21-25 NOVEMBRO 2012 - Festival de cine 4+1

Festival online 

FESTIVAL 

SIMULTÂNEO 

DE CINEMA 

Bogotá Buenos Aires Cidade do México Madri Rio de Janeiro 

CINEMATECA 

DISTRITAL 

CINEMA 

PARAÍSO 

SALA 

LEOPOLDO LUGONES 

CINETECA NACIONAL CINES 

GOLEM 

CENTRO CULTURAL 

BANCO DO BRASIL 

21-25 NOVEMBRO 2012 

www.festival4mas1.com 

Dossier 4+1 Rio_v2.indd 1 20/11/12 12:18 

© ADAM FUSS. Untitled (Sin título), 1998. 

Cortesía de Cheim & Read, Nueva York

Índice 

Apresentação Pág. 3 

Programação Pág. 4 

Seção Ofi cial Pág. 5 

Fora da Competição Pág. 19 

Sessão de Abertura: The Wild Blue Yonder Pág. 21 

Convidado de Honra Pág. 22 

Sessões Especiais Pág. 23 

Um Encontro com Werner Herzog Pág. 29 

Sede Online Pág. 29 

Prêmio do Público 4+1 Pág. 30 

O Cartaz do Festival Pág. 31 

Instituições Associadas e Colaboradoras Pág. 32 

O Festival 4+1 no Festival de San Sebastián Pág. 35 

Preço das entradas e passes Pág. 36 

Departamento de Comunicação Pág. 36 

2 

Paseo de Recoletos, 23. 28004 Madrid O Telf.: 91 581 61 00 O www.festival4mas1.com 

Dossier 4+1 Rio_v2.indd 2 20/11/12 12:18

Apresentação 

O Festival de Cinema 4+1 é um “Festival de festivais” promovido e organizado pela FUNDACIÓN MAPFRE desde 2010 e de maneira 

simultânea na Argentina, Brasil, Colômbia, Espanha e México. Sua principal fi nalidade é resgatar títulos signifi cativos do cinema 

de autor atual que, apesar de participarem dos principais concursos cinematográfi cos mundiais, sendo muitas vezes premiados 

pelo júri, crítica e público, não chegam ao circuito de salas comerciais de cinema. 

Apostando na força da simultaneidade e no caráter antológico da sua programação, o Festival 4+1 deseja celebrar a força do 

cinema como ação compartilhada de enriquecimento cultural e, ao mesmo tempo, destacar o essencial papel dos festivais como 

apoio e estímulo para o desenvolvimento da cinematografi a artística. 

Colaboram com a FUNDACIÓN MAPFRE prestigiosas instituições que em seus países são reconhecidas pelo trabalho de promoção 

do cinema independente: a Sala Leopoldo Lugones em Buenos Aires, o Centro Cultural Banco do Brasil no Rio de Janeiro, a Cinemateca 

Distrital e o Cinema Paraíso em Bogotá, os Cinemas Golem em Madri e a Cineteca Nacional na Cidade do México. Além disso, 

a Seção Ofi cial do Festival estará disponível também na sua Sede Online, através do portal Filmin. 

A cada ano uma destas cidades se transforma em Sede Central do Festival e, como tal, recebe a presença do Convidado de Honra, 

além de servir de cenário para os atos protocolares do evento. Nesta terceira edição, o Convidado de Honra do Festival, Werner 

Herzog, estará presente no Centro Cultural Banco do Brasil, no Rio de Janeiro. 

O Festival concede um único prêmio: o Prêmio do Público 4+1 de Melhor Filme, ao qual concorrem as 14 obras internacionais que 

participam da Seção Ofi cial, e é decidido através da votação dos espectadores dos cinco países. 

Este projeto é promovido pela FUNDACIÓN MAPFRE, instituição que vem adquirindo cada vez mais relevância social, sendo hoje 

considerada uma das fundações culturais mais importantes da Espanha. 

Fundada em 1975, desenvolve ampla atividade na Espanha e na América Latina, tanto no terreno cultural como em outras áreas 

de interesse geral, concretizando assim seu compromisso com o desenvolvimento e o progresso da sociedade (Ação Social, Ciências 

do Seguro, Prevenção, Saúde e Meio Ambiente, e Segurança Viária). 

Independentemente do âmbito de atuação, a FUNDACIÓN MAPFRE sempre aspira criar e executar projetos duradouros, de ampla 

repercussão e que, graças à colaboração com prestigiosas instituições, tenham um maior impacto social. 

Seu Instituto de Cultura contribui para a promoção e divulgação da Cultura, Artes e Letras. Suas atividades são reconhecidas 

internacionalmente graças à qualidade das suas exposições, no entanto, até 2010 o instituto não havia trabalhado no âmbito da 

cinematografi a. Sua decisão de realizar o Festival de Cinema 4+1, a partir de 2010, deve-se a sua convicção de que a linguagem 

visual, em todas suas expressões, domina o discurso narrativo da sociedade contemporânea para explicar a realidade, para facilitar 

a comunicação, e para tornar o mundo e a nossa existência como indivíduos mais compreensíveis. 

3 



Programação 

A programação do Festival 4+1 é composta por três grupos de exibição: 

Seção Ofi cial, que conta com uma seleção de fi lmes recentemente apresentados nos principais festivais internacionais 

de cinema. Seguindo este critério, esta programação permite ao público assistir fi lmes que, apesar de possuírem valor 

cinematográfi co, não conseguem chegar, ou somente chegam muito depois de seu lançamento, aos circuitos comerciais de 

cinema. Portanto, trata-se de uma seleção que pretende ser representativa dos movimentos mais interessantes, produzidos 

cada ano, neste outro tipo de cinema que nunca chega às salas comerciais, e que, contraditoriamente, funciona como 

palco onde surgem as questões e correntes que posteriormente serão vistas no cinema comercial. 

Deste modo, a terceira edição do Festival 4+1 traz obras de consagrados cineastas como Frederick Wiseman, Abel Ferrara, 

Chantal Akerman, Johnnie To e de diretores emergentes como Valerie Massadian, Sylvain George, Evan Glodell, 

Mohammad Rasoulof, além de fi lmes previamente exibidos nos festivais de Cannes, Veneza, Berlim, Toronto, Locarno, 

Sundance, entre outros. 

Fora da Competição, que exibirá dois longas-metragens: 3.11 A Sense of Home, fi lme coral promovido pela diretora e produtora 

Naomi Kawase, Convidada de Honra da última edição do Festival 4+1 e o documentário longa-metragem Hollywood 

Talkies, dirigido por Óscar Pérez e Mia Ribot. 

Sessões do Convidado de Honra, dedicadas a alguns dos mais signifi cativos fi lmes de Werner Herzog. No Rio de Janeiro 

estas sessões serão apresentadas pelo próprio cineasta, que também participará de debates. 

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Seção Ofi cial 

Os 14 títulos que concorrem ao Prêmio do Público 4+1 são: 

4:44 LAST DAY ON EARTH (Abel Ferrara, 2011). 

O lendário diretor de cinema de Bad Lieutenant 

(1992) conta, através de imagens, sua 

angustia gerada pela crise econômica e de valores, 

através de uma fábula apocalíptica em 

que um casal de artistas nova-iorquinos, brilhantemente 

interpretados por Willem Dafoe e 

Shanyn Leigh, encara seu último dia na terra 

trancados em seu loft. Inclusive, com hora 

marcada: às 4.44 da madrugada. O último e 

decisivo fi nal. Os noticiários da televisão dão 

conselhos a uma Humanidade que se prepara (ou exatamente ao contrário) para sua extinção. Este casal decide passar o 

último dia de todas as vidas em seu loft nova-iorquino pintando, fazendo amor, despedindo-se de familiares e amigos por 

Skype, meditando... Entre a raiva, o desconcerto, a tristeza e a lucidez. 

Não é nenhuma novidade que o cinema de autor, e não só os fi lmes da indústria cinematográfi ca, também imagine o fi m 

do mundo. Novidade é o modo aparentemente tão prosaico, porém infl amado de espiritualidade, com que o autor de Bad 

Lieutenant o imagina, adequando seu pessimismo habitual à melhor música de todos os tempos. O cinema, ainda invisível, 

também lança perguntas necessárias. E é melhor que as façamos agora, no território da “fi cção poética”, do que mais 

tarde, quando seja impossível voltar atrás. 

Abel Ferrara (Estados Unidos, 1951) O mais recente fi lme o ledário diretor de The Funeral 

(1996) concorreu na Seção Ofi cial do Festival de Veneza e foi exibido nos Festivais de Nova 

Iorque, Rio de Janeiro e Paris. Ferrara recebeu prêmios honorários pelo conjunto da sua 

obra em Locarno e Sitges. 

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BELLFLOWER (Evan Glodell, 2011). O diretor, 

produtor, ator e roteirista Evan Glodell surpreendeu 

a todos com seu fi lme de estreia, que 

passou por numerosos festivais. Elementos 

díspares que mesclam uma história de amor 

com uma fuga desesperada, em uma ambientação 

pós-apocalíptica... Bellfl ower se destaca 

por sua arrojada aposta estética fotográfi ca, 

resultado das imagens da câmera construída pelo próprio Glodell, a partir de diferentes peças de câmeras e lentes velhas, 

que, somado a um orçamento de gravação bastante apertado, fi zeram com que esta obra virasse um fi lme de culto. O 

grande desafi o (e triunfo) de Bellfl ower é mostrar outro lado disso: um teen movie que faz da sua fragilidade sua bandeira 

e da sua iconografi a – carros tunados preparados para o apocalipse, extintores caseiros, tatuagens indígenas – sua estrutura 

emocional. 

Uma crônica desesperada sobre a paixão, tão exultante na sua delicadeza, quanto contundente na sua práxis narrativa. 

Bellfl ower, a seu modo, é um fi lme desesperado, brutalmente necessário, um grito comovente sobre a tristeza (embora não 

isento de beleza) que pode ser a adolescência. 

Evan Glodell (Estados Unidos) participou de inúmeros festivais internacionais como 

Sundance, Filadélfi a, Atlantida Film Festival, Calgary Underground, Paris Fantastic Film 

Festival e Galway, entre muitos outros. Conta com o Prêmio do Júri Jovem do Festival de 

Sitges 2011. 

Nascido em Wisconsin, mudou-se à Califórnia com o objetivo de ser cineasta. Trabalhou 

em fi lmes independentes e em diversas produções para internet. 

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CRAZY HORSE (Frederick Wiseman, 2011). Reconhecido 

por seu estilo direto, paciente, minucioso 

e observador, sua vasta fi lmografi a 

aborda instituições estadunidenses. Suas incursões 

a universos proibidos renderam-lhe a 

categoria de mestre do documentário. Recentemente 

analisou o fértil ambiente da boemia 

parisiense com Crazy Horse, fi lme no qual ele 

mergulha neste célebre cabaré parisiense 

(templo da sofi sticação da sensualidade e do 

sexo) para nos mostrar um retrato consciencioso 

dos personagens que nele habitam. 

Num mundo onde tudo transcorre com uma rapidez que oprime e cega, onde todos parecem ter vontade de transcender 

com suas palavras, aprecia-se mais o olhar silente, a permanência paciente, e o extremo respeito pelo tempo que Frederick 

Wiseman concede a cada plano, cena e fi lme que realiza. Sua austera aproximação às pessoas que fazem parte deste ofício 

tão singular, associada à poesia dos corpos em movimento, provoca um contraponto muito sugestivo que permite a cada 

espectador o acesso a um lugar privilegiado, o de voyeur. 

Frederick Wiseman (Estados Unidos, 1930) Seu 39º longa-metragem – que do mesmo modo 

que seu anterior fi lme, La danse: Le Ballet de l’Opéra de Paris, realiza um minucioso estudo do 

corpo humano através da arte – participou dos festivais de Toronto, San Sebastián, Nova Iorque, 

Tókio, Mar del Plata e Hong Kong, entre outros. Atualmente está pós-produzindo um fi lme 

sobre a delicada situação fi nanceira da Universidade de Berkley. 

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GOODBYE (Mohammad Rasoulof, 2011). Situações 

e ações que parecem ser corriqueiras na 

vida de uma advogada casada com um jornalista: 

ir ao médico, planejar uma viagem, fi car 

grávida, passar uma noite num hotel... No entanto, 

tudo o que é fácil se opõe à realidade 

iraniana, país onde este fi lme acontece e no 

qual cada uma destas realidades se transforma 

em atividades suspeitas. 

Com a minúcia de uma crônica, Goodbye relata 

a dura decisão de uma mulher de abandonar 

sua terra natal em busca de liberdades 

básicas que já estão fora do seu alcance. O destino da viagem é incerto, um território invisível e inseguro magistralmente 

retratado por Rasoulof mediante o uso do fora de campo como linguagem narrativa predominante: sempre há algo que está 

presente, mais além do que vemos ou ouvimos, para transparentar-se. Uma mise-en-scène em que o rigor da duração e o 

enquadramento parecem propor um jogo com um reverso invisível. 

Este laureado cineasta iraniano, habitual colaborador de Jafar Panahi, compartilha com ele neste quinto longa-metragem 

o olhar reivindicativo sobre a situação de seu país. 

Mohammad Rasoulof (Irã, 1973) recebeu o Prêmio de Melhor Diretor 

em Cannes em 2011 e o Prêmio do Público em Roterdã em 2012, entre 

otros. 

Seu primeiro fi lme, The Twilight (2002), obteve vários prêmios internacionais. 

Em dezembro de 2010 um tribunal iraniano o condenou a seis 

anos de prisão e o proibiu de fazer fi lmes durante 20 anos, mais tarde foi 

absolvido. 

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LA DEMORA (Rodrigo Plá, 2012). La demora 

poderia ser a fi lmagem do que ocorre quando 

alguém se esquece do que aprendeu na infância 

e, anos mais tarde, se vê capaz de abandonar 

seu próprio pai idoso num parque, diante 

da impossibilidade de sustentá-lo. O 

mexicano nascido no Uruguai, Rodrigo Plá, 

adota com este fi lme essências do cinema de 

Montevidéu, nostálgico e seco, na linha de 

Whisky (Juan Pablo Rebella e Pablo Stoll, 2004), para fi lmar algo assim como um pequeno apocalipse pessoal, um colapso 

emocional que termina causando vítimas colaterais: o pai com Alzheimer de uma mulher incapaz de levantar-se sob o 

peso da própria vida. 

O que poderia ser um melodrama (e essencialmente é) se transforma num exercício de depuração cinematográfi ca que 

contém um pequeno tour de force: grande parte do fi lme se apoia na interpretação de dois atores protagonistas, um deles 

ancorado a um barco onde espera, sem êxito, que venham buscá-lo, como um animal abandonado incapaz de entender o 

que é traição. Neste banco, próximo à Rambla de Montevidéu, decorre grande parte do fi lme que não só retrata um jeito 

uruguaio meio gris, mas especialmente aborda a complexidade e a dor de uma vida simples. 

Rodrigo Plá (Uruguai, 1968) estudou cinema na Cidade do México. 

Dirigiu, produziu e escreveu vários fi lmes como Zona do Crime (2007) e 

Desierto Adentro (2008). 

Com La Demora (2011) recebeu o Prêmio do Júri Ecumênico no Festival 

de Berlim e também o do diário Tagesspiegel e participou dos festivais 

de Guadalajara e San Sebastián (Horizontes Latinos). 

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LA FOLIE ALMAYER (Chantal Akerman, 2011). 

Inspirado na história homônima de Joseph 

Conrad, La folie Almayer narra a confl ituosa 

relação entre uma fi lha e seus pais na selva da 

Malásia. Assim como a maioria dos fi lmes da 

belga Chantal Akerman, trata-se de uma história 

do desarraigo, ou, ainda, da descrição 

sobre o vínculo entre as pessoas e seus espaços 

particulares e íntimos (o lar, a escola, e 

nesse caso, a selva), uma relação da qual a 

diretora se apropria graças à precisão da sua 

mise-en-scène: o travelling e o plano fi xo, cuja 

duração supera o que é explicitamente narrado, voltam a ser sua marca de identidade. 

O fi lme se aprofunda no choque cultural que é para Nina, de pai europeu e mãe malaia, a obrigação de frequentar um colégio 

interno regido por uma intransigente e arcaica educação francesa, com o objetivo de preparar-se para uma promissora, 

porém improvável, viagem à Europa. 

Através de uma minuciosa descrição da relação dos pais e do vazio que eles enfrentam devido à ausência da sua fi lha, o 

fi lme se enclausura na selva da Malásia, mostrada em detalhe. E enquanto a narração segue seu curso, a história nos leva 

a pensar sobre o que defi ne o lugar de pertencimento de uma pessoa. 

Chantal Akerman (Bélgica, 1950) foi aclamada pelo Village Voice como “possivelmente a diretora 

europeia mais importante da sua geração”. É conhecida por realizar fi lmes inovadores comparáveis 

às obras de Jean-Luc Godard e Rainer Werner Fassbinder. Rejeita o rótulo de “cineasta feminista” 

que lhe é conferido por ser ativista dos direitos das mulheres através do audiovisual. Com 

este longa-metragem participou dos festivais de Veneza, Toronto, Vancouver, Rio de Janeiro, Montreal, 

Viena, Nova Iorque, Belgrado, entre outros. 

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LAND OF OBLIVION (Michale Boganim, 2011). 

Chernobyl, 1986: começa o apocalipse. Porém 

não de uma maneira totalitária, como ocorreu 

em Hiroshima, mas de uma forma mais furtiva, 

astuta e prolongada no tempo. A dor através 

dos tempos, das gerações. Há que aplaudir, 

e muito, a diretora Michale Boganim por 

ter coragem de querer retratar o momento exato 

em que o mundo veio abaixo, e por fazê-lo 

com uma postura alheia a todo tipo de sentimentalismo 

ou sensacionalismo dramático. 

Seu olhar evita subjugar, buscar culpados, 

abater-se pela miséria. 

Um olhar que é também delicado, que sabe dançar entre as cinzas com a mesma elegância que o faziam os irmãos Taviani 

há 30 anos; que sabe capturar emoções coletivas com o mesmo olhar agridoce do Kusturica de Underground e que, fi nalmente, 

sabe fuçar neste poço sem fundo que é a tristeza humana a partir da secura alcoólica de um Aleksei Balabanov. 

Land of Oblivion não para por aí, revisita o local pós-apocalíptico depois de 10 anos, deixando claro que as distopias não 

são propriedade exclusiva da literatura fantástica. 

Michale Boganim (Israel, 1975) dirigiu vários curtas-metragens que foram premiados nos Festivais 

de Cannes, Berlinale e Palm Springs. 

Seu documentário Odessa... Odessa (2005) foi exibido em Sundance e selecionado para mais 

de 50 festivais internacionais, recebeu um prêmio no Fórum da Berlinale e o Prêmio de Melhor 

Direção no Festival de Cinema de Jerusalém. 

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LES ÉCLATS (MA GUEULE, MA RÉVOLTE, MON 

NOM) (Sylvain George, 2011). Este fi lme, seu 

terceiro longa-metragem, segue o mesmo caminho 

do seu anterior trabalho, Qu’ils reposent 

en revolte (Des fi gures de guerre I, 2010), 

ao retratar com clara vocação política a vida 

dos imigrantes ilegais que esperam em Calais 

sua chance de atravessar o estreito a caminho 

da Inglaterra. 

Evitando o paternalismo e a solidariedade de 

muitos documentários humanistas e sociais, 

depois de quatro anos de fi lmagem George 

constrói uma obra enfurecida, que devolve a 

dignidade dos que são fi lmados ao mesmo 

tempo em que mostra as feridas deixadas pelas políticas migratórias e sociais da nossa desmemoriada Europa. 

Se a obra de George surge com força é exatamente porque ela foge das formas e fundos associados ao cinema social, 

lutando para conseguir um trabalho em que a forma vanguardista recupera sua essência ativista e militante. Sua aposta 

pelo vídeo como formato de fi lmagem surge como uma decisão política: empregar as armas dos meios de massa para desconstruir 

suas representações. Essa é a luta de George, nem mais, nem menos. A violência nessas margens que preferimos 

ignorar. 

Sylvain George (França, 1968) Filósofo, ativista e pensador, o também cineasta George 

somente debutaria no cinema depois dos quarenta anos de idade. Seus fi lmes dialogam 

com o cinema experimental e com a poesia e acabam encontrando a força e a vitalidade 

de um cineasta mal compreendido como Jean Vigo. Com este fi lme participou dos festivais 

de Veneza, Roterdã e Punto de Vista, entre outros. Foi reconhecido com o Prêmio de 

Melhor Documentário Internacional no Festival de Turim em 2011. 

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LIFE WITHOUT PRINCIPLE (Johnnie To, 2011). 

Há mais ou menos dez anos – desde PTU (Police 

Tactical Unit, 2003) e Breaking News 

(2004) – que Johnnie To é considerado o melhor 

autor de cinema policial da nossa era. 

Dotado de um estilo incomparável ao coreografar 

longas e rebuscadas sequencias 

de ação tiroteios, brigas em massa, roubos 

imperfeitos- To visitou todos os seus subgêneros 

– fi lmes de mafi osos, de ladrões de 

colarinho branco, de justiceiros vingadores, 

“exploits” espetáculo ao estilo das produções 

de Hollywood – deixando um legado de obras primas. 

Desta vez To nos apresenta uma delicada peça: um enxuto fi lme de suspense feito de histórias entrelaçadas em que gangsters 

meia-boca farão de tudo para se aproveitar da terrível crise econômica que nos devasta. O resultado é uma obra que 

mantém a tensão e a emoção tão próprias do seu trabalho e que, além disso, se estabelece como um das mais certeiras, 

ao ser um fi el retrato do mundo em que vivemos e ao mesmo tempo um grande e violento fi lme de ação intimista. 

Johnnie To (Hong Kong, 1955) participou com este fi lme dos festivais de Veneza, San 

Sebastián, Toronto, Winsconsin e São Francisco. The Enigmatic Case (1979), o primeiro 

de seus mais de trinta fi lmes nos anos 80 e 90, o estabeleceu como um nome 

de prestígio em Hong Kong. Conhecido internacionalmente por seus fi lmes de mafi osos 

e ação como The Mad Detective e Vengeance, To demonstrou, no entanto, versatilidade 

ao passar de um gênero a outro ao longo da sua extensa carreira. 

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NANA (Valerie Massadian, 2011). Os contos 

infantis são sempre cruéis e mágicos: a cabana, 

o bosque misterioso, o lobo feroz... E Nana 

também é assim. Uma menina de quatro anos 

num entorno rural que se desintegra, como se 

fosse uma Chapeuzinho Vermelho enfrentando-se 

aos perigos, e às maravilhas do mundo. 

Vemos algo que talvez nunca tivéssemos visto 

antes: a maneira como uma menina se apropria 

do seu próprio mundo. A câmera está 

sempre com Nana e sua solidão, com sua inteligência 

e sua personalidade, com sua imaginação e sua autossufi ciência. Sob o olhar da fotógrafa Valerie Massadian, 

numa das estreias mais surpreendentes dos últimos anos, nos despertamos para o fascínio e angústias da infância, que 

se desenrolam numa dissolução de fronteiras. Documentário ou fi cção? Sagrado ou profano? Moderno ou ancestral?... A 

liberdade de espírito e concepção, que alimenta Nana, parece ser feita da mesma matéria, da mesma mágica despreocupação, 

que a que caracteriza o paraíso perdido da infância. 

Valerie Massadian (França,1964) Foi através da fotografi a e da parceria com Nan 

Goldin que Valerie chegou à criação de imagens, desenvolvendo slides (The Link, Mary 

Go Round, Journal de Bord) que foram exibidos em Tóquio, Londres e Porto. Da fotografi a 

herdou a liberdade e a precisão do contato frontal. A partir das colaborações com vários 

cineastas nasce a necessidade de realizar um fi lme próprio, e surge Nana (2011) que 

recebeu o Prêmio de Melhor Filme de Estreia no Festival de Locarno e Melhor Filme Internacional 

nos festivais de Vancouver e Istambul. Nesta obra Massadian analisa os instintos 

animais de uma menina utilizando-se “mais de sensações primárias, do que de 

uma narração explícita em si, talvez a partir de uma compreensão do mundo mais feminina, 

do que intelectual...”. 

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PHOTOGRAPHIC MEMORY (Ross McElwee, 

2011). Lembranças e imagens como terapia 

de cura: Ross McElwee não reconhece seu fi lho 

de vinte anos a quem adorou e fi lmou desde os 

seus primeiros anos de vida; esse menino esperto 

e alegre parece estar agora preso à tecnologia 

que se levanta como um muro entre ele 

e o mundo. 

Num exercício de honestidade, o grande documentarista 

McElwee mergulha na sua própria 

memória (fotográfi ca, porém sem foto real) 

para tentar encontrar na sua biografi a algum 

indício que lhe ajude a entender e simpatizar 

com os motivos que levaram seu fi lho a sua 

atual apatia. Esta viagem real pelas paisagens da sua juventude na França culminará numa refl exão mais sutil a respeito 

do próprio meio -fotoquímico ou digital, no passado ou no presente- que nos conecta com a realidade que vivemos, ou 

pensamos que vivemos, que lembramos ou achamos que lembramos, para que fi nalmente entendamos que a subjetividade 

de cada momento é a única coisa que realmente compartilhamos. É a celebração de um fi lme profundamente sincero e 

humano: altamente recomendável. 

Ross McElwee (Estados Unidos, 1947) participou com Photographic Memory (2011) dos festivais 

BAFICI, Veneza e Las Palmas de Gran Canaria. Dirigiu nove longas-metragens que fi zeram dele 

uma fi gura de prestígio no campo do cinema documental. Sherman’s March ganhou, entre muitos 

outros prêmios, o de Melhor Documentário em Sundance. Time Indefi nite e Six O’Clock News 

também foram premiados em diversos festivais antes de serem exibidos nas salas de cinema dos 

EUA. Bright Leaves foi apresentado na Quinzena de Realizadores de Cannes, e In Paraguay na 

Seção Orizzonti do Festival de Veneza. O MoMA de Nova Iorque e o DocLisboa, entre outros, dedicaram 

retrospectivas à sua obra. McElwee também é professor de direção de documentário na 

Universidade de Harvard. 

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TERRI (Azazel Jacobs, 2011). Pela sua aparência, 

Terri poderia ser considerado como “mais 

uma comédia independente norte-americana”, 

no entanto, o interesse que suas imagens 

provocam transcende completamente as limitações 

deste rótulo. O adolescente gordinho 

que dá título ao fi lme (interpretado por Jacob 

Wysocki), desfi la de pijama pelos corredores 

do colégio, e é o centro de gravidade do fi lme, 

um verdadeiro ‘misfi t’ dentro e fora da tela. 

Estimulado pelo diretor do colégio, um ser 

igualmente inadaptado (John C. Reilly na sua 

melhor forma), ele estabelece laços com outros alunos que têm vidas e atitudes marginais, alvos de chacota e desprezo na 

escola. 

Azazel Jacobs se desenvolve com uma sensibilidade fora de série para transitar com um registro realista pelos territórios de 

uma fábula moral. Porque Terri é, essencialmente, uma emocionante história a respeito da diferença, a respeito de algo tão 

familiar para todos nós como é a sensação de se sentir diferente. Com toda sua estranheza e poesia cotidiana, Terri pode 

chegar a ser entendido como uma releitura compassiva de Freaks, de Tod Browning, em que o sentimento de fraternidade e 

de descoberta pessoal se impõe à caricatura ou à paródia cruel que costumam virar muitos dos fi lmes que retratam seres 

inadaptados. 

Azazel Jacobs (Estados Unidos, 1972) foi considerado pela CinemaScope um dos cinquenta 

melhores cineastas com menos de cinquenta anos de idade. Participou dos festivais 

de Sundance, Nashville, Flórida, São Franciso, Locarno, Rio de Janeiro e Gijón, entre 

outros. Filho do cineasta de vanguarda Ken Jacobs, cresceu rodeado de inovadores e importantes 

artistas em lower Manhattan. Kirk and Kerry (1997), seu primeiro trabalho, faz 

parte da coleção permanente da Biblioteca Pública de Nova Iorque. Antes deTerri dirigiu 

Momma’s Man que foi apresentado em Sundance e rapidamente se tornou um dos mais 

aplaudidos títulos de 2008. 

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THE BALLAD OF GENESIS AND LADY JAYE (Marie 

Losier, 2011). Aproximar-se de uma pessoa 

através do olhar de um artista é invariavelmente 

fascinante devido às ressonâncias que 

vibram no próprio retrato. A cineasta e curadora 

francesa Marie Losier é especialista nesta 

arte. Os retratos de artistas como George y 

Mike Kuchar, Guy Maddin e Richard Foreman 

feitos por ela brilham pela sensibilidade, humor 

e fantasia que reinam em seus enigmáticos 

e bizarros mundos. 

The Ballad of Genesis and Lady Jaye, seu primeiro 

longa-metragem reconhecido internacionalmente, é um relato multidimensional que nasce de algo concreto: Genesis 

P-Orridge, um dos mais infl uentes artistas de vanguarda dos últimos 30 anos, se submete a uma transformação física 

para conseguir fi car idêntico à pessoa que ama, Lady Jaye. A partir daí o fi lme se expande e se torna universal, caminhando 

com frescor e empatia entre a vida profi ssional subversiva de Genesis e sua vida pessoal íntima e única. Este documentário 

surpreende, emociona e magicamente eleva o conceito de amor a uma dimensão pura e até o momento desconhecida. 

Marie Losier (França, 1972) é francesa de nascimento, mas vive e trabalha em Nova Iorque. 

Exibiu seus fi lmes e vídeos em museus, galerias e festivais. Estudou Literatura na França e 

Arte em Nova Yorque. Ganhou os Prêmios Teddy e Caligary no Festival de Berlim, o Prêmio 

Cidade de Lisboa de Melhor longa-metragem no Festival IndieLisboa e participou também dos 

festivais de Turim, Hong Kong French Cinepanorama, Viennale, Punto de Vista e Melbourne, 

entre outros. 

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VERANO (José Luis Torres Leiva, 2011). Os meses 

de verão têm sempre a consistência líquida 

dos sonhos de última hora, a aparência 

nebulosa dos sonhos em vigília: difícil saber 

se pertencem ao mundo real, ou se são invenções 

sentimentais de um coração capaz de 

enganar a razão à base de momentos felizes e 

raios de sol que vazam entre as árvores. Depois 

de uma brilhante carreira no campo documentário 

do tipo mais ousado, e de um fi lme, O 

céu, a terra e a chuva (2008), com o que começava 

sua viagem ao mundo da fi cção, o jovem 

cineasta chileno desembarca agora com uma 

história que parece ter sido feita para desmontar a narração tradicional. Uma narrativa fragmentada que confi rma a 

suspeita de que, se os impressionistas vivessem hoje em dia, trocariam os pincéis pela câmera: luzes, amores, árvores e 

um balneário como cenário para as férias do espírito. Um quebra-cabeça sensorial que consegue o milagre de transportar 

o espectador para este estado de graça que algumas pessoas ainda chamam de verão. 

José Luis Torres Leiva (Chile, 1975) produziu inúmeros curtas e longas-metragens independentes, 

como os famosos Ningún Lugar en Ninguna Parte (2004), Obreras saliendo de la 

fábrica (2005) e El Tiempo que se queda (2007) que o levaram a vários festivais internacionais. 

O céu, a terra e a chuva (2008), seu primeiro longa-metragem de fi cção, estreou no 

Festival de Cinema de Roterdã em 2008, onde levou o prêmio FIPRESCI. Atualmente o diretor 

está preparando os documentários Ver y Escuchar e Los Trabajos. 

18 



Fora da competição 

Os fi lmes exibidos fora da competição são: 

3.11 A SENSE OF HOME (Naomi Kawase e vários autores, 2011). Todos nós sabemos que é impossível voltar para casa, 

mas mesmo assim continuamos tentando, de novo e de novo. O tsunami, provocado por um terremoto em alto mar que 

devastou o Japão no dia 3 de março de 2011, deixou o país inteiro com um sentimento de orfandade e desamparo, uma dor 

inconsolável que revelou a fragilidade e a importância deste espaço comum, íntimo e compartilhado, ao qual chamamos 

lar, e que para muitas famílias desapareceu em questão de segundos, ao ser arrastado pelas águas. 

A diretora Naomi Kawase, homenageada da edição 2012 do Festival, e cujo cinema sempre esteve vinculado aos conceitos 

de efemeridade e intimidade, de beleza e perecibilidade, sentiu, mais claramente que nunca, que o que é belo e importante 

é frágil, ao ser valioso e único. Movida pela necessidade de homenagear as vítimas do tsunami, e ao mesmo tempo de 

refl etir sobre um conceito tão universal, e, no entanto tão mutante, como é o caso do lar, Kawase, com a ajuda do Festival 

Internacional de Cinema de Nara, reuniu vinte diretores do mundo todo, entre eles os espanhóis Víctor Erice e Isaki 

Lacuesta, para realizar este fi lme coletivo composto por vários curtas-metragens, todos de três minutos e onze segundos 

de duração. E não, não é possível voltar para casa, porém todos nós continuamos tentando, construindo nossos lares em 

qualquer canto, agarrando-nos àqueles que amamos. 

Naomi Kawase (Nara, 1969) foi nomeada à Palma de Ouro na edição 2011 do Festival de Cannes 

por seu trabalho Hanezu no tsuki (2011), participando com este fi lme dos festivais de Mito, Yamagata, 

Hiroshima, Pan Asia e Takasaki, entre outros. Foi a mais jovem diretora a levar o prêmio 

Camera d’Or com o fi lme Moe no suzaku, no Festival de Cannes e em 2007 recebeu o Grande 

Prêmio deste Festival com The Mourning Forest. Além disso, seus trabalhos foram reconhecidos e 

premiados em importantes espaços internacionais, como Visions du Réel, Roterdã, e Locarno. 

19 



HOLLYWOOD TALKIES (Óscar Pérez, Mia de Ribot, 

2011) Talvez não devêssemos assistir a 

nenhum fi lme sem conhecer seu contexto, no 

entanto, especialmente este deveria vir acompanhado 

dos anteriores trabalhos de um dos 

seus diretores, Óscar Pérez: um punhado de 

documentários curtas-metragens que exercitavam 

o cinema ao vivo para sacudir as poltronas 

dos espectadores, confortáveis em sua 

complacente posição. Contudo, infelizmente 

isso não será possível e vocês terão que acreditar no que vamos contar: Óscar Pérez foi um mestre do cinema 

documental. 

Seu primeiro longa-metragem, codirigido com Mia de Ribot, sua produtora por muitos anos, se decanta por uma câmera 

estática que fi lma panoramas vazios, fotografi as e rastros de mortos. Fantasmas. Hollywood Talkies conta a história dos 

atores espanhóis que emigraram a Hollywood com a chegada do cinema sonoro, quando na Meca do cinema se gravavam 

os mesmos fi lmes, porém em diferentes línguas, para poder atender todos os mercados: os mesmos planos, os mesmos 

decorados, os mesmos roteiros com outros atores e outros diretores, numas versões gravadas à noite e sem o brilho das 

originais. Trata-se, portanto, da história de uns fracassados, daqueles que sonharam com alcançar as estrelas, porém tiveram 

que se contentar com uma versão reduzida do fi rmamento, com a cópia da cópia, a representação da representação. 

A câmera de Pérez e Ribot visita espaços e retrata vazios ao mesmo tempo em que uma voz nos descreve os fracassos e as 

misérias daquele grupo de sonhadores.. 

Óscar Pérez (Espanha, 1973) e Mia de Ribot (Espanha, 1976) participaram 

dos festivais de Veneza, Gijón e BAFICI. Óscar é um autor peculiar 

que faz um cinema de aparência simples, mas com uma potência 

subversiva. Seu curta-metragem El sastre, obteve o Prêmio de Melhor 

Curta-metragem no IDFA e o Prêmio do Público no Silverdocs de 

Washington. 

20 



Sessão de abertura: The wild blue yonder 

Filmes constroem relatos a partir de materiais quase 

sempre diversos. Os materiais tão específi cos, e entretanto 

tão diferentes entre si que Herzog utiliza para 

construir The Wild Blue Yonder, estão tratados com 

uma elasticidade e uma destreza desafi adoras, a partir 

das quais brotam imagens que ao mesmo tempo 

maravilham e amedrontam. 

O fi lme aborda a situação da Terra com relação à suposta 

existência de vida em outros planetas. Discorre 

sobre três pilares narrativos: as extraordinárias imagens de uma missão da NASA, as gravações de uma expedição ao fundo do 

oceano e imagens, por assim dizer, mais convencionais, de entrevistas a pesquisadores, entre as quais se destacam as de um 

alienígena contando a história do seu moribundo planeta. Pode parecer absurdo, mas é realmente surpreendente a maneira como 

Herzog, a partir destas imagens, nos apresenta o conhecimento científi co que temos do universo. Num lugar onde a matemática, 

a física e a astronomia parecem reinar com irrefutável precisão, a narrativa encontra um resquício para que a fi cção se mostre 

presente e dê sentido ao fi lme. 

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Dossier 4+1 Rio_v2.indd 21 20/11/12 12:19

Convidado de honra: Werner Herzog 

O diretor de cinema alemão Werner Herzog (Munique, 

1942) será o Convidado de Honra da terceira edição do 

Festival de Cinema 4+1 da FUNDACIÓN MAPFRE. O 

‘Festival de Festivais’, homenageará a prolífi ca trajetória 

deste cineasta exibindo, nessas cinco cidades, 

algumas das suas mais signifi cativas obras, bem 

como alguns fi lmes que quase não puderam ser vistos. 

Herzog estará presente na Sede Central do desta terceira 

edição, no Rio de Janeiro, onde dará uma aula 

magna sobre sua visão da cultura, e do que, em suas 

próprias palavras, representa a “agitação coletiva da 

mente”. 

Desde que rodou seu primeiro fi lme aos dezenove anos, 

Herzog já produziu, escreveu e dirigiu mais de sessenta 

longas-metragens de fi cção e documentários, dentre 

os quais se destacam títulos como Aguirre, a cólera 

de Deus (Aguirre, der Zorn Gottes; 1972), Fitzcarraldo 

(1982) fi lme que lhe rendeu o Prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes, Lições da Escuridão (Lessons of Darkness, 1992), 

Escape from Laos (1997), Meu Melhor Inimigo (My Best Fiend, 1999), Invincible (2000), O Homem Urso (Grizzly Man) (2009), 

Encounters at the End of the World (2007) e A Caverna dos Sonhos Perdidos (Cave of Forgotten Dreams, 2011), Prêmio de Melhor 

Documentário Longa-metragem pela Associação de Críticos de Nova York. 

A confl uência de ambos os gêneros, fi cção e documentário, se tornou uma das suas marcas de identidade. Gonzalo de Pedro Amatria, 

curador do Festival 4+1, explica que “a escolha de Herzog como Convidado de Honra do Festival é uma homenagem à sua 

capacidade de surpreender e de manter-se à margem das modas, de ser fi el a si mesmo, como também é um reconhecimento à sua 

singular maneira de entender o cinema que secretamente une poesia, documentário e fi cção científi ca”. 

22 



O Festival de Cinema 4+1 FUNDACIÓN MAPFRE exibirá, nas Sessões Especiais do Rio de Janeiro, nove fi lmes do diretor alemão: 

HERAKLES (1962) 

Primeiro curta-metragem de Herzog. Este fi lme nos remete ao 

mito de Hércules e os doze trabalhos que lhe são impostos depois 

de ele ter matado seus próprios fi lhos. Muitas destas heroicas 

imposições vão interrompendo o relato em forma de perguntas. 

O questionamento mais explícito do fi lme está relacionado com 

os corpos que fazem exercício na academia. É como se Herzog 

se perguntasse, devolvendo-lhes a pergunta, sobre a origem e 

o signifi cado do culturismo e sua permanência até os nossos 

tempos. No entanto, quase como contra plano direto, este culto 

à perfeição física aparece também como símbolo de coragem e 

brutalidade. Será que na verdade se trata então de um culto aos corpos mortos, caídos? 

Quando o fi lme termina com um avião de guerra estadunidense em pleno bombardeio, acentua-se este interesse pela morte 

e pelo uso da força, e surge uma incógnita fi nal sobre a relação entre a fortaleza e a capacidade de destruição do corpo 

humano, e as invenções maquinais do homem. 

LA SOUFRIÈRE (1977) 

Este fascinante e perturbador documentário curta-metragem 

poderia ser entendido como a prévia, 30 anos antes, do longametragem 

Encontros no fi m do mundo (Encounters at the End 

of the World, 2007), ou também o irmão mais velho de Homem 

Urso (Grizzly Man, 2005), no entanto, ele deve ser entendido 

especialmente como sendo uma das ideias centrais, sempre 

presente, na obra de Werner Herzog: de que maneira a loucura 

faz parte do planeta dos homens? O que aconteceria se os 

homens abandonassem a Terra? Nada. Tudo seguiria seu fl uxo 

natural, um dia após o outro, e o planeta continuaria, logicamente, girando. 

Ano 1997. O vulcão La Soufrière, na Ilha de Guadalupe (Antilhas Francesas), anuncia uma iminente e violenta erupção 

que exterminará qualquer manifestação de vida ao seu redor. No início do século o mesmo fenômeno havia ocorrido na 

ilha vizinha, Martinica. Herzog nos mostra fotos e nos conta essa terrível história, no entanto, nesse caso a população não 

havia sido evacuada e todos e tudo (homens, animais, vegetação) foram aniquilados em poucas horas. Todos, exceto um 

réu numa prisão, um delinquente isolado numa cela sem janela. 

Quando Herzog descobre que Guadalupe foi evacuada, mas que alguns homens resolveram fi car, ele decide localizá-los, 

documentar quem são eles, e saber o porquê dessa decisão. Sob a ameaça da grande erupção, sufocados pela nuvem de 

gases tóxicos que cobre a cidade, o cineasta e seus assistentes desafi am o perigo mortal em busca desses resistentes. 

Rastreiam um lugar silencioso e fantasmagórico, onde os semáforos continuam piscando e animais perambulam sem 

rumo. Aproximam-se à cratera e os encontram. Num cenário de fi m do mundo só podem sobreviver loucos, outcasters, 

gente que confi a no destino. 

23 



THE UNPRECEDENTED DEFENCE OF THE FORTRESS 

DEUTSCHKREUTZ (DIE BEISPIELLOSE VERTEIDIGUNG 

DER FESTUNG DEUTSCHKREUTZ) (1966) 

Ano 1966, Áustria. Castelo de Deutschkreutz. 

Prezado capitão, lhe envio o relatório solicitado em terras 

austríacas: ao longe avisto um cenário desolado 

e abandonado. À medida que me aproximo e observo 

com meu binóculo, reconheço quatro soldados. As 

vestimentas e as armas parecem um tanto antigas. 

Reconheço baionetas e capacetes obsoletos. 

Até aqui e à primeira vista a guerra e sua falsifi cação 

se parecem muito entre si. Parece que Herzog nos estava 

explicando que tudo se trata de um jogo de ‘roles’. Que é só questão de aceitar que, assim como em um teatro, tudo 

acontece num mesmo cenário. O fi lme nos obriga a pensar: se a guerra é a arte da paciência, parece que a única coisa que 

nos resta é esperar até que a próxima comece. 

THE GREAT ECSTASY OF WOODCARVER STEINER (DIE 

GROSSE EKSTASE DES BILDSCHNITZERS STEINER) 

(1973) 

A maioria dos documentários se dedica a reproduzir a 

realidade, no entanto Herzog, sendo um dos melhores 

cineastas de não-fi cção, entende que um documentário 

deve transformar a realidade para apresentá-la 

ao espectador de um modo nunca antes imaginado. 

O protagonista aqui é o suíço Walter Steiner, campeão 

mundial de salto de esqui. 

Herzog utiliza câmeras de alta velocidade que fazem 

com que a ação seja vista 95% mais devagar do que a velocidade real. Porém este não é um fi lme de esporte, trata-se de 

um fi lme sobre o isolamento, sobre os limites e as obsessões do ser humano. 

O cineasta vê e fi lma Steiner saltando 179 metros (dez metros mais do que o anterior Record mundial e dez menos do que 

teria sido morte garantida), mas principalmente vê um artista solitário e visionário (um entalhador) e um curioso fenômeno 

da humanidade por explorar. A pergunta que as imagens nos lançam é se o homem se afasta da sociedade devido as suas 

paixões ou se ele escolhe suas paixões para isolar-se do resto da humanidade. Ali, no ar, fl utuando, com os pés muito longe 

da terra fi rme, o rosto de Steiner é de horror ou de êxtase. Um simples fi lme de esporte que se transforma numa experiência 

mística. 

24 



LESSONS OF DARKNESS (LEKTIONEN IN FINSTERNIS) 

(1992) 

Após o término da Guerra do Golfo e depois da retirada 

das tropas, Herzog mergulha nos cenários kuaitianos 

do confl ito para fi lmar um panorama tão inóspito e desolador 

quanto detentor de um perturbador e perverso 

atrativo: à devastação bélica se somam numerosos 

poços de petróleo em chamas, torres de fogo que parecem 

emergir da terra proporcionando um espetáculo 

impressionante. 

Sobre este pano de fundo a câmera de Herzog narra 

várias coisas ao mesmo tempo: as complexas e extremamente perigosas operações para apagar os incêndios, a fratura 

psicológica e emocional que a guerra casou nos habitantes, os danos ecológicos que o Kuwait terá que enfrentar. 

As imagens se elevam ao sublime, fazendo a beleza e o horror conviverem num mesmo plano. Apesar da música que 

acompanha muitas passagens, o silêncio está sempre presente: são testemunhas disto uma mulher e um menino; os próprios 

habitantes emudeceram. Diante de tal horror – afi rma o fi lme, em resumo – é impossível expressar qualquer coisa. 

Novamente só resta agradecer ao diretor alemão por ter estado aí para fi lmá-lo. 

ESCAPE FROM LAOS (1997) 

“Durante aqueles dias minha única amiga foi a morte”. 

Deve-se ter olhado a morte bem de perto, olhos 

nos olhos, para ser capaz de dizer isso sem imposturas, 

sem heroísmos, simplesmente com a certeza de 

alguém que esteve a ponto de morrer, mas sobreviveu. 

Escape from Laos é a versão televisiva de Little Dieter 

Needs to Fly, esse tipo de relato que somente Herzog é 

capaz de encontrar: sempre roçando o delírio, sempre 

roçando a morte, sempre no limite do que é humano. 

Tanto o fi lme, quanto a sua versão televisiva, contam 

a mesma história: a do aviador Dieter, um menino alemão que no dia em que viu aviões bombardeando a sua vila, soube 

que queria ser aviador e que, anos mais tarde, já sendo piloto do exército dos EUA, foi dado como morto quando seu avião 

foi derrubado em plena selva. 

Dieter pertence à estirpe de personagens que, fi ctícios ou reais, Herzog vem abordando ao longo da sua carreira; sujeitos 

normais capazes de extrapolar os limites humanos, sujeitos à beira da loucura capazes de ter as atitudes mais sensatas, 

sujeitos conscientes de que ordinária é a morte e extraordinário é algo tão complexo quanto viver. 

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NOSFERATU THE VAMPYRE (NOSFERATU - PHANTOM DER NACHT) 

(1978) 

Na releitura que Werner Herzog faz de Bram Stoker os ricos comemoram 

o apocalipse com um esplêndido banquete, rodeados de ratos 

portadores da peste negra. Uma metáfora selvagem para este Nosferatu 

que passa do hiper-realismo ao fantasmagórico, homenageando 

F.W.Murnau permanentemente: a imagem do Drácula carregando seu 

próprio ataúde é parte indissolúvel da história do cinema. 

O cineasta alemão se utiliza de um olhar antropológico que reconstrói 

o mito vampiresco tanto desde fora: montanhas, cavernas, corredores, 

mares, canais, quanto de dentro: os rostos e corpos dos personagens 

coadjuvantes, sejam eles ciganos ou burgueses. E tudo isso acaba conferindo 

ao fi lme um acabado místico, conforme ele vai se aprofundando 

num universo fantástico e aterrorizante, no entanto sem poder se livrar 

de sua faceta romântica. E além de tudo isso o fi lme também tem um 

senso de humor deliciosamente macabro. 

Com este lendário fi lme Herzog conquistou o Urso de Prata no Festival 

de Berlim e o Prêmio NBR no Festival de Nova Iorque. 

MY BEST FIEND (MEIN LIEBSTER FEIND) (1999) 

“Eu chamo cada fi o de cabelo branco que tenho de 

Kinski” Desde a primeira cena deste documentário 

entendemos o que Herzog quer dizer com esta frase. 

My Best Fiend, – que quer dizer Meu Melhor Inimigo, 

um jogo irônico de palavras entre fi end/friend, inimigo/amigo 

– retrata a colaboração turbulenta entre o 

diretor alemão e o temperamental ator Klaus Kinski ao 

longo dos cinco fi lmes que realizaram juntos: Aguirre, 

cólera dos deuses; Nosferatu, o vampiro da noite; 

Woyzeck, Fitzcarraldo e Cobra Verde. 

Esta parece ser a história da domesticação de um gênio – e uma fera – para que pudesse caber na tela, para que sua força 

descontrolada pudesse ser fi lmada e desse o máximo de si. Com certa nostalgia e muita generosidade Herzog rememora a 

convivência impossível com Kinski e as situações extremas durante as gravações, seus delírios que aterrorizavam a equipe 

toda, incluindo sérios momentos de ameaças de morte entre os dois. No entanto, este documentário não é apenas uma 

coletânea de histórias incríveis, ele transcende os limites do universo Herzog-Kinski para nos mostrar a entrega e a paixão 

de pessoas que veem mais longe, que vivem seu trabalho – neste caso o cinema – com um compromisso inquebrantável e 

uma coragem insólita. Um fi lme imprescindível. 

26 



INTO THE ABYSS (2011) 

Neste documentário Werner Herzog viaja à América profunda 

para abordar, com seu privilegiado olhar, o sempre polêmico 

(e lamentável) mundo dos condenados à morte. Para isso ele 

reconstrói, através de uma cadeia de entrevistas, um crime 

terrível – tarefa na qual o alemão demonstra ser um fascinante 

entrevistador: tão certeiro e implacável quanto sutil e 

emocionante – numa operação que inevitavelmente remete ao 

tremendo relato construído por Truman Capote em A sangue 

frio. Assim, aproximando-se tanto das vítimas quanto dos assassinos, 

Herzog consegue não só erigir um discurso inapelável contra a pena de morte, mas também construir um retrato 

poliédrico do white trash estadunidense. O cineasta encara o mal absoluto, este grande “tema” cinematográfi co do qual 

quase nenhum diretor conseguiu sair imune, remexendo nas entranhas de um mundo impiedoso. Neste caso, ele não só 

consegue se sair imune desta proeza, como também o faz com um fi lme que é uma “obra prima”. Prêmio de Melhor Documentário 

no Festival BFI de Londres. 

27 



Um encontro com Werner Herzog (Aula magna) 

O século XX foi um erro? 

Como é o clima de entusiasmo que torna um fi lme possível? 

Como foram levantados os pré-históricos e colossais menires da Bretanha? 

Como você moveria um barco a vapor para que ele subisse uma montanha? 

Por que o turismo é pecado? 

Por que viajar a pé é uma virtude? 

Sob o título Um Encontro com Werner Herzog, o cineasta dará uma aula magna na quinta-feira, dia 22 de novembro, no Centro 

Cultural Banco do Brasil, sede do Festival no Rio de Janeiro. Neste encontro, com o apoio de copiosas imagens, música e clipes o 

cineasta augura “uma sessão agitada, cheia de fantasia e excitação, uma tarde plena de vida e de ideias, de fi lmes e de entusiasmo, 

na qual ele compartilhará seus conceitos sobre a arte, a cultura, e o cinema, relembrará suas experiências com personagens 

como Klaus Kinski e Mick Jagger, comentará alguns dos seus fi lmes e livros e, talvez, se aventure a mostrar seu primeiro fi lme, um 

‘western’ recém-descoberto”. O Encontro com Werner Herzog poderá ser acompanhado ao vivo online em www.festival4mas1.com. 

O público do Festival 4+1 conhecerá a paixão de Herzog pelo Fred Astaire, pelo futebol e pela ópera, entenderá por que o cinéma 

verité na verdade está desprovido de verité (“O diretor deve ser o marimbondo que pica, e não a mosca na parede”), por que as 

escolas de cinema deveriam ensinar como arrombar fechaduras e falsifi car documentos. Herzog provará que é melhor escritor do 

que diretor de cinema, discutirá e declamará Geórgicas de Virgílio e fará uma leitura dramática do controvertido catálogo dos 

cinquenta anões da Edda Poética Islandesa, refl etirá sobre as fantasmagóricas paisagens das pinturas de Altdorfer e Leonardo, 

nos ajudará a pensar sobre a algebrização de impensáveis curvas e espaços, explicará por que um homem de verdade deve saber 

ordenhar uma vaca e por que os frangos são animais realmente detestáveis. Pode ser que ele também fale sobre os mais de cinquenta 

fi lmes que escreveu e dirigiu, e sobre seus vários livros, de Of Walking in Ice a Conquest of the Useless. 

28 



Sede Online 

A FUNDACIÓN MAPFRE deseja abrir uma nova janela para o cinema contemporâneo que participa dos festivais internacionais, 

tendo sido seu festival um dos primeiros a contar com uma programação disponível também através de uma plataforma online, em 

2010. Em sua terceira edição o Festival faz uma parceria com a plataforma espanhola Filmin, que será sua “Sede online”. Graças 

a esta colaboração, o público dos cinco países participantes poderá assistir em streaming, e com qualidade HD, à Seção Ofi cial do 

Festival, além de outros títulos que serão divulgados próximo à data do evento (21 a 25 de novembro de 2012). 

Sua programação poderá ser vista online através de diferentes dispositivos: computadores, celulares, tablets e televisões conectadas, 

estando esta última modalidade disponível somente na Espanha. Durante dez dias (de 21 a 30 de novembro) o espectador 

poderá assistir a um único fi lme ou poderá comprar um passe completo que lhe dará acesso a toda a programação em versão 

original, com legendas em espanhol e português. 

Filmin é um portal de cinema online (VOD) pioneiro na Espanha que oferece mais de 3.100 títulos do cinema de autor, comercial, 

séries de televisão, documentários e animes, em versão original e dublados, disponíveis tanto sob demanda por produto, como 

através de um preço fi xo único. Com mais de 600.000 visitas únicas por mês, Filmin é o único projeto espanhol de longas-metragens 

que conta com o apoio do Programa Media da União Europeia. 

29 



Prêmio do Público 4+1 

O Festival 4+1 concede um único prêmio: o Prêmio do Público 4+1 de Melhor Filme, que se decide mediante votação direta do 

público assistente nas cinco sedes do festival. Ao término de cada sessão os espectadores anotam em cédulas a avaliação do fi lme 

que acabam de ver e a soma total de todos os votos determina o fi lme vencedor. 

O Prêmio do Público 4+1 de melhor fi lme está dotado em vinte mil euros e uma escultura, obra do artista Alfredo García Revuelva 

(Madri, 1961). Feita em alumínio policromado, a escultura é uma homenagem ao cinema como obra de arte, e representa o grande 

esforço que requer a criação de uma obra e a intensa e meticulosa união entre o diretor de cinema e seu fi lme. García Revuelva, 

que defi ne a si mesmo como “artista de coração, cidadão do mundo e viajante incansável”, é um dos mais reconhecidos artistas 

espanhóis da sua geração. 

30 



O Cartaz do Festival 

Uma fotografi a do britânico Adam Fuss é a imagem do cartaz da III Edição do Festival de Cinema 4+1 da FUNDACIÓN MAPFRE. 

A imagem escolhida registra o instante em que várias gotas se chocam com uma superfície em calmaria, formando uma série de 

ondas na água. A fotografi a faz parte de Ark, uma das séries mais conhecidas deste artista experimental, que pesquisa as técnicas 

do século XIX para criar, utilizando-se de uma linguagem visual cheia de metáforas. 

“A fotografi a retrata o espírito do Festival, que com a sua programação consegue chegar ao mesmo tempo ao público de distintos 

países, num evento que esperamos ter um efeito enriquecedor sobre a oferta cinematográfi ca, por isso a analogia com o efeito das 

gotas dispersas de Fuss, que ao agirem juntas conseguem produzir ondas que se encontram”, explica Pablo Jiménez Burillo, Diretor 

Geral do Instituto de Cultura da FUNDACIÓN MAPFRE, que há três anos iniciou este original projeto. 

O cartaz resgata uma das mais hipnotizantes criações do artista britânico, exibidas pela primeira vez na Espanha em 2011 quando 

a FUNDACIÓN MAPFRE dedicou uma ampla exposição retrospectiva à obra de Fuss, considerado um dos fotógrafos fundamentais 

dentro do panorama contemporâneo. 

31 



As Instituções do Festival 

O Festival 4+1 é um projeto compartilhado e realizado por instituições dos cinco países que o integram. Junto à entidade promotora 

(FUNDACIÓN MAPFRE), cinco prestigiadas instituições, que em seus respectivos países são reconhecidas pelo seu trabalho de 

divulgação do cinema independente, formam a rede ao redor da qual se desenvolve este projeto. Graças a elas, torna-se possível 

que espectadores localizados há milhares de quilômetros uns dos outros, possam, mesmo sem compartilhar o espaço físico, estar 

juntos nesse espaço emocional para o qual nos transportam os fi lmes. 

Instituições Associadas 

Sala Leopoldo Lugones (Buenos Aires): um 

dos espaços cinematográfi cos mais reconhecidos 

e prestigiados da América Latina. Esta 

temporada comemora seu 45º aniversário junto 

à Fundación Cinemateca Argentina. Os 

grandes mestres do cinema passaram pela 

Lugones como convidados de honra, com retrospectivas 

realizadas em parceria com os 

principais órgãos culturais e cinematográfi cos 

do mundo, como a Cinémathèque Française, 

The Japan Foundation, o Museum of Modern 

Art (MoMA) de Nova Iorque, o Filmmuseum Berlin-Deutsche Kinemathek, o National Film Archive de Londres, o Korean Film 

Council (KOFIC) e o Goethe-Institut, entre muitos outros. A Sala Leopoldo Lugones também reserva um importante espaço 

para o cinema atual, particularmente àqueles fi lmes que não chegam de outra maneira ao circuito tradicional de exibição 

de Buenos Aires. 

32 



Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro): 

O CCBB do Rio de Janeiro é a instituição 

cultural mais visitada do Brasil e uma das 

quinze mais frequentadas mundialmente. Sua 

ampla programação inclui: cinema, teatro, 

música, artes visuais, seminários e projetos 

educativos. Ao longo de mais de duas décadas 

vem dando visibilidade e facilitando o acesso 

a importantes expressões culturais locais e 

internacionais, às artes clássicas e contemporâneas, 

às novas mídias e à recuperação de 

autores e movimentos, além da valorização do conhecimento. Tudo isso para contribuir à formação de novos públicos e 

para fomentar o pensamento criativo e artístico em geral. 

Cinemateca Distrital (Bogotá): Fundada em 1971, a Cinemateca Distrital de Bogotá 

é responsável pela publicação, pesquisa, formação, exibição, conservação e divulgação 

das artes audiovisuais e cinematográfi cas. Desempenha suas atividades 

através da consolidação da sua sede como centro cultural, criando e desenvolvendo 

programas em vários espaços da cidade de Bogotá e também em outras regiões do 

país, e realizando propostas em colaboração com outras instituições nacionais e 

internacionais. A Cinemateca Distrital está constantemente em contato com os protagonistas 

da imagem em movimento: público, criadores, produtores, afi rmando-se assim como importante agente para a 

cinematografi a do país. 

Cinema Paraíso (Bogotá): O Cinema Paraíso, 

um os espaços fundamentais para a divulgação 

do cinema contemporâneo na capital colombiana, 

passa a fazer parte do grupo de 

instituições que participam do Festival 4+1. 

Situado no bairro de Usaquén, ao norte de 

Bogotá, o Cinema Paraíso abriu suas portas 

há mais de 10 anos com o objetivo de oferecer 

uma programação alternativa àquela exibida 

na capital colombiana, especializando-se em 

cinema independente. Este espaço possui a mais alta tecnologia em imagem e som, característica que o posicionou como 

um dos principais pontos de encontro da comunidade cinéfi la de Bogotá. 

33 



Cineteca Nacional (Cidade de México): É a 

instituição responsável por resgatar, classifi - 

car, conservar, restaurar e promover as mais 

relevantes obras cinematográfi cas do México e 

do mundo. Conta com um amplo acervo fílmico 

de mais de 15 mil fi lmes, 365 mil peças na 

sua Iconoteca, 7 mil roteiros e 14 mil livros 

relacionados ao cinema. Ciclos, retrospectivas 

e apresentações especiais compõem sua variada 

e atraente programação, cuja principal 

função é fomentar o interesse do público em geral pelo cinema de qualidade. 

Instituições Colaboradoras 

Além das instituições associadas, o Festival 4+1 também conta com a participação de outras instituições que, de forma relevante 

e em diversos aspectos, contribuem para a realização deste projeto. Em sua terceira edição as instituições colaboradoras são: 

Fundación Cinemateca (Argentina), Casa Malpensante (Bogotá), Cinemas Golem (Madri) e o Instituto Mexicano de Cinematografi a 

(IMCINE). 

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O Festival 4+1 no 60º Festival Internacional de San Sebastián 

Uma das principais aspirações do Festival 4+1 é consolidar-se como um “Festival de Festivais”, como um espaço a partir do qual 

propagar, com a força da sua realização simultânea em cinco países, duas causas: por um lado a de promover o cinema de autor 

que, apesar de participar de grandes festivais no mundo todo e ser frequentemente reconhecido por prêmios do júri, da crítica e do 

público, não consegue chegar aos circuitos comerciais de cinema; por outro lado, a de reforçar a importância do papel dos festivais 

como sendo os pilares básicos e os promotores do Cinema enquanto expressão artística e cultural. 

De acordo com este propósito, o Festival 4+1 aspira colaborar progressivamente com renomados festivais de cinema do mundo 

todo, baseando-se na certeza de que, ao invés de concorrer por fi lmes, diretores e estreias, os festivais devem colaborar de forma 

próxima para conseguir dar visibilidade àqueles fi lmes que devem ser vistos ou, vistos novamente. 

Durante a atual edição o Festival teve a satisfação de repetir a colaboração iniciada no ano passado com um evento que, há anos 

e de forma crescente, funciona como uma verdadeira ponte que une a cinematografi a das duas margens do oceano Atlântico: o 

Festival de San Sebastián. A colaboração se concretiza através de duas iniciativas: 

O Pavilhão de atividades infantis Pequeno Estúdio de Cinema FUNDACIÓN MAPFRE, que durante todo o festival oferece 

uma ampla programação de atividades e workshops que visam a aproximação das crianças à magia do cinema, através 

de uma oferta que abrange desde a maquiagem ou a elaboração de roteiros até a realização de efeitos especiais. 

O Ciclo 4+1, que apresenta dentro da programação do Festival de San Sebastián uma coletânea da cinematografi a do país 

que cada ano é a Sede Central do Festival 4+1. 

No ano passado, estreia da iniciativa no Festival de San Sebastián, o tema do Ciclo 4+1 foi a Cinematografi a Mexicana. Este ano, 

uma vez que a Sede Central do Festival 4+1 é a capital carioca, o Ciclo apresentou atuais fi lmes da poderosa cinematografi a 

Brasileira. 

Nesta 60ª edição do festival de San Sebastián, festejado pela diversidade e qualidade das suas propostas, o Ciclo 4+1, realizado 

com a colaboração do Cinema do Brasil e da ANCINE, exibiu oito títulos pouco conhecidos pelo público espanhol, porém muito 

representativos da produção cinematográfi ca contemporânea e também de geografi as, estilos, modelos narrativos e gerações de 

criadores que determinaram a última década do cinema brasileiro. 

Esta seleção incluiu os seguintes títulos: A esteticista (Sérgio Oksman, 2004), Casa de areia (Andrucha Waddington, 2005), O ano 

em que os meus pais saíram de férias (Cao Hamburguer, 2006), Andarilho (Cao Guimarães, 2006), A casa de Alice (Chico Teixeira, 

2007), Jogo de cena (Eduardo Coutinho, 2007), Santiago (João Moreira Salles, 2007) e O céu sobre os ombros (Sérgio Borges, 2010). 

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Preço das entradas e passes 

Centro Cultural Banco do Brasil. Rio de Janeiro 

Entrada gratuita mediante retirada de ingresso na bilheteria 

Sede Online (www.4mas1online.com) 

Filme individual U$ 2,5 

Passe online (13 fi lmes) U$ 12 

Departamento de Comunicação 

Fátima M. Lima: fmendes@mapfre.com.br + (55 11) 3263-0197 / 7282-9440 

Cláudia Belém: claudia.belem@belemcom.com.br +55 (21) 2555 8900 

www.festival4mas1.com 

www.fundacionmapfre.com 

NOTA: Os textos deste Press Kit foram elaborados a partir das resenhas de fi lmes escritas pelos curadores 

do Festival 4+1: Carlos Reviriego, Gonzalo de Pedro Amatria, Alex G. Calvo, Garbiñe Ortega e Manuel Ferrari. 

REALIZA INSTITUIÇÕES ASSOCIADAS SEDE ONLINE 

COLABORADORES

21-25 NOVEMBRO 2012 - Festival de cine 4+1

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