Museu de Imagens do Inconsciente - Centro Cultural do Ministério ...

MINISTÉRIO DA SAÚDE
Secretaria-Executiva
Subsecretaria de Assuntos Administrativos
Série H. Bibliografias
Brasília - DF
2009
ArtAme GAllery
ARTE SOLIDARIEDADE
museu de ImAGens
do InconscIente
ART SOLIDARITÉ

©2009 Ministério da Saúde.
Todos os direitos reservados. É permitida a reprodução parcial ou total desta obra, desde que citada a fonte e que não seja para venda ou qualquer fim comercial.
A responsabilidade pelos direitos autorais de textos e imagens desta obra é de responsabilidade da área técnica.
A coleção institucional do Ministério da Saúde pode ser acessada na íntegra na Biblioteca Virtual em Saúde do Ministério da Saúde: http://www.saude.gov.br/bvs
Série H. Bibliografias
Tiragem: 1ª edição – 2009 – 1.000 exemplares
Elaboração, distribuição e informações:
MINISTÉRIO DA SAÚDE
Secretaria-Executiva
Subsecretaria de Assuntos Administrativos
Coordenação-Geral de Documentação e Informação
Centro Cultural da Saúde
Praça Marechal Âncora, s/n, Praça XV
CEP: 20021-200, Rio de Janeiro – RJ
E-mail: ccs@ccs.saude.gov.br
Home page: www.ccs.saude.gov.br
Coordenação editorial:
Jussara Valladares
Colaboração:
Cláudia Ferrari
Copidesque e revisão:
Mônica Quiroga, Claudia Ferrari e Abigail Nunes
Capa e projeto gráfico:
Ana Aparecida Ramos e Jorge Teodoro
Tradução dos textos para o português
Maria Zuleide Pires Killer
Acervos:
Artame Gallery e Museu de Imagens do Inconsciente
Ilustração:
Rita Loureiro
Fotografias:
Benjamin Afonso, Jennifer Bruget, Wanceslas Chevalier, Franck Demoncheaux, Henri Gallin, Nicolas Hilfiger, Raphael Lasne, Lechnu, Bertrand Legros, Luca , Eric Ménuset, Philippe Pierre, Xavier Prévost, Glória Chan
Impresso no Brasil / Printed in Brazil
Ficha Catalográfica
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Brasil. Ministério da Saúde. Secretaria-Executiva. Subsecretaria de Assuntos Administrativos.
Artame Gallery : Arte Solidariedade : Museu de Imagens do Inconsciente / Ministério da Saúde, Secretaria-Executiva, Subsecretaria de Assuntos Administrativos. – Brasília : Ministério da Saúde, 2009.
80 p. : il. color. – (Série H. Bibliografias)
1. Sistema Único de Saúde (SUS). 2. Políticas públicas em saúde. 3. Saúde pública. 4. Saúde mental. I. Título. II. Série.
CDU 614(81)
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Títulos para indexação:
Em inglês: Artame Gallery : Solidarity Art : Museum of Images of the Unconscious
Em espanhol: Artame Gallery : Arte Solidaridad : Museo de Imágenes del Inconsciente
Catalogação na fonte – Coordenação-Geral de Documentação e Informação – Editora MS – OS 2009/0830

Museu de Imagens do Inconsciente
6 de novembro de 2009 a 31 de janeiro de 2010
Centro Cultural Justiça Federal
11 de novembro de 2009 a 31 de janeiro de 2010
“França.Br 2009” de Ano da França no Brasil (21 de abril até
15 de novembro) é organizada:
Na França: pelo Comissariado Geral Francês, pelo Ministério
das Relações Exteriores e Europeias, pelo Ministério da Cultura
e da Comunicação e por Culturesfrance.
No Brasil: pelo Comissariado Geral Brasileiro, pelo Ministério
da Cultura e pelo Ministério das Relações Exteriores.

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Em 2005, a França acolheu o Brasil, com grande prazer e imenso sucesso, um Brésil-Brésils múltiplo, enraizado no presente e na modernidade,
sem nada perder de sua influência sobre o imaginário.
Em 2009, o Brasil abre generosamente suas portas à França. Algumas centenas de eventos estão sendo organizados por todo o país, em
todas as áreas, refletindo uma sede de compreendermos, de trabalharmos, de criarmos em conjunto.
Mas qual França o Brasil vai receber? Uma França orgulhosa de sua memória, evidentemente, uma memória viva, que ela gosta de partilhar
muito além de suas fronteiras. O Brasil, aliás, na sua alegre antropofagia, buscou a França ao longo de toda a sua história, assimilando-a e
metamorfoseando-a à sua maneira. Desse interesse que os países têm um pelo outro, resulta o desejo de reencontrar as ideias, as imagens e
os sabores, para prolongar esta alegria de se conhecerem e de se surpreenderem mutuamente.
A ambição do Ano da França no Brasil é também a de mostrar imagens e proporcionar sensações de uma França diferente, mais contrastante
e aventureira do que poderíamos imaginar. Uma França que adora provar outras culturas, explorar outros territórios. Uma França
que se inquieta e se questiona, em constante mutação, ao ritmo da evolução de sua sociedade, que é tão diversa quanto a brasileira. Uma
França que cria a partir de suas interrogações, contemplando o mundo.
Uma França, sobretudo, que olha para o Brasil com admiração, sabendo também o que ela ainda pode lhe oferecer. Uma França que, desde
Jean de Léry até o rapper MC Solaar, passando por Blaise Cendrars e Claude Lévi-Strauss, se nutre da cultura brasileira, multiplicando
assim suas reflexões e seus impulsos.
O nome deste Ano é França.Br 2009. A França é convidada a percorrer o Brasil e seu imaginário tão rapidamente quanto nos permitem as
navegações na Internet, e assim continuar a construir uma relação forte e ativa, permitindo que franceses e brasileiros atuem em conjunto
sobre o mundo.
Yves Saint-Geours
Presidente do Comissariado Francês
Danilo Santos de Miranda
Presidente do Comissariado Brasileiro
Anne Louyot
Comissária-Geral do Comissariado Francês
Embaixador Roberto Soares de Oliveira
Comissário-Geral do Comissariado Brasileiro

En 2005, la France a accueilli le Brésil, avec un grand bonheur et un immense succès, un Brésil-Brésils multiple, enraciné dans le présent
et la modernité sans rien perdre de son ascendant sur l’imaginaire.
En 2009, le Brésil ouvre généreusement ses portes à la France. Plusieurs centaines d’événements sont organisés dans toutes les régions,
dans tous les domaines, culture, éducation, science, économie, sport, reflétant une soif de se comprendre, de travailler et de créer ensemble
et mettant en pratique le partenariat stratégique entre les deux pays.
Mais quelle France le Brésil va-t-il accueillir ? Une France fière de sa mémoire, bien sûr, une mémoire vivante qu’elle aime partager bien
au-delà de ses frontières. Le Brésil, dans son allègre anthropophagie, a d’ailleurs mangé de la France tout au long de son histoire, en la
digérant et la métamorphosant à sa manière. De ce goût que les deux pays ont l’un de l’autre, il est bon de retrouver des idées, des images,
des saveurs, pour prolonger le plaisir de se connaître et de s’étonner mutuellement.
Mais l’ambition de l’Année de la France au Brésil est aussi de donner à voir et à sentir une France différente, plus contrastée, plus aventureuse
qu’on ne pourrait parfois l’imaginer. Une France qui aime butiner d’autres cultures, explorer d’autres territoires. Une France qui
s’inquiète et s’interroge, en constante mutation, au rythme de l’évolution de sa société, qui n’est pas moins diverse que la société brésilienne.
Une France qui crée à partir de ces interrogations, en regardant le monde.
Une France surtout qui regarde le Brésil. Avec admiration, avec humilité, mais en sachant aussi ce qu’elle peut encore lui offrir. Une
France gourmande de Brésil, qui aime depuis Jean de Léry jusqu’au rappeur Mc Solaar, en passant par Blaise Cendrars et Claude Lévi
Strauss, se nourrir du Brésil et en nourrir sa réflexion et ses élans.
Le nom de cette Année est França.Br 2009. La France est invitée au Brésil, pour parcourir les imaginaires aussi lestement que le permet
une navigation Internet, mais aussi pour continuer à construire une relation forte et active, permettant aux Français et aux Brésiliens
d’agir ensemble sur le monde.
Yves Saint-Geours
Président du commissariat français
Danilo Santos de Miranda
Président du commissariat brésilien
Anne Louyot
Commissaire générale française
Roberto Soares de Oliveira
Commissaire général brésilien
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Apresentação das Mostras
Integrante do projeto Ano da França no Brasil, a exposição Artame Gallery: Arte Solidariedade,
juntamente com o Museu de Imagens do Inconsciente apresenta as obras de 44 artistas plásticos
franceses e 15 brasileiros, dividida em dois espaços no Rio de Janeiro, o Centro Cultural Justiça
Federal e o Museu de Imagens do Inconsciente.
Pinturas em diversos tipos de técnica, instalação, tricô, obras digitais, dentre outros trabalhos,
compõem a exposição, que explora a arte como forma de expressão, respeitando a ética e a
diversidade.
Artame Gallery, com o objetivo de romper o isolamento de artistas fragilizados por transtornos
psíquicos e Museu de Imagens do Inconsciente, do Instituto Municipal Nise da Silveira – um
centro vivo de estudo aberto a pesquisadores de todas as escolas psiquiátricas – trabalham para
revelar o fascínio das formas e das cores por meio dessa coleção, uma verdadeira viagem ao
inconsciente.

Présentation de les expositions
Dans le cadre de l’année de la France au Brésil, l’exposition «Artame Gallery : Art Solidarité»
présente conjointement avec le Musée des Images de l’Inconscient, des œuvres de 44 artistes
plasticiens français et 15 brésiliens, distribuées en deux espaces à Rio de Janeiro, le Centre culturel
de la Justice fédérale et le Musée des Images de l’Inconscient.
Peintures aux techniques diverses, installations, tricot, œuvres numériques, entre autres travaux,
composent cette exposition qui explore l’art comme une forme d’expression dans le respect de
l’éthique et de la diversité.
Artame Gallery, dont l’objectif est de rompre l’isolement des artistes fragilisés par des troubles
psychiques, et le Musée des Images de l’Inconscient de l’Institut Nise da Silveira, centre vivant de
recherches et d’études ouvert à tous les chercheurs de toutes les écoles psychiatriques, travaillent
pour révéler la fascination des formes et des couleurs à travers cette collection : un vrai voyage
dans l’inconscient.
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Centro Cultural da Saúde
O Centro Cultural da Saúde (CCS), situado na
cidade do Rio de Janeiro, iniciou suas atividades em
dezembro de 2001, com o objetivo de promover e
integrar os campos da informação, da documentação
e da comunicação em saúde, utilizando uma
linguagem criativa que permita ao público conhecer
e compreender aspectos históricos, sociais, políticos e
científicos da saúde no Brasil.
Por meio da realização de mostras culturais locais,
virtuais e itinerantes, contextualiza a saúde com uma
abordagem artística, colocando na pauta temas de
interesse público. Em conjunto com as instituições
parceiras, realiza programação com eventos técnicos,
apresentações culturais, exibição de vídeos, produção
e distribuição de materiais educativos, que fomentam
o intercâmbio e valorizam a expressão de grupos
populares e de outros segmentos específicos.
A cada nova cidade, experiências regionais são
acrescentadas às mostras, com o objetivo de dar
visibilidade às ações e programas locais, comprometer
as instâncias públicas, suscitar o debate, democratizar
a informação e fortalecer as redes sociais.
O CCS é uma unidade vinculada à Coordenação-
Geral de Documentação e Informação do Ministério
da Saúde, que integra também a Biblioteca, o
Arquivo e a Editora. Sua criação estabeleceu uma
nova etapa, um modelo diferenciado, um espaço
democrático e plural no qual a interatividade e a
participação social são princípios norteadores, e cujo
maior desafio é viabilizar, de forma sustentável, o
intercâmbio praticado a cada mostra realizada e tema
abordado.
Centro Cultural da Saúde

Centre Culturel de la Santé
Le Centre Culturel de la Santé (CSS), situé dans
la ville de Rio de Janeiro, a débuté ses activités
en décembre 2001 avec l’objectif de promouvoir
et intégrer les champs de l’information, de la
documentation et de la communication dans le
domaine de la santé, à travers un langage créatif
permettant au public de connaître et comprendre
les aspects historiques, sociaux et scientifiques de la
santé au Brésil.
Avec des expositions culturelles locales, virtuelles
et itinérantes et par le biais d’un langage artistique
il présente la santé dans son contexte et traite des
thèmes d’intérêt public. En collaboration avec des
institutions partenaires il réalise une programmation
d’événements techniques, de présentations culturelles
et de vidéos, la production et la diffusion de matériel
pédagogique. Ces actions développent les échanges
et valorisent l’expression de groupes populaires et
d’autres segments spécifiques.
Dans chaque nouvelle ville des expériences
régionales sont intégrées aux expositions avec pour
objectifs de donner de la visibilité aux actions et à
la programmation locales, de créer l’engagement
des instances publiques, de susciter le débat, de
démocratiser l’information et de renforcer les réseaux
sociaux.
Le CCS est une unité liée à la Coordination
Générale de Documentation et d’Information
du Ministère de la Santé, qui intègre aussi la
Bibliothèque, l’Archive et l’Édition. Sa création a
établi une nouvelle étape, un modèle différencié, un
espace démocratique et pluriel où l’interactivité et
la participation sont les principes d’orientation. Le
plus grand défi est de rendre viable, de façon durable,
l’échange pratiqué à chaque exposition et à chaque
thème traité.
Centre Culturel de la Santé
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Artame Gallery

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“ter um lugar em algum lugar”
Artame Gallery é uma associação que foi reconhecida
como Grupo de Ajuda Mútua pelo Ministério da
Saúde da França, em 2005. Sua história remonta
a 1992 e nasceu da constatação de que existem
pintores, escultores, desenhistas, infografistas,
fotógrafos, dentre outros artistas, que sofrem com
algum tipo de distúrbio psíquico. Isolados nas
cidades, querem se reunir, criar, expor e vender suas
obras. Todos têm em comum a arte, advinda de
formação acadêmica ou resultado de anos de trabalho
e de experiência.
Atualmente, Artame Gallery é uma galeria-espaço
de criação, de trabalho individual e coletivo, de
encontros, trocas artísticas e convívio em um bairro
popular de Paris congregando inúmeros ateliês
e organizando grandes manifestações artísticas,
como as Jornadas Portas Abertas de Belleville e
de Ménilmontant. A Artame Gallery funciona
diariamente, inclusive no horário noturno, e reúne
cinquenta artistas associados e outros cinquenta
interessados, ligados informalmente ao grupo. Todos
podem criar livremente, participar de grupos de
trabalho (imagens-escritura, fotografia, multimídia,
gravura, desenho de modelos vivos etc.) e, de acordo
com sua vontade, de exposições individuais e
coletivas, manifestações e salões artísticos. Os artistas
também compartilham a vida do bairro e fazem parte
de uma rede artística local, nacional e internacional.
O grupo também possui uma rede de “artistasparceiros”,
profissionais não envolvidos diretamente
em problemas de saúde mental, que trabalham
com os artistas, tecem laços de companheirismo e
participam das diferentes atividades.
Segundo os artistas, “Artame Gallery está voltada
para valores de vida ideais como ajuda mútua,
amizade, respeito, igualdade para todos e para cada
um, apesar das nossas diferenças e da inquietação por
estar em um mundo mais ou menos doloroso, onde
somos mais ou menos capazes de agir, reagir, crescer
e fazer crescer. Todos contribuímos com algo e é isso
também que engrandece, ter um lugar em algum
lugar”.

«avoir une place quelque part»
Artame Gallery est une association qui a été
reconnue Groupe d’Entraide Mutuelle (GEM)
par le Ministère de la Santé en 2005. Son histoire
remonte à 1992. Elle est née d’une constatation:
il existe des peintres, sculpteurs, dessinateurs,
infographistes, photographes etc. qui souffrent d’un
trouble psychique. Isolés dans la cité, ils ont eu le
désir de se regrouper pour communiquer, échanger
sur l’art, exposer et vendre leurs oeuvres. Ils ont
tous en commun une formation artistique résultat
soit de leur passage dans une école (Beaux arts, Arts
décoratifs ...), soit d’années de travail et d’expérience.
Actuellement, Artame Gallery est une galerie-espace
de création, de travail individuel et collectif, de
rencontres et d’échanges artistiques, de convivialité
dans un quartier populaire de Paris qui accueille
de très nombreux ateliers d’artistes et où sont
organisées de grandes manifestations artistiques
comme les journées portes ouvertes de Belleville
et de Ménilmontant. Ouvert 7 jours sur 7, avec
des horaires en soirée, le GEM Artame Gallery
regroupe une cinquantaine d’artistes adhérents de
l’association et une autre cinquantaine qui sont
intéressés, et qui sont reliés au GEM, même s’ils
n’ont pas adhérés. Tous peuvent y créer librement,
participer à des groupes de travail (images-écriture,
photographie, multimédia, gravure, dessin modèles
vivants ...), prendre part, comme ils le souhaitent,
à des expositions individuelles et collectives,
manifestations et salons artistiques. Les artistes
participent à la vie du quartier et font partie d’un
réseau artistique local, national et international.
Le GEM a aussi un réseau d’ «artistes-partenaires»,
professionnels non concernés directement par des
problèmes de santé mentale, qui travaillent avec
les artistes, tissent des liens de compagnonnage et
participent aux différentes activités.
Selon les artistes : «Artame Gallery tend vers
des valeurs de vie idéales telles que l’entraide, la
bienveillance, le respect, l’égalité pour tous et
chacun malgré nos différences, nos états d’être au
monde plus ou moins douloureux, plus ou moins
capables d’agir, de réagir, grandir et faire grandir.
Nous amenons tous quelque chose, c’est aussi cela
qui grandit et fait grandir, d’avoir une place quelque
part».
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Adrien BuSSOn
Somente após uma formação em entalhador de
pedra que Adrien Busson descobriu o desenho
e se abriu ao mundo da pintura. Entre sombra
e luz, abstração e figuração, mistério e clareza,
segue traçando o labirinto de sua vida e de sua
obra. “Talvez em busca de seu caminho?” A
própria matéria de sua pintura revela-se em
estratos sucessivos, nos quais as cores fortes das
primeiras camadas podem reaparecer depois de
recobertas por matizes muito sombrios : “Assim
é a vida”, diz o artista.
C’est après une formation de tailleur de pierre
qu’Adrien Busson a découvert le dessin et s’est
ouvert au monde de la peinture. Entre ombre
et lumière, abstraction et figuration, mystère
et clarté, il parcourt en le traçant le labyrinthe
de sa vie et de son œuvre : «Peut-être s’agitil
de trouver sa voie?». La matière même de
sa peinture se révèle en strates successives où
les couleurs éclatantes des premières couches
peuvent réapparaître après recouvrement de
teintes très sombres : «Ainsi va la vie» dit
l’artiste.
L’enfer du Christ
100cm x 130cm
acrylique sur papier marouflée sur tissu
O inferno do Cristo
100cm x 130cm
acrílica sobre papel aplicado sobre tecido

La vvvalinga
100cm x 80cm
pastel gras
A vvvalinga
100cm x 80cm
pastel oleoso
Akira SIMO
Residente em Paris, Akira Simo sempre
desenhou e expõe em diferentes salões. Cria um
universo “retrofuturista”, conjugando ao presente
uma nostalgia do passado com uma projeção
no futuro, no qual celebra a mulher de forma
permanente. Suas obras em papel, em tela, em
volume ou em quadrinhos contam os mundos da
Villubie e da Villemannie, nos quais as mulheres
são enormes, gigantes, maternais, protetoras ou
conquistadoras, em composições atravessadas
por escritos ou símbolos cosmológicos.
Installé à Paris, Akira Simo dessine depuis
toujours et expose dans différents salons. Il
crée un univers «rétrofuturiste», conjuguant
au présent une nostalgie du passé avec une
projection dans le futur, où il célèbre la
femme de façon permanente. Ses œuvres sur
papier, sur toile, en volume ou en bandes
dessinées racontent les mondes de la Villubie
et de la Villemannie où les femmes sont
immenses, géantes, maternelles, protectrices ou
conquérantes dans des compositions incisées
d’écritures et de symboles cosmologiques.
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La vie
69cm x 54cm
acrylique sur rhodoide
A vida
69cm x 54cm
acrílica sobre acetato
Benjamin AfOnSO
Depois de prestar vestibular para Artes
Aplicadas e estudar numa escola de grafismo,
Benjamin Afonso lançou-se à pintura, que se
tornou, atualmente, uma paixão. Ele pinta em
diferentes suportes, como madeira, papelão,
portas ou, ainda, acetato – seu suporte predileto.
Pinta o que o cerca, seu universo, seus anseios do
momento, crianças e suas despreocupações, mas
também, às vezes, a crueldade do mundo. Sua
profissão de infografista alimenta seu imaginário
e lhe permite enriquecer suas composições.
Après un bac Arts appliqués et une école de
graphisme, Benjamin Afonso s’est mis à la
peinture qui est devenue aujourd’hui une
passion. Il peint sur différents supports comme le
bois, le carton, des portes ou encore du rhodoïd,
son support de prédilection. Il peint ce qui
l’entoure, son univers, ses envies du moment,
les enfants et leur insouciance, parfois aussi la
cruauté de ce monde. Son métier d’infographiste
nourrit son imaginaire et lui permet d’enrichir
ses compositions.

Nascida em uma família de artistas, Chantal
Roux é pintora e escritora. Ela expõe e está
presente em coleções, tanto na França quanto em
outros países. “… É uma pintura que não conta,
não descreve, nunca se afasta de si mesma para
permanecer na intimidade sensível da vida como
mistério permanente. Uma pintura figurativa,
com certeza, mas vinda do interior do olhar
para melhor ir além de si mesma, transcender
a representação, florescer na doce poesia,
questionar silenciosamente sua própria presença
no mundo” (Pierre Souchaud – suprarrealidades
familiares).
Issue d’une famille d’artistes, Chantal Roux est
peintre et écrivain. Elle expose et est présente
dans des collections en France et à l’étranger:
«…c’est une peinture qui ne raconte pas, ne
décrit pas, ne s’éloigne jamais d’elle-même
pour rester toujours dans l’intimité sensible
d’un vécu comme mystère permanent. Une
peinture figurative certes, mais venue de
l’intérieur du regard pour mieux aller au-delà
de lui, transcender la représentation, s’épanouir
en région de douce poésie, questionner
silencieusement sa propre présence au monde»
(Pierre Souchaud – Familières surréalités ).
Chantal ROux
Alliance
100cm x 81cm
huile sur papier marouflée sur toile
Aliança
100cm x 81cm
óleo sobre papel aplicado sobre tela
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Corinne ZEITOun
Formada pela Escola de Belas-Artes de Paris,
Corinne Zeitoun expõe regularmente desde
1985. “Quero que a pintura seja um elo entre
o imaginário e o real. Gosto de pintar sobre o
motivo, isso me aproxima da vida, da verdade.
Tenho o sentimento de que não sou moderna,
mas que obedeço a um sentimento mais forte
que o de fazer pintura moderna, de seguir um
caminho pré-estabelecido. Gosto de pintar as
árvores, a água e as pedras, o ar – talvez eu seja
uma romântica? – a arte moderna está muito
afastada da natureza.”
Formée à l’école des Beaux Arts de Paris,
Corinne Zeitoun expose régulièrement depuis
1985. «Je veux que la peinture soit un lien entre
l’imaginaire et le réel. J’aime peindre sur le
motif, cela me rapproche de la vie, de la vérité.
J’ai le sentiment que je ne suis pas moderne, mais
j’obéis à un sentiment plus fort que de faire de
la peinture actuelle, de suivre un chemin établi.
J’aime peindre les arbres, l’eau et les pierres,
l’air – peut-être suis-je une romantique? – l’art
moderne est si éloigné de la nature.»
Dans le bois 2
65cm x 81cm
huile sur toile
No bosque 2
65cm x 81cm
óleo sobre tela

Terre céleste 1
140cm x 136cm
papier marouflée sur toile, encre et pigment
Terra celestial 1
140cm x 136cm
papel aplicado sobre tela, tinta e pigmento
Danielle DÉnOuETTE
Há 30 anos, depois de formada pela Universidade
de Artes Plásticas e Ciências da Arte, em Paris,
Danielle Dénouette tece os dois fios condutores
de sua vida: o ensino artístico e a criação,
uma obra corajosa, disseminada através dos
continentes com a correspondência ilustrada
(Arte postal), as caixas de relicário, os grandes
rolos de papel (1mx5m), os livros únicos, as
“paisagens interiores” declinados ao infinito, os
papéis costurados ou aplicados em tela. Uma
obra ditada pela “lógica dos sonhos”, que se
procura num perpétuo movimento de construção
e desconstrução e que se alimenta de uma
contemplação cotidianamente vivida.
Depuis 30 ans, après une formation à l’université
d’Arts Plastiques et Sciences de l’art à Paris,
Danielle Dénouette tisse les deux fils conducteurs
de sa vie : l’enseignement artistique et la création;
une œuvre généreuse, disséminée à travers les
continents avec la correspondance illustrée
(art postal), les boîtes reliquaires, les grands
rouleaux de papier (1mx5m), les livres uniques,
les «paysages intérieurs» à décliner à l’infini, les
papiers cousus ou marouflés sur toile. Une œuvre
dictée par «la logique des songes» qui se cherche
dans un perpétuel mouvement de construction
et déconstruction et se nourrit d’un état de
contemplation quotidiennement vécu.
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Le salon de musique
100cm x 81cm
huile sur toile
O salão de música
100cm x 81cm
óleo sobre tela
David KEnnEDy
A pintura de David Kennedy é franca, com
poucas misturas e baseada em cores puras.
Dentre os temas bíblicos que o inspiraram,
destaca-se a história de Davi e Betsaba: seu
amor proibido com toda a gama de expressões
violentas do coração. Seu desejo é, através de
sua pintura, tornar visíveis esses sentimentos
abstratos. Um outro aspecto de sua obra
apresenta os retratos. Do ponto de vista técnico,
ele elimina todos os artifícios e simplifica até
alcançar uma expressão única, essencial e direta
do personagem.
La peinture de David Kennedy est franche, peu
mélangée et fondée sur des couleurs pures. Parmi
les thèmes bibliques qui l’ont inspiré, il aime
l’histoire de David et Bethsabée : leur amour
interdit avec toute la gamme des expressions
violentes du cœur. Il veut par sa peinture rendre
ces sentiments abstraits visibles. Un autre aspect
de son œuvre présente des portraits. Sur le plan
technique, il élimine tous les artifices et simplifie
jusqu’à une expression unique, essentielle et
directe du personnage.

Desenho, pintura, cor, colagem...Diane
Stavéris sempre gostou desse universo. Artista
autodidata, que deseja ser livre e criar como
respira: quando bem entender, de acordo com
seus impulsos e tendências. Seu trabalho é
extremamente produtivo, acompanhado de
estudos literários e estados de alma dolorosos.
Ela explora as cores, mas também o preto e
branco. Os personagens estão no centro de sua
obra. Eles nascem de acordo com a vontade do
pincel, em forma de quebra-cabeças e de cores.
Sua elaboração pictorial é alegre e seu universo
multicor particularmente criativo.
Dessin, peinture, couleur, collage...Diane Stavéris
aime cet univers artistique depuis toujours. Elle
est autodidacte car elle souhaite rester libre et
créer comme elle respire, quand bon lui semble,
selon ses pulsions et ses impulsions. Son travail
est extrêmement productif, accompagnant des
études littéraires et des états d’âmes douloureux.
Elle explore la couleur mais aussi le noir et
blanc. Les personnages sont au centre de son
œuvre. Ils naissent au gré de son pinceau sous
forme de puzzles et de couleurs. Son élaboration
picturale est joyeuse et son univers chamarré
particulièrement créatif.
Diane STAvÉRIS
Cette chanson d’amour qui
toujours recommence
81cm x 65cm
technique mixte
Essa canção de amor que
sempre recomeça
81cm x 65cm
técnica mista
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Edouard AnGELLA
No mundo de Edouard Angella, pintor e músico,
o orgânico e o cósmico, o abstrato e a forma se
confundem numa explosão de cores:
figuras geométricas cercadas de halos fluidos,
raios, efervescência colorida, ritmo ondulatório
de uma corda que vibra até os confins do universo,
música dos astros, que jorram como de um buraco
negro. As ondulações da alma se misturam às das
galáxias, o universo psíquico está em interação com
o cosmos. Rostos-planetas turbilham tais como
medusas celestes, pirâmides flutuantes respondem
a sóis que implodem. E essa sinfonia de azul,
vermelho e amarelo é regida com a ponta de um
pincel.
Dans le monde d’Edouard Angella, peintre et
musicien, l’organique et le cosmique, l’abstraction
et la figure, se confondent dans une explosion de
couleurs : figures géométriques entourées de halos
fluides, éclairs, effervescences colorées, rythme
ondulatoire d’une corde qui vibre jusqu’au tréfonds
de l’univers, musique des astres, jaillis comme d’un
trou noir. Ici, les ondulations de l’âme se mêlent
à celles des galaxies, l’univers psychique est en
interaction avec le cosmos. Des visages-planètes
tourbillonnent telles des méduses célestes, des
pyramides en apesanteur répondent à des soleils qui
implosent, et cette symphonie de bleu, de rouge et
de jaune se joue avec l’extrémité d’un pinceau.
Ondulation pyramidale
73cm x 54cm
acrylique sur toile
Ondulação piramidal
73cm x 54cm
acrílica sobre tela

Nocturne bleue
116cm x 89cm
huile sur toile
Noturno azul
116cm x 89cm
óleo sobre tela
Emmanuelle BInÉTOwITCh
Depois de ter estudado filosofia e línguas
orientais, Emmanuelle Binetowitch volta-se
para sua vocação profunda e realiza estudos em
arte. De acordo com suas palavras: “Sou artista
para materializar a fisionomia dos meus sonhos,
traduzir um estado sem remédio da vida. Minha
pintura é a tentativa de me aproximar de um
deslumbramento que não ocorreu. Apropriome
do equilíbrio instável entre existência
e não existência para reabilitar as emoções
desqualificadas da infância, este mundo do
afetivo, povoado pelo sensorial.”
Après avoir étudié la philosophie et les langues
orientales, Emmanuelle Binétowitch se tourne
vers sa vocation profonde et entreprend des
études artistiques. Ainsi dit-elle : «Je suis
artiste pour matérialiser la physionomie de mes
rêves, traduire un état sans remède de la vie.
Ma peinture est la tentative d’approcher un
émerveillement qui n’a pas eu lieu. J’investis
cet équilibre instable entre l’existence et la
non existence, pour réhabiliter les émotions
disqualifiées de l’enfance, ce monde de l’affectif
habité par la sensorialité.»
23

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Le disque solaire
56cm x 76cm
technique mixte
O disco solar
56cm x 76cm
técnica mista
Emmanuelle GIRARD
Vinda de um meio familiar artístico, Emmanuelle
Girard sempre desenhou. Figuras coloridas
destacam-se num fundo preto, que nos remetem a
iluminuras medievais, arte popular sul-americana,
ameríndia. Personagens híbridos, parcelas de
corpos reunidas para se recontituírem, darem cor
e luz ao denso. Suas criações multicores são como
que saídas da noite sombria do inconsciente, e
dialogam com figuras de contos e reminiscências de
outros artistas, com alusões a Munch e Méliès, dor
e alegria estreitamente entrelaçadas. Constelações
de personagens e formas disseminadas para fazer
ressurgir a alegria e explodir a adversidade.
Issue d’un milieu familial artistique, Emmanuelle
Girard dessine depuis toujours. Des figures
colorées se détachent d’un fond noir...on pense
aux enluminures médiévales, à l’art populaire
sud-américain, amérindien. Personnages hybrides,
parcelles de corps réunies là pour se reconstituer,
donner de la couleur et de la lumière à la pesanteur.
Ses créations multicolores sont comme sorties de
la nuit sombre de l’inconscient et s’y entremêlent
des figures de contes et des réminiscences d’autres
artistes, clins d’œil à Munch, à Méliès, douleur et
gaieté étroitement entrelacées. Des constellations
de personnages et de formes disséminées pour faire
ressurgir la joie et éclater l’adversité.

Nascido em 1951, Eric Jacquot vive e trabalha
em Paris. Depois de cursar uma escola de
foto-cinema e montagem, trabalhou como
diagramador e grafista em diversos jornais para
se dedicar atualmente ao desenho e à pintura.
Sensível à poesia do cotidiano, enche seus
cadernos de croquis e desenhos: cenas de rua,
cafés, fragmentos de vida... mas ele também sabe
nos conduzir em seu mundo interior onírico e
imaginário. Através do domínio do pincel, da
pena, da tinta da china, do guache, dos pastéis ou
da aquarela, brinca de perto com o traço, a cor e
outros assuntos repletos de humanidade.
Né en 1951, Eric Jacquot vit et travaille à Paris.
Après avoir fait une école de photo-cinéma et
de montage, il a travaillé comme maquettiste
et graphiste dans divers journaux pour se
consacrer aujourd’hui au dessin et à la peinture.
Sensible à la poésie du quotidien, il remplit de
croquis et de dessins ses carnets : scènes de rue,
cafés, fragments de vies… mais il sait aussi nous
conduire dans son monde intérieur onirique et
imaginaire. Il maîtrise pinceau, plume, encre de
chine, gouache, pastels ou aquarelle pour jouer
au plus près du trait, de la couleur et de ses sujets
emplis d’humanité.
Eric JACquOT
Personnage abandonné
20cm x 20cm
aquarelle
Personagem abandonado
20cm x 20cm
aquarela
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florence BÉChu
Florence Béchu vive e trabalha na França,
depois de ter morado e exposto durante vários
anos na Itália. Seu trabalho pode ser definido
como uma reinterpretação da fotografia, que
ela corta, recobre parcialmente de diferentes
materiais, ou recostura até conseguir um
relevo que se aproxima da escultura. Suas
séries de escarificações em dorsos negros ou
sinais desenhados em pele branca à maneira
das decorações com henna da África do Norte
provêm mais do ritual do que de um ato
agressivo e nos remetem ao domínio do sagrado.
Florence Béchu vit et travaille en France après
avoir séjourné et exposé plusieurs années en
Italie. Son travail peut se définir comme une
réinterprétation de la photographie qu’elle
incise, recouvre partiellement de différents
matériaux, ou recoud, jusqu’à lui donner un
relief proche de la sculpture. Ses séries de
scarifications sur dos à la peau noire ou de
signes dessinés sur peau blanche à la manière
des décorations au henné d’Afrique du nord,
procèdent plus du rituel que d’un acte agressif et
nous font aborder le domaine du sacré.
Hennaya
123cm x 69cm
technique mixte sur papier baryté
Hennaya
123cm x 69cm
técnica mista sobre papel baryte

Miroir
100cm x 80cm
acrylique sur toile
Espelho
100cm x 80cm
acrílica sobre tela
franck DEMOnChEAux
Franck Demoncheaux era pintor autodidata
até descobrir a tela de um Macintosh no início
dos anos 90. Desde então, os dois campos estão
estreitamente ligados: a máquina a serviço do
pensamento criativo e não o contrário. Ele se
interessa pelas estruturas, pela anatomia do vivo,
pela genética. Suas obras oscilam entre pesquisa
prospectiva e contemplação pura, às vezes com
um toque de humor. Ele sabe fazer surgir o
insólito e enfeita seus personagens de cores tão
fascinantes quanto irreais.
Franck Demoncheaux était un peintre
autodidacte avant de découvrir l’écran d’un
Macintosh au début des années 90. Depuis les
deux domaines sont singulièrement mêlés, la
machine étant au service de la pensée créatrice
et non le contraire. Il s’intéresse aux structures,
à l’anatomie du vivant, à la génétique. Ses
œuvres oscillent entre recherche prospective
et contemplation pure, avec, parfois, un zeste
d’humour. Il sait faire surgir l’insolite et pare
ses personnages de couleurs aussi fascinantes
qu’irréelles.
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Visage chèvre
70cm x 50cm
encres colorées
Rosto de cabra
70cm x 50cm
tintas coloridas
Germaine RACCAh
Germaine Raccah possui uma sólida formação
em literatura e filosofia, mas voltou-se para
a pintura e considera-se também poeta. Seu
trabalho é baseado “em sua quase totalidade em
palavras e imagens como vasos comunicantes”
e sua técnica muito pessoal de pintura-colagem
lhe permite entrelaçar esses diversos elementos
em poéticos livros de artista, exemplares
únicos ou em grandes formatos de papel. Sua
inspiração é plural: pode nascer parcialmente do
automatismo ou surgir de um estado de hipnose
para expandir o inconsciente.
Germaine Raccah a une solide formation
en littérature et en philosophie mais elle est
venue à la peinture et se définit aussi comme
poète. Son travail est fondé «dans sa presque
totalité sur des mots et des images comme vases
communicants» et sa technique très personnelle
de peinture-collage lui permet de relier ces
divers éléments dans des livres d’artiste uniques
emprunts de poésie ou sur des grands formats
de papiers. Son inspiration est plurielle: elle
peut naître partiellement de l’automatisme ou
surgir sur fond d’hypnose pour faire s’éployer
l’inconscient.

Guy DALLEvET
Estar onde não é esperado! O trabalho de Guy
Dallevet desconcerta pelo fio dessa história que
só ele parece conhecer. Do praticamente nada
ele tira o instante, como se desperta a história
pela palavra. Da palavra ele faz cor e de sua
paleta faz-se história sem fim, como os pequenos
personagens que povoam seu universo. Povos
da noite. Não podendo povoar seus sonhos,
esses personagens povoam sua tela. Da cor, da
matéria eles nascem, mas, por pudor, pertencem
ao branco. Ícones de um futuro improvável,
parecem tecer o tempo. Não lhe peça para pegar
a lua, seus pequenos personagens seriam capazes
de fazê-lo!
Etre où il n’est pas attendu! Le travail de Guy
Dallevet déconcerte par le fil de cette histoire
que lui seul semble maîtriser. De deux fois rien il
en tire l’instant comme l’on réveille l’histoire par
le mot. Du mot il fait couleur et sa palette se fait
histoire sans fin comme les petits personnages
qui peuplent son univers. Peuples de la nuit.
Ces petits personnages ne pouvant peupler ses
rêves ils occupent la toile. De la couleur, de la
matière ils naissent, mais par pudeur au blanc ils
appartiennent. Icones d’un futur improbable, ils
semblent tisser le temps. Ne lui demandez pas
de décrocher la lune, ses petites personnes en
seraient capables!
Décrocher la Lune
196cm x 127cm
huile sur toile
Alcançar a Lua
196cm x 127cm
óleo sobre tela
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henri-Philippe ROquETTE
Formado na Escola de Belas Artes de Marselha,
Henri-Philippe Roquette desenvolveu, ao
longo de sua trajetória, uma forma de expressão
essencialmente pictorial e fortemente assentada
na matéria, a massa colorida que ele emprega em
toda sua densidade. Uma obra “trabalhada no
corpo” com volúpia e confiança, uma vez que
não há dúvidas em seu elã criativo, um eco do
impulso amoroso para sempre inscrito em seu
corpo e em sua obra dedicada à mulher.
Formé aux Beaux arts de Marseille,
Henri-Philippe Roquette a développé au gré
de son cheminement une forme d’expression
essentiellement picturale et fortement ancrée
dans la matière, la pâte colorée qu’il emploie
dans toute sa densité ; une œuvre «travaillée au
corps», avec volupté et confiance car il n’y a pas
d’hésitation dans son élan créateur, en écho à
l’élan amoureux à jamais inscrit dans sa chair et
dans son œuvre dédiée à la femme.
Femme fatale
65cm x 50cm
acrylique sur papier
Mulher fatal
65cm x 50cm
acrílica sobre papel

Le fumeur
100cm x 73cm
huile sur toile
O fumante
100cm x 73cm
óleo sobre tela
Jean-Christophe Maillard formou-se em
grafismo publicitário e na Escola de Belas-
Artes de Versalhes. Ele pinta exclusivamente
a óleo. A organização de seus quadros passa
essencialmente pela cor, apesar de técnicas tais
como pochoirs, sombras projetadas, traços, serem
empregadas. O artista incita o espectador a se
permitir inebriar, a conversar, como ele, com
a tela, que é abordada sem um tema prévio,
deixando a obra surgir pouco a pouco no prazer
e na liberdade de fazer.
Jean-Christophe Maillard a été formé
en graphisme publicitaire et aux Beauxarts
de Versailles. Il peint exclusivement à
l’huile. L’organisation de ses tableaux passe
essentiellement par la couleur même s’il emploie
des procédés tels que les pochoirs, les ombres
portées, les empreintes. Il engage le spectateur à
se laisser griser, à converser, comme lui, avec la
toile qu’il aborde sans sujet préalable, laissant
l’œuvre advenir peu à peu dans le plaisir et la
liberté de faire.
Jean-Christophe MAILLARD
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Un regard vers Salvador
89cm x 130cm
huile sur toile
Um olhar em direção de Salvador
89cm x 130cm
óleo sobre tela
Desde cedo, Jean-Yves Lefebvre soube que a
pintura estaria no centro de sua vida. Depois
de ter se iniciado na arte como autodidata,
trabalhou em diversos ateliês. Logo também,
cedeu à atração exercida pela cor, “fazer a
cor”, e é o que continua fazendo nessa série de
telas “que representam o sol”, na qual o prazer
advindo do trabalho da matéria colorida,
associado à figura radiante, aflora na leveza
de um deslumbramento. A alegria de pintar é
comunicativa e nos surpreendemos sonhando
com um jardim de infância diante dessas poças
de luz.
Jean-Yves Lefebvre a su très tôt que la peinture
serait au centre de sa vie. Il l’a abordée en
autodidacte puis a fréquenté divers ateliers. Très
tôt aussi, il n’a pas résisté à son attirance pour
la couleur, «faire de la couleur», et c’est ce
qu’il continue de faire avec cette série de toiles
«qui représentent le soleil», où la jouissance
née du travail de la matière colorée, associée à
la figure rayonnante, affleure dans la fraîcheur
d’un éblouissement. La joie de peindre est
communicative et l’on se prend à rêver d’un
jardin d’enfance devant ces flaques de lumière.
Jean-yves LEfEBvRE

Jennifer BRuGET
Jennifer Bruget formou-se em fotografia em
diferentes Escolas de Belas-Artes e ao longo
de encontros com outros artistas. Tomou a
decisão de ser seu próprio modelo e cria imagens
carregadas simbolicamente para provocar no
espectador um questionamento sobre a mulher
diante da sociedade e da natureza. Apesar de
seu imaginário ser o do mundo do circo e dos
contos de fadas, suas montanhas em dípticos são
uma reflexão sobre a percepção desse mundo, de
seus códigos e suas realidades, onde o universo
subjetivo do artista se confronta com o real.
Jennifer Bruget a été formée en photographie
dans différentes écoles des Beaux-arts et au
gré des rencontres avec d’autres artistes. Elle a
fait le choix d’être son propre modèle et crée
des images chargées symboliquement pour
provoquer chez le spectateur un questionnement
sur la femme face à la société et à la nature. Si son
imaginaire est celui du monde du cirque et des
contes de fées, ses montages en diptyques sont
une réflexion sur la perception de ce monde, de
ses codes et de ses réalités où l’univers subjectif
de l’artiste se confronte au réel.
Corollaire
photographie
Corolário
fotografia
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José-Louis Deransart é diplomado pela Escola
de Cinema de Animação dos Gobelins, em
Paris. Apesar de gostar de misturar técnicas
como desenho, pintura ou mesa gráfica, seu
trabalho continua essencialmente digital. Ele se
destaca na representação de histórias breves ou
de instantâneos, mostrando um espaço-tempo
formado ou deformado em uma anamorfose
impressionante. Quadros surpreendentes
projetam com maestria as formas, movimentos
e aspirações de seus personagens: mulheres
míticas, homens fantásticos ou animais
imaginários.
José-Louis Deransart est diplômé de l’école
d’animation des Gobelins à Paris. S’il aime
à mélanger des techniques comme dessin,
peinture ou tablette graphique, son travail
reste essentiellement numérique. Il excelle
dans la représentation d’histoires brèves ou
d’instantanés, montrant un espace-temps formé
ou déformé en une anamorphose saisissante. Des
tableaux surprenants projettent dans une totale
maîtrise les formes, mouvements et aspirations
de ses personnages, femmes mythiques, hommes
fantastiques ou animaux fabuleux.
José-Louis DERAnSART
Ange
80cm x 60cm
dessin travaillé numériquement
Anjo
80cm x 60cm
desenho com intervenção digital

Jeune femme Hammar, région
de Turmi, Ethiopie
60cm x 40cm
encres colorées sur papier
Moça Hammar, região de
Turmi, Etiópia
60cm x 40cm
tintas coloridas sobre papel
Após formar-se pela Escola Estienne e depois
pela Escola Boulle, Katie Menuset inicia um
percurso artístico enriquecido por suas múltiplas
viagens em todos os continentes: Rússia e
Armênia, Estados Unidos, China e, sobretudo,
vários países de sua África querida. Suas tintas
coloridas no papel dão conta da lembrança de
inúmeros encontros e ricas impressões reunidas.
Ela demonstra uma pesquisa elaborada sobre a
cor, experimentando misturas ousadas para se
aproximar o máximo de seu propósito.
Après sa formation à l’école Estienne puis
à l’école Boulle, Katie Menuset entame un
parcours artistique nourri de ses multiples
voyages sur tous les continents: Russie et
Arménie, Etats-Unis, Chine, et surtout l’Afrique
bien-aimée à travers plusieurs pays. Ses encres en
couleur sur papier rendent compte du souvenir
des nombreuses rencontres et riches impressions
engrangées. Elle y déploie une savante recherche
sur la couleur, expérimentant des mélanges osés
pour s’approcher au plus près de son désir.
Katie MEnuSET
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Emotion
50cm x 50cm
huile sur toile
Emoção
50cm x 50cm
óleo sobre tela
L. M. ELORE
Depois de uma formação básica em enfermagem,
L. M. Elore faz estudos artísticos em fotografia
e artes plásticas para atender a um forte apelo
interior: “Lembrar-se da primeira vez com o
pincel, mergulhá-lo na água, batê-lo no godê
da cor azul, fazê-lo subir, observar a emulsão
das bolhas, a alquimia, extrair fé desse gesto,
elevar-se, andar sobre a água, afogar-se, ser
impulsionada, abandonar-se ao impulso, engajarse
em cores, pousar. Abrir o movimento.”
(Trecho de seu manuscrito: “A grande onda das
mulheres livres”)
Après une formation initiale en soins infirmiers
L. M. Elore fait des études artistiques en
photographie et en arts plastiques pour répondre
à un fort appel intérieur : «Se souvenir de la
première fois avec le pinceau, le tremper dans
l’eau, le battre dans le godet de la couleur bleue,
la faire monter, voir l’émulsion des bulles,
une alchimie, puiser foi dans ce geste, s’élever,
marcher sur l’eau, perdre pied, être propulsée,
s’abandonner à l’élan, s’engager en couleurs, se
poser. Ouvrir le mouvement.» (Extrait de son
manuscrit: La grande vague des femmes libres)

Luca DE PARIS
Luca descobre muito precocemente sua vocação
para a fotografia, que ele exerce com um espírito
enciclopédico e uma curiosidade insaciável no
curso de suas viagens por aproximadamente
quarenta países. Fascinado pelo efêmero,
pelo transitório, interessam-lhe os reflexos, as
sombras, as matérias, mas também as placas,
os canteiros de obras, os postes e cabos: tudo
o que possa apresentar sinais de degradação
ou destruição iminente. Tudo o que deveria
ser escondido em nosso ambiente ou em nossa
consciência visual é cuidadosamente conservado
e repertoriado.
Luca trouve très précocement sa voie dans la
photographie qu’il pratique avec un esprit
encyclopédique et une curiosité insatiable au
cours de ses voyages dans une quarantaine de
pays. Très fasciné par l’éphémère, le transitoire,
il affectionne les reflets, les ombres, les matières
mais aussi les affiches, les chantiers, les poteaux
et câbles: tout ce qui peut présenter des signes
de dégradation ou de destruction imminente,
tout ce qui devrait être occulté dans notre
environnement ou notre conscience visuelle, est
soigneusement conservé et répertorié.
Le petit jaune
photographie
O amarelinho
fotografia
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Majella BELLAnGER
Apesar de a música ser sua atividade principal,
Majella Bellanger também é artista plástica
“coletora” e recolhe incansavelmente os restos de
nosso cotidiano, até mesmo pedaços ínfimos de
madeira, de plástico, de vidro e outros materiais
para constituir seus aglomerados feéricos:
utilizados isoladamente ou associados entre si,
num espírito “analógico”, evocam-lhe sempre a
harpa, seu instrumento predileto. O mundo de
Majella é feito de correspondências infinitas, de
variações sobre um mesmo tema que invadem
sua alma e seu espírito.
Musicienne avant tout, Majella Bellanger est
aussi plasticienne «glaneuse» et elle recueille
inlassablement les rebuts de notre quotidien
jusqu’aux plus infimes fragments de bois, de
plastique, de verre ou autres matériaux pour
constituer ses accumulations: utilisés tels
quels ou associés entre eux, dans un esprit
«analogique», ils lui évoquent toujours la
harpe, son instrument de prédilection. Le
monde de Majella est fait de correspondances
infinies, de variations sur un même thème qui
emplissent son âme et son espace.
Harpes miniatures
photographie
Harpas miniaturas
fotografia

Ange bleu d´après Le Guerchin
65cm x 50cm
pastel gras
Anjo azul segundo Le Guerchin
65cm x 50cm
pastel oleoso
Aos trinta anos, Marie-Hélène Delcayrou
toma consciência de suas aspirações artísticas
e empreende estudos de artes plásticas. Depois
de formada, faz um curso de pintura decorativa
e faz parte do ateliê de pintura do Museu do
Louvre, onde trabalha atualmente. Em sua obra
pessoal, prefere os atalhos e emprega uma grande
diversidade técnica, revelando um espírito lúdico
e uma curiosidade que a leva sem cessar ao novo
e ao desejo de surpreender o espectador.
A 30 ans, Marie-Hélène Delcayrou prend
conscience de ses désirs artistiques et entreprend
des études d’arts plastiques. Après sa licence,
elle suit une formation de peintre en décor et
intègre l’atelier de peinture du musée du Louvre
où elle travaille aujourd’hui. Dans son œuvre
personnelle, elle préfère les chemins de traverse
et emploie une grande diversité technique
révélant un esprit ludique et une curiosité qui la
porte sans cesse vers la nouveauté et le désir de
surprendre le spectateur.
Marie-hélène DELCAyROu
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Le bateau ivre
60cm x 50cm
acrylique sur toile
O barco bêbado
60cm x 50cm
acrílica sobre tela
Formada pela Escola de Belas Artes de Paris,
Martine Raimbault é adepta de inúmeras
técnicas, mesmo voltando regularmente à
pintura; às vezes incrustada de papéis colados
onde, de forma espontânea, as cores são postas
de forma a organizar um “caos interior”, dando
sempre lugar a uma circulação do olhar. Nada é
reprimido nessa busca continuamente renovada
de um equilíbrio sempre frágil, entre abstração e
figuração, ímpeto e controle.
Formée à l’école des Beaux arts de Paris, Martine
Raimbault est adepte de nombreuses techniques
même si elle revient régulièrement à la peinture.
Une peinture parfois incrustée de papiers
collés où, dans la plus grande spontanéité, les
couleurs sont posées de manière à ordonner un
«chaos intérieur» tout en laissant place à une
circulation du regard. Rien n’est arrêté dans
cette quête inlassablement recommencée d’un
équilibre toujours fragile, entre abstraction et
figuration, jaillissement et maîtrise.
Martine RAIMBAuLT

Nascido em 1952, Michel Dérosier é um artista
autodidata, pintor e desenhista, contador de
histórias, testemunha de situações corriqueiras
da vida das pessoas e dos objetos. Seu universo
intriga e interroga o público e várias de suas
obras podem ser encontradas em coleções
particulares na Europa e uma delas no Museu
de Art Naïf na Île de France. Pratica com
virtuosismo uma forma de representação em
que se destacam, não sem humor, o essencial e o
mistério, uma arte da sugestão sobre fundos de
cores uniformes, no silêncio do qual o imaginário
do espectador também pode conviver.
Né en 1952, Michel Dérosier est un artiste
autodidacte, peintre et dessinateur, raconteur
d’histoires, témoin des situations ordinaires
de la vie des gens et des objets. Son univers
intrigue et interroge le public et plusieurs de ses
œuvres se trouvent dans des collections privées
en Europe et une au Musée d’art naïf d’Ile de
France. Il pratique en virtuose une mise en image
où priment l’essentiel et le mystère, non sans
humour, un art de la suggestion sur ses fonds
colorés unis dont l’imaginaire du spectateur peut
aussi habiter le silence.
Michel DÉROSIER
La pêche aux gros
60cm x 50cm
acrylique sur papier
A grande pesca
60cm x 50cm
acrílica sobre papel
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Nicolas Hilfiger fez sua formação artística na
Bélgica. Desde então, seu trabalho consiste em
uma coleta, isto é, na reunião de coisas esparsas,
tais como lembranças, colagens que marcam e
ressurgem em obra recente, em uma recoleção
implosiva. Ele se dedica essencialmente à pintura
a óleo, magmática, como se procurasse na
penumbra uma saída luminosa. Paralelamente,
seus desenhos são, ao mesmo tempo, estudos
para as pinturas e o que ele intitula “a crispação
ontológica”.
Nicolas Hilfiger a effectué sa formation
artistique en Belgique. Depuis, son travail
consiste en une collecte, à savoir un
rassemblement de choses éparses comme
des souvenirs, des collages qui datent et
qui rebondissent dans un ouvrage récent,
une recollection implosive. Il se consacre
essentiellement à la peinture à l’huile,
magmatique, comme s’il cherchait dans la
pénombre une issue lumineuse. En parallèle,
les dessins sont autant d’études pour à la fois
la peinture, et à la fois ce qu’il intitule: «la
crispation ontologique».
nicolas hILfIGER
Le voyage de Saint Paul à Rome
110cm x 90cm
huile sur toile
A viagem de São Paulo para Roma
110cm x 90cm
óleo sobre tela

Elle en ailes
91cm x 136cm
pastel sec
Ela de asas
91cm x 136cm
pastel seco
nicolas SIMOn
Depois de estudar em Paris, Nicolas Simon
embarca para os Estados Unidos com a Escola
da Marinha Mercante (que ele abandona mais
tarde), para se instalar, com 23 anos, em Aixen-Provence,
para estudar filosofia; é lá, através
de um duplo deslumbramento, que ele se volta
definitivamente para a pintura: a luz da Provence
e a leitura dos escritos de François Cheng e Pierre
Rychmans sobre a arte chinesa. Desde então, ele
trabalha incansavelmente com uma paixão sempre
renovada em seus temas favoritos: flores, paisagens,
autorretratos, visando a um ideal, que seria:
“conseguir desenhar a chuva assim que ela cai no
chão ...”, o que teria apreciado seu
“mestre” Shitao.
Après des études à Paris, Nicolas Simon s’embarque
vers les USA avec l’école de la marine marchande
qu’il abandonne pour s’installer à 23 ans à Aixen-Provence
et étudier la philosophie ; là , c’est un
double éblouissement qui va le mener définitivement
à la peinture : la lumière de Provence et la lecture
des écrits de François Cheng et Pierre Rychmans sur
l’art chinois. Depuis, il œuvre inlassablement avec
une passion toujours neuve sur ses thèmes favoris :
fleurs, paysages, autoportraits, tendu vers un idéal
qui serait: «d’arriver à dessiner la pluie lorsqu’elle
rebondit sur le sol…», ce qu’aurait apprécié son
«maître» Shitao.
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44
Tricot
30cm x 1m
Coton de couleur tricoté à la main
Tricô
30cm x 1m
Tecido colorido, de algodão, tricotado à mão
nicole BAyLE
A cor, brilhante e saturada, está no centro da obra
proteiforme de Nicole Bayle. Artista insaciável e
professora de formação, diplomada pela Escola de
Artes Decorativas de Paris, sua curiosidade sem
limites leva-a a trabalhar em suportes variados
oferecidos pelo cotidiano e pelo ordinário: latas
de conservas, palitos de picolés, carimbos, madeira
recolhida da água, livros de artista em catálogos,
tricôs, tecidos etc. Sua obra maior é uma tapeçaria
de algodão, tricotada à mão, iniciada em 1995, com
30m de comprimento por 1m83 de largura, realizada
ao longo do tempo, cotidianamente, povoada
de símbolos, máscaras, totens, reminiscências
misteriosas em perpétua gestação.
La couleur, éclatante et saturée, est au centre de
l’œuvre protéiforme de Nicole Bayle. Artiste
boulimique et professeur de métier, formée à l’Ecole
des arts décoratifs de Paris, sa curiosité sans limite
l’amène à travailler sur des supports variés offerts
par le quotidien et l’ordinaire : boîtes de conserves,
bâtons d’esquimaux, timbres, bois flottés, livres
d’artiste sur bottins, tricots, tissus, etc. Son œuvre
majeure est une tenture de coton, tricotée à la
main, commencée en 1995, qui mesure 30 mètres
de long sur 1,83 mètre de large, réalisée au fil du
temps, quotidiennement et peuplée de symboles, de
masques, de totems, réminiscences mystérieuses en
perpétuelle gestation.

Pascal BOuRGEOIS-MOInE
Pascal Bourgeois-Moine é formado pela Escola
de Belas-Artes de Paris. Entrega-se totalmente à
sua pintura num combate singular e diário. Uma
pintura a óleo, espessa, macia, fértil e poderosa,
que se expande voluptuosamente em grandes
formatos. Esse corpo-a-corpo com a tela deixa-o
“feliz” quando, num risco permanente, consegue
“ser sincero” e “conforme ao espírito das coisas”.
Pascal Bourgeois-Moine est diplômé de l’école
des Beaux-arts de Paris. Il se donne totalement
à sa peinture dans un combat singulier et
journalier. Une peinture à l’huile, épaisse,
onctueuse, généreuse et puissante qui se répand
voluptueusement sur de très grands formats. Ce
corps à corps avec la toile le rend «content»
lorsque, dans un risque permanent, il parvient
à «être sincère» et «conforme à l’esprit des
choses».
Course de voiture à Indianapolis
92cm x 73cm
huile sur toile
Corrida de carros em Indianapolis
92cm x 73cm
óleo sobre tela
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46
Fotojornalista durante vários anos, Philippe
Pierre trabalhou na França e no exterior,
principalmente para um grupo de imprensa
japonês. Em 1995, depois de um curso de
multimídia, descobre uma paixão pela imagem
digital e seus territórios imaginários infinitos. Na
multiplicidade de imagens, recicla as da história
da arte e as da história contemporânea através de
colagem, superposição, desvios, confrontações,
manipulação humorística e alegórica.
Photojournaliste pendant de nombreuses
années, Philippe Pierre a travaillé en France et à
l’étranger notamment pour un groupe de presse
japonais. En 1995, à la suite d’une formation
multimédia, il se découvre une passion pour
l’image numérique et ses friches imaginaires
infinies. Dans la multiplicité d’images, il recycle
celles de l’histoire de l’art et celles de l’histoire
contemporaine par collage, superposition,
détournement, télescopage, manipulation
humoristique et allégorique.
Philippe PIERRE
Désir d’elle bleu
100cm x 100cm
création numérique
Desejá-la azul
100cm x 100cm
arte digital

Cathy
vidéo
Cathy
video
Raphaël LASnE
Raphaël Lasne é designer gráfico profissional,
especializado em design de revistas. Pratica
artes em geral, desenho, pintura, foto,
serigrafia, música, como também pratica transes
corporais e culto aos orixás. Há dois anos
suas animações caleidoscópicas e psicodélicas,
desenhos ou fotografias em movimento e
perpétua transformação que são a expressão
de experiências psicoativas, assim como uma
tentativa de materialização das visões do olho
interior.
Raphaël Lasne est designer graphiste de métier,
spécialiste en relookage de magazines. Il pratique
les arts en général, dessin, peinture, photo,
sérigraphie, musique mais aussi transe corporelle
et culte des orixás. Depuis deux ans ses
animations kaléidoscopiques et psychédéliques,
dessins ou photographies en mouvement et
perpétuelle transformation, sont l’expression
d’expériences psychoactives autant qu’une
tentative de matérialisation des visions de l’œil
intérieur.
47

48
L’odyssée de la femme
100cm x 73cm
huile sur toile
A odisséia da mulher
100cm x 73cm
óleo sobre tela
Raphaëlle BOGAERT ChOOn-hEE
Raphaëlle Bogaert Choon-Hee desenha e
pinta desde a infância e teve formação artística
na Escola de Belas-Artes de Lyon. Quando
observa atentamente a pintura dos outros, é
para compreender e assimilar, a fim de dominar,
por sua vez, as técnicas que a atraem, como
óleo, mas também lápis de chumbo, carvão,
sanguina. Os títulos de suas exposições são
sugestivos: “Nascimento da mulher”, “A mulher
e a luz”. O corpo e a carnação através do universo
feminino são explorados com audácia, volúpia e
sensibilidade.
Raphaëlle Bogaert Choon-Hee n’a jamais cessé
de dessiner ou de peindre depuis l’enfance
et après une formation artistique à l’Ecole
des Beaux arts de Lyon. Si elle regarde très
attentivement la peinture des autres, c’est pour
comprendre et assimiler afin de s’emparer à son
tour des techniques qui l’attirent. Huile mais
aussi mine de plomb, fusain, sanguine. Les titres
de ses expositions sont évocateurs: «Naissance
de la femme», «La femme et la lumière»: le
corps et la chair à travers l’univers féminin sont
explorés avec audace, volupté et sensibilité.

Oriunda de uma família em que a violência
e a pobreza faziam parte do cotidiano, Rose
Marie Martel descobriu a pintura aos dez anos,
introduzindo-se clandestinamente nos museus
durante longos passeios solitários. Durante muito
tempo, a pintura seria seu segredo, seu refúgio e
depois, sobretudo, sua forma de se comunicar. Em
2001, foi convidada para expor no Brasil onde
obteve um grande sucesso. Uma viagem à Amazônia
venezuelana, para visitar os índios Yanomami, dentre
outros, completaria sua metamorfose pessoal com o
reencontro de sua serenidade. Seus retratos traduzem
com força essa rica experiência e falam dos últimos
dias de um povo livre.
Issue d’une famille où violence et pauvreté étaient
le quotidien, Rose Marie Martel a découvert la
peinture dès l’âge de dix ans en s’introduisant
clandestinement dans les musées au cours de longues
errances solitaires. Longtemps la peinture sera
son secret, son exutoire puis surtout sa façon de
communiquer. En 2001, à la suite d’une invitation
au Brésil, elle jouit d’un vif succès sur place. Un
voyage en Amazonie vénézuélienne, à la rencontre
des indiens Yanomami, entre autre, parachèvera
sa métamorphose personnelle avec une sérénité
retrouvée. Ses portraits traduisent avec force ce riche
vécu et parlent des derniers jours d’un peuple libre.
Rose Marie MARTEL
Indien Boréno
50cm x 50cm
huile sur toile
Indio Boréno
50cm x 50cm
óleo sobre tela
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Sylvie LAnDER
Sylvie Lander é diplomada pela Escola Superior
de Artes Decorativas de Strasbourg. Uma nova
visão para outro universo. Levada por uma
observação singular e maravilhada do mundo,
sobretudo do céu, reproduz, há muitos anos,
uma abordagem muito pessoal. Sua pintura se
apropria de formas em movimento que explicam
a constante transformação do processo do vivo.
Inventando novas cartas estelares, a artista nos
convida a uma grande viagem aos confins de
espaços imaginários, modificados sem cessar.
Várias exposições, desde 1987.
Sylvie Lander est diplômée de l’Ecole supérieure
des arts décoratifs de Strasbourg. Une nouvelle
vision pour un autre univers. Emportée par
une observation singulière et émerveillée du
monde, et du ciel surtout, elle en restitue,
depuis de nombreuses années, une approche très
personnelle. Sa peinture s’empare de formes en
mouvement qui mettent en exergue le constant
devenir du processus du vivant. Inventant
de nouvelles cartes stellaires, l’artiste nous
invite à un vaste voyage, aux confins d’espaces
imaginaires sans cesse modifiés. Nombreuses
expositions depuis 1987.
Outre-ciel
162cm x 130cm
papier marouflée sur toile huile
et feuille d’or
Além do céu
162cm x 130cm
papel aplicado sobre tela óleo
e folha de ouro

Repas mijoté migratoire
210cm x 310cm
acrylique sur bâche
Cozinha migratória
210cm x 310cm
acrílica sobre lona
TRIBOuLOnS BARDAMuS
Há 10 anos as performances do coletivo
“Triboulons Bardamus” (formado por três
artistas que comem, pintam e respiram juntos:
Lechnu, Crespin, Loren), nos mostram “a
pintura e a gastronomia” num espírito de
fraternidade: “Não há grande diferença entre
uma toalha de mesa e tecidos de linho entelados.
Depois de terem pintado dois cervos, cem
faisões, setenta codornas, sessenta milhões de
pombos, uma girafa que se parece com a Torre
Eiffel e vinte dois mil frangos, eles se voltam para
a tripa e sua diversidade de sabores.”
Depuis 10 ans les performances du collectif
«Triboulons Bardamus» (formé par trois
artistes qui mangent, peignent et respirent :
Lechnu, Crespin, Loren), nous montrent «la
peinture et la gastronomie» dans un esprit de
fraternité: «Il n’y a pas grande différence entre
une nappe et des draps de lin entoilés. Après
avoir peint deux chevreuils, cent faisans, soixante
dix cailles, soixante millions de pigeons, une
girafe qui ressemble à la tour Eiffel, vingt deux
mille poulets, ils s’attaquent à la tripaille et sa
diversité de goût.»
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Empreinte 1
80cm x 80cm
huile sur toile
Rastro 1
80cm x 80cm
óleo sobre tela
vanina DESAnGES
Nascida na Argélia em 1956, Vanina Desanges
teve a primeira infância e a adolescência sob
o signo da destruição, já que se viu entre os
bombardeios durante a guerra do Kippour e
depois em Beirute. Muito cedo, sentiu que a
pintura seria uma distração e, depois de estudos
de psicologia, obteve o diploma da Escola de
Belas-Artes de Aix-en-provence. Diversas mortes
de pessoas queridas de seu meio familiar marcam
profundamente sua obra, na qual o retrato,
reflexo de uma humanidade dolorosa, tornou-se
primordial para ela.
Née en Algérie en 1956, Vanina Desanges aura
une petite enfance et une adolescence sous le
sceau de la destruction puisqu’elle se trouvera
sous les bombardements pendant la guerre du
Kippour puis à Beyrouth. Très tôt elle a senti
que la peinture serait un exutoire et après des
études de psychologie, elle obtient le diplôme
des Beaux-arts d’Aix-en-provence. Plusieurs
deuils rapprochés dans son entourage familial
marquent profondément son œuvre où le
portrait, reflet d’une humanité douloureuse, est
devenu primordial pour elle.

Muito cedo, Vincent Curly apaixonou-se pela
fotografia plástica, que aprendeu na Escola de
Artes Plásticas e depois na Escola de Belas Artes
de Lyon. A figura humana é onipresente em
suas fotografias, assim como em suas pinturas
e gravuras. Na série de retratos imaginários,
concebida às vésperas de completar trinta
anos, ele exprime, em todas as suas nuances, a
solidão do artista diante de suas interrogações
sem resposta, mas também uma réstia de
esperança que deixa entrever “o abandono do
sofrimento ao qual, às vezes, nos apegamos
inconscientemente ao invés de nos permitirmos
dias melhores”.
Vincent Curly s’est passionné très tôt pour la
photographie plasticienne qu’il a travaillé à
l’Ecole des Arts Appliqués puis aux Beaux-Arts
de Lyon. La figure humaine est omniprésente
dans ses photographies comme dans ses
peintures et gravures. Dans la série de portraits
imaginaires, conçue à l’aube de sa trentième
année, il exprime, dans toutes ses nuances,
la solitude de l’artiste en face à face avec ses
interrogations sans réponses mais aussi une lueur
d’espoir qui laisse entrevoir: «l’abandon de
la souffrance à laquelle l’on s’accroche parfois
à notre insu avant de nous autoriser des jours
meilleurs».
vincent CuRLy
Tête
40cm x 30cm
acrylique sur papier
marouflée sur toile
Cabeça
40cm x 30cm
acrílica sobre papel
aplicado sobre tela
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William N’Guyen sempre pintou como
autodidata. Esse fato, talvez, possa explicar o
sentimento que se tem, diante de suas telas, de se
estar diante de uma linguagem secreta, de traços
misteriosos constituindo redes ou radiações
quase sempre pontuadas de círculos de todos os
tamanhos, sobre fundos amarelo brilhante ou
azul noite de verão. O artista nos fornece, então,
uma espécie de topografia de seu mundo interior,
memória íntima de seu ser profundo, eco do
infinito dos universos cósmicos, como assinala
poeticamente um de seus títulos: “Trilhão de
sóis”.
William N’Guyen peint depuis toujours en
autodidacte et peut-être cela explique-t-il
qu’on ait le sentiment devant ses toiles, de se
trouver en présence d’un langage secret, de
tracés mystérieux constituant des réseaux ou des
rayonnements souvent ponctués de cercles de
toutes dimensions, sur fonds jaune lumineux
ou bleu nuit d’été. Il nous livre là une sorte
de topographie de son monde intérieur, de
mémoire intime de son être profond en écho à
l’infini des univers cosmiques comme le souligne
poétiquement l’un de ses titres : «Mille milliards
de soleils».
william n´GuyEn
Relais de transmission 1
73cm x 60cm
acrylique sur toile
Rede de transmissão 1
73cm x 60cm
acrílica sobre tela

Métroval
photographie
Métroval
fotografia
xavier PRÉvOST
A formação em fotografia de Xavier Prévost
destinava-o à reportagem, mas após uma série
de encontros, direcionou seu trabalho à criação
artística, na qual utiliza toda a panóplia da
imagem entre pintura, foto e vídeo. Cria um
mundo muito pessoal; mais que isso, recria uma
espécie de paraíso terrestre no seio do qual o
mundo animal co-habita com o humano ou,
pelo menos, com seu espaço urbano ou íntimo,
exatamente como a árvore e seus “rostos de
árvores”.
La formation en photographie de Xavier Prévost
le destinait au reportage, mais à la suite de
diverses rencontres, il a orienté son travail vers la
création artistique et il utilise toute la panoplie
de l’image entre peinture, photo, vidéo. Il crée
un monde très personnel ou plutôt recrée une
sorte de paradis terrestre au sein duquel le
monde animal cohabite avec l’humain ou du
moins avec son espace urbain ou intime, tout
comme l’arbre et ses «visages d’arbres».
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Voyage
100cm x 80cm
huile sur toile
Viagem
100cm x 80cm
óleo sobre tela
“Se um quadro pode ser um espelho da
experiência humana, nem todos os homens
precisam do mesmo espelho. É preciso, no
entanto, saber mergulhar no abismo do nosso ser
para sentir o mistério e a beleza da vida”, escreve
Yves Piel. E sua pintura, mesmo detendo-se por
pouco tempo diante dela, faz nascer um diálogo,
um movimento das emoções e dos sentimentos,
um questionamento. A ideia se encarna na cor
difundida na tela e o importante é encontrar o
lugar em que a matéria faz sentido. Então, pintar
pode fazer emergir os espaços ignorados, nos
quais a liberdade se estende.
«Si un tableau peut être un miroir de
l’expérience humaine, les hommes n’ont pas tous
besoin du même miroir. Il faut pourtant savoir
plonger dans l’abîme de nos êtres, pour sentir le
mystère et la beauté de la vie», écrit Yves Piel et
sa peinture, pour peu qu’on la regarde vraiment,
fait naître un dialogue, un mouvement des
affects et des pensées, un questionnement. L’idée
s’incarne dans la couleur répandue sur la toile
et il s’agit de trouver le lieu où la matière prend
sens, alors, peindre peut faire émerger les espaces
ignorés où la liberté s’étend.
yves PIEL

Museu de Imagens
do Inconsciente

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Museu vivo
Criado como um centro vivo de estudo e pesquisa, o
Museu de Imagens do Inconsciente tem enfrentado o
desafio de cumprir a tarefa que lhe foi atribuída por
sua fundadora, Dra. Nise da Silveira: ser um Museu
Vivo, cuidando e defendendo um patrimônio da
humanidade, mantendo sempre as portas abertas a
pesquisadores de todas as áreas do conhecimento
humano.
As obras selecionadas para esta exposição foram
produzidas pelos frequentadores contemporâneos
dos ateliês do Museu de Imagens do Inconsciente e
do Centro de Atenção Psicossocial Espaço Aberto
ao Tempo. A instalação “Ruídos” (criada pelos
artistas Alexandre Rangel, Carolina Saraiva e Fábio
Fantauzzi), procura captar o momento da criação dos
artistas no dia-a-dia do ateliê e revelar a importância
do convívio e do afeto como molas propulsoras
da criatividade, na qual as emoções encontram o
caminho de transformação e superação, tornando-se
visível em formas, cores e poesia.
Hoje, uma pequena equipe mantém os ateliês
terapêuticos em funcionamento para receber os
usuários que diariamente criam novos documentos
plásticos e compartilham suas experiências no
convívio com jovens estudantes, pesquisadores ou
visitantes que por lá passam, técnicos, funcionários e
animais co-terapeutas.
A experiência nos ateliês comprova a eficácia do
método terapêutico utilizado e está em conformidade
com a luta antimanicomial. Mantendo suas portas e
janelas sempre abertas, sem delimitações de território
e de talentos, aposta na criatividade e na liberdade
individuais como fatores fundamentais para o
exercício da cidadania.
Como resultado dessas práticas, os ateliês configuram
um campo multidisciplinar de aperfeiçoamento e
especialização profissional; oferecem à sociedade
contemporânea a possibilidade de diversas leituras
das riquezas interiores do ser humano, contribuindo
para a mudança dos paradigmas estigmatizantes
sobre os portadores de sofrimento psíquico.

Musée vivant
Conçu comme un centre d’étude et de recherche,
le Musée Images de l’Inconscient est confronté au
défi de remplir la tâche qui lui fut attribuée par sa
fondatrice, Dr. Nise da Silveira, être un Musée vivant,
gardien et défenseur d’un patrimoine de l’Humanité,
qui maintienne toujours les portes ouvertes aux
chercheurs dans tous les domaines de la connaissance
humaine.
Les œuvres sélectionnées pour cette exposition ont
été produites par les participants contemporains
des ateliers du Musée Images de l’Inconscient et
du Centre d’Aide Psychosociale “Espace Ouvert
au Temps”. L’installation “Bruits” créee par les
artistes Alexandre Rangel, Carolina Saraiva et Fábio
Fantauzzi, tente de capter le moment de création
des artistes dans le quotidien de l’atelier et révéler
l’importance de la convivialité et de l’affectif comme
moyens propulseurs de créativité, où les émotions
deviennent un chemin de transformation et de
dépassement, qui deviennent visibles dans les formes,
les couleurs et la poésie.
Aujourd’hui, une petite équipe maintient les ateliers
thérapeutiques en fonctionnement, pour recevoir les
participants qui créent quotidiennement de nouvelles
oeuvres plastiques et partagent leurs expériences
avec de jeunes étudiants, chercheurs ou visiteurs de
passage, techniciens, fonctionnaires ou animaux cothérapeutes.
L’expérience de ces ateliers est la preuve de
l’efficacité de la méthode thérapeutique utilisée et
est en conformité avec la réforme des structures
psychiatriques. En maintenant ses portes et ses
fenêtres toujours ouvertes, sans limitation de
territoires et de talents, elle s’appuie sur la créativité
et la liberté individuelles pour l’exercice de la
citoyenneté.
Comme résultat de ces pratiques, les ateliers forment
un champ multidisciplinaire de perfectionnement
et de spécialisation professionnelle. Ils offrent à la
société contemporaine la possibilité de parvenir à des
lectures différentes des richesses intérieures de l’être
humain, contribuant ainsi à la déstigmatisation de
ceux qui portent une souffrance psychique.
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Agostinho C. ELIAS
Natural do Rio de Janeiro, frequenta, desde
1988, os ateliês do Espaço Aberto ao Tempo
(EAT) – Serviço de Atenção Diária do Instituto
Nise da Silveira, que oferece atendimento
multidisciplinar e oficinas de expressão artística.
São quase 70 desenhos e pinturas abordando
os diversos aspectos da concepção humana:
sexualidade, genética, obstetrícia etc. Seu traço
leve e seus temas conduzem a uma fantasia
irônica deliciosa.
Originaire de Rio de Janeiro, il fréquente depuis
1988 les ateliers de l’Espaço Aberto ao Tempo–
EAT (Espace Ouvert au Temps), un service de
jour de l’Institut Nise da Silveira, qui propose
des consultations multidisciplinaires et des
espaces d’expression artistique. Ce sont presque
70 dessins et peintures qui abordent les divers
aspects de la conception humaine: sexualité,
génétique, obstétrique, etc. Son trait léger et
ses thèmes suggèrent une délicieuse fantaisie
ironique.
50cm x 60cm
huile sur toile
50cm x 60cm
óleo sobre tela

50cm x 67cm
technique mixte
50cm x 67cm
técnica mista
Alexandre RAJÃO
Nasceu no Estado do Rio de Janeiro, em 1954.
Estudou Artes Plásticas na Universidade Federal
do Rio de Janeiro. Antes de começar a frequentar
o Museu, na década de 1990, trabalhou em
processamento de dados e foi funcionário do
Ministério da Indústria e Comércio. Atualmente,
muitos de seus trabalhos são expostos e vendidos
na Feira Hippie de Ipanema. Sua obra envolve
um simbolismo instigante, do qual parece querer
libertar-se, recortando e superpondo figuras, às
vezes com resultados surpreendentes.
Né en 1954 dans l’Etat de Rio de Janeiro, il a
étudié les Arts Plastiques à l’Université Fédérale
de Rio de Janeiro. Avant de commencer à
fréquenter le Musée, dans les années 90, il a
travaillé dans le traitement de données et a
été fonctionnaire du Ministère de l’Industrie
et du Commerce. Actuellement, beaucoup
de ses travaux sont exposés et vendus dans la
Foire Hippie d’Ipanema. Son œuvre déploie un
symbolisme inquiétant dont il semble vouloir se
libérer, recoupant et superposant les figures, avec
parfois des résultats surprenants.
61

62
151cm x 100cm
huile sur toile
151cm x 100cm
óleo sobre tela
Altair A. DE OLIvEIRA
Nasceu em Juiz de Fora, Minas Gerais, em 1968.
Ainda criança, após a morte de seus pais, foi
morar com uma tia, na favela do Jacarezinho, no
Rio de Janeiro. Começou a participar dos ateliês
do Espaço Aberto ao Tempo (EAT), em 1991.
Suas grandes telas abstratas são, aparentemente,
anárquicas, contendo, no entanto, uma lógica
interna de forte criatividade. Sua suposta
desordem catártica harmoniza, em geral, três ou
mais planos que se sobrepõem num jogo entre a
linha e a cor, entre o abstrato e o figurativo.
Il est né à Juiz de Fora, dans l’Etat de Minas
Gerais, en 1968. Enfant, après la mort de ses
parents, il est allé vivre chez une tante dans
la favela de Jacarezinho, à Rio de Janeiro. Il a
commencé à participer aux ateliers de l’Espaço
Aberto ao Tempo (EAT) en 1991. Ses grandes
toiles abstraites sont apparement anarchiques,
mais procèdent pourtant d’une logique interne
d’une forte créativité. Son apparent désordre
cathartique harmonise en général trois plans ou
plus qui se superposent dans un jeu entre la ligne
et la couleur, entre l’abstrait et le figuratif.

Carla Muaze nasceu no Rio de Janeiro, em
1962. Criança de temperamento introspectivo,
gostava muito de pintar e dançar. Em 1990,
começou a participar dos ateliês de pintura da
Casa do Engenho, do Espaço Aberto ao Tempo
(EAT) e do Museu de Imagens do Inconsciente.
Ousada na forma, na cor e, sobretudo, nos
temas, esbanjando sensualidade e fantasia, foi
considerada uma pintora no sentido pleno da
palavra. Carla faleceu em maio de 1998.
Carla Muaze est née à Rio de Janeiro en 1962.
Enfant au caractère introspectif, elle aimait
peindre et danser. En 1990, elle a commencé à
participer aux ateliers de peinture de la Maison
du Génie, à l’Espaço Aberto ao Tempo (EAT)
et au Musée des Images de l’Inconscient. Osée
dans sa forme, dans sa couleur, et surtout, dans
ses thèmes dissipateurs de sensualité et de
fantaisie, elle était considérée comme une peintre
accomplie. Carla est décédée en mai 1998.
Carla MuAZE
90cm x 70cm
huile sur toile
90cm x 70cm
óleo sobre tela
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Carlos BAChA
Nasceu em 11 de fevereiro de 1978, no Rio de
Janeiro. Desde pequeno demonstrava interesse
por desenho. Autodidata, aprendeu a utilizar
computadores, tornando-se um dos pioneiros no
Brasil a desenvolver Arte Digital Surrealista. Em
seu trabalho, expressa suas emoções, a falta delas
e suas ilusões, o que resulta em uma arte nova,
criada em computador, usando programas como
Photoshop e Poser. Seu trabalho vem sendo
aprimorado, tendo, inclusive, recebido prêmios
por sua obra “The Tower”.
Il est né le 11 février 1978 à Rio de Janeiro.
Tout petit, il montrait déjà beaucoup d’intérêt
pour le dessin. Autodidacte, il apprit à utiliser
les ordinateurs, devenant ainsi un des pionniers
de l’Art Digital Surréaliste au Brésil. Dans son
travail, il exprime ses émotions, leur absence, ses
illusions, et il en résulte un art nouveau créé sur
ordinateur, qui utilise des programmes comme
Photoshop et Poser. Son travail a été primé,
recevant entre autres, une récompense pour son
œuvre The Tower.
29.7cm x 39.63cm
art numérique
29.7cm x 39.63cm
arte digital

69cm x 59cm
huile sur bois
69cm x 59cm
óleo sobre madeira
Davi PEREIRA DA SILvA
Nascido em 1968, no Rio de Janeiro, Davi
estudou até o secundário e fez alguns cursos de
publicidade e informática. Após exercer diversas
atividades profissionais, precisou afastar-se
delas devido a um acidente. Chega ao Museu
de Imagens do Inconsciente em março de
2001, onde participa de ateliês de desenho e,
principalmente, de pintura, na qual atinge sua
expressão máxima. Seus trabalhos são de cores
intensas e variadas, oscilando do figurativo ao
abstrato.
Né en 1968, à Rio de Janeiro, Davi a fait des
études secondaires et a suivi des cours de
publicité et d’informatique. Après avoir exercé
diverses activités professionelles, il s’en est
éloigné à cause d’un accident. Il est arrivé au
Musée des Images de l’Inconscient en mars
1990, où il a participé aux ateliers de dessin
et surtout de peinture dans lequel il a atteint
son expression maximale. Ses travaux sont de
couleurs intenses et variées, oscillant entre le
figuratif et l’abstrait.
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66
55cm x 84cm
pastel gras et gouache
55cm x 84cm
lápis cera e guache
Enio SÉRGIO
Nasceu em São João Del Rey, Minas Gerais,
em 1962. Ênio Sérgio reside no Rio de Janeiro.
Frequentador do Espaço Aberto ao Tempo
(EAT), descobre, também, o Museu de Imagens
do Inconsciente em 1995, escolhendo a pintura
e a modelagem como atividades preferidas.
Suas intensas vivências e emoções expressamse
nas imagens que pinta e modela. Suas obras
alcançaram alta qualidade artística, tanto na
forma quanto na cor, logo sendo reconhecidas
nas exposições de que participou.
Il est né à São João del Rey (Minas Gerais) en
1962 et il réside à Rio de Janeiro. En fréquentant
les ateliers de l’Espaço Aberto ao Tempo (EAT),
il découvre le Musée des Images de l’Inconscient
en 1995, choisissant la peinture et le modelage
comme activités préférées. Sa vivacité et ses
émotions intenses s’expriment à travers ses
images peintes et ses modelages. Ses œuvres
présentent une haute qualité artistique, tant dans
la forme que dans la couleur, ce qui leur a valu
d’être distinguées dans les expositions auxquelles
il a participé.

Carioca do bairro da Tijuca, Francisco Noronha
nasceu em 1942. Sempre demonstrando grande
potencial artístico, estudou até o secundário e foi
promotor de eventos do coral em que também
atuava. Na década de 1970, passou a frequentar
a Casa das Palmeiras, clínica em regime de
externato fundada pela Dra. Nise da Silveira.
Participa, então, de diversas atividades, tais
como: coral, teatro, desenho e pintura. Em 1998
chega ao Museu de Imagens do Inconsciente,
onde continua suas atividades criativas. Em seu
trabalho, dá preferência ao desenho, criando
figuras femininas e seres fantásticos altamente
elaborados.
Carioca du quartier de Tijuca, Francisco
Noronha est né en 1942. Faisant toujours
preuvre d’un grand potentiel artistique, il a fait
des études secondaires et il a été le promoteur
d’une chorale à laquelle il participait. Dans les
années 1970, il fréquente la Casa das Palmeiras,
une clinique de soins externes fondée par la
Dr. Nise da Silveira. Il participe alors à diverses
activités comme la chorale, le théatre, le dessin
et la peinture. En 1998 il arrive au Musée des
Images de l’Inconscient, où il continue ses
activités créatives. Dans son travail, le dessin de
préférence, il crée des figures féminines et des
êtres fantastiques très élaborés.
francisco nOROnhA
84cm x 55cm
crayon-feutre à eau
sur papier
84cm x 55cm
hidrocor sobre papel
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68
Geronildo DO nASCIMEnTO
Nasceu em 1971 no município de Duque de
Caxias, Rio de Janeiro. Frequenta os ateliês do
Espaço Aberto ao Tempo desde 1991. Dedicouse,
inicialmente, à literatura, sobretudo à poesia.
Seu livro Ser Solidão teve trechos incluídos em
um documentário italiano sobre a criatividade
nas instituições psiquiátricas brasileiras.
Recentemente, tem se dedicado à pintura. Sua
série Moscas do Refeitório traz um expressionismo
ingênuo, mas extremamente forte.
Né en 1971 dans la commune de Duque
de Caxias (Rio de Janeiro). Il fréquente les
ateliers de l’Espaço Aberto ao Tempo (EAT)
depuis 1991. Il se dédie d’abord à la littérature,
et surtout à la poésie. Des extraits de son
livre «Etre solitude» ont été inclus dans un
documentaire italien sur la créativité dans
les institutions psychiatriques brésiliennes.
Depuis peu il se consacre à la peinture. Sa
série «Les Mouches du réfectoire» traduit un
expressionisme ingénu, mais puissant.
60cm x 30cm
technique mixte
60cm x 30cm
técnica mista

100cm x 100cm
huile sur toile
100cm x 100cm
óleo sobre tela
José Alberto DE ALMEIDA
José Alberto nasceu no Rio de Janeiro, em
1959. As dificuldades em seus relacionamentos
familiares levaram-no a perambular pelas ruas.
Começou a participar, em meados da década
de 1980, dos ateliês de pintura e modelagem do
Museu de Imagens do Inconsciente. Suas telas
são muito coloridas, carregadas de simbologia.
Escreve textos e poemas, revelando também
nessa produção uma intensa criatividade.
José Alberto est né à Rio de Janeiro en 1959.
Des difficultés familiales l’ont amené à vivre
dans la rue. Il a commencé à participer, au milieu
des années 80, aux ateliers de peinture et de
modelage du Musée des Images de l’Inconscient.
Ses toiles sont très colorées et chargées de
symbolique. Il écrit des textes et des poèmes,
révélant également dans cette production une
intense créativité.
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80cm x 100cm
huile sur toile
80cm x 100cm
óleo sobre tela
Manoel GODInhO
Manoel Godinho nasceu no Rio de Janeiro,
em 1946. Em 2001, passou a frequentar os
ateliês de pintura e modelagem do Museu de
Imagens do Inconsciente, demonstrando grande
interesse, facilidade e criatividade. Um dos temas
preferidos em seus desenhos e pinturas são as
mandalas – estruturas altamente organizadas e
harmônicas em suas cores. Sobre sua experiência
nos ateliês, afirma: “Não sei o que aconteceu
comigo. Parece que eu comecei a criar dentro
de mim uma autovalorização, comecei a me
aproximar mais das pessoas, então eu comecei a
sentir gosto por mim”.
Manoel Godinho est né à Rio de Janeiro en
1946. En 2001, il a commencé à fréquenter les
ateliers de peinture et de modelage du Musée
des Images de l’Inconscient, démontrant son
grand intérêt, sa facilité et sa créativité. Un des
thèmes préférés de ses dessins et peintures est le
mandala, des structures hautement organisées
et harmoniques dans leurs couleurs. Sur son
expérience dans nos ateliers, il affirme: «Je ne
sais pas ce qui m’est arrivé. Il semble que j’ai
commencé à créer en moi une auto-valorisation,
j’ai commencé à me rapprocher des gens, et donc
j’ai commencé à ressentir de l’estime pour moimême.»

Nasceu em 1961 no Rio de Janeiro. Cursou
Arqueologia na Universidade Federal
Fluminense. Seu primeiro contato com a pintura
ocorreu quando passou a frequentar o Espaço
Aberto ao Tempo. Seus trabalhos atingiram
alta qualidade artística e seu tema favorito são
as abstrações geométricas, em construções
extremamente estruturadas. Sua geometria é
“envolvente e calorosa devido à matéria farta
e ao colorido vivo. A composição abstrata é
assimétrica, com quase-colunas, frisos, quadrados
e retângulos se aproximando segundo uma lógica
interna do quadro...”
Né en 1961 à Rio de Janeiro, il a suivi les
cours d’Archéologie de l’Université Fédérale
Fluminense. Son premier contact avec la
peinture a eu lieu lorsqu’il a fréquenté le
Espaço Aberto ao Tempo (Espace Ouvert
au Temps). Ses œuvres ont atteint une haute
qualité artistique et son thème préféré ce sont
les formes géométriques dans des constructions
très structurées. Sa géométrie est «enveloppante
et chaleureuse due à la matière généreuse et aux
couleurs vives. La composition abstraite est
asymétrique, avec des presque colonnes, frises,
carrés et rectangles qui se rapprochent selon la
logique intérieure de la peinture…»
Paulo César DE O. SAnTOS
73cm x 60cm
huile sur toile
73cm x 60cm
óleo sobre tela
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Rafael Alfredo M. DIAS
Excelente pintor, Rafael tinha um domínio
da criação de imagens muito semelhante ao
abstracionismo americano. Ele não lidava com
a forma, mas sim com as formações de imagens.
Atirava tintas sobre as telas e descobria a
plasticidade na fronteira entre o acaso e a intenção.
Mas, a esse gesto, ele acrescentava algo que o
diferenciava: usava materiais e tintas diferentes,
de forma que, ou elas se fundiam em velocidades
distintas ou se isolavam umas das outras. Havia uma
liberação de energia na tela que não era do domínio
do gesto do pintor, mas sim da própria matéria. Sua
pintura estava de acordo com suas explicações sobre
a vida. Atualmente, seu paradeiro é desconhecido.
Excellent peintre, Rafael avait la maîtrise de la
création d’images très proche de l’art abstrait
américain. Il ne travaillait pas avec la forme mais
avec la formation d’images. Il jetait l’encre sur la
toile et découvrait sa plasticité à la frontière entre
le hasard et l’intention. Mais, à cette gestuelle
il ajoutait quelque chose qui le distinguait : il
employait des matériaux et des encres particuliers,
qui à des vitesses différentes fusionnaient ou se
séparaient les uns des autres. Sur la toile, il y avait
une libération d’énergie qui n’était pas du domaine
du geste du peintre, mais de celui de la matière
elle-même. Sa peinture était en accord avec ses
explications de la vie. Actuellement il est en lieu
inconnu.
50cm x 50cm
technique mixte
50cm x 50cm
técnica mista

80cm x 50cm
huile sur toile
80cm x 50cm
óleo sobre tela
Roberto GARCIA
Nasceu em 1946, no Rio de Janeiro. Frequentou,
na década de 1990, o Espaço Aberto ao Tempo
e o Museu de Imagens do Inconsciente. Dotado
de grande criatividade, desenvolveu trabalhos a
partir de conceitos matemáticos, aplicando-os à
sua pintura. Segundo o crítico Frederico Morais
“a pintura modular de Roberto Garcia, fundada
em cálculos matemáticos, é uma forma de arte
combinatória, que poderia ter desdobramentos
no design, integrando-se à arquitetura ou
funcionando como suporte para murais (pintura
azulejar)”. Roberto Garcia faleceu em setembro
de 1997.
Né en 1946, à Rio de Janeiro. Il a fréquenté
l’Espaço Aberto ao Tempo et le Musée des
Images de l’Inconscient. Doué d’une grande
créativité, il a développé son travail à partir de
concepts mathématiques, en les appliquant à sa
peinture. Selon le critique Frederico Morais “La
peinture modulaire de Roberto Garcia, basée sur
des calculs mathématiques, est une forme d’art
combinatoire, qui pourrait avoir des débouchés
dans le design, s’intégrer à l’architecture ou
servir de support pour des peintures murales.”
Roberto Garcia est décédé en septembre 1997.
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50cm x 60cm
huile sur toile
50cm x 60cm
óleo sobre tela
verônica ALMEIDA LAPA
Nasceu em 22 de março de 1968, no Rio de
Janeiro. Começou a frequentar o Museu de
Imagens do Inconsciente em 2005 e logo iniciou
seu trabalho criativo no desenho e na pintura.
Suas telas, de intenso colorido, retratam figuras
femininas, nas quais desenvolve estudos sobre
os olhos. Além da pintura, demonstra grande
interesse pelo estudo da música.
Née le 22 mars 1968 à Rio de Janeiro. A
commencé à fréquenter le Musée des Images de
l’Inconscient en 2005, et a alors initié son travail
créatif dans le dessin et la peinture. Ses toiles
très colorées tracent des figures féminines, où se
distinguent des études sur les yeux. En dehors de
la peinture, elle montre beaucoup d’intérêt pour
l’étude de la musique.

Agradecemos a todos que, com conhecimento, trabalho, inventividade, ética, afeto, emoção e delicadeza,
compartilharam e colaboraram para tornar realidade esse belo projeto.
Muito obrigado
Centro Cultural da Saúde
Nous remercions à tous qui avec leur connaissance, travail, créativité, éthique, affection, émotion et délicatesse
ont partagé et collaboré a fim que ce beau projet devienne une réalité.
Merci beaucoup
Centre Culturel de la Santé

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Créditos
Crédits
ArtAme GAllery
coordenação das mostras e Produção executiva
Jussara Valladares (Centro Cultural da Saúde/MS), Marie-France Casellas-Ménière (Artame Gallery)
coordenação do Projeto no Ano da França no Brasil
Pierre Deransart
curadores
Luiz Carlos Gomes Gonçalves de Mello (MII), Philippe Pierre (Artame Gallery)
Patrocínios
Fundação Getúlio Vargas
Ministério da Cultura (França)
Ministério da Saúde (Brasil)
Culturesfrance
Conselho Regional Ile de France
Ministério das Relações Exteriores e Europeias (França)
Apoios culturais
Clarabóia
Chave Mestra
Universidade Federal Fluminense (Laboratório de Investigação Audiovisual)
Fotografias de obras
Benjamin Afonso(pg.16), Jennifer Bruget(pg.33), Wanceslas Chevalier(pg.20), Franck Demoncheaux(pg.27), Henri
Gallin(pg.50), Nicolas Hilfiger(pg.42), Raphaël Lasne(pg.49), Lechnu(pg.51), Bertrand Legros(pg.44), Luca(pg.36),
Eric Ménuset(pg.35), Philippe Pierre (pgs.14,15,17,18,19,21,22,23,24,25,26,28,29,30,31,32,39,40,41,43,45,48,52,53
,54,56), Xavier Prévost(pg.38)
tradução dos textos para o português
Maria Zuleide Pires Killer
Biografias dos artistas franceses
Danielle Dénouette
tradução dos textos para o francês
Raphaël Lasne

AGRADECIMENTOS
Geneviève Joubert de la Motte (Artame Gallery)
Jair Koiller (FGV)
Jean-Claude Reith (Consulado da França)
Abigail Nunes (Ateliês de Artistas de Belleville e Chave Mestra)
Hugues Goisbault (Consul Général de France)
Dimitry Ovtchinnikoff (Consulado da França)
Marie Depalle (Consulado da França, intercâmbios artísticos)
José Pires (pianista)
Ana Cristina França (soprano)
Mauricio Moço (barítono)
Julien Vaugelade (documentário)
Carlos Yvan Simonsen Leal (FGV)
Fatima Bayma de Oliveira (FGV-EBAPE)
Fabiana Mayinck (FGV-EBAPE)
Maria Izabel Tavares Camacho (FGV)
Jean-Paul Huchon (Conselho Regional de Ile de France)
Patricia Blanchard- Boulevot (Conselho Regional de Ile de France)
Rachel Khan (Conselho Regional de Ile de France)
Pénélope Komités (Conselho Regional de Ile de France)
Danielle Depalle (traduções e conselhos)
Tunico Amáncio (UFF)
Eliana Ivo Barroso (UFF)
O programa canadense “Vincent e eu” (documentário)
Daniel Guffet (UNAFAM)
Pascal Cacot (Sociedade Parisense de Ajuda à Saúde Mental)
Pierre Busson
Florence Guyot
Agradecemos particularmente aos artistas, aos artistas-sócios e ao conselho de administração da Artame Gallery, ao Instituto Municipal Nise da
Silveira, e a todos aqueles que, de perto e de longe, fizeram parte desta bonita cadeia de amizade Franco-Brasileira de hoje e de amanhã.
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museu de ImAGens do InconscIente
direção/curadoria
Luiz Carlos Mello
coordenação de Projetos
Gladys Schincariol
setor de Pesquisa e divulgação
Eurípedes Junior
equipe técnica
Amélio Vieira de Lima Junior, Glória Chan, José Luiz Prado, Josias Menezes, Marize Parreira, Ricardo Montenegro, Thiago Bugyja, Vânia Martins
Prefeitura da cidade do rio de Janeiro
Eduardo Paes
secretaria municipal de saúde
Hans Dohmann
Instituto municipal nise da silveira
Rogério Rodrigues
sociedade Amigos do museu de Imagens do Inconsciente
Cícero Mauro Fialho Rodrigues
AGRADECIMENTOS
Clientes e funcionários do Museu de Imagens do Inconsciente
Flávia Corpas
Martha Saraiva
MOBIPOWER
Paula Germann
Thiago Bugyja

centro culturAl dA sAÚde
realização
Governo Federal do Brasil
Ministério da Saúde
Secretaria-Executiva
Subsecretaria de Assuntos Administrativos
Coordenação-Geral de Documentação e Informação
Centro Cultural da Saúde
Artame Gallery (França)
Prefeitura Municipal do Rio de Janeiro
Secretaria de Saúde e Defesa Civil
Coordenação de Saúde da Área Programática 3.2
Instituto Municipal Nise da Silveira
Museu de Imagens do Inconsciente
coordenação-Geral de documentação e Informação
Shirlei Rodrigues
coordenação do centro cultural da saúde
Jussara Valladares
coordenação das mostras
Jussara Valladares (Centro Cultural da Saúde/MS)
Marie-France Casellas-Ménière (Artame Gallery)
Produção executiva
Cláudia Ferrari
Gustavo Galvão
Jussara Valladares
Programação visual dos produtos gráficos/mostra virtual
Ana Aparecida Ramos
Jorge Teodoro
copidesque e revisão dos produtos gráficos
Mônica Quiroga
Claudia Ferrari
Abigail Nunes
Apoio logístico
Coordenação-Geral de Documentação e Informação (CGDI)
Núcleo Estadual do Ministério da Saúde do Rio de Janeiro (NERJ)
Departamento de Informática do SUS (Datasus/RJ)
Coordenação-Geral de Compra de Materiais e Serviços
Administrativos (CGMSA)
Apoio técnico
Jussara Alves
Roberta Teixeira dos Santos
Ozana Lúcia Pinheiro
montagem
Carlos Alberto Souza Correia
Marco Aurélio de Araújo Gonçalves
Gustavo Galvão
Mônica Azevedo
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equipe do centro cultural da saúde
Natália Catarina Ferreira dos Santos
Maíra Ferreira de Souza
Janine Munk do Prado
Mariana Duarte
Rita Loureiro
Thereza da Cruz e Souza
Antonia de Maria Cordeiro
Renato do Nascimento
Apoio
Centro Cultural da Justiça Federal
Fundação Getúlio Vargas
Instituto de Psiquiatria - UFRJ
AGRADECIMENTOS
Equipe do Centro Cultural Justiça Federal
Equipe do Museu de Imagens do Inconsciente
Centro Psiquiátrico do Rio de Janeiro/Grupo musical Harmonia Enlouquece
Instituto Municipal Nise da Silveira/Bloco Carnavalesco Loucura Suburbana
Instituto Municipal Nise da Silveira/Grupo Musical Sistema Nervoso Alterado
Serviços de Saúde Mental do Município do Rio de Janeiro
Ana Cristina França
Abigail Nunes
Ariadne Moura Mendes
Cícero Almeida
Edmar de Oliveira
Glória Chan
Ida Levi Mortera
Inês Magalhães
José Pires
Lula Vanderlei
Marcelo Nóbrega
Margarete dos Santos Araújo
Maurício Moço
Rita Loureiro
Agradecimento especial
Márcia Rollemberg