leitoras e sabia que as mulheres,
mais que os homens, pelo menos no século XIX,
gostavam da moda. Isso sem falar nos dândis. A obra
de Machado retrata as cores do Brasil de sua época,
e a moda também é para ele estratégia narrativa”.
A professora cita Dom Casmurro (1899), em que a
indumentária é usada para delinear os personagens
e torná-los mais reais, enigmáticos e ambíguos. “[O
personagem] José Dias, por exemplo, é apresentado
pelo narrador também por meio do seu vestuário,
reafirmando ali seus trejeitos, defeitos e qualidades.”
A moda vai ao teatro
Figurinos de peças são uma prova de que
a moda certamente é arte.
A moda e o ato de representar andam de mãos
dadas. Para muitas pessoas, vestir-se é encarnar um
personagem, é transitar entre o real e o fantástico.
O estilista francês Christian Lacroix, por exemplo,
radicaliza essa ideia seja em suas coleções, seja
na paixão que o move em direção às coxias do
teatro. Foi criando figurinos para óperas, balés e
peças como Otelo, Carmem e Fedra que Lacroix
despontou para o mundo da moda. Responsável
por reeditar elementos do barroco na alta-costura,
Direito à beleza, à poesia
A moda sofre influências que vão do gosto pessoal
às necessidades de mercado e, talvez por isso, nem
sempre seja encarada com seriedade. Citando o filósofo
norueguês Lars Svendsen, Oliveros credita esse fato à
ausência de uma crítica especializada. Escrever sobre
moda, segundo Svendsen, ainda é fazer marketing
de uma ou outra marca, de um ou outro estilista e
é isso que, possivelmente, afasta a moda, mesmo a
alta-costura, da aura de objeto de arte.
Assim como a arte, a moda é linguagem, expressão
que, muito embora seja de caráter coletivo e de larga
escala, acena com promessas de individualidade. E é
desse modo que a publicitária e blogueira Cris Guerra
define sua relação com o tema. Deixando-se fotografar
diariamente com as roupas com que vai ao trabalho,
no blog Hoje Vou Assim (http://hojevouassim.blogspot.
com/), Cris se tornou uma referência no assunto: “A
“Nem todo mundo faz arte, mas todo mundo faz moda. Se
eu sair nua, estou fazendo moda e esse talvez seja o jeito
mais fácil de parecer que estou fazendo arte.” (Cris Guerra)
quando criança o estilista costumava desenhar
os figurinos das peças a que assistia.
Essa característica dramática da roupa em cena
é possível encontrar também fora do palco. No
Brasil, Experiência N. 3, performance realizada
por Flávio de Carvalho em 1956, na qual o artista
desfilou pelas ruas de São Paulo com um
saiote verde, uma blusa de mangas bufantes
com aberturas nas axilas e uma meia arrastão,
não apenas expôs a teatralização das calçadas
onde todos os dias desfilam os mais inusitados
estilos, como refletiu sobre a influência da moda
na arte e, consequentemente, na vida.
relação que temos com a moda é diferente da relação
que temos com a arte. A moda é mais democrática.
Nem todo mundo faz arte, mas todo mundo faz moda,
de uma forma ou de outra. Até quem diz não estar nem
aí para a moda é um fazedor dela. Quando abro meu
armário e não sei o que vestir ou até mesmo quando
fecho os olhos e escolho qualquer peça estou fazendo
moda, porque não escolher também é uma escolha.
Se eu sair nua, estou fazendo moda e esse talvez seja
o jeito mais fácil de parecer que estou fazendo arte!”.
Cris define esse trânsito entre arte e moda pela poética:
“Moda é acima de tudo um jeito bonito de viver.
É fantasia no meio do cotidiano. É transcender a utilidade
da roupa e colocar poesia nela. A moda acaba
tornando a arte próxima de mais pessoas. Indo além: a
moda é uma extensão de cada um, ela reforça a nossa
identidade. A moda, como a arte, torna a vida mais
suportável”, conclui.
14 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 15

Poemas urbanos
intervenção
Nas intervenções a seguir, a região central de três capitais brasileiras é pensada
como a sala de um museu ao dispor de um curador com o poder de rearranjar
a posição de edifícios, praças, lugares históricos e a própria geografia como
se fossem obras de arte que integrassem uma exposição.
SãO PAULO
Curadoria, fotos, desenho e texto
Kiko Canepa – cenógrafo
O centro de São Paulo abriga construções
interessantes, mas muitas delas
localizadas em meio a uma confusão
de volumes, de maneira que sua apreciação
se torna difícil. Nesta curadoria,
trabalhei a harmonização de edifícios e
as estruturas com o seu entorno.
O Edifício Martinelli, na Rua Líbero Badaró,
é obra que viu crescer à sua volta
todo tipo de construção, encontrando-se
hoje espremido entre uma rua e uma
curta ladeira. Falta-lhe a perspectiva que
tinha outrora. Alguns prédios poderiam
ser demolidos para dar lugar ao mais
antigo arranha-céu de São Paulo. Dessa
forma, o edifício voltaria a ser visível
tanto do Viaduto do Chá quanto do
Viaduto Santa Ifigênia, e ao longo de
todo o Vale do Anhangabaú.
A prefeitura funciona em um edifício com um visual bonito, porém
com um desenvolvimento vertical truncado, como se lhe faltasse
algo. A solução para tanto estava ali por perto, o belo edifício do
desativado Othon Hotel, na esquina da Rua Líbero Badaró com a
Praça do Patriarca. Aproveitando certa coerência com o estilo das
duas obras, resolvi juntá-las. O resultado dá à prefeitura a imponência
que lhe convém e devolve ao hotel uma função de destaque. O
famoso jardim no topo do edifício foi mantido.
Gosto muito do pórtico branco da Praça do Patriarca (foto), criado pelo arquiteto Paulo Mendes da Rocha. Quando o vi
pela primeira vez, no entanto, eu me perguntei o que aquela bela e imponente estrutura estava fazendo ali. Imaginei
que seu desenho pedia um lugar mais elevado. Ao passar pela Biblioteca Mário de Andrade, na Rua Xavier de Toledo,
percebi que o edifício poderia abrigar o pórtico em sua cobertura, de onde se desfruta a vista da copa das árvores
da Praça Dom José Gaspar.
16 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 17

SALVADOR
Curadoria, desenhos e texto Valdy Lopes Jn. – cenógrafo
Fotos Valéria Simões
Escolhi a região conhecida como Cidade Baixa, onde se
localizam o Elevador Lacerda, o Mercado Modelo, a Igreja
de Nossa Senhora da Conceição da Praia e a escultura de
Mário Cravo, entre outros atrativos.
A ideia da curadoria é se desfazer das construções que
descaracterizam os casarões históricos. Imaginei toda essa
arquitetura, inclusive os pontos turísticos, pintada de branco:
busca pela neutralidade do olhar, para destacar sobretudo
minha segunda intervenção sobre a topografia da colina
que articula a Cidade Baixa e a Alta.
Ao longo de sua história, várias das ladeiras de Salvador
foram territórios de liberdade e tolerância. As ladeiras,
becos e baixas constituem espaços de sociabilidade. Para
reforçar a vontade de olhar para essa geografia urbana,
tudo é tingido de vermelho intenso, que chama atenção
para esses percursos.
Por fim, uma cidade toda branca cortada pelo vermelho
pulsante da colina, de onde se enxerga o azul das águas
da Baía de Todos os Santos, espelhada pelo céu de um
azul constante.
18 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 19

BELÉM
Curadoria, fotos, desenhos e
texto Edith Derdyk – artista visual
Cidade que começa pelas
bordas. Encontro de rios que
indicam as rotas de entradas
e saídas. Os fundos das primeiras
edificações da Rua Siqueira
Mendes se dirigem para o rio.
E do monte mais alto de Belém
se avistam as vindas de fora.
Trata-se de um monte de pouca
altura e, diante daquela linha
horizontal que se alonga, surge
uma ponte de terra que vira
ponte para o mundo. E desse
lugar nasce o mercado: fluxo
aberto, trânsito livre, idas e vindas
de barcos. A feira do açaí
inaugura a manhã. Casas, barcos,
mercadorias, homens, caixas:
ingredientes para uma instalação
humana, efêmera e constante.
Ao lado do Mercado Ver o Peso, a
cada hora que passa a paisagem
humana pede passagem.
Participe com suas ideias 21

O remédio está nas tintas...
reportagem
...nos livros, nas canções, nos filmes. A arte se alia às ciências da saúde para
resgatar o bem-estar de quem encara uma doença.
Por Diogo Sponchiato e Paula Desgualdo
Desde que o homem peregrina em busca de um sentido à vida, a arte e a ciência são usadas para minorar os
males do corpo e da alma. Apesar das diferenças, esses dois campos do conhecimento caminham lado a lado
desde o seu berço, a Antiguidade. E o Renascimento que revolucionou a visão artística também demarcou
o surgimento da medicina moderna. Mas se mais tarde o Iluminismo ensinou que a base científica continha
a solução para os tormentos do homem, a história mostrou que nem sempre esse preceito tinha validade.
“Depois da Segunda Guerra Mundial, a humanidade percebeu que a ciência e a tecnologia também podiam
dar margem ao horror”, contextualiza a psicoterapeuta Selma Ciornai, coordenadora do departamento de
arteterapia do Instituto Sedes Sapientiae, em São Paulo. Por que, então, a arte não poderia ser empregada como
um recurso para ajudar o ser humano a restabelecer-se física e mentalmente? Embora seu valor terapêutico
atravesse séculos, foi só depois das tragédias do século 20 que o recurso artístico ganhou aval do meio médico.
Hoje, não faltam pesquisas que o apontem como um aliado no tratamento de diversos problemas de saúde.
“Trata-se de uma poderosa ferramenta de humanização da medicina, que ganha cada vez mais credibilidade”,
opina o médico e músico Paulo Campelo, professor da Faculdade de Ciências Médicas da Universidade de
Pernambuco. Desde 1996, Campelo lidera o projeto A Arte na Medicina Às Vezes Cura, de Vez em Quando
Alivia, Mas Sempre Consola, que promove, por meio de atividades como oficinas de conto de fadas para
crianças com câncer e encontros para divulgação dos dons artísticos de médicos e pacientes, a integração
das duas disciplinas. A música, claro, não fica de fora. No hospital da universidade, as gestantes dão à luz ao
som do seu compositor preferido e o bebê é recebido no berçário pelos acordes de Vivaldi e Mozart.
22 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 23
Biopintura, obra de Patrícia Noronha [detalhe]
As melodias também aceleram a recuperação de quem
está internado. “Elas atuam diretamente no cérebro,
estimulando a liberação de analgésicos naturais”, explica
Eliseth Leão, coordenadora de musicoterapia do Hospital
Samaritano, na capital paulista. Além disso, combatem o
estresse, fator que desencadeia e amplifica uma série de
enfermidades. Tamanho potencial tem sido explorado
como coadjuvante no tratamento de males do sistema
nervoso. Pesquisadores da Pontifícia Universidade
Católica de São Paulo demonstraram, em um estudo
recente, que a musicoterapia aprimora a qualidade de
vida de portadores da doença de Parkinson, problema
neurodegenerativo marcado por tremores. “A prática
musical minimiza os sintomas do problema, que, de
início, amedrontam seus portadores, familiares e
amigos”, diz o musicista Pedro Lodovici Neto, um
dos autores do trabalho. Para o especialista, que
faz parte há 52 anos de um grupo de jazz, a São
Paulo Dixieland Band, tocar ou ouvir uma
canção são maneiras de desmistificar
e encarar a doença.
A cura vem do verbo
“Além do território da emoção humana, médicos e
escritores compartilham um instrumento comum: a
palavra”, afirma o médico e escritor gaúcho Moacyr
Scliar, no livro A Face Oculta – Inusitadas e Reveladoras
Histórias da Medicina (Editora Artes e Ofícios, 2001).
Narrar e ouvir histórias constituem preciosos recursos
terapêuticos. Não por acaso, há uma lista de profissionais
da saúde que, em algum momento da carreira,
se dividiram entre o ofício e a literatura. Entre os mais
famosos, figuram Guimarães Rosa e Anton Tcheckov,
que também enxergavam na arte uma forma de resolver
conflitos psicossociais.
Narrar e ouvir histórias constituem preciosos recursos terapêuticos.
Não por acaso, há uma lista de profissionais da saúde
que, em algum momento da carreira, se dividiram entre o
ofício e a literatura.
Não só ler, mas produzir textos auxilia pacientes a reaver
a autoestima e a esperança necessárias para se recuperar.
Experiências realizadas nos Estados Unidos atestam
que pessoas com câncer que registravam seus medos
e sonhos em um diário lidavam melhor com o problema
e deixavam o hospital mais rápido. Essa espécie de
diário-terapia, já adaptada à internet, é vista como um
recurso de grande impacto. “Na tela ou no papel, os
doentes se libertam de uma avalanche de sentimentos,
trabalhando a angústia e a ansiedade durante o
tratamento e ganhando qualidade de vida”, observa a
psico-oncologista Luciana Holtz de Barros, presidente
do Instituto Oncoguia (www.oncoguia.com.br).

Tratamento por imagem
Nem todo mundo encontra nas palavras conforto para
as aflições. Nesse caso, entram em cena as artes visuais.
Arteterapeutas se valem de oficinas de pintura, desenho
e fotografia para minimizar o estresse e a depressão
que acometem os pacientes. “Eles conseguem expressar
por meio de imagens o que não estavam aptos a
verbalizar”, afirma Selma Ciornai. Até mesmo o fato de
contemplar a obra recém-criada apazigua os ânimos
e reinsere o indivíduo na rota do autoconhecimento.
Quando as figuras ganham movimento, a imersão em
um enredo mais complexo possibilita reflexões bastante
apuradas sobre os desafios impostos pela realidade. É o
que acontece nos encontros mensais do Cine Debate,
outro projeto do Hospital Samaritano, voltado não
apenas a pacientes, mas a qualquer interessado. “Não
existe manifestação que provoque mais insights do
que a arte”, diz a psiquiatra June Megre, que coordena
a iniciativa. “Por meio do cinema, abordamos questões
da mente humana”, conta. O filme A Bela da Tarde, de
Luis Buñuel, inspira discussões acerca da sexualidade.
Já Inteligência Artificial, de Steven Spielberg, baseia
diálogos sobre esquizofrenia – transtorno caracterizado
por alucinações frequentes.
A resolução dos conflitos da mente também se dá em
cima de um palco. Ou em uma terapia que se apoia
nas artes cênicas: o psicodrama, técnica que nasceu na
década de 1920. Nesse caso, a experiência pode exigir
que o indivíduo vista uma persona. “O objetivo é fazer
o paciente se colocar no lugar do outro”, diz a psicóloga
Jane Maciel Settembre, da Associação Brasileira de Psicodrama
e Sociodrama. Assim, é possível sobrepujar
conflitos internos que não raro atrapalham o convívio
social, e até se livrar de um quadro depressivo. Seja
como protagonista, seja como espectador, a
catarse proporcionada pela arte é capaz de
afastar as angústias e contribuir para manter
mente e corpo sãos. E não há ciência
que prove o contrário.
O caminho inverso
Se por um lado a arte trabalha pela ciência, os
artifícios do meio médico e da biologia molecular
podem inspirar criações. Imagine tubos de ensaio se
transformando em esculturas, ou receptáculos onde
se cultivam micróbios se tornando telas. É com base
nessa filosofia de interface entre arte e ciência que a
bióloga e artista plástica portuguesa Patrícia Noronha
compõe suas obras. “Desconstruindo e deslocando
Não só ler, mas produzir textos auxilia pacientes a
reaver a autoestima e a esperança necessárias para se
recuperar. Experiências realizadas nos Estados Unidos
atestam que pessoas com câncer que registravam
seus medos e sonhos em um diário lidavam melhor
com o problema e deixavam o hospital mais rápido.
esses objetos do seu espaço próprio, o laboratório, eles
podem ser olhados de um modo diferente”, acredita.
Patrícia desenvolve hoje um trabalho batizado de
biopintura. “É uma técnica que permite a utilização
de células vivas como pigmentos”, conta. A imagem
ao lado é resultado dessa experiência, em que células
fornecem as cores para a obra. E é a mais pura expressão
do conceito de art-science. Essa interação entre
os dois campos do conhecimento, aliás, não é uma
novidade. Leonardo da Vinci, para ficar no exemplo
mais conhecido, lançou mão de estudos de anatomia
para alcançar a perfeição de seus retratados. De lá
para cá, essa parceria cresceu, a ponto de se usar
algo trivial em um centro de pesquisas, uma
porção de células, como matéria-prima
artística. “A vida pinta-se a ela própria,
recriando-se e surpreendendo”,
sentencia Patrícia.
24 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 25

“Minha vida dá um romance”
Conte-me que eu escuto
Por Eliane Brum | Fotos Ivan Pires
26 Continuum Itaú Cultural
crônica
Ele olha para a plateia – nós –, estufa o peito, faz uma pausa teatral e diz: “Minha vida dá um romance”.
Concentra-se em um ponto invisível na mesa. Ou numa imperfeição nas unhas. E espera os aplausos na
forma de oh! e ah!
Para muitos, essa é a hora de pedir a conta e escapar correndo da mesa do bar. Ou mudar de lugar no ônibus.
Ou lembrar um compromisso inadiável. Ou pedir o divórcio. Ou se inscrever como cobaia no programa
espacial paquistanês.
Prefiro ficar. Digo: “Então me conta”. E escuto. Não porque quero ser canonizada ou porque sou uma masoquista
que só alcança os orgasmos múltiplos propagandeados pelas revistas femininas ao ter os ouvidos
torturados. Escuto porque não considero o cara chato. Acho que é um ótimo vivente. E acho fascinante saber
como conta seu romance existencial.
Não existe vida. Existe vida contada. O que nos torna humanos não é o polegar opositor. Ou menos de 1%
de material genético diferente dos chimpanzés. O que nos torna humanos é a capacidade de contar a vida.
E é só como história contada que a vida pode fazer algum sentido.
Vivemos porque somos capazes de reeditar o “Era uma vez...” muitas e muitas vezes. O suicida é aquele que
não tem mais forças para reiniciar sua história. Então, para que ainda assim a vida faça sentido, bota um
ponto-final. É seu último ato criativo. Humano. A vida contada acaba aqui. E, assim, não apenas fui. Mas sou.
Com alguma honestidade, você pode admitir que bem lá no fundo – ou nem tão no fundo assim – sua vida dá
um romance. Só que você disfarça. É wit rir de si mesmo. Exercer um cinismo intelectual contra o próprio autor,
você. Faz bem à construção do seu personagem neste romance tão contemporâneo. Mas, secretamente, você
se conta todos os dias. Do contrário, não teria forças para
sair da cama e encarar um mundo que, não fossem os
enredos inventados, seria apenas o que é: caos.
Sou uma vampira de romances alheios. Desde criança
intuo que só as narrativas podem me salvar da falta de
sentido que é estar condenada à morte – e saber disso.
É a consciência do fim que nos leva a contar histórias,
desde os bisões flechados na parede das cavernas, como
uma forma desesperada de fazer o inescapavelmente
efêmero, de algum modo, permanecer. Ainda que seja
na lembrança de outro quando você já não está.
Faço isso. Registro as histórias de outros – e com os fragmentos
de todas essas vidas contadas construo o enredo de
minha própria existência. Coleciono retalhos de memória
e com eles teço a corda onde me agarro para não desaparecer
no abismo.
Faço isso. Registro as histórias de outros – e com os
fragmentos de todas essas vidas contadas construo o
enredo de minha própria existência. Coleciono retalhos
de memória e com eles teço a corda onde me agarro
para não desaparecer no abismo.
Ao anunciar que sua vida vale um romance, o cara
não é mais um chato. É apenas um desesperado,
como todos. Talvez mais sincero que a maioria de
nós. Escutá-lo o salva. E nos salva.
O que fazemos todos os dias, seja da forma tosca
como o cara que anuncia de peito aberto que
sua vida dá um livro, seja de mil maneiras
mais sofisticadas, algumas delas reconhecidas
como arte, é apenas
isto: nos contar.
Ida e vinda
Na arte do viver, o real e a ficção são inseparáveis. Não
se sabe onde termina um e começa a outra. A verdade
está nessa síntese. Seria menos real a fantasia que fez
nosso coração acelerar? Ou menos fantasiosa nossa
aniquilação por um fato? O que é mais verdadeiro,
o acontecimento ou nossa interpretação? Não há o
que aconteceu, só interpretação e múltipla escolha. É
mais verdade o que desejo ou o que alcanço? Como
separar? A narrativa é essa busca onde ficção e real se
confundem – e se alimentam. A história é movimento.
Anos atrás, entrevistei um suposto louco que cavalgava
um cabo de vassoura numa exposição de cavalos e gado
de raça. Perguntei a ele: “Você é louco?”. Ele me olhou
como se fosse eu a louca: “Você acha que não sei que
meu cavalo é um cabo de vassoura? É claro que sei”.
E seguiu cavalgando seu bucéfalo pelos campos da
exposição. Fiquei parada ali, estarrecida. E um pouco
apavorada porque agora era eu quem enxergava crinas
e um focinho onde antes havia um cabo de vassoura.
Participe com suas ideias 27

Só existimos como indivíduos quando nossa mãe nos
constitui como história contada que não é ela. Mas um
outro, nós. Esse reconhecimento tem de seguir acontecendo
em olhos outros ao longo de nossa trajetória.
Não mais ou apenas a mãe que nos reconhece, mas
um amor, um amigo, um parceiro de sonhos ou projetos.
Se dependesse de nossa carência, a humanidade
inteira. Quando esse olhar que reconhece nossa vida
como história falha, nosso coração invisível esquece
uma batida. Só a vida contada pode tornar a morte
suportável. Se não é contada, a morte já é, ainda que
o coração de carne bata em perfeita sincronia.
Quando cruzamos com escombros humanos pelas
esquinas do mundo, a eles não falta apenas comida
ou água ou teto. Até falta, mas não é essa a ausência
que os reduz a farrapos. O que lhes aniquila o espírito é
não se reconhecer nos nossos olhos. Não há ninguém
para ouvir sua vida que dá um romance. E, assim, sem
espelho em nenhuma íris, duvidam da própria existência.
Transformam-se em espectros de uma vida sem vida.
Em Porto Alegre existe o Boca de Rua, jornal escrito
por garotos sem-teto. Alice, a ONG que o inventou,
percebeu que daqueles meninos haviam tirado mais
do que qualquer materialidade. O que lhes haviam
arrancado era a possibilidade de uma história. Para
eles, só havia chance se pudessem reescrever sua vida,
tão literalmente como era literal sua falta de tudo. Ao
reinventar a existência pelo concreto das letras, com
papel e caneta, era possível finalmente se inscrever no
mundo. Salvar-se.
28 Continuum Itaú Cultural
Lembro de um deles, Mercedes. O nome de rua do menino
era a marca do caminhão que o havia atropelado.
No início, Mercedes cuspia no chão do lugar onde se
realizavam as reuniões do jornal. Então, começou a
escrever o romance da sua vida. Resgatou seu nome
para além do Mercedes ao qual sobreviveu: Luciano
Felipe da Luz. Inventou então que era um filho da luz.
Deu-se uma maternidade que não era abandono. E
assim passou a se apresentar. Dono da própria história,
esse filho da luz – e também de um caminhão
Mercedes – sobreviveu a mais 11 atropelamentos, um
tiro na cabeça, algumas facadas e, por muito tempo, à
aids. Quando morreu, guardava sua história em jornais
numa caixa. Ele era. É.
Pegar a vida à unha é assumir o protagonismo de
nosso romance singular, único. Quando acompanho
a trajetória de tantas celebridades que naufragam
em drogas e infelicidade, tenho a impressão de que
sucumbem à mesma impossibilidade de reconhecimento
dos meninos e loucos de rua que acompanhei.
Pelo avesso. Possuem tudo o que nos convencem
que é preciso ter para escrever um romance que
valha a pena, mas não têm o principal. A elas
falta a autoria da vida, algo que sempre
procuramos e nos escapa, mas só existe
nessa busca. Tanto é dito e escrito
sobre as celebridades
que não sabem mais quem são. E, quando se veem
nos olhos de tantos fãs e curiosos e paparazzi no
mundo inteiro, não se reconhecem. Tão assustador
quanto não encontrar um olhar que o reconheça é
não se reconhecer nos olhos da multidão que olha
para você, mas só reflete a si mesma.
Nossa época é a soma dos romances contados por
nós. E a capacidade de nos sentir vivos depende da
coragem de nos reinventar depois de cada ponto e
vírgula. Começar de novo, enxergar-se de outro ângulo,
criar outros sentidos para nosso estar no mundo. É pela
arte na construção dessa narrativa que nos tornamos
mais ou menos vivos. E não pela qualidade de nossos
exames de colesterol e triglicérides e eletrocardiogramas.
Quando
alguém anunciar com
olhos temerosos, carentes de
reconhecimento, que sua vida dá um
romance, não hesite. Não tema. Diga-lhe: “É
verdade, sua vida é um romance”.
Assim, quem sabe, num novo dia, depois de um
ponto quase final, seu romance ficará tão bom que
valerá uma vida.
Eliane Brum é jornalista, escritora e documentarista.
Autora de Coluna Prestes – O Avesso da Lenda (Artes
e Ofícios, 1994), A Vida que Ninguém Vê (Arquipélago
Editorial, 2006) e O Olho da Rua (Globo, 2008).
Na arte do viver, o real e a ficção são inseparáveis. Não se sabe
onde termina um e começa a outra. A verdade está nessa
síntese. Seria menos real a fantasia que fez nosso coração
acelerar? Ou menos fantasiosa nossa aniquilação por um fato?
É mais verdade o que aconteceu ou nossa interpretação?
Participe com suas ideias 29

Interseção infinita
Por Tatiana Diniz
entrevista
O curador britânico Guy Brett é um nome de peso na crítica internacional de arte. Um dos responsáveis pela
projeção da produção contemporânea brasileira na Europa, introduziu por lá trabalhos como os de Hélio
Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape. Foi também um dos organizadores da exposição de Cildo Meireles, em
2008, na Tate Modern, Londres. Brett coleciona memórias de suas visitas ao Brasil, a mais antiga de meados
da década de 1960, quando, aos 22 anos, veio ao país pela primeira vez entusiasmado com a audaciosa arquitetura
de Brasília. Ao chegar, deparou-se com uma produção artística original e enérgica, que explorava e
diluía as fronteiras entre arte e vida. Conta que seu olhar sobre a arte brasileira sempre foi o de um outsider,
pois sua percepção se estruturou a partir de estadas curtas no Rio de Janeiro e em São Paulo; e que conhece
o Brasil mais por meio de trabalhos artísticos do que viajando por aqui. Ao falar de nossa arte, prefere não se
estender sobre Hélio Oiticica, alegando já ter escrito “várias vezes” sobre ele – a exemplo dos livros Oiticica
in London (coautoria de Luciano Figueiredo, Tate Publishing, 2007) e Brasil Experimental (Contracapa, 2005).
Nesta entrevista, contudo, Brett explica como o espírito de uma “poética da vida” despertado pelo artista abriu
possibilidades de manifestações infinitas.
O senhor pode nos dar uma visão geral da sua carreira?
Escrevo sobre arte e organizo exposições desde os anos 1960. Não obtive qualificações acadêmicas além do
ensino médio, e não fui educado formalmente em história da arte. Comecei a escrever a partir do jornalismo,
mas a arte me cercou desde a infância. Meu pai era arquiteto, urbanista, pintor e poeta ocasional. Minha avó
materna era pintora profissional de retratos. Para minha mãe a pintura se tornou uma paixão como resultado
de um processo terapêutico junguiano durante um período de crise pessoal. Meus verdadeiros professores
foram artistas, aprendi vendo seus trabalhos e conversando com eles sobre. Trabalhei por dez anos como
crítico de arte para o Times, em Londres, durante os anos 1960 e 1970, muitas vezes surpreendendo uma
instituição meio conservadora com reportagens sobre avant-garde.
Sempre amei experimentalismo em arte, novos materiais, novos conceitos, novos entendimentos sobre a vida.
Mais tarde, entrei para uma revista semanal de esquerda, também em Londres, chamada City Limits, na qual
editava a seção de artes até que a falta de financiamento obrigou-a a parar. Desde então tenho trabalhado
basicamente como freelancer. E reuni alguns dos meus textos em livros. A maior parte do que escrevi nos
últimos anos foi para catálogos e faço isso em paralelo com meu trabalho frequente como curador. Gosto
de me envolver no design dos catálogos e dos livros que escrevo. Sou fascinado pela relação entre palavras
e imagens, e dou a ambas igual importância.
Brett: “Minha imagem inicial do Brasil foi a de modernidade” | foto: Olivia Brett
Participe com suas ideias 31

A arte brasileira está muito presente em seu percurso
profissional, assim como seus pensamentos
dispararam várias reflexões sobre ela. Como essa
ligação começou?
Fui apresentado ao Brasil pelo [artista plástico] Sergio
Camargo, que conheci em seu estúdio em Paris em
1964, quando eu tinha 22 anos. Eu sabia muito pouco
sobre o Brasil, embora estivesse muito empolgado
com sua arquitetura moderna, que me parecia mais
audaciosa do que qualquer coisa na Inglaterra. Então
ouvi atento quando ele falou que Oiticica, Lygia Clark,
Mira Schendel, Lygia Pape e outros artistas do Rio e de
São Paulo estavam fazendo trabalhos interessantes. No
ano seguinte, cobri a Bienal de Artes de São Paulo para
o Times e conheci os artistas sobre os quais Camargo
falara. O trabalho deles me impressionou profundamente.
Na verdade, passei mais de 40 anos pensando sobre. Eu
não via aquilo como um eco nem como uma versão
provinciana do que estava acontecendo na Europa, mas
como um lampejo autônomo de energia e inteligência
crítica (feito a partir de uma conexão transformativa e
não imitativa com a arte europeia). Pareceu-me que
Oiticica e Clark aliavam o sensorial ao cerebral, o corpo à
mente, num trabalho de responder a uma necessidade
profunda na cultura contemporânea.
O que mudou no universo das artes brasileiras
desde que o senhor começou a vir ao país na
década de 1960?
Na verdade, só conheço São Paulo e o Rio. Também fui a
Brasília, quando a cidade estava sendo construída, o que
foi muito empolgante para mim. Mas pouco viajei para
o interior ou para outras cidades brasileiras. Mantive
conexões bem próximas com brasileiros, com artistas,
mas nunca pude ficar no país durante muito
tempo. A última vez que estive em São Paulo foi
há cerca de três anos, para uma conferência.
E fui ao Rio há dois anos trabalhar para a
exposição de Cildo [Meireles]. Nos
anos 1960, o mundo da
arte no Brasil era bem pequeno, quase não havia galerias,
e as que existiam não pretendiam durar para sempre
– eram galerias de vida curta. Tudo isso era muito interessante
porque havia uma atividade artística tremenda,
mas pouca infraestrutura. Todo mundo conhecia todo
mundo e ocorria essa rivalidade entre o Rio e São Paulo.
Era também um período de muito otimismo, o Brasil
estava crescendo com muita energia, e com muita
desigualdade social. Quando vim para o Brasil, o que
queria ver era a modernidade de uma arquitetura que
me parecia incrível. Mas ao chegar logo percebi quão
complexo o país era. E acho que conheci muito do
Brasil por meio de trabalhos de arte. Desenvolvi uma
amizade muito grande com Lygia Clark e Oiticica, que
conheci em 1965. Os dois eram mais velhos que eu,
que era muito jovem na época.
Sempre amei experimentalismo em arte, novos materiais,
novos conceitos, novos entendimentos sobre a vida.
Há uma interseção entre arte e vida? O senhor
consegue distinguir as fronteiras?
Esse é um assunto cheio de dilemas. Não há nada
neste mundo que não seja parte da vida para nós que
a vivemos. Toda arte é participativa. Quando olhamos
uma pintura, trazemos para ela nossa carga subjetiva.
Arte é vida mediada pelo artista, e é impossível escapar
de alguma forma da mediação. Porém tem havido periodicamente,
e especialmente nos tempos recentes,
um desejo forte de “quebrar a barreira entre a arte e a
vida”. Lygia Clark disse isso muito cedo em sua carreira.
E disse também: “Acredito firmemente na busca de
uma fusão entre arte e vida” (1956). Tanto ela quanto
Oiticica se inspiraram em Mondrian no começo de
suas carreiras e entenderam suas pinturas não tanto
nos termos formais, mas como uma busca pela fusão
entre arte e vida. Numa anotação antiga, Oiticica o
colocou desta forma: “A solução não seria arte mural
nem aplicada, mas algo expressivo, algo como a ‘beleza
da vida’ ”; algo que ele não conseguia definir porque
ainda não existia.
Um desejo assim só pode nascer da percepção, ou do
sonho, de que há algum destino mais eficaz para o trabalho
do artista do que o oferecido pelas instituições de
Metaesquema, 1956, (à esq.) e Bólide Vidro 14 Estar, 1965/1966, de Hélio Oiticica | fotos: Vicente de Mello e César Oiticica Filho
arte hoje – o
museu, o mercado de
arte, a mídia sobre arte. O “não toque”
do museu, a especulação do mercado e a
reprodução das imagens, entre outros fatores,
dispararam contraestratégias, sendo uma das
mais notáveis o conceito Vivo Dito, do argentino
Alberto Greco. Numa empreitada quase quixotesca,
ele desenhava bem rápido com giz um círculo ao redor
de um transeunte na rua e assinava esse círculo. Era um
procedimento arriscado, absurdo e até engraçado. O
mesmo Greco disse: “O artista não mostrará mais com
o quadro, mas com o dedo”.
E aqui o dilema começa. Como em nossa cultura até mesmo
gestos anti-institucionais terminam como objetos em
museus (poderiam ser fotografias de ações efêmeras, por
exemplo), quando removidos de seu contexto tendem
a parecer isolados, “fora de ação”, ainda que funcionem
de modo compreensível à condição dos museus (e às
vezes até mesmo cometem essa condição com ironia).
Pode ser que o espectador veja apenas através de um
relato da vitalidade rebelde original.
Se arte e vida se fundissem na “beleza da vida”, nós nem
saberíamos que são categorias contraditórias, então
esse questionamento não seria feito. Mas, da maneira
que é, invocar “vida real” é apontar para aquilo que não
é predefinido, pois como disse Paul Klee: “Curiosidades
se tornam realidades, realidades artísticas que ajudam
a elevar a vida de sua mediocridade”.
Quais foram as características predominantes na arte
produzida durante as décadas de 1960 e 1970? Que
diferenças ou semelhanças há na produção de hoje?
Escrevi quase inteiramente sobre artistas individuais,
entre eles Cildo Meireles, Tunga, Antonio Manuel, Waltercio
Caldas, Regina Vater, Anna Bella Geiger, Roberto
Evangelista, Jac Leirner, Ricardo Basbaum, Mauricio Dias,
que trabalha com Walter Riedweg, Brígida Baltar. Produzi
muito pouco no sentido de uma visão geral sobre um
assunto tão vasto e variado como a produção artística
brasileira. Há artistas que respeito e admiro muito, mas
ainda não fui capaz de escrever sobre, como Antonio
Dias e José Resende.
Inevitavelmente, esses textos seguem as percepções
de um outsider, um integrante do público internacional
de arte que não viveu nem vive o Brasil do dia
a dia. Apesar disso, porém, entendi intimamente o
fenômeno que caracterizava uma grande produção
de trabalhos: constantes ecos e diálogos entre artistas,
numa reprodução de sensibilidade. Um exemplo seria
a correspondência estranha e rarefeita entre o trabalho
de Oiticica intitulado Nas Quebradas (1979, reconstruído
32 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 33

em 2002) e o de Waltercio Caldas chamado Sono (2001).
E vejo que isso continua a acontecer com os artistas das
gerações mais novas: penso no traço da elasticidade e
do corpo-realidade de Lygia Clark no trabalho de Carla
Guagliardi intitulado O Lugar do Ar (2004), por exemplo.
É maravilhoso descobrir essas ressonâncias de diálogo.
Talvez haja aqui um paralelo com a música brasileira:
referências se cruzam de modo sutil e intricado, num
clima geral de inovação e invenção que produz um
caráter inconfundível de totalidade.
Artistas como Oiticica e Clark exploraram amplamente
as fronteiras entre arte e vida. Também questionaram
a natureza dos espaços “propícios” para
exposições, sugerindo a influência do e no mundo
“lá fora”. Embora esses aspectos sigam inspirando
a produção contemporânea hoje, uma distância
entre arte e público também segue existindo. O
que afasta a arte do público?
Lygia disse uma vez que o trabalho dela devia ser mostrado
em grandes quantidades às pessoas nas ruas. E
Oiticica falou de sua “imensa relação” com as ruas do
Rio: “Praticamente vivi minha vida na rua, tenho uma
O Lugar do Ar, 2004, de Carla Guagliardi | foto: Uwe Walter
facilidade imensa em fazer amizade com pessoas que
não conheço”. Frases sincréticas misturando arte e vida
e conceitos em formação desabrochavam com muita
facilidade do cérebro de Oiticica: “Delirium ambulatorium”,
“situações para ser vividas”, “o dia a dia experimentalizado”.
Esses aspectos continuam sendo uma fonte de
inspiração muito forte. A noção de espaços “propícios”
para exposições foi claramente subvertida por Lygia
Pape quando ela pediu ao [artista visual] Maurício Cirne
que fotografasse as páginas abstratas e geométricas
do seu famoso Livro da Criação, em cenas cotidianas
no Rio. Por exemplo, A Descoberta do Fogo num boteco
entre duas garrafas da [cachaça] Fogo Paulista. Esse é o
espírito de uma “poética da vida”, e as possibilidades de
manifestá-la são infinitas. Incidentalmente, tendo feito
esse comentário sobre mostrar seu trabalho nas ruas,
Lygia Clark mais tarde gravitou em uma concepção de
público aparentemente oposta, privada, numa relação
um a um com o outro em seu extraordinário
processo de terapia, mediado por seus objetos
relacionais. Assim ela escapou de qualquer
prescrição dogmática ou noção
pré-formulada de fusão entre
arte e vida.
Carnaval e futebol são representações muito associadas
à identidade do Brasil no exterior. A arte
contemporânea brasileira soma outras representações?
Que imagens do Brasil o senhor nutre?
Como eu disse, minha imagem inicial do Brasil foi a de
modernidade. Mas, de fato, recordo que, em uma das
minhas primeiras visitas ao país, fiquei muito impressionado
com a qualidade das fotografias de futebol
publicadas nos jornais. Os fotógrafos de esporte tinham
a habilidade de capturar belos momentos de balé, com
corpos voando ou caindo e a bola em algum lugar
no meio daquilo tudo... Quando questões em torno
da identidade cultural começaram a ser amplamente
debatidas nas décadas de 1970 e 1980, em resistência
à dominação cultural norte-americana, muitas pessoas
foram levadas a ver o Brasil com cara de samba, futebol,
Carmen Miranda, cariocas na praia.
O trabalho de Oiticica tocou nisso. Quando fez Tropicália,
em 1967, ele incluiu materiais do cotidiano brasileiro
(areia, papagaios, vegetação tropical, o quintal popular)
em resistência à pop art dos Estados Unidos. Mas ele
viu essas imagens típicas ser usadas fora daquele contexto
como símbolos de fácil consumo, ignorando-se
o que ele considerava a parte mais importante do seu
trabalho: penetrar no labirinto para seguir os sons que
vinham do centro dele (uma cadeira e uma TV ligada).
Em uma crítica explícita ao consumo de imagens,
em seu próximo grande projeto Éden (1969), ele
esvaziou cada uma das cabines penetráveis, deixando
apenas elementos sensoriais muito diretos
(andar descalço numa área coberta por água,
por exemplo), oferecendo lacunas a ser
preenchidas pela imaginação. Oiticica
penou um pouco tentando
manifestar o que
chamava de Brasil Raiz, ao mesmo tempo que rejeitava
qualquer interpretação folclórica. Ele chamava o Brasil
de uma cultura em formação, “a possibilidade aberta
de uma cultura”.
Contudo, nutro, sim, uma imagem das minhas primeiras
visitas às praias do Rio. Fiquei maravilhado
por me tornar parte daquele aglomerado gigante de
humanidade sem roupa! Gente linda (homens e mulheres),
velhinhos enrugados, dos corpos esculpidos
aos mais fora de forma, gente pobre se misturava à
gente rica nos espaços públicos curvilíneos que eram
Copacabana e Ipanema.
Não há nada neste mundo que não seja parte da vida para
nós que a vivemos. Toda arte é participativa. Quando olhamos
uma pintura, trazemos para ela nossa carga subjetiva.
O que o senhor tem a dizer sobre a destruição
recente de parte do acervo de Hélio Oiticica?
Fiquei realmente chocado ao saber dessa notícia trágica
e ainda acho difícil de acreditar. As peças de Oiticica se
tornaram parte do nosso mundo e não parece possível
que pudessem deixar de existir. Lamento por ter estado
longe demais e não ter tido como acompanhar de
perto esse desastre. Mas aconteça o que acontecer
o pensamento de Oiticica está vivo como nunca e
continuará a influenciar pessoas.
Em que projetos o senhor está envolvido atualmente?
Trabalhei recentemente com o Museu Reina Sofía,
em Madri, numa exposição do visionário artista do
século 20 Georges Vantongerloo, encerrada no dia 22
de fevereiro. Focamos a produção de trabalhos menos
conhecidos dele. Antes, colaborei com o [diretor da
Tate Modern] Vicente Todolí numa grande exposição
de Cildo Meireles em Londres, que despertou muito
interesse geral. Também estou trabalhando em um
livro sobre uma artista britânica incrível, a performática
Rose English.
34 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 35

Onde vive a arte
fotorreportagem
Os fotógrafos Daniel Marenco, do Rio Grande do Sul, e Henrique Manreza,
de São Paulo, registraram ambientes internos em que elementos artísticos
afloram involuntariamente.
Inspirado no livro A Alma Encantadora das Ruas, de João do Rio, Marenco registra celas do Presídio Central de
Porto Alegre, onde os detentos deixaram fragmentos de arte. Estão lá os princípios da pintura e da colagem
com imagens singulares nas paredes.
36 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 37

38 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 39

Nas residências fotografadas por Manreza, é possível encontrar uma referência ao estado de São Paulo no
chão do quintal da casa paulistana, cuja organização dos ladrilhos hidráulicos é a mesma das calçadas da
cidade; e o móvel na cozinha lembra a arquitetura moderna de Brasília.
40 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 41

Ninguém veio para cá
por outro motivo, além de nós
Há arte no striptease – e nas demais modalidades de shows eróticos?
Por Thiago Rosenberg | Ilustrações Theo Firmo
42 Continuum Itaú Cultural
reportagem
Quando chegaram ao local, por volta das 23 horas de uma quinta-feira, uma garota já se apresentava no
palco. Loira, esbelta, bela. E nua – com exceção da bota de cano alto. A música country e o chapéu de caubói
repousado num canto do tablado indicavam que a moça iniciara seu espetáculo vestindo trajes, ainda que
mínimos, de vaqueira, ou boiadeira, ou cowgirl, que seja. Atravessando o olhar atento dos espectadores –
homens jovens e velhos, solteiros e, pelo que indicava a aliança no anular da mão esquerda, casados –, o
repórter e a coreógrafa se dirigiram a uma mesa. Sentaram-se e assistiram, com uma atenção de uma natureza
diferente da dos demais membros da plateia, à performance da rapariga.
O repórter era quase um leigo absoluto em questões ligadas à dança, seja a clássica, seja a moderna ou
a contemporânea. Sua única ligação com tal universo foram os seis meses – pouco frutíferos, por sinal –
durante os quais frequentou um curso de dança de salão. Resolveu então convidar a coreógrafa, Thelma
Bonavita, para uma visita a uma casa noturna, dessas que pululam na região central da capital paulista e
que, além de servirem como ponto de encontro para uma noite de sexo casual, e pago, costumam apresentar
uma variada programação de shows eróticos – desde o básico striptease até coreografadas cenas
de coito. Com tal convite, o repórter tinha a intenção de encontrar uma resposta à seguinte pergunta: há
arte nesse tipo de espetáculo?
Performances e performances
“Quando uma performance, como essa da stripper”, questionou o repórter à coreógrafa, “pode ser considerada
artística?”. “Quase tudo no nosso dia a dia pode ser visto como uma performance”, respondeu ela. “Diz-se, por
exemplo, que um orador desempenhou ‘uma ótima performance’ diante de seu público, que a performance
de um médico superou as expectativas, ou que um automóvel tem uma performance acima da média. E
por aí vai... Mas ela só é artística quando causa um deslocamento, quando mostra ao espectador uma nova
maneira de enxergar a realidade, transformando o banal, o cotidiano. E isso não ocorre aqui.”
Passando as
opiniões da coreógrafa
para seu bloco de notas, o repórter
sentiu uma pontada de frustração. Queria
ouvir que sim, que há arte no striptease; era
isso o que ele esperava afirmar, com base na fala
de um especialista, em sua matéria – que talvez
recebesse o título “A arte nua”, ou coisa do gênero.
Como ocorre com certa regularidade, os dados apurados
nem sempre correspondem à premissa inicial
da pauta, da reportagem. “Mas há uma coreografia!
A moça ensaiou seus movimentos para mostrá-los ao
público!”, diz o repórter, tentando salvar sua tese inicial.
“Sim, ela os ensaiou”, respondeu a coreógrafa, “mas, até
aí, há crianças que ensaiam suas falas para as pecinhas
promovidas pela escola, por exemplo, ou profissionais
que realizam ensaios para uma entrevista de emprego...
E não é por isso que podemos chamar essas crianças e
esses profissionais de artistas, não?”.
O repórter queria ouvir que sim, que há arte no striptease;
era isso o que ele esperava afirmar, com base na fala de um
especialista, em sua matéria.
O repórter engoliu sua frustração e seguiu ouvindo
as palavras de Thelma. Ela dizia que, no século XIX,
com o teatro burlesco, a semente do que viria a ser
o striptease ao qual hoje nos acostumamos poderia
ser considerada como arte, já que causava aquele tal
deslocamento, opunha-se à moral da época; mas, na
sociedade atual, essas apresentações já se tornaram
corriqueiras, não causam mais surpresa.
Participe com suas ideias 43

Potências de arte
Nisso, as luzes voltaram a se concentrar no palco; e
deram início ao segundo espetáculo da noite. Dessa
vez, é uma dupla que se apresenta ao público. Um
casal, um casal feminino: uma mulher – esbelta e bela
como a anterior, mas ruiva – e outra se fazendo de
homem, com terno, gravata, chapéu e calça social.
Essa, a que se faz de homem, se senta num banquinho
e, como um senhor confortavelmente acomodado
em sua poltrona, põe-se a ler uma revista – uma
revista Caras. A ruiva se mostra desapontada com
a falta de apetite sexual de seu parceiro e, com o
44 Continuum Itaú Cultural
intuito de ganhar sua atenção, começa a provocá-lo,
despindo-se lenta e sensualmente – não custa lembrar
que, em português, o termo striptease significa algo
como “despir-se de maneira provocante”. O senhor,
inicialmente, não dá a mínima bola, mas, pouco
tempo depois, cede. Levanta-se, caminha em direção
à ruiva e tira rapidamente a roupa social, revelando
seu corpo feminino. E então, ao som de uma espécie
de tecnogregoriano, as duas começam a – nas mais
diversas e inusitadas posições – se beijar, se lamber,
se acariciar, se esfregar...
Todos os presentes já sabiam, ao entrar na casa, o que encontrariam
por lá: não questionamentos ou novas visões
do mundo, mas, sim, shows concebidos para alimentar seu
apetite sexual.
“Isso tem um quê daquele teatro burlesco, não?”, perguntou
o repórter, com a esperança de, por fim, fazer a
coreógrafa admitir que havia um elemento, ainda que
sutil, de arte sobre o palco. Ela concordou, “com certeza,
há muito do teatro burlesco nessa apresentação”, disse,
“mas, aqui, neste espaço, a função é outra: elas não querem
questionar nada, não há espaço para a dúvida, para
proposições, para a arte. A intenção é simplesmente
excitar a plateia, excitar para lucrar”. De fato, por mais
curioso que fosse o espetáculo, ele não fugia do óbvio.
Todos os presentes já sabiam, ao entrar na casa, o
que encontrariam por lá: não questionamentos
ou novas visões do mundo, mas, sim, shows
concebidos para alimentar seu apetite sexual.
“Veja só”, continuou a coreógrafa,
“ninguém veio para cá por outro
motivo, além de nós”.
Antes de
se dar por vencido, o
repórter deu sua última cartada: “E
quanto ao conceito do belo? A beleza em
si já não é arte?”. “Era”, foi a resposta da coreógrafa.
“Mas o belo pelo belo já não se enquadra
na arte contemporânea. Desde o impressionismo
[movimento artístico surgido, inicialmente no campo
da pintura, na Europa do século XIX], a arte deixou
de reproduzir, ou representar, o belo – e passou a
discuti-lo, questioná-lo.”
“Ainda assim”, comentou a coreógrafa – e, neste momento,
o repórter vislumbrou alguma esperança de
ver confirmada a sua tese –, “este lugar está repleto
de ‘potências de arte’ ”. “Potências de arte?”, perguntou
ele. “Sim. Objetos, pessoas, situações que podem vir
a inspirar trabalhos artísticos”, disse ela. E deu alguns
exemplos: a decoração do local; a moça seminua que
dançava, talvez mais para ela mesma do que para seus
possíveis clientes, em frente a um dos vários espelhos
da casa; os restos de pipoca caídos no chão (“Imagina!
Pipoca num lugar deste!”, notou ela); e, é claro, os shows
propriamente ditos.
“Bem notado”, refletiu o repórter. “Potências de arte!”,
pensou, mais alegre dessa vez. Mas, cansado, apenas
disse: “Acho que já tivemos uma boa discussão. Se você
não quiser dizer mais nada em especial, podemos ir”. E
se foram. Ela, levando consigo algumas “potências de
arte” que, quem sabe, possam inspirá-la em trabalhos
futuros. E ele, por sua vez, pronto para se sentar em
frente ao computador e, bloco de notas em mãos,
começar a redigir sua matéria – cujo título não será
mais “A arte nua”, mas, talvez, algo como “Ninguém veio
para cá por outro motivo, além de nós”.
***
Thelma Bonavita, a coreógrafa e bailarina convidada
a participar desta reportagem, foi premiada pela Associação
Paulista dos Críticos de Arte (APCA) em 1995,
1997 e 2009. Frequentou, como estudante convidada,
a School for New Dance Development (SNDO), em
Amsterdã, e foi uma das fundadoras do estúdio Nova
Dança, de São Paulo. Atualmente, desenvolve suas
atividades artísticas por meio da Associação Desaba,
criada em parceria com Cristian Duarte.
Participe com suas ideias 45

Cenas do jogo Myst | imagem: Cyan Worlds Inc.
A arte narrativa na vida digital
deadline
Os jogos digitais alteram a arte de contar e viver histórias ao criar uma relação
entre autor, personagem e leitor.
Por Jean-Frédéric Pluvinage
Na Ilíada, uma das mais belas e antigas narrativas da história, heróis travam guerras épicas sem conseguir
escapar de seus fins trágicos, traçados pela lei do destino. Destino que sempre foi controlado pelo maior dos
deuses: o autor. Dos poemas gregos às telenovelas, ele sempre esteve presente, desenhando o fio da história.
Mas agora a narrativa de simples contos ou fatos passa por uma revolução: no videogame o personagem
escolhe seu destino. O Aquiles moderno escapou da linearidade. E, independente do seu criador, pode morrer
lutando ou então se casar e ter filhos.
O videogame, ou jogo digital, é a nova face da arte de contar uma história. Suas qualidades lúdicas se apropriam
da linguagem hipertextual: imersão, interatividade e conteúdo multimídia. Sua narrativa pode se adaptar às
decisões do jogador/leitor de tal forma que é preciso perguntar: Se o personagem tem liberdade em sua
própria história, então qual a função do autor? A narração digital irá matar o roteiro?
Qualquer julgamento é precipitado. Mas é bom lembrar que a modernidade da narração digital resgata
a flexibilidade dos contos orais, que têm como característica o contato direto entre o autor e seu público.
Enquanto a história progride, o autor ou contador de história se certifica da reação de seus ouvintes, percebendo
quais passagens geram mais interesse e adaptando seu enredo de acordo. Porém, essa flexibilidade
se perdeu nos impressos, nos filmes e em outros produtos audiovisuais.
Participe com suas ideias 47

Os primeiros videogames, surgidos na década de 1970,
não resgatam de imediato a fluidez das histórias orais,
embora introduzam um enredo próprio cujo resultado
depende da ação do jogador. A partir do Colossal Cave
Adventure, de 1975, surgiram as ficções interativas,
que são versões digitais dos livros-jogos – em que é
possível chegar ao final escolhendo os caminhos distintos
ou mesmo morrer tentando chegar ao fim. Os
primeiros jogos digitais de RPG (jogos de interpretação
de personagens) permitiram ao jogador a imersão
em histórias complexas, apesar de ainda limitadas
pela programação. “O que chamamos de interativo
é visto por Raymond Williams, acadêmico galês que
pesquisou a interação na mídia televisiva, apenas como
reativo, ou seja, uma escolha entre opções preestabelecidas”,
alerta Julia Stateri, designer e mestra com
especialização em narrativa dos videogames. “Interatividade
implica escolhas não programadas”, diz ela.
“O segredo está em dar ferramentas para a atuação do
jogador, mas sabendo limitar suas ações.” (Roger Tavares)
Uma narrativa livre, interativa e colaborativa surge com
os MMORPGS (jogos on-line de RPG para múltiplos
jogadores). São games sem roteiros lineares, em que
é oferecido basicamente um cenário. Cabe ao jogador
escolher o que irá fazer e criar a própria história. “O autor,
contudo, não morreu”, explica Roger Tavares, pesquisador
do Centro
Universitário Senac,
doutor com especialização em
videogames e fundador da comunidade
virtual Gamecultura (gamecultura.com.br). “O
segredo está em dar ferramentas para a atuação
do jogador, mas sabendo limitar suas ações. Senão
todos seriam invencíveis. O jogo precisa dessa
diferença de potencial, de você receber ora prêmios,
ora punições”, diz Tavares.
Câmbio
Essa criação coautoral dos jogos digitais provém da
cibercultura. As primeiras teorias da comunicação
definiam que um emissor envia uma mensagem a
um receptor. Com o surgimento da cibercultura, todos
são emissores e receptores de informação ao mesmo
tempo, como nos softwares peer to peer nos quais
filmes e músicas são distribuídos por uma rede de
colaboradores. No caso do MMORPGS não há um só
Os jogadores são criadores e leitores simultâneos de suas histórias no jogo Myst Online: Uru Live | imagem: Cyan Worlds Inc.
autor: o gamedesigner (criador de um jogo) elabora o
cenário, os limites e as missões, mas todos interagem
entre si e cada um faz parte do jogo, da história e da
experiência do outro.
O jogador de um MMORPGS, por meio do avatar
(sua representação virtual), está livre para lutar contra
monstros, formar clãs, vender produtos e serviços, fazer
festas e se casar. São jogos tão complexos que simulam
a vida real, com sociedades e economias autônomas.
O próprio programa Second Life se define como um
mundo digital, com a presença de empresas, embaixadas
e lojas reais, e onde casais podem se encontrar,
namorar e até fazer sexo.
O futuro do autor na mídia digital ainda reserva muitas
inovações, principalmente no meio empresarial. “O jogo
interativo é uma ferramenta estratégica para formular
equipes no mundo corporativo, com roteiros que
priorizam cenários de aproximação e relacionamento
humano”, explica Julio Freitas, designer e pesquisador
do Centro
Universitário Senac, no
Laboratório de Pesquisa em Ambientes
Interativos. Outra tendência é a
coautoria na criação dos roteiros. Caso dos
jogos Spore Galactic Adventures e Little Big
Planet, cujas missões e aventuras são elaboradas
pelos próprios jogadores. Já o MMORPG Myst Online:
Uru Live se tornou um jogo de código aberto, ou seja,
sua programação permite que todo usuário possa
adicionar cenários e objetivos em seu mundo virtual.
Assim, o jogador se torna criador e leitor simultâneo de
suas histórias. Já não há mais diferença entre Homero,
seu ouvinte e Aquiles: autor, leitor e personagem se
fundiram na vida digital.
Jean-Frédéric Pluvinage é estudante de jornalismo da
Faculdade de Comunicação e Artes do Centro Universitário
Nossa Senhora do Patrocínio (CEUNSP), Campus V
de Salto (SP). É editor do jornal da faculdade, O Arauto.
Adora games, em especial o jogo Thief: The Dark Project.
48 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 49

50 Continuum Itaú Cultural
Cavalo amarrado a bicicleta
A história de uma fotografia e seu significado.
Por Daniel Galera | Ilustração Manuela Eichner
ficção
Viu quando o garoto chegou pela esquerda, pedalando a pequena bicicleta cross e puxando atrás de si o
cavalo. O conjunto em movimento projetava uma curiosa sombra na areia da praia, como se um dragão
planasse na grande altura contra o sol das 5 da tarde. A bicicleta descrevia uma trajetória sinuosa e os joelhos
do garoto giravam em alta frequência, abertos para fora, distantes do quadro pequeno demais para as suas
pernas. Vestia apenas um calção azul com listras brancas nos lados, estava também descalço. Tinha uns 14
anos. Uma das mãos controlava o guidom enquanto a outra puxava o animal pelas rédeas, e o cavalo trotava
com patadas curtas e nervosas, o pescoço muito rijo e apontado para a frente, parecendo tenso e quem sabe
prestes a sucumbir a alguma espécie de desespero. Não chegaram a passar diante da sua cadeira de praia; o
garoto parou um pouco antes disso, dando um cavalinho de pau abrupto que levantou uma fronha de areia
parda e forçou o cavalo a travar as patas dianteiras para não atropelar o dono.
O garoto desceu da bicicletinha, apoiou um dos pedais numa pedra perdida na praia, pegou o travesseiro
branco e fino que cobria o selim e o dispôs no lombo do cavalo como uma sela. Passou a mão na cabeça do
cavalo e disse alguma coisa para ele enquanto parecia segurar seu focinho. Depois agarrou a crina com uma
das mãos e montou com um salto desenvolto, aterrissando sobre o travesseiro como se não pesasse nada.
Firmou as pernas nas costelas da montaria e nem precisou, pelo que pôde perceber, cravar os tornozelos nas
ancas do cavalo para que ele saísse a galope pela areia em alta velocidade. O brilho de sua pelagem marrom
era quase tão intenso quanto o de um espelho.
“Tá vendo isso?”, perguntou à esposa deitada na espreguiçadeira a seu lado. Ela desviou o olhar do romance
que lia e ajeitou um pouco a perna engessada para escondê-la mais uma vez da invasão sorrateira do sol da
tarde. Entre os dois havia uma mesinha de madeira com restos de lagosta.
“Pode cavalo na beira da praia?”, ela disse, acompanhando com a cabeça o animal a galope.
“Acho que o moleque não tá muito preocupado. Tá galopando sem sela, olha só. Ele é bom.”
“É. O cavalo é bonito. Parece que tá possuído.”

E era verdade, o cavalo era lindo, tinha o porte de um
cavalo de corrida só que menor, seu pelo marrom era
impecável e reluzia de maneira que parecia artificial. A
certa distância o garoto freou o cavalo bruscamente e
o fez mudar de direção. Deu algumas guinadas e o fez
girar como um cavalo de desfile, e depois disparou na
direção contrária, novamente em direção ao quiosque
do qual podiam contemplar o mar azul-cinzento.
“Merda, deixei a câmera na pousada.”
Ela não disse nada, voltou ao romance. O cavalo passou
em disparada diante deles e seguiu para o outro lado
da praia, como se não pretendesse parar nunca mais.
“Você trouxe a filmadora?”
A mulher suspirou e pegou a bolsa de palha. Remexeu
um pouco ali e tirou a pequena câmera digital
embrulhada em uma canga azul. Ela fez menção de
entregar-lhe a câmera, mas grunhiu alguma coisa e
abriu o compartimento da fita.
“Tá sem fita, Renato.”
“Como assim?”
“Tirei a fita ontem à noite, tinha acabado. Esqueci
de pôr outra.”
“Porra.”
Ela o encarou por alguns instantes mas ele não viu,
estava com a cabeça voltada para o outro lado, para o
cavalo que ainda se afastava a galope pela faixa larga
de areia. Não havia mais ninguém na praia, com
a exceção de um buggy que tinha estacionado
não muito longe deles e abrigava dois homens
que bebiam cerveja em lata olhando o mar
e escutando forró baixinho no rádio. A
mulher voltou ao romance. Ele viu o
garoto dar meia-volta de novo,
a distância.
“Queria outro coco”, disse a mulher.
Ele olhou para trás e não viu o dono do barzinho.
“O cara deu uma saída, parece. Quando ele voltar eu busco.”
O garoto passou meia dúzia de vezes diante do quiosque,
sempre a galope. O cavalo bufava e já não parecia
desesperado. O garoto dava a impressão de estar sorrindo
o tempo todo, e lá pelas tantas concluiu que ele estava
mesmo sorrindo quase o tempo todo, olhando à frente,
perfeitamente integrado com a montaria, segurando
as rédeas com apenas uma mão, o corpo um pouco
projetado para a frente, as pernas agarradas ao bicho
e os pés livres. A coisa toda tinha algo de primitivo
e transmitia uma imagem de felicidade que ele não
conseguia explicar a si mesmo, mas parecia um enigma
passível de ser desvendado se ele observasse a cena
com atenção por tempo o bastante.
A coisa toda tinha algo de primitivo e transmitia uma imagem
de felicidade que ele não conseguia explicar a si mesmo,
mas parecia um enigma passível de ser desvendado se ele
observasse a cena com atenção por tempo o bastante.
“Renato, acho que quero ir embora.”
Ele demorou um pouco a responder, compenetrado
no garoto.
“Já vamos. Tô meio cansado também. O sol tava muito
forte hoje.”
Agora, ao se aproximar da bicicleta estacionada na areia,
o garoto puxou a rédea e pôs o cavalo a passo. O animal
soprou ruidosamente pelas narinas, andando em círculo.
“Não, eu quero ir embora pra casa. Pra São Paulo.”
O garoto deslizou pela areia, desmontando com a
mesma ausência de esforço com que havia montado.
52 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 53

“Ué. Ainda temos cinco dias.”
O garoto tirou o travesseiro do lombo do cavalo e o
acomodou no vão do quadro da bicicleta. Depois tomou
a rédea e a amarrou no guidom. O cavalo parou
ali, arquejando, dócil, apaziguado pelo esforço.
“É por causa da perna?”, ele perguntou à mulher. “Deve
estar sendo muito chato esse gesso na praia, mas a
gente já tá aqui. Não faz muito sentido voltar, né? Sei
lá quando viremos ao Nordeste de novo. Podemos
passar os últimos dias em Fortaleza, talvez seja melhor.”
Ele pôs a mão no braço da mulher, alisou-o um pouco,
tentando confortá-la. “Um dia a gente vai se lembrar
dessa viagem e pensar pô, apesar do acidente, a gente
aproveitou muito.”
O garoto deixou o cavalo ali amarrado à bicicleta e
começou a andar em direção ao mar. Ao se aproximar
das ondas, deu uma corridinha e um salto mortal meio
incompleto, mergulhando na água quente.
Ampliada numa cópia de 20 x 25 centímetros, é possível ver
claramente pontos rosa e verdes na cor distorcida, pixels que
sujam a reprodução mas ao mesmo tempo lhe emprestam
um véu nostálgico, ou até místico, ele ousaria dizer.
“Não é a perna”, disse a mulher.
Mas ele não ouviu, ou não registrou. O garoto tinha
começado a nadar e ele o observava fascinado. Nadou
bem para o fundo e depois começou a costear a praia.
Não era um nado elegante, nada comparável a seus
dotes de cavaleiro, mas ele girava rápido seus braços
finos e avançava numa velocidade considerável, batendo
pernas com força, sumindo e ressurgindo por
trás das marolas.
“Marília, a tua câmera tira foto também, né?”
“Hein?”
“A filmadora. Ela tira foto, né?”
“Tira, mas tá sem fita, eu disse.”
“Não, mas as fotos ficam na memória. Me alcança
a câmera?”
Pegou a pequena câmera da mão dela, abriu o visor,
acionou o botão de ligar, depois apertou o botão da
função de tirar fotos. Apontou a lente para a curiosa
instalação que tinha diante de si e foi aproximando o
zoom até chegar ao máximo, enquadrando cavalo e
bicicleta com alguma dificuldade, já que a aproximação
complicava a estabilização do quadro. Tirou uma
única foto. A câmera registrou a cena com um ruído
simulado de obturador. Ele fechou o visor, desligou a
câmera e a devolveu à mulher.
Um pouco mais tarde, depois que o garoto tinha
saído do mar, reposicionado o travesseiro no selim
da bicicleta e pedalado com o cavalo a reboque até
desaparecer na distância da praia quase deserta,
ele levantou e comprou dois cocos gelados do
vendedor que estivera ali atrás do bar o tempo
todo, cochilando numa cadeira. Chegando a São
Paulo, ela o deixou.
A imagem digital é extremamente granulada
e cheia de ruído visual. Ampliada
numa cópia de 20 x 25 centímetros,
é possível
ver claramente pontos rosa e verdes na cor distorcida,
pixels que sujam a reprodução mas ao mesmo tempo
lhe emprestam um véu nostálgico, ou até místico, ele
ousaria dizer. A aparência geral é de algo desbotado, e
os contornos se borram.
Mas ele gosta mesmo é de ver a imagem na área de
trabalho de seu notebook, refinada pelos pontos precisos
do monitor LCD. O cavalo está à esquerda, de perfil,
brilhoso de suor, as patas dianteiras paralelas e retas
como estacas, o rabo um pouco afastado, congelado
no meio de um abano tranquilo, o pescoço ereto mas
descansado. Está amarrado pelas rédeas ao guidom da
bicicleta, que está de frente para ele, a roda dianteira
bem abaixo da sua cabeça, ocupando o terço direito
da composição. A areia molhada reflete o céu azul,
e o mar, no alto, é atravessado de um canto a outro
pelo tubo de espuma de uma onda que quebra. O
garoto não está à vista, mas o cavalo, pensativo, fiel,
está à sua espera, sem ansiedade nenhuma, e é como
se ele estivesse lá.
Daniel Galera é escritor gaúcho. Autor, entre outros,
dos livros Cordilheira (Cia. das Letras, 2008), Mãos de
Cavalo (Cia. das Letras, 2006) e Até o Dia em que o Cão
Morreu (Cia. das Letras, 2007). Mantém um site pessoal
em www.ranchocarne.org.
54 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 55

a cinematográfica caseira para
e sua filha recém-nascida, o jovem
osz é convidado pelo chefe
e na fábrica local. Com o sucesso
um fascínio quase obsessivo
gráfica, com consequências
mo e para sua família. Vencedor
tival Internacional de Moscou
ma reflexão tragicômica do
f Kieslowski sobre as complexas
individual e censura, e entre
eio cinematográfico do Leste
unismo. Realizado no período
umentários de início de carreira
ela qual o diretor se tornou
uncia de forma bem-humorada
cinema documental e coloca
stões éticas que o ato de ver
espectador.
wy/Talking Heads) [1980, 16 min]
VideoFilmes
EM-SE ExCLUSIVAMENTE AO FILME E NãO AOS ExTRAS
ANAUS E DISTRIBUÍDO POR VIDEOLAR S.A. Av. Solimões,
PJ 04.229.761/0004-13. Indústria Brasileira. Sob licença
AS LTDA. Rio de Janeiro RJ, CNPJ 31.179.864/0001-46.
8. Denuncie a pirataria: denuncia@apdif.org.br ou Caixa
. O prazo de validade deste disco DVD é indeterminado,
idados: armazenar em local seco e livre de poeira;
r; não engordurar; não expor a temperaturas superiores
urar o disco sempre pela lateral e pelo furo central.
obra original, incluindo sua trilha sonora, é destinada
s, não sendo permitida nenhuma outra forma de
arciais. A violação dos direitos exclusivos do produtor
e [art. 148 do Código Penal], punível na forma da lei.
vfd 216
Cinemaníaco
coleçãovideofilmes 21
A arte de cada dia
As recomendações culturais da Continuum para um cotidiano mais artístico.
Por André Seiti
Grande Prêmio –
Festival de Moscou
1979
“Uma excelente
introdução à obra
de Kieslowski.”
Jonathan Rosenbaum,
Chicago Reader
coleçãovideofilmes 21
O Tempo que Resta, de François Ozon
(Le Temps Qui Reste, França, 2005,
Califórnia Filmes)
Um passeio no parque, uma caminhada noturna,
um descanso na praia. Atividades tão
banais que ganham novos significados perante
a iminência da morte. Romain é um fotógrafo
bem-sucedido diagnosticado com câncer.
Restam-lhe poucos meses de vida. Diante
dessa situação, o mundo e as pessoas ao seu
redor passam a ser vistos – e fotografados – de
uma maneira diferente.
56 Continuum Itaú Cultural
Cinemaníaco
Krzysztof Kieslowski
6/17/09 6:20:22 PM
CINEMA
balaio
Cinemaníaco, de Krzysztof Kieslowski
(Amator, Polônia, 1979, Videofilmes)
Filip Mosz é um operário que resolve comprar uma
filmadora 8 mm para registrar os primeiros dias da filha
recém-nascida. No entanto, o que era para ser apenas
um hobby se torna uma obsessão. Mosz começa a filmar
tudo e todos. Pessoas do cotidiano transformam-se em
“astros” de suas produções. Mas não tarda para que o
“operário-documentarista” se depare com dilemas éticos,
que trarão sérias consequências para ele e sua família.
MÚSICA
Concerto para Conserto, de Ricardo Siri (2008)
Para que serve um carro? A resposta mais óbvia talvez
seja: para a locomoção. Não para o percussionista carioca
Ricardo Siri. Nesta gravação de um show ao vivo, Siri faz
do tradicional Fusca um de seus principais instrumentos,
extraindo do automóvel uma inesperada musicalidade.
FOTOGRAFIA
Brasil sem Fronteiras, de Cláudio Bojunga
(Tempo d’Imagem, 180 páginas, 2001)
Cinco fotógrafos percorrem o limite perimetral do Brasil
com seus vizinhos sul-americanos. Antonio Augusto
Fontes, Celso Oliveira, Ed Viggiani, Elza Lima e Tiago
Santana deixam evidentes as diferenças e afinidades
culturais, captando no cotidiano dos locais visitados
– 42 ao todo – momentos pueris repletos de poesia.
LITERATURA
Crônica Inéditas I, de Manuel Bandeira
(CosacNaify, 464 páginas, 2008)
Conhecido por seus poemas, o escritor pernambucano
Manuel Bandeira também é autor de uma vasta obra
em prosa. Neste livro, estão reunidas 113 crônicas,
escritas entre 1920 e 1931, publicadas em jornais da
época. Bandeira fala – sempre em tom culto – de
pintura, cinema, música e da vida no Rio de Janeiro.
Destaque para o texto em que o poeta discorre – com
humor ácido – sobre o desfile da miss Brasil, no centro
da capital carioca, em 1929.
foto: Cia de Foto
Participe com suas ideias 57

Casa em obras
Ao transformar suas residências em espaços de produção e exposição, artistas
dão exemplo de como diminuir a distância entre vida e arte.
Por Augusto Paim
reportagem
Na última edição da Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, em 2009, uma obra se destacava no número 400
da Rua da Praia. Localizada fora dos pavilhões onde ocorre a maior parte do evento, a intervenção do artista
plástico paulista Henrique Oliveira transformou um prédio público abandonado numa “casa-monstro”: uma
massa disforme, saindo por portas e janelas, impedia a entrada de qualquer pessoa e dava ainda a sensação
de que a construção explodiria a qualquer momento.
Esse é um exemplo de quando a casa é tema do trabalho do artista. Mas Henrique não morou na sua obra
de arte, como de fato fez o dadaísta alemão Kurt Schwitters (1887–1948) em sua Merzbau. De 1923 a 1937,
Schwitters fez intervenções no próprio lar, em Hannover, Alemanha. Sua produção começou num quarto e
foi aos poucos aumentando de tamanho, invadindo outros cômodos, criando grutas e cavernas. A casa-obra
foi posteriormente destruída por bombardeios da Segunda Guerra Mundial.
Outros artistas modificam a própria casa sem necessariamente alterar todo o espaço. Em 1996, a carioca
Brígida Baltar encostou-se numa parede, desenhou o contorno do seu corpo e depois o “recortou”. “Na época
eu pensava nas questões sobre o corpo e a identidade, e naquele lugar o corpo preenchia o espaço dos
tijolos e se tornava estrutura pura. Trabalhei algum tempo com a ideia da casa como extensão do corpo”,
explica Brígida, que completa: “Ali eu estava experimentando uma nova visão, um lugar único no mundo”. O
processo de criação foi documentado e exposto por meio de vídeo, fotografias e slides. Os tijolos retirados
da parede foram reutilizados por Brígida. “Quando me mudei, precisei restaurar a casa e todos os vãos que
eu havia aberto foram fechados”, conta.
A artista gaúcha Glaucis de Morais também fez a obra de arte em casa. Com a ajuda de amigos, ela escreveu
repetidamente os versos “amortecendo cavo aconchego” nas quatro paredes de um dos três cômodos de seu
apartamento. Intitulada Côncavo, a obra foi feita entre 1999 e 2002 e é fruto da dissertação de mestrado da
artista. Permanece lá, na Rua César Lombroso, 146/6, em Porto Alegre, onde Glaucis ainda mora. O cômodo
não tem luz elétrica (uma necessidade da obra) nem móvel algum, mas pode ser usado para pequenas tarefas
quando não tem ninguém visitando.
Detalhe da obra Côncavo, de Glaucis de Morais
Intervenção Abrigo, da artista Brígida Baltar, em sua própria casa | foto: arquivo da artista
Abre parênteses
Fazer da própria casa um espaço de arte é uma boa
ideia? Jailton Moreira, curador, professor de artes visuais
e artista plástico, enxerga na pauta mais um exemplo
do “movimento para não sair de casa”, estimulado
pelo uso da internet. Para ele, é necessário sair do
seu território de conforto para ter contato com a arte.
“Pois arte é deslocar o local de aconchego e colocá-lo
em outro lugar.”
Para Brígida, “a casa é ou deveria ser sempre um
espaço prazeroso e propício à convivência consigo
mesmo, com familiares, amigos etc.”. Ela acredita que
transformar a casa num espaço artístico, se é o que
o morador deseja, pode ser também uma tarefa
sob encomenda. “Tudo bem se quiser fazer por
você mesmo, mas isso não necessariamente
é arte ou o torna um artista”, diz. Tanto ela
quanto Glaucis ressaltam a importância
do estudo e do convívio com o circuito
da arte para a formação
do profissional.
Os artistas e suas casas
Adriana Matos Alves Duarte, mais conhecida como Xiclet,
já expôs em albergue, garagem e numa república em
que morou. Hoje ela vive na Rua Fradique Coutinho,
1855, no bairro da Vila Madalena, em São Paulo. “Uma
casa dentro de uma galeria e uma galeria dentro de
uma casa” é o conceito da Casa da Xiclet, que, além de
domicílio, é um espaço de exposição e interação com a
arte, inaugurado oficialmente em setembro de 2001. A
artista expõe trabalhos de qualquer pessoa, sem seleção
nem curadoria. Tudo é pensado para ser uma brincadeira.
“Não é underground, é playground” tornou-se um dos
slogans. Nesse espaço, há jogos, oficinas, festas e cursos
de arte culinária, além do estímulo ao ócio criativo, e
por isso é frequentado por artistas que lá podem deixar
o pensamento correr solto.
O artista Fernando Peres tem um exemplo parecido, só
que em menores proporções arquitetônicas. De janeiro
de 2002 a abril de 2008, ele alugou um imóvel que ficou
conhecido como A Menor Casa de Olinda. “Inventei
do nada esse nome por ela ser muito pequena: uma
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Antiga casa de Fernando Peres, em Olinda | foto: Cia de Foto
porta (sem janelas) e dentro um triângulo isósceles (a
fachada com 3 metros de largura e os dois lados com
11 metros).” Apesar do tamanho, lá dentro cabia uma
cama suspensa, um minimezanino e um banheiro a
céu aberto, localizado na ponta do triângulo. Como se
o tamanho da construção já não dificultasse bastante
a possibilidade de uma pessoa morar lá, Peres ainda
transformou o lugar num centro cultural, sediando
festas, exposições e performances, e servindo de
ateliê. Em 2008, porém, teve de devolver a propriedade
à dona. Segundo Peres, muito de seu trabalho
se relaciona com o conceito “casa” e isso vem antes da
mudança para A Menor Casa de Olinda. “Nas minhas
duas últimas exposições individuais, levei todos os meus
objetos, roupas, plantas, animais, desenhos, pinturas
etc. para os museus por um mês”, conta referindo-se
às exposições no Instituto de Arte Contemporânea de
Recife e no Museu de Arte Contemporânea de Olinda.
Na Serra Gaúcha, no município de Morro Reuter, uma
placa dá as boas-vindas ao contrário – “vindo bem”
– na entrada da residência Caminho das Serpentes.
Passando pelo portão, há uma trilha de mosaico onde
se vê um unicórnio à esquerda e diversos painéis à
direita, muitos deles feitos com objetos de família
que virariam lixo em uma faxina qualquer: relógios
quebrados, rendas, lenços, panos, bijuterias e louças
velhas. O terreno de 6.195 metros quadrados tem
ainda uma pequena biblioteca e um palco feito de
mosaicos, para apresentações e performances ao ar
livre. O pátio é cheio de esculturas, cada uma assinada
por um autor diferente. Para as crianças, há uma
serpente gigante e um miniateliê. Numa construção
à esquerda da entrada, o poema “A invenção do olho”,
de Vítor Ramil, jaz para ser lido também em mosaico.
Tudo, praticamente tudo, é mosaico na Caminho das
Serpentes. Até mesmo os banheiros. E, claro, a casa
da proprietária.
A artista plástica gaúcha Claudia Sperb mudou-se para
o meio da floresta em 1997. De lá para cá, ao mesmo
tempo que encheu as construções e o jardim de mosaicos,
ministrou cursos de arte para leigos. Em sua casa
há, por exemplo, xilogravuras feitas por operários da
A arte pertence à humanidade desde todos os tempos, é
inerente, e por isso acho que as experiências são ou deveriam
ser profundamente livres e para todos.” (Brígida Baltar)
construção civil de Novo Hamburgo. Arte-educadora,
Claudia agora deseja levar seu conhecimento de arte
contemporânea a quem não costuma ter acesso. Por
isso decidiu fazer de sua casa uma paragem para
amigos, conhecidos, estranhos, enfim, pessoas que
estejam procurando aliar repouso ao aprendizado
do mosaico e da xilogravura, ao se
inspirar, de alguma forma, com o que
fez em sua própria casa.
Fecha parênteses
Quando o período de apuração para esta reportagem
se encaminhava para o final, Brígida Baltar escreveu
ao repórter:
“Você já deve ter escrito sua matéria, mas fiquei refletindo
ainda sobre o que você investiga. Na verdade
fiquei lembrando que quando somos crianças todos
desenhamos muito, e por que mais tarde paramos de
fazer isso? Seria tão bacana que as pessoas continuassem
a se expressar através do desenho, por exemplo.
Fiquei lembrando também que tenho um amigo que
é designer, e sempre que chega em casa toca um
cavaquinho, para relaxar, sei lá, por prazer puro, por
necessidade espiritual. A arte pertence à humanidade
desde todos os tempos, é inerente, e por isso
acho que as experiências são ou deveriam ser
profundamente livres e para todos. Essa
é minha resposta mais generosa
e menos defendida.”
Glaucis de Morais observa Côncavo | foto: arquivo da artista (acima) e Playground no quintal da Casa da Xiclet | foto: arquivo da artista (abaixo)
60 Continuum Itaú Cultural Participe com suas ideias 61

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Ilustração [detalhe]: Virgílio Neto
62 Continuum Itaú Cultural Vernissage (acima) e Picasso, cartuns de Marcelo Rampazzo
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área livre

64 Fotos Continuum da série Itaú Cultural Ausência, de Phamela Dadamo
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66 Fotos Continuum da série Itaú Cultural Ballet em Foco – Bailarinas Fora do Palco, de Wilson Inacio A Máquina de Escrever Azul, registro fotográfico de intervenção do coletivo Casa de Marimbondo
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