gulbenkian

14 e 15
Maio 2009
Grande Auditório
temporada
gulbenkian
demúsica 2008 · 2009
Coro Gulbenkian
Orquestra Gulbenkian
Coro Infantil da Academia
de música de Santa Cecília
Lawrence Foster maestro
Alexandra mendes violino
Stephanie Friede soprano
1

Fundação Calouste Gulbenkian
seRViÇO De música
director
Risto Nieminen
director adjunto
Miguel Sobral Cid
consultor
Carlos de Pontes Leça
musica@gulbenkian.pt
www.musica.gulbenkian.pt

14
quinta 21h
Grande Auditório
15
sexta 19h
Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Coro Gulbenkian
Orquestra Gulbenkian
Coro Infantil da Academia
de música de Santa Cecília
Lawrence Foster maestro
Alexandra mendes violino
Stephanie Friede soprano
ernest bloch
Baal Shem: Três Quadros da Vida Hassídica,
para violino e orquestra
1. Vidui (Contrição)
2. Nigun (Improvisação)
3. Simchas Torah (Júbilo)
Franz Waxman
A Canção de Terezín*
1. On a Sunny Evening
2. Forgotten
3. The Little Mouse
4. Bird Song
5. Now It’s Time
6. Concert in the Old School Garret
7. The Garden
8. Finale
Intervalo
ludwig van beethoven
Sinfonia Nº 5, em Dó menor, op. 67
1. Allegro con brio
2. Andante con moto
3. Allegro
4. Allegro
* 1ª Audição em Portugal
1
MaiO 09

ernest bloch
Genebra, 24 de Julho de 1880
Portland, EUA, 15 de Jullho de 1959
Baal Shem: Três Quadros da Vida Hassídica,
para violino e orquestra c. 15 min.
Música, ritual e identidade judaica: o Baal Shem de Ernest Bloch
A integração da produção do compositor americano nascido na Suíça Ernest
Bloch no circuito transnacional de concertos enquadra-se numa estratégia de
recuperação de repertórios menos divulgados relacionada com modificações
desse circuito a partir dos finais do século XX. Essas mudanças implicaram a
expansão do cânone erudito vigente à época, introduzindo maior variedade
nos programas de concerto. Contudo, um aspecto significativo da recuperação
das obras de Bloch encontra-se relacionado com a sua identidade judaica. Num
período de reavaliação historiográfica e musicológica dos repertórios, têm vindo
a ser divulgadas obras de compositores/compositoras enquadrados numa marginalidade
aos cânones estabelecidos a partir do último terço do século XIX.
Um dos eixos mais relevantes nesse processo é a recuperação da obra de
compositores judeus activos entre o final do século XIX e meados do século
XX, numa articulação entre a memória do Holocausto e o silêncio imposto
pelas instituições políticas. Isso traduziu-se na apresentação e registo fonográfico
daquilo a que o nazismo designou por “música degenerada”, etiqueta
resultante de uma convergência ideologicamente promovida entre aspectos
étnicos, religiosos, estéticos e culturais. À valorização de obras de autores cuja
actividade foi condicionada e até suprimida pelo nazismo, adicionou-se igualmente
a produção de compositores, em grande parte residentes nos Estados
Unidos da América, que recorreram à afirmação da sua identidade judaica
enquanto universo conceptual na sua produção.
O compositor Ernest Bloch enquadra-se nesse processo de disseminação
de repertórios remetentes para uma identidade judaica. Contudo, deve ser
ressalvado que as referências directas ao judaísmo na obra de Bloch são minoritárias,
mas que essas peças (tais como a sinfonia Israel, a rapsódia Schelomo
ou Baal Shem) se afirmaram centrais enquanto veículos de divulgação da sua
produção durante o século XX. Paralelamente, estas contribuíram para a instalação,
promoção e consciencialização de uma cultura judaica à escala global,
em especial no pós-Segunda Guerra Mundial e após a criação do Estado de
Israel. Residente nos Estados Unidos da América desde 1916, território no
qual desempenhou uma variedade de cargos artísticos e docentes após um
apurado processo de formação na Suíça natal, na Bélgica e em França, Bloch
enquadra-se num contexto produtivo heterogéneo, no qual valoriza quer elementos
da tradição musical judaica, quer traços do canto gregoriano ou da
polifonia renascentista, os quais integra nos principais géneros associados aos
contextos do concerto e recital codificados ao longo do Romantismo.
2

A obra Baal Shem, composta em 1923 para violino e piano, foi orquestrada pelo
compositor no ano de 1939 e remete para uma representação programática de
três cenas hassídicas. O judaísmo hassídico é uma corrente teológica judaica
emergente no Leste europeu durante o século XVIII que valorizava um misticismo
entre o erudito e o popular, enfatizando laços comunitários e o papel
místico do rabi enquanto elementos centrais para a prática religiosa. Baal
Shem é o título atribuído ao fundador dessa corrente judaica, Israel ben Eliezer
(1698–1760), tendo sido associado desde a Idade Média ao poder místico curativo
do rabi, conciliando uma tendência intelectualizante do judaísmo com
o imediatismo da fé popular. O tríptico foi composto num idioma que enfatiza
alguns elementos que remetem para o universo simbólico do judaísmo,
tais como a ornamentação ou a valorização de uma modalidade particular.
Paralelamente, os andamentos apontam para eventos específicos da vida religiosa
judaica, em especial associados à relação entre o sujeito e a divindade.
Sendo a salmodia um aspecto central das práticas musicais judaicas, diversos
compositores integraram aspectos que remetem para essa estrutura nas suas
obras vocais e instrumentais. O primeiro andamento assenta numa textura
de cantilena, no qual o solista representa metaforicamente um indivíduo que
realiza a sua contrição, aspecto focal da fé judaica enquanto forma de apresentação
e relacionamento com Deus. O andamento intermédio (por vezes
executado separadamente em concerto) valoriza a apresentação melódica, no
qual um tema ornamentado é processado de forma a atingir um clímax e posteriormente
regressar à atmosfera inicial. A obra termina com um andamento
que remete para a herança judaica transmitida por Moisés, manifestando uma
acentuada intensidade expressiva.
Franz Waxman
Königshütte, 24 de Dezembro de 1906
Los Angeles, 24 de Fevereiro de 1967
A Canção de Terezín c. 45 min.
Infância e trauma no Holocausto: A Canção de Terezín
Após os eventos traumáticos da Segunda Guerra Mundial, em especial o Holocausto,
foram compostas diversas obras que remetem para a memória dessa
tragédia. Nesse contexto enquadram-se obras de compositores que, devido
ao conflito, assumiram publicamente uma identidade judaica e compuseram
obras especificamente remetentes para esse universo, tais como Um sobrevivente
de Varsóvia, de Arnold Schönberg, ou A Canção de Terezín, de Franz
Waxman. Apesar de partilharem uma identidade judaica e alguns elementos
estilísticos (alguns traços da estética de Waxman encontram-se relacionados
com uma abordagem pessoal ao sistema dodecafónico desenvolvido pela
chamada Segunda Escola de Viena), os percursos de ambos os compositores
emigrados nos Estados Unidos da América a partir do início da década
de 30, devido ao crescente anti-semitismo austro-alemão, enquadram-se
3

em quadrantes afastados. Schönberg gozava do estatuto de codificador dos
modernismos em espaço germânico, desenvolvendo, primordialmente, actividades
lectivas e compondo para o circuito americano de concertos. Waxman
desenvolveu, principalmente, a sua actividade no universo de Hollywood,
compondo e orquestrando uma quantidade assinalável de filmes para a florescente
indústria cinematográfica da época. A integração de compositores
judeus emigrados numa indústria intensamente relacionada com judeus activos
no meio empresarial é um aspecto central para a compreensão desse
período, tendo a cinematografia absorvido compositores dotados de um sólido
métier e associados às estéticas modernistas emergentes nas primeiras décadas
do século XX, tais como Franz Waxman, Erich Korngold ou Hanns Eisler.
Paralelamente à sua obra para cinema, Waxman compôs diversas peças
destinadas à execução em salas de concerto. Um dos exemplos mais tardios
dessa produção é, precisamente, A Canção de Terezín, composta entre o
final de 1964 e o início de 1965 e resultante de uma encomenda do Festival
de Cincinnati. Essa encomenda implicava a utilização de temáticas infantis,
sendo que o compositor utilizou textos redigidos por crianças prisioneiras
do campo de concentração de Terezín, posteriormente coligidos e publicados
em diversas línguas.
A estreia mundial da obra deu-se a 22 de Maio de 1965 e nela destaca-se
a plasticidade do estilo compositivo de Waxman, que tanto incorpora elementos
associados ao dodecafonismo (em On a Sunny Evening, por exemplo),
misturando-o com formas como o passacaglia (estrutura frequentemente
utilizada por compositores associados à Segunda Escola de Viena), com elementos
musicais característicos do sinfonismo do final do século XIX e início
do século XX e mesmo com citações da obra de Beethoven (em Concert in
the Old School Garret). Paralelamente, a orquestração e a distribuição das forças
vocais apresenta-se central na unificação de uma estrutura narrativa,
às vezes épica, às vezes imergindo o ouvinte na narração, constituindo um
ciclo sinfónico de canções. Outro aspecto a destacar é o frequente desfasamento
entre os conteúdos semânticos dos poemas (que, talvez devido ao
trauma, raramente abordam directamente a questão do campo de concentração,
concentrando-se numa construção idílica do universo exterior) de forma
a enfatizar um processo de distanciamento que termina com a última canção,
a qual se foca nos horrores de Terezín e consiste numa interpelação a Deus,
reiterando a memória enquanto elemento central na construção de uma cultura
pós-Holocausto.
Waxman recorre, além do coro e do solista, a um coro infantil, cuja presença
remete para o colectivo de crianças presas no campo (sendo que apenas
uma pequena minoria destas sobreviveu à guerra), enfatizando uma certa
atmosfera dialéctica interior/exterior, o que contribui para a enfatização dos
aspectos mais expressivos da obra. Paralelamente, a recordação da barbárie
nazi contraposta com uma perspectiva das suas vítimas infantis apresenta
uma forte eficácia simbólica, potenciada pelos recursos técnicos empregues
pelo compositor.
4

ludwig van beethoven
Bona, 16 (ou 17) de Dezembro de 1770
Viena, 26 de Março de 1827
Sinfonia Nº 5, em Dó menor, op. 67 c. 35 min.
Beethoven e o sinfonismo no início do século XIX:
subjectividade e inter-subjectividade
A mitificação promovida em torno da figura de Beethoven ao longo do século
XIX contribuiu, de forma relevante, para a sua recepção na época e a sua incorporação
no cânone da música erudita ocidental. A representação do compositor
nos meios públicos é um aspecto fortemente associado à mercantilização da
música e sua transacção num mercado livre. Apesar da actividade de Beethoven
se relacionar, embora de forma ambivalente e alterada, com o modelo
mecenático de produção associado à Europa moderna, a sua figura foi iconizada
em paralelo, o que facilitou a sua incorporação quer no cânone musical (à
época apresentado como cumulativo e evolutivo), quer num espaço alargado
de memória colectiva e cultura “popular”. A representação do compositor na
esfera pública da época fez-se de duas formas complementares e aparentemente
paradoxais. Beethoven era frequentemente apresentado como o
arquétipo do génio romântico, isolado e com capacidades quasi-místicas e,
paralelamente, como um ser afligido pela finitude da condição humana.
Esta perspectiva pode ser relacionada com as concepções apresentadas pelo
filósofo e escritor Jean-Paul Sartre no livro O existencialismo é um humanismo.
Nesse curto opúsculo, Sartre encerra a subjectividade num cogito
de inspiração cartesiana, um espaço no qual o particular abrange o universal.
Resumindo, esse cogito assenta numa subjectividade que condensa os
aspectos individual e colectivo num palco em que se desenrolam as escolhas
associadas a um projecto subjectivo. Esta aparente digressão pode ser
um eficaz quadro analítico no enquadramento da produção e apresentação
da obra de Beethoven. Por exemplo, a sua Nona Sinfonia, além das tensões
entre música absoluta e música programática que veio a suscitar a partir de
meados do século XIX, pode ser considerada um percurso no qual o sujeito
individual Beethoven concebe um universo sonoro associado à universalidade
inter-subjectiva dos processos do Iluminismo de matriz burguesa, uma espécie
de condensação da Humanidade numa obra sinfónica.
Outra questão relevante para o enquadramento do compositor é a emergência
de uma historiografia de pendor objectivista que tentou equacionar os cânones
estéticos do compositor e cristalizá-los em fases. Mediante os diversos critérios,
tem vindo a ser possível reposicionar as obras do compositor, taxionomicamente
agrupadas de acordo com projectos de diversas tendências musicológicas.
Nessa categorização, a valorização do sinfonismo dotado de uma forte tendência
organicista e auto-referencial enquadra-se num possível período intermédio
da produção do compositor. Isso não significa que esses elementos apenas se
encontrem nesse período, mas a Quinta Sinfonia tem vindo a ser apresentada
5

enquanto píncaro da produção sinfónica quer do início do Romantismo (pelo
escritor E.T.A. Hoffmann, por exemplo) ou do tardo-Classicismo.
A Quinta Sinfonia apresenta-se enquanto exemplo sobressaliente do processo
de composição beethoveniano da época. Composta entre 1807 e 1808 (apesar
de subsistirem elementos que apontam para o início da sua concepção por
volta de 1803), a obra apresenta uma condensação de diversos traços estilísticos
do que veio a ser designado por Classicismo Vienense, uma designação
pouco indicativa e homogeneizante de uma miríade de práticas musicais
vigentes no espaço austro-húngaro da época. Nesta obra, composta na tonalidade
de Dó menor, frequentemente utilizada na enfatização de elementos
representantes do pathos, o compositor constrói uma macro-estrutura a partir
de um número reduzido de elementos temáticos ou motívicos, sendo de
destacar a célula rítmica percussiva inicial, que germina a obra (para utilizar
uma expressão botânica, marcando uma perspectiva organicista presente em
diversas artes na época, tais como o poema A metamorfose das plantas, de
Goethe). A célula inicial (utilizada pela BBC enquanto sinal rítmico nas suas
emissões durante a Segunda Guerra Mundial) funciona quer como material
temático, quer como catalisador direccional da obra, elemento característico
da produção beethoveniana da época, no qual as formas se encontravam
determinantemente relacionadas com as dialécticas específico/geral ou,
num plano mais destacado, individual/colectivo. Paralelamente, esse modelo
estende-se inclusivamente no domínio da orquestração, em que se encontra
patente uma dualidade cordas/sopros.
Do ponto de vista formal, o primeiro andamento da obra enquadra-se num
modelo organizacional posteriormente designado por “allegro de sonata”, no
qual Beethoven privilegia técnicas de desenvolvimento contrapontístico de
forma a flexibilizar e a condicionar a macroforma, incluindo igualmente uma
coda com desenvolvimento, secção frequentemente utilizada pelo compositor
nas suas obras. O segundo andamento apresenta-se na forma tema e variações,
embora numa perspectiva de metabolização organicista dos materiais temáticos,
um traço que se afirmará de forma preponderante na obra beethoveniana
tardia. O recurso a técnicas de variação que alteram e desenvolvem radicalmente
o material temático e que determinam a macro-estrutura, apresenta-se
enquanto aspecto saliente no tardo-classicismo em geral e na produção do
compositor em particular. Nas mesmas perspectivas estéticas enquadra-se o
Scherzo que, recorrendo ao invólucro tradicional dessa tipologia (Scherzo-Trio),
é alterado, em especial na secção final, na qual a textura de fugato do trio é
sujeita a técnicas associadas ao desenvolvimento temático beethoveniano. A
obra é concluída com um andamento na tipologia “allegro de sonata”, no qual
são introduzidos trombones, instrumentos cujos recursos eram utilizados para
destacar o pathos, marcando significativamente uma alteração aos modelos
orquestrais ocorrida no tardo-Classicismo. Paralelamente, a existência de dois
grupos temáticos contrastantes (inclusivamente no parâmetro orquestração)
apresenta-se central para o desenvolvimento de teorias compositivas associadas
à tipologia “allegro de sonata” ao longo de todo o século XIX.
João Silva
6

Fraz Waxman
Song of Terezín
Os textos em inglês são adaptações do compositor a partir de traduções publicadas no livro
I Never Saw Another Butterfly (McGraw-Hill Book Company, Nova Iorque, 1964)
Choir
1. on a sunny evening
Anónimo
On such a purple sun-shot evening
the world is growing and I pray
for all the souls in mortal danger,
today, tomorrow, every day.
The trees are flowering forth in beauty,
their very wood all gnarled and old.
I scarcely dare to look above me
into crowns of gold.
The sun as made a veil of gold,
so lovely that my body aches.
The heavens shriek with blue.
Convinced, I smiled by some mistake.
The world’s abloom and seems to smile.
I want to fly, but where? How high?
And I would like to go on living
and share their laughter and their sigh.
Mezzo-Soprano
2. forgotten
Zdenek Ornest
Fleeting memory,
bring peace into my heart
and make me think of her whom
I have loved.
Maybe when you caress me
I shall smile again.
You are my favorite one
and my beloved friend.
Fleeting memory,
tell me a fairy tale about my girl,
lost in eternity.
Tell me about the golden trinket
and call the swallow;
bring her back to me.
Coro
num fim de tarde ensolarado
Num fim de tarde tão purpúreo
e dardejado de sol,
o mundo engrandece e eu rezo
por todas as almas em perigo de morte,
hoje, amanhã, todos os dias.
Belas, as árvores não cessam de florescer,
os seus troncos, nodosos e envelhecidos.
Quase não me atrevo a olhar para cima,
para dentro das coroas douradas.
O sol criou um véu de ouro,
tão gracioso que o meu corpo dói.
Os céus gritam o seu azul.
Convencido, eu sorrio por engano.
O mundo floresce e parece sorrir.
Desejaria voar, mas para onde? A que altura?
E desejaria continuar a viver
partilhando o seu riso e a sua beleza.
Meio-Soprano
olvidado
Fugaz memória,
traz paz ao meu coração
e faz com que pense naquela que amei.
Talvez que, quando me acariciares,
eu possa de novo sorrir.
És a minha preferida e a amiga
mais querida.
Fugaz memória,
Conta-me uma história acerca
do meu amor,
perdido na eternidade.
Fala-me da jóia dourada
e chama a andorinha;
trá-la de novo para mim.
7

Go fly to her and ask
if she still thinks of me;
if she is well and ask her, too,
if I am sill her dearest, precious dove.
And hurry back don’t lose your way.
The’re yet so many things to say.
How sweet you were.
Will you return some day?
I loved you so much, so very much.
Farewell my love!
Children’s Choir
3. the little mouse
M Kosek / H. Loevy-Bachner
A mousie sat upon a shelf,
catching fleas in his coat of fur.
But he couldn’t catch her.
What chagrin.
She’d hidden way inside his skin.
He turned and wriggled, knew no rest.
That flea was such a nasty pest.
His daddy came and searched his coat,
caught the flea and away he ran
to cook her in the frying pan.
The little mouse cried, “Come and see!
For lunch we’ve got a nice, fat flea!”
Choir
4. bird song
Anónimo
He does not know the world at all
who stays in his nest and does not go out.
He does not know what birds know best,
nor what I want to sing about,
that the world is full of loveliness.
Hey! Try to open up your heart to beauty,
go to the woods someday
and weave a wreath of memory there.
Then if the tears obscure your way
you’ll know how wonderful
it is to be alive.
8
Voa até ela e pergunta-lhe
se ainda pensa em mim;
e se está bem e pergunta-lhe, também,
se ainda sou o seu mais querido
e precioso pombo.
E apressa-te e não te percas no caminho.
Há ainda tanto a dizer.
Como eras gentil!
Voltarás algum dia?
Amei-te tanto, tanto!
Adeus, meu amor.
Coro Infantil
o ratinho
Sentou-se um ratinho numa prateleira,
a apanhar pulgas no seu casaco de pêlo.
Mas uma houve que não conseguiu apanhar.
Que chatice!
Ela escondera-se por debaixo da pele.
E ele rolou e torceu-se, sem descanso.
Mas que pulga tão aborrecida!
Veio então o seu pai e vasculhou-lhe
o casaco,
apanhou a pulga e lá foi ele a correr
para a cozinhar na frigideira.
O ratinho gritou então: “Venham ver!
Que bela e gorda pulga temos
para o almoço!”
Coro
canção das aves
Desconhece completamente o mundo
aquele que se senta no ninho e não parte.
Não aprende o que as aves sabem de cor,
nem aquilo sobre o qual canto:
que o mundo está repleto de encantos.
Ei! Tenta abrir o teu coração à beleza,
dirige-te a um bosque um dia destes
e tece ali um fio de memória.
E se as lágrimas obscurecerem
o teu caminho
saberás então como é maravilhoso estar vivo.

When dewdrops sparkle in the grass
and earth’s aflood with morning light,
a blackbird sings upon a bush
to greet the dawning after night. Ah!
Children’s Choir
5. now it’s time
Alena Synkova-Munkova
Listen!
The boat whistle
has sounded now,
and we must sail out
toward unknown ports.
Listen! Now it’s time!
Listen!
Well sail a long, long way,
and dreams will turn to truth.
Oh, how sweet the name Morocco.
Listen! Now it’s time!
The winds are weaving songs of
yesterday,
could I just look up at the milky way
and only think of violets.
Listen! Now it’s time!
Mezzo-Soprano
6. concert in the old school garret
Anónimo
White fingers of the sexton
sleep heavy upon us.
Half a century since anyone
as much as touched this piano.
Let it sing again as it was made
to yesterday.
Phantom hands which strike
softly or which thunder.
The forehead of this man was as heavy
as the heavens before it rains.
Under the weigh of excitement
the springs forgot to squeak.
Half a century since anyone
as much as touched this piano.
Quando as gotas de orvalho brilham
na relva
e a terra é uma torrente de luz da manhã,
um melro canta sobre um arbusto
saudando a aurora após a noite. Ah!
Coro Infantil
chegou a hora
Escuta!
Soou agora
o apito da embarcação
e temos de partir
para portos desconhecidos.
Escuta! Chegou a hora!
Escuta!
Percorreremos um longo, longo caminho,
e os sonhos tornar-se-ão realidade.
Ah! Como é doce o nome de Marrocos.
Escuta! Chegou a hora!
Os ventos tecem canções de antigamente,
pudesse eu simplesmente olhar
a via láctea
e pensar em violetas.
Escuta! Chegou a hora!
Meio-Soprano
concerto no velho sótão da escola
Os brancos dedos do sacristão
repousam pesados sobre nós.
Faz já meio século desde que alguém
tocou desta forma este piano.
Deixai-o soar de novo, como antigamente.
Mãos de fantasma tocando
suavemente ou como se trovejando.
A fronte deste homem era tão intensa
como os céus antes das chuvas.
Sobe o peso da emoção
as molas esqueciam-se de chiar.
Faz já meio século desde que alguém
Tocou desta forma este piano.
9

Our good friend, Time,
has fled the faxes of all clocks.
And, like a bee, which has lived long
enough
and sucked up all the honey,
lies down to dry itself in the sun.
There with closed eyes,
a different person sits.
There with closed eyes,
he sees the keys as veins
though which soft blood flows gently
when you kiss them with a knife,
and still them with a song.
And yesterday this man cut all the veins
and opened all the organ stops,
bribed all the birds to sing.
White fingers of the sexton
sleep heavy upon us.
Stopped over in your manner of death.
You are like Beethoven.
Your forehead was as heavy
as the heavens before the rains.
Children’s Choir
7. the garden
Branta Bass
That little garden,
with it’s budding roses
today is full of fragrance
sweet and strong.
And on the small and narrow path
a little boy walks happily along.
That little boy is like the little rosebud
with tiny petals floating to the floor.
But when that rosebud comes to bloom,
the little boy will be no more.
Mezzo-Soprano, Choir, Children’s Choir
8. finale
Eva Pickova
Today the Ghetto knows a different fear.
Close in its grip, death wields an icy
scythe.
10
O nosso bom amigo, o Tempo,
fugiu das engrenagens de todos
os relógios.
E como uma abelha, que viveu demais
e sorveu todo o mel,
deitou-se a secar ao sol.
Ali, de olhos cerrados,
um homem diferente se senta.
Ali, de olhos cerrados
ele vê as teclas como veias
através das quais corre
docemente o sangue
quando com uma faca as beijas,
e as acalmas com uma canção.
E este homem cortou ontem todas as veias
e abriu todas as chaves do órgão
e forçou todas as aves a cantar.
Os brancos dedos do sacristão
repousam pesados sobre nós.
Interrompido na tua forma de morte.
Tu és como Beethoven.
A tua fronte era tão intensa
como os céus antes das chuvas.
Coro Infantil
o jardim
Aquele pequeno jardim,
com as suas rosas em botão,
está hoje repleto de aromas
doces e intensos.
E pelo curto e estreito carreiro
um rapazinho caminha alegremente.
O rapazinho é como o pequeno botão,
pétalas pequeninas, flutuando até ao chão.
Mas quando o botão de rosa florescer
o rapazinho já terá partido.
Meio-Soprano, Coro, Coro Infantil
conclusão
Conhece hoje o Gueto um medo diferente.
Fechada em suas garras, a morte brande
uma gélida gadanha.

An evil sickness spreads
a terror in its wake,
The victims of its shadow
weep and writhe.
Today a father’s heart-beat tells his fright.
And mothers bend their heads
into their hands.
The children choke and die
with typhus here.
A bitter tax is taken from their hands.
My heart still beats inside
my breast today
while friends have left for other worlds.
Perhaps it’s better to die today,
than watching this, who can say.
No, no, my God, we must not die,
not watch our numbers melt away.
We want to make a better world.
We want to work and live!
Tradução de Ofélia Ribeiro
Uma doença maléfica espalha
o horror no seu curso,
As vítimas da sua sombra choram
e contorcem-se.
O terror de um pai mede-se hoje
pelas batidas do seu coração.
E as mães escondem as cabeças
em suas mãos.
As crianças sufocam e morrem de tifo aqui.
De suas mãos um fardo amargo
é arrancado.
Hoje, bate ainda o meu coração
dentro do peito,
Enquanto amigos meus partiram
já para outros mundos.
Talvez seja melhor morrer hoje,
Do que assistir a isto. Quem sabe?
Não, não meu Deus, não temos de morrer,
Nem ver os nossos números a desaparecer.
Queremos fazer um mundo melhor.
Queremos trabalhar e viver!
11

12
Lawrence Foster maestro
Em 2008-2009, Lawrence Foster cumpre a sua
sétima temporada como Director Artístico e Maestro
Titular da Orquestra Gulbenkian. A partir da temporada
2009-2010 será também o Director Musical da
Orquestra da Ópera Nacional de Montpellier.
Os destaques da presente temporada, como maestro convidado, incluem o
ciclo integral dos Concertos para Piano de Beethoven, com a Orquestra Nacional
de Lyon e Radu Lupu (Abril 2009), uma digressão em Espanha com o
Ensemble Orchestral de Paris e a continuação do ciclo da Sinfonias de Enesco,
com a NDR Radio Philharmonie de Hanôver. Na temporada 2009-2010,
dirigirá a Orquestra de Paris, a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig, a Filarmónica
de Helsínquia, a Filarmónica da Holanda, a Sinfónica de Gotemburgo
e a Orquestra Filarmónica da Radio France. Depois do sucesso do seu recente
ciclo das Sinfonias de Schumann, com a Filarmónica Checa (gravado pela Pentatone)
voltará a colaborar com esta orquestra na Primavera de 2011.
Lawrence Foster trabalhou com várias orquestras juvenis. No Verão de 2004,
dirigiu a Orquestra Juvenil Australiana nos Proms da BBC e no Concertgebouw
de Amesterdão e liderou esta mesma orquestra numa digressão semelhante
em Julho de 2007. Realiza uma digressão com a Junge Deutsche Philharmonie
na Páscoa de 2009 e dirige também a Orquestra da Academia no Festival
de Schleswig-Holstein em Agosto de 2009. Foi Director Musical do Festival
de Aspen, voltando a actuar no mesmo festival no Verão de 2009, por ocasião
do 60º aniversário.
Lawrence Foster tem-se apresentado também nos mais prestigiados teatros
de ópera do mundo. Os seus desempenhos recentes neste domínio incluíram
a sua estreia no Festival de Bregenz em 2006, onde apresentou a ópera de
Debussy La chute de la maison Usher (completada por Robert Orledge), uma
produção de Padmavati de Roussel no Théâtre du Châtelet, com a Orquestra
Filarmónica da Radio France, e a sua estreia com a Ópera de Leipzig numa
produção de Ariadne auf Naxos de R. Strauss, na Primavera e Verão de 2008.
Na presente temporada, dirige Salammbô de Ernest Reyer, com a Ópera de
Marselha, regressa à Staatsoper de Hamburgo para uma reposição de Pelléas
et Mélisande, seguindo-se uma produção de Der Freischütz de Weber na temporada
2009-2010. Com a Orquestra Gulbenkian, Lawrence Foster dirige pelo
menos uma ópera em versão de concerto em cada temporada. Como Director
Musical indigitado da Orquestra e Ópera Nacional de Montpellier, dirigiu a
ópera Esmeralda de Louise Bertin, no Festival de Montpellier de 2008.
Nascido em 1941 em Los Angeles, filho de pais romenos, Lawrence Foster
é um grande divulgador e intérprete da música de Georges Enesco, tendo
sido, entre 1998 e 2001, Director Artístico do Festival Georges Enesco. Em
2005, para assinalar os 50 anos da morte do compositor romeno, a EMI lançou
um conjunto de discos gravados por Lawrence Foster e pelas Orquestras
de Monte Carlo e Nacional de Lyon.

Anteriormente, Lawrence Foster desempenhou funções de direcção musical
na Sinfónica de Barcelona, na Filarmónica de Monte Carlo, na Sinfónica de
Jerusalém, na Sinfónica de Houston e na Orquestra de Câmara de Lausanne.
Em Janeiro de 2003, Lawrence Foster foi condecorado pelo Presidente da
Roménia pelos serviços prestados à música romena.
Alexandra mendes violino
Natural de Lisboa, Alexandra Mendes iniciou os seus estudos
musicais aos seis anos de idade na Academia de Música
de Santa Cecília, sob a orientação do professor Alberto Nunes,
com quem terminou o Curso Complementar de Violino do Conservatório
Nacional de Lisboa. Aos 16 anos, com uma bolsa da
Fundação Calouste Gulbenkian, continuou os seus estudos com
o professor Alberto Lysy, na Academia Menuhin, em Gstaad, na
Suíça, onde permaneceu dois anos. Durante a estadia nesta Academia,
fez parte da Camerata Lysy, com a qual realizou várias
digressões na Europa e na América do Sul, apresentando-se também
como solista em violino e viola. De regresso a Portugal, em
1981, ingressou na Orquestra Gulbenkian, exercendo actualmente
as funções de chefe de naipe dos segundos violinos.
Para além de se ter apresentado a solo com a Orquestra da RDP, a Nova Filarmonia
Portuguesa e a Orquestra Gulbenkian, é no entanto em agrupamentos
de música de câmara que a sua actividade mais se tem evidenciado, pela sua
identificação com muito do repertório existente. Desde 1986, é 1º Violino do
Quarteto de Cordas de Lisboa, com o qual tem realizado numerosos concertos
em Portugal e nalguns países da Europa, apresentando-se também na rádio
e na televisão. Com este agrupamento, gravou um disco com os dois Quartetos
de Joly Braga Santos. Participou também na gravação da edição integral
das obras de música de câmara do compositor António Victorino d’Almeida. É
professora na Escola Superior de Música de Lisboa desde 1997.
Stephanie Friede soprano
Stephanie Friede é uma das mais solicitadas sopranos internacionais.
Nasceu em Nova Iorque e graduou-se pela Juilliard
School e pelo Conservatório de Música de Oberlin. Na temporada
passada, interpretou o papel de Minnie, em La fanciulla
del West de Puccini, no Novo Teatro Nacional de Tóquio, na
Ópera de Nova Iorque, na Vlaamse Opera de Antuérpia, na
Ópera de Zurique e no “Maggio Musicale” de Florença.
A Deutsche Oper Berlin convidou-a para interpretar Madeleine
(André Chenier de Umberto Giordano), Sieglinde (A Valquíria),
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Marietta (Die tote Stadt de Korngold) e Santuzza (Cavalleria rusticana de Mascagni).
Estreou-se no Gran Teatre del Liceu de Barcelona em Wintermärchen
de Philipp Boesmann (co- produção com o Théâtre de la Monnaie). No Grande
Teatro de Genebra cantou o papel principal em Manon Lescaut de Puccini,
bem como Katarina Ismailova em Lady Macbeth de Mtsensk de Chostakovitch.
Marcello Viotti convidou-a para concertos importantes com a Orquestra
da Rádio de Munique, como Il Tabarro e Suor Angelica de Puccini e Arlesiana
de Cilea. Outros convites incluíram: Flammen de Schulhoff, no Festival de
Viena; o papel principal em The Bitter Tears of Petra von Kant, de Gerald Barry,
na Ópera Nacional Inglesa; Cio-cio San, em Madama Butterfly, na Semperoper
de Dresden; Wanda, em Sophie’s Choice, em Covent Garden, com Sir Simon
Rattle; Amelia, em Um Baile de Máscaras, na Ópera Estadual de Hamburgo;
o papel principal em Salomé, com Fabio Luisi e a Orquestra Sinfónica MDR;
Chrysothemis, em Elektra, no Teatro dell’Opera de Roma. Actuou também na
Ópera Estadual de Viena, na Ópera Estadual de Berlim, na Ópera da Bastilha,
na Ópera de Göteborg, na Opera North (Leeds), na Ópera de Dusseldorf e na
Ópera de Cincinatti, sob a direcção de maestros de renome, como Christian
Thielemann, Fabio Luisi, Franz Welser-Möst, Bertrand de Billy, Mark Elder, Ulf
Schirmer, Simon Rattle, Kurt Masur, Riccardo Chailly, Valery Gergiev e Marcello
Viotti, entre outros.
Em concerto interpretou, entre outras obras: a 8ª Sinfonia de Mahler, com
Riccardo Chailly, no Concertgebouw de Amesterdão; a Sinfonia Nº 14 de
Chostakovitch, em Zurique; a Missa Glagolítica de Janácek, com a Orquestra
Hallé e o maestro Mark Elder; a 9ª Sinfonia de Beethoven, com Kurt Masur e
a Filarmónica de Londres.
Coro Infantil da Academia de música de Santa Cecília
O Coro Infantil da Academia de Música de Santa Cecília é constituído por uma
selecção dos alunos de Coro desta escola, dos 9 aos 15 anos de idade. Com
um número de elementos variável, em virtude da renovação a que é sujeito
em cada ano lectivo, apresenta-se regularmente em audições e concertos da
Academia, ou a convite de outras instituições.
Participou em 1990, com grande êxito, num concerto na Salle Gaveau em
Paris, interpretando música de compositores portugueses. Colaborou na
Expo’92, em Sevilha, integrando a recriação da Embaixada do Rei D. Manuel I
ao Papa Leão X, de 1514, interpretando música do século XVI.
Na temporada 1991-92, apresentou-se com o Coro e a Orquestra Gulbenkian
no programa comemorativo do centenário de Arrigo Boito e na temporada
seguinte esteve novamente em evidência na Aula Magna da Reitoria da Universidade
de Lisboa, ao actuar num concerto do Ciclo “Grandes Orquestras
Mundiais” onde, com a Orquestra Sinfónica de Viena e o Coro Gulbenkian,
integrou o conjunto de intérpretes da 3ª Sinfonia de Gustav Mahler.
14

Em 1994, a convite da Orquestra I Solisti Veneti, actuou no concerto inaugural
do Festival de Música de Veneza, dirigido pelo Maestro Claudio Scimone.
No âmbito das actividades musicais de Lisboa Capital Europeia da Cultura ‘94,
o Coro participou em importantes concertos com a Orquestra do Festival de
Budapeste e com a Orquestra Filarmónica Checa. Interpretou A Danação de
Fausto de Berlioz, com a Orquestra Filarmónica de Estrasburgo.
Na temporada Gulbenkian 1995-96, participou na interpretação do War
Requiem e da Spring Symphony de Benjamin Britten, com o Coro e a Orquestra
Gulbenkian. Em 1996, um grupo de rapazes participou, com a Orquestra
do Século XVIII, sob a direcção de Frans Brüggen, na apresentação da Paixão
segundo São Mateus de J. S. Bach, em concertos realizados em Bolonha, Ferrara
e Lisboa. Ainda em 1996, colaborou com o Coro La Cigale de Lyon num concerto
em Lisboa, organizado pela ANISC.
Em anos mais recentes, outra colaborações com o Coro e a Orquestra Gulbenkian
incluíram: Carmina Burana, de Carl Orff (Fevereiro de 2002); Paixão
segundo São Mateus, de J. S. Bach (Março de 2002 e Abril de 2006); Cenas do
“Fausto” de Goethe, de Schumann (Janeiro de 2004); cantata Saint Nicolas,
op.42, de Britten (Maio de 2004); Sinfonia Nº. 3, Kaddish, de Bernstein (Outubro
de 2004); Die Legende von der Heiligen Elisabeth, de Liszt (Janeiro de 2007).
O Coro integra os World Litle Singers, instituição da UNICEF, apoiada pela
UNESCO, com o objectivo de divulgar os princípios contidos na carta dos
Direitos das Crianças e pertence à Federação Europeia de Coros da União, destinada
a coros infantis e juvenis.
O Coro Infantil da Academia de Música de Santa Cecília é, desde 1987, dirigido
pelo maestro Artur Carneiro.
Ana Rita Valente
António Simões Pereira
António Santos Nunes
Beatriz Nunes Rodrigues
Benedita Cardoso de Menezes
Carlos André Mariano
Carlota Ferreira Louceiro
Catarina Guedes Mendes
Catarina Ferreira Barreiros
Catarina Cardoso Brown
Catarina de Almeida Mota
Diana Cristina Marques
Frederico Ludovice Paixão
Joana Neves Vilarinho
Joana Marques Vidal
Joana Kawahara Lino
João Miguel Coelho
Luís Filipe Coutinho
Luís Neves de Campos
Madalena Moura Burnay
Margarida Pereira de Abreu
Maria Correia Patrício
Maria de Aguiar Pedro
Maria Sacadura Simões
Maria Vaz Pinto
Maria Leonor Figueirinhas
Maria Luís Santos
Mariana Falcão Moreira
Mariana Casanova Ferreira
Marta Rocha Santos
Mónica Figueiredo Rodrigues
Patrícia Nunes da Fonseca
Pedro Rebocho Ferreira
Pedro Miguel Santos
Rebeca Simões Gomes
Rui Vaz Pinto
Rui Almeida Mota
Sérgio Ladeira Pires
Simão Jesus Pereira
Susana Gestal Medeiros
Susana Santos Buínhas
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Coro Gulbenkian
Fundado em 1964, o Coro Gulbenkian conta presentemente com uma formação
sinfónica de cerca de 100 cantores, actuando igualmente em grupos
vocais reduzidos, conforme a natureza das obras a executar. Assim, o Coro
Gulbenkian tanto pode apresentar-se como grupo a cappella, o que tem
acontecido regularmente para a interpretação de polifonia portuguesa dos
séculos XVI e XVII, como colaborar com a Orquestra Gulbenkian ou outros
agrupamentos para a execução de obras coral-sinfónicas do repertório clássico
e romântico. Na música do século XX, campo em que é particularmente
conhecido, tem interpretado, frequentemente em estreia absoluta, inúmeras
obras contemporâneas de compositores portugueses e estrangeiros. Tem
sido igualmente convidado para colaborar com as mais prestigiadas orquestras
mundiais, entre as quais a Orquestra do Século XVIII , a Filarmónica de
Berlim, a Sinfónica de Baden-Baden, a Filarmónica de Londres, a Sinfónica de
Viena, a Sinfónica do Norte da Alemanha, a Filarmónica Checa, a Filarmónica
de Estrasburgo, a Filarmónica de Montecarlo e a Orquestra do Concertgebouw
de Amesterdão, Orquestra Nacional de Lyon, ao lado das quais foi dirigido por
figuras como Colin Davis, Claudio Abbado, Emmanuel Krivine, Frans Brüggen,
Michael Gielen, Franz Welser-Möst, Rafael Frübeck de Burgos, Gerd Albrecht
e Theodor GuschIbauer.
Para além da sua apresentação regular na temporada de concertos da Fundação,
em Lisboa, e das suas digressões em Portugal, o Coro Gulbenkian actuou
em numerosos países em todo o mundo, entre os quais Alemanha, Argentina,
Bélgica, Brasil, Canadá, Dinamarca, Espanha, França, Holanda, Hungria,
Índia, Inglaterra, Iraque, Israel, Itália, Macau (quando sob administração portuguesa),
Malta, Mónaco, Japão e Uruguai, Estados Unidos da América.
Em 1992, uma digressão em várias cidades da Holanda e da Alemanha com
a Orquestra do Século XVIII deu origem à gravação ao vivo da Nona Sinfonia
de Beethoven, que foi incluída na edição integral das sinfonias de Beethoven
que Frans Brüggen realizou para a Philips com aquela orquestra. Seria o início
de uma colaboração muito estreita entre os dois agrupamentos, responsável
pela realização de inúmeras outras digressões conjuntas, com actuações na
Alemanha, França, Inglaterra, Itália, Holanda, Japão e, mais recentemente, em
Março de 2005, à China (Hong-Kong), onde aliás colaborou igualmente com a
Orquestra Filarmónica local.
Paralelamente a esta colaboração e às digressões que frequentemente realizou
com a Orquestra Gulbenkian e outros agrupamentos no estrangeiro, o
Coro Gulbenkian tem participado em alguns importantes festivais internacionais,
onde se salientam as suas actuações no Festival Eurotop (Amesterdão),
no Festival Veneto (Pádua e Verona), no Festival de Catedrais da Picardia
(França) e no Festival Internacional de Música de Granada e, mais recentemente,
no Hong Kong Arts Festival 2005.
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No plano discográfico, o Coro Gulbenkian está representado nas editoras
Philips, Archiv / Deutsche Grammophon, Erato, Cascavelle, Musifrance,
FNAC-Music e Aria-Music, tendo ao longo dos anos registado um repertório
diversificado, com particular incidência na música portuguesa do século XVI
ao século XX. Algumas destas gravações receberam prémios internacionais,
tais como o Prémio Berlioz, da Academia Nacional Francesa do Disco Lírico, o
Grand Prix International du Disque, da Academia Charles Cros, e o Orphée d’Or,
entre outros.
Em 2006, por ocasião do cinquentenário da morte de Luís de Freitas Branco,
assinalado no ano anterior, o Coro Gulbenkian registou a primeira integral
dos Madrigais Camonianos deste compositor. Ainda em 2006, gravou para a
editora Portugaler obras a cappella de Pedro Gambôa e Lourenço Ribeiro, e
Vilancicos Negros do Século XVII, de Santa Cruz de Coimbra.
Desde 1969, Michel Corboz é o Maestro Titular do Coro, sendo as funções de
Maestro Adjunto desempenhadas por Fernando Eldoro e as de Maestro Assistente
por Jorge Matta.
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Coro Gulbenkian
Michel Corboz Maestro Titular
Fernando eldoro Maestro Adjunto
Jorge Matta Maestro Assistente
Sopranos
Ana Rodrigues
Ariana Russo
Arminda Soares
Clara Coelho
Cristina Cardoso
Elvire de Paiva
Filomena Oliveira
Graziela Lé
Joana Gil
Joana Siqueira
Liliana Sebastião
Lucilia de Jesus
Luiza Dedisin
Mafalda Nascimento
Maria José Conceição
Mariana Moldão
Marisa Figueira
Mónica Antunes
Rosa Caldeira
Rosalina Segura
Sandra Carvalho
Sara Marques
Tânia Viegas
Teresa Azevedo
Verónica Silva
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Contraltos
Ana Raquel Rodrigues
Ana Urbano
Catarina Saraiva
Cristina Simões
Elisabeth Silveira
Inês Mariano
Inês Martins
Inês Mazoni
Joana Nascimento
Lucinda Gerhardt
Mafalda Borges Coelho
Manon Marques
Marília Figueiredo
Marisa Raposo
Marta Queiroz
Michelle Rollin
Patrícia Mendes
Tânia Valente
Teresa Almeida
Tenores
António Gonçalves
Artur Afonso
Diogo Pombo
Fernando Ferreira
Francisco Gameiro
Frederico Projecto
Gabriel Cipriano
Jaime Bacharel
João Barros
João Branco
João Custódio
João Pedro Cabral
João Sebastião
Manuel Almeida
Pedro Miguel
Pedro Nascimento
Pedro Rodrigues
Pedro Teixeira
Rui Miranda
Samuel Antão
Sérgio Fontão
Baixos
André Baleiro
Artur Carneiro
Fernando Gomes
Filipe Leal
Horácio Santos
João Luís Ferreira
João Pereira
João Valeriano
José Damas
José Bruto Costa
José Figueiredo
Manuel Carvalho
Manuel Rebelo
Mário Almeida
Nuno Fidalgo
Pedro Morgado
Ricardo Martins
Rui Borras
Rui Gonçalo
Sérgio Silva
Tiago Batista
Coordenadora
Caroline Mascarenhas
Secretária / Arquivista
Rebeca Cantos

Orquestra Gulbenkian
Foi em 1962 que a Fundação Calouste Gulbenkian decidiu estabelecer um
agrupamento orquestral permanente, no início constituído apenas por doze
elementos (Cordas e Baixo Contínuo), sob o nome de Orquestra de Câmara
Gulbenkian. Esta formação inicial foi sendo progressivamente alargada, contando
hoje a Orquestra Gulbenkian (designação adoptada desde 1971) com
um efectivo de sessenta e seis instrumentistas, que pode ser pontualmente
expandido de acordo com as exigências dos programas executados.
Esta constituição, pouco habitual nos nossos dias e situando-se entre a formação
de câmara e a sinfónica, permite à Orquestra Gulbenkian a abordagem
interpretativa de um amplo repertório que abrange todo o período Clássico,
uma parte significativa da literatura orquestral do século XIX e muita da
música do século XX. Obras pertencentes ao repertório corrente das grandes
formações sinfónicas tradicionais, nomeadamente a produção orquestral
de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn ou Schumann, podem
assim ser dadas pela Orquestra Gulbenkian em versões mais próximas dos
efectivos orquestrais para que foram originalmente concebidas, no que respeita
ao equilíbrio da respectiva arquitectura sonora interior.
Os programas realizados pela Orquestra Gulbenkian obedecem, por princípio,
a uma preocupação de incluir, no âmbito dos diversos períodos abrangidos
pelo seu repertório, composições raramente ouvidas ou mesmo completamente
desconhecidas do público em geral. Nesta perspectiva, a Orquestra
apresentou já um grande número de primeiras audições absolutas de obras
contemporâneas, muitas das quais encomendadas pela própria Fundação
Calouste Gulbenkian, quer a grandes nomes da criação musical do nosso
tempo, como Berio, Penderecki, Xenakis ou Halffter, entre outros, quer aos
mais representativos compositores portugueses da actualidade. Tem vindo,
assim, a exercer junto do grande público uma acção cultural de carácter formativo
da maior importância.
Em cada temporada, a Orquestra Gulbenkian realiza no Grande Auditório da
Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa, uma série regular de concertos, em
cujo âmbito tem tido ocasião de colaborar com alguns dos maiores nomes do
mundo da música (maestros e solistas), tendo por diversas vezes sido igualmente
chamada a intervir em espectáculos de ópera. Por outro lado, percorre
todos os anos em digressão um elevado número de localidades de Portugal,
cumprindo desta forma uma significativa função descentralizadora.
No plano internacional, por sua vez, a Orquestra tem vindo a ampliar gradualmente
a sua actividade, tendo até agora efectuado digressões na Europa,
Ásia, África e Américas. No passado mais recente, de referir o convite que
a Orquestra Gulbenkian recebeu para participar no Ciclo “Orquestas del
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Mundo”, em Madrid, em que apresentou, com Evgeny Kissin como solista, a
integral dos concertos para piano de Beethoven. Este programa foi também
ouvido em Munique (Philharmonie im Gasteig) e Berlim (Philharmonie), onde
a Orquestra o apresentou em Fevereiro de 2005. Em Dezembro de 2006, apresentou-se
em Amesterdão, Paris e Madrid, numa digressão com a pianista
Hélène Grimaud, e já em 2007, desta vez com os pianistas Arcadi Volodos e
Lise de La Salle, realizou uma digressão à Alemanha e Hungria, tocando em
cidades como Berlim, Munique, Hamburgo e Budapeste, entre outras. Neste
mesmo ano, a Orquestra Gulbenkian regressou à Alemanha, para se apresentar
com Lang Lang em cinco cidades diferentes.
A Orquestra Gulbenkian gravou já dezenas de discos, associando o seu nome
às editoras discográficas Philips, Deutsche Grammophon, Hyperion, Teldec,
Erato, Adès, Nimbus e Lyrinx, entre outras, e de onde ressalta o destaque dado
à música portuguesa. Esta sua actividade foi distinguida desde muito cedo
com diversos prémios internacionais de grande prestígio, designadamente o
Grand Prix National du Disque da Académie du Disque Français (1967), o Grand
Prix da Académie Nationale du Disque Lyrique (1969, 1975), o Grand Prix International
du Disque da Académie Charles Cros (1972, 1974, 1980), o Laser d’Or
da Académie du Disque Français (1988), o Prix Berlioz da Académie National
du Disque Lyrique (1989), o Classique d’Or da Radiotelevisão do Luxemburgo
(1990) e o Orphée d’Or (1991).
Entre os últimos projectos discográficos destaca-se o trabalho para a Deutsche
Grammophon com o violoncelista Jian Wang (Concertos para Violoncelo e
Orquestra de Haydn), em que a Orquestra Gulbenkian foi dirigida pelo maestro
Muhai Tang (1999), o registo com obras de Vianna da Motta para a Hyperion,
com o pianista Artur Pizarro e o maestro Martyn Brabbins (2000) e a colaboração
com a guitarrista Sharon Isbin na gravação de dois concertos para guitarra e
orquestra dos compositores Christopher Rouse e Tan Dun, de novo sob a direcção
de Muhai Tang (2001), para a Teldec. Relativamente a este último registo,
de sublinhar a atribuição, em 2002, de dois importantes prémios internacionais,
um Grammy, na categoria de “Melhor Composição Contemporânea” (Concerto
de Gaudí, de Rouse), e o Echo Klassik, na categoria de “Melhor Gravação”.
Já em 2004 foram editados pela Oehm os dois concertos para viola de Franz
Anton Hoffmeister que a Orquestra Gulbenkian havia registado em colaboração
com o violetista Ashan Pillai e sob a direcção do maestro Christopher
Hogwood.
Em 2007, foi editada pela Naïf a gravação dos primeiros concertos para piano
de Liszt, Chostakovitch e Prokofiev que a Orquestra Gulbenkian, sob a direcção
do maestro Lawrence Foster, realizou com Lise de La Salle.
Desde a temporada de 2002-2003, Lawrence Foster é o responsável pela
direcção artística do agrupamento, acumulando as funções de Maestro Titular.
Claudio Scimone, que ocupou este último cargo entre 1979 e 1986, foi nomeado
em 1987 Maestro Honorário, enquanto Simone Young e Joana Carneiro
detêm os títulos de Maestrina Convidada Principal e Maestrina Convidada
desde as temporadas de 2007-2008 e 2006-2007, respectivamente.
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Orquestra Gulbenkian
Lawrence Foster Director Artístico e Maestro Titular
Claudio Scimone Maestro Honorário
Simone Young Maestrina Convidada Principal
Joana Carneiro Maestrina Convidada
Primeiros Violinos
Florian Zwiauer
Concertino Principal *
Felipe Rodriguez
1º Concertino Auxiliar
Gareguine Aroutiounian
2º Concertino Auxiliar
Bin Chao Concertino Principal
Vasco Broco
António José Miranda
António Veiga Lopes
Pedro Pacheco
Alla Javoronkova
Istvan Balazs
David Wahnon
Ana Beatriz Manzanilla
Elena Riabova
Maria Balbi
Segundos Violinos
Alexandra Mendes 1º Solista
Cecília Branco 2º Solista
Jorge Lé
Leonor Moreira
Stephanie Abson
Jorge Teixeira
Tera Shimizu
Stephan Shreiber
Maria José Laginha
Otto Pereira
Natacha Guimarães *
Violas
Barbara Friedhoff 1º Solista
Samuel Barsegian 1º Solista
Isabel Pimentel 2º Solista
Andre Cameron
Patrick Eisinger
Leonor Braga Santos
Christopher Hooley
Maia Kouznetsova
Lu Zheng
Valentin Petrov *
Violoncelos
Clélia Vital 1º Solista
Maria José Falcão 1º Solista
Teresa Portugal Núncio 2º Solista
Mary Sue Prather
Levon Mouradian
Varoujan Bartikian
Jeremy Lake
Raquel Reis
Maxim Doujak *
Contrabaixos
Alejandro Erlich-Oliva 1º Solista
Marc Ramirez 1º Solista
Manuel Rêgo 2º Solista
Marine Triolet
Maja Plüddemann *
Ricardo Tapadinhas *
Flautas
Sophie Perrier 1º Solista
Cristina Ánchel 1º Solista Auxiliar
Denise Ribera Luxton 2º Solista
Flautim
Gyongyver Martins 1º Solista *
Oboés
Pedro Ribeiro 1º Solista
Nelson Alves 1º Solista auxiliar
Alice Caplow-Sparks 2º Solista
Corne inglês
Clarinetes
Esther Georgie 1º Solista
José Maria Mosqueda 2º Solista
João Santos 2º Solista *
Fagotes
Arlindo Santos 1º Solista
Vera Dias 1º Solista auxiliar
José Coronado 2º Solista
Contrafagote
Trompas
Jonathan Luxton 1º Solista
Kenneth Best 1º Solista
Eric Murphy 2º Solista
Darcy Edmundson-Andrade
2º Solista
Trompetes
Stephen Mason 1º Solista
Sérgio Pacheco 1º Solista auxiliar
David Burt 2º Solista
Trombones
Ismael Santos 1º Solista *
Rui Fernandes 2º Solista *
Nuno Henriques 2º Solista *
Tuba
Amílcar Gameiro 1º Solista *
Timbales
Rui Sul Gomes 1º Solista
Richard Buckley 1º Solista *
Percussão
Abel Cardoso *
Nuno Simões *
Marco Fernandes *
Piano
Alexandra Simpson 1º Solista *
Natália Riabova 1º Solista *
Harpa
Carmen Cardeal 1º Solista *
Coordenador
José Manuel Edmundson-Andrade
Produção / Arquivo Musical
António Lopes Gonçalves
Américo Martins
Assistente de Produção
Sanna Nyyssölä Estagiária
* instrumentista convidado
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Próximos Concertos Maio
22
16
Yundi Li piano
sáb 19h
Grande Auditório
Fryderyk Chopin
Nocturno em Mi bemol maior, op. 9 nº 2
Mazurca em Sol sustenido menor, op. 33 nº 1
Mazurca em Dó maior, op. 33 nº 2
Mazurca em Ré maior, op. 33 nº 3
Mazurca em Si menor, op. 33 nº 4
r. schumann / F. liszt
Widmung, op. 25 nº 1 / S.566
Jian-Zhong Wang
Rosy Clouds Chasing after the Moon
Five Yunnan Folksongs
17
dom 19h
Grande Auditório
Olga Borodina meio-soprano
Dmitrii Efimov piano
Piotr ilitch tchaikovsky
As estrelas olhavam para nós com ternura, op.
60 Nº 12
Apenas aquele que adivinha, op. 6 Nº 6
Porquê?, op. 6 Nº 5
Aconteceu na Primavera, op. 38 Nº 2
Noites de delírio, op. 60 Nº 6
O primeiro encontro, op. 63 Nº 4
Canção de embalar, op. 16 Nº 1
Serenata, op. 65 Nº 3
O sol desapareceu no horizonte, op. 73 Nº 4
Sozinho outra vez, op. 73 Nº 6
sergei rachmaninov
Manhã!, op. 4 Nº 2
Bela como a flor, op. 8 Nº 2
21
qui 21h
Grande Auditório
Orquestra Gulbenkian
Lawrence Foster maestro
Alexei Volodin piano
Ciclo Beethoven III
ludwig van beethoven
Concerto para Piano e Orquestra Nº 2,
em Si bemol maior, op. 19
Sinfonia Nº 4, em Si bemol maior, op. 60
Concerto para Piano e Orquestra Nº 3,
em Dó menor, op. 37
Orquestra Gulbenkian
Modest Mussorgsky
Quadros de uma exposição
CiClO de CantO
Olga Borodina
Sonho, op. 8 Nº 5
No silencioso mistério da noite, op. 4 Nº 3
O nenúfar, op. 8 Nº 1
Estou bem aqui, op. 21 Nº 7
Ele é tão bela como meio-dia, op. 14 Nº 9
Lilases, op. 21 Nº 5
Espero por ti, op. 14 Nº 1
Orquestra Gulbenkian
Lawrence Foster Alexei Volodin
Yundi Li

A qualidade dos concertos pode ser grandemente
prejudicada por ruídos que perturbem a concentração
dos músicos e afectem a audição musical.
Se tiver necessidade de tossir, procure fazê-lo num
momento de maior intensidade sonora, evitando os
intervalos entre andamentos de obras, em que qualquer
ruído mais facilmente perturbará a concentração dos
artistas. Faça-o tentando abafar o som com um lenço
ou com a mão.
Não é permitido tirar fotografias nem fazer gravações
sonoras ou filmagens durante os concertos.
Desligue o alarme do seu relógio ou telemóvel antes
do início dos concertos.
Por indicação da Inspecção Geral das Actividades
Culturais e nos termos do Decreto-Lei n.º 315/95 de 28
de Novembro, nos Concertos de Música Clássica é proibida
a entrada, durante a actuação, para quaisquer lugares.
Programas e elencos sujeitos a alteração sem aviso prévio.
serviços centrais
coordenador da área
de espectáculos
Otelo Lapa
directores de cena
Helena Simões
Jorge Freire
direcção de cena
Diogo Figueiredo
ficha editorial
coordenação
Miguel Ângelo Ribeiro
design e fotografia
de capa
© Dasein 2008
www.dasein.pt
impressão e acabamento
www.textype.pt
tiragem 800
preço € 2,5
lisboa, maio 2009
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