O bondinho que é ícone de uma cidade - Casa Do Brasil

Cantos com encanto
O bondinho que é ícone de uma cidade
E
m 1912, a inauguração de um caminho
aéreo no Rio de Janeiro era, por fim, a
materialização de uma ideia concebida
4 anos antes pelo engenheiro brasileiro
Augusto Ferreira Ramos, que se tornaria
mundialmente famoso: o bondinho do Pão de
Açúcar.
Marca registrada da Cidade Maravilhosa, o
morro do Pão de Açúcar é uma montanha
despida de vegetação em sua quase
totalidade. É um bloco único de uma rocha
proveniente do granito, que sofreu alteração
por pressão e temperatura, possui idade
superior a 600 milhões de anos e
é circundado por uma vegetação
característica do clima tropical,
especificamente um resquício de Mata
Atlântica com espécies nativas que em outros
pontos da vegetação litorânea brasileira já
foram extintas.
Há várias versões históricas a respeito da
origem do nome Pão de Açúcar. Segundo o
historiador Vieira Fazenda, foram os
portugueses que deram esse nome, pois
durante o apogeu do cultivo da cana-deaçúcar
no Brasil (séculos XVI e XVII), após a
cana ser espremida e o caldo fervido e
apurado, os blocos de açúcar eram colocados
em uma forma de barro cônica para
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transportá-lo para a Europa, que era
denominada pão de açúcar. A semelhança do
penhasco carioca com aquela forma de barro
teria originado o nome. O penedo teve ao
correr do tempo, cronologicamente, os
seguintes nomes: “Pau-nh-açuquã” da língua
Tupi, dado pelos Tamoios, os primitivos
habitantes da Baía de Guanabara,
significando “morro alto, isolado e pontudo”;
“Pot de beurre” dado pelos franceses
invasores da primeira leva; “Pão de Sucar”
dado pelos primeiros colonizadores
portugueses; “Pot de Sucre” dado pelos
franceses invasores da segunda leva.
O nome Pão de Açúcar se generalizou a partir
da segunda metade do século XIX, quando o
Rio de Janeiro recebeu as missões artísticas
do desenhista e pintor alemão Johann Moritz
Rugendas e do artista gráfico francês Jean
Baptiste Debret que, em magníficos
desenhos e gravuras, exaltaram a beleza do
Pão de Açúcar. Por sua forma de ogiva,
localização privilegiada, presença na história
da cidade e original acesso ao seu cume, o
Pão de Açúcar é um marco natural, histórico
e turístico da cidade do Rio de Janeiro.
Marco natural, porque seu pico está na
entrada da Baía de Guanabara, sendo
referência visual para os navegadores que,
do mar ou do ar, o procuram por estar
localizado na periferia da cidade.
Marco histórico, porque aos seus pés, Estácio
de Sá, em 1º de março de 1565, fundou a
Cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro.
Estácio de Sá chegou ao Rio de Janeiro em
28 de fevereiro de 1565 e no dia 1º de março
lançou os fundamentos da cidade, entre os
morros Cara de Cão e Pão de Açúcar, por ser
local de mais fácil defesa. O local permitia,
não só a observação de qualquer movimento
de entrada e saída de embarcações da baía,
como facultava a visão interna de todos os
possíveis invasores.
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Marco turístico, porque a inauguração do
teleférico do Pão de Açúcar em 1912,
projetou o nome do Brasil no exterior. O
teleférico do Pão de Açúcar foi o terceiro a ser
construído no mundo e o primeiro em
perímetro urbano, alavancando o
desenvolvimento do turismo nacional.
O primeiro “camarote carril” transportava 17
passageiros, seu interior era forrado e tinha
bancos, que com o tempo foram retirados,
alterando a sua capacidade para 24 pessoas.
Outros materiais foram trocados, mas a
cabine manteve o formato por 60 anos. Pela
semelhança com os bondes que circulavam
pela cidade, o povo apelidou a nova atração
de “bondinho”.
Na década de 1970 foram duplicadas as
linhas em cada trecho. Cada estação
consumiu, em média, mil metros cúbicos de
concreto, equivalente à construção de um
edifício de dez andares, e foram encravadas
na rocha dos morros por cerca de 300
chumbadores. O novo sistema começou a
funcionar no dia 29 de outubro de 1972, com
dois bondinhos em cada linha, circulando em
vai-vem (jig-back) e aumentando a
capacidade de transporte do teleférico de
115 para 1.360 passageiros por hora.
Os bondinhos rolam ao longo de dois cabostrilho
de aço, fixos nas estações, com 50 mm
de diâmetro cada, constituídos por 92 fios de
aço enrolados. As estações motrizes estão
situadas no Morro da Urca e todo sistema é
movido a eletricidade. Diariamente os cabos
são lubrificados.
O bondinho sai de 20 em 20 minutos, e é o
único no mundo com as faces laterais
totalmente transparentes devido ao acrílico
utilizado, "plexi glass", de tecnologia de
aviação.
A velocidade é regulável, chegando a 6
metros/segundo no primeiro percurso -Praia
Vermelha/Morro da Urca, a 220 m de altura-
e a 10 m/s no trajeto entre os altos do Morro
da Urca/Pão de Açúcar, a 396 m de altura,
percorrendo-se cada estágio em apenas 3
minutos.
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O desenho dos bondinhos, medindo 5,40 x 3
m, em forma de bolha ou diamante, com
estrutura em duralumínio, é exclusivo do Pão
de Açúcar. O percurso é todo programado e
controlado por equipamento eletrônico, que
faz a aceleração e desaceleração do carro.
Dois painéis indicam a localização exata dos
bondinhos em caso de neblina e revelam
qualquer defeito que esteja ocorrendo. O
dispositivo de controle eletrônico do sistema
impede que o carro dê partida se ocorrer
qualquer alteração em um dos seus 47 itens
de segurança, como por exemplo, vento
acima do limite permitido (65 km/h).
O passeio tem como cenário 360º de
paisagens deslumbrantes, tais como: as
praias do Leme, Copacabana, Ipanema,
Flamengo, Leblon; Pedra da Gávea, o
imponente maciço da Tijuca e o Corcovado,
com a imagem do Cristo Redentor; Baía da
Guanabara, com a enseada de Botafogo;
centro da Cidade; Aeroporto Santos Dumont;
Ilha do Governador; Niterói; Ponte Rio- Niterói;
e, ao fundo a Serra do Mar, com o pico "Dedo
de Deus".
Pois é, o Pão de Açúcar é um dos mais
famosos cartões postais do Brasil e uma das
sete maravilhas do Rio. E, nos seus primeiros
cem anos, o bondinho permitiu que cerca de
40 milhões de pessoas botassem o pé nele.

Ao pé da letra
Detalhes
Menos rebeldia e mais romantismo,
essa seria a tendência
gradativamente adotada no
repertório de Roberto Carlos a partir do final
da Jovem Guarda. Tal tendência já se mostra
bem acentuada no seu elepê de 1971,
quando o cantor aos 30 anos, casado e pai
de família, procura conquistar um novo
público, digamos, mais amadurecido. E o faz
por meio de canções como “Detalhes”, uma
das melhores de sua parceria com Erasmo
Carlos.
Em seis partes cantadas sobre uma mesma
melodia, a composição trata das confissões
de um nostálgico personagem, que relembra
um antigo amor, ao mesmo tempo em que dá
conselhos à ex-amada. Em tom de dor-decotovelo,
o cantor inaugura assim uma volta
às músicas românticas que faziam sucesso
nas décadas de 1940, com Nelson Gonçalves
e Lúcio Alves, e de 1950, com Cauby Peixoto,
Dolores Duran, Ângela Maria e Maysa. Nesse
período e com músicas como essa, o Rei se
transformou no artista mais popular do Brasil
em todos os tempos.
Não adianta nem tentar me esquecer
durante muito tempo em sua vida
eu vou viver...
detalhes tão pequenos de nós dois
são coisas muito grandes prá esquecer
e a toda hora vão estar presentes
você vai ver...
Se um outro cabeludo aparecer na sua rua
e isto lhe trouxer saudades minhas
a culpa é sua...
o ronco barulhento do seu carro
a velha calça desbotada ou coisa assim
imediatamente você vai lembrar de mim...
Eu sei que um outro deve estar falando
ao seu ouvido
palavras de amor como eu falei
mas eu duvido
duvido que ele tenha tanto amor
e até os erros do meu português ruim
e nessa hora você vai lembrar de mim...
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A noite envolvida no silêncio do seu quarto
antes de dormir você procura o meu retrato
mas da moldura não sou eu quem lhe sorri
mas você vê o meu sorriso mesmo assim
e tudo isso vai fazer você lembrar de mim...
Se alguém tocar seu corpo como eu
não diga nada
não vá dizer meu nome sem querer
a pessoa errada...
pensando ter amor nesse momento
desesperada você tenta até o fim
e até nesse momento você vai lembrar de mim...
Eu sei que esses detalhes vão sumir na longa
estrada
do tempo que transforma todo amor em quase
nada
mas "quase" também é mais um detalhe
um grande amor não vai morrer assim
por isso de vez em quando você vai
Vai lembrar de mim...
Não adianta nem tentar me esquecer
durante muito muito tempo em sua vida
eu vou viver
não, não adianta nem tentar me esquecer...
Discos onde ouvir
Roberto Carlos – Roberto Carlos (1971)
Cauby Peixoto – Superstar (1972)
Emílio Santiago – Aquarela brasileira 6 (1993)
Maria Bethânia – Ao vivo (1995)
Erasmo Carlos – É preciso saber viver (1996)

Telinhas e telonas
Os encantos do cordel
U
ma nova telenovela brasileira chega as
telinhas uruguaias. Trata-se de “Cordel
Encantado” (segunda a sexta-feira, 18
horas, canal 12), uma fábula sobre
dois universos distintos, que inspiraram esta
história: os contos de fadas e as lendas
heróicas do sertão brasileiro. De um lado,
uma nova leitura dos contos da Bela
Adormecida, Cinderela, Rapunzel e Branca de
Neve, tantas vezes recontados com sucesso
no cinema e na literatura. Do outro, a
incursão no mito do herói sertanejo, tendo
como base a figura do "cangaceiro gentilhomem"
que, ao contrário de um matador
cruel representa, nas palavras de Câmara
Cascudo, "o nosso bandoleiro romântico,
espécie matuta de Robin Hood... defensor
dos fracos, dos velhos oprimidos, das moças
ultrajadas, das crianças agredidas."
A união desses imaginários será
representada pelo romance de Açucena
(Bianca Bin), uma cabocla brejeira criada por
lavradores no nordeste do Brasil, sem saber
que é a princesa de uma casta real européia,
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e Jesuíno (Cauã Reymond), um jovem
sertanejo, que fica proscrito ao ser
identificado como o filho legítimo do
cangaceiro mais temido e respeitado da
região. Quando a família real vem da Europa,
em busca da herdeira do trono, o amor dos
dois ficará ameaçado.
O contraste entre a pompa da nobreza
européia e o arcaísmo do sertão nordestino
nas décadas de 1910 a 1930, dá ensejo a
grandes embates, amores românticos,
situações de humor e intrigas palacianas.
Para incrementar o caráter fantasioso e
aventureiro, a história se inicia com uma
expedição da família real ao Brasil, em busca
de um tesouro escondido pelo fundador do
reino de Seráfia, Dom Serafim -inspirada na
famosa expedição científica do ex-presidente
americano, Theodore Roosevelt, e do
Marechal Rondon à selva amazônica em
1914-. A busca pelo tesouro recomeçou 20
anos depois, acirrando a disputa entre as
várias facções de poder na fictícia Brogodó.

“Cordel Encantado” cita de Guimarães Rosa e
Graciliano Ramos a Jorge Amado, João Cabral
de Melo Neto e Ariano Suassuna, autores que
se encontram com os contos de fadas e os
"tesouros da juventude", como “Os Três
Mosqueteiros” e “O Homem da Máscara de
Ferro”.
Algumas referências literárias e históricas em
personagens de Cordel Encantado:
- Herdeiro do rei do cangaço, Jesuíno é um
justiceiro proscrito tal qual Robin Hood.
- Setembrino (Glicério Rosário) conquista um
amor por causa dos versos que assina com
pseudônimo, como fez Cyrano de Bergerac,
personagem da peça de Edmond Rostand.
- A chegada dos monarcas de Seráfia a
Brogodó é uma clara alusão à vinda da
Família Real Portuguesa ao Brasil, em 1808,
de modo que um paralelo pode ser traçado
entre a figura do Rei Augusto (Carmo Dalla
Vecchia) e D. Pedro I.
- O cangaceiro Herculano (Domingos
Montagner) e o profeta Miguézim (Matheus
Nachtergaele) remetem aos próprios Lampião
e Antonio Conselheiro.
- A destemida jornalista Penélope (Paula
Burlamaqui) e seu empenho por uma
reportagem sobre Herculano, é uma
referência ao fotógrafo Benjamim Abrahão
Botto, que registrou imagens de Lampião nos
anos de 1920.
- O Príncipe Felipe (Jayme Matarazzo) e a
Princesa Aurora -não por acaso- têm os
mesmos nomes dos príncipes de “A Bela
Adormecida”. E não falta à princesa o direito
ao sono profundo do conto de fadas.
- Ao achar que Jesuíno está morto, Açucena
toma uma poção não se importando se
morresse junto com ele, o que faz lembrar
Romeu e Julieta.
- A triste Antônia (Luísa Valdetaro), donzela
mantida presa em seu quarto, lembra
Rapunzel na torre. Só faltam os longos
cabelos.
- Maria Cesária (Lucy Ramos), por um
momento, lembra Cinderela.
- O Duque Petrus (Felipe Camargo),
desaparecido e dado como morto, na
verdade é vítima de uma intriga real e preso a
uma máscara de ferro para que não fosse
reconhecido -como o personagem de
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Alexandre Dumas em seu clássico romance-.
- Mais tarde, este homem da máscara de
ferro vai se refugiar nas coxias do cinema de
Brogodó, pois era tido com uma figura
misteriosa, quase um fantasma -uma alusão
ao “Fantasma da Ópera”-.
- Assim como na história original, ele
desperta o amor de uma bela mulher,
sensibilizada pela sua figura horrenda e
inofensiva, o que não deixa de ser uma
referência à outra obra: “A Bela e a Fera”.
- Doralice (Nathália Dill) chega a se disfarçar
de homem para ingressar no bando de
justiceiros chefiados por Jesuíno. Em tudo -
inclusive na caracterização- lembra Diadorim,
personagem de Guimarães Rosa em “Grande
Sertão: Veredas”. Mas Doralice, como no mito
da heroína guerreira, também remetia às
figuras de Joana D'Arc e Anita Garibaldi.
Uma super-produção com estética
cinematográfica, “Cordel Encantado” foi a
primeira novela gravada em 24 quadros,
tecnologia na qual a câmera tira 24 fotos por
segundo, como nas filmagens de cinema -em
geral as novelas são gravadas a 30 quadros
por segundo-.
Com gravações na França e em Sergipe,
“Cordel Encantado” teve no Projac (Rio de
Janeiro) uma cidade cenográfica de 22 mil
metros quadrados, criada pelo arquiteto João
Irênio. Ela era composta pelos fictícios
municípios nordestinos de Brogodó e Vila
Cruz.
A produção de arte trouxe uma riquíssima
coleção de objetos para enfeitar as cenas.
Desde as toalhas de fuxico de Brogodó até as
luxuosas mantas em tons vermelho, vinho e
dourado de Seráfia, que deram o toque
especial da produtora de arte Ana Maria
Magalhães e equipe. "Cordel teve uma
licença poética que contribuiu muito para que
a gente se sentisse à vontade para brincar.
Nós fizemos uma brincadeira entre os
elementos dos anos 10, 20 e 30 e colocamos
na novela", contou ela.
Destaque para a presença no elenco do
diretor teatral José Celso Martinez Corrêa,
que nunca havia atuado em uma telenovela.

Presentes
Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, 28
de outubro no Teatro Solis
E
m seu quinto ano de vida, a Orquestra
Filarmônica de Minas Gerais se orgulha
de já estar entre as melhores
orquestras do Brasil. Criada para tornar-se
um grupo de excelência artística, a Orquestra,
em sua programação, apresenta ao público
obras essenciais do repertório sinfônico e
produções contemporâneas. Neste curto
tempo, a Orquestra foi reconhecida com dois
importantes prêmios brasileiros: seu diretor
artístico e regente titular, maestro Fabio
Mechetti (foto), recebeu o Prêmio Carlos
Gomes 2009 como Melhor Regente
Brasileiro; e a Orquestra foi eleita o melhor
grupo musical erudito de 2010 pela
Associação Paulista de Críticos de Artes
(APCA).
Desde sua criação, a Filarmônica de Minas
Gerais visitou 18 cidades brasileiras e 49
cidades mineiras. Em 2012 a Orquestra
continua com suas apresentações regulares
no Palácio das Artes, em Belo Horizonte,
turnês, Concertos para a Juventude,
Clássicos no Parque e Concertos Didáticos.
Também se apresenta nos principais eventos
de música clássica do Brasil, como o Festival
Internacional de Inverno de Campos do
Jordão (SP) e Festival Internacional de
Música Colonial Brasileira e Música Antiga de
Juiz de Fora (MG). Em outubro, a Filarmônica
de Minas Gerais realizou sua primeira turnê
internacional com cinco concertos no Chile,
Argentina e Uruguai.
# 11 – novembro 2012
Arthur Moreira Lima, 5 de novembro no
Auditorio Nacional Adela Reta del Sodre
Nascido no Rio de Janeiro, Moreira Lima
começou a estudar piano aos seis anos, e já
aos nove tocava um concerto de Mozart com
a Orquestra Sinfônica Brasileira. Projetou-se
internacionalmente no Concurso Chopin de
Varsóvia e, desde então, ele tem gravado e
feito turnês solo ou com grandes orquestras
em todos os continentes, lotando as
principais salas de concertos do mundo.
No repertório: Bach, Beethoven, Mozart,
Tchaikovsky, Liszt, Gnattali, Villa-Lobos,
Pixinguinha, Piazzolla. A crítica mundial o
considera extraordinário intérprete e não tem
poupado elogios à beleza da sua sonoridade
e ao seu grande virtuosismo.
Tocar Chopin e Mozart em praça pública, em
praia ou numa favela com a mesma
dedicação com a qual enfrenta as platéias
mais exigentes e sisudas do mundo tocando
Nazareth e Pixinguinha é, para Moreira Lima,
uma questão de princípio. Na busca da
democratização da música, Arthur criou “Um
Piano pela Estrada”, um projeto de inclusão
social e musical que leva a grande música de
concerto aos mais diversos públicos. Com
seu Caminhão Teatro (foto), que transforma o
baú carroceria em palco em apenas uma
hora, com 45 m² de área de cena, Moreira
Lima já realizou desde 2002, mais de 400
apresentações, levando sua arte a quase um
milhão de pessoas, em cerca de 180.000 km
de percurso por todos os cantos do Brasil.

Estilos musicais
Rock Brasil – 1983-1986
E
m 1983, o rock não era mais um
estranho no ninho da música brasileira,
conquistando generosos espaços na
imprensa e levando as gravadoras a perder
seu medo de contratar bandas. A gravação de
Ney Matogrosso para “Pro Dia Nascer Feliz”
apresentaria ao país o Barão Vermelho e sua
promissora dupla de compositores: Roberto
Frejat e Cazuza. O LP “Rock Voador” revelou o
Kid Abelha e Suas Abóboras Selvagens e o
guitarrista de blues-rock Celso Blues Boy.
Uma das bandas que tinha sua fita demo
executadas na Rádio Fluminense, o
Paralamas do Sucesso, gravou seu primeiro
LP, “Patrulha Noturna”. Mas quem
arrebentaria a boca do balão naquele ano
seria um outro ex-Vímana: o inglês Richard
Court, o Ritchie. Sua música, “Menina
Veneno”, um elegante tecnopop puxado por
modernos teclados, vendeu mais de 800 mil
cópias, um sucesso para o Rock Brasil, que
conquistava o respeito comercial e gerava,
como contrapeso, uma série de produtos
descartáveis, como o Absyntho (“Ursinho
Blau Blau”), Grafite (“Mamma Maria”) e Bom
Bom (“Vamos A La Playa”).
Fenômeno até então predominantemente
carioca, o rock começa a fervilhar também
em São Paulo, que sacudida
simultaneamente pelos punks e pelo
movimento de vanguarda musical (de Arrigo
Barnabé, Itamar Assumpção, Rumo,
Premeditando o Breque e Língua de Trapo),
revelou os Titãs (ex-Titãs do Iê-Iê), um octeto
com aproximação new wave-tropicalista do
rock. Era a ponta-de-lança de um rock
paulistano, de nomes como o Magazine, o
pós-punk Ira! e o irreverente Ultraje a Rigor.
Gravado num estúdio de jingles, o primeiro e
homônimo LP dos Titãs, com as músicas
“Sonífera Ilha”, “Marvin” e “Go Back” (música
sobre poema do tropicalista Torquato Neto)
saiu em 1984, um ano repleto de grandes
lançamentos do Rock Brasil. A começar por
“Seu Espião”, estréia do Kid Abelha (da
vocalista e sex symbol Paula Toller), que
vendeu mais de 150 mil cópias, e “O Passo
# 11 – novembro 2012
do Lui”, segundo dos Paralamas do Sucesso.
Paralamas e Kid surfaram a crista das ondas
de rádio naquele ano, que ainda teve discos
como “Tudo Azul” (Lulu Santos), “Ronaldo Foi
Pra Guerra” (Lobão e Os Ronaldos), “Maior
Abandonado” (último disco do Barão
Vermelho com Cazuza) e “Phodas C” (Léo
Jaime). As bandas e artistas cada vez mais se
tornavam íntimos dos programas televisivos
de auditório. Ao mesmo tempo, o cinema
detectava o fenômeno do Rock Brasil com o
filme “Bete Balanço”, de Lael Rodrigues, com
música tema do Barão Vermelho.
Se o Rock Brasil passava uma imagem
romântica e idealista, tudo iria mudar a partir
de janeiro de 1985, graças a um
acontecimento crucial: o Rock In Rio, 10 dias
de som e luz num terreno de 300 mil metros
quadrados na Barra da Tijuca, no que acabou
por ser o maior concerto de rock de todos os
tempos, com um público estimado em um
milhão e meio de pessoas. Ao lado de 14 dos
mais importantes astros internacionais da
época (Queen, Iron Maiden, Rod Stewart,
Ozzy Osbourne, AC/DC, Yes, Scorpions, entre
outros), estavam valorosos veteranos da MPB
e a nova rapaziada: Blitz, Barão Vermelho,
Lulu Santos, Paralamas e Kid Abelha.
No maior palco de suas iniciantes carreiras,
as bandas não titubearam. O resultado foi
que o rock entrou na ordem do dia (para a
mídia e as gravadoras), o Brasil na rota das
turnês das bandas internacionais e os
roqueiros locais tiveram noções de
profissionalismo e de espetáculo muito úteis
para quando fossem percorrer o país com
seus shows. Auto-estima em alta, a juventude
que viu as novas bandas brasileiras fazerem
bonito ao lado dos ídolos estrangeiros, ainda
presenciou, em meio ao festival, a eleição de
Tancredo Neves como o primeiro presidente
civil no Brasil desde o golpe militar de 1964.
Findava uma era.
O Rock Brasil que emergiu em 1985 se
apresentou ousado, contestador,

multifacetado e geograficamente disperso.
De São Paulo vieram dois dos maiores êxitos
comerciais do ano. Um deles, o álbum “Nós
Vamos Invadir Sua Praia”, do Ultraje a Rigor.
O outro nome foi o RPM, que, embalado pelo
estouro da música “Louras Geladas”, lançou
seu LP de estréia “Revoluções Por Minuto”. A
banda liderada pelo vocalista e baixista Paulo
Ricardo (o primeiro sex symbol masculino do
Rock Brasil dos 80) resolveu partir para uma
superprodução: o show “Rádio Pirata”,
dirigido por Ney Matogrosso. Nunca se havia
visto algo como aquilo no Brasil: efeitos de
raio laser, gelo seco, sofisticado equipamento
de som e a explosão de sensualidade de
Paulo Ricardo. O show correu o Brasil,
aumentando brutalmente a popularidade do
grupo, que se viu forçado pela gravadora a
embarcar num disco ao vivo, com a versão de
“London, London” (Caetano Veloso) que já
começava a ser tocada nas rádios. Lançado
em 1986, “Rádio Pirata Ao Vivo” se tornou o
recordista de vendas –de qualquer gênero–
no Brasil: 2,2 milhões de cópias. Em pouco
tempo, vergado pela pressão de ser uma
sensação nacional, pelas disputas internas e
pelo abuso no consumo de drogas, o RPM
ainda gravou mais um LP (“RPM”, 1987, de
vendagem decepcionante em relação ao do
disco anterior) e acabou em 1989.
No mesmo mês do Rock in Rio, Legião
Urbana apresentava ao país a poética de
Renato Russo (oriundo da banda punk Aborto
Elétrico), em letras nas quais a realidade dos
"Filhos da Revolução" (termo empregado na
música “Geração Coca-Cola”), estava
expressa em seus anseios, medos e
reivindicações. A Legião era a primeira das
bandas de Brasília influenciadas pelo punk
rock, que viriam tomar de assalto a mídia;
outras como Capital Inicial, Plebe Rude, Finis
Africae e Detrito Federal logo chegariam.
Também de origem punk e deslocada do eixo
Rio-São Paulo, apareceria o Camisa de
Vênus, cáustica turma de baianos liderada
pelo vocalista Marcelo Nova, que depois de
um LP sem grande repercussão, eles
estourariam com “Eu Não Matei Joana D’Arc”.
Em São Paulo, os ecos do punk seriam
responsáveis por uma outra banda de
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relevância a vir à luz em 1985, com o disco
de estréia “Mudança de Comportamento”: o
Ira!, do guitarrista Edgard Scandurra e o
vocalista Nasi. Enquanto isso, o underground
paulista fervilhava, com bandas que
investiram em trabalhos inspirados no poprock
inglês de vanguarda e podiam ser
encontrados mais nas páginas de jornais e
revistas que nas rádios: Chance e Ness,
Mercenárias e Smack, Fellini e Voluntários da
Pátria. O selo independente Baratos Afins
lançava os discos de toda essa rapaziada,
antecipando em pelo menos dez anos a
realidade dos pequenos selos que ajudaram
a fazer do rock alternativo um fenômeno. Em
contraponto, o Rio de Janeiro ficava famoso
com os álbuns “Sessão da Tarde”, de Léo
Jaime, “Educação Sentimental” de Kid Abelha
e o ex-Barão Vermelho, Cazuza, com o seu
primeiro álbum solo, “Exagerado”.
1986 foi um ano de consolidação artística e
fartura de lançamentos: a explosão de
consumo proporcionada pelo Plano Cruzado
fez a festa das gravadoras, que começaram a
contratar qualquer banda que cheirasse a
rock. Uma coletânea –“Rock Grande do Sul”,
só de bandas de Porto Alegre– revelou os
Engenheiros do Hawaii, que no mesmo ano
lançariam o seu primeiro LP, ironicamente
intitulado “Longe Demais das Capitais”. Na
mesma coletânea estava a banda de
inspiração punk-hardcore Replicantes.
Também estrearam naquele ano em álbum
os cariocas do Biquini Cavadão (“Cidades em
Torrente”), a Plebe Rude (“O Concreto Já
Rachou”), o Capital Inicial (“Capital Inicial”) e
os Inocentes (com “Pânico em SP”, primeiro
disco do punk brasileiro a ser lançado por
uma grande gravadora).
Três, porém, seriam os discos do Rock Brasil
a arrebatar a atenção de público e crítica por
sua força e novidade. Com “Selvagem”, os
Paralamas do Sucesso fizeram uma
ambiciosa conexão Brasil-Jamaica-Inglaterra-
África via música negra. Já em “Dois”, a
Legião Urbana se revelou mais lírica e
acústica. Por fim, com “Cabeça Dinossauro”,
os Titãs deram sua guinada punk, num lance
que parecia arriscado, mas que lhes garantiu
credibilidade roqueira e retorno comercial.