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+soma . #14
“Entre o sim e o não existe um vão”,
cantava Itamar Assumpção em “Chavão Abre a Porta Grande”.
A vida do compositor nascido em Tietê, que encontrou seu
destino em Londrina e elegeu a cidade de São Paulo como musa,
foi um salto cego nesse vão. Ali, entre o sim e o não, ele disse suas
verdades mais profundas, viveu seus grandes dilemas, plantou
suas orquídeas e colheu tudo que a vida dá a quem vive sem
medo da morte. A +Soma mergulhou nesse vão atrás do rastro do
fenômeno cósmico chamado Itamar Assumpção, que completaria
60 anos neste ano. Apesar de sua aparição ainda ser ignorada
pela maioria dos brasileiros, falamos com um punhado valente
deles, que se dedica bravamente a manter viva a influência de um
compositor cada vez mais essencial, em um mundo onde a música
popular desafia cada vez menos os ouvintes.
Igualmente desafiadora é a seleção de discos peneirados por Rob
Mazurek, jazzista de Chicago que vive lá e cá, emprestando sua
dose de excelência a projetos como o São Paulo Underground e
vários outros. Aceitar o desafio de Mazurek, por sinal, foi uma das
coisas que levaram Richard Ribeiro do punk ao instrumental sagaz
do Porto, aparentado musical do gaúcho Marcelo Armani. Para
Daniel Melim, o desafio é produzir transformação social real. Sua
arte urbana engajada e contestadora encontra ecos no trabalho
do polivalente rapper paulistano Criolo Doido, idealizador da Rinha
dos MCs, principal celeiro do hip-hop na capital paulista,
e do carioca Marechal, que se divide entre seu projeto musical e
oficinas com crianças carentes. Também do Rio vem o impagável
artista e comediante nas horas vagas Felipe Motta, que fez
história no mundo do skate desde os anos 90 com seu traço
inconfundível em shapes, camisetas e trabalhos comerciais,
e que tem um trabalho autoral ainda não muito conhecido,
mas tão significativo quanto. De quebra, ele fala ainda sobre
seu mítico personagem Cara de Cavalo, sucesso há vários anos
no YouTube. Longe de dualidades simplórias, os artistas Paulo
Monteiro e Rodrigo Andrade, ícones da Geração 80, exploram
os limites da forma e da pintura figurativa como nos dizeres de
Beckett: “Ser artista é falhar, como ninguém ousou falhar. Tentem
de novo, falhem de novo, falhem melhor!”
Apesar de perspectivas autorais e visões de mundo diferentes,
esses artistas estão aqui por uma mesma razão. Como Itamar,
fazem de sua arte um aviso: “Não adianta vir arreganhando os
dentes para mim, porque sei que isso não é um sorriso.”
+SOMA

+conteúdo
Shuffle: Rob Mazurek
Itamar Assumpção
Paulo Monteiro + Rodrigo Andrade
Buenos Aires Hardcore
Daniel Melim
Editorial de Fotos: Patrícia Araujo
Acertando as Contas: Felipe Motta
Entre (Outros)
Fernando Chamarelli
Bate-Panela: Curumin
Criolo Doido: Filósofo do Submundo
MC Marechal: Mais Que Música, Uma Missão
Marcelo Armani: Encontro de Sons e Pessoas
Porto
Quem Soma: Lucas Pexão
Seleta: Ronnie Von
Mini
Reviews
Quadrinhos
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ezekielbrasil.com
*$ 1,99 é o nome do disco! Se você pagar um pouquinho mais, leva um pra casa, sangue bom...
Lançamento do novo album $ 1,99
Faça o download gratuito do album na integra em
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O projeto +Soma é uma iniciativa da Kultur, estúdio criativo com sede em São Paulo.
Para informações acesse: www.maissoma.com
Iniciativa . ssssssssssssssssss
Kultur Studio
Rua Fidalga, 98 . Pinheiros
05432 000 . São Paulo . SP
www.kulturstudio.com
REVISTA SOMA #14
Novembro 2009
Fundadores . Kultur
Alexandre Charro, Fernanda Masini,
Rodrigo Brasil e Tiago Moraes
Editor . Mateus Potumati
Assistente Editorial . Marina Mantovanini
Fotografia . Fernando Martins
Revisão . Alexandre Boide
Projeto gráfico . Fernanda Masini
Arte . Jonas Pacheco e Rodolfo Herrera
Conteúdo áudio-visual . Alexandre Charro e Fernando Stutz
Colunistas . Gustavo Mini, Tiago Nicolas,
Ricardo “Mentalozzz” Braga & Daniel “Ouriço” Peixoto, Alex Vieira, Stêvz e Gabriel Renner
Gostaríamos de agradecer a Fotonauta, Agência Alavanca, Arthur Dantas, Kiko Dinucci, Luciano
Valério, Pedro Potumati, Paulo Lepetit, Arrigo Barnabé, Suzana Salles, Luiz Tatit, Luiz Calanca e
Baratos Afins, Anelis Assumpção, Rogério Velloso, Carol Dantas e Movie&Art, Lucas Carrasco,
Jorge Rosenberg, Jairo Torres, a todos os nossos colaboradores de texto, foto e arte, aos que
enviaram material para resenha, anunciantes e aos pontos de distribuição da revista.
Muito obrigado!
Agradecimento especial a todos que direta ou indiretamente colaboram para que a revista
se tornasse realidade e nos apoiam desde o início.
Todos os artigos assinados e fotografias são de responsabilidade única de
seus autores e não refletem necessariamente a opinião da revista.
Publicidade . Cristiana Namur Moraes
cris@kulturstudio.com
Para anunciar ou enviar material para review, entre em contato através
do e-mail redacao@maissoma.com.
Capa
Itamar Assumpção nos anos 1980, em frente a uma das
colunas do MASP. Foto de Jairo Torres.
Periodicidade . Bimestral
Distribuição . Gratuita em lojas, restaurantes, galerias de arte, museus, centros culturais,
shows, eventos e casas noturnas.
Veja os endereços em: www.maissoma.com/info
Impressão . Prol Gráfica
Tiragem . 10.000 exemplares
C
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CM
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CMY
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+colaboradores
Pedro Pinhel
Pedro Pinhel é diretor de arte
profissional, jornalista amador,
colecionador de discos obstinado
e blogueiro fanfarrão. Gosta muito
de basquetebol, suco de abacaxi
com hortelã e de seu setter, Banza.
André Maleronka
É jornaleiro, editor da Vice, não sabe
cozinhar e gosta de comer stognoff
de carne frio às três da manhã.
Arthur Dantas
31 anos. O capitalismo roubou minha
virgindade e atualmente sou contra
TUDO que tá aí. Ama Crass, 4 Walls
e Itamar Assumpção. A favor da
paz, do amor e da esperança.
Flávio Grão
Ilustrador, educador, pintor e
escritor de fanzines. Acredita
no que é arcaico: em artistas
honestos, no trabalho pesado, no
amor ao próximo, na sutileza da
vida e na lei de causa e efeito.
Tiago Mesquita
Tiago Mesquita é crítico de
arte, professor e está fantasiado
de pirata.
Janaina Felix
É professora de inglês e faz
traduções de graça em troca de
entradas para o Espaço +Soma. Já
voltou a beber e abriu uma Quilmes.
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Fotonauta
O Coletivo Fotonauta é: Andrea
Marques, Daryan Dornelles e
Eduardo Monteiro.
Daniel Tamenpi
Jornalista, pesquisador musical
e DJ especializado em soul, funk
e hip-hop. Escreve o blog Só
Pedrada Musical, onde apresenta
lançamentos e clássicos da
música negra.
Paulo Borgia
Jornalista, são-paulino e pai do
Pedro. De vez em quando faz
umas fotos e ainda prefere as
câmeras analógicas.
Débora Pill
É jornalista, produtora cultural
e apresentadora do programa
“Conexões Urbanas”, na rádio
Eldorado FM.
Amauri Stamboroski
Jornalista, cover do Jack Black e
orgulho de Ijuí. Durante o verão caça
insetos para a sua filha, Ramona.
Joshua Klein
Jornalista, mora em Chicago e
escreve para o Pitchfork, Chicago
Tribune e Time Out Chicago,
entre outros. Faz um frango
assado responsa e gasta seu
saleario comprando giz de cera
para as duas filhas.

ROB MAzuREK segue à risca o
sábio provérbio que diz que de
americano carnavalesco e louco
todo brasileiro tem um pouco,
tanto que é americano e é um
pouquinho de Brasil, aiá... Aqui,
ali, acolá e além do acolá, Maza
vem colecionando discos, sons,
experiências, ideias, trabalhos e
exalando boas vibrações por todos
os poros, especialmente para nós
brazucas, que temos a alegria de
estar com esse folião boa parte do
ano. Conheça nove discos da sua
coleção e mais um que eu tive a
difícil missão de escolher entre
os seus projetos, discos solo,
bandas etc. 1
uM DISCO DE OuTROS
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CARNAVAIS
Sun Ra – Nothing Is.
Não existe nenhum
outro carnaval de som e visão como o
grande Sun Ra. Lembro da primeira vez que o
vi, num festival em Chicago nos anos 80.
A banda entrou no palco usando roupões
roxos ao som de percussão, pessoas
cuspindo fogo, um grupo de dançarinos e
sopros com Sun Ra tocando acordes
mágicos pela noite.
uM DISCO DA zONA
FRANCA DE MANAuS
Guilherme Vaz – Povos
Dos Ares. Guilherme Vaz
é o rei do avant garde
brasileiro. Essa gravação, feita na Amazônia,
usa o extraordinário vocabulário do grande
compositor e seu diálogo com os elementos
naturais da vida e morte. Um som assombroso
de minimalismo intenso, levado aos extremos
da ressonância natural.
COM ROB MAzuREK
Por tiago nicolas
DISCO PRA APRECIAR
ESTREBuCHANDO
A BOA E VElHA
CACHACINHA MINEIRA
Bill Dixon – Intents and Purposes. Tem que ser o
som mais de verdade possível. Bill Dixon é um
mestre da orquestração, mesmo usando apenas
a orquestra que vive dentro do seu trompete
celestial. Levanto meu copo de cachaça (de
preferência Coqueiro Velho, feita em Heliodora)
ao mestre Bill Dixon.
O DISCO DE CHI-TOwN
Fred Anderson, Steve
McCall – Vintage
Duets. Fred Anderson
acabou de fazer 80 anos e ainda toca seu
saxofone tenor como um vulcão. Esse disco
extraordinário, gravado com um dos meus
bateristas preferidos (Steve McCall), é um
ciclone de som, fúria e beleza, e encapsula a
ideia da vanguarda de Chicago. Fred também é
o proprietário do famoso Velvet Lounge, a casa
quintessencial do avant garde da cidade.
uM DISCO SEu quE VOCê GOSTARIA quE
TIVESSE uMA Ou MAIS MúSICAS TOCANDO
NuMA PISTA DE DANçA ESFuMAçENTA (NO
CASO DE SãO PAulO, Ex-ESFuMAçENTA)
São Paulo Underground – Três Cabeças
Loucuras. Acabamos de gravar esse disco,
e “Just Lovin” tem uma das batidas mais
neuróticas do século. Se você tocar esse som
numa pista de dança em que estejam presentes
o mestre do Chicago house Matthew Lux,
os paulistanos Chico-Akin e Tiago Mesquita,
provavelmente verá uma dissolução de todos os
valores estabelecidos de certo e errado.
uM DISCO PRO TIO
OBAMA ACABAR DE
VEz COM O EMBARGO
CONTRA CuBA
Nuno Canavarro – Plux Quba. O disco desse
português é um dos que mais mudaram minha
cabeça. Um pouco disso na Casa Branca ia
não só acabar com o embargo sem sentido
contra Cuba como também poderia abrir
mentes para uma visão de amor universal e
acabar com o evangelismo de extrema direita.
uM DISCO DA SuA
COlEçãO quE FOGE
MAIS DO SEu ESTIlO
MuSICAl E AuTORAl
Conlon Nancarrow – Studies for Player Piano.
Uma viagem de som mecânico, primal,
meticuloso e que enche o coração. Os estudos
para piano mecânico de Conlon Nancorrows
compõem o disco que eu sempre escuto
na minha mente, mas seria completamente
incapaz de tocar.
O DISCO MAIS
ElEGANTE DO MAzA
NA MINHA OPINIãO
Sound Is.
2TIAGO NICOlAS é 1/6 DA CHAKA HOTNIGHTz

Itamar
Assumpção,
60 Anos:
O Vão Que Persiste
POR MATEUS POTUMATI . FOTOS DE SHOw POR JORGE ROSENBERG
Na vida sou passageiro
Eu sou também motorista
Fui trocador, motorneiro
Antes de ascensorista
Tenho dom pra costureiro
Para datiloscopista
Com queda pra macumbeiro
Talento pra adventista
Agora sou mensageiro
Além de para-quedista
Às vezes mezzo engenheiro
Mezzo psicanalista
Trejeito de batuqueiro
A veia de repentista
Já fui peão boiadeiro
Fui até tropicalista
Outrora fui bom goleiro
Hoje sou equilibrista
De dia sou cozinheiro
À noite sou massagista
Sou galo no meu terreiro
Nos outros abaixo a crista
Me calo feito mineiro
No mais, vida de artista.
“Vida de Artista”, Itamar Assumpção.
18 19

“Itamar era universal,
a tradução do
Brasil profundo.”
Jorge Mautner
No dia 13 de setembro deste ano, Itamar Assumpção completaria 60
anos de idade. A fase madura da carreira de um dos compositores
mais singulares da música brasileira foi interrompida seis anos
atrás, após uma longa luta contra o câncer. Os pouco mais de 20 anos
que ele dedicou à sua produção musical deixaram dez discos, dezenas
de parcerias e um legado tão poderoso quanto mal divulgado e digerido.
Apesar da aceitação efusiva de parte pensante da crítica e da classe musical
(entre fãs notórios e assumidos estão Hermeto Pascoal, Tom Zé,
Gilberto Gil, Ney Matogrosso, Rita Lee e Z’África Brasil, para ficar em poucos
nomes), em termos de público seu trânsito ficou restrito a um nicho
formado principalmente por universitários e intelectuais, mais rarefeito à
medida que se afasta da cidade de São Paulo.
A capital paulista, onde ele se radicou nos anos 1970, foi figura central
na sua composição. É difícil imaginar outro músico que traduza de forma
tão profunda e abrangente a cidade. “São Paulo não é exatamente amor,
é identificação absoluta... Sou eu”, ele canta na ainda inédita “Eu Persigo
São Paulo”. Talvez essa relação simbiótica explique em parte seu isolamento
do resto do país e do mundo (à exceção da Alemanha, onde tocou
algumas vezes e teve parte da discografia lançada, Itamar é praticamente
ignorado internacionalmente). Desde sua morte, obras importantes têm
tentado reverter esse déficit, como o monumental songbook duplo Pretobrás,
de 2006, de onde foram tiradas algumas aspas que ilustram esta
matéria. O ano de 2010 promete dar um impulso significativo no processo,
com o lançamento de um documentário e da longamente aguardada
Caixa Preta, coleção idealizada pelo compositor ainda em vida, que conterá
todos os seus discos de estúdio e mais dois inéditos.
Contraditório, arredio, “maldito”, Itamar viveu intensamente uma série de
dilemas e dicotomias: independência/sucesso, excitação/amargura, vida
em família/boemia pesada, doçura/draconismo, modalismo do candomblé/vanguardismo
europeu. Fez da independência completa sua grande
obsessão, muito antes de o termo fazer algum sentido no Brasil. “Essa
coisa de ficar de rabo preso não dá certo, nem com os amigos. Porque
aí os amigos pisam no tomate e você tem que ficar quieto”, ele já disse
ao parceiro Luiz Chagas. Não gostava nem que o defendessem e ironizava:
“Minha música dá muito trabalho”. A poetisa Alice Ruiz, uma de
suas melhores amigas e principais parceiras, dizia que tentar entender
e explicar Itamar era “uma honra; mas, como é impossível, contento-me
em contar nossa história”. Como ela, a +Soma não tem a pretensão de
desvendar Itamar Assumpção, mas aproveita estas páginas para contar
outras histórias de sua trajetória, costurar algumas relações e lançar uma
pergunta: será que o Brasil triunfalista do século XXI tem condições de
finalmente dar a um de seus gênios mais injustiçados um tratamento à
altura de sua grandeza? 1
20 21

4caPa do disco bicho de 7 cabeças vol. 1 . reProdução
“Em todas as
músicas está
presente a diferença.
O gênio com vocação
para o sacrifício.”
Quando despontou, no começo dos anos 1980, em São Paulo, Itamar
Assumpção foi rapidamente elevado à condição de ícone de uma
nova e brilhante geração de compositores e intérpretes, a chamada
Vanguarda Paulista. Reunida em torno do extinto teatro Lira Paulistana, que
ficava em frente à Praça Benedito Calixto, no bairro de Pinheiros, a Vanguarda
era formada, além de Itamar e sua banda Isca de Polícia, por nomes
como Arrigo Barnabé, Grupo Rumo, Tetê Espíndola e Ná Ozetti (e, de forma
indireta, grupos como Premeditando o Breque, Língua de Trapo e outros).
Partindo de influências diversas como o dodecafonismo, o atonalismo, a
canção popular, a poesia, o teatro, o rock, o funk, o reggae e elementos da
cultura pop como os quadrinhos e a narrativa radiofônica, os integrantes da
Vanguarda criaram uma linguagem fortemente conectada a uma época que
ansiava pelo próximo passo pós-Tropicalismo. Não à toa, muitos a consideram
o movimento mais significativo na música brasileira surgido depois do
encontro entre Caetano, Gil, Duprat, os Mutantes e Cia.
Parte fundamental desse fenômeno começou a ser gestada em Londrina,
onde Itamar conheceu Arrigo e morou de 1969 a 73. Em entrevista à +Soma,
Arrigo Barnabé descreve o espírito da época.
Arrigo Barnabé. Lembro a primeira vez que eu vi o Itamar, no Festival
de Música de Londrina, em 1971. Eu me apresentei com uma música do
Robinson [Borba, compositor e produtor], com o Paulinho [Barnabé] na
percussão e o Antônio Carlos Tonelli no violão. O Itamar se apresentou com
o irmão dele, Narciso e a irmã, Denise. Os caras faziam umas coisas muito
legais – tocavam atabaque, tumbadora, era um barato. Depois eu voltei pra
São Paulo, tranquei matrícula na faculdade por meio ano e fiquei em Londrina.
Aí, em 73, foi feito o Na BOCA do BODE (misto de show coletivo e
happening que marcou época na cidade, organizado pelo escritor Domingos
Pellegrini com artistas locais, incluindo Arrigo e Itamar). A única coisa
que eu tinha era “Clara Crocodilo” (apresentada pela primeira vez naquele
show), um negócio pequeno, na época não tinha narração ainda, não tinha
nada, era só uma parte musical. O Itamar era o star do Na BOCA do BODE,
junto com o Edwaldo Viecili, o Robinson Borba. Ficamos mais próximos e
continuamos conversando, até que falamos “Itamar, se você quiser ir pra
São Paulo a gente arruma um lugar pra você ficar”.
Ele já veio tocar baixo com você ou não?
AB . Ainda não. O Itamar estava compondo as coisas dele, e a gente montou
um grupinho pra tocar os projetos. Isso já era 74. Ele cantava, o Sérgio
“Se Jorge Ben era
o Sol, Itamar era
a ausência da Lua.”
Pamps tocava baixo, o Tonelli flauta, o Paulinho bateria, eu tocava piano e
o guitarrista era o Ricardo Guará, médico e compadre do Itamar, que viria
a ser seu parceiro. A gente se apresentou na Faculdade de Medicina de
Pinheiros com “Sabor de Veneno”, umas músicas do Itamar – “Prezadíssimos
Ouvintes” e tal – e aí eu lembro que nessa época o Itamar fez “Luzia”
(cantarola, “chega de conversa mole, Luzia”) e colocou no Festival Abertura,
da Globo. Eu coloquei “Clara Crocodilo”, e não fomos classificados.
Já tinha “luzia” em 74, então? (A música só foi lançada em 81, no disco
Beleléu, Leléu, Eu.)
AB . Ah, sim, essas coisas estavam sendo gestadas. E aí nós fomos morar
juntos, o Itamar na casa do Guará, uma república no Bixiga, e depois eu
fui pra lá também.
Foi nessa fase que apareceu o Duprat, não?
AB . Isso, o Rogério Duprat se interessou pelo meu trabalho, eu levei uma
fita pra ele e ele falou “monta um grupo e ensaia que a gente grava”. Aí,
pô, nossa! Eu, o Itamar, o Tonelli e o Paulinho fomos morar em Eldorado
(bairro na divisa de São Paulo com Diadema, perto da represa Billings),
numa chácara em frente à represa. Um lugar sem carro, sem telefone...
Isolados, né.
Estilo “Novos londrinenses”.
AB . Pois é. Ficamos ensaiando, ensaiando, ensaiando, só músicas minhas
nessa época. Mas não deu certo, a coisa era muito difícil. A Zena (viúva
de Itamar) ficou grávida e o Itamar falou “agora eu tenho que me virar”.
A gente desmontou a casa e cada um foi tocar sua vida, o Itamar foi tocar
percussão com o Jorge Mautner um tempo, mas ficamos sempre em
contato. Aí, quando veio o festival da TV Cultura (1º Festival Universitário
de MPB, em 1979), eu classifiquei duas músicas e chamei ele e o Paulinho
pra escrever uns arranjos de base. Eles fizeram coisas muito legais mesmo,
deram a cara pra “Diversões Eletrônicas” e “Infortúnio”, sabe? Ganhamos
e fomos pro estúdio, nossa primeira experiência de gravação (nota: o prêmio
era a gravação de um disco, que foi recusado pela gravadora; Arrigo
foi em frente e bancou o que seria Clara Crocodilo do próprio bolso). Depois
veio o festival da Tupi, onde fomos um relativo sucesso, ganhei como
melhor arranjo, Neuza Pinheiro (então vocalista de Arrigo) melhor intérprete.
Aí, em 80, o Itamar apareceu com “Nego Dito”. Puta, era um barato,
a música era super legal. E aí ele colocou no festival da Vila Madalena, tirou
2º lugar e com isso ficou muito conhecido. A carreira dele começou ali.
22 23
Tom Zé
Arrigo Barnabé

Os shows da Isca de Polícia e dos outros grupos no Lira Paulistana e
em outros espaços de São Paulo atraíam plateias grandes e empolgadas,
entre universitários, fãs de MPB, figuras das artes e da comunicação
e punks da periferia. Porém, sem conseguir despertar interesse
de grandes gravadoras, a cena erguida por Itamar e seus pares se viu ilhada.
Como efeito disso, no entanto, eles praticamente inventaram o conceito de
música independente no Brasil (Clara Crocodilo, de Arrigo Barnabé, é considerado
o primeiro disco independente do país). Quando conversei com
o linguista e líder do extinto Grupo Rumo Luiz Tatit para a feitura desta
matéria, perguntei a ele se se arriscava a dizer por que, ao contrário de
outros músicos de vida conturbada e propostas arrojadas (citei Miles Davis,
um dos ídolos de Itamar), o brasileiro não gozou de consideração parecida
pela tríade indústria-imprensa-público. Isso, claro, excluídas as razões mais
óbvias e conhecidas: o espaço que a música ocupa nos EUA e aqui e a explosão
do pop-rock nacional oitentista, alternativa mais fácil e segura para
satisfazer os anseios por rebeldia e diversão de uma juventude cada vez
mais americanizada.
Mas, ao contrário de companheiros de Vanguarda como Arrigo Barnabé
e o próprio Rumo, as músicas de Itamar, por menos lineares que fossem,
tinham forte vínculo com o rock, o reggae, o balanço e a canção popular. O
próprio Tatit, em seu texto para o songbook Pretobrás, aponta que Itamar é
“um dos raros exemplos de artista que se imbuiu de alguns procedimentos
vanguardistas da música erudita sem nunca perder a dicção pop enraizada
desde a infância”. Mesmo assim, quando comenta a música “Milágrimas”,
parceria do compositor com Alice Ruiz lançada no disco Bicho de 7 Cabeças
Vol. 2 (Baratos Afins, 1993), ele observa, sem esconder certa decepção,
que “poucas vezes os criadores de nosso universo cancional (...) chegaram
a obras-primas desse calibre sem que a maioria esmagadora da população
tomasse conhecimento de sua existência”. Pelo telefone, o músico completou
o raciocínio: “Ele tinha uma expressão extraordinária, chegou a fazer
shows que pareciam de grandes nomes pop como Gilberto Gil e outros.
Quem chegou a ver shows assim não consegue entender como ele não
teve sucesso em atividade, pelo menos nos anos 90, quando o trabalho
estava bem maduro.” Para Arrigo Barnabé, as razões passam também pelo
temperamento de Itamar, muito resistente a mergulhar nas águas turvas
do mercado. “O Itamar era um cara complicado, ele não tinha a diplomacia
necessária pra entrar no mercado. Ele falava ‘eu não sou bonzinho, Arrigo,
o bonzinho é você’ (risos), porque eu conversava com as pessoas, sabe?
Acabei ficando sozinho.” Na sua avaliação, as coisas poderiam ter sido diferentes
se Itamar tivesse tido “um pouco mais de jogo de cintura”.
Voltando à comparação com Miles Davis, Tatit defende que um fato crucial
diferencia os dois: a intervenção de Itamar na música foi mais audaciosa
que a do norte-americano. “Apesar de toda a genialidade do Miles Davis
e de outros jazzistas, eles estavam falando a linguagem do jazz e produzindo
algo integrado com outros músicos menos problemáticos. O Itamar
apostou numa coisa muito difícil. Sua proposta de arranjos, de shows, de
“Antes do Itamar, a
imagem do negro na
música brasileira era a
representação do malandro.
Ele foi o primeiro a colocar
agressividade abertamente,
muito antes do rap.”
24 25
Ricardo Guará

cantar simultaneamente várias vozes é difícil de assimilar até hoje.” Quem
tem familiaridade com a discografia do compositor e o viu no palco – em
especial na primeira metade dos anos 80, quando ainda se apresentava
com a Isca de Polícia –, sabe que nenhum show era igual ao outro. E não
se trata de figura de linguagem: além de serem exaustivamente arranjadas
nos discos, as músicas eram constantemente alteradas ao vivo, ou por novos
andamentos, novas articulações nos diálogos com os vocais de apoio,
ou mesmo seções instrumentais completamente novas. Os ensaios, diários,
começavam às 8h da manhã e chegavam a durar 6 horas.
Essa prática foi muito intensa durante a primeira fase da carreira de Itamar
Assumpção, que vai de 1981 a 85 e compreende o já citado Beleléu,
Leléu, Eu e também os discos Às Próprias Custas S/A (1982) e Sampa
Midnight – Isso Não Vai Ficar Assim (1985), obras-primas cuja experiência
de audição só se completava no palco. “É um formato de obra
criado por ele”, diz Tatit, que chama de “rock de breque” as músicas
dessa época, entrecortadas por baixos desnorteantes e guitarras que
se descabelam junto com falas de forte teatralidade. A banda Isca de
Polícia, ele diz, é a antítese da Banda do Sargento Pimenta do quarteto
mais famoso de Liverpool: música negra, de cabelo ruim, que “não transa
parente” e passa longe de tudo que use uma farda. “Os breques e as
frases instrumentais dialógicas sugeriam e ao mesmo tempo abortavam
as respostas corporais da juventude dançante. Era rock até certo ponto...
Jamais completamente. Pouca coisa em Itamar mostrava-se regular a
ponto de justificar seus anseios de popularidade.”
Ao contrário do que parece, no entanto, as músicas eram baseadas em acordes
simples de violão e harmonias pouco complexas. “Ele tocava um violãozinho
muito simples”, segue Tatit, “brincava que não gostava de pegar músicas
muito difíceis pra cantar, com ‘esses acordes que parecem aranha’(risos).
O Itamar é um grande exemplo do fato de que a formação musical não distingue
o cancionista.” Paulo Lepetit, que foi baixista da Isca e trabalhou em
quase todos os discos de Itamar, reforça a ideia: “Dificilmente uma música
dele tem mais de quatro acordes. Com os arranjos, parecem que são composições
complicadas, mas você vai tocar no violão e vê que são canções,
mesmo. Ele tinha uma maneira muito própria de desenvolver a música, com
essa característica dos arranjos”. Ele, o músico que trabalhou mais tempo
com Itamar, lembra bem quão “próprio” era esse procedimento: “Quando
alguém falava ‘vamos fazer aquela música?’ a gente brincava: ‘vamos, qual
arranjo?’ ‘Ah, o 632 (risos)’”. Apesar de Itamar dizer, faceiro e com todas as
letras, que queria “cantar na televisão” (“Prezadíssimos Ouvintes”, 1985), facilitar
as coisas para o público certamente não era um de seus objetivos.
“As pessoas ouviam uma coisa no disco e queriam aquilo, né? Um cara que
faz sucesso no rádio dificilmente muda o arranjo de forma substancial, porque
o público quer cantar junto, quer entender.” Às vezes, segue Lepetit, a
coisa era explícita: “Chegava no show e alguém pedia uma música, que seria
o nosso hit. Ele falava, ‘Ah, agora só porque você pediu nós não vamos tocar.
Se você quiser, compra o disco e vai ouvir’ (risos). Quer dizer, era tudo pra
dificultar o andamento da coisa.”
A obsessão por fugir às expectativas era tanta que mais de uma vez, depois de
shows catárticos, a banda exultante nos camarins recebia um balde de água
fria de Itamar. “Ele entrava berrando ‘Minha música não é nada disso, vocês
não entenderam nada!’”, lembra Suzana Salles, uma das vocalistas da Isca de
Polícia. “Ele não queria soar parecido nem com ele mesmo”, completa Lepetit,
sem segurar o riso. “E essa era só uma entre várias outras incoerências na vida
dele. Mas em uma coisa ele foi sempre coerente: permanecer fiel a uma maneira
de fazer música e não facilitar as coisas. Nisso ele foi até o final.”
“Montanha russa de
sentimentos que raros
artistas proporcionam.
Eu o tenho como um
dos mestres.”
B. Negão
Inicialmente, Rogério Velloso foi chamado pelo Itaú Cultural para fazer um
especial de meia hora sobre Itamar Assumpção. Quase 150 horas de material
depois, o trabalho de cinco dias se transformou no projeto de um ano. São 4
Terabytes de espaço em disco – 20 Gigas só de fotos – e quase 30 entrevistas.
Com direção de Velloso, roteiro seu e de George Queiroz e produção de Carol
Dantas, da Movie&Art, o documentário ainda sem nome sobre Itamar deve
ficar pronto em janeiro de 2010. Entre as imagens a que tive acesso estão dezenas
de shows nunca vistos, como um especial para a Globo que não foi ao
ar, imagens de acervo da TV Cultura e a última apresentação do compositor,
da qual ele saiu direto para uma maca.
Como trilha sonora, além de músicas conhecidas figuram faixas já finalizadas
da Caixa Preta. Uma das mais fortes, sem dúvida, é a belíssima “Devia
Ser Proibido”, parceria com Alice Ruiz que Itamar gravou pouco antes de
morrer e que, até o fechamento desta edição, a poetisa ainda não tinha
ouvido. Mesmo com uma voz às vezes vacilante, que sai com extremo esforço,
está ali uma versão ainda melhor do Itamar maduro dos últimos dez
anos de carreira, eternizado na trilogia Bicho de 7 Cabeças (Baratos Afins,
1993) e nos álbuns Preto Brás (Atração Fonográfica, 1998) e Isso Vai Dar
Repercussão (Elo Music, 2004, parceria com Naná Vasconcelos).
Rogério Velloso explica que, quando recebeu o convite para dirigir o documentário,
havia uma expectativa de fazer algo mais experimental, ligado à sua experiência
em vídeo-arte. “Passei vários meses brigando com a forma, até que eu
percebi que não tinha como fazer algo à altura dele, a não ser entrar na história
mesmo.” A partir daí, o filme passou a ter um caráter investigativo. “Queríamos
conhecer um Itamar mais íntimo possível, não o que ficou na história.
No fim, acho que a gente foi bem no íntimo mesmo, nas lembranças,
na dor das pessoas. Circulamos muito pelas cozinhas, pelos quintais, e
era como o Itamar chegava na casa dos outros. Se a cozinha estava desarrumada,
ele arrumava a cozinha. Depois ia olhar as plantas. Isso na
casa de quem fosse. Foi esse cara que fez essa obra tão revolucionária,
tão particular.”
Especialmente após a audição de suas músicas inéditas, é inevitável
ceder à tentação de fazer um questionamento comum, ainda que tolo,
diante da morte precoce de artistas tão talentosos: o que Itamar Assumpção
estaria fazendo se estivesse vivo? Ouvir “Devia Ser Proibido”
ou vê-lo puxando o erre suave e palatar característico em vídeos nunca
lançados nos dá, ainda que por um momento, a sensação de poder espiar
esse futuro condicional. Ainda que Tonho Penhasco, um dos guitarristas
de Sampa Midnight, defenda que a obra de Itamar provavelmente
não seria tão forte se ele fosse o tipo de artista que morre de velhice,
uma frase de Arrigo Barnabé ainda ecoa na cabeça: “Ele mudava sempre
os arranjos e as coisas ficavam melhores, melhores, melhores. Era
incrível, poucas pessoas conseguem isso”. Em um texto de Pretobrás o
mesmo Arrigo, autor de Missa In Memoriam Itamar Assumpção, define,
em tom litúrgico: “Ele não recuou em nenhum momento. Vociferando
como um louco, grinfando como uma cotovia, fera ou anjo, poeta ou
profano, arrancou a coragem necessária para o (seu) sacrifício como
um animal que rói a própria pata para se livrar da armadilha, pois ele
sabia que esperar seria a escravidão e a morte.” O sentimento, estranho
e contraditório, é de um saudosismo do futuro. Pensando bem, nada
mais Itamar. 3
4banda isca de PolÍcia em 1983 . Por oscar bastos
2 SAIBA MAIS
Pretobrás, Ediouro, 2006 (2 Vol.)
Na BOCA do BODE, AtritoArt, 2005.
last.fm/music/Itamar+Assumpção
baratosafins.com.br/itamar
26 27

&
Paulo Monteiro
rodrigo andrade
Por tiago mesquita
o linear e o Pictorico
RODRIGO ANDRADE 4CARAguá, óLEO SOBRE TELA, 80X100CM, 2008
28 29
i

PAulO MONTEIRO 4SEM TíTuLO. óLEO SOBRE TELA, 50X40CM, 2008
No ano passado, volumes dedicados às obras de Paulo Monteiro e Rodrigo Andrade chegaram às
livrarias. O livro sobre Monteiro acompanhou a primeira retrospectiva do artista, que aconteceu
na Estação Pinacoteca, em São Paulo. Lá ele mostrou obras conhecidas e inéditas, tanto na idade
como na linguagem. Andrade também aproveitou o lançamento para exibir seu filme Uma Noite
no Escritório. Para quem começou em um período em que diziam não haver nada de novo sob o
sol, é um baita feito.
Os dois artistas vivem um período particularmente produtivo. Trabalham como nunca,
desenvolvem novas formas de lidar com linguagens e se aventuram por novas manifestações
da arte. Assim, além de recontar a história de sua obra, os livros indicam caminhos que eles
estão trilhando agora. Hoje, a obra de um compartilha apenas algumas questões com a do
outro. Apesar da origem comum, cada um tomou seu rumo, mas ambos lidam com uma forte
presença da matéria, trabalham sobre um material viscoso e pesado. Além disso, o modo como
tratam os elementos nos transmite a impressão de uma obra que, por mais abstrata, mantém
características da figuração. Se em Monteiro isso parece guardar alguma relação com o desenho
e a caricatura, em Andrade vem da definição espacial que suas formas, ao se relacionarem umas
com as outras, realizam. 1
Geração 80
Tudo que foi dito até agora ainda é pouco. O que os apro-
xima de fato é a origem e o sentido que deram a um tipo
de arte que parecia condenar a renovação da linguagem: a
pintura figurativa dos anos 80. Acredito que o modo peculiar
como um e outro entenderam, encararam e responderam aos
impasses de alguns artistas daquela época ajudou a definir
os caminhos que seguiriam depois. Foi por se interessar em
aspectos diferentes da pintura que seu trabalho se afastou de
uma matriz neo-expressionista.
Embora se dediquem a questões diversas, os dois se tornaram
artistas na mesma época, no mesmo estúdio, trabalhando
dentro da mesma linguagem. Isso sem contar que expuseram
juntos mais de uma vez e, no início de carreira, era
comum que o trabalho de um fosse associado ao do outro.
Amigos de longa data, começaram desenhando quadrinhos.
Na época de escola, publicavam seus desenhos na revista
Papagaio (1977). O interesse pelo desenho os aproximou da
arte contemporânea.
Enquanto estudavam com o pintor Sérgio Fingermann, observavam
obras clássicas e do século XX até a retina doer. À
medida que olhavam, pensavam e articulavam suas próprias
imagens, sua própria linguagem. Começaram a produzir seriamente
no mesmo ateliê, a Casa Sete, onde dividiam o espaço
com outros ótimos artistas: Fábio Miguez, Carlito Carvalhosa e
Nuno Ramos. Sobre papel craft, todos pintavam imagens um
pouco cômicas e trágicas, partindo do esmalte sintético e passando
a outras tintas.
A pintura neo-expressionista da época os influenciou, mas a
influência maior era, como reforça Alberto Tassinari, a pintura
refinada do canadense Philip Guston. O gosto pelo trabalho
de Guston não é gratuito. Um dos artistas da passagem da
arte moderna para a arte contemporânea, ele vinha do expressionismo
abstrato da década de 50. Mais velho, se interessou
pelos quadrinhos, por temas vulgares e rotineiros. Começou
a figurá-los com traço caricatural e cor pesada, que
muitas vezes dava aos corpos a aparência de carne esfolada,
de matéria bruta e massuda. O modo de lidar com a matéria
pegou os dois artistas paulistanos em cheio.
Com esse tratamento da tinta em mente, Paulo Monteiro e Rodrigo
Andrade abordavam temas da pintura alemã e americana
dos anos 80. Ao contrário de teutos como Markus Lüpertz
e Anselm Kiefer, no entanto, esvaziavam o conteúdo simbólico
das imagens e transformavam as figuras em objetos pesados,
feitos com pinceladas carregadas de tinta e pouca uniformidade.
A pintura de Kiefer lidava com um aspecto oculto nos
símbolos pictóricos e históricos de um país recém-saído do nazismo.
Sua obra traz à tona sentidos que aquelas imagens cívicas
e míticas queriam carregar para o túmulo. Responde com
gestos violentos e intensos a uma violência cultural silenciosa.
Do mesmo modo, a arte dos norte-americanos tem muito de
resposta histórica. Julian Schnabel, David Salle e Jean Michel
Basquiat eram associados a uma estética descompromissada,
preocupada com certa espontaneidade e leveza, supostamente
deixadas de lado pelos artistas do minimalismo e da
30 31

arte conceitual. Os trabalhos de Paulo Monteiro e Rodrigo Andrade não se preocupam
nem com o lado oculto dos símbolos e nem pretendem ser uma resposta
histórica ao minimalismo. Embora ambos tenham sofrido a influência de Kiefer,
Schnabel e Lüpertz, sua pintura não busca ser um veículo para a revelação. O que
os interessava naqueles pintores era o acabamento, o modo de usar as cores, que
lembra um uso de adjetivos exagerados e uma certa figuração caricata e deformada.
Além disso, eles também se interessavam pelo tratamento tátil da tinta, a
camada espessa de cor que vinha sobre a tela.
A questão do tema, bem como a concepção da arte como experiência de revelação,
passa longe dos dois artistas. Na verdade, ao longo de sua trajetória,
de maneiras diferentes, a figura (em Paulo Monteiro) e o gênero (em Rodrigo
Andrade) parecem se diluir a cada passo. Paulo Monteiro se concentra no gesto
como tentativa de conformar uma massa de chumbo, uma mancha difusa de cor
ou mesmo um espaço em branco do papel. Se existe um tema, é a possibilidade
de o gesto artístico conformar uma massa. Já a trajetória de Rodrigo Andrade é
mais cheia de idas e vindas. Como Monteiro, ele também trabalha em uma zona
cinzenta entre a figuração e a abstração. Porém, ao contrário dele, que procura
mostrar o caráter resistente da matéria, Andrade retira a definição linear dos
espaços. O desenho desaparece, e o espaço da tela torna-se lugar para manifestação
de formas regulares de luminosidade.
Trabalhando no grau zero da teologia, nenhum dos artistas revela mistérios escamoteados.
Preferem aproveitar a densidade de cor e de matéria para desfazer
a imagem e estabelecer outras relações entre os materiais. Incrível como um e
outro desenvolveram maneiras tão distintas de lidar com a imagem e nos contar
coisas a partir de uma relação tão pouco discursiva.
“Ser artista é falhar,
como ninguém ousou
falhar. O fracasso
é o seu mundo e
recuar diante dele é
deserção [...] incapaz
de agir, obrigado a
agir, ele gera um
ato expressivo,
mesmo que apenas
de si mesmo, de sua
impossibilidade e de
sua obrigatoriedade.”
Samuel Beckett
Paulo Monteiro: Errante
O artista desenha sempre a partir das margens. Mas o branco, corrosivo, aparece com uma força gigantesca, que
empurra os traços para a borda. O curioso é que, muitas vezes, o traçado insinua formas reconhecíveis: fragmentos
do corpo humano, um homem a desenhar. Eles nunca aparecem inteiros, mas como uma tentativa de insinuar forma
em uma natureza que não quer ser reconhecível. Os desenhos parecem buscar a síntese do traçado de Matisse, com a
diferença de que o que eles contornam não é algo plano e estável, mas um branco luminoso, que nas curvas dos traços
nos ilude e sugere um volume que quebra a linha. Dessa forma, sua poética fala de uma tentativa que sempre tem algo
de falha, da forma que nunca se encontra na matéria. Diante de tal consciência, o artista começou a sugerir relações
de equilíbrio nessas massas fugidias. Nas esculturas feitas a partir de 2000, a poética deixou de falar só do gesto, mas
tratou de relações mais compositivas que o artista estabeleceu com seus volumes.
Aquelas formas molengas, em vez de se desfazerem ou desabarem com o gesto, agora estabelecem relações de equilíbrio.
É como se o artista cortasse a peça de argila e a torcesse no limite. Acredito que esses gestos e manchas desencontradas
revelam muito de uma reflexão do ofício de quem figura, de quem tenta encontrar uma forma idealizada em
um material que nem sempre é simpático. Por isso o trabalho tem algo de cômico, de uma forma que não consegue se
completar, se desfaz e se torna algo diferente do que o artista havia planejado.
O procedimento de Paulo Monteiro tem algo de errante, nos dois sentidos que a palavra pode ter. Por um lado, tenta
procurar uma forma desenhada, apesar de não saber perfeitamente onde ela está. Mas é errante também no aspecto
do erro. O artista parece não acertar a mão, finge que seu gesto não dá conta da configuração que ele quer dar ao
material. Pura cascata, pois é aí que ele acerta.
Não sei se alguém me sugeriu isso, mas quando vi a exposição retrospectiva de Paulo Monteiro lembrei da descrição
que Samuel Beckett fez da pintura de Bram Van Velde: “Ser artista é falhar, como ninguém ousou falhar. O fracasso é
o seu mundo e recuar diante dele é deserção [...] incapaz de agir, obrigado a agir, ele gera um ato expressivo, mesmo
que apenas de si mesmo, de sua impossibilidade e de sua obrigatoriedade.”
32 33
RODRIGO ANDRADE 4PINTuRA PARA PEIxES, óLEO SOBRE AQUÁRIO DE VIDRO, ÁGUA E PEIXES, 2008
4Paulo monteiro e rodrigo andrade

PAulO MONTEIRO 4SEM TíTuLO. óLEO SOBRE TELA, 160X179,5CM, 1999 E SEM TíTuLO. CHUMBO, 44X44X27CM, 2000
RODRIGO ANDRADE 4FRAME DO FILME uMA NOITE NO ESCRITóRIO, 2007 E SEM TíTuLO, óLEO SOBRE TELA, 190X240CM, 1992.
Acredito que essa dificuldade de moldar algo seja fundamental na explicação
de seu trabalho, tal como um personagem de Beckett fala em Worstward
Ho (1983): “Tentem de novo, falhem de novo, falhem melhor”. Diante
de uma vida que se mostra tão arisca, Monteiro encontra um jeito de fazer
com que a linha dê sentido ao que nos escapa.
Rodrigo Andrade: Ilusão e
Alucinação
Em mais de uma oportunidade, ouvi de Rodrigo Andrade ou de Paulo
Monteiro que ambos tinham temperamentos artísticos muito diferentes de
quando começaram a desenhar. Monteiro desenhava caricaturas, com um
traço influenciado pelos grandes nomes do humor. Rodrigo Andrade sempre
teve mais facilidade para o traço realista. Isso aconteceu faz muito tempo,
mas parece um bom esteio para diferenciar a obra dos dois. Enquanto
Monteiro tenta descrever o material e lhe atribuir característica, além de
preferir um formato satírico, Andrade parece fazer um esforço da busca da
verossimilhança. Mas como falar de verossimilhança quando se trata de um
artista que pinta pastilhas de cor tão naturais como a bala Chita?
Existe um conflito doutrinário na história da arte que tem mais de mil anos
de idade. Ele coloca de um lado artistas que unificam sua cena pela linha
e de outro artistas que unificam sua obra pela cor. Os artistas do desenho
são vistos como racionalistas e os da mancha, ligados à percepção dos sentidos.
Os primeiros são chamados de lineares, os segundos, de pictóricos.
A conversa veio de longe e animou boa parte da produção moderna. Em
grande medida, a oposição mais simplória entre artistas concretos e neoconcretos
passa por esse embate.
No caso do trabalho de Rodrigo Andrade, tanto a linha como a mancha são
da maior importância. Mas, se Paulo Monteiro tratou do gesto de conformar a
matéria como um assunto, falando mais de linha, ou da possibilidade de a linha
conformar a matéria, o trabalho de Andrade parece tirar as determinações da
linha do espaço e fazer com que o percebamos a partir da junção de formas
regulares de cor. Nos últimos dez anos, ele simplificou os elementos de sua
pintura, diminuiu o número de cores e passou a trabalhar com formas bastante
simples. Mas, pela relação que ele estabelece com as outras formas, logo entendemos
o que Andrade quer dizer. Em uma linda pintura de 1998, você não
vê o cômodo pela sua arquitetura, mas pela relação que manchas regulares
estabelecem entre si. Trata-se de uma mesa preta diante de dois retângulos,
que parecem se abrir para fora de uma sala que não é lugar nenhum. Mas não
há luz e nem algo que marque uma particularidade do lugar, só a relação entre
formas mais superficiais e outras que sugerem a tridimensionalidade.
De 1995 a 1998, os lugares onde acontecem a figuração tornaram-se cada
vez mais indefinidos. Nessa época, ele fez pinturas quase monocromáticas
inspiradas nas gravuras de Oswaldo Goeldi. A escuridão, típica da obra goeldiana,
se revelava como um breu, onde não percebíamos os limites visuais
dos lugares. Apreendíamos a singularidade dos corpos do modo como um
cego faz, pela tatilidade das formas, moldadas cuidadosamente pelo pincel.
A pintura raleou um pouco, mas os lugares se tornaram ainda mais indeterminados.
No fim da década de 90, aqueles interiores se tornaram espaços
vazios. Alguns pareciam cômodos que acabaram de receber a mudança. Um
lugar onde moram caixas fechadas e móveis que não sabem onde vão ficar.
É importante lembrar que esse tema sempre foi um dos preferidos de Andrade.
Em 1985, ele fez quartos vazios, bagunçados com uma paleta gustoniana.
Certamente alguns dos melhores trabalhos que a chamada Geração 80 realizou.
Mas os espaços não perdiam apenas a ordem. Pouco a pouco, as paredes
deixam de ter cantos, o chão e o teto desaparecem. O que antes sugeria
um espaço arquitetônico agora é apenas o intervalo entre formas volumosas
que sugerem alguma relação de anterioridade e posterioridade diante da cor.
Eis que, em 1999, o procedimento se torna anônimo. O artista tem a ideia
de eliminar o fundo colorido e aplicar formas previamente determinadas na
tela branca. Agora, as formas são sobrepostas, justapostas com distâncias
diferentes. Alguns retângulos coloridos são mais espessos que os outros.
Quem olha essas pinturas inevitavelmente estabelece relações entre as formas,
dadas pelas cores, pelo tamanho e formato de cada catoto de tinta.
Andrade por vezes, através de formas tão artificiais, sugere um intervalo
na tela – abstrato, mas que faz com que percebamos profundidade. Como
bem descreveu Taísa Palhares: “O procedimento, que segue uma regra comum
básica, torna-se infinitamente diversificado, na medida em que nunca
sabemos como cores, por vezes tão alheias entre si, reagirão lado a lado”.
Em 2000, o artista resolveu ampliar essas relações e inserir os seus retângulos
direto no espaço comum. A primeira intervenção foi no corredor do
MAM/SP. No ano seguinte, foi a vez do contaminadíssimo Lanches Alvorada,
bar perto da estação Santa Cecília do metrô. Em vez de estabelecermos
relações entre as cores em um espaço neutro, como o da tela, aqui a tinta se
relacionava com tudo ao redor. Mais que isso, conseguia, assim como o artista
fez quando geometrizou suas formas em interiores, diluir algo do significado
da televisão, dos azulejos e da tabela de preço e fazer com que tudo
o que estava na parede se relacionasse com os quatro quadriláteros de tinta.
Um movimento duplo se instalava: os objetos ganhavam o mesmo valor da
“pintura”, e a arte se tornava mais um freguês a circular pelo recinto popular
do centro da cidade. Quando decidíamos comparar um objeto ao outro,
suspendíamos o sentido funcional dos cacarecos do bar, ou o aspecto meio
autista das grossas camadas de tinta. Andrade retirava o sentido utilitário
das coisas. Tudo passou a ser relativo. Embora o espaço do bar não fosse
redefinido, as relações entre os seus objetos já não era tão óbvia. Como
em um botequim qualquer, tudo se relacionava com tudo e criava relações
entre quem passava. Esse tipo de relação tinha algo de ilusório. Os objetos
não se tornavam parte de uma obra de arte, mas acredito que é dessa diluição
entre os elementos que o trabalho de Andrade fala.
Curiosamente, no filme uma Noite no Escritório (2007), essas relações
de uma cor com outra e delas com as coisas não-artísticas é apresentada
como uma alucinação, ou melhor, como o resultado de “moléstias nervosas”.
Cansado, o artista, na pele de Sr. wilson, enxerga manchas por todos
os lados, que perturbam sua relação com as coisas. No filme, tive a impressão
de que o personagem central vive aquele sonho da razão de Goya, que
“produz monstros”. Porém as formas não são parte desse sonho, mas um
momento em que essa racionalidade instrumental, de cumprir tarefas, de
viver por demanda, relaxa e nós podemos estabelecer as relações que quisermos
com as coisas que quisermos. 3
34 35
2SAIBA MAIS
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História
Oral dO
HardcOre
de BuenOs
aires
Por arthur dantas . imagens arquivo Julian vadala
4 Julian vadala, autor de HISTOrIA DEl BS AS HArDCOrE
Botinada! A Origem do Punk no Brasil
e guidable – A Verdadeira História do
Ratos de Porão têm em comum, além de
resgatar a história do punk no país, o fato
de serem dirigidos por pessoas exteriores
ao movimento. No caso de documentos
escritos, a impressão transmitida por
pessoas envolvidas com o assunto, ainda
mais no caso de uma subcultura tão específica,
tem uma característica distinta: um certo vigor e
tenacidade próprios de quem participou. Esse é
o maior mérito do livro Historias Del Buenos Aires
Hardcore, de Julian Vadala, 33, ex-editor do ótimo zine
Tiempo de Cambio e um dos líderes da cena straight
edge portenha dos anos 90. Vadala, que foi vocalista
do seminal XautocontrolX – grupo influenciado por
bandas como Snapcase, worlds Collide, Turning
Point e Quicksand –, hoje é um raggaman fumeta
que, apesar disso, crê na importância do hardcore
como instrumento de transformação. 1
Lançado em 2009 na Argentina, Historias Del
Buenos Aires Hardcore é um trabalho um tanto
amador no rigor histórico e no poder de análise,
mas um exemplo emblemático do próprio
assunto retratado. Emulando a sonoridade do
hardcore nova-iorquino dos anos 90, bandas
como Diferentes Actitudes Juveniles (DAJ) e
No Demuestra Interes (NDI) alcançaram algo
que a cena brasileira do mesmo período não
conseguiu: cativar plateias que já não cabiam em
inferninhos para 200 pessoas. Através da voz
dos protagonistas, podemos tomar contato com
seu cotidiano adolescente, suas frustrações, as
motivações pessoais para entrar no hardcore, as
dificuldades e as conquistas de uma cena unida e
atuante. O livro é um verdadeiro antídoto para a
juventude que identifica no consumo de roupas
descoladas um termômetro para medir atitude.
Confira um bate-papo com o autor.
Por que você resolveu escrever o livro?
Quando meu zine acabou, em 2000, eu queria
reunir o melhor de 16 edições em um número
especial. A ideia inicial foi amadurecendo até se
transformar no livro. Ninguém havia feito isso,
e eu tinha muito material de arquivo do zine e
todos os contatos também – só faltava dinheiro
para imprimir. Comecei a procurar patrocinadores
e ajuda de pessoas para que o projeto se
tornasse realidade.
Quatro anos depois, temos o primeiro livro sobre
HC em espanhol e o primeiro sobre a cena de
Buenos Aires.
A cena hardcore argentina tem alguma
característica que a torne diferente
das outras?
Acredito que tenha uma personalidade especial,
que se deve principalmente ao fato de muito
pouca gente entender inglês na época e de a
cena ter crescido em torno de bandas que cito
no início do livro (DAJ, BOD, EDO, NDI). Foram
elas que influenciaram a cena, e não importava
muito o que acontecia nos EUA ou na Europa.
Falávamos de temas próprios, sobre atualidades
nacionais, e tínhamos um som próprio.
Em geral, hardcore/punk é uma música
politicamente esquerdista.
é impressão minha ou na Argentina havia
bandas abertamente de direita?
Sim, é verdade, ainda que não se assumissem
como tal, seja porque não tinham ideias
muito claras ou porque não eram politizadas.
Mas no geral havia muita gente com valores
tradicionalistas, e no início havia muita confusão,
influência dos skinheads de direita.
quais eram os temas dessas primeiras bandas
do hardcore argentino?
A questão principal era que o país passava por
4 Público no show do buscando otra diversion, em 1992.
uma transição, vivíamos em uma democracia
havia menos de 10 anos, tínhamos o nefasto
governo Menem, quando entraram as políticas
neoliberais, as privatizações, a destruição de
todos os valores da sociedade argentina, e nos
queriam fazer acreditar que éramos “primeiro
mundo”. O custo para isso era vender o
Estado, negociar nossos recursos naturais,
enfim, destruir o país em certa medida.
Até 96, o hardcore foi muito grande em
Buenos Aires. Com exceção do Fun People
(a maior banda punk/hardcore do continente
no período), que continuou grande até 99, a
cena encolheu. O que aconteceu?
Não sei dizer. Houve uma mudança de
geração, o pessoal que começou no início
dos anos 90 aos 15 anos começou a formar
família e a emigrar no fim da década, por
questões econômicas. Isso fez com que
bandas desaparecessem. As novas gerações
não tinham a mesma vontade da anterior, tudo
estava desvirtuado.
A banda argentina dos anos 90 mais
conhecida no Brasil foi o Fun People, que
também foi muito grande na Argentina, no
uruguai e no Chile. Por que não há referência
ao grupo no seu livro?
Houve gente que quis colaborar com o livro
e gente que não. Os que não apareceram é
porque não tiveram interesse no projeto. Da
minha parte, fiquei anos buscando informação
e convocando gente para que participasse.
Cada um dos que não apareceram tem seus
motivos e, ainda que eu não os entenda,
respeito essa decisão. No geral, a maioria
das bandas e pessoas que procurei tiveram
muito boa vontade e se mostraram contentes
em participar. No caso específico do Nekro
(ex-vocalista/letrista do Fun People, atual
36 37

4 no demuestra interes, em 1992.
Boom Boom Kid), ele me pediu para que não
o mencionasse, nem à sua banda, que retirasse
as fotos.
Você imagina o porquê dessa recusa tão
forte?
Ele me disse que não se sentia parte do
movimento BAHC. Tenho boa relação com
o Nekro há muitos anos, ele me ajudou no
começo do XautocontrolX. Se decidiu não
participar, preferi não pressionar. Outros não se
recusaram de forma tão firme, mas enrolaram
tanto que senti falta de interesse no projeto.
Você conheceu a cena hardcore de São
Paulo daquele período, sobretudo straight
edge. A cena a de Buenos Aires foi muito
mais expressiva que a de São Paulo. quais as
principais diferenças entre as duas para você?
Como disse antes, a cena portenha tinha muita
personalidade. Todas as bandas cantavam em
espanhol, sobre temas atuais. São Paulo estava
mais ligada a cenas estrangeiras: os nomes
das bandas eram em inglês, as letras também,
tudo dependia muito do que acontecia nos
Estados Unidos e na Europa. Claro, aqui havia
uma grande influência do HC NY, mas muito
pouca gente queria ser exatamente como as
pessoas de lá, a maioria estava preocupada em
ser BAHC.
Em poucas palavras, o que seria o espírito BAHC?
É difícil resumir, mas o principal era esse
sentimento de amizade e unidade entre as
diversas tribos. Ainda que a cena não fosse
muito politizada, havia aspectos políticos
de fundo, protesto, inconformidade, um
sentimento de estar fora da sociedade. O
tempo passou e posso estar idealizando um
pouco, porque também havia competição,
inveja e brigas, mas, em geral, se aquilo tudo
“...a cena portenha
tinha muita
personalidade. todas
as bandas cantavam em
espanhol, sobre temas
atuais. sao Paulo
estava mais ligada a
cenas estrangeiras:
os nomes das bandas
eram em inglês, as
letras também, tudo
dependia muito do que
acontecia nos estados
unidos e na europa”
4 diferentes actitudes Juveniles em show de retorno, em 2004.
transcendeu o passar dos anos é porque houve
gente com uma “atitude mental positiva”
(referência à música “PMA”, dos Bad Brains).
Atualmente você está ligado mais ao reggae/
dub portenho. O que de melhor e pior você
aprendeu com o hardcore?
Na verdade tenho um projeto reggae/ragga
desde 2004, Kaya Dub Sistema, mas não
me sinto parte da cena reggae. Sigo me
movimentando de forma independente e
underground. Aqui o reggae é um estilo 100%
comercial e mainstream. Me considero um
“HC raggamuffin”, já que continuo fazendo
as mesmas coisas da época em que cantava
HC, só que agora meu estilo musical é mais
influenciado pela música jamaicana.
O livro é uma espécie de relato autobiográfico
de um período da sua vida e tem um ponto de
vista estritamente straight edge, não?
Sim, pode-se dizer que é uma história da
cena contada em primeira pessoa. Também
dei espaço para que amigos contassem suas
histórias. É como um grande papo entre
amigos, de como nos envolvemos com o
4 XautocontrolX, com vadala à frente, em show de retorno em 2008.
hardcore. Não posso ter a arrogância de
acreditar que o meu ponto de vista sobre
o hardcore seja o único que vale, mas os
comentários que venho recebendo me dão
motivo para acreditar que a cena BAHC tinha
uma forte influência do straight edge das
antigas, e com os anos foi deixando de lado a
parte militante para ser algo menos estrito.
As ultimas edições do Tiempo de Cambio
eram muito amargas, desiludidas. O que
contribuiu para que o xautocontrolx
acabasse? Você ganhou ou perdeu mais em
dedicar tanto tempo ao hardcore?
Sim, é verdade, nos últimos anos eu estava
desiludido com a cena hardcore, me sentia
um Dom Quixote brigando com moinhos de
vento. XautocontrolX terminou porque não
encontrávamos músicos com quem tivéssemos
empatia e eu estava cansado de fazer tudo, já
que o resto da banda não fazia nada.
Acredito que minha experiência no straight
edge foi boa, mas não por ser um straight
edge, e sim porque na raiz disso tudo estavam
a força e a convicção que me fizeram realizar
muitas coisas positivas, que deixaram sua
marca no tempo. 3
2SAIBA MAIS
www.myspace.com/concienciaydisciplina
www.myspace.com/buenosaireshardcore
SEIS DISCOS FuNDAMENTAIS
PARA ENTENDER O BAHC
Coletânea
Mentes Abiertas (1992)
Realidade Virtual,
do Diferente Actitudes Juveniles (1993)
Extremo Sur,
do No Demuestras Interes (1992)
Pura Adrenalina,
do BOD (1992)
Coletânea
HC Asunto Nuestro (1994)
Coletânea
Nuevas Generaciones (1995)
38 39
Por Julian vadala
“sim, é verdade, nos
últimos anos eu
estava desiludido
com a cena hardcore,
me sentia um dom
Quixote brigando
com moinhos de
vento.”

Por flávio grão
imagens de obras divulgação
Se há uma palavra que não combina com a arte de Daniel Melim é apatia. Sobre
as texturas dos muros ou suportes, suas imagens explodem, questionadoras,
sustentadas por cores brutais e marcantes em um trabalho de resgate e releitura
de uma técnica esquecida da arte urbana: o estêncil. A arte desse paulista de
São Bernardo do Campo transita com naturalidade dos muros da periferia para
galerias nacionais, estrangeiras e museus. Além disso, Melim desenvolve um
interessante projeto social no Jardim Limpão, periferia de sua cidade natal.
Nesta entrevista, o artista fala sobre suas origens, ideais, técnicas e influências
surpreendentes, que vão do punk rock nacional aos movimentos sindicalistas do
ABC paulista, passando pelo skate. 1
Como você iniciou sua história com o desenho?
Fale sobre sua formação, a passagem para os
muros e depois para o estêncil.
Como toda criança, eu desenhava. Minha mãe
era professora e tinha muitos livros infantis
com ilustrações. Essa com certeza foi minha
primeira referência. Mas só fui me preocupar
de verdade no início da década de 90, quando
frequentava a pista de São Bernardo. Ela era
toda pintada, graffiti, estêncil, pichação. Eu
pirava nisso tudo! Tinha dias que colava lá só
pra ficar observando os desenhos, tentando
entender um pouco daquilo, pra chegar em
casa e tentar descarregar no papel. Mas os
quadrinhos eram mais fáceis de consultar,
sempre podia abrir uma página, observar um
desenho e aprender. Nesse período, o que eu
mais curtia eram os quadrinhos alternativos,
tipo Chiclete com Banana – eram mais baratos
e reuniam vários artistas: desenhos do Luiz
Gustavo, Marcatti, xilos do Rubem Grilo, além
das histórias do Angeli. Mais ou menos em
95, comecei a pichar, talvez para ter contato
com spray ou simplesmente me comunicar.
Foi minha primeira forma ativa de expressão.
Comecei a fazer parte de gangue, e com
isso veio tudo de bom e ruim envolvido:
amizades, rolês, brigas, confusão. Por uma
série de acontecimentos, e por começar a
dominar mais a técnica com spray, me afastei
da pichação e comecei a me aproximar do
graffiti. O primeiro trabalho foi na pista de
skate: o nome da gangue. Isso representou
a passagem de uma
fase. Depois, comecei
a trabalhar em
metalúrgica e já não
tinha tanto tempo
pro desenho. Esse
período era trabalho,
bar e casa. No
máximo um desenho
zoando alguém no
guardanapo ou no
papel que forrava
as mesas (risos).
Um dia, colou um
cara que fazia uns
rabiscos aqui na
vila (Ferrazópolis),
o Maionese
(Rodrigo Souto).
Ele literalmente me
Gosto do
aspecto
irônico do
estêncil, de
poder retirar
imaGens de
comerciais
e dar outro
sentido a
elas.
tirou do bar pra mostrar
uns trampos de graffiti e
revistas como a Fiz (editada
pelOSGEMEOS). Na mesma
hora eu pirei! Aí comecei a
ter acesso a varias formas
de street art e pintar na rua
de verdade. O Maionese me
ajudou muito nisso, ele já
manjava de fazer um traço
mais fino. Na época não
existia material igual a hoje,
pinos de spray com várias
espessuras, importados etc.
Pra fazer traço fino tinha que
entupir bico ou inventar outro
jeito. Os primeiros graffitis
eram todos à mão livre, com
poucos detalhes em estêncil.
Mas eu não achava uma identidade legal no
trabalho, até que resolvi resgatar a técnica do
estêncil. Não se viam mais tantos trabalhos
com estêncil naquela época. Comecei a
fazer as máscaras de forma precária mesmo,
experimentando. Tentativa, acerto e erro. Foi
meio assim que parti pro estêncil.
Quais são suas influências em termos
de ilustração?
Curto muita coisa: ilustração comercial da
década de 50, quadrinhos, capas de LPs,
clichês. Na adolescência lia muito quadrinhos
alternativos, curto o aspecto sujo desses gibis.
Seu trabalho carrega uma carga política forte.
Essa postura surgiu como?
Quando moleque, fui com minha mãe a
uma greve dos professores, vi toda aquela
movimentação. Adolescente, trampei em
metalúrgica e peguei resquícios de toda
articulação trabalhista que existia, chegando
a fazer desenhos pra panfletos e informativos
de greve. Isso é uma coisa meio impregnada
no ABC Paulista, a cidade meio que estampa
toda essa desigualdade. Depois fui ministrar
oficinas em projetos sociais (em Heliópolis e
Mauá). Acredito que tudo isso serviu pra minha
formação social. Isso naturalmente passou para
os trabalhos e também é minha forma de gritar.
40 41

Além das artes gráficas, que outros meios influenciam seu trabalho
(esporte, música, etc.)?
Andei de skate e BMX um bom período e foi uma influência forte também,
não só como esporte, mas como estilo de vida. A cultura do skate envolve
uma diversidade de expressões: música, moda, pensamento etc. Mesmo
não andando mais, sempre procuro me informar sobre o que está rolando.
Música também é uma coisa que carrego comigo. Ouço bastante coisa,
mas o que vira e mexe tô ouvindo é o punk rock nacional. É o que mais
curto ouvir quando vou pintar.
é interessante observar que seu trabalho está presente em meios diferentes
e até antagônicos – nos muros da periferia, em galerias e museus. O que
você pensa sobre a atuação de sua arte em cada um desses lugares?
Legal essa observação. Acredito que, quanto mais eu puder pulverizar
minha ideia e expressão, melhor. Penso em ocupar os lugares. Lógico que
cada um tem sua especificidade, e isso influencia na leitura e construção
do trabalho. Mas acho que devemos e temos o direito de usar esses
diferentes lugares como instrumentos para expressão, ou vamos continuar
vendo as mesmas pessoas usarem eles. Não falo só de ocupar galerias
e museus, mas espaços públicos – não esperar representantes, políticos
(não acredito em representação, principalmente política). Gosto de estar
nos lugares, fazendo e tentando apresentar meu ponto de vista, minha
opinião expressada através da pintura. Normalmente o tema é o mesmo
na rua ou na tela. A rua pede uma forma de postura e ação, tem toda uma
pressão psicológica na cabeça quando estou pintando – muitas vezes o
local não é autorizado, nem todos compreendem o que estou fazendo ou
a mensagem. Isso influencia de alguma forma o resultado do trabalho. A
busca pelo local é outro ponto: procuro lugares destruídos, que forneçam
algum tipo de textura ou informação que posso agregar ao estêncil.
Como você escolhe os motivos dos seus trabalhos? Como é seu
processo de criação?
Gosto do aspecto irônico do estêncil, de poder retirar imagens de
comerciais e dar outro sentido a elas. Uso várias ferramentas para
construir os motivos, desde apropriação de imagens até a criação autoral
do desenho, montagem na mesa de luz, colagem. Vou unindo diversas
técnicas para chegar ao desenho que eu quero.
Além do estêncil, você aprecia e utiliza outras técnicas e suportes?
Curto impressão (xilo, silk, monotipia etc). Nem sempre as utilizo no
meu trabalho, mas são fontes constantes de pesquisa, principalmente na
textura – a ideia da impressão falhada, desgastada ou fora de registro.
Com essa pesquisa de textura, também uso suportes que já forneçam
alguma informação do tipo, como chapas de aço, madeira, placas, coisas
que sempre vejo jogadas nas ruas.
Fale um pouco sobre o projeto do Jardim limpão.
Ele surgiu de uma ideia simples: trabalhar com intervenção urbana junto às
comunidades (Jd. Limpão e Jd. Regina, em São Bernardo). Tentamos levar
outras referências, sensibilizando os moradores através do graffiti. Quisemos
fugir da ideia hipócrita de deixar a favela “mais bonita”, mas procurando
talvez humanizar seus becos e vielas espremidos. O Jd. Limpão ficou
conhecido porque era onde morava o assassino do fotógrafo Luiz Antônio
da Costa. Ele cobria uma invasão do MST no terreno da Volkswagen, em
2003, e registrou um assalto no posto em frente. Os assaltantes perceberam
e o executaram. Esse projeto é realizado de forma independente, contando
apenas com o apoio da própria comunidade, em especial o Fabio Mendonça
e o Vanderlei Viana (Capoeira Angoleiros Sim Sinhô). Ambos vêm
desenvolvendo treinos de capoeira angola pra comunidade. Na primeira
vez em que eu pintei, colou muita gente pra ver, principalmente molecada.
Aí percebi que poderia trabalhar com as crianças, meio no esquema de
workshop, fazendo o trabalho e eles me ajudando. Passo esquemas de
como usar o spray, a tinta, pergunto sobre o que fazermos e assim vai.
Além da produção dos trabalhos junto com a
comunidade, venho registrando o cotidiano
local e capturando momentos da vida dos
moradores em geral. Assim como diversas
favelas espalhadas pelo Brasil, o Jardim Limpão
e Jardim Regina são marcados pelo tráfico
intenso e atos de violência. Mas a ideia do
reGistro ou do projeto não é
mostrar as vidas na comunidade
de forma sensacionalista ou
estereotipada, mas apresentar o
cidadão comum, que se esforça
pra sobreviver nesses quilombos
modernos com pouco mais de
r$ 300 por mês, tendo pouco
acesso a qualquer instrumento
público (saúde, escola, lazer,
transporte etc). A experiência do
projeto e a troca de ideias com moradores
possibilitaram a reflexão sobre a organização
da comunidade, sem ajuda de políticos ou algo
do gênero, via ação direta dos moradores para
melhoria do convívio local. Acredito ser esse o
principal resultado do projeto até agora. Mas
penso que podemos oferecer mais. 3
2SAIBA MAIS
flickr.com/photos/melim_abc
choquecultural.com.br/blogs/danielmelim
42 43

A cidade de ponta-cabeça e a mulher de pernas pro ar.
O corpo, estático e invertido, tranfigura-se num ser novo, estranho ao espaço.
Ao se relacionar com a cidade por outra perspectiva, cria paisagens temporárias.
Árvores humanas, plantando ilusões no concreto. saia
PROJETO PATRíCIA ARAUJO E CLARICE LIMA
FOTOS POR PATRíCIA ARAUJO . PERFORMER . CLARICE LIMA
44 45

46 47

48 49

50 51

Acertando
as Contas
Entrevista com Felipe Motta aka Mottilaa
52 53
POR TIAGO MORAES
4feliPe motta incorPorando cara de cavalo

Há mais ou menos dez anos, época em que
dedicava cem por cento do meu tempo
ao skate – seja dando meus grinds por aí
ou tocando a Agacê, marca que criei em 1997 junto com
três amigos de infância –, resolvi criar e divulgar o projeto
Portfolio, com o intuito de revelar jovens talentos do
universo do skate e posteriormente desenvolver projetos
colaborativos.
E foi entre quase uma centena de cartas e telefonemas
recebidos durante o período da promoção que o traço
de um garoto carioca impregnado de humor e sarcasmo
acabou me chamando a atenção. Foi dessa forma que
conheci Felipe Motta e a partir daí, de 1999 a 2004, fizemos
dezenas de trabalhos juntos e viramos grandes amigos.
Se Billy Argel criou praticamente
sozinho toda a estética do skate nos
anos 80, Motta é sem sombra de dúvida
o maior nome que surgiu no universo
de arte de skate desde o final da
década de 90 até os dias de hoje, em
um mercado em que, salvo raras exceções,
ainda prevalece a falta de identidade, de
originalidade e de cultura de investimento em
arte e conceitos originais.
Mesmo que no mercado de skate seu traço seja
facilmente reconhecido em shapes, camisetas, anúncios
e outros trabalhos comerciais, muitos ainda não tiveram
o prazer de conhecer seu trabalho autoral, que Mottilaa
compulsivamente põe para fora em seus caderninhos
para depois transportar para telas, muros, banheiros e
qualquer outro suporte que tiver coragem suficiente de
aparecer na sua frente.
Como amigo e fã de carteirinha, sempre incentivei o
seu lado autoral, e talvez seja por isso que, mesmo com
vontade de entrevistá-lo desde a primeira edição, tenha
esperado o momento ideal para bater esse papo com o
figura. E foi no meio da reta final de produção para a sua
primeira individual – que acontecerá no fim de outubro
no Espaço +Soma – que decidi ser a hora de finalmente
acertar minhas contas com ele. 1
4la hoJita de coca no és droguita . acrÍlica sobre madeira mdf recortada . 2009
“Até hoje tento sempre fazer
um shape tão inspirado
quanto o primeiro que fiz. Por
mais que pareça clichê, essa
primeira série me mostrou que
aquele sonho de moleque meio
improvável poderia rolar. “
Motta, conta pra mim, quando foi que você pegou num pincel pela
primeira vez?
(Risos) Na primeira vez que fui fazer xixi sozinho! Agora, sério, eu tenho um
quadrinho na casa dos meus pais que fiz em 84, com 6 anos. Entre um monte
de profissões, meu pai se formou em arquitetura e, apesar de não ter seguido
profissionalmente a carreira de artista, pintava uns quadros quando tinha a
idade que eu tenho agora. E ele sempre me incentivou muito a desenhar, esse
primeiro quadrinho que eu fiz ele tava do meu lado, me ensinando como
mexer com aquarela. E [quando se é] criança, além de pegar as coisas rápido,
esses acontecimentos marcam muito. Lembro desse momento como se fosse
hoje, é muito louco!
Você era um daqueles moleques que ficava na sala de aula fazendo
caricaturas de todo mundo, dos amigos, do professor?
Era uma desgraça, cara! Tomei bomba duas vezes na escola e sinceramente
nem sei como não repeti mais, me passavam de ano! E eu não era um aluno
burro, até porque quando sentava pra estudar tirava até uns 10, mas tava
mais preocupado em desenhar como se não houvesse amanhã! Mais tarde,
no terceiro ano, antes de entrar pra faculdade, na sala de aula tinha dois
murais, o da esquerda e o da direita. E o da esquerda era meu! (Risos) No
fim do ano, tinha umas setenta caricaturas e charges de coisas que rolavam
na sala de aula! Eu chegava do recreio e tinha gente de outras turmas
vendo, às vezes até visitante de fora do colégio!
Fala um pouco das tuas influências (e más influências).
Eu geralmente não curto focar em fulano, cicrano, mas tem algumas
pessoas que me influenciaram e influenciam muito. Meu pai
sempre esteve lá, me deu apoio, até hoje quando vou pra
casa dos meus pais pintar no terraço do sobrado ele
não reclama quando eu cago tudo! (Risos) O Bruno
Shulyba, amigo de infância, desenhava comigo
desde criança e, apesar de não ter seguido
carreira, desenhava demais, tinha um traço
animal. O [Don] Torelly é um grande amigo
e uma inspiração até hoje, passo mal com
ele. Já o Billy Argel me mostrou que shape
brasileiro podia ser lindo também. Tem o
Evan Hecox, que é foda também, sei lá…
tem vários!
Como (e quando) você se envolveu
com o skate, e que estrago isso fez na
sua vida daí em diante?
(Risos) Ganhei o meu primeiro skate
com uns 10 anos. Essa história acabou
54 55
4maXimo de cusco . acrÍlica sobre madeira mdf recortada . 2009

ficando famosa por causa da minha parte no RE:BOARD (documentário
recém-lançado sobre arte de skate no Brasil em que Motta foi um dos
destaques). Pedi pra minha avó um skate com um desenho de dragão no
meu aniversário e ela viajou pro Paraguai e me trouxe um que tinha uma
lagartixa rosa bebê de óculos escuros em cima de um skate! De lá pra cá,
eu simplesmente não sei como seria minha vida sem o skate junto. Tudo
o que o skate me trouxe de brinde, no pacote, mudou minha vida. Arte,
amigos, experiências de vida, roupa, gosto musical, tudo, cara... Minha
carreira profissional é calçada na cultura de rua, mais especificamente do
skate. E não tem como negar isso, nem quero!
E a sua história com os shapes, só esse assunto renderia mais uma
entrevista… fala um pouco disso.
A minha história com os shapes é de longa data. Desde que ganhei meu
primeiro skate, eu era vidrado nos desenhos. Colocava grabber nos shapes
só pra não arranhar os desenhos e falava que era pra ‘grebar’! (Risos)
Quando a primeira série de shapes que desenhei saiu pela Agacê, eu
desacreditei! Foi um marco na minha vida, de verdade! Depois, desenvolvi
em conjunto contigo na Agacê muitas outras séries, foi uma época muito
divertida. Desde moleque sempre tive em mente que o meu maior desejo
era de um dia andar com um shape que eu tinha desenhado, e ver gente
andando na rua então, nem se fala!
Até hoje tento sempre fazer um shape tão inspirado quanto o primeiro
que fiz. Por mais que pareça clichê, essa primeira série me mostrou que
aquele sonho de moleque meio improvável poderia rolar. Por isso é sempre
bom olhar pra trás e não esquecer dessa sensação que senti quando abri o
pacote e vi os shapes finalmente prontos ali na minha frente!
Você também tem um trabalho forte com o rap carioca e já emprestou
seu traço a vários artistas da cena, como De leve, A Filial, BNegão e
Marcelo D2, não necessariamente nessa ordem. Como rolaram
essas parcerias?
Tudo amigo! O lance da música sempre foi muito
presente na cultura do skate e sem querer a gente
acaba conhecendo e ficando amigo de muita
gente do meio musical, meio que uma coisa puxa
a outra. O Edu [Lopes, do grupo A Filial] eu
conheço desde moleque, do skate mesmo, o De
Leve foi o Serginho que me apresentou, sempre
me dizia que eu tinha que conhecer ele de
quaquer jeito e acabou virando um amigão
também. O Bê [BNegão] morava no mesmo
lugar que o Edu, em Santa Teresa, daí
acabou rolando o convite pra fazer o logo,
o site dele. O Marcelo [D2] eu conhecia de
vista, mas só fui conhecer mesmo quando
ele quis samplear uns diálogos de filme
da Pepa Filmes, de que eu participava na
época. Daí o tempo passou, a gente acabou
ficando amigo e rolaram vários trabalhos
juntos, fiz a coleção da Manisfesto pra ele,
e tem uns projetos aí pra rolar.
4el cuco . acrÍlica sobre madeira mdf recortada . 2009
“... fui a uma reunião de
um trabalho em que me
contrataram como ilustrador
mostrar o layout dos
personagens e o diretor de arte
falou: ‘O Motta fez as mãos
aqui no layout sem dedos para
agilizar, né?’, e eu: ‘Não, não, é
assim mesmo!’.”
Já que você citou a Pepa Filmes, fale um pouco dessa época.
Foi uma época engraçada da minha vida. Eu estudava e namorava, já trabalhava, mas não tinha
muitas obrigações na vida! Morava a uns quinze minutos a pé da casa do Pepa e do Renatim, e
chegava lá, nego de bobeira e a gente: “Porra, vamo fazer um filme?” Não tinha roteiro e, na minha
opinião, a parada era essa, o descompromisso. Depois o Pepa fez faculdade de cinema e, normal,
quis deixar as coisas mais organizadas, marcava reuniões etc. E a onda dele eram mesmo os
efeitos especiais, as sátiras com ficção cientifica, e a minha pegada era outra, do humor. Fora que
depois já não tinha mais o tempo livre que a coisa demandava, daí acabei desencanando. Mas, sem
resentimentos, foi uma época animal, de chorar de tanto rir, a gente não ganhava porra nenhuma,
mas se divertia!
Mas o Cara de Cavalo tá na ativa até hoje, né?
O Cara de Cavalo é um personagem que saiu do Coronel Cabelinho vs grajaú Soldiaz, o longa
metragem da Pepa Filmes, que era pra ter trinta minutos e acabou com quase uma hora e meia!
Tenho uma relação meio maluca com ele, tá na ativa, mas aparece quando dá na telha, não manda
e-mail nem liga antes (risos)!
é tipo um espírito que baixa em você de vez em quando?
É, tem uma parada engraçada que minha mãe e minha vó me contam. Meu avô materno morreu
antes de eu nascer, e elas falam que ele também tinha essa coisa, do nada dava uma ziquizira e ele
aparecia na sala, incorporando um personagem. E desde moleque eu sou assim, tem até filmagem
minha pequenininho todo montado, incorporando personagem… E com o Cara de Cavalo rola isso
também, ele acabou ganhando vida própria, ainda mais depois da vinhetinha que gravei pro disco do
Quinto Andar.
Você tem um pequeno arsenal de personagens que criou, e alguns deles já te acompanham por
um bom tempo, como o Negolindo, o Abarreta, o Theo22. Como nascem esses personagens?
São inspirados em pessoas que você conhece ou são ficção? Conta um pouco a história de
cada um deles.
Muita coisa eu tiro da vida real mesmo. O Negolindo é meio que uma tiração de sarro com os
personagens bonitinhos que pipocaram no graffiti nos ultimos tempos. Ele é a síntese do que as
pessoas mal resolvidas na vida acham de ruim: é um pivete preto, zarolho, desdentado, descalço
e sem camisa. Mas tem cara de feliz. O Abarreta é uma tiração com os famosos wannabes,
como são chamados na gringa. Ele não faz nada de bom, não sabe cantar, é um mimado, mas se
fantasia de rapper e vive uma vida de glamour que não existe. O Theo22 é um cara que existe na
ZN, num condomínio na Vila Isabel. É um cara sinistrão! Já fiz uns graffitis dele na frente da sua
56 57
agenor, o rei da bocha . acrÍlica e sPray sobre madeira . 2007
4los dos hermanos . acrÍlica sobre fotografia . 2007
4oZZy Jr . acrÍlica e sPray sobre madeira . 2007

4muvuca . nanquim e cor no PhotoshoP . 2008
casa, ele já virou até shape pra uma marca alemã (Subvert). Fiz o cara
saindo duma tumba no cemitério. E tenho alguns outros personagens
que criei e ainda não fiz nada com eles, pretendo um dia, mas por
enquanto estão na minha cabeça, bem guardados.
Seu trabalho parece ter sempre uma dose de humor impregnado.
Você não consegue levar nada na vida a sério?
Por incrível que pareça, eu levo essa sacanagem muito a sério (risos)!
Tenho um prazer muito grande em provocar o riso, mesmo que interno,
nas pessoas. Pintei um banheiro químico no Circo Voador um tempo
atrás, que era um boneco do lado de fora e dentro só bilhete sacana! E
tá lá até hoje. As pessoas entram e saem rindo. Isso pra mim não tem
preço.
Você é do tipo que perde o amigo, mas não perde a piada?
Cara, pior que não! Eu não curto o humor que parte pro plano da
humilhação. Dei apelido pra um monte de gente já, apelidos que
ficaram até hoje, mas não lembro de nada humilhante. Tenho esse
sarcasmo que não larga de mim, gosto de dar umas alfinetadas, mas
acho que dá pra ser sacana sem ter que humilhar.
Falando em apelidos, você um tempo atrás andou mudando a grafia
do seu nome, primeiro de “Felipe” para “Fellipe”, e depois começou a
assinar seus trabalhos como Mottilaa, com dois “a” no final… qual foi o
motivo dessas mudanças? Numerologia, esoterismo ou porque já tinha
Felipe Motta demais por aí, de campeão de snowboard a dono de loja
de vinhos online?
[A Mari, mulher de Felipe responde por ele] Todas as respostas acima!
(Risos) Todas e mais um pouco! É um assunto delicado, que mexe com
forças ocultas, prefiro não comentar mais sobre isso! (Risos)
(Risos) Ok, vamos esquecer esse assunto. Me explica então por que
quase todos os teus personagens têm mãos de pinguim, sem dedos?
Faltou na aula no dia que ensinaram a desenhar dedos ou é pura
preguiça mesmo?
(Risos) Na real os meus personagens têm dedos, sim, é que de longe eles
não aparecem! E se precisar eu boto dedos neles, sim, quando eles têm
que mandar um fuck ou um joinha… Outro dia rolou um lance engraçado,
fui a uma reunião de um trabalho em que me contrataram como ilustrador
mostrar o layout dos personagens e o diretor de arte falou: “O Motta fez
as mãos aqui no layout sem dedos para agilizar, né?”, e eu: “Não, não, é
assim mesmo!”
(Risos) Vai, chegou a hora de vender o seu peixe! Fala um pouco do
Petit Pois Studio.
Opa! Essa a Mari responde! (Risos) O Petit Pois Studio nem era um
projeto, mas acabou rolando. Como a Mari também é designer, a gente
começou a pegar uns trabalhos juntos e, quando a gente viu, precisamos
alugar um lugar pra trabalhar. O nome do estúdio é o nome do nosso
cachorro, e o logo é a cara dele. A gente fala que criou o conceito de
“Live Logo”: ele fica aqui junto com a gente, então é o logo andando pelo
estúdio o dia inteiro! (Risos) Na real, o Pois é o nosso chefe, a gente só
obedece!
E o graffiti, você considera mais como uma técnica ou leva a parada a
sério, toda a questão da ideologia, da tradição e das regras, de ter que
fazer bomb, letras etc?
Eu tenho uma relação engraçada com o graffiti. Comecei com os caras
do FleshBeck aqui no Rio, me pilhando pra colocar meus desenhos no
muro, daí fui me interessando, ficando vidrado nessa coisa da escala, do
tamanho das coisas. É muito louco ver um personagem teu com quatro
metros de altura na entrada de um viaduto por onde passam milhares de
pessoas por dia. Você fica pensando “o que todas essas pessoas devem
4lhama e 1 sole! . naquim, nanquim aguado e ecoline sobre PaPel canson montval . 2009
58 59

“Pedi pra minha avó um skate
com um desenho de dragão no
meu aniversário e ela viajou
pro Paraguai e me trouxe um
que tinha uma lagartixa rosa
bebê de óculos escuros em
cima de um skate! “
pensar quando passam por aqui?” Acho legal essa coisa do graffiti, de
deixar lugares horrorosos mais bonitos. Fiquei um tempo sem pintar,
pintando uma coisinha aqui e outra ali, mas da metade do ano pra cá acho
que me deu um estalo e voltei com pique! Essa coisa de as pessoas se
reunirem pra pintar também é meio que uma terapia…
Você já é bem conhecido no cenário do skate e da música, mas pouca
gente conhece o seu trabalho autoral. Agora que está se preparando
para a sua primeira individual, no fim de outubro, onde vai poder
mostrar esse seu outro lado que nem todos conhecem, fala um pouco
sobre a temática da exposição e o que pretende mostrar por lá.
Então, eu viajei em abril com a Mari pro Peru. Passamos só 10 dias lá,
mas a quantidade de coisas que vimos foi absurda! Rodamos meio sem
destino, mal sabíamos pra onde a gente ia no dia seguinte. E é um país
com muita diversidade, a fauna, a flora, as pessoas, cores pra tudo quanto
é lado. E a gente, que trabalha com isso, não tem como não voltar com a
cabeça pipocando de ideias! Então essa exposição será a minha leitura, a
minha interpretação do que vi por lá. Sempre com essa pegada bemhumorada,
nem que seja apenas no traço. E é uma puta oportunidade pra
eu dar um gás nesse meu lado autoral, que sempre esteve latente. Sempre
pintei e ilustrei autoralmente, mas ainda tem todo um trabalho que tem
que ser feito... Estou na maior expectativa, tá chegando, mas eu funciono
bem na pressão... pelo menos nos últimos 31 anos! (Risos)
E no geral, como você cria? Parte de uma ideia ou de um conceito
pré-definido, se inspira em fatos ao seu redor ou simplesmente sai
desenhando?
Geralmente tenho a ideia e quando boto no papel, mesmo que seja só
pra rascunhar, ela já está bem definida na cabeça. Mas às vezes não, é um
processo que nem sempre é linear. Saio na rua e ouço um cara falando
uma merda, acho engraçado e aquilo me lembra de alguma outra coisa,
que me dá uma ideia que às vezes não tem nada a ver com a merda que o
cara falou! (Risos)
Defina seu trabalho em uma frase curta, estilo frase de msn ou twitter.
(Risos) [Mari diz] Você faz esse tipo de tortura com todo mundo que
entrevista, tipo Marília Gabriela?
(Risos) Não, mas quando é com amigo tem que dar uma judiada, né?
quem vai ao programa dela já sabe que tem que chegar com uma frase
pronta na ponta da língua. Então, assim, de surpresa é mais divertido!
A Mari mandou outro dia uma que me define bem: “Se Deus escreve certo
por linhas tortas porque eu é que vou ter que fazer linhas retas?” (risos)
Para terminar, gostaria de dizer mais alguma coisa em sua defesa?
(Risos) Deixa eu pensar… “Quem não deve não treme!” 3
4saluda el tricitáXi! . acrÍlica sobre madeira mdf recortada . 2009
4navalhada . láPis de cor sobre PaPel kraft . 2007
60 61
2SAIBA MAIS
www.mottamobil.blogspot.com

Entre Entre Entre
(Outros) (Outros) (Outros)
Na edição passada, publicamos um especial com obras
selecionadas para a 1ª Exposição Anual Entre (Outros). A
exposição aconteceu no Espaço +Soma, foi incrível e resultou em
um livro-catálogo que já está disponível na nossa loja. Na seleção
para a exposição e o livro, algumas obras bem bacanas ficaram
de fora por motivos de espaço. Mas esta seção nasceu justamente
para não deixar os (Outros) na mão. Por isso, nesta edição
publicamos uma segunda leva de trabalhos de alguns artistas
selecionados para o projeto Entre (Outros). 1
SãO ElES:
Cena 7
Ignore Por Favor
Lucas Biazon
Rômolo
Tinico Rosa
Vagner DoNasc
Vital Lordelo
Quer publicar seu trabalho na revista e expor no
nosso espaço? Mande um email para entreoutros@
maissoma.com com amostras da sua arte em baixa
resolução (72dpi) e torça para ser selecionado!
ENTRE (OUTROS) CONTA COM O APOIO DA NIKE, QUE, ASSIM COMO A
+SOMA, NASCEU DA TÍPICA ENERGIA E PAIXÃO QUE MOTIVAM JOVENS
NO MUNDO TODO A CORRER ATRÁS DE SEUS SONHOS. UM ESPAÇO
DEMOCRÁTICO QUE CELEBRA A ARTE, TRAZENDO A CADA EDIÇÃO
NOVOS ARTISTAS E IDEIAS QUE INSPIRAM.
Especial
Parte 2
VITAl lORDElO 4FLICKR.COM/PHOTOS/DOM_VITAL
TINICO ROSA 4FLICKR.COM/PHOTOS/TINICO_ROSA

luCAS BIAzON 4FLICKR.COM/PHOTOS/ANYWHEREDOTDOC
IGNORE POR FAVOR 4FLICKR.COM/PHOTOS/IGNOREPORFAVOR
64 65

VAGNER DONASC 4FLICKR.COM/PHOTOS/VAGNERDONASC
CENA 7 4FLICKR.COM/PHOTOS/CENA7-MPC
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arte
Por marina mantovanini
Multicultural
Fernando
chaMarelli
Na contramão da maioria dos artistas, que se envolvem com arte desde
muito cedo, o primeiro contato de Fernando Chamarelli com as tintas
e as telas aconteceu há apenas dois anos, quando ele tinha 25. Suas
criações recentes têm ecos das técnicas aprendidas no curso de
design gráfico – formato vetorial, cores chapadas e um processo de
elaboração que começa no papel para depois se espalhar pela tela.
Equilíbrio, harmonia, forma e contraste também seguem um método
baseado nas leis da psicologia Gestalt. As regras que guiam seu processo
criativo o levaram na direção de uma linguagem urbana, expressa por
ares pré-colombianos. Para suavizar tanto perfeccionismo, Chamarelli se
inspira em artistas como Anil Gupta, OSGEMEOS, Dali, Klimt e Magritte,
e agrupa esses diferentes estilos em suas pinturas. 1
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4detalhe da obra beiJa-flor canhoto . acrilica e óleo sobre tela . 2009

Em comparação com a maioria dos artistas, você começou a pintar tarde.
qual o caminho que percorreu até estrear nas telas?
Quando eu tinha 14 anos, um amigo me deu um gibi do wolverine. Fiquei
muito impressionado e logo comecei a desenhar os personagens dos X-Men
todos os dias. Depois das HQs, comecei a fazer desenhos em vários outros
estilos. Desde o início fui autodidata, e ganhei os meus primeiros trocados
desenhando retratos e reproduzindo fotos em folhas tamanho A3. E em Penapólis,
onde nasci, a molecada costumava fazer máquinas de tatuagem
caseiras. Fiz uma pra mim com uma colher, motor de carro de brinquedo e
tubo de caneta bic amarrado com linha e fita (crianças, não façam isso em
casa). Eu me identifiquei muito com esse universo da tattoo, e às vezes viajava
para as convenções de tatuagem. Com o tempo, comprei equipamento
profissional e por um curto período passei a frequentar o estúdio de um amigo.
Depois fui cursar a faculdade de Design e ia para as ruas fazer algumas
intervenções, como graffitis e lambe-lambes. Somente depois que terminei
a faculdade é que encontrei o meu estilo e comecei a pintar.
Como funciona o seu processo criativo?
No design existe todo um processo de elaboração antes de chegar ao resultado
final. Acho que por isso eu ainda não consigo pintar direto na tela.
Começo a criar no sulfite, estudo umas cores no papel pra depois reproduzir
na tela. O rádio está sempre ligado durante todo o processo. A música ajuda
a fazer fluir o meu trabalho. Para a tela que estou pintando no momento,
criei a arte ouvindo Lia de Itamaracá e o CD das lavadeiras do Vale do Jequitinhonha.
Às vezes vem à cabeça a história de alguma lenda ou mito que li
e começo a criar. Mas basta ficar na frente de uma folha branca que surgem
os personagens. Não gosto de ficar pensando muito no que vou fazer, tenho
uma ideia geral e deixo rolar. Se pensar muito o desenho trava. Parece que
quanto mais eu penso menos [a ideia] se desenvolve.
Os seus quadros têm particularidades que indicam, mesmo sem a sua
assinatura, que determinada obra é sua. Como chegou tão rápido no
estilo atual?
Dois acontecimentos têm vital importância no amadurecimento das minhas
pinturas. Trabalhei por alguns anos com o Adobe Illustrator, e isso fez com
que eu enxergasse tudo em forma de vetores, com poucas sombras e cores
chapadas. Gosto de misturar personagens e as cores vibrantes do graffiti
com vetores da arte digital. O outro motivo foi uma viagem que fiz para
Olinda. Levei um choque ao conhecer a cultura que existia naquela região do
país. O artesanato é muito rico, e os estilos musicais, como o maracatu, samba
de coco, ciranda, mangue beat e baião, são densos. Também tenho uma
ligação muito forte com povos e culturas antigas que não sei explicar de
onde vem. Mesclo arte maia, inca e asteca com arte africana. Arte marajoara
com chinesa e maori, egípcia, rupestre e indiana com arte das tribos antigas
do extremo norte da América e assim por diante. Além disso, com o tempo
o estilo foi evoluindo e se desenvolvendo aos poucos, sem eu perceber. Me
preocupo mesmo em fazer algo legal e que me agrade.
O fato de você viver em uma cidade do interior muda em alguma coisa o
seu processo de produção? A vida mais tranquila define de alguma maneira
os seus trabalhos?
Acho que sim, pois a tranquilidade é essencial quando estou criando. Gosto
de ficar próximo da natureza, acho que isso me ajuda a criar mais formas
orgânicas com harmonia e equilíbrio.
quando você percebeu que poderia viver de arte?
Há pouco tempo descobri que muitos artistas de rua de São Paulo, que eu
admirava, conseguiram mostrar seus trabalhos também dentro das galerias.
Daí senti que também poderia ter meu lugar ao sol. Deixei o trampo de
4detalhe da obra fronteira . acrilica e óleo sobre tela . 2009
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designer em uma agência para tentar viver de arte, pintando e ilustrando.
A correria não para, e é preciso ser uma pessoa criativa. Recentemente as-
sisti a uma palestra de um sociólogo italiano que dizia que a profissão do
futuro vai unir trabalho, estudo e diversão, então creio que estou no caminho
certo.
Você já expôs em coletivas fora do país. Isso trouxe algum retorno para a
sua carreira? Como rolou esse contato?
As primeiras exposições de que participei foram coletivas fora do país. É
estranho conseguir mostrar primeiro meu trabalho no exterior e só depois
no Brasil, mas por outro lado é bem massa, porque abre as portas e aos
poucos vira uma bola de neve. Depois que comecei a divulgar o meu trabalho
na internet, os gringos foram os primeiros a entrar em contato comigo
pelo flickr. E assim rolaram os convites. É muito bom poder divulgar
em outros países. Outras exposições coletivas estão para acontecer e estou
conversando com uma importante galeria dos EUA, que me convidou
pra fazer uma expo individual lá ano que vem. Espero que dê tudo certo.
quais são os materiais que você usa para criar as suas telas?
Depois de desenhar com um lápis na tela o que criei no papel, eu pinto
com tinta acrílica e um pouco de tinta a óleo. Meu próximo passo deve ser
misturar pintura com escultura. No geral, tudo na arte me atrai, gosto de
usar as mais diferentes superfícies e diferentes técnicas e materiais. Acho
que não devem existir regras, cada um pode pintar com o que quiser ou com
o que tiver ao alcance.
Como você define o seu trabalho?
Não curto impor um significado muito exato para as minhas pinturas e dizer
essa tela significa “x” e aquela outra, “y”. É legal ouvir dos observadores suas
diferentes interpretações da mesma obra. Muitas vezes eles veem muitas
coisas que eu não enxergo dentro daqueles “mosaicos”. Afinal, Kant dizia
que nunca seremos capazes de saber com toda a certeza como as coisas
são em si. Só podemos saber como elas se mostram a nós.
Como você enxerga o mercado de arte contemporânea no Brasil? Sente
que nos dias de hoje tem mais espaço ou continua difícil encontrar o lugar
ao sol?
Não tenho muita experiência pra fazer uma análise profunda sobre o
mercado de arte contemporânea brasileiro. Sou novo nesse mundo, nunca
fui a nenhuma bienal e moro distante das grandes capitais que consomem
esse tipo de arte. Mas na minha opinião é bem difícil pra quem está
chegando agora, eu estou vivendo isso. A educação do país ainda é ruim,
e são poucas as pessoas que admiram arte. É um tipo de trabalho bem
desvalorizado. Você tem de fazer porque gosta. Principalmente aqui no
interior, muitas pessoas veem minhas telas e dizem: “Legal, mas por que
você não pinta uma paisagem, um cavalo, flores ou um gato bem bonito?”
Por outro lado, têm surgido novas galerias e espaços, e a internet ajuda
muito quem está começando. Acho que quem não desiste encontra algum
dia o seu espaço.
O que espera daqui pra frente?
Espero que os artistas da nova geração sejam valorizados pelo excelente trabalho
que fazem e que cada vez aconteçam mais exposições e surjam novos
espaços culturais. E torço para que eu consiga me manter vivendo apenas
das minhas pinturas e ilustrações. 3
2SAIBA MAIS
www.flickr.com/lfchamarelli

BATE
PANela
Frutas na mesa, pia, chaleira, fogão, pano de prato,
geladeira. E pratos, é claro. Foi nesse ambiente familiar
que o cantor, compositor e multi-instrumentista
paulista Curumin viajou no tempo e revisitou
momentos da sua vida que ajudam a entender de onde
vem a vitalidade da sua música.
Curumin é mesmo multi: agita seus pratos
tanto em ondas pop, como Arnaldo Antunes,
Vanessa da Matta, Céu e Otto, até nas mais
independentes, como Instituto, Rômulo Froes
e Guizado. Lá fora, já batucou com Tommy
Guerrero e Femi Kuti. Sua desenvoltura no palco
parece tão natural quanto a preparação do chá
na cozinha de sua mulher, a cantora
Anelis Assumpção.
Descontraído e sofisticado, ele reinventa seu som
costurando soul, funk, dub, reggae, hip-hop, samba
e baião. Experimentalismo, psicodelia e, quem diria,
psicologia. Receita tão boa que levou seu segundo
disco a se destacar entre os mais vendidos de música
latina no iTunes. Pronto. Está na mesa. 1
POR DEBORA PILL . FOTOS AO VIVO DIVULGAÇÃO
Como surgiu sua história com a música?
Sempre gostei de música. Antes de tocar um instrumento, lá pelos 6 anos, eu
adorava Sidney Magal. Vestia roupas parecidas e cantava que nem ele. Essa
história é bem queima-filme, né? (Risos.) Mas era isso que rolava na época, é
uma coisa daquela geração. As TVs e rádios investiam pesado nos sucessos
populares, todo mundo via o clipe do cara e saía imitando, assim como foi com
o Michael Jackson. Não é que nem hoje, que as pessoas gostam de coisas mais
particulares, tem um monte de nicho.
quando você descobriu a bateria?
A gente descolou um amigo da classe que tocava. E nos ensaios eu
pirava na bateria. Todo intervalo eu ficava lá, tocando. Até o dia em que
saiu um ritmo. Porque tem toda a coisa da coordenação, que é difícil.
E daí, quando consegui encaixar o chimbau com a caixa e o bumbo
e acertei a coordenação dos membros, cara, eu pirei! Ficava em casa
batendo no corpo, no ar. Fiquei tão instigado que resolvi montar uma
bateria em casa. Um tio me deu uma pandeirola, eu montei o chimbau,
um amigo me deu um pandeiro, eu fiz a caixa. Daí tinha um móvel que
eu usei como prato, um tablado de madeira e um pé de enxada torto
que, quando eu batia, tirava o som. Eu colocava os discos e ficava
acompanhando. Nessa época rolava muito Led Zeppelin, Pink Floyd…
E quando veio a primeira bateria de verdade?
Eu devia ter uns 12 anos. Fiz até caixinha – ligava pra família toda dizendo que
não queria presente de aniversário, queria dinheiro pra comprar a bateria! Aí eu
achei uma baratinha, no [jornal de anúncios paulistano] Primeiramão.
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Era um cara de Sapopemba, e eu morava no Paraíso. Então escalaram minha
avó pra me levar, ela já velhinha. Foi uma epopeia, viagem de um dia inteiro, a
gente se perdeu no meio do caminho e tudo. A bateria era bem ruim, mas durou
uns cinco anos.
Como você descobriu que tipo de som queria fazer?
Comecei a prestar mais atenção no que meu irmão mais velho escutava.
Ele sempre foi interessado em música, estudava, lia as revistas, ia atrás
dos discos que indicavam. E um dia ele chegou com o Inner Visions,
do Stevie wonder. Aí mudou tudo. Até então eu só conhecia “I Just
Called To Say I Love You” e achava o cara um mala. Ouvi o disco e pirei
totalmente. Foi quando descobri a música negra americana e comecei a
investigar o funk soul. E como foi o lançamento nos EuA?
O primeiro show foi engraçado. Eu estava assutado. Foi em NY, no CMJ,
que é um festival gigante. Foi um show estranho, numa cobertura, tipo
private party. Rolava churrasco em cima e o show embaixo. E, como eles
só tinham grana pra levar duas pessoas, tive que me virar. Acabei pegando
um músico de lá, o Victor Rice, pra tocar baixo, o Quincas [Moreira] foi
tocando teclado, e a gente ia soltando os beats.
“A PERSPECTIVA DA BATERIA EM RELAÇÃO
AO PúBLICO É BEM DIFERENTE.
EM LUGAR PEQUENO ROLA ESSA
COMUNICAÇÃO FÁCIL, MAS EM LUGAR
MAIOR O DESAFIO É GRANDE. E OS úLTIMOS
SHOwS QUE ROLARAM NOS EUA FORAM
PRA UMAS CINCO MIL PESSOAS, EU NÃO
ESTAVA ACOSTUMADO.”
Fala sobre o seu primeiro disco, Achados e Perdidos.
O Achados veio assim que acabou a Zomba (banda de funk com Paula Lima).
Eu tinha um monte de ideia, umas músicas prontas. Tinha “Guerreiro”, mas
com outra letra, mais filosófica. Era bem ruim! E eu tinha acabado de comprar
uma MPC e ficava montando base. O [Gustavo] Lenza tinha um computador
com Pro Tools e trabalhava na YB. A gente gravou disco nos períodos de férias,
pegava dois, três dias produzindo e ficava uns meses parado. Isso tudo rolou em
uns dois anos. A gente criava aos poucos na MPC e ia jogando no computador,
fazendo as letras.
Você acha que poderia ter feito ele em menos tempo?
Acho que não. Eu estava me formando em psicologia na época, inclusive
meu trabalho final foi sobre Jung. Foi também nessa época que comecei a
garimpar coisas desconhecidas, tinha o Ramiro [Zwetsch, jornalista], que
discotecava em várias festas e a gente ficava pesquisando sons. Eu era
meio viciado, comprava uns cinco CDs por mês. O Achados é resultado
dessa fórmula: um cara que estudou o funk soul americano, pirou no funk
soul brasileiro e usou as possibilidades do Pro Tools da época.
Foi quando a quannum resolveu lançar o disco?
É. E foi um desafio pra mim, porque eu sempre fui meio na
minha. De repente veio a Quannum querendo mostrar o meu
som no território americano! Foi assustador no começo, eu
estava com os caras que admirava. Na época eu nem tinha um
formato certo de banda, fazia várias experimentações. Daí o
Blackalicious veio tocar no Brasil e o Lenza estava fazendo o
som. E acabou rolando o clássico “deu o disco pros caras, os
caras ouviram e curtiram!” (risos).
Como foi o show nesse formato enxuto?
Essa linguagem é muito dos americanos, né? Você tem o MC
e o cara soltando a base. Eu não tinha essa capacidade de
entretenimento! Entrei na cobertura e tinha um monte de pôster
meu, o Charlie Tuna passando o som com o Mistical… Comecei a
suar frio. Me lembrou o primeiro show que fiz na vida, na escola.
A gente subiu no palco e a partir dali deu um branco. Até hoje
não sei o que rolou. Foi ali que eu conheci o Tommy Guerrero, que
também estava lançando disco. A gente fez um som junto no dia
e logo depois abrimos o show dele, e foi bem mais legal, com um
público mais tranquilo, skatista.
E as turnês pelos EuA?
Ah, sempre rolou do jeito que deu. Da segunda vez eu ia com banda,
mas o produtor me ligou um dia antes falando que os vistos não tinham
saído. Foi uma loucura atrás de gente com visto de turista! Comecei a
perguntar quem tinha e poderia ficar uma semana nos EUA. Cheguei lá,
peguei um dia de ensaio num estúdio e foi isso, no dia seguinte a gente
estava abrindo show do Femi Kuti em Miami! Loucura total. Foi só na
terceira vez que rolou a turnê mais bacana, do jeito que a gente estava
acostumado a tocar.
Como foi no Brasil depois disso?
Quando o Achados saiu pela Quannum, comecei a tocar mais
aqui, rolou Blen Blen, Funhouse, Sesc. E o show também
começou a ficar mais legal. Teve uma fase de experimentação,
sem bateria e com beat programado, eu no cavaco com uma
banda diferente. Daí foi mudando, comecei a tocar mais bateria,
porque é do que eu gosto mais. E aí rolou turnê com a Céu,
o batera dela não pôde ir e eu acabei passando um mês lá.
Fiquei no estúdio do [DJ/produtor do Blackalicious] Chief Xcel,
conheci melhor os caras, com tempo de sair e trocar ideia. Tudo
isso fez muito parte da feitura do Japan [Pop Show].
Por quê?
A gente começou a encontrar novas referências. Eu tocava em lugares
diferentes, via shows de uma galera nova. Isso tudo abriu minha cabeça,
era um novo circuito. Desde o dia em que o meu irmão trouxe o Inner
Visions, saquei que gostava daquilo. Então o foco que eu já tinha na
música negra do mundo acabou se expandindo, porque comecei a ouvir
coisas que não conhecia, como reggae, música brasileira também. Tudo na
rede, pesquisando.
O que mudou do Achados e Perdidos para o Japan Pop Show?
Rolou um amadurecimento como músico, coisa que só o trabalho
gera. Toquei com o Arnaldo [Antunes] por uns cinco anos, com
Otto, Vanessa, Céu. Também percebi que toda a música negra ao
meu redor tinha algo em comum, dava pra costurar numa coisa só.
No Japan rola também a coisa da relação dos japoneses com
o tempo. Eles são ultra modernos e ao mesmo tempo ultra
tradicionais. Tudo que eu ouço é dos 60 e 70, e no disco usei a
sonoridade e a textura das músicas antigas.
Mas eu vivo nos anos 2000. Então espelhei isso da tradição com o
moderno, através das ferramentas que a gente passou a usar.
Falando em ferramenta, você abandonou de vez o cavaco?
Eu gosto, mas nunca esteve internalizado, saca? Com a bateria me sinto
mais à vontade, estudei, curto. Consigo estar mais dentro da música,
conversar melhor com ela. Me sinto mais solto no palco também. E com
isso passei a construir essa coisa de envolver mais o público.
Isso é uma das características mais marcantes do seu show.
A perspectiva da bateria em relação ao público é bem diferente.
Em lugar pequeno rola essa comunicação fácil, mas em lugar
maior o desafio é grande. E os últimos shows que rolaram
nos EUA foram pra umas cinco mil pessoas, eu não estava
acostumado.
Para fechar, por que Curumin?
Ah, é apelido de criança, coisa de escola. Na época eu tinha franja, e como
sou moreno, com olho puxado, a galera acabou me chamando assim.
Mas, quando vou tocar no Norte, o pessoal pergunta: “Por que esse
nome?”. Eles não entendem. Porque lá tem os originais, né? (risos).3
2SAIBA MAIS
www.myspace.com/curumin
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CRiolo doido
filÓsofo do submundo
POR ANDRÉ MALERONKA
A fala do MC Criolo Doido tem seu ritmo pontuado por pausas dramáticas e
interpretações nas alturas e intensidades. Isso, mais o uso desbragado de linguagem
corporal em suas explicações cheias de parábolas e certezas, dão a sensação de que
o Criolo não subestima seu interlocutor. “Sim, é isso, estou aqui representando o
personagem Criolo Doido, é o que tem pra hoje”, ele parece sinalizar o tempo todo.
Ainda que interpretando, ele não poderia ser mais franco: o personagem que criou,
um filósofo, é também a maneira que Kleber gomes encontrou para lidar com a vida e
as coisas do mundo. 1
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“NiNguém coNsegue
fazer Nada soziNho,
eNtão a riNha, hoje, é da
cidade de são Paulo, é um
PatrimôNio. lá é o úNico
lugar oNde o cara que
aiNda Não tá muito firme
Na ceNa Pode caNtar.”
Prestes a lançar um DVD ao vivo, ele concorre ao Hutúz e também é o
protagonista do recém-lançado Profissão MC, filme dirigido por Alessandro
Buzo, escritor “suburbano convicto” e apresentador do quadro “Buzão” no
programa Manos e Minas da TV Cultura, e por Toni Nogueira, que apresenta
o quadro “Domingão Aventura” no Domingão do Faustão. Criolo é um MC
habilidoso: suas músicas parecem ser escritas a partir das levadas criadas à
rap bate-cabeça, e seu senso de humor é ímpar, como sabem todos os que
já o viram apresentando a Rinha dos MCs, evento semanal que começou em
parceria com o DJ Dandan – hoje o DJ Marco e Kiko, do Pentágono, também se
responsabilizam pela organização. É uma noite com discotecagem só em vinil
e microfone aberto para batalhas de freestyle, nas quais o público decide os
ganhadores. Um espaço de criação musical único na cidade.
Porque você resolveu fazer um DVD?
Um dia eu tava chateado com umas coisas na Rinha e falei “pode colocar
aí, gravação do DVD do Criolo Doido, quero ver se o negócio vai estourar
ou não vai”.
No microfone?
Não, entre a gente mesmo, depois do evento. Aí o DJ Marco – a gente tava
começando a trabalhar junto, isso foi ano passado, ele não conhecia esse meu
jeito meio maluco de ser – colocou no flyer na outra semana! Aí eu conheci a
Vivi [Rocha, diretora do DVD] e ela disse que daria uma força. Quando fomos
ver, tinha quase vinte profissionais envolvidos. Tá muito bonita a parada, parte
técnica de alto nível. A gente tá correndo pra sair este ano ainda. Fatalmente
será independente, mas, se tiver alguma proposta em que o DVD saia a um
preço justo, a gente pode conversar. A grande ideia é que o máximo de
pessoas veja esse trabalho, porque não é só um registro de músicas, é um
registro de sentimentos. E esses sentimentos podem modificar alguma coisa.
As músicas são apenas um detalhe dentro de toda essa história. O grande
lance é o teu olhar, o porquê de você estar fazendo a música – e aí as coisas
vão acontecendo.
Foi tudo gravado no Executivo, na Rinha?
Tudo gravado no Executivo Bar, um antigo puteiro que tá sendo
re-significado. Às sextas-feiras é o encontro de uma massa humana:
jovens, adolescentes e o pessoal das antigas que gosta de música boa.
A gente transformou esse lugar. Você pode escutar boa música, rever
amigos e fazer novos amigos – a proposta da festa e do encontro
cultural que é a Rinha dos MCs sempre foi essa. E acontece lá, na Sete
de Abril (rua no centro de São Paulo), abaixo do nível da terra e...
(risos) estamos com a sétima chave da sétima porta do umbral.
Como começou?
A Rinha surgiu da necessidade de uma festa em que a gente pudesse
escutar as músicas que queríamos. A gente tinha saudade dos anos
90, e pouquíssimos DJs estavam saciando nossa sede de música. Era
a necessidade de um espaço para discutir nossas músicas e onde
a rapaziada – no começo a da Zona Sul, porque a Rinha nasceu no
Grajaú e no Iporanga – se encontrasse e cantasse suas músicas,
mostrasse fotografias, esculturas. A gente jamais imaginou que ia
chegar aonde chegou. É muito louco isso: a partir do momento em
que você divide uma ideia, ela não é mais sua, e as pessoas vão se
sensibilizando. Ninguém consegue fazer nada sozinho, então a Rinha,
hoje, é da cidade de São Paulo, é um patrimônio. Lá é o único lugar
onde o cara que ainda não tá muito firme na cena pode cantar. E
imprime pressão nele. Não é um lugar onde o cara sai tipo “cantei
por cantar”, ele sabe que tem uma pressão positiva ali. Ele vai pra lá
assim: “tem muita gente aqui que manja muito, então vamos ver se é
isso mesmo – da parte deles e da minha também”. O que acontece lá
é uma avaliação de quatro ou cinco situações ao mesmo tempo.
quando começou?
Em 2006, na Robert Kennedy. Foi em seis lugares diferentes, todos na
Zona Sul de São Paulo. Agora tá há um ano no Executivo.
Você só tem um disco e já é conhecido – indicado ao Hutúz e tudo
mais. Como surgiu o disco?
Muitos parceiros cederam as instrumentais, ninguém me cobrou nada.
Muita gente me ajudou: o w-Jay do SNJ, o Slim Rimografia, o Apolo
do Pentágono, o Raul do Iporanga. Eu demorei dois anos, e depois de
pronto demorei um ano pra pôr na rua. Agora tem um rapaz de uma
empresa que ficou interessado em algumas músicas e vamos ver o
que acontece. Ele tinha pensado num single da música “Vasilhame”,
mas agora escutou os outros sons e tá pensando num EP virtual.
Eu ouvi uma versão demo de “Grajaúex”. Você vai gravar essa?
Eu pretendo, tem muita música nova. A gente tem que equacionar
falta de grana e qualidade técnica, então demora um pouco.
Mas você pretende lançar fisicamente também?
Sim, a gente não pode se iludir com isso. Muitas pessoas ainda têm
videocassete. Muitas casas não têm nem luz! Se a gente for parar
pra pensar, o Haiti é aqui com todas as forças. Inclusive as Forças
Armadas (risos).
Recentemente o hip-hop ganhou mais espaço na mídia de novo. Isso é
verdade ou não?
Era inimaginável cinco anos atrás ter um programa como o Manos e Minas
na TV aberta. Acho que isso mostra o poder de consumo do nosso povo e
da música negra. Não é só o afoxé, o samba, que são coisas maravilhosas,
mas também essa outra parte que tem o rap e o reggae. Já, já, vai ter um
programa de reggae na TV aberta. Tem muito grupo, muita gente, muito show.
Perceberam que os barrigudinhos têm poder de consumo. Tudo tem um
custo, e agora tem uns patronos, mas tudo é transitório. Os amores, os cortes
de cabelo e até o estilo musical podem ser – não é porque tá na TV que é pra
sempre. As coisas têm que ter história – o que é eterno você vai guardar na sua
biblioteca de coisas boas.
E como você escreve?
Tomado por muita emoção, cara. Tomado por muita indagação, por muita
vontade de mudança minha, interna. Porque, se eu não estiver disposto a
enxergar tanta coisa errada que tenho dentro de mim, o que eu vou querer
mudar? Comecei com 12 anos de idade. Um colega de escola tava preocupado
em não passar de ano e fez uma rima dizendo que ia pegar o pergaminho dele.
Foi a primeira vez que vi um cara fazendo uma rima, e era uma baita de uma
analogia, ainda por cima. Tinha o programa Metro Tech na rádio Metropolitana.
Acho que era do Armando Martins – meu Deus, será que alguém vai me bater
de eu estar falando errado? (risos) Quando fui ver tinha uma multidão de gente
de várias outras quebradas fazendo isso também.
O hip-hop no Brasil já passou por várias fases. Você acha que isso tem a
ver com o quê? Com a produção dos grupos? Com a postura?
A gente pode pensar no rap – ou em qualquer outra coisa, na verdade – da
seguinte forma: quando você tem um terreno muito grande e constrói uma
cidade sem nenhum projeto de urbanização, ela vai crescer de um jeito. Se
planejar, vai crescer de outro jeito. Mas também não podemos jogar toda a
culpa em quem tava na linha de frente cantando esse rap. Era uma estética
nova que trazia consigo um monte de auto-estima. A gente tinha que se firmar
naquele momento, era importante falar daquilo, bater de frente com alguns
temas. A gente tava vivendo aquilo, de verdade, dia a dia. Se tivesse uma ou
duas pessoas dessas que fazem mega eventos e mega situações vendo o rap
nascendo ali com a noção de quanto ia crescer no nosso país, isso talvez tivesse
sido diferente. Teve muito guerreiro que gritou muito forte, mas não teve
como ser ouvido. É tudo planejamento. Mas não dá pra planejar algo novo, a
gente tá num processo ainda. É tudo muito novo, e a dinâmica do ser humano
mudou muito. Antigamente uma pessoa podia ficar o dia inteiro discutindo
temas filosóficos. Hoje a gente não pode – e não quer! Demorava três meses
pra uma fita minha chegar num outro bairro, a gente achava o máximo um cara
de outro bairro vir cantar na nossa escola. Hoje tem tudo a um clique, e cabe
a você ver o que tá exacerbado e o que tá faltando. Mas o rap é um diamante
que brilha muito, e as pessoas não tão sabendo encontrar o ângulo dele com o
brilho mais perfeito. É que a gente valoriza a individualidade, mas nunca aceita
a individualidade do outro. 3
2 SAIBA MAIS
www.myspace.com/criolomc
twitter.com/criolomc
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Mais que música,
uma missão
ma
re
Para quem está ligado no cenário do rap
brasileiro atual, o MC Marechal é uma
grande expectativa. Seu nome começou
a vagar pela cena no fim dos anos 90,
através da lendária festa carioca Zoeira
Hip-Hop, com seu primeiro grupo, o
subversivo coletivo Quinto Andar, além
da Academia Brasileira de Rimas. Com 10
anos de carreira e considerado por muitos
uma das promessas do rap no país,
Marechal é visto como um talento sem
nunca ter lançado um disco. Em um papo
franco e aberto em seu estúdio no bairro
de Itaipu, em Niterói, Marechal soltou
o verbo, falou de projetos com novas
propostas e diferentes visões de mercado
e afirmou: seu momento é agora. 1
chal
POR DANIEL TAMENPI
FOTOS POR FOTONAUTA
Você já tem uma história dentro do hip-hop. Como tudo aconteceu?
Quando eu era moleque, meu sonho era ser jogador de basquete. Eu via os
vídeos pra estudar os lances e o rap sempre tava no meio. Era aquela época
do Lakers, Chicago Bulls. Quando saiu o primeiro disco do Shaquille O’Neal,
eu pirei. Pensava: vou jogar na NBA e lançar um disco de rap (risos). Depois
conheci os caras daqui: Racionais e Gabriel o Pensador. Foram os sons que
me impulsionaram pra esse caminho. Eu já sabia que Public Enemy era uma
parada de atitude, mas não entendia as letras. Quando o Gabriel lançou
“Matei o Presidente”, comecei a me ligar que não era só atitude, mas também
a mensagem. Daí comecei a me envolver.
E quando surgiu a ideia do quinto Andar?
Eu já andava com o De Leve, que também jogava basquete, e a gente co-
meçou a brincar. Depois conheci o Speed, com uns 15 anos. Ele foi um cara
muito importante, me apresentou outros estilos, como o jazz. Daí começou
meu vício de comprar disco, um pouco antes da época da Zoeira (festa de
hip-hop que fez história no Rio). O Quinto Andar foi uma ideia de espírito
de coletivo – no começo tinha grafiteiros, b-boys. Eu comecei a gravar com
aqueles mics de CPU, jogava no Napster e a parada começou a espalhar. E
acabou se tornando uma coisa meio revolucionária, subversiva. Hoje em dia
eu olho pra trás e vejo mérito, foi uma parada maneira pra época. Política e
ideologicamente eu não concordo com a maioria dos envolvidos hoje em dia,
mas respeito muito aquele momento.
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Desde a sua saída do quinto Andar, expectativas
muito grandes foram criadas em cima do seu
trabalho pessoal, mas até hoje você não lançou nada
oficialmente. Por que essa demora tão grande?
Na minha cabeça não demorou, porque foi um bom
tempo de amadurecimento. E não digo amadurecimento
só do rap, mas da música. Quero atingir as pessoas com
isso, porque foi esse lado que me inspirou. Eu fui atingido
pela mensagem do rap, não entendia nada de música. A
mensagem foi o que me fez querer estudar a música. É
complexo. O tipo de mensagem que pretendo propagar,
que foi o que ouvi e me inspirou, com GOG, Racionais,
Sabotage, é o tipo de coisa que eu quero, mas tem que
ter muita responsabilidade. E cautela. Eu escrevo coisas
relevantes, mas não por ser melhor ou pior. Lido com
uma frase que é a seguinte: tenha certeza de que o que
você vai dizer é mais relevante que o silêncio. Isso é rap.
Nego é muito afobado, não acho que demorou tanto.
Tem gente que demora uma vida inteira pra lançar um
disco. Eu queria montar uma estrutura, que você está
vendo aqui. Um escritório, com um estúdio que não deve
pra ninguém. Agora a gente pode falar como “adulto”
com qualquer pesssoa. Não dá pra passar por moleque.
Já tô com 29 anos, sacou? E essa estrutura precisa ser
planejada para se sustentar. Eu nunca vou parar de fazer
música, mas fazer um disco é um investimento.
Tudo bem, o disco é um investimento, mas você podia ter lançado faixas
soltas. Por que não fez isso?
Acho que as coisas conspiraram a meu favor nesse lado. Eu faço as
músicas e apresento nos shows. Nesses shows vai um cara e grava, joga
no Youtube e a parada se dissemina. Essas gravações ao vivo, na minha
concepção, funcionam como mixtapes, tá ligado? Geral já teve acesso a
várias músicas, tanto que não lancei nada, mas todos cantam nos shows.
Essas “mixtapes ao vivo” acabaram se tornando um trabalho de base que
funcionou. Não era exatamente o que a gente pretendia. Fazer música, a
gente tá pronto pra fazer a qualquer hora. Nem é o meu estilo, na real. Eu
espero, estudo, essa é a minha forma de fazer. Na minha concepção você
só pode extravasar sua arte da forma como ela realmente é, não pode
virar um padrão de mercado e tentar se adaptar a isso, sacou? A minha
arte é o contraponto do padrão de mercado.
Mas e agora? Chegou o momento?
Sim. Estou com novas ideias na cabeça. É uma coisa mais dinâmica. Meu foco é chegar com
trabalho na rua no formato clássico de empreendedorismo que aprendi vendo. Produto bom,
barato e de fácil acesso. A ideia é lançar três discos com uma periodicidade de quatro meses.
Serão cinco músicas por cinco reais. O nome dos discos vai ser Porradão de 5. O formato
do CD vai ser tipo um disquinho (mostra o modelo: um CD com uma arte e um rótulo como
se fosse um vinil), e também vai sair em vinil. Cinco faixas de um lado, os instrumentais do
outro. O vinil é muito importante. Faz parte da cultura. Além disso, tô montando cenário,
telão, videoclipe. Toda uma ideia pras apresentações ao vivo. Em dezembro o primeiro vai
estar na rua. Estamos com várias prontas, como você pôde ver aqui. Tem toda uma galera
envolvida que acredita no projeto: o Emicida, Gutierrez, Rael da Rima, Carlos Dafé, um coral
chamado Boca Que Usa, músicos e produtores como o Donatinho, Kassin, Berna Ceppas,
Damien Seth, Luís Café, Felipe Pinaud, Ramon Torres, Felipe Mendoça, Tricky Trompete, Helio
Bents. Na parte da mixagem e masterização, vou fazer tudo lá fora. A intenção é estar no
topo da qualidade mesmo. Já estou em contato com alguns engenheiros, como o Ken Lewis
(que já trabalhou com Kanye west, Notorious BIG) e o Steve Sola (Mobb Deep, Alchemist).
Na parte de masterização estou em contato com Bernie Grundman, que fez masters clássicas
como “Thriller”, do Michael Jackson, e “The Chronic”, do Dr. Dre. A ideia é criar todo um
conceito sobre o que seria o “Espírito Independente” e a forma de empreendedorismo das
comunidades, tá ligado? Vamos distribuir cultura. Venda de mão em mão, com ajuda de
revendedores em áreas demarcadas estrategicamente, nos shows e também via internet,
pelo www.umsocaminho.com.br, que contém informações sobre nossas ações e conteúdo
relacionado a música, conhecimento e filosofia.
4foto Por fernando gomes
Lido coM uMa frase
que é a seguinte: tenha
certeza de que o que
você vai dizer é Mais
reLevante que o siLêncio.
isso é rap.
E essa frase, “um Só Caminho”?
É uma concepção a que a gente chegou, muito
baseada na filosofia oriental: o sentimento de
trabalhar focado em um objetivo. E com várias
pessoas a seu lado nessa mesma energia. Não
tem muito como explicar. Como o Bushidô, que é
um código de honra não escrito. A gente não tá
criando uma seita, ou uma religião, é somente um
conceito, uma filosofia em que a gente acredita.
Nossa marca é o “Espírito Independente”.
Você está oficializando sua marca de roupas
né? Vai ser esse o nome?
Sim. Nós já temos toda a estrutura, anos de
experiência com a Tujaviu. Vai se chamar Muro
Brasil (www.murobr.com). É um conceito novo
de roupa. Um artista de música, um artista
plástico, uma música com um conceito e a
coleção sendo lançada em cima desse conceito.
A música é enviada para artistas plásticos,
que desenvolvem um desenho cada, com sua
assinatura, inspirado nesse tema, para ampliar
a mensagem com algo visual. Todas as peças
saem com o disco contendo a música tema.
As coleções são permanentes, em respeito à
atemporalidade dos sons e das mensagens.
Vamos trabalhar com as melhores malhas,
costuras e estampas, em sete tamanhos.
Você tem um projeto muito interessante
no Rio de Janeiro chamado Batalha do
Conhecimento. Fale um pouco sobre isso.
Começou como oficina de rap. Eu tentava
ensinar pra molecada o lance de 16 barras, a
história, quem foi Chuck D, sabe? Eu fazia o lance
do rap e tinha um professor de literatura falando
sobre poesia. Esse começo foi muito didático,
mas não atingiu a forma que eu queria. Era pra
20 cabeças, não pra 400, sacou? Então pensei
em fazer uma parada mais interativa, que tinha
a ver também com esse lance do conhecimento.
Daí surgiu a Batalha do Conhecimento. Por
enquanto, é só o começo. Eu tô acabando de
finalizar o projeto, pra começar a correr atrás
de Leis de Incentivo, porque a ideia é fazer isso
nas escolas, com palestras, workshops de outros
tipos de empreendimentos: mecânica, como
criar sua marca de roupa e por aí vai. A ideia
não é fazer uma oficina pra pessoa virar MC, e
sim uma oficina de educação pra vida mesmo,
onde a gente interage pelo rap. Tipo uma
nova universidade. Batalha do Conhecimento
é a minha vida. A gente vive na batalha por
conhecimento, tá ligado? E isso gera tudo que
a gente conhece. Se não fosse vários caras pra
mostrar outros caminhos pra gente, ficaríamos
só vendo o que nos é imposto. 3
2SAIBA MAIS
umsocaminho.com.br
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M. ARMANI
POR ARTHuR DANTAS . RETRATOS MAuRíCIO CAPEllARI
Ainda que a palidez de sua pele possa sugerir o contrário,
Marcelo Armani, o multi-instrumentista gaúcho notório por
seu trabalho como baterista da banda SOL (Screams of
Life), imprime calor, sabor e vitalidade em tudo o que realiza artisticamente,
fazendo jus ao sangue que corre nas veias e, como é comum a esse tipo tão
especial de pessoa, fazendo da criação necessariamente uma missão. Seu
trabalho solo, o CD-R Os Conceitos do seu Mundo Definem a sua Vida?, lançado
em julho deste ano, é um dos experimentos musicais mais audaciosos
da temporada. Do modo de produção do disco ao conceito e a forma, tudo
tem a passionalidade típica dos idealistas.
Marcelo é um autodidata da música. Em dezesseis anos dedicados à bateria,
só recentemente se meteu a realizar um estudo mais formal e sistemático do
instrumento. Sua relação com a música tem raízes familiares. “Meu avô tocava
acordeão e bateria e, como meus pais trabalhavam, era ele que cuidava de
mim quando eu tinha uns 3 anos de idade. Ele me botava numa perna e na
outra apoiava o acordeão. Não por acaso fiquei meio surdo de um ouvido, que
é o que ficava do lado do acordeão (risos). A primeira vez que prestei atenção
na bateria foi com 11 anos, no disco Killers, do Iron Maiden. Tive aquela percepção
de como soa o bumbo etc. Em casa se escutava muita música gaúcha, Sidnei
Lima, irmãos Bertucci. Com o tempo comecei a escutar Ramones. Naquela
época não tinha dinheiro, fazia bateria de travesseiro, tirando bateria do D.R.I.
Com 14 anos meus pais me deram uma bateria bem vagabunda, os tambores
eram feitos de papelão, era uma maravilha de carregar”, ele conta com o bom
humor que lhe é característico.
Sua primeira banda séria foi a SOL, formada em 1998, seguindo a sugestão
do amigo nas sessions de skate Roger Canal, guitarrista e letrista do SOL. E,
estranho em se tratando de um baterista, tudo deveu-se a um problema com
seu “instrumento” de trabalho: “Eu quebrei o braço e fiquei sem andar de skate
– foi nessa época que decidimos fazer uma banda. O Roger me passava
fitas do NOFX, Pennywise e Bad Religion, falava pra ouvir aquilo e, quando
melhorasse o braço, tentar tirar aqueles sons”. Feita a recuperação, gravaram
a primeira demo, que chamou muito a atenção na época, ao realizar um som
que misturava Agent Orange com Dinosaur Jr. A formação mais conhecida do
grupo, a segunda, contava ainda com o baixista Felipe (“ele trouxe um sangue
novo, mostrou My Bloody Valentine pra gente, mudou bastante as coisas”) e o
percussionista Tetsuo (“foi uma grande escola, porque passei a tocar com instrumentos
meio primos do meu, mudou minha percepção completamente”), e
foi como quarteto que gravaram dois álbuns pelo finado selo Amplitude Discos,
de São Paulo. O segundo álbum, A Força, era um rolo compressor sonoro
que sintetizou as maiores virtudes do grupo: uma parede de ruídos acachapante
despachada em camadas de repetição e uma lírica simples e entusiasta
das coisas boas da vida, como o amor e a amizade, que propagam uma certa
esperitualidade que ainda guia em certo nível as ambições artísticas de Armani.
“Quando a banda acabou, fiquei meio perdido, acabou um ciclo – descobri
que aquela conexão que tinha entre os membros da banda não é em qualquer
lugar que se alcança. Cresci ali como músico e, acima de tudo, como pessoa”.
Em seu trabalho solo, Armani ressente-se um pouco do individualismo
inerente a tal situação (“Tocar sozinho me incomoda, por causa do lance
individualista. É louco: hoje você vê mais duos do que trios, inclusive! Muita
gente tocando sozinha... pra mim, isso é uma questão séria”). Nos sete
temas de seu mais recente álbum, ele comanda bateria, percussão, clarinete,
metalofone (criado artesanalmente), samplers, captações de campo e
outros sons. No processo de gravação caseiro (grava tudo em seu quarto e
capta ruídos da rua diretamente de sua janela), Armani se vale do processo
de “sound by sound”, no qual as texturas e notas que aparecem sempre
pela tangente em seus experimentos são construídos em tempo real. A linha
condutora, obviamente, é a bateria. Da explosão sonora de seu grupo
anterior, pouco restou: o novo disco é altamente imagético, e cumpriria
bem o papel de trilha tanto para uma película sci fi perdida de Tarkóvski
como para a obra de um David Lynch. Minimalismo, intuição free jazz e
batidas africanas se amealham, se confundem e acabam por criar uma obra
que coloca o recém-formado projeto de Marcelo Armani na companhia do
melhor que se tem realizado em termos música de invenção no país. 3
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2SAIBA MAIS
www.myspace.com/marceloarmani

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richard ribeiro não tem dedos suficientes para contar em
quantas bandas já tocou. Calma, isso não é nenhuma piada de
mau gosto. Richard é um dos músicos mais versáteis do cenário
independente paulistano e, além das mãos, já emprestou sangue
e talento para nomes como Diagonal, São Paulo Underground,
Cidadão Instigado, Debate, Jeneci, Echoplex, Fóssil e, claro, seu
projeto próprio, Porto, que recentemente lançou Fora de Hora.
Confira um bate-papo com ele. 1
Por rodolfo herrera
fotos Paulo borgia
Você se envolveu com música muito cedo. Seu
primeiro instrumento foi a bateria?
Eu comecei a tocar violão por volta dos 12 anos,
e o interesse pela bateria veio mais tarde, aos
14. Na época, meu pai era cantor sertanejo e eu
acompanhava. Ele chegou a ir ao Bolinha! (risos)
De certa forma, fui influenciado a começar cedo.
Você é criança e vai aos shows do pai, rodeado
de amigos músicos...
E a primeira banda, veio quando?
Aos 14, com um amigo de infância, o Sérgio
[Ugeda]. Ele estava aprendendo a tocar guitarra
e eu disse que ia aprender bateria. Em casa
tinha uma que havia sido da banda do meu pai
e estava jogada (nessa época a dupla já tinha
acabado), olhei e saí tocando. A nossa banda se
chamava Stazzmatazz, mas o nome mudava de
acordo com o que a gente ouvia.
O Sérgio sempre foi o seu companheiro de música.
O que vocês ouviam?
Ouvíamos Helmet. Era só isso que existia pra
gente (risos).
Depois do Stazzmatazz veio o Diagonal. qual
foi a maior mudança entre as duas bandas?
O Cláudio. A banda acabou e eu já tocava com o
Edmundo, o Meireles e o Xan no Echoplex. Nesse
meio tempo, o Sérgio conheceu o Cláudio e
começaram a montar o Diagonal. Peguei o bonde
andando e fui convidado.
quando o Sérgio te chamou pra tocar no Diagonal,
vocês estavam ouvindo outras coisas?
Nós ouvíamos as bandas da Dischord. E começamos
a compor tendo esse selo como diretriz,
tudo por influência do Cláudio. Como todo garoto
com sede das coisas, comecei a dissecar as
bandas de lá. Quando você é mais novo acaba
sendo obsessivo com as coisas que conhece.
O Echoplex existiu em paralelo com o Diagonal
e teve fôlego durante uma época, mas o
disco só saiu quando a banda já estava quase
inativa. Por quê?
Exato. Depois que gravamos, o disco demorou
uns três anos para sair! Não estávamos em sintonia.
Naquela época era difícil bancar sozinho
o disco. Faltava também uma visão melhor de
tudo que envolvia ser uma banda.
Eu lembro de um show do Echoplex há muito
tempo, você tocando muito pesado. Fiquei impressionado
com aquilo!
Era muita energia naquela época, éramos uns
loucos tocando. Eu estourava minha mão, voava
sangue na caixa e não parava de quebrar pratos
e baquetas. Jovem, né?
E quem te inspirava naquela época?
O John Stanier (Helmet), o Zach Barocas (Jawbox),
o Brendan Canty (Fugazi), entre muitos
outros. O Flávio também, que hoje toca no Forgotten
Boys. Na época vi ele tocar no Page 4,
era muito diferente, bacana de ver. Ele tinha um
estilo bem agressivo.
O zach Barocas misturava técnica e agressividade
de uma maneira bem peculiar.
Ele tem um jeito mais técnico e super criativo
que me chamava atenção. Fui atrás do que ele
ouvia, ouvi os discos que ele tocava. Pra mim é
um dos melhores bateristas de rock até hoje. Ele
foi uma puta referência.
Como foi a transição do Debate para o Diagonal?
O Sérgio queria voltar a cantar em português
– coisa que ele parou quando começou o Diagonal.
Essa acho que era a principal motivação.
Além de tocar mais e viajar.
Foi na época do Debate que seu projeto solo
tomou forma. Mas, antes do Porto, você começou
a tocar com mais bandas, fazer turnês e a
se apresentar como Richard Ribeiro, certo?
Comecei a compor quando voltei de uma turnê
que fiz na Polônia com o SP Underground. Tive
contato com outros tipos de música e principalmente
com outros tipos de músicos, a começar
pelo Rob Mazurek.
Começou a sair um pouco do rock, né?
Foi uma coisa natural. Você busca outras coisas,
eu fui tocar com o Maurício [Takara], com o [Guilherme]
Granado, com o Mazurek e naturalmente
quis outros ares. Assim como na vida que você
muda, às vezes você não é o mesmo de dois anos
atrás. O tempo foi passando, toquei com pessoas
ótimas e nesse intervalo tive vontade de começar
a compor e me desprender mais da bateria. Eu
compunha em casa, sozinho, fazia melodias na
guitarra e no metalofone sem a bateria. Tinha um
porta- estúdio. Quando gravei umas dez músicas,
chamei o Renato Ribeiro para tocar comigo.
Vocês gravaram o disco aqui em São Paulo
com o Devin Ocampo, do Medications. qual foi
o papel dele?
Ele foi engenheiro de som. Gravamos em um dia,
eu já sabia como queria o disco e ele simplesmente
gravou. Respeitou tudo que fizemos no
estúdio, achou melhor assim. Depois, levou para
os EUA para mixar na casa dele e remasterizar.
Fala um pouco sobre a composição do disco.
Como foi o processo para fazer aquelas músicas
todas soarem como algo uniforme?
Todas as ideias do disco aconteceram quando
eu estava andando na rua ou pegando um
ônibus, longe dos instrumentos. Aí passava a
ideia pro porta-estúdio, sempre foi assim, construindo
a música na minha cabeça para depois
tocá-la. Algumas tiveram como base melodias
de guitarras, outras, contos do Cortázar, outras
partiram da bateria. Cada uma tem um ponto
de partida, mas todas foram criadas longe do
estúdio, até porque eu não tinha tempo nem
dinheiro pra ficar lá, tocando sozinho. Acabei desenvolvendo
esse processo, e é assim até hoje. 3
2SAIBA MAIS
myspace.com/richardribeiro
87

+quem soma
batman. Dum Dum. Skate. Fanzines.
Garage Fuzz. Jaca. Adão
Iturrusgarai. Trampo. Adesivo.
Choque Cultural. Christian Strike. Porto
Alegre. São Paulo. Punk. Hip-Hop. Fernando
Ribeiro. Againe. Beautiful Losers. Mateus
Grimm. HQ. Arte. Noz Art. Most. Galeria
do Rock. Ed Templeton. Tuna Head.
Transworld. wu Tang Clan. Sebadoh. Carlos
Dias. Transfer. Fita Tape. Entrevistar Lucas
V. F. Ribeiro, 30 anos, é se jogar numa
viagem a subculturas dos anos 1990 e
compreender como elas moldaram uma das
personalidades mais interessantes da nova
cena artística brasileira. Acompanhar a ainda
incompleta trajetória de Lucas “Pexão”,
como é conhecido por seus comparsas
(“quando comecei a andar de skate, um
cara começou a me chamar assim, por
causa dos olhos caídos, de peixe morto.
Eu fiquei brabo, daí fodeu. Mas alguns dos
meus skatistas preferidos tinham apelidos
como Piolho e Urina, então não pareceu
. luCAS “PExãO” RIBEIRO . Por arthur dantas . fotos maurício capellari
tão ruim”), é entender um pouco o próprio
processo de formação do meio em que nosso
entrevistado é um dos maiores protagonistas.
Começando Pelo Fim
Pode parecer estranho, mas o responsável
pela recém-inaugurada galeria Fita Tape – ao
lado de sua companheira, Ana Ferraz – nem
sempre viu com bons olhos o trabalho de
vender obras alheias. Houve duas influências
fundamentais para esse processo: “O Christian
Strike (que veio ao Brasil participar da mega
exposição Transfer e é um dos responsáveis
pela mítica expo Beautiful Losers) foi um cara
importante para eu entender que pode ser
legal se focar em vendas – o que parecia meio
contraditório pra mim. Disse que tem gente
que compra pra investimento mesmo, mas
tem outros que abraçam a causa, seguem o
trabalho dos artistas, discutem arte em um
nível muito alto. Eu nunca pensei em ser um
art dealer, um Damien Hirst – sempre pensei
em viabilizar a carreira dos artistas que eu
amo, pra arte deles não virar apenas um lance
ocasional”. Nesse sentido, o trabalho de um
dos donos da Choque Cultural em São Paulo
sempre foi um norte: “Acho genial o Carlinhos
[Dias, artista plástico e músico] poder viver
de arte, por isso acho louvável o trabalho do
Baixo Ribeiro”.
As Origens
Lucas não teve uma infância normal. Sua mãe,
Dedé Ribeiro, é uma conhecida agitadora/
produtora cultural de Porto Alegre. Seu pai,
o falecido cantor Fernando Ribeiro, é um
importante e cultuado compositor gaúcho.
Fabio Zimbres foi seu padrasto. “Desde muito
pequeno eu vivia rodeado de desenhistas
legais por causa da minha mãe, como o Adão
Iturrusgarai, o Jaca, depois o Fabio Zimbres”.
Seu primeiro zine, Ameba Sorridente, dava-se
ao luxo de ter colaboradores como Schiavon,
Zimbres, Adão e Pedro Alice, por exemplo. E a
separação de seus pais trouxe outro elemento
definitivo para a formação do galerista: “Meus
pais se separaram cedo e meu pai foi pra São
Paulo. Até ele falecer, eu ia direto pra lá. Ele
era dono do estúdio Vice Versa, que é enorme
– hoje é o estúdio da Trama. Eu dava rolê
em São Paulo com os motoboys do estúdio:
eles me levavam na Galeria [do Rock] pra
comprar disco de rap. Quando meu pai largou
a música, começou uma relação forte com
pintura”. Boa parte da produção de Fernando
Ribeiro, inclusive, está na casa de Lucas.
E No Meio do Caminho Havia um Skate
“Depois veio o skate, no começo dos anos
90, quando ele tava completamente morto.
Sou total cria do skate do começo dos anos
90 – todo mundo andava devagar, as roupas
imensas, não tinha a menor chance de dar
certo como esporte (risos). As trilhas de skate
eram impecáveis também – o wu Tang Clan
estava antes nas trilhas de vídeo do que em
qualquer outro lugar. Tudo cabia nas trilhas
dos vídeos, de rap a Sebadoh. E a arte...
nossa! Sou totalmente influenciado pelo Ed
Templeton, o pessoal até brincava que eu
era fã demais dele. [Templeton] Tinha essa
visão do skatista como um novo ser criativo, a
ligação com as subculturas.” Foi nesse período
que Lucas criou o Tuna Head, zine que lhe
deu notoriedade, “junto com o Bocão, que foi
trabalhar na Qix e já era metido com skate.
O zine tinha muito [a função] de alimentar
a comunidade local, que na época tava
completamente morta”.
Daí para a frente, o mal já estava feito. Pexão
participou do site de notícias de skate bancado
pela marca Qix, escreveu e escreve para
diversas publicações ligadas ao meio, fundou
a seminal galeria Adesivo (ainda sem saber
vender obras direito e sendo vítima de cinco
assaltos), organizou a Transfer, maior exposição
de arte urbana do Brasil, no Santander Cultural
em Porto Alegre, criou um estúdio de criação
com sua companheira, o Noz Art, e abriu
a galeria Fita Tape com uma expo coletiva
classuda. Atualmente, é uma individual de Billy
Argel que ocupa o espaço. No futuro? Trampo,
Fabiano Lokinho e Mateus Grimm. Aliás, é
Grimm que sintetiza a importância local de
Lucas Pexão: “Dá pra dizer que existe em Porto
Alegre uma cena de graffiti antes e depois da
Adesivo. Ele aproximou muita coisa: skate, arte,
quadrinhos, música. Pra mim, em especial, o
cara é muito importante; mas também foi pra
galera que acreditava e se encontrava desde
o início. Ele tem a preocupação de valorizar o
artista, nunca privilegiou algum em especial,
trabalha lado a lado, impulsiona mesmo”. 3
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2SAIBA MAIS
fitatape.art.br
Leia o bate-papo na íntegra em maissoma.com

Coisas que
Gostamos
de Guardar
Por mentaloZZZ e ouriço
A seleta desta edição tem o
prazer de falar sobre alguns LPs
cobiçados por boa parte dos
colecionadores. Os álbuns da
fase psicodélica do apresentador,
cantor, publicitário e aviador
ronnie von (que de quebra ainda
batizou os Mutantes) viraram febre
anos atrás, quando uma série de
homenagens e tributos resgatou
do esquecimento a fase doidona
do Príncipe da Jovem guarda. Em
um bate-papo descontraído – mas
sem perder a linha jamais – em
sua casa na capital paulista, ele
revelou à +Soma as memórias
que guarda daquela época, que
No final de 1968, você já tinha feito
sucesso e era conhecido como O Príncipe.
Por que mudou tanto? Não teve medo de
perder público?
Eu era famoso mas sofria muito, estava
bem isolado. Para minha família e meus
amigos eu estava me perdendo na carreira
artística; para o mercado musical, eu não
era bossa nem jovem guarda, e muito menos
tropicalista: eu era O Príncipe, o filhinho de
papai que roubava espaço no mercado,
um playboy que não era politicamente
engajado e que nem música censurada pela
ditadura tinha.
Então você resolveu fazer discos mais
psicodélicos para quebrar essa imagem?
Não foi premeditado. Eu já tinha feito um
disco com guitarras elétricas antes, com
músicos argentinos da mesma turma dos
Mutantes. Mas aí a gravadora com que eu
tinha contrato, devido a um impasse durante
a troca de presidente, ficou sem comando.
Justamente nessa época eu tinha a obrigação
vai do final de 1967 até o início de
1970 e rendeu três LPs: o primeiro,
sem título específico e com duas
datas diferentes (na capa, 1968;
no rótulo, 1969), seguido por
A Misteriosa luta do reino de
Parassempre Contra o Império de
Nuncamais, de 1969, e Máquina
Voadora, de 1970. Ronnie Von
revela ainda detalhes sobre o dia
em que, aproveitando que um
certo trono estava vago, chamou
seus aliados e realizou a música
que emanava do seu coração.
Para sorte do reino e alegria dos
súditos, alguns príncipes têm seu
dia de usurpador. 1
contratual de entregar um disco, então
chamei o maestro Damiano Cozzella para a
direção e os arranjos e o Arnaldo Saccomani,
entre outros, para ajudar com as letras.
Fomos para o estúdio com liberdade total,
sem a regência da presidência mercantilista.
Ficamos livres para experimentar.
quer dizer que vocês experimentaram
90 91
de tudo?
Sim, inventamos, gastamos muito, quebramos
espelhos, contratamos quarteto de cordas
para a faixa dos espelhos quebrados – que
é minha preferida – e até gravamos trotes e
jingles para clientes imaginários. Colocamos
tudo no disco, fiz o meu psicodelismo. Vejo
hoje que esse disco de 1968 foi o único que
fiz como realmente gostaria.
E drogas?
Não, eu não era inspirado em viagens de
lSD. Já tinha visto alguns amigos terem
experiências e achei que não servia para mim.
Eu era mais poesia, sons e música mesmo.
Como o mercado recebeu o disco?
O disco não foi um sucesso de vendas e até
foi quebrado publicamente. Não tocava
no radio (só o Big Boy tocou uma vez na
Rádio Mundial).
A gravadora adorou?
Com a volta do comando da gravadora, fui
chamado de louco. Me acusaram de queimar
dinheiro porque o disco não vendeu.
Pediram para eu tirar o pé do acelerador,
mas ainda foi possível lançar A Misteriosa
Luta do Reino de Parassempre Contra
o Império de Nuncamais e Máquina
Voadora. Depois fui ficando mais
comportado novamente.
Você chegou a fazer shows com
esse repertório?
Poucos. Era muito difícil levar o clima do
disco para os shows. As músicas tinham que
ser adaptadas, os arranjos, refeitos.
Não havia recurso para reproduzir ao vivo
toda a loucura que criamos no estúdio. 3
2mentalozzz e ouriço Sofrem de Síndrome do pânico e atuam na cenSura televiSiva.

João nasceu de uma intenção. Seus pais
não chegaram a se conhecer, se amar, se
tocar, que dirá fazer sexo. Ainda assim, em
1979 brotou no ar a possibilidade de que os
dois se cruzassem e dali nasceu João.
Jairo, o pai de João, tocava escaleta na banda
do colégio. Mariana, mãe de João, era baliza. Os
dois viajariam juntos para um torneio de bandas
marciais em Três Cachoeiras, mas Mariana teve
cachumba e ficou em casa, sofrendo muito,
lendo um pouco e descobrindo o tarô. Jairo,
por sua vez, passou a viagem de ônibus inteira
desenhando homens com capa e espada ao lado
da guria que anos depois seria sua esposa e com
quem teria três filhos. Nenhum deles era João.
ilustração guilherme dable
Mariana não teria filhos. Dedicaria
parte de sua vida ao tarô e outra à
mãe, doente crônica desde sempre
e para sempre. Jairo, mesmo sem
conhecer Mariana, vivia irritado
com a excessiva dedicação dela
à mãe e a certa altura declarou
não ter condições de sustentar a
relação. Então partiu, deixando
Mariana, a mãe e a possibilidade
de João nascer em suspenso.
Mariana e Jairo não se conheceram,
não se casaram, não trepararam, não se
amaram, mas se divorciaram. João, ora,
nasceu de uma possibilidade. Apareceu
com oito anos de idade, nu, envolto em
uma cortina de fumaça no campo do
terreno baldio ao lado do colégio e foi
adotado por uma freira. É considerado,
até hoje, o primero filho dos chamados
divórcios quânticos, as rupturas de
meras possibilidades amorosas, onda
endêmica nos anos 90 e que até hoje
persiste sem explicação científica.
Pergunto a João como
ele se sente.
“como qualquer Pessoa normal.”
Pergunto de seus planos
para a vida.
“viver e construir meu caminho.”
Peço que seja mais
específico.
“me tornar bom em escaleta
e no tarô.”
comento que eram as
habilidades de seus pais
quânticos.
“coincidência.”
João não é amargo.
é ingênuo. Peço que
toque uma canção
na escaleta.
“neil young? ou roberto carlos?”
esse é João. o primeiro
filho dos divórcios
quânticos da primeira onda.
diga adeus para nossa
plateia, João.
“fuen.”
tire a escaleta da boca,
João.
seus pais não lhe
ensinaram bons modos?
2GuSTAVO MINI ESCREVE EM
oesquema.com.br/conector
92 93

+reviews
1BONDINHO . SERGIO COHN E MIGuEl JOST (ORGS.)
. Azougue Editorial . 2009
Houve um tempo em que a música popular brasileira
era mais ousada, criativa, pulsante e travava um diálogo
face a face com o que acontecia em tempo real.
Disso, ninguém razoavelmente informado duvida. Agora,
que houvesse veículos de comunicação escrita que
dessem conta de toda aquela cena e mimetizasse alguns
procedimentos inovadores que a música oferecia,
aí é outra história. Se a maioria silenciosa do cada vez
menor bolo da indústria cultural pouco nos oferece de
vibração e revelação em relação à morna cena músicocultural
dominante na atualidade, o Bondinho, revista
que em sua segunda vida durou boas 13 edições no
ano de 1972, farejou o espírito de seu tempo e deu voz
e profundidade ao que de melhor foi produzido na música da época. E não só isso: couberam
ainda perfis e entrevistas com escritores, cineastas e poetas, por exemplo. Tudo naquele período,
como queria a Tropicália, era divino, maravilhoso – apesar dos calabouços da ditadura
vigente. Os artistas defendiam posições (curioso ver Tom Zé xingando o plágio, técnica tão
querida pelo próprio na atualidade), falavam do mundo (Milton Nascimento falando do racismo
ao qual era exposto mesmo numa grande cidade como o Rio de Janeiro é valiosíssimo),
e, acima de tudo, falavam de suas produções, ambições e predileções estéticas. Além disso,
polemizavam entre si. Caetano falava de Gil, que falava de Jards, que elogiava Hermeto, que
desancava o rock progressivo, que tinha como entusiasta Rogério Duprat, que citava Mautner,
que se empolgava com a fase de Gal Costa e com o Teatro Oficina... É indescritível ver a
tenacidade e eletricidade daquele tempo, a arte brasileira tinindo trincando, como cantavam
os Novos Baianos. Para quem, como eu, tem no DNA uma curiosidade atroz pela reflexão
pruduzida pelos bons protagonistas da cultura brasileira, esse é o livro do ano, certamente.
3POR ARTHUR DANTAS
1JOSé ROBERTO BERTRAMI AND HIS MODERN SOuND .
AVENTuRA . Far Out Recordings . 2009
Co-fundador do trio Azymuth nos anos 1970, ao lado de Mamão e
Alex Malheiros, José Roberto Bertrami reaparece com seu novo álbum
solo. Em Aventura, Bertrami impressiona nossos ouvidos apresentando
uma musicalidade que lembra décadas passadas, mas
que, ao mesmo tempo, é totalmente atual, passeando por grooves
diferentes a cada faixa. O disco começa com “Ecstatic”, um deep
funk que lembra grupos como Soulive. Em “Brilliante”, Bertrami nos remete à época clássica
do Azymuth, com climas tranquilos e alegres. A faixa título parece a ressurreição da Banda
Black Rio, nos tempos de Maria Fumaça. E não para por aí. Tem jazz em “Maixa”, bossa em
“Nos Tempos da Bossa”, influências claras da música latina em “Dança de Salão”, além da
ótima “Eighties Times”, um jazz-funk matador. O pianista aventura-se por diversos timbres,
do clássico Fender Rhodes, passando pelo órgão, até o piano acústico, mostrando-se bem à
vontade em todos eles. Cada faixa apresenta uma atmosfera diferente. Um dos grandes lançamentos
da música instrumental brasileira em 2009, Aventura é um dos favoritos ao Grammy
Latino deste ano. 3POR DANIEL TAMENPI
1uNA GIRA EN SuDAMERICA . FABIO
MOzINE . Läjä Records . 2009
Relatos de tour são quase um gênero literário.
No punk, temos como um dos maiores
exemplos get In The Van, de Henry Rollins,
contando os anos de boemia podre, paranoia
persecutória e violência verbal, musical
e corporal por trás do Black Flag. O livro
de Mozine – membro do fantástico Mukeka
Di Rato – conta os percalços de uma turnê
pela América do Sul com o Merda, seu
trio de hardcore tosco (como se Mozine tocasse
outra coisa na vida...). Com o talento
que lhe é peculiar, o autor traça um bom (e
divertido) retrato do que uma década de
trabalho sério no underground constrói. Ou
seja: quase nada! una gira mostra o perrengue
nem tão brabo assim (quem viveu
o punk nos últimos 15 anos sabe que as coisas
já foram bem piores) do trio, metidos
em um carro apertado, cheio de discos e
materiais promocionais, fazendo shows no
interior do continente, dormindo na casa da
mãe de amigos, o “boicote” de punks bobos,
as bebedeiras, as centenas de coxinhas
frias consumidas em postos rotos na estrada
e, toque autoral tratando-se de Mozine
– um administrador de empresas do mundo
bizarro, que trocou o escritório confortável
pela ralação em um selo e a manutenção
de bandas de rock podrão –,a neura com
dinheiro e vendas. Como o próprio autor
ironiza, “rock de comércio”. Bem-vindo à
realidade do punk nativo. Como nos melhores
relatos do gênero, é possível sentir-se
como um quarto membro dessa zona toda.
3POR ARTHUR DANTAS 1VOCê ENCONTRA ESTE E
OuTROS lIVROS NA lOJA DA +SOMA
1uMBIGO SEM FuNDO . DASH SHAw .
Quadrinhos na Cia . 2009
Nada de pontas amarradas, reviravoltas no
roteiro ou diálogos cheios de sacadas. umbigo
Sem Fundo, romance gráfico do quadrinista
Dash Shaw, cativa e surpreende o leitor
por simplesmente inverter a narrativa de
ficção à qual nos permitimos acostumar nas
HQs, nos filmes e nos livros, estruturada em
torno de fins, efeitos e artifícios. Influenciada
pelo ritmo dos mangás, a HQ de 720 páginas
(que levou três anos para ser finalizada) flui
rapidamente. Em diálogos mais importantes,
às vezes as páginas são ocupadas por dois
quadros apenas, e em outros momentos vemos
uma pessoa trocando de roupa detalhadamente.
Desenhando em branco e marrom,
por vezes o autor indica textualmente cores
e outros detalhes que considera importante
nas ilustrações. Em um toque de surrealismo,
Peter, o caçula da família, é desenhado como
um sapo – reflexo de sua autoimagem. A história
que se conta no livro é a do divórcio
de Maggie e David Looney após 40 anos de
casamento, que reúne seus filhos já adultos
para um último fim de semana juntos, narrado
com surpreendente naturalidade. Como
na vida real, nada tem um propósito a ser
explicado, nenhum grande mistério é resolvido,
nenhuma situação serve como mote.
A vida simplesmente acontece, com a maior
banalidade possível. Assim mesmo, acompanhamos
os personagens com compaixão,
porque sabemos que seus defeitos ou suas
virtudes não são medidos, apenas os fatos, e
que o microcosmo em que vivem é o terreno
da vida que todos nós levamos. 3POR AMAURI
STAMBOROSKI JR.
1SlAyER . wORlD PAINTED BlOOD . American
Recordings . 2009
Muitas bandas lutam durante toda a carreira para que sua
música sobreviva a sua própria fama. O Slayer conseguiu
essa proeza há muito tempo, com Reign in Blood (1986), álbum
monumental que segue ditando o padrão para o que
há de verdadeiramente agressivo no metal. Se a banda chegou
a um nível muito difícil de ser superado, não há dúvidas
quanto ao seu esforço por se manter fiel a sua missão de
destruição. O segredo está em sua simplicidade brutal e na
resistência em ceder a tendências passageiras, algo a que
o Slayer tem dedicado uma atitude incansável e totalmente
punk. Bateria barulhenta como uma britadeira, vocais grunhidos, guitarras massacrantes: bem ou mal,
a esta altura você já sabe o que esperar deles. Isso também vale para World Painted Blood, segundo
álbum desde o retorno do baterista Dave Lombardo e talvez, caso você acredite no baixista/vocalista
Tom Araya, o último da banda. Essa última questão faz pouca diferença na prática, já que, caso o Slayer
grave outro álbum, sabemos exatamente como ele será. O primeiro ponto, porém, é vital: Lombardo se
encaixa tão perfeitamente na banda que sua simples presença já leva os guitarristas/compositores Jeff
Hanneman e Kerry King a pegar mais pesado. Músicas como “Snuff” não demoram a cair com os dois
pés em um hardcore ultra-rápido, ao passo que músicas relativamente amenas como “Beauty Through
Order” são combinadas com a pancadaria ininterrupta de faixas como “Public Display of Dismemberment”.
Boa parte do novo material remete a temas familiares à banda, como a guerra e o fascismo, o
imaginário apocalíptico da faixa título ou, ainda, mais uma história de serial killer (“Psychopathy Red”).
Esse é o tipo de coisa que aprendemos a esperar do Slayer, porque é o tipo de coisa que faz do Slayer
o Slayer. Mais importante ainda, é o que impediu a banda de sucumbir diante das fraquezas que acometeram
seus antigos companheiros de trash metal Metallica, Megadeth e Anthrax, bandas outrora
formidáveis que hoje não passam de sombras do que já foram. World Painted Blood não se compara
ao que o Slayer já produziu de melhor, mas, como bombas que erram o alvo por muito pouco, faixas
explosivas como “Human Stain” e “Not Of This God” chegam bem perto disso. 3POR JOSHUA KLEIN
1BANDA GENTIlEzA . BANDA GENTIlEzA . Independente . 2009
Em linhas superficiais, pode-se situar o disco homônimo de estreia da
Banda Gentileza como parte da onda criativa mais recente da chamada
nova MPB. No entanto, seria uma afronta à sanidade reduzir a esse rótulo
as 12 faixas e pouco mais de 40 minutos do álbum. Em “Preguiça”, por
exemplo, o samba vem com força surpreendente, principalmente em
se tratando de um sexteto paranaense. Parte da responsabilidade pelo
feito pode ser atribuída ao produtor carioca Plínio Profeta, vencedor
do Grammy Latino por seu trabalho em Falange Canibal, lançado por Lenine em 2002. O clima de
festa à Los Hermanos dá as caras em “O Indecifrável Mistério de Jorge Tadeu”, em que os metais
e a vontade de dançar dominam os refrões, que chegam ao fim citando um verso de “Garçom”, de
Reginaldo Rossi. Na sequência, “Afinal de Contas” reafirma as influências da banda, explorando o
clima das valsas vienenses, que também servem como base para a explosiva “Coración”. A risonha
e jazzy “Sintonia”, como o nome sugere, tem os dois pés no dub. O indie-rock tem seu espaço
em “Pseudo Eu”, música de letras autocríticas e melodia fácil que fica na cabeça por horas. Essa
variedade de influências está na internet, de graça, no MySpace (/bandagentileza) e no Twitter (@
bandagentileza) do grupo. Isso que é gentileza. 3POR ALEX CORREA
94 95

+reviews
1BlACK
DRAwING
CHAlKS . lIFE IS
A BIG HOlIDAy
FOR uS . Monstro
Discos . 2009
Cinco fatos sobre o novo álbum do Black Drawing
Chalks: 1) Trata-se, em primeiro lugar e
inegavelmente, de um disco de rock. Um belo
disco de rock. Passando longe do experimentalismo
ou de elementos “modernos” demais,
Life is a Big Holiday For us caminha no sentido
da objetividade. Guitarra, baixo, bateria
e voz (ok, tem um tecladinho ou outro, mas
nada excessivo). Ou seja, sem frescura. Rock
duro, como dizem por aí. 2) Não é um disco
revolucionário e nem tem essa pretensão. Levando
em conta os vinte e poucos anos dos
integrantes, a lista das possíveis pretensões é
bem mais realizável: tocar alto e pesado, se
divertir, beber cerveja e faturar groupies. Até
onde sei, tudo de acordo com a cartilha do
rock and roll. 3) LIABHFu oferece, em onze
faixas, um variado cardápio de rock cantado
em inglês. Em alguns casos, as diferentes influências
são perceptíveis na mesma música,
como em “Free From Desire”, cuja levada motörheadiana
é interrompida por um momento
à Franz Ferdinand. Já a porrada “The Legend”
lembra Rocket From The Crypt do início ao
fim. E as boas referências roqueiras seguem
disco afora: Hendrix, Nebula, QOTSA... 4) A
caixinha digipack traz uma arte incrível, super
colorida, vintage, assinada pelo coletivo de
designers Bicicleta Sem Freio. Se existe alguém
que pode transferir o espírito da banda
para um desenho são eles, e não é à toa: Douglas
Castro (baterista) e Victor Rocha (guitarrista
e vocalista) fazem parte do coletivo, o
que garante a identidade visual caprichada da
banda. 5) Eles são de Goiânia, apadrinhados
por Fabrício Nobre (MQN), e esse é apenas
seu segundo álbum. Tomara que o atual hype
em torno da banda não seja fugaz (como já
aconteceu com tantas outras), o que garantirá
portas abertas, oportunidades e a devida
atenção a um futuro que promete ser bem interessante.
3POR MARCELO VIEGAS 1VOCê ENCON-
TRA ESTE E OuTROS lIVROS NA lOJA DA +SOMA
1JAy-z . THE BluEPRINT 3 . Roc Nation . 2009
O lançamento do terceiro album da série The Blueprint, The
Blueprint 3, concebido por Jay-Z e recém-saído do forno, foi
cercado de muita expectativa no universo musical. Os oito
anos que separam os lançamentos de The Blueprint, disco
que deu início à saga, e este BP3 foram especialmente marcantes
para a carreira do empresário-MC. Se no primeiro LP,
possivelmente o mais importante da carreira do HOVA, havia
muito a ser dito, criticado e inteligentemente observado,
além uma série de inovações na produção, nos beats e timbres
– como por exemplo o surgimento de um certo Kanye
west na contenção da grande maioria das faixas –, o segundo
e mais fraco dos três álbuns apresentou um Jay-Z estranhamente preguiçoso, escorado em um
time fraco de convidados (não muito) especiais, que fatalmente encobriram boa parte de seu talento,
além de um punhado de tentativas mal-sucedidas de crossover rap/pop. Além disso, um verdadeiro
abismo comercial e até mesmo conceitual separa o CEO Jay-Z de 2009 do ex-traficante de língua
afiada nascido no Brooklyn (NY) e com um ótimo disco no curriculum vitae (o espetacular debut Reasonable
Doubt, de 96). Portanto, a sensação que se tem ao longo das (várias) primeiras audições do
terceiro volume da série é a de que a metralhadora vocal do homem que nunca escreveu suas rimas (!)
já esteve mais carregada de munição. A necessidade de parecer politicamente correto para com uma
sociedade que o aceita tão bem após tantos anos no “jogo” contrasta de forma gritante com o discurso
do rapper que sempre questionou tudo e todos – de MCs a traficantes, de ex-mulheres a grandes
corporações. A aparente discrição se torna ácida e letal quando o tema são outros rappers e a situação
do gênero na virada da década: “Eu voltei para eliminá-los, mas vocês mesmos parecem já ter feito isso
por mim” (alguém precisava ter dito isso, Jay!). A produção de The Blueprint 3, entretanto, mostra que
o Poderoso Chefão do rap sabe exatamente como conduzir as coisas. Faixas produzidas por Kanye
west, Timbaland e No I.D. mantêm o nível lá em cima, enquanto a participação de um grupo reduzido
de convidados (nada) especiais não chega a comprometer o resultado final, transformando o LP numa
agradável mistura dos dois primeiros volumes da série. Por essas e outras, se você não gosta de Jay-Z,
bom sujeito não deve ser. (Em tempo: não deixe de conferir o sample espetacular, e não creditado, do
petardo “Ele e Ela”, de Marcos Valle, na faixa “Thank You”.). 3POR PEDRO PINHEL
1BROADCAST AND THE FOCuS GROuP . INVESTIGATE wITCH
CulTS OF THE RADIO AGE . warp Records . 2009
O novo EP (48 minutos e 23 faixas – imagine o álbum) da dupla britânica
de música retro-eletrônica Broadcast é uma parceria com o
amigo, capista oficial do grupo e pioneiro da “assombrologia” (“hauntology”,
em inglês, termo adotado pelos críticos Simon Reynolds e
Mark Fisher) The Focus Group, também conhecido como Julian House.
O disco é a convergência entre o pop eletrônico sessentista do
Broadcast (que deve a sua existência a grupos como The United States of America) e as colagens
climáticas do Focus Group, que ressuscita sons mortos (vozes, barulhos da natureza) para uma
nova vida como espectros melódicos sob uma camada lo-fi e mal-sincronizada de efeitos. O resultado
é a trilha sonora para uma bad trip de LSD passada dentro de um filme de terror japonês, ou
para uma versão pagã e primaveril da série de videogames Silent Hill. Ao mesmo tempo, é o som
de um passado imaginário, com melodias ensolaradas como em “The Be Colony”, porém assombrado
mais por impressões e sentimentos do que por fantasmas reais. 3POR AMAURI STAMBOROSKI JR.
1BlITz THE AMBASSADOR . STEREOTyPE . Embassy
MVMT . 2009
Uma das grandes surpresas do hip-hop em 2009 atende
pelo nome de Blitz The Ambassador. Nascido e criado
em Gana, na África, embalado pelos ritmos do afro-beat
e do highlife (música popular de Gana), o rapper tem
em Fela Kuti e Hugh Masekela suas principais influências.
No rap, sua inspiração está em nomes como Krs-
One e Rakim. Em Stereotype, seu álbum de estreia, ele
apresenta uma sonoridade que define como Afrotronic-
Hop – que remete a The Roots, porém com um clima
mais festivo e alegre. Acompanhado por sua banda, The
Embassy Ensemble, que tem como carro-chefe um naipe de metais espetacular (com membros
do genial Hypnotic Brass Ensemble), Blitz The Ambassador faz um dos sons mais criativos no
hip-hop atual. Mas não é só o som que impressiona. Sua levada é agressiva e suas letras têm
um discurso poético raro hoje em dia. Em meio a tantas bijuterias descartáveis lançadas no
mercado fonográfico, Stereotype é um disco que vale ouro.. 3POR DANIEL TAMENPI
1ANTI-POP CONSORTIuM . FluORESCENT BlACK .
Big Dada Recordings . 2009
Com um disco com o mesmo nome de uma graphic novel
de ficção científica distópica que fala de genética,
o Anti-Pop volta como grupo. Quando surgiram, eles
eram só respostas sonoras ao que pareciam ver como
caretice no hip-hop, trabalhando muito a estrutura das
músicas, os timbres nas batidas e nas vozes, as interpretações
das levadas e as rimas mais complexas. Era um
troço agressivo, mas não tanto quanto esse disco. Ou
talvez mais, porém de outra maneira. Não consegui pescar
se foram as tensões internas da reunião após uma
separação nunca muito bem explicada ou se foram as realizações dos projetos e carreiras solo
desde o disco Arrhythmia, de 2002, que pesaram. A segunda hipótese parece fraca: Beans
era sem dúvida menos abrasivo do que o próprio Anti-Pop, High Priest, mais experimental e
barulhento, e mesmo assim muito diferente do que escutei aqui. Não sei muito do produtor
E. Blaize, mas o disco é menos fraturado sonoramente que Tragic Epilogue, de 2000, e The
Ends Against the Middle, de 2001, numa sequência lógica do álbum do ano seguinte. As ideias
sonoras como intrusões e surpresas do início foram ficando mais concisas ao longo da discografia
do grupo – é só comparar qualquer música do primeiro disco com “Ping Pong”. Tensões
internas, talvez, mas soa meio pretensioso, no final das contas. Ninguém aqui é biógrafo dos
caras. O que leva a outra explicação, talvez a mais simples de todas. Trata-se um disco mais
dominado por M. Sayyid, o MC que eu ainda não tinha mencionado. Nas levadas e no timbre
de sua voz, ele sempre foi o cara mais assemelhado ao rap mais dedo na cara que costumamos
identificar como o de Nova York. Sim, como seus parceiros, o que ele sempre fez foi parecia
partir de uma releitura – às vezes bem intelectualizada – do rap em geral para criar formas novas.
O problema é que, perto dos malucos com quem ele cola, Sayyid até parece normal. Não
sei se é uma hipótese válida. Mas acho que fala um pouco sobre o disco. 3POR ANDRÉ MALERONKA
1VOCê ENCONTRA ESTE E OuTROS lIVROS NA lOJA DA +SOMA
1BuIlT TO SPIll . THERE IS NO ENEMy .
warner . 2009
Esqueça o álbum anterior, You in Reverse,
que prendia rapidamente a atenção
pela músicas mais diretas e, diga-se de
passagem, menos criativas. Aperte o play
e prepare-se para ouvir um disco denso,
composto por riffs de guitarra longos e
etéreos combinados ao vocal anasalado
e arrastado de Doug Martsch – a mente
inventiva por trás da banda. There is no
Enemy, oitavo álbum de estúdio do Built
to Spill, demora para conquistar, mas
quando se revela mostra a diversidade
de texturas e camadas de cada canção
com ecos de anos setenta. São os detalhes
que passeiam por entre os solos
de guitarra e o ritmo sólido que fazem
este disco brilhar: o trompete na agridoce
“Things Fall Apart” ou a trompa inesperada
e melódica em “Life’s a Dream”
mostram que não há fronteiras criativas,
mesmo para uma banda que perdura há
mais de 15 anos na estrada. Depois dos
dois últimos discos, que se perdiam em
lugares-comuns, riffs repetitivos e letras
sem graça, Doug retoma o melhor do
passado do Built to Spill, tão bem registrado
nos épicos Perfect From Now On e
Keep It Like a Secret. E, mesmo que ele
diga que as letras não são autobiográficas,
parece que agora tem algo a proferir:
“Venha aqui e fique por um tempo/ Tudo
o que eu sei é o que quero dizer”, na letra
de “Done”, oitava canção de There is
no Enemy. A intenção é clara e convence.
3POR MARINA MANTOVANINI
96 97

+quadrinhos
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Foto: Gabriela D`Andrea l Arte: Renato Petillo
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Alavanca .
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Atração Fonográfica .
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Baratos Afins Discos .
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2º andar . Lojas 314/318
55 11 3223 . 3629
Circo Voador .
Rua dos Arcos . s/nº . Lapa
Rio de Janeiro . RJ
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Choque Cultural .
Rua João Moura . 997
São Paulo . SP
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Converse .
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Dischord Records .
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Domino Records .
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Element/Nixon .
Rua Oscar Freire . 909
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Elo Music .
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Estação Pinacoteca .
Largo General Osório . 66
São Paulo . SP
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Executivo Bar .
Rua Sete De Abril . 425
São Paulo . SP
55 11 3486 . 9451
Ezekiel .
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Festival de Música de londrina .
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Fita Tape .
Praça Garibaldi . 46
Porto Alegre . RS
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Funhouse .
Rua Bela Cintra . 567
São Paulo . SP
55 11 3259 . 3793
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Galeria do Rock .
Rua 24 de Maio . 116
São Paulo . SP
55 11 3223 . 8402
www.galeriadorock.org.br
Itaú Cultural .
Av. Paulista, 149 . São Paulo . SP
55 11 2168 . 1700
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lost .
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Nike Sportswear .
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Pinheiros . São Paulo . SP
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Pintar .
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São Paulo . SP
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Santander Cultural .
Rua Sete de Setembro . 1028
Porto Alegre . RS
55 51 3287 . 5500
www.santandercultural.com.br
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São Paulo . SP
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