o livreto “Leituras de Cinema” - Uesb

LEITURAS
DE CINEMA
Filmes para o Vestibular Uesb 2011

Apresentação..............................................................pág.04
Filmes Exibidos........................................................... pág.05
Leituras ..................................................................... pág.09
Linha de Passe.............................................................pág.10
A Onda.........................................................................pág.22
Pro Dia Nascer Feliz.....................................................pág.29
Créditos.......................................................................pág.39
ÍNDICE

APRESENTAÇÃO
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Em 2004, o vestibular da Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia teve,
como uma novidade, questões sobre obras cinematográficas. A proposta foi
feita pelo programa Janela Indiscreta Cine-Vídeo Uesb, abraçada pela Pró-
Reitoria de Graduação e pela Comissão Permanente do Vestibular, que
organizam o processo seletivo, e apoiada pela Pró-Reitoria de Extensão. E,
incluindo a seleção e sugestão dos filmes, surgiu o projeto “Cinema: Eis a
Questão – O Janela Indiscreta no Vestibular”, que promove, desde então,
sessões comentadas das obras, nas três cidades-sedes da universidade, Vitória
da Conquista, Jequié e Itapetinga.
A cada ano, são três filmes, criteriosamente escolhidos no rol da produção
cinematográfica nacional e internacional, observando-se as críticas, a
relevância dos temas abordados, a qualidade estética e narrativa e a
possibilidade de acesso, uma vez que as obras podem facilmente ser
encontradas em locadoras. Mas o diferencial do projeto não está na exibição
dos filmes, e sim nas diferentes leituras que são feitas, após as exibições, por
professores e/ou pesquisadores da área de cinema ou das temáticas
abordadas nas obras. Cada obra é comentada por três pessoas, que
apresentam as suas reflexões e estimulam as leituras dos vestibulandos.
A experiência tem sido extremamente exitosa. O projeto soma, este ano, 21
filmes exibidos, comentados por 63 pessoas, para um público de cerca de 22
mil vestibulandos. É gratificante chegar à sétima edição sabendo que, para
muitos, houve a possibilidade de ampliação de olhares por meio do cinema. E
também são olhares que esta publicação traz: reflexões sobre os filmes do
Vestibular Uesb 2011: “Linha de Passe”, “A Onda” e “Pro Dia Nascer Feliz”. São
distintas leituras, feitas pelos convidados para comentar os filmes nas sessões
e por outras pessoas que aceitaram, gentilmente, colaborar com a proposta.
Que esta seja mais uma oportunidade de apreender, aprender e discutir
questões da vida que nos são trazidas pela sétima arte.
Raquel Costa
Coordenadora-executiva do Programa Janela Indiscreta Cine-Vídeo Uesb

A cada ano, a equipe de trabalho do Janela Indiscreta Cine-Vídeo Uesb
seleciona, a partir de alguns critérios, dois filmes brasileiros, de
preferência uma ficção e um documentário, e um filme estrangeiro
reconhecido pela crítica e que se adeque aos propósitos do projeto.
Confira as obras exibidas e comentadas em todas as edições.
2010
Filme: "A Onda”
Direção: Dennis Gansel
Duração/Ano/País: 106 min., 2008, Alemanha
Filme: “Linha de Passe”
Direção: Walter Salles e Daniela Thomas
Duração/Ano/País: 113 min., 2008, Brasil
Filme: "Pro Dia Nascer Feliz"
Direção: João Jardim
Duração/Ano/País: 88 min., 2007, Brasil
FILMES EXIBIDOS
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FILMES EXIBIDOS
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2009
Filme: "Mutum"
Direção: Sandra Kogut
Duração/Ano/País: 95 min., 2007, Brasil
Filme: "Encontro com Milton Santos ou
O mundo global visto do lado de cá”
Direção: Sílvio Tendler
Duração/Ano/País: 87 min., 2007, Brasil
Filme: "Ensaio Sobre a Cegueira"
Direção: Fernando Meirelles
Duração/Ano/País: 120 min., 2008,
Brasil/Canadá/Japão
2008 Filme: "Zuzu Angel"
Direção: Sérgio Rezende
Duração/Ano/País: 110 min., 2006, Brasil
Filme: "Babel"
Direção: Alejandro González Iñarritu
Duração/Ano/País: 142 min., 2006, EUA
Filme: "Estamira"
Direção: Marcos Prado
Duração/Ano/País: 115 min., 2006, Brasil

2007
Filme: "Macunaíma"
Direção: Joaquim Pedro de Andrade
Duração/Ano/País: 108 min., 1969, Brasil
Filme: "Anjos do Sol"
Direção: Rudi Lagemann
Duração/Ano/País: 90 min., 2006, Brasil
Filme: "Balzac e a Costureirinha Chinesa"
Direção: Dai Sijie
Duração/Ano/País: 116 min., 2002,
China/França
2006 Filme: "A Marvada Carne"
Direção: André Klotzel
Duração/Ano/País: 77 min., 1985, Brasil
Filme: "Hotel Ruanda"
Direção: Terry George
Duração/Ano/País: 121 min., 2004,
Itália/África do Sul/Estados Unidos Unidos
Filme: "Terra em Transe"
Direção: Glauber Rocha
Duração/Ano/País: 115 min., 1967, Brasil
FILMES EXIBIDOS
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FILMES EXIBIDOS
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2005
Filme: "Deus e o Diabo na Terra do Sol"
Direção: Glauber Rocha
Duração/Ano/País: 115 min., 1964, Brasil
Filme: "Cidade de Deus"
Direção: Fernando Meirelles
Duração/Ano/País: 135 min., 2002, Brasil
Filme: "A Excêntrica Família de Antônia"
Direção: Marleen Gorris
Duração/Ano/País: 102 min., 1995,
Bélgica/Inglaterra/Holanda
2004 Filme: "Cinema Paradiso"
Direção: Giuseppe Tornatore
Duração/Ano/País: 123 min., 1988, Itália
Filme: "Abril Despedaçado"
Direção: Walter Salles
Duração/Ano/País: 95 min., 2001, Brasil
Filme: "Bicho de Sete Cabeças"
Direção: Laís Bodanzky
Duração/Ano/País: 80 min., 2000, Brasil

A leitura de filmes é uma prática cotidiana do Programa Janela Indiscreta, ao
longo de muitas e muitas sessões realizadas, numa trajetória que completa 18
anos em novembro de 2010. Com o projeto “Cinema: Eis a Questão” não
poderia ser diferente, ainda mais com um público tão especial, que são os
vestibulandos.
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Nas sessões de exibição dos filmes do Vestibular Uesb, três professores e/ou
pesquisadores da área de cinema ou das temáticas abordadas comentam
cada uma das três obras apresentadas. Esses “leitores-guias”, que refletem
sobre distintos aspectos abordados nos filmes, foram convidados também a
escrever suas leituras para esta publicação. Assim, temos a contribuição de
Adriana Camargo, Rafael Carvalho e Rogério Luiz Oliveira (“Linha de Passe”);
Tatiana Fantinatti e Veruska Anacirema da Silva (“A Onda”) e Sara Martin (“Pro
Dia Nascer Feliz”). Além deles, temos outras pessoas, que, embora não
estejam participando dos comentários nas sessões, aceitaram, gentilmente,
elaborar uma reflexão, como Macelle Khouri e Izabel de Fátima Melo (“Linha
de Passe”), Laura Bezerra (“A Onda”) e Inês Teixeira (“Pro Dia Nascer Feliz”), ou
ceder para a publicação uma crítica já escrita, como Chico Fireman e Ruy
Gardnier (“Pro Dia Nascer Feliz”).
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Que essas reflexões sejam profícuas, ao lançar diferentes olhares sobre as
obras e incentivar cada vestibulando a fazer suas próprias leituras.
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LINHA DE PASSE
Filme: “Linha de Passe”
Direção: Walter Salles e Daniela Thomas
Duração/Ano/País: 113min./2008/Brasil
Sinopse: São Paulo. Reginaldo (Kaique de Jesus Santos) é um jovem que procura
seu pai obsessivamente. Dario (Vinícius de Oliveira) sonha se tornar jogador de
futebol, mas, aos 18 anos, vê a ideia cada vez mais distante. Dinho (José Geraldo
Rodrigues) dedica-se à religião. Dênis (João Baldasserini) enfrenta dificuldades
em se manter, sendo também pai involuntário de um menino. Os quatro são
irmãos, tendo sido criados por Cleuza (Sandra Corveloni), sua mãe, que
trabalha como empregada doméstica e está mais uma vez grávida, de pai
desconhecido. Eles precisam lidar com as transformações religiosas pelas quais
o Brasil passa, assim como a inserção no meio do futebol e a ausência de uma
figura paterna.
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Prêmios: Sandra Corveloni ganhou o prêmio de Melhor Atriz no Festival de
Cannes.
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Elenco: Vinícius de Oliveira (Dario), João Baldasserini (Dênis), José Geraldo
Rodrigues (Dinho), Kaique de Jesus Santos (Reginaldo), Sandra Corveloni
(Cleuza).
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Pelo meio do caminho
Rafael Carvalho*
Uma mulher grávida e seus quatro filhos, na periferia de São Paulo. Através desse
núcleo familiar, os diretores Walter Salles e Daniela Thomas realizam um filme de
grande observação, marcado pela individualidade, apesar de os personagens
possuírem uma grande proximidade entre si. O filme se constrói pela soma das
partes para alcançar um todo maior ainda.
Num primeiro momento, pode incomodar a forma como a história de cada um se
entrecruza, sem uma ligação direta, quase como blocos narrativos separados.
Mas cada trajetória ganha consistência à medida que eles se fortalecem na tela
como personagens principais (e são cinco). Embora Cleuza, como mãe, seja o
centro da família, cada qual possui seus próprios dilemas e um núcleo particular
onde se apresenta um conflito narrativo distinto. O filme se equilibra pela
consistência de cada segmento e consegue sustentá-los todos muito bem.
Nesse estudo de personagens, nota-se como todos eles são pessoas falhas e, por
isso mesmo, mais complexas e interessantes. A mãe, grávida, surge várias vezes
com um cigarro na mão e solta palavrões o tempo todo, principalmente contra os
próprios filhos, que apanham dela, embora também recebam o carinho materno
no momento certo. Para ser admitido em algum clube, Dario falsifica a carteira de
identidade, a fim de parecer mais novo. Dênis, na malandragem, passa a roubar
os motoristas dos carros que ficam parados no sinal. Mas, mesmo assim, não há
julgamento dos personagens por seus atos tortos. E o filme transmite um carinho
tão grande por eles que talvez nem o espectador se sinta tentado a condená-los.
Ao mesmo tempo, o filme foge da ideia tão comum no cinema contemporâneo de
lidar com uma família disfuncional. Os problemas dos personagens não se
encontram entre si, mas consigo mesmos. Não estamos diante de um núcleo
familiar em pedaços. Eles brigam muito, é evidente, mas a grande força do filme é
traçar a trajetória de cada um, acentuando acertos e erros no percurso que eles
precisam seguir. Talvez por isso, uma fotografia escura e pesada muitas vezes põe
os personagens na penumbra total, deixando transparecer somente suas
silhuetas, fortalecendo a ideia de pessoas rodeadas por dificuldades. Mas elas
persistem, tendo na família um ponto de apoio, a base de sustentação nessa
“caminhada”.
E é com esses percursos múltiplos que o filme aproveita ainda para fazer uma
espécie de investigação social, através de pequenos detalhes inseridos na
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narrativa. Daí, vislumbramos a própria questão racial como miscigenação existente
na família brasileira, a (im)possibilidade de cura e salvação através da religião, ou
então o embate entre classes sociais distintas, seja pela relação de distanciamento
entre o motoboy e os clientes para quem faz suas entregas, seja no choque entre
Cleuza e a patroa de classe alta.
No entanto, o filme faz isso de maneira bastante sutil e nunca soa forçado ou com
ares de cinema “socialmente engajado”, um mal terrível e cada vez mais presente
dentro do cinema brasileiro. Por essa perspectiva, notamos facilmente o que há de
documental no filme, como o retrato dos torcedores aflitos no estádio, as centenas
de garotos que tentam uma oportunidade para serem jogadores de futebol, a
crença dos fiéis diante da pregação na igreja. E o filme nunca julga esses grupos ou
mesmo confere maior ou menos importância a eles, como no momento em que as
mãos erguidas dos torcedores no estádio se confundem com as mãos dos fiéis na
igreja. Eles se complementam.
Além disso, a narrativa de “Linha de Passe” é toda marcada pela naturalidade com
que os atores compõem seus personagens. Ajuda muito o fato de a maioria deles
serem desconhecidos do grande público; são caras novas que trazem renovação
para o cinema brasileiro e auxiliam ainda mais nessa composição naturalista do
filme, ajudada por uma trilha sonora discreta e sem grandes interferências.
O final em aberto, a despeito de desagradar muita gente, pega os personagens em
momentos decisivos (e o grande público aprendeu, através da narrativa do cinema
clássico, a sempre ter respostas prontas e finais concretos). Mas aqui é diferente,
porque esta parece ser a tônica de todo o filme: a existência de um longo caminho
ainda a percorrer, apesar dos pesares (que são muitos).
O título do filme, num primeiro momento, evoca, no futebol, a troca de passes
entre os jogadores sem que o adversário tome a bola, nos fazendo refletir sobre a
perseverança daqueles personagens em continuar no “jogo”. Para além disso,
“linha” expressa trajetória, percurso, e, no caso dessa família, a linha parece
tortuosa e ainda bastante comprida. Os obstáculos hão de continuar pelo caminho.
Basta aos personagens andar, andar, andar...
* Rafael Carvalho é graduado em Comunicação Social – Jornalismo (Uesb) e crítico
de cinema.

Linha de Passe: caminhos e descaminhos do eu-nós
Macelle Khouri*
No futebol, a expressão linha de passe designa a passagem da bola de um jogador a
outro. É com esse sentido, passando de uma vida a outra, que Walter Salles e Daniela
Thomas costuram a complexa narrativa de “Linha de Passe”, um dos filmes mais belos e
emocionantes do cinema brasileiro.
O longa nos apresenta o contexto da vida de quatro irmãos, que vivenciam os seus
desejos e conflitos, em meio ao cotidiano agitado e individualista da cidade de São
Paulo. Dario sonha ser jogador de futebol; Reginaldo quer conhecer o pai, que é
motorista de ônibus; Dênis, o mais velho, é motoboy e já tem um filho; e Dinho
encontra na religião a fuga para um passado cheio de problemas. À espera do quinto
membro da prole está Cleuza, uma empregada doméstica que luta sozinha para criar
os filhos e manter a união da família.
O filme é marcado pela complexidade de cada um dos seus personagens e pela sutileza
com que diversos problemas sociais são trazidos à reflexão. A ausência da paternidade
é uma dessas questões, já que os irmãos, além de não serem filhos do mesmo pai,
também não mantêm contato com eles. Nesse contexto, não é de se estranhar que
Dênis estabeleça uma relação distante com o filho pequeno, que mora com a mãe e
espera pela ajuda financeira do pai para comprar remédios, e que Dario encontre no
seu treinador a referência de apoio, incentivo e orientação.
A maternidade também encontra lugar nessa história, pois, mesmo com todas as
dificuldades, Cleuza, uma corintiana fanática, não se descuida dos filhos e procura, na
medida do possível, acompanhar as atividades deles. Sabe ser dura e até agredir, mas
consegue também dá um abraço carinhoso, uma palavra de incentivo. Já Dona Estela, a
sua patroa, que aparentemente também não é casada, não parece se preocupar muito
com o filho adolescente, que vive nas baladas com os amigos e se envolve com drogas.
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De maneira sutil, os diretores vão trazendo o universo conflituoso de cada um dos
irmãos, por meio de planos que destacam as expressões faciais e movimentos
corporais. Reginaldo é uma criança negra no meio de adolescentes brancos, que passa
horas nos ônibus coletivos, dirigidos por motoristas negros, alimentando a expectativa
de encontrar, entre eles, o seu pai. A sensação de isolamento que ele tem como
membro da família se reflete nas viagens solitárias que faz pela cidade. Mas, mesmo se
sentido um estranho no ninho familiar, a sua percepção infantil o aproxima dos irmãos,
seja para atender aos seus interesses pessoais, como quando “compra” o sofá na mão
de Dênis, ou para auxiliá-los, quando passa para Dario as informações sobre um treino
de futebol. Treino esse que será decisivo para a vida do irmão, que, após atingir a
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maioridade, não tem mais como buscar aprovação nas “peneiras” dos times paulistas.
Como tantos adolescentes brasileiros, Dario vê no futebol a possibilidade de ascensão
social e de uma carreira de sucesso. O aniversário de 18 anos, para ele, se configura,
portanto, como um fim de linha, já que o tempo é cruel com os atletas.
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Dinho, por sua vez, traz à tona a questão da religiosidade como forma de mudança de
vida. Seu envolvimento com a igreja representa a fuga de um passado que trouxe tantas
preocupações para a sua mãe e a possibilidade de um recomeço cheio de dignidade, de
quem trabalha e ajuda nas despesas da casa. Embora a fé religiosa seja tratada de
maneira muito respeitosa no longa-metragem, sem cinismos ou gozações, os fracassos
dos líderes religiosos são atribuídos à falta de fé dos fiéis. E essas quedas e fraquezas
também fazem parte dos conflitos de Dinho, a quem vemos, em uma cena, se
masturbando e, em outra, cometendo um crime violento, por ser chamado
injustamente de ladrão. Injustiça fundamentada na imagem de displicência de Dênis,
que, por ser ainda muito imaturo e não conseguir se desvincular de uma vida de farras,
estava sempre atrás do irmão para pedir dinheiro.
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“Linha de Passe” é uma ficção que deseja ser documental. Traz a veracidade do
cotidiano de tantos jovens e de tantas famílias invisíveis aos olhos da sociedade
paulistana. É um filme que fala do Brasil e que revela a necessidade de se reconhecer no
outro e ser por ele reconhecido; que mostra a luta diária por melhores condições de vida
ou por um espaço na sociedade; que fala da busca pela libertação da alma ou pelo
encontro do afeto paternal.
A fotografia urbana, mais escura e triste, leva a um mergulho no universo de cada um
dos personagens, que, em meio à indiferença social e à escassez de oportunidades, só
podem contar uns com os outros, para enfrentar suas angústias e incertezas.
Novamente, a narrativa apresenta, nesse contexto, um elemento reflexivo, quando
traça um paralelo entre as mãos que se levantam no estádio, numa vibração positiva dos
torcedores, com as que se erguem no templo religioso, numa demonstração de fé.
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Sutilmente demarcada pela cena da água limpa que escorre pelo ralo da pia, antes
entupido, a fase final do filme se compõe de imagens mais claras e límpidas, que
denotam uma sensação de alívio e designam a possibilidade de uma nova fase na vida
da mãe e dos irmãos. Cada personagem encontra a libertação daquilo que tanto os
oprime; cada um percebe, então, o brilho do sol, apontando novos caminhos.
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“Linha de Passe” deixa para o espectador o exercício de reflexão sobre essas novas
possibilidades, esses novos caminhos. Salles e Thomas reservam, assim, a grata
surpresa de perceber que a complexidade de cada um desses personagens só pode ser
compreendida olhando-se para além da narrativa cinematográfica.
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* Macelle Khouri é mestre em Jornalismo (UFSC) e professora da Uneb.
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“E a luz há de chegar aos corações”: Linha de Passe ou
Com quantos conflitos sociais se faz um filme brasileiro
Izabel de Fátima Cruz Melo*
Uma pia sempre entupida. Ônibus cheios. Muito trabalho. Pouco dinheiro.
Uma família da periferia de São Paulo formada de uma mãe grávida de pai
desconhecido e quatro filhos de idades e trajetórias variadas. Cleuza, Dinho,
Dênis, Dario e Reginaldo. Empregada doméstica; frentista evangélico; um
motoboy; uma jovem promessa do futebol; e uma criança negra em busca do
pai. Em todos eles, podemos enxergar “representantes” de sujeitos sociais e
questões emergentes no Brasil contemporâneo, e, entre todos eles, o futebol
como analogia das relações sociais.
“Linha de Passe” lida com um tema habitual do cinema brasileiro, mas com
uma leitura e construção que são bastante próprias da dita Retomada. Ou seja,
temos um filme que fala, mais uma vez, das classes subalternas, das suas
angústias e dificuldades de sobrevivência, mas aqui eles são construídos com
percepções, atitudes e necessidades muito singulares, ainda que pese sua
participação numa mesma família. São cinco trajetórias diferentes, nas quais a
paixão pelo futebol, em especial pelo Corinthians funcionaria como a grande
liga identitária.
Imiscuída nesses fluxos contínuos e aparentemente desconexos das
trajetórias dessas personagens, existe uma linha que é, simultaneamente,
tênue e dura – a que divide os “pobres” e a “classe média”. E, nessa partida,
cada um sabe bem qual o seu lado, embora existam as permeabilidades,
aproximações e pequenas misturas. Esta questão se coloca, sobretudo, nas
sequências do jogo em que Dinho participa no time do filho de Estela, patroa
de Cleuza, e no momento da “balada”, no qual ele se torna um espectador e
volta para casa sozinho e “chapado”, sendo ajudado pelos seus irmãos.
O que se mostra como uma das grandes características do filme é a urgência do
movimento. Durante todo o tempo, as personagens transitam – de ônibus, a
pé, de moto, correndo pelo campo de futebol ou até mesmo pela
transcendência da fé. Contudo, as injunções do cotidiano agem de modo a
refrear esse trânsito, assim como a água que insiste em não escoar ralo abaixo,
apesar dos insistentes esforços de Cleuza, algumas vezes regados a cerveja,
outras entremeados por xingamentos e reclamações.
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E, na ânsia/necessidade de buscar e construir novos caminhos para
extrapolar a estagnação imposta, é preciso insistir e andar. Na maior parte
das vezes, a caminhada é feita de percalços, de “maus” passos. Entretanto,
na perspectiva trazida por Walter Salles de Daniela Thomas, os equívocos, os
“jeitinhos”, também podem ser uma trajetória para a realização, para que a
água siga o seu caminho e escoe ralo abaixo, liberando o movimento. E é
justamente a partir daí que a vida das personagens parecem tomar outro
rumo, prenhe de esperanças representadas no nascimento do próximo bebê
de Cleuza, no gol de Dario, na confirmação da fé de Dinho, no assalto mal
sucedido de Dênis e, especialmente, na alegria de Reginaldo em dirigir o
ônibus. A cada um, o seu caminho, mas, sobre todos eles, pesa a
responsabilidade de não parar jamais.
* Izabel de Fátima Cruz Melo é mestre em História Social do Brasil (Ufba) e
professora da Uneb.

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Costuras e tessituras:
relações face a face entre realidades e
ficções no movimento de passe
Adriana Camargo*
Atualmente, instaura-se um conflito entre o que é reconhecido e pertence ao
universo do que se pensa comum e as novas construções identitárias na
sociedade, onde é cada vez mais compreensível a necessidade de
reconhecimento de novos referentes, que, por vezes, trazem, atrás de si,
concepções particulares do mundo, diversas formas de interações e novas
orientações de sociabilidade. Pode-se dizer que esse processo está ligado ao
conceito de globalização.
Com isso, a desterritorialização das relações sociais instaura outras formas de
ser e estar. Hoje, as interações sociais face a face são pouco experienciadas no
cotidiano, devido principalmente à produção exacerbada de bens simbólicos,
ao culto e à prática das relações midiatizadas e virtualizadas, que nos
destituem da convivência e das trocas presenciais.
Na história-estória de “Linha de Passe”, de Walter Salles e Daniela Thomas, a
presença e o convívio entre os personagens ganham notoriedade e trazem,
com legitimidade, o confronto e os sintomas das subjetividades dos mesmos.
No diário da rotina dessa família, a subjetividade do outro é expressivamente
próxima, diferentemente das outras formas de interações mediadas, às quais
nos habituamos no contemporâneo.
“Linha de Passe” se desvela entre o visível e o legível, em movimentos
alternados, calcados em fé, desejo, coragem e vontade, na trajetória de cada
personagem apresentado. As relações encadeadas no roteiro, mesmo
situadas em um universo distinto ao do espectador, refletem leituras e
memórias de repertórios pessoais, e, de alguma forma, o espectador é
conduzido ao reconhecimento e/ou pertencimento, no discorrer da trama.
“Corinthians, corinthians minha vida, corinthians minha história, corinthians
meu amor...”. Quem, como Cleuza, não torce para um time de futebol e sofre
com as perdas e ganhos do mesmo e ainda se nutre a partir do desejo do time
de vencer e ganhar o título? Isso se reflete no seu próprio desejo de também
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vencer e continuar com o seu trabalho reconhecido e valorizado, na adequada
criação dos filhos e na esperança de uma nova vida com a criança que espera
no ventre.
Dario, a uma semana de fazer 18 anos: idade tão aguardada pelos
adolescentes, que, no caso deste rapaz, reflete frustração de um desejo
pessoal e, ao mesmo tempo, coletivo, pois o êxito como jogador profissional é
a promessa de uma vida mais digna para si próprio e, como consequência, para
a família. Assim como o desejo feminino de ser uma modelo de sucesso e
ganhar fama, em ambos os casos o tempo se instaura como maior inimigo: um
grande jogador de futebol, assim como uma modelo de renome, inicia a sua
carreira realmente muito jovem ou até mesmo na infância e, nesse caso, 18
anos já pode ser muito tarde, fatal.
“Agradeço a Deus pelo período que passei triste, que passei perdido, que
passei sozinho... Aleluia, Senhor”. Dinho, em uma busca pessoal, recorre à fé
(perdida ou adquirida) e ao trabalho como aconchego e “remissão” por seus
comportamentos e atitudes mal sucedidas no passado. Ao partilhar de uma
cólera social devido ao individualismo, retraimento e dissociação das relações
face a face, em determinados momentos, como o do personagem, o indivíduo
se encontra carente e necessitado da palavra, do retorno, do afago, e, nesse
caso, vale lembrar aqui o quanto a igreja evangélica dispõe de um interlocutor,
mesmo com fins para além da religião – ouvir, dar atenção e importância ao
outro.
Poucas pistas, mas muita vontade atravessa o caminho de Reginaldo, que, nas
viagens de ônibus, sai em investigação de sua paternidade e identidade: a
rebeldia comum para a idade, ora criança, ora adolescente, conflitando, ainda,
com questões de raça, cor e preconceito. A figura do pai se instaura como
representação e modelo a ser seguido. Lembramos que, a todo o momento,
criamos modelos e desejamos segui-los, nos reconhecemos primeiramente na
imagem da “família”, até instituirmos as nossas noções e escolhas
particulares.
Dênis é o motoboy, pai solteiro e o menos compromissado consigo mesmo e
com o outros, se revela o personagem mais polêmico e, ao mesmo tempo,
mais reconhecido pelo espectador, no que compete à prática da

marginalidade e da irresponsabilidade retratada diariamente pelos meios de
comunicação de massa e potencializada pelo mesmo. Contudo, Dênis é o
personagem que transita entre os universos do visível e do sensível de forma
mais viril e obstinada.
É sabido que a realidade vivida por cada indivíduo é um construto
compartilhado, mas que se funda mesmo na particularidade histórica: meio
onde está inserido, relações e interações com o ambiente, consigo e com o
outro. Nessa relação de costura e debate, os personagens se defrontam com o
seu universo particular de construção da realidade, a partir da experiência
calcada na relação face a face com o outro e do outro, culminando na
dimensão de alteridade e recriação de si próprio. Nesse movimento de
tessitura, entre realidades e ficções, o espectador é convidado a participar de
universos paralelos, que também formam e constroem a sua trajetória
pessoal, mesmo dissociada, em grande parte, da experiência relacional no
mundo hodierno.
O espectador se reconhece como sujeito, que, inserido nessa construção
social da realidade particular, deseja se reconhecer ou edificar uma
identidade, se superar, encontrar singularidade e legitimidade nas suas
interações pessoais e sociais, mesmo que, para isso, tenha que travar
embates, superar limitações ou lidar com as suas potencialidades de forma
positiva e coletiva. No movimento, “a bola está viajando de um personagem
para o outro” (Daniela Thomas), o espectador viaja junto com os personagens,
em oscilação de idas e vindas, que provocam sensações de memória e
apropriação, em diálogo e citação do passado: a sua história privada refletida
no espelho da linha de passe.
*Adriana Camargo é especialista em Comunicação: Novas Tecnologias e
Hipermídia (Centro Universitário de Belo Horizonte) e professora da Uesb.
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Linha de Passe
Rogério Luiz Oliveira*
Começo por dar um exemplo que emana do próprio cinema: o documentário
“Conte Comigo Mengão – Carioca 2007”, dirigido por Pedro Asbeg e Raphael
Vieira, revela os bastidores do título carioca conquistado pelo Flamengo. O filme
mostra a vibração da torcida, a preleção feita no vestiário pelo treinador da
equipe, lances da partida e, acima de tudo, depoimentos de jogadores. É uma
história contada por aqueles que protagonizaram aquele capítulo vitorioso da
história do time. Nada chamou tanto a minha atenção no filme como uma frase
dita por um jogador, imaginando o que seria fazer um gol na final, com o estádio
do Maracanã lotado: “Acho que eu me jogo no fosso da geral!”
Fama, riqueza, adoração, a sensação de ter o mundo diante dos próprios pés, uma
multidão gritando o seu nome... São alguns dos elementos que levam, em “Linha
de Passe”, o jovem Dario, que sonhava com a carreira de jogador de futebol, a
passar por peneiras, a alterar a própria idade, a se frustrar e a usar drogas numa
balada com jovens ricos que conheceu por ser filho da empregada doméstica da
casa de um deles.
Por essas e outras, “Linha de Passe” se mostra, por vezes, como uma busca pela
redenção. A história do menino que queria ser astro do futebol; o drama do jovem
errante convertido ao protestantismo e que precisa ouvir os desaforos do patrão;
a insatisfação de um motoboy, que, de tanto trabalhar honestamente, sente a
necessidade de experimentar o alto preço da subversão; a persistência de uma
criança cuja única certeza é uma fotografia rasgada.
Estes poderiam ser, respectivamente, os resumos de vida de Dario, Dinho, Dênis e
Reginaldo. Quatro irmãos unidos pelo fato de serem filhos de uma mesma mãe,
Cleuza. Quatro homens que buscam novas perspectivas, a partir de distintos
caminhos. O primeiro quer, a todo custo, passar num teste para uma equipe
profissional de futebol; o segundo busca esquecer, com a prática religiosa, o
passado; o outro quer encontrar um modo de ganhar uma grana fácil, usando a
moto como ferramenta; o último quer encontrar o pai, que nunca viu nem por
foto, entrando em todos os ônibus coletivos, apenas sabendo que ele é negro.
Não é a primeira vez que Walter Salles retrata a saga de homens de uma mesma
família. “Abril Despedaçado”, dirigido em 2002, é prova disso. Uma família que
vive no sertão baiano, por volta de 1910, abriga três irmãos. São três trajetórias e

três finais bem diferentes. Numa guerra entre famílias, morre Inácio, o mais velho.
Era costume se vingar a morte de um ente querido. Tonho, o irmão do meio, é
escolhido para matar um membro da família inimiga e, tendo sucesso em sua
empreitada, passa a ser o alvo da vingança. Como se verá em “Abril Despedaçado”,
Tonho é salvo da morte pelo amor ou, em últimas consequências, pela arte. É que
certo dia, Menino, o caçula, é abordado, no terreiro de casa, por um casal de um
circo mambembe. A moça, Clara, presenteia Menino com um livro, que traz
histórias de sereia, que são, no mínimo, uma janela para o mundo da imaginação
do garoto. Acompanhado de Tonho, o caçula vai assistir à estreia do circo, e Tonho
se apaixona por Clara. O desfecho dessa história é que Menino, por sensibilizar-se
diante daquele sentimento que nasce entre o irmão e Clara, morrerá,
propositalmente, no lugar de Tonho.
Um pequeno evento na rotina dos dois irmãos mudou, decisivamente, a história da
família. Talvez o que tenha faltado a Cleuza, a mãe dos filhos paulistanos, cuja
rotina incluía o trabalho intenso ou a ida, religiosa e devota, ao estádio para ver o
Corinthians jogar. Ausentaram-se, quem sabe, opções mínimas para seus filhos,
impossibilitados de ver o mundo, por conta de anseios repetitivos e inalcançáveis,
pelo menos do modo como eram perseguidos.
Faltou a Dario, por exemplo, a desconfiança de que poderia não dar certo ser
jogador de futebol e que seria necessário pensar outras possibilidades de
sobrevivência; Dinho não percebeu que a recuperação da dignidade requer
insistência e que os preceitos religiosos devem ser acompanhados de muitos
outros valores; deveria Denis entender que, para se diferenciar em meio a tantos
motoboys idênticos, no modo de ver a vida, era preciso um esforço bem maior do
que criar coragem para empunhar uma arma; ao caçula Reginaldo, não foi possível
o direito de ter uma referência paterna dentro de casa, um problema sentido na
pele por milhares e milhares de filhos.
Entre o que é oferecido e o que é desejado pelos personagens e por milhões de
jovens brasileiros, tem-se que, na ausência de ambientes onde a dignidade, a
educação, a sensibilidade, o amor, o respeito ou a sensatez possam florescer, age o
acaso, brutal e cruelmente.
* Rogério Luiz Oliveira é graduado em Comunicação Social – Jornalismo (Uesb) e
professor da Uesb.
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A Onda
Filme: “A Onda”
Direção: Dennis Gan
Duração/Ano/País: 106 min./ 2008/ Alemanha
Sinopse: Rainer Wegner, professor de ensino médio, deve ensinar seus alunos
sobre autocracia. Devido ao desinteresse deles, propõe um experimento que
explique na prática os mecanismos do fascismo e do poder. Wegner se
denomina o líder daquele grupo, escolhe o lema "força pela disciplina" e dá ao
movimento o nome de A Onda. Em pouco tempo, os alunos começam a
propagar o poder da unidade e ameaçar os outros. Quando o jogo fica sério,
Wegner decide interrompê-lo. Mas é tarde demais, e A Onda já saiu de seu
controle. Baseado em uma história real, ocorrida na Califórnia, em 1967.
Prêmios: O filme ganhou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante para Frederick
Lau, no German Film Awards, assim como, na mesma premiação, o produtor
Christian Becker levou o bronze na categoria de Melhor Filme. Venceu o 13º
Festival de Cinema Judaico de São Paulo e ainda foi indicado no Festival de
S u n d a n c e , n a c a t e g o r i a “ W o r l d C i n e m a – D r a m a t i c ”.
Elenco: Max Riemelt (Marco), Dennis Gansel (Martin), Jürgen Vogel (Rainer
Wenger), Frederick Lau (Tim Stoltefuss), Jennifer Ulrich (Karo), Christiane Paul
(Anke Wenger), Jacob Matschenz (Dennis).
.

A Onda
Laura Bezerra*
Alemanha, tempo atual. Uma escola de ensino médio como tantas outras: professores
cansados, professores engajados; alunos interessados, alunos desmotivados;
grupinhos fechados; estórias de amor; conflitos e tensões; esperanças; grafitti e hiphop.
Apesar da distância geográfica, tudo nos parece conhecido.
O professor Rainer Wegner, numa semana de projetos, deve ensinar seus alunos sobre a
autocracia(1). Aqui, já temos a primeira contradição, das muitas que enriquecem o
filme: Wegner é um professor “diferente” e representa o que há de mais rebelde dentro
daquela escola. Na verdade, o tema escolhido por ele para a semana foi a anarquia, mas
um outro professor, mais velho e conservador, se apropria deste tema – muito a
contragosto de Wegner. Com um tema que não escolheu, nem lhe agrada, e uma turma
de alunos desinteressados, o professor é confrontado com um desafio: explicar à classe
como funcionam os governos totalitários. Ele começa com o que está mais próximo: a
ditadura de Hitler seria imaginável hoje? Ao ouvir dos alunos que o nazismo não seria
possível na Alemanha dos dias atuais, ele propõe um experimento: durante uma
semana, os alunos têm que participar de um grupo, cujo lema é a “força pela disciplina”.
E assim, meio que por acaso, surge o movimento A Onda. Diversos rituais são criados
para dar unidade ao grupo, normas de conduta são definidas, obediência torna-se uma
palavra fundamental. Alguns (poucos) alunos reagem, questionam a atmosfera
despótica que se formou e se afastam. Outros, apesar de sentirem algum desconforto,
permanecem no grupo – seja por causa dos amigos, seja para não ter o trabalho de
trocar de turma. Em muito pouco tempo, porém, o “poder da unidade” conquista a
maioria dos alunos, que passa a agir de acordo com o espírito coletivo. O grupo torna-se
um bem maior, que deve ser propagado e defendido; quem não é d'A Onda, é contra
ela. Não há mais espaço para discordância. A Onda se transforma em um movimento
real, que sai dos muros da escola e alcança toda a cidade. Ao percebê-lo, Wegner decide
interromper o jogo, mas A Onda já saiu de seu controle – com consequências trágicas.
Seguramente, o filme deve ser pensado no contexto alemão do Nacional-Socialismo e
do Holocausto. Mas, na medida em que problematiza o surgimento do totalitarismo, na
medida em que mostra os mecanismos que tornam possível a manipulação de grupos,
ele supera a carga histórica do nazi-fascismo e passa a dizer respeito a todos nós. Dennis
Gansel, o diretor do filme, disse, numa entrevista, que pretendeu entender os
mecanismos que possibilitaram o nazismo, sem, entretanto, transformar os fascistas
em antagonistas. Este é um ponto de partida muito produtivo, pois nos confronta com o
desafio de compreender uma situação tão perversa quanto complexa. É fácil pensar nos
nazistas como “monstros”; um monstro é algo distante, não tem nada a ver comigo
1
Segundo o Dicionário Michaelis Online, autocracia é: “1 Governo exercido por um só, com poderes
absolutos e ilimitados. 2 Sociol Dominação política discricionária, exercida por uma pessoa ou um
pequeno grupo de pessoas; pode assumir as formas de despotismo, tirania, ditadura e oligarquia,
autarquia.”
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(monstros são sempre os outros, não é verdade?). Pensar nos nazistas como
“monstros” é se render ao incompreensível – e é exatamente isso que o filme não faz.
“A Onda” torna compreensível que um indivíduo abra mão de sua autonomia em troca
do sentimento de pertencimento a um grupo; mostra a fascinação pelo “poder da
unidade”, pela sua força. Este não é apresentado como um processo simples e linear,
mas como algo cheio de contradições. Se, por um lado, vemos como a massificação, a
irracionalidade, o fanatismo e a intolerância vão entrando nas vidas dos jovens, vemos
também que eles estão motivados como nunca e passam a trabalhar conjuntamente
(até o aluno turco, antes excluído, torna-se um membro efetivo do grupo); como
alguns deles se sentem valorizados pela primeira vez na vida; como os “deslocados” e
os “perdidos” parecem encontrar um lugar no mundo. O filme tem a coragem de
mostrar que, para aquela turma, há, também, ganhos. Entender este processo nos
possibilita olhar nos olhos do totalitarismo e abrir o debate. Nosso poder contra o
despotismo é exatamente a discussão e o embate; a melhor forma de combater o
fascismo é reafirmar e defender o direito de ser diferente.
O grande mérito do filme de Dennis Gansel é nos mostrar que a manipulação de
grupos não acaba com o fim dos governos totalitários, nem foi superado nos dias
atuais. É trazer a problemática para bem perto de nós. Neste sentido, é uma ótima
ideia que o experimento seja proposto por um professor libertário e rebelde; é
excelente que aquele professor crítico e anarquista caia, ele próprio, nas malhas do
autoritarismo; que ele se empolgue com a nova dinâmica da classe, com a
participação ativa de alunos que antes não se interessavam por nada. Se as ideias
totalitárias podem funcionar com ele, elas podem funcionar com qualquer pessoa. É
verdade. “A Onda”, inclusive, se baseia em fatos reais; o experimento foi realizado em
1967, numa escola de Palo Alto (Califórnia, Estados Unidos).
A teórica política judia-alemã, Hannah Arendt(2), refere-se à “banalidade do mal”:
foram pessoas “comuns”, como você e eu, que executaram o Holocausto. Se
pensarmos adiante esta ideia, podemos dizer que foram pessoas “comuns” as
responsáveis pelo genocídio de Ruanda ou o massacre de Sarajevo, ambos
acontecidos em 1994. Foram pessoas comuns, jovens da classe média de Brasília, que,
em 1997, tocaram fogo no índio pataxó Galdino Jesus dos Santos. Com isso, a
autocracia (o fascismo, o racismo, o machismo, a homofobia, a discriminação dos
pobres, a exclusão dos gordos, dos feios, dos “outros”, dos “diferentes”) fica bem
próxima a nós. É algo que poderia acontecer com você, comigo – o que significa
também que é algo que podemos superar. A responsabilidade é toda nossa.
* L a u ra B e ze r ra é m e s t r e e m L i t e ra t u ra e C i ê n c i a d a M í d i a
(Universidade de Tréveris, Alemanha) e pesquisadora da área de cinema.
2
No seu livro “Eichmann em Jerusalém. Um Relato sobre a Banalidade do Mal”. São Paulo:
Companhia das Letras, 2009. O original foi publicado em Londres, em 1963.

FIOS DE MEMÓRIAS E DE SENTIDOS EM “A ONDA”
Veruska Anacirema*
É como um fantasma que o nazismo apresenta-se, no século XXI, para muitos
indivíduos e grupos situados no marco da sociedade ocidental. Passados 65 anos
do fim do regime alemão que instaurou tal barbárie, relatos, imagens, objetos e,
sobretudo, lembranças/esquecimentos, estão ainda a nos informar sobre a
capacidade destrutiva do homem sobre o próprio homem. A memória de tal
experiência persiste, incomodando e incomodada, a trazer à tona os limites do
processo civilizatório moderno que, se, de um lado, é capaz de produzir avanços
nas mais diversas áreas, do outro, não consegue eliminar a dor, o sofrimento e o
irracionalismo do percurso da humanidade.
O cinema é um dos domínios socioculturais por meio dos quais essa memória se
expressa e faz pensar. Ao atualizar os temas do poder, da disciplina e da
superioridade, tão característicos do nazismo, na vivência de uma classe de jovens
estudantes, “A Onda” apresenta aos espectadores uma espécie de metáfora do
nazi-fascismo e de outros regimes totalitários. Baseado em um fato real, ocorrido
em uma escola secundária norte-americana do estado da Califórnia, em 1967, o
filme favorece uma discussão sobre o emprego e a aceitação da violência como
ferramentas legítimas de luta e significação social tanto em pequenas quanto em
grandes escalas.
“A Onda” conta a história de um professor, que, para mostrar aos seus alunos o real
significado da ascensão e do genocídio nazistas, na Alemanha, realiza uma
arriscada experiência pedagógica, que consiste em reproduzir, na sala de aula,
alguns elementos do regime: rituais, doutrinamento, estímulo à pertença de
grupo, adoração a um líder, entre outros. A classe se torna, então, um tipo de
microcosmos de experiência autoritária, revelando o potencial inscrito em
determinadas formações sociais para práticas de intolerância e para o uso da força.
O descontrole é tanto maior quanto mais se apela a sentimentos de
descontentamento, insegurança, ressentimento, numa espiral de caráter
sócioafetivo, com consequências funestas.
No filme, que tem uma narrativa linear, a experiência ganha contornos trágicos,
levando o professor a pensar sobre as implicações do movimento d'A Onda. O
espectador também é instigado a pensar sobre o tema para além do filme,
tocando, então, a “realidade”. Entre as tantas vias possíveis de abordagem da obra,
está a da existência de uma memória dos terrores de regimes totalitários, expressa
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na permanência de temores diante da sempre presente possibilidade de retorno
dessas experiências não apenas nos constructos mais amplos que são as Nações,
mas também no cotidiano de grupos e estratos sociais. “A Onda”, então, torna-se,
a partir desse viés de análise, um alerta para os fenômenos de fanatismo e de
intolerância do ser humano e para a necessidade de estratégias de formação
continuada de sujeitos críticos, perpassada por valores humanistas, como
respeito, solidariedade e liberdade, rumo à construção de sociedades mais
harmoniosas.
Há também outro ponto possível de discussão a partir da história contada em “A
Onda”: a do vazio e a da busca de sentido que marcam a sociedade
contemporânea. Os jovens da escola representada no filme parecem perdidos,
desmotivados, sem metas sólidas ou importantes para suas vidas. O movimento
aparece, então, como um elemento integrador das vivências, ocupando o tempo
e os pensamentos, dando sentido à vida, ainda que eles não perguntem sobre
que sentido é esse. Se levarmos essa questão para nossa realidade, algo que
quase sempre é favorecido pelo cinema – pelos menos pelos bons filmes –, não é
difícil percebermos que os nossos “jovens reais” e, também, muitos adultos,
experimentam esse vazio socioexistencial; buracos imensos, seja na dimensão do
“eu” ou nas relações tecidas com outras pessoas e grupos. Um vazio que nem a
parafernália tecnológica, nem os itens de toda ordem disponíveis para o
consumo, nem os avanços médicos e terapêuticos são capazes de preencher.
Infelizmente, muitas pessoas buscam no exercício da opressão e da violência
sobre o outro os significados de vida.
O cinema, esta moderna modalidade artística e intelectual, oferece boas
oportunidades de reflexão sobre diversas situações/questões, pois, como forma
de expressão humana, são os temas da vida social que dão substância às
narrativas cinematográficas. Nesses termos, “A Onda”, mesmo sem efeitos ou
recursos estilísticos especiais, nos apresenta a possibilidade de discutir sobre
determinadas características da sociedade contemporânea; sobre essa tão
propalada falta de sentido; sobre o que nos motiva para a vida; sobre a
necessidade inesgotável de praticarmos nosso senso de justiça, respeito e
tolerância para com o próximo. Às vezes, diante de sentimentos de impotência
com relação a tantos atos e acontecimentos violentos ou desrespeitosos que
acontecem nos mais diversos espaços sociais, discutir, refletir e dialogar são,
muitas vezes, o caminho para que as pessoas possam repensar posturas e tentar
maneiras mais felizes de viver a vida.
* Veruska Anacirema é mestre em Memória: Linguagem e Sociedade (Uesb) e
professora da Rede Estadual de Ensino de Vitória da Conquista.

O que há por trás da imagem? Analogias em “A Onda”
Tatiana Fantinatti*
Ao menos quatro realidades são convocadas quando se revisita o filme “A
Onda” (“Die Welle”), de Dennis Gansel, ambientado na Alemanha atual: a
primeira é o fato propulsor, o nazismo em si; as outras três, consequências da
primeira, sucederam-se uma decorrente da outra: a história acontecida numa
escola da Califórnia, em 1967, com o professor Ron Jones e seus alunos; o filme
“The Wave”, de Alex Grasshoff, rodado e ambientado nos Estados Unidos, em
1981 (com base no referido episódio); e o livro de Morton Ruhe, “The Wave”,
que também conta a história dessa escola. Nas três experiências
desencadeadas pela primeira – o nazismo –, a principal questão é: haveria a
possibilidade de um regime autocrático tornar a se instaurar na Alemanha – e,
por extensão, no mundo?
Nos primeiros momentos do filme, a resposta é positiva. Respondamos com
analogias subjacentes na obra de Gansel. No colégio, o professor foi
ironicamente obrigado, compelido, a mudar o tema que ministraria:
autocracia. Por trás desta imagem, repousa, latente, o poder que oprime sem
possibilitar o diálogo, a troca, a defesa, o posicionamento.
Nos Jogos Olímpicos de 1936, em Berlim, o führer Adolf Hitler, líder do
nazismo, tinha a certeza de que a raça ariana ganharia a maior parte das
medalhas no Atletismo, tido como o principal esporte. O jogo de Pólo Aquático
mostra os membros do movimento A Onda – time e torcida – entusiasmados
com a segurança da superioridade e da conseguinte vitória. Nem os arianos de
1936 ganharam o primeiro lugar nas medalhas de Atletismo, nem o
movimento A Onda logrou bom êxito no jogo. Há uma diferenciação que
precisamos, no entanto, marcar: não se dá, no filme, uma repulsa a qualquer
raça ou condição social, pois a repulsa ocorre com relação àqueles que não
aceitaram o movimento.
Mais uma analogia, guardadas as dessemelhanças: o professor teria vergonha
de seus estudos numa faculdade pública, o que é posto em questão quando a
esposa o alerta da sensação de superioridade que a experiência lhe
proporciona. Adolf Hitler se constrangia de sua vida humilde – distorcida no
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livro Mine kampf – e inclusive provinha de uma família de judeus. O vislumbre
da ascensão pode sequestrar os sentidos, deixando-os reféns da utopia.
Por sua vez, todos os alunos enfraquecidos de algum modo – descaso da
família, rechaço dos colegas – vêem que o pertencimento ao grupo os
fortalece, conferindo-lhes aparente igualdade. Dentre os mesmos, estão Tim
– o alijado que levava droga a um grupo de colegas para conseguir aceitação –
e o menino turco. Seguiam-se, dessa forma, as condições essenciais para o
nascimento e fortalecimento do nazismo, como insatisfações várias:
desemprego, desigualdade, desinformação.
Então, ainda é possível controlar as subjetividades e lograr o controle das
massas? O desenrolar da experiência respondeu aos questionamentos
iniciais do professor e dos alunos, os quais constataram que um retorno à
autocracia não só era possível como acabara de acontecer com eles, não
obstante alguns alertas dos que estavam de fora, que já viam O Ovo da
Serpente, como a esposa do professor ou Karo e a família. Compreendeu-se
também como uma grande massa de incautos irreflexivos e manipulados deu
força ao 3º Reich. A obra cinematográfica respondeu, igualmente, aos
objetivos que parecia buscar junto ao público, alertando-o contra prováveis
recidivas autocráticas. Ron Jones, professor real do experimento, reconheceu
seus alunos daquele tempo no filme, cuja mensagem é clara: pequenas
células totalitárias podem exsurgir em instituições de ensino, grupos
diversos, empresas, famílias, posto que a insondável psiquê talvez
surpreenda, mesmo em nossos dias.
* Tatiana Fantinatti é doutora em Letras Neolatinas (UFRJ).

Pro Dia Nascer Feliz
Filme: Pro Dia Nascer Feliz
Direção: João Jardim
Duração/Ano/País: 88 min./2007/ Brasil
Sinopse: Definido pelo próprio diretor como "um diário de observação da vida
do adolescente no Brasil em seis escolas", Pro Dia Nascer Feliz flagra o dia-a-dia
e adentra a subjetividade de alunos e professores de Pernambuco, São Paulo e
Rio de Janeiro. As entrevistas são intercaladas com seqüências de observação
do ambiente das escolas – meio, por sinal, bem pouco freqüentado pelo
documentário. Sem exercer interferência direta, a câmera flagra salas de aula,
esquadrinha corredores, pátios e banheiros, testemunha uma reunião de
conselho de classe (onde os professores decidem o destino curricular dos
alunos "difíceis") e momentos de relativa intimidade pessoal.
Premiações: “Pro Dia Nascer Feliz“ foi eleito, pelo júri popular do Festival de
Gramado/2006, como o Melhor Filme. O mesmo festival concedeu ao longa o
prêmio de Melhor Trilha Sonora e o prêmio Especial do Júri. O título também
conquistou o prêmio de Melhor Fotografia de Documentário, pela Associação
Brasileira de Cinematografia, e o prêmio Especial do Júri, na décima edição do
Cine de Pernambuco.
.
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Pro Dia Nascer Feliz
(ou Pro Mundo Inteiro Acordar?)
Ana Lúcia Azevedo Ramos* e Inês A. Castro Teixeira**
Inspirando-se em verso de Cazuza e originado nas inquietações de um jovem
e talentoso diretor do cinema brasileiro contemporâneo, o documentário
“Pro Dia Nascer Feliz”, de João Jardim, nos move e nos comove. Lançado em
2007, após longa e cuidadosa pesquisa por ele realizada, mediante a
montagem de imagens e depoimentos contundentes de garotos e garotas de
nossas escolas e de algumas de suas professoras, essa obra fílmica expõe um
conjunto de problemas relativos à juventude e à escola no Brasil. Confirma
também, na tela, a ideia de que as questões da educação se associam aos
processos sócio-históricos, às estruturas e dinâmicas sociais do país, de que
não podem ser separadas para as compreendermos.
No documentário, estão, portanto, colocados de forma respeitosa, terna e
cuidadosa, problemas que dizem respeito à sociedade brasileira em seu
conjunto e não apenas à educação e à escola ou aos jovens, como também
não são problemas pertinentes somente aos educadores e famílias. No
documentário, estão questões que dizem respeito a todos nós, sobretudo os
adultos, às gerações mais velhas e aos que detêm o poder econômico e
político. Na tela, estão questões que nos atingem e nos interpelam, sobre as
quais precisamos pensar e discutir, sobre as quais é necessário “o mundo
inteiro acordar”, outra expressão da canção de Cazuza, adequada para
intitular o documentário.
Nas sequências e planos do roteiro do documentário, a obra fílmica expõe,
em imagens e palavras, as desigualdades sociais que constituem a sociedade
brasileira desde a colonização, e suas consequências em nosso sistema
educacional e escolas. Ao trazer à tela situações relativas às famílias, ao
trabalho e à vida cotidiana de alguns daqueles jovens alunos e grupos juvenis,
o documentário coloca em pauta desafios e dificuldades que eles enfrentam
em seu dia-a-dia.
Embora estejam localizados em classes sociais e tenham pertencimentos
étnico-raciais diferentes, os jovens e suas angústias estão presentes tanto nas
escolas públicas quanto nas particulares, como, por exemplo, seus

sofrimentos originados na ausência dos pais (do pai, em especial) e a questão
das perspectivas e projetos de futuro, ao lado das dificuldades materiais ou
não-materiais presentes.
A desatenção do poder público para com a precariedade material das escolas
públicas no interior do país; professores desestimulados e desestimulantes; a
ausência de respeito entre colegas, docentes e discentes, professores e
alunos; as aulas muitas vezes entediantes para os garotos e garotas; a falta de
perspectiva de futuro estão lá, nas histórias pessoais contadas pelos
educadores e educandos de diversas classes sociais, de diferentes regiões e
lugares do Brasil trazidos à tela.
Destaca-se também, entre outras tomadas e elementos da linguagem fílmica
do documentário, as imagens de estradas. Esses caminhos a que somos
levados pela câmera os percorremos pensativos, seja porque nos indagamos
sobre o que virá adiante, seja porque nos perguntamos sobre os caminhos da
vida presente e futura daqueles jovens: quais serão seus percursos, para onde
irão e para o que estão sendo conduzidos? O que os espera e o que estamos
construindo com eles, os adultos, quando não os deixamos à deriva? Como
seus caminhos e estradas estão sendo pavimentados?
Visto de um modo geral, pode-se dizer que “Pro Dia Nascer Feliz” traça um real,
denso e tenso quadro do que hoje se passa com inúmeros jovens nas escolas
brasileiras e em sua vida do dia-a-dia. É também uma descrição dos alentos e
desalentos, das oportunidades e impossibilidades que afetam e inquietam,
que interpelam e constrangem milhares de jovens brasileiros, parte dos quais
são levados à transgressão e ao crime, sobretudo alguns garotos das classes
populares, que estudam em nossas escolas públicas do Ensino Fundamental II
e Médio. Para eles, não faltam as dificuldades, os desafios e os problemas a
enfrentar, que por vezes lhes rouba a calma, a paz, os direitos, a sua própria
juventude.
Costurando os fios das imagens, sequências, cenas, depoimentos e diálogos do
filme, vemos uma clara perspectiva temporal, apreensível pela forma como
João Jardim inicia e termina seu documentário. Nos primeiros segundos do
filme, vemos fragmentos de reportagem de um tempo pretérito – imagens e
cenas dos anos 1960, em que se vê, em branco e preto, dois jovens tentando
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abrir um carro para roubá-lo e algumas estatísticas relativas à escolarização
no Brasil. Essa cena, as perguntas e comentários que as descortinam
compõem o pano de fundo mediante o qual o documentário se desenrola. Em
sentido oposto, agora em imagens coloridas dos dias atuais, o diretor vai até a
infância, filma o interior de uma creche, sugerindo reflexões sobre o presente
e o futuro daquelas crianças.
Depois de fixar a câmera em rostos de jovens apresentados em close na tela,
aparece, na finalização do trabalho, imagens de crianças pobres recebendo
em uma creche seu pratinho de sopa para se alimentarem. Num silêncio
comovente e impactante, aqueles frágeis seres infantes parecem nos
interrogar não apenas sobre seu presente, mas sobre seu futuro de jovens e
de adultos. Qual seja, quando muitos espectadores imaginam que o
documentário terminou, João Jardim nos surpreende, nos impacta, nos
comove com estas cenas de crianças na creche. Aqui, ele se afasta dos jovens
nas escolas para focar um outro tempo e questões: da infância.
As crianças nos olham, nos interrogam. Seu silêncio comovente grita,
retunda, nos afeta e incomoda. Seus olhares e gestos nos convocam,
ternamente, a pensarmos nelas, crianças de hoje e jovens de amanhã, delas
nos compadecendo e pensando em seus caminhos. Como serão suas
estradas? Terão as mesmas, tantas e todas as dores e dificuldades dos jovens
pobres que acabamos de ver e ouvir na tela? Que futuro juvenil e adulto lhes
espera? Como serão suas vidas?
Com este término totalmente imprevisível para o espectador, João Jardim
fecha o círculo do tempo, perguntando se os jovens de hoje e de amanhã
continuarão apartados de seus direitos a uma vida digna e feliz, como aqueles
das imagens em preto e branco, dos anos 1960, que abriram o documentário?
Ontem, hoje e amanhã, os brasileiros mais pobres prosseguirão pelas
estradas com as mesmas dificuldades de sempre, ou seria possível construir
com eles um outro dia, um outro tempo, pro dia nascer feliz?
* Ana Lúcia Azevedo Ramos é mestre em Educação (UFMG) e professora da
Rede Municipal de Ensino de Belo Horizonte.
** Inês A. Castro Teixeira é doutora em Educação (UFMG) e professora da
UFMG.

Pro Dia Nascer Feliz
Sara Martin*
Sob a direção de João Jardim, “Pro Dia Nascer Feliz” informa, provoca e emociona.
Se alguns conseguem resumi-lo como um documentário sobre a situação de
escolas no Brasil, outros acreditam que essa definição seja extremamente pobre
para uma obra que, olhada mais de perto, parece tocar em assuntos que
ultrapassam o problema do funcionamento do sistema de ensino escolar
brasileiro.
Não há novidade na estética visual: o filme segue sendo costurado por
depoimentos e conduzido por personagens. Nada mais clássico para o gênero
documental. A novidade parece estar na forma como a narrativa nos apresenta o
tema em questão. Não se trata apenas de uma abordagem sobre os problemas
escolares, mas de uma reflexão existencial, de uma denúncia acerca da corrupção
social e de um questionamento que nos coloca frente a um sistema que, apesar de
ter sido criado por nós mesmos, acabamos não conseguindo dominá-lo, perdemos
a rédea, porque, quando pensamos – e se pensamos – em mudanças, não
sabemos por onde começar.
Ao narrar múltiplas perspectivas de um Brasil diverso na forma de entender, ser e
coexistir do jovem em suas premissas sociais, suas vontades, sonhos e desejos,
“Pro Dia Nascer Feliz” nos conduz a perguntas como: Para que serve nossa escola?
Para além da formação profissional, qual o seu papel na realização de vida do
aluno? Como ensinar e educar sem oprimir? Como o professor alcança o respeito
de alunos que estão desacreditados da importância da escola em seu futuro?
Diferentemente do que estamos acostumados a ver, João Jardim não coloca a
escola rica e a escola pobre como a luta entre o bem e o mal. Nesse sentido, o
diretor nos traz contradições e inversões de valores, a exemplo da estudante
Valéria, que, mesmo vivendo numa pobre cidade do sertão nordestino e lutando
contra toda sorte de adversidade social, desenvolveu o gosto pela literatura e a
aptidão em escrever belos poemas.
Assim como para nós, que estamos acostumados a taxar a pobreza como sinônimo
de inferioridade intelectual, essa situação parece inacreditável também para os
professores de Valéria, visto que a menina sempre recebe nota baixa por ser
acusada de estar plagiando algum outro autor. Contudo, Valéria não parece
insatisfeita com a vida que tem. Num de seus poemas dedicados ao lugar onde
mora, percebemos seu contentamento em viver ali, mesmo que na simplicidade.
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No extremo oposto da esquizofrênica pirâmide social brasileira, assistimos às
angústias e crises existenciais de jovens de classe média alta dos tradicionais
colégios do Rio de Janeiro e São Paulo, superexigidos por pais, professores, amigos
ou até por si mesmos. Também vemos uma aproximação entre os dois pólos sociais
quando ouvimos, por parte dos jovens ricos, depoimentos sobre a falta de carinho
paterno que se assemelham aos dos jovens das escolas públicas mais pobres. Um
painel de recursos tecnológicos-educacionais abundantes, muita expectativa e
competição, mas, nem por isso, muito afeto.
Por outro lado, somos surpreendidos com a realidade mundo-cão das escolas das
favelas das periferias do Rio e São Paulo, largadas a incúria das autoridades
públicas, dentro do tradicional quadro de irresponsabilidade política e de ausência
de cidadania, característico de nossa cultura de impunidade. Professores que
fingem ensinar e alunos que fingem aprender, aqueles desiludidos da eficiência do
sistema educacional vigente e cativos do medo de alunos delinquentes, estes
descrentes da importância da escola como propiciadora de um futuro melhor e
seduzidos pelo poder ilusório do narcotráfico.
A educação reproduz a sociedade em que vivemos: frangalhos de escolas e
frangalhos de valores. Uma das cenas finais é emblemática nesse sentido. Imagens
de prédios luxuosos são acompanhadas por declarações de estudantes pobres
ligados ao tráfico e à violência, os quais se comparam aos políticos, com a diferença
de que estariam, proporcionalmente em relação estes, numa posição de “menos
culpa”.
A corrupção política, segundo os jovens estudantes ladrões e traficantes, é a
precursora de todo o mal; o que justificaria a criminalidade geral da sociedade são
justamente seus políticos. E ainda concluem dizendo que a diferença entre eles é,
além da quantidade de dinheiro roubado, a possibilidade de serem presos,
enquanto que o mesmo não acontece no caso do crime político.
Se o assunto de “Pro Dia Nascer Feliz” é escola e educação, podemos dizer que João
Jardim nos dá uma grande e dura aula a respeito de cidadania brasileira. Somos
colocados frente à realidade de sistemas educacionais, jurídicos e políticos
sucateados e deixados a míngua em nosso país. No círculo vicioso da violação legal
e da violência social, vagueia uma sociedade omissa e alienada, que, apesar de
notar seus problemas, parece ter preguiça de tomar iniciativa em meio às
dificuldades.
*Sara Martin é graduada em Comunicação Social - Rádio e TV (Uesc).

Pro Dia Nascer Feliz
Chico Fireman*
“Pro Dia Nascer Feliz” foi tão elogiado que eu já começava a desconfiar dele
antes mesmo de assisti-lo. Como realizar um filme sobre educação no Brasil e
não cair nos maneirismos daquele cinema social que virou padrão numa nova
faceta dos documentários? Minha ideia sobre o primeiro vôo solo de João
Jardim na direção de um longa-metragem era de um cinema chato, em que o
denuncismo fácil – o Brasil é uma seara farta para este tipo de filme – dava o
tom da narrativa e os realizadores faturavam em cima da miséria alheia.
.
Eu nunca tive tanta vergonha de estar errado sobre um filme. E nunca mais
me percebi tão feliz por estar errado sobre um filme. Em “Pro Dia Nascer
Feliz”, João Jardim dá conta de uma missão dificílima: equilibrar a denúncia de
uma educação desigual com os dramas, sonhos e projetos de adolescentes
prestes a aterrissar num mundo de adultos que pode hostilizá-los pela falta
ou pelo excesso. E, num terceiro eixo, Jardim dá a palavra ao professor, a
figura-chave de todo o processo, que raramente ganha um fórum correto
para se apresentar.
.
Da primeira cena, em que são mostrados os banheiros de uma escola pobre,
até os corredores de um dos colégios mais ricos do país, o filme passa por uma
sucessão de metamorfoses que, se não fosse bem costurada por roteiro e
montagem, poderia resultar num tiroteio cego que atira para vários lados e
não acerta um alvo sequer. Mas, pelo contrário, abre várias frentes de
discussão e consegue apresentá-las, dar densidade a elas e discuti-las,
mesmo que rapidamente, num tom bastante acertado.
.
O trabalho de pesquisa de personagens foi fundamental para que o filme
funcionasse tão bem. Jardim dá voz a professores, mas nunca ousa classificálos
e nem, como dita o clichê, consagrá-los como heróis populares. O filme é
exato em desenhá-los em duas dimensões: ao mesmo tempo em que são
esforçados, estão desiludidos com a profissão. É quando o trabalho vira
serviço.
.
O tratamento mais delicado, porém, é dado aos estudantes. Jardim tem um
imenso cuidado em defender cada um de seus eleitos como um grande pai,
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mas não abre concessões nessa defesa. Sua câmera e, sobretudo, sua edição
sempre tentam compreender os sentimentos e as dúvidas dos alunos. Os
depoimentos são naturalmente emotivos, como o da menina que abdica de
seu sonho no jornal da escola depois que ganha um emprego de dobrar calças.
O filme ainda sabe relativizar os dramas dos personagens. Nada parecia mais
forte do que a história de Valéria, pernambucana do interior cuja vontade de
estudar e o talento para escrever superam as dificuldades de chegar à escola e
a falta de aulas. Mas Jardim sabe colocar essa história no mesmo patamar da
de Ciça, estudante de um colégio caríssimo que se dedica tanto aos estudos –
para justificar o investimento de seus pais em sua formação – que enche os
olhos de água ao lembrar que faz tempo que não namora.
.
Ainda que alguns espectadores da sessão em que eu vi o filme tenham rido
desta cena – riso que deveria estar justificado depois de mazelas tão, a
princípio, mais graves apresentadas até então –, João Jardim selecionou esta
cena para dar as múltiplas dimensões do universo dos adolescentes
brasileiros. O diretor entendeu perfeitamente que as lágrimas de Ciça são tão
honestas quanto a versão de Valéria para a "Canção do Exílio", de Gonçalves
Dias.
* Chico Fireman é jornalista e crítico de cinema.

Pro Dia Nascer Feliz
Ruy Gardnier*
O nome não deixa muito claro, mas “Pro Dia Nascer Feliz” é um filme sobre
educação no Brasil. E, claro, num país tão socialmente contrastado e de
dimensões continentais como o Brasil, tudo é questão do recorte que se faz e de
como se operam as interrelações dos lugares e das situações específicas que se
vai registrar. Nesse primeiro desafio, João Jardim se sai formidavelmente bem. A
tentação de chamar a atenção para as patentes diferenças geográficas e de classe
é tão grande quanto fácil, e a ideia de fazer um uso "dialético", montando e
integrando lugares e problemáticas heterogêneas cairia rapidamente num
denuncismo confortável e no lugar-comum. E o que “Pro Dia Nascer Feliz” faz?
Analisa cada segmento por si mesmo, criando quatro blocos homogêneos de
instalação num ambiente, filmando os lugares, tomando depoimentos de alunos
e professores, enfim, criando um esforço de compreensão a partir do que se filma,
com um interesse maior no que está diante da câmera do que com a tese que está
embaixo do braço. Assim, vemos inicialmente as precárias condições de uma
escola na cidade de Manari, em Pernambuco; depois, somos transportados para
uma escola em Duque de Caxias, Rio de Janeiro; em seguida, vamos para
Itaquaquecetuba, no interior de São Paulo; e, por fim, paramos numa escola de
elite da cidade de São Paulo.
Vemos diferenças? Claro. Uma escola de cidade pequena enfrenta problemas que
uma escola de cidade grande não enfrenta, as crianças numa cidade pobre vivem
dificuldades diferentes daquelas de uma cidade rica. Mas o que o filme mostra,
com extrema competência, é que o dinheiro não faz necessariamente uma
criança mais feliz do que outra, assim como uma educação mais qualificada pode
ocasionar tantas oportunidades na vida quanto criar pacientes de consultórios de
psicanálise. Assim, vemos a aluna-poeta de Manari que consegue construir para
si, com todas as circunstâncias contra, uma vida esclarecida, ao passo que
algumas alunas de um colégio rico do Alto de Pinheiros lutam para saber o que
querem da vida. Cada segmento é afrontado por seus próprios problemas. Alguns
dizem respeito à falta de condições, mas todos são afetados pelo modo de vida
das redondezas e pelas circunstâncias específicas dos bairros e cidades em que
estão situados. Assim, a escola de Caxias vive o problema da criminalidade, e a
escola rica de São Paulo não consegue viver com o fato de ser um bunker de
riqueza em meio à pobreza e falta de meios da maior parte do país. Cada situação
é respeitada, sem tecer hierarquias ou expor ao ridículo algum dos lados. Claro,
existe a tendência de espectador em empatizar com os pobres e minimizar os
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problemas dos ricos, considerados como fúteis (o que provoca, por vezes, reações
monstruosas por parte da plateia), mas João Jardim consegue orquestrar seu
filme a partir de uma estrutura que deixa cada segmento viver sua própria vida,
respirar sua própria respiração.
Numa segunda parte, o filme intercala e integra seus segmentos a partir da
questão da paternidade (o que revela pais ausentes tanto em Manari quanto no
Alto de Pinheiros, ainda que a ausência se dê por razões diversas) e, em seguida,
para a questão, igualmente paterna, do Estado e dos contrastes sociais (plano
aéreo clichê dos arranha-céus e das favelas horizontais de São Paulo), e, ao
mesmo tempo, o filme toca na questão da violência dos jovens, que também se dá
de formas heterogêneas em cada ambiente. É nesse momento que o filme
evidencia uma de suas insuficiências, a de buscar pronunciadamente alguns casos
de exceção, culminando em dois depoimentos de crimes de aluno, ambos em
áudio sem imagem, um ilustrado pela tela preta (meninos falando que roubam
por ódio ou por falta do que fazer) e outro com a chuva batendo nas poças em
câmera lenta (uma menina que narra um assassinato que cometeu no colégio, de
forma deliberada e orgulhosa com o feito, porque a pena para menor é ínfima).
Por mais que seja absolutamente necessário se referir a casos como este, as cenas
– sobretudo a narração do assassinato – se revelam como algo oportunista no
filme, seja pela pieguice das soluções de imagem para fazer caber o áudio, seja
porque certas questões muito mais gerais e decisivas da educação acabam sendo
obnubiladas pela força desses depoimentos.
O filme também recorre à empatia com certos personagens como forma um
pouco fácil de desenvolver uma relação calorosa com a plateia – não à toa, faz
retornar a adorável aluna-poeta de Manari no fim do filme –, mas, no geral, o
filme consegue mais do que fazer apenas um inventário dos maiores problemas
da educação no Brasil, chegando inclusive a exercitar certos questionamentos
mais teóricos e contemporâneos, como a adequação dos programas escolares às
necessidades da vida dos alunos e à necessidade de uma reformulação completa
do papel entre professor e aluno, uma vez que a relação de respeito ao mestre
construída ao longo de séculos parece não mais fazer efeito nos dias de hoje.
Filme de grandes qualidades e alguns evidentes defeitos, “Pro Dia Nascer Feliz”
funciona como o ponto de partida para um questionamento sobre educação por
parte não só dos professores, mas de todos aqueles interessados na importância
da transmissão de saber e na extrema necessidade que essa transmissão tem na
constituição da cidadania.
* Ruy Gardnier é graduado em Comunicação Social - Jornalismo (UFRJ) e crítico de
cinema.

Esta é uma publicação especial da Universidade Estadual do Sudoeste da
Bahia (Uesb), referente ao projeto “Cinema: Eis a Questão – O Janela
Indiscreta no Vestibular”, realizado pelo Programa Janela Indiscreta Cine-
Vídeo Uesb, em parceria com a Pró-Reitoria de Graduação e a Comissão
Permanente do Vestibular, com o apoio da Pró-Reitoria de Extensão e
Assuntos Comunitários. Tiragem: dois mil exemplares. Distribuição
gratuita.
ORGANIZAÇÃO
Raquel Costa e Talita Nobre Pessoa
DESENVOLVIMENTO
Agência vOceve Multicomunicação
Projeto Gráfico e Design: Isaque Oliveira e Jamille C. Dias
Atendimento: Adailton Rocha, Marco Antonio J. Melo e Rafael Carvalho
Janela Indiscreta Cine-Vídeo Uesb
Revisão: Raquel Costa
FOTOS
Arquivo Janela Indiscreta Cine-Vídeo Uesb
Divulgação
EQUIPE DO PROJETO
Coordenação Acadêmica: Milene Gusmão
Coordenação Administrativa: Raquel Costa
Produção Executiva: Talita Nobre
Apresentação: Aline Mattos
Assistentes de Produção: Rayssa Fernandes e Luciano Marques
UNIVERSIDADE ESTADUAL DO SUDOESTE DA BAHIA
PRÓ-REITORIA DE EXTENSÃO E ASSUNTOS COMUNITÁRIOS
PROGRAMA JANELA INDISCRETA CINE-VÍDEO UESB
Estrada do Bem-Querer, km 04 – Campus Universitário
Vitória da Conquista-Bahia – CEP 45.083-900 | Tel.: (77) 3425.9330
E-mail: janelaindiscretacinevideo@gmail.com
Site: www.janelaindiscretauesb.com.br
CRÉDITOS
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Centro Cultura
Camillo de Jesus Lima
Centro de Cultura
Antônio Carlos Magalhães