TuttoBallo20 - Maggio-Giugno 2024.ENJOYART.40

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foto di Daniele Barraco
© F R E E P R E S S O N L I N E - v i e t a t a l a r i p r o d u z i o n e D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r T "

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TuttoBallo - MAGGIO/GIUGNO 2024 - n. 40
Copertina: CHECCO ZALONE, FRANCESCO DE GREGORI (ph Daniele Barraco su concessione ufficio
stampa)
Contro Copertina: LA BAYADERE Nicoletta Manni e Timofej Andrijashenko (ph Brescia e Amisano
© Teatro alla Scala)
Editore "Stefano Francia" EnjoyArt
Direttore - Fabrizio Silvestri
Vice direttore - Eugenia Galimi
Segretaria di redazione - Pina delle Site
Redazione - Marina Fabriani Querzè, Luca Fochetti.
COLLABORATORI: Lisa Bernardini, Maria Luisa Bossone, Antonio Desiderio,
Eelonora de Angelis, Francesco Fileccia, David Bilancia, Giovanni Fenu, Mauri
Menga, Sandro Mallamaci, Walter Garibaldi, Davide Ferraro, Francesco Leone,
Assia Karaguiozova,, Elza De Paola, Giovanna Delle Site, Francesca Meucci.
Fotografi: Luca Di Bartolo, Monica Irma Ricci, Elena Ghini, Cosimo Mirco
Magliocca Photographe Paris, Luca Valletta, Raul Duran, Raul, Alessio
Buccafusca, Alessandro Canestrelli, Alessandro Risuleo. Altre foto pubblicate
sono state concesse da uffici stampa e/o scaricate dalle pagine social dei
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Editoriale
Cari amici e lettori,
Il numero di maggio e giugno di Tuttoballo si apre con
un omaggio alla V edizione di "Dillo AllA Danza",
l'evento al Teatro Paganini di Roma che ha visto
protagonisti artisti e relatori del mondo della danza.
Nelle pagine dedicate, troverete interviste, riflessioni e
spunti di approfondimento su questa importante
manifestazione che promuove la cultura del movimento
e la sua capacità di raccontare storie, emozioni e valori.
Spazio anche all'attualità con un focus sull'iniziativa
"Cinema Revolution" del Ministero della Cultura.
Il nostro viaggio continua con articoli dedicati a
spettacoli, personaggi e artisti che animano il
panorama culturale italiano. E in questo numero
dedicato a maggio e giugno, non poteva mancare un
omaggio alle mamme di tutto il mondo. La poesia di
Davide Bilancia, "Mamma", ci ricorda la forza, l'amore e
la dedizione di queste figure fondamentali nella vita di
ognuno. Tutto questo e molto altro vi aspetta nel nuovo
numero di Tuttoballo. Un invito a scoprire,
approfondire e vivere la cultura in tutte le sue
sfaccettature. Buona lettura!
© F R E E P R E S S O N L I N E r i p r o d u z i o n e r i s e r v a t a - D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t "

Mamma
Ho pianto semi.
Semi di bene intorno a me
Ovunque sia stato
Ovunque la vita mi abbia portato
Ho piantato un seme di bene
In ogni persona
Facendomi da parte in ogni circostanza
Mettendomi al secondo posto di fronte alla
morte.
Ho chiesto alia vita di vivere
E mi ha detto: pianta dei semi.
Allora, quali semi avevo a disposizione se
Non quelli dell’amore?
Non sono un grande contadino, le piante
le amo e amo le persone.
Allora mi sono detto che anche se uno non
nasce contadino può impegnarsi affinché
un seme venga anche solo messo nella
terra e poi ci penserà lui a fare tutto, così
ho piantato come uno scoiattolo che dimentica anche dove,
in quale terra, li ha
messi quei semi.
Cosi, quando sarò guarito e dimenticato
dove ho piantato i semi, potrò passeggiare
tra persone felici e in un mondo migliore.
Ti amo mamma
(Davide Bilancia)

Telefono Amico
Il telefono amico de “Gli Indecisi” è un servizio gratuito attivo martedì e giovedì dalle 20.00
alle 21.00. È un “telefono moderno”: basta mandare un messaggio scritto o un messaggio
vocale su Instagram ad alessiacoachgram. Risponderà Alessia, la counselor del gruppo Gli
Indecisi. Si può parlare di tematiche Lgbtqia+ e chiedere in merito qualsivoglia informazione,
di coming-out, di temi di vita quotidiana, di momenti problematici, di momenti gioiosi.
Insomma, di qualsiasi argomento! Sarà una conversazione in via confidenziale, ma
comunque protetta dal segreto professionale. Chiunque può usufruire del servizio (non solo
persone Lgbtqia+).

TuttoBallo
Antonio
Mocciola
U N V I A G G I O T R A L E T T E R A T U R A ,
T E A T R O E C I N E M A
In un panorama culturale in continua evoluzione, pochi artisti hanno saputo
attraversare con tanta versatilità i diversi mondi dell'espressione creativa come
Antonio Mocciola. Nato a Napoli nel 1973, Mocciola si distingue per il suo
eclettico percorso professionale che spazia dalla scrittura alla regia, passando
per la drammaturgia e il mondo editoriale, diventando una figura di spicco
nell'ambito culturale italiano. A Dillo Alla Danza, intervistato da Sandro
Lavecchia, Antonio ha illustrato l'importanza cruciale della parola nell'arte della
comunicazione, offrendo al pubblico uno spaccato della sua opera "Nel ventre
- voci al centro della terra", magistralmente interpretata dall'attore Salvo Lupo.
La carriera di Mocciola prende avvio nel giornalismo, dove dal 2003 al 2013 ha
ricoperto il ruolo di capo-redattore per il magazine meridionalista "Il Brigante",
per poi assumere la vice-direzione di "Corriere Spettacolo". La sua incursione
nel mondo letterario avviene con la pubblicazione di racconti che rivelano
un'autentica passione per l'esplorazione della condizione umana attraverso la
lente della narrativa. La sua prima raccolta, "Quattordici tracce di amore
disperso", lo introduce al grande pubblico, vincendo la rassegna "La Libreria
degli Inediti" e segnando l'inizio di una prolifica carriera letteraria. Mocciola non
si limita alla scrittura, ma esplora anche il mondo del teatro e del cinema con
successo. Numerose sono le sue opere teatrali, come "Gli amici se ne vanno",
che affrontano tematiche profonde con sensibilità e originalità. Nel campo
cinematografico, Mocciola si distingue come sceneggiatore e regista, firmando
opere che hanno ottenuto riconoscimenti a livello internazionale, come il
cortometraggio "Ubbidire". Il suo talento nel trasferire emozioni complesse
attraverso la sceneggiatura e la direzione dimostra una profonda
comprensione del linguaggio visivo e narrativo. Particolarmente degno di nota
è l'impegno di Mocciola nelle tematiche sociali, come dimostra la sua opera
"Addosso - Le parole dell'omofobia", che raggiunge posizioni di rilievo nelle
classifiche e suscita dibattiti e riflessioni a livello internazionale. Le sue
produzioni teatrali e cinematografiche spesso affrontano questioni delicate con
coraggio e sensibilità, contribuendo a sensibilizzare il pubblico su temi di
rilevante importanza sociale e culturale. Antonio Mocciola rappresenta un vero
e proprio pilastro della cultura contemporanea italiana, erede della tradizione
artistica e intellettuale napoletana, eppure assolutamente originale nel suo
approccio. La sua opera è un inno alla libertà espressiva, un ponte tra passato
e presente che continua a influenzare e ispirare lettori, spettatori e colleghi
attraverso una straordinaria capacità di narrare storie di profonda umanità e
complessità. La sua visione artistica e il suo impegno sociale lo consolidano
come una delle voci più importanti del nostro tempo, capace di navigare con
maestria tra generi e forme espressive, lasciando un segno indelebile nel
panorama culturale italiano e internazionale.

TuttoBallo
Anna Maria
Acocella
C R E A T I V I T À E B E N E S S E R E A L
C U O R E D E L L ' E V E N T O " D I L L O
A L L A D A N Z A "
photo © Monica Irma Ricci
Nell'affascinante contesto dell'evento "Dillo alla Danza - Armonie
Universali, quando l'arte diventa benessere", la dottoressa Anna
Maria Acocella ha offerto una brillante disamina su un tema tanto
caro quanto essenziale: la creatività insita in ciascuno di noi,
spesso sopita e in attesa di essere espressa. Intervistata da
Marianna Aulicino, la dottoressa ha captato l'attenzione del
pubblico, condividendo riflessioni profonde sul potere terapeutico e
liberatorio dell'arte.
Anna Maria Acocella, rinomata psicologa e psicoterapeuta,
attualmente ricopre la carica di direttrice didattica presso l'Istituto
di Gestalt Espressiva IPGE, che si specializza nella Psicoterapia
della Gestalt espressiva. È anche vice presidente della Nuova
Associazione Europea per le Arti Terapie e membro didatta e
supervisore per la Federazione Italiana della Gestalt (FISIG). Con
una carriera ricca ed estesa, ha altresì insegnato in corsi di
formazione professionale in ambito psico-oncologico presso
l'Istituto Regina Elena a Roma, consolidando la sua reputazione
come esperta nel campo.
Tra le pubblicazioni che ha curato per Franco Angeli Edizioni,
spiccano "Le nuove Arti Terapie: percorsi nella relazione d’aiuto"
(2013) e "La cura: ambiti e forme in psicoterapia e nella relazione
di aiuto" (2017). È inoltre in attesa di pubblicazione "Il coraggio di
creare: tecniche per psicoterapeuti. Psicoterapia della gestalt
espressiva in azione", opera che promette di fornire nuovi
strumenti e spunti di riflessione per i professionisti nel campo.
Durante l'evento "Dillo alla Danza", la dottoressa Acocella ha
sottolineato come la creatività non sia solo un dono riservato a una
ristretta élite artistica, ma una capacità intrinseca in ogni individuo,
essenziale per il benessere personale e professionale. Il suo
approccio, basato sulla Gestalt espressiva, mira a risvegliare
queste potenzialità attraverso l'arte, facilitando un percorso di auto
scoperta e guarigione.
Gli spunti offerti dalla dottoressa Acocella stimolano una profonda
riflessione sul ruolo che l'arte e la creatività possono giocare nelle
nostre vite, non solo come mezzo di espressione personale, ma
anche come veicolo di trasformazione e cura. Le sue parole
lasciano un segno indelebile, invitando ciascuno di noi a riscoprire
ed abbracciare la creatività che ci abita dentro, trasformandola in
una fonte di benessere e crescita personale.

TuttoBallo
Tamara
Candiracci
L A R I V O L U Z I O N E D E L B E N E S S E R E
C O N L A “ M O V E M E N T M E D I C I N E ”
photo © Monica Irma Ricci
Nell'ambito dell'evento "Armonie Universali, quando l’arte diventa
benessere", tenutosi durante la celebre manifestazione "Dillo alla
Danza", Tamara Candiracci ha introdotto al pubblico la pratica
rivoluzionaria della Movement Medicine. Questa forma di
meditazione dinamica si basa sulla capacità della danza di
trasformare e migliorare profondamente la vita delle persone,
promuovendo un rinnovamento interiore e una più profonda
connessione con se stessi.
Movement Medicine nasce come un ponte tra il movimento del
corpo e la meditazione, proponendo un approccio unico
all’autoesplorazione e alla guarigione personale. Attraverso la
danza consapevole, i praticanti sono invitati a connettersi con la
saggezza innata dello spazio del cuore, scoprendo la gioia di
conoscere la propria vera essenza e la gratificazione di contribuire
in maniera significativa ed unica al mondo.
Durante il suo intervento, Tamara ha enfatizzato come la
Movement Medicine parta sempre dall'ascolto attento e rispettoso
del corpo, riconoscendo e accogliendo le sensazioni corporee del
momento quali contrazioni, espansioni, calore o freddo. Questo
processo permette agli individui di ancorarsi al "qui e ora",
promuovendo un senso di presenza e consapevolezza che è
spesso trascurato nella frenesia quotidiana.
L'approccio di Tamara alla Movement Medicine è caratterizzato da
uno stato interiore di accoglienza, che incoraggia la pratica di
un'attenzione gentile e curiosa verso se stessi. La sua metodologia
non solo offre un percorso verso il benessere personale, ma è
anche un potente strumento di trasformazione sociale, facilitando
una comprensione più profonda di sé e degli altri.
Il convegno ha offerto a Tamara l'opportunità di dimostrare come la
Movement Medicine possa essere un catalizzatore di
cambiamento, aiutando le persone a vivere una vita più
soddisfacente, centrate su un’intima connessione con i propri
sentimenti e con il mondo circostante. Questa pratica non si limita
a essere una semplice attività fisica; è un invito a vivere una vita
piena, esprimendo e celebrando la unicità di ogni individuo
attraverso il movimento.
Il messaggio portato da Tamara Candiracci a "Dillo Alla Danza" è
stato chiaro: la Movement Medicine non è solo una pratica di
benessere, ma un vero e proprio stile di vita che offre gli strumenti
per scoprire e valorizzare la propria essenza più profonda. Con il
suo profondo impatto trasformativo, questa pratica promette di
guidare molte persone verso un'esistenza più ricca e piena,
marcata da un'autentica espressione personale e da un rinnovato
senso di benessere.

TuttoBallo
Donatella
Scatena La Porta
A R C H I T E T T A D E L D E S I G N E D E L
C O S T R U I R E E M O Z I O N A L E
photo © Monica Irma Ricci
Donatella Scatena La Porta, architetta e docente, laureata con
Paolo Portoghesi, svolge attività didattica e di ricerca presso la
Facoltà di Architettura di Roma, Sapienza. Impegnata nella
progettazione affianca ad essa, fin dall’inizio della sua attività, una
ricerca sul rapporto tra lo spazio urbano e il paesaggio naturale.
Sempre per Facoltà di Architettura Valle Giulia è stata Art Director,
curato numerose mostre ed esposizioni. Nel 2012 ha fondato il
Collettivo di architetti “Officina Liminare” che si occupa di
progettazione partecipata e con loro ha realizzato studi e progetti
per la riqualificazione di aree urbane degradate, in Italia e
all’estero. Sono così nati i progetti di “Paesaggi generativi”, cubi
multifunzionali e micro-giardino. In particolare a Roma: lo studio
per un parco urbano e un distretto di musica a Osteria Nuova
(Roma nord), l’installazione di mini biblioteche temporanee e
piccoli orti di quartiere al Pigneto e all’Ostiense e le aule all’aperto
nel Municipio 13mo di Roma.
I risultati di questi interventi sperimentali sulla capitale sono stati
presentati nelle edizioni delle Biennali dello Spazio Pubblico del
2013/2015/2017 e in varie mostre in sedi prestigiose della città,
come la Casa della Città all’Ostiense e Villa Carpegna sede della
Quadriennale.Sta realizzando con Apristudio la riqualificazione
della via commerciale di Riano.
Le sue ricerche sulla trasformazione dello spazio aperto e
l’attenzione all’ambiente sono sfociate anche su studi sulla
discriminazione di genere e ha così realizzato un manifesto
programmatico sulle opere e sul pensiero creativo delle donne
paesaggiste e designers, che porta avanti da diversi anni, in
lezioni, pubblicazioni, conferenze e mostre. Molto attiva anche
nella divulgazione scientifica lavora sui rapporti fecondi fra
discipline diverse come architettura, scrittura, arte e cinema. I
risultati di questi studi sono diventati programmi o rubriche per la
RAI – DSE, Dipartimento Scuola Educazione; per Rai Notte e
programmate su RAI1, RAI2, RAI3; per il programma Bellitalia RAI
-TIR (Testata giornalistica regionale) e per RAI – Utile. Negli anni
ha collaborato con SKY- Gambero Rosso, la Città del Gusto nel
2007 “Gargantua: l’architettura classica” e nel 2006 “Il Processo
all’architettura dei ristoranti”. Sempre per la tv con Canale Italia
condotto dalla giornalista Janet De Nardis ha partecipato al
programma “Case sicure”. Per il Network Cinquestelle ha ideato e
condotto insieme al giornalista Pino Gagliardi e all'architetto
Vincenzo Pultrone, e con grande anticipo rispetto al mainstream
contemporaneo, la trasmissione “Casa come me”, un
aggiornamento costante sull’interior design, con interviste e visite
nelle case di celebrities e di personaggi noti del panorama
culturale italiano. Nel 2003 per il contenitore di RAI1-Unomattina
ha ideato e condotto la rubrica “Unomattone”, primo format su
consigli sull’arredo e sul design della Rai. Scrive su Abitare la
Terra/Dwelling on Earth rivista di Geo architettura, fondata da
Portoghesi e si occupa dei rapporti internazionali con le università
di architettura dei paesi baltici, per quali è stata intervistata dalla tv
nazionale lituana sull’influenza dell’architettura razionalista italiana
in Lituania.

TuttoBallo
Giovanni Battista
Gangemi Guerrera
I N C L U S I O N E E E D U C A Z I O N E
A T T R A V E R S O L A D A N Z A
Giovanni Battista Gangemi Guerra, educatore, coreografo e innovatore nel
campo della danza, ha impresso un segno indelebile attraverso la sua
intervista condotta da Sandro Lavecchia. Esperto in DanceAbility e danza
movimento terapia, Gangemi ha discusso le dinamiche dell'Ars Amatoria
moderna, esplorando la consapevolezza del corpo con una prospettiva
inclusiva che ha aperto nuovi orizzonti nella percezione della disabilità nella
società.
Nato a Reggio di Calabria nel 1982, Gangemi ha costruito una carriera illustre
come danzatore e coreografo, nonché come educatore e counselor. La sua
formazione in Scienze dell'Educazione e il suo approccio rogersiano gestaltico
si riflettono nell'unicità del suo metodo didattico, che mira all'integrazione di
persone con disabilità, oltre a combattere la discriminazione basata
sull'orientamento sessuale, razza o religione.
Durante l'evento, Gangemi ha enfatizzato il ruolo cruciale dell'insegnamento
nella danza, dove le lezioni si convertono in momenti di crescita creativa ed
educativa. Ha sottolineato l'importanza di non vedere la danza solo come
l'esecuzione meccanica di sequenze e movimenti, ma come una fusione
armoniosa di movimenti, suoni, sensibilità ed espressione. L'educazione alla
danza, secondo Gangemi, deve permettere ai bambini di connettersi con la
loro sfera emotiva e percettiva, facendo della danza un'esperienza viva,
emotiva e intimamente legata alla musica.
L'approccio di Gangemi lascia spazio all'esplorazione individuale, permettendo
agli allievi di esprimersi in maniera personale e libera, promuovendo un
ambiente di apprendimento inclusivo. "La lezione deve essere rivolta a tutti, a
persone con e senza disabilità, perché si incontrino per esplorare e creare
danza insieme," ha affermato, evidenziando il potenziale unificatore della
danza. Questa visione è in linea con le parole di Alvin Ailey, che considerava
la danza come un dono divino accessibile a tutti.
L'intervista ha acceso un dibattito vitale sulla condizione del disabile in Italia,
un tema che Gangemi ha trattato con sensibilità e profondità. La sua
partecipazione a "Dillo Alla Danza" non solo ha arricchito l'evento con la sua
esperta visione sulla danceability, ma ha anche seminato riflessioni profonde
sull'importanza dell'inclusione e l'accesso universale all'arte della danza.
Con la sua dedizione per la formazione e l'aggiornamento professionale dei
vari operatori del settore sociale e artistico, Gangemi Guerra continua a essere
una guida ispiratrice per educatori, assistenti sociali, psicologi, danzatori e
chiunque entri nel suo orbita di influenza. La sua visione e il suo lavoro
rappresentano un ponte verso un futuro in cui l'arte della danza diventa uno
strumento di benessere e inclusione, riflettendo i valori di una società che
abbraccia ogni sua diversità.

TuttoBallo
Fabrizio
Quattrini
A R S A M A T O R I A N E L B E N E S S E R E
S E S S U A L E
Alla quinta edizione dell'evento "Dillo Alla Danza" un ospite dall’impatto
incisivo ha catalizzato l'attenzione del pubblico: il sessuologo clinico Fabrizio
Quattrini. Fabrizio Silvestri, direttore artistico della manifestazione, nella sua
intervista al prof Quattrini ha esplorato le sfumature del moderno concetto
dell’Ars Amatoria, spaziando tra argomenti come il corteggiamento e l’amore
patologico.
Fabrizio Quattrini, noto al grande pubblico per la sua partecipazione a
programmi televisivi di successo come "Sex Therapy" su Cielo e "Matrimonio a
prima vista" su RealTime, è una figura di spicco nel campo della sessuologia.
In quanto docente all’Università dell’Aquila, Quattrini insegna una materia
molto particolare: la Clinica delle Parafilie e della Devianza. Il suo approccio
liberale ed educativo mira a promuovere una visione dell'eros libera da
stereotipi e tabù, ponendo l'accento su una sessualità sana e funzionale.
Durante l'intervista, le acute domande del direttore Silvestri hanno aperto le
porte a un dibattito intenso e produttivo, toccando temi delicati come l’amore
malato, un fenomeno che purtroppo si traduce ogni anno in numerose vittime.
Questo dialogo ha evidenziato l'importanza di affrontare con coraggio e
apertura temi spesso ignorati o stigmatizzati dalla società.
Presidente e socio fondatore dell’Istituto Italiano di Sessuologia Scientifica di
Roma, Quattrini è anche autore di varie pubblicazioni, inclusi lavori come il
"Manuale delle Parafilie e della Devianza" e la guida "Il piacere Maschile
#sessosenzatabù". Attraverso questi contributi, si impegna per diffondere una
conoscenza approfondita sulla sessualità, demolendo preconcetti e
incoraggiando un dialogo aperto e informato.
L’impiego innovativo dei social media da parte di Quattrini, in particolare il suo
format "Disimbarazzo Sessuale. Adorabile Eros" trasmesso via Instagram,
testimonia il suo impegno nel rendere la sessuologia accessibile e
comprensibile a tutti. Questi sforzi mirano a normalizzare le conversazioni
sulla sessualità, rendendo l’informazione scientifica disponibile al grande
pubblico in modi accattivanti e meno imbarazzanti.
La presenza di Quattrini a "Dillo Alla Danza" non solo ha arricchito l'evento con
intuizioni professionali preziose, ma ha anche sottolineato la rilevanza di
trattare l'eros come un elemento vitale e positivo nella vita di tutti. La sua
partecipazione ha senza dubbio lasciato un segno indelebile, invitando i
partecipanti a riflettere più profondamente sui vari aspetti dell'amore e della
sessualità.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Marianna
Aulicino
L A P R E S E N T A T R I C E P O E T E S S A
Nella V edizione di "Dillo alla Danza", Marianna Aulicino ha incantato il
pubblico non solo con la sua presenza scenica come conduttrice al fianco del
direttore artistico Fabrizio Silvestri, ma anche con la sua profonda sensibilità
artistica che spazia dalla poesia alla musica. Durante l'evento, Marianna ha
intervistato personalità del calibro di Tamara Candiracci e Ciro Vinci, portando
sul palco un dialogo ricco e variegato che ha toccato diverse facce dell'arte
performative.
Marianna, nata a Santa Maria Capua Vetere il 19 agosto 1998, ha sempre
avuto una passione ardente per le parole e i suoni, una passione che l'ha
guidata attraverso varie forme d'espressione. Laureata in Farmacia, ha saputo
amalgamare la precisione scientifica con l'arte della parola, come dimostrato
dalla sua recente pubblicazione "Veleno – Poesie dell’inesistenza".
Quest'opera riflette una maturazione personale attraverso poesie che
esplorano temi come l'amore, il distacco e la disillusione, spesso con
riferimenti a elementi farmacologici, rendendo il testo un vero e proprio filtro
amoroso capace di sedurre il lettore.
L'approccio unico di Marianna alla poesia si evidenzia nella sua capacità di
usare il corpo e la tastiera di un pianoforte per esprimere e amplificare le
emozioni contenute nei suoi versi. Questo ha aperto nuove strade per
l'interpretazione della poesia nel festival, dimostrando come la poesia possa
trasformarsi in performance attraverso la danza e la musica, elementi chiave
che hanno reso l'apertura di "Dillo alla Danza" un evento indimenticabile.
Inoltre, il suo libro "Veleno" ha offerto una prospettiva fresca e avvincente
sull'inesistenza, un tema esplorato con grande maestria nell'evento. Il titolo,
ispirato dall'etimologia che collega il veleno a Venere, dea dell'amore,
encapsula perfettamente la dualità delle poesie di Marianna, oscillando tra la
bellezza dell'amore e i suoi lati più oscuri e tossici.
Marianna Aulicino rappresenta una nuova generazione di poeti che non si
limita a scrivere, ma vive la poesia come un'esperienza allargata che tocca
tutte le sensibilità umane. La sua presenza a "Dillo Alla Danza" ha rafforzato il
ponte tra le arti letterarie e performative, mostrando come i versi possano
danzare e come la danza possa parlare attraverso il silenzio eloquente di un
corpo in movimento. Con ogni sua parola e gesto, Marianna ha lasciato
un'impronta indelebile, invitando il pubblico a riflettere sulla potenza
trasformativa dell'arte nella comprensione e espressione dell'esistenza umana.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Ciro
Vinci
S I N E R G I A T R A M U S I C A , T E R A P I A
E C R E A T I V I T À
Nel vibrante panorama culturale di Napoli, emerge una
figura i cui contributi al mondo della musica e della
terapia suonano come una dolce melodia di speranza e
innovazione: il maestro Ciro Vinci. Compositore di
talento e musico terapeuta visionario, Vinci rappresenta
un ponte tra l'arte musicale e il benessere psicofisico,
tessendo una tela dove suono e cura si fondono in
un'unica sinfonia.
La carriera di Ciro Vinci è segnata da significative
collaborazioni con network televisivi di rilievo come La7,
Sat2000 e Rai, per i quali ha composto memorabili
colonne sonore. La sua abilità nel creare musiche che
toccano il cuore e l'anima dello spettatore non passa
inosservata, elevandolo a maestro nell'arte della
composizione. Tuttavia, è nel campo della musicoterapia
che Vinci trova la sua vera vocazione, dirigendo la sua
passione e il suo talento verso l'obiettivo di armonizzare
corpo e mente attraverso le vibrazioni della musica.
Impegnato nella diffusione della musicoterapia rivolta ai bambini , adolescenti ed adulti , Vinci lavora molto sulle frequenze
adottando nello specifico la 432 HZ e la 528HZ entrambi note per le sue proprietà benefiche e terapeutiche , oltre a lavorare
su tante altre frequenze le quali vengono armonizzate inserendo nellemusiche come sottofondo continuo MHZ che stimolano il
benessere psicofisico. Attualmente, il compositore napolatano è impegnato in un progetto in collaborazione con alcuni medici
sulla cura da dipendenza: ludopatia , alcool, droga, autolesionismo.
Questa scelta non è casuale: le frequenze 432 e 528 spesso sono associate a un effetto calmante e rilassante, capace di
promuovere un senso di benessere a livello profondo, risultando particolarmente efficace nel lavoro terapeutico con i bambini.
Il lavoro di Vinci come musico terapeuta si basa su un concetto fondamentale: la musica è non solo intrattenimento, ma uno
strumento potente di guarigione e crescita personale. Attraverso l'uso consapevole delle armonie e delle melodie, è possibile
stimolare aree del cervello coinvolte nel controllo delle emozioni e della memoria, offrendo sostegno a chi vive condizioni di
disagio psicologico o fisico.
La sua visione pone l’accento sull'importanza cruciale del ruolo del musicoterapeuta nel panorama assistenziale e terapeutico
contemporaneo. Un musicoterapeuta, secondo Vinci, non è semplicemente un educatore o un operatore sanitario, ma un vero
e proprio compositore di esperienze curative, che utilizza la musica come chiave per sbloccare porte altrimenti sigillate
all'interno dell'individuo.
Parallelamente, il ruolo del compositore di musiche per la televisione acquisisce, nella visione di Vinci, un valore aggiunto
umano e sociale. Ogni nota, ogni accordo diventa un messaggio, un veicolo di emozioni e sensazioni capaci di oltrepassare il
semplice intrattenimento per toccare le corde più profonde dell'essere umano.
Il maestro Ciro Vinci incarna l'essenza di un'arte che cura, che connette, che eleva. Con la sua dedizione e il suo lavoro,
dimostra come la musica possa essere trasformativa, guidando l'ascoltatore in un viaggio di scoperta interiore, dove ogni nota
ha il potere di sanare, ispirare e unire.

TuttoBallo
Marco
Werba
Sappiamo bene quali siano i benefici della musica sulla psiche umana.
La musica è in grado di commuoverci, farci sognare o farci sorridere.
La musica ha anche un potere evocativo ed è in grado di farci rivivere
momenti del passato (pensiamo alla canzone della nostra vita che in
una coppia può ricoprire un ruolo importante perché è legata ad un
evento o ad una serie di eventi che ricordano i momenti felici e i
momenti sentimentali della vita in comune). Del potere curativo della
musica ne parliamo piacevolmente con il compositore e direttore
d’orchestra Marco Werba. Nato a Madrid nel 1963, con studi classici in
Francia, in America e a Roma, è nell’ambiente riconosciuto musicista
completo, colto e sensibile, oltre che molto richiesto in ambito
internazionale. Ha lavorato anche con importanti registi italiani ed ha al
suo attivo titoli quali Zoo, Anita, Giallo, Amore e libertà – Masaniello, Il
delitto Mattarella, Seguimi e Pop Black Posta. Recentissimo il
successo della pellicola “Goffredo. E l’Italia chiamò” diretto dal regista
Angelo Antonucci, con tra gli interpreti Emanuele Macone, Stefania
Sandrelli e Maria Grazia Cucinotta. Werba parla 4 lingue: inglese,
francese, spagnolo ed italiano. Già “Globo D’Oro” per le musiche
originali di “Native”, di John Real, è uno dei professionisti più
apprezzati nel campo della Musica Applicata alle Immagini.
Maestro, parliamo del potere della Musica.
Un commento musicale abbinato alle immagini di un film è in grado di
suscitare nello spettatore intense emozioni, senza che egli ne sia
consapevole. In un film romantico o drammatico può indurre lo
spettatore a piangere, in un film thriller può invece spaventare lo
spettatore, fargli aumentare il battito cardiaco, esaltando i sensi.
A “ T U P E R T U ” C O N I L
C O M P O S I T O R E I N T E R N A Z I O N A L E
Intervista di Lisa Bernardini
photo © Monica Irma Ricci
Facciamo qualche esempio?
Nel film “8 e mezzo” di Fellini il tema di Gelsomina, scritto da Nino Rota, riporta nella mente del protagonista il personaggio
di Gelsomina. Anche se ormai lei è morta, il suo tema la rievoca. La musica è usata anche per curare i pazienti. Secondo la
dottoressa Giulia Bertelli “I suoni possono agire sugli stati d'animo e sulle emozioni, in virtù delle loro proprietà rilassanti o
stimolanti. La musicoterapia può migliorare la salute dei pazienti e può influenzare le funzioni cognitive e lo sviluppo
emozionale. L'ascolto di un canto può a volte ridurre gli stati di agitazione associati alla demenza senile, migliorando la
qualità della vita dei pazienti”. Secondo alcuni studiosi ascoltando la musica di Mozart si hanno benefici sulla memoria e
l'apprendimento, si favorisce la concentrazione e si migliora la creatività. Alcune composizioni lente come l’adagio possono
rilassare, commuovere o a volte addormentare l’ascoltatore, favorendo il sonno. Durante le sedute di massaggi orientali
viene sempre diffusa una musica estremamente lenta e sospesa per rilassare il “cliente” e indurlo ad “abbandonarsi” alle
cure della massaggiatrice. Un noto compositore e direttore d’orchestra Italiano di musica leggera ha aperto un vigneto e ha
diffuso musica Classica mentre l’uva maturava ed era pronta per essere raccolta e trasformata in vino. Ci sono quindi vari
campi di applicazione della musica per il benessere fisico e mentale dell’essere umano.
Interessante, davvero. Attualmente lei a cosa si sta dedicando?
Sto al momento lavorando sulla musica di un film drammatico, ispirato ad una storia realmente accaduta: una modella
statunitense viene colpita da un tumore al seno ed inizia un lento calvario per cercare di sconfiggere sia la malattia che la
diffidenza della gente che la circonda. La musica svolgerà un ruolo determinante nell’accompagnare la protagonista nei suoi
vari stati d’animo fino alla consapevolezza di aver sconfitto la malattia, ma di non essere più la stessa persona di prima,
perché la malattia l’ha trasformata e l’ha resa più forte. Il commento musicale sarà a volte commovente, a volte drammatico
e a volte pieno di speranza.
Ci rivela il titolo?
“Hello Beautiful” del regista Ziad H. Hamzeh. Sarà un film di cui sentiremo parlare. Non fatemi anticipare di più.

TuttoBallo
Francesco Leone
e gli Indecisi
U N A V O C E P E R L A C O M U N I T À
L G B T Q +
Milano, città di contrasti e caleidoscopio di storie, è anche la terra
nativa di Francesco Leone, un uomo di 41 anni dal cuore giovane
e dalla mente lucida. Nel sud di questa metropoli vivace,
Francesco ha dato vita a un progetto tanto unico quanto
necessario: il gruppo "Gli Indecisi". Nonostante il nome possa
trarre in inganno, "Gli Indecisi" è un baluardo di determinazione e
sostegno all'interno della comunità LGBT.
Nato a seguito di una discussione amichevole - e una coincidenza
fortuita con una signora anziana in un bar che ha ironicamente
suggerito il nome - "Gli Indecisi" è divenuto in pochi mesi un punto
di riferimento per chi cerca ascolto e comprensione. Con l'obiettivo
di portare alla luce le storie di vita spesso oscurate dall'indifferenza
o dal pregiudizio, questo gruppo si immerge nelle sfumature meno
colorate dell'esperienza LGBT, rivelando realtà che meritano di
essere condivise e comprese.
Attraverso il canale ufficiale di Instagram e una presenza su
Facebook, "Gli Indecisi" offre due vie d'accesso a una comunità
che privilegia il dialogo e il sostegno reciproco. Le dirette - alcune
leggere e intrise di autoironia, altre invece profonde e tematiche -
diventano l'occasione per esplorare questioni delicate e personali,
dall'accettazione familiare alle sfide nel mondo del lavoro,
passando per storie di discriminazione basate sull'orientamento
sessuale o su atti di omofobia.
La varietà degli argomenti trattati riflette la poliedricità della vita e
delle esperienze all'interno della comunità LGBT. Con un occhio al
gossip e all'intrattenimento, ma senza mai perdere di vista la
serietà delle questioni affrontate, "Gli Indecisi" riesce a creare uno
spazio virtuale dove il riso e il pianto, l'intrattenimento e la
riflessione trovano una sintesi armoniosa.
Francesco e il suo gruppo si ergono come un faro nella notte per tutte quelle persone che, sentendosi inascoltate o isolate,
cercano una comunità che possa offrire loro comprensione, visibilità e, soprattutto, voce. Il messaggio di "Gli Indecisi" è
chiaro: quando lo Stato non ascolta, significa che qualcosa nel sistema ha fallito. Da qui nasce l'urgenza di dare spazio e
voce anche a chi, troppo spesso, è rimasto in ombra.
In questo contesto, l'iniziativa di Francesco Leone ricorda a tutti noi il potere salvifico dell'ascolto e la forza trasformativa della
solidarietà. "Gli Indecisi" non è solo un gruppo su Instagram o Facebook; è un punto di ritrovo digitale dove la ricerca di sé e
il bisogno di appartenenza si incontrano, dando vita a una comunità più forte, consapevole e determinata a fare la differenza
nel mondo.
Francesco Leone, imprenditore digitale e influencer, ha lasciato il segno come conduttore anche all'evento "Dillo alla Danza"
2024. Oltre alla creazione del popolare canale Instagram "Gli Indecisi", Francesco ha fondato uno sportello d'aiuto dedicato
ad offrire sostegno ai giovani che si trovano nell'arduo percorso di comunicare la propria sessualità alla famiglia, alla società
e al mondo esterno, spesso ostili o incomprensivi.
Con una sensibilità unica e una volontà incrollabile di promuovere l'inclusione e la comprensione, Francesco ha creato uno
spazio sicuro e accogliente per quei ragazzi che si trovano in una fase di vita cruciale, in cui esprimere la propria identità
sessuale può essere fonte di grande ansia e conflitto. In un contesto in cui parole come "diversi" sono ancora utilizzate in
maniera limitante e discriminatoria, Francesco si è posto come figura di riferimento e di sostegno per promuovere un dialogo
aperto e accettante sulla sessualità e sull'identità individuale.

TuttoBallo
Sandro
Lavecchia
A R T I S T A P O L I V A L E N T E I L L U M I N A
" D I L L O A L L A D A N Z A 2 0 2 4 "
Sandro Lavecchia, noto per il suo impegno e talento nel teatro
amatoriale, ha assunto un ruolo significativo nell'edizione 2024 di
"Dillo Alla Danza", accanto al direttore artistico Fabrizio Silvestri.
Come intervistatore sul prestigioso palcoscenico del Teatro
Paganini, Lavecchia ha dimostrato ancora una volta la sua affinità
per le arti performative, facilitando discussioni incisive con figure di
spicco del mondo teatrale e coreografico come Antonio Mocciola e
Giovanni Battista Gangemi.
Recentemente debuttato come regista teatrale a Roma, Sandro
Lavecchia ha portato in scena "Ferite a Morte", un'opera teatrale
liberamente tratta dall'omonimo libro di Serena Dandini. Il lavoro di
Lavecchia, caratterizzato da una regia sensibile e attenta, ha
esplorato tematiche di grande impatto sociale attraverso le storie di
donne vittime di violenza, tratteggiate con una mescolanza di
dolore e ironia leggera. Questo approccio ha permesso di aprire un
dialogo critico e riflessivo sulla violenza di genere, rendendo lo
spettacolo non solo un momento di intrattenimento, ma anche di
profonda riflessione civile.
Il suo talento non si limita alla regia: Sandro è anche un attore, il
che gli conferisce una versatilità rara e preziosa nel mondo del
teatro. I suoi lavori recenti mostrano la sua abilità nel trattare con
delicatezza e profondità argomenti complessi, facendo leva su un
cast eccezionale e su una produzione attenta ai dettagli visivi e
sonori.
A "Dillo Alla Danza 2024", Lavecchia ha elevato la qualità del
festival non solo con le sue competenze di regista e attore, ma
anche come intervistatore esperto. Il suo incontro con Antonio
Mocciola ha offerto al pubblico approfondimenti nei meandri della
sceneggiatura e della regia teatrale, mentre la discussione con
Giovanni Battista Gangemi ha aperto nuove prospettive sul
significato di "fuga" nella danza contemporanea e nella vita.
Sandro Lavecchia continua a dimostrarsi un artista che riesce a
coniugare la profondità del messaggio drammaturgico con la
leggerezza espressiva necessaria per toccare e coinvolgere il
pubblico. La sua presenza a "Dillo Alla Danza" non ha solo
arricchito l'evento, ma ha anche rafforzato il legame tra diverse
forme d'arte, celebrando la cultura come mezzo di esplorazione
umana e sociale. Con ogni suo progetto, Lavecchia si conferma
come una voce indispensabile nel dialogo artistico
contemporaneo, attento tanto alla forma quanto al contenuto, in un
perfetto equilibrio tra estetica e etica.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Virginia
Vandini
P E N S I E R O C R E A T I V O P E R U N A
V I T A I S P I R A T A E I N E Q U I L I B R I O
Virginia si laurea in Sociologia con Domenico del Masi nel 2002 e,
poco dopo, intraprende una Scuola di Counseling Umanistico
entrando in contatto con alcune personalità di respiro
internazionale che influenzeranno in modo significativo la sua
formazione e le sue scelte future.
Dopo circa un decennio di attività nell’ambito del cambiamento
migliorativo, nel 2014 Virginia fonda a Roma il centro Henosis,
Scuola di Counseling Umanistico e l'Associazione di Promozione
Sociale Il valore del femminile di cui è Presidente.
Nell’ambito di questa realtà tutt’ora progetta e realizza iniziative a
carattere formativo, sociale e culturale a favore di scuole, ospedali
e aziende sviluppando collaborazioni con l’Università La Sapienza
e alcune Istituzioni sia locali che centrali come il Comune di
Albano, il Ministero della Salute e la Camera dei Deputati.
Per il suo impegno nel sociale viene nominata nel 2017
Ambasciatrice di Pace dalla Women Federation Word Peace
presso la Camera dei deputati. Nel frattempo arricchisce la sua
formazione integrando conoscenze e tecniche di mindfulness e
yoga con una particolare attenzione alla dimensione più spirituale
della vita che approfondisce attraverso i suoi pellegrinaggi in luoghi
mistici.
Da questi percorsi nascono i libri: Amore, Ascolto, Accoglienza. Le
risorse del femminile in ognuno di noi (Delta Comunicazione 2015)
presentato in un convegno dal titolo omonimo presso La Sapienza
Università di Roma e La cacciata dal Paradiso. Come ritrovare
l'Amore perduto (Apes 2022).
Numerosi sono i suoi interventi in qualità di relatrice nell’ambito di
eventi a carattere scientifico, artistico e culturale. Si menzionano,
in particolare, quelli promossi e organizzati da: S.I.Co. (Società
Italiana Counseling); AISL_O (Associazione Italiana di Studio del
Lavoro); UPF (Universal Peace Federation) e l’Associazione il
Festival della Sociologia.
Attualmente sta coordinando l’attuazione di due bandi risultati
vincitori. Il primo promosso dall’Assessorato alle Politiche Giovanili
del Comune di Albano dal titolo “Share Your Time” rivolto ai
giovani dai 14 ai 35 anni, il secondo da Zètema, società
partecipata al 100% da Roma Capitale che opera nel settore
culturale e si prefigge l’organizzazione di un Festival interamente
dedicato alla creatività.
Per il convegno spettacolo “Armonie Universali: Quando l’arte
diventa benessere” parlerà dell’importanza del pensiero creativo
per una vita ispirata e in equilibrio. In particolare approfondirà
come il pensiero artistico-creativo non sia propriamente il pensiero
divergente e di quanto saper riconoscere le nostre emozioni sia
fondamentale per coltivare la nostra capacità immaginativa
giacché esse non solo ne rappresentano il motore ma favoriscono
l’apertura al mondo del possibile e del desiderio.

TuttoBallo
Giulia
Muti
U N B A C I O A N E S T E T I C O D A
P A R T E D E L L ’ A R T I S T A T E R N A N A .
In un panorama musicale sempre più fugace, Giulia Muti emerge come
una delle promesse più brillanti del pop italiano. Nata nel cuore verde
dell'Italia, Terni, nel 2000, Giulia si è avvicinata alla musica fin dalla
tenera età, disegnando il proprio cammino artistico con passi
determinati e guidati da una passione genuina e profonda per il canto.
La sua formazione musicale prende avvio all'età di 14 anni, quando,
ispirata dalle grandi voci italiane come Elisa e Giorgia, inizia a studiare
canto presso la sua città natale. Questa scelta si rivela presto come il
primo tassello di un mosaico che Giulia sta pazientemente costruendo,
mossa da una vocazione chiara e dall'ambizione di esprimere sé
stessa attraverso la musica.
Il trasferimento a Roma rappresenta un punto di svolta decisivo nella
sua carriera: l'ingresso nell'accademia Percento musica non solo le
consente di affinare ulteriormente la sua tecnica vocale ma le fornisce
gli strumenti per navigare con sicurezza nel mondo multiforme della
musica pop. A luglio del 2023, la conclusione del diploma triennale di
canto multistilistico corona gli anni di dedizione e studio, segnando
l'ingresso di Giulia nel percorso master, simbolo di un impegno
costante verso la crescita personale e artistica.
Giulia non si limita alla performance vocale ma, da vero artista del
nostro tempo, sente la necessità di raccontare le proprie esperienze e
di dar voce alle proprie emozioni tramite la scrittura. Da qui nasce la
collaborazione con il Take Away Studios di Modena nel 2017, un
laboratorio creativo che ha dato vita a brani inediti ricchi di
introspezione e sentimento, tra cui spicca "Mnemosyne", il suo singolo
di esordio.
L'anno 2020 segna un'ulteriore evoluzione nel percorso di Giulia, con il
lancio del suo progetto solista che la vede protagonista in brani come
"Shangai", "Indecifrabile", "Opera d’arte" e l'ultimo singolo "Bacio
antistaminico", quest'ultimo frutto anche della collaborazione artistica
con la sorella Valeria. La sua capacità di raccontare storie universali,
con una voce che sfiora l'anima e testi densi di significato, raccoglie
l'apprezzamento del pubblico e della critica specializzata.
Il talento di Giulia non passa inosservato anche nel circuito dei
concorsi musicali, dove si distingue per la sua eccezionale vocalità e
l'originalità dei suoi testi, tanto da aggiudicarsi nel 2022 il premio come
“Miglior testo di artista Emergente” al tributo a Sergio Endrigo di Terni.
Il riconoscimento è un'ulteriore conferma del suo straordinario
contributo al panorama musicale contemporaneo.
La sua ascesa continua nel 2024, quando la troviamo ospite nel
programma di Fiorello “E viva il Videobox” su Rai2, un'occasione che
le offre una platea ancora più ampia e che testimonia quanto il suo
talento sia apprezzato e riconosciuto.
Giulia Muti non è solo una cantante e cantautrice: è la voce di una
generazione che attraverso la musica cerca connessioni autentiche in
un mondo in rapido cambiamento. La sua storia è una fonte di
ispirazione per tutti quei giovani artisti che, armati di talento e
passione, sono pronti a lasciare il segno nell'industria musicale con
originalità, sensibilità e determinazione.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Salvo
Lupo
V O C E N A R R A N T E C H E H A
I N C A N T A T O " D I L L O A L L A D A N Z A "
2 0 2 4 .
In occasione della prestigiosa manifestazione "Dillo Alla Danza", il
teatro italiano ha avuto il piacere di ospitare una delle sue stelle
più brillanti, Salvo Lupo. Originario di Palermo e dotato di un
talento poliedrico, Lupo ha offerto al pubblico un assaggio
emozionante dell'opera "Nel ventre - voci al centro della terra",
scritto dal celebre Antonio Mocciola, anch'egli relatore al
medesimo evento.
Salvo Lupo, nato il 26 ottobre 1996 a Palermo, si è formato presso
l’Istituto Paritario Seneca per poi proseguire la sua educazione
all'acclamato Shakespeare Theatre Academy. Le sue abilità sono
state messe alla prova in ambiti diversificati, dal cinema al teatro,
conquistando ruoli sia di protagonista che di supporto che hanno
messo in luce la sua versatilità di attore.
Nel campo cinematografico, ha impresso il suo segno in film come
"Angeli Neri" e "Cos'è l'amore", entrambi diretti da Rosario Neri. La
sua interpretazione ha catturato tanto il pubblico quanto la critica,
dimostrando che il suo talento non conosce confini tra le diverse
modalità espressive.
Tuttavia, è nel teatro che Salvo si è distinto particolarmente,
interpretando una gamma di ruoli da coprotagonista in "Oscar e
Bosie" a ruoli principali in opere come "Nel ventre - voci al centro
della terra". Quest'ultima performance è stata particolarmente
acclamata durante il "Dillo Alla Danza", dove la sua capacità di
trasmettere la complessità emotiva e narrativa del testo ha lasciato
un'impressione indelebile nel pubblico.
Lupo non è solo un attore ma anche un artista completo, avendo
competenze in danza e canto, oltre a padroneggiare la scherma
medievale e suonare la chitarra. Queste abilità aggiuntive non
fanno che aumentare la sua presenza scenica e il suo impatto
emotivo sulle scene.
Nel suo cammino artistico, Salvo Lupo ha continuamente
dimostrato di essere una forza creativa, capace di navigare tra
diversi generi e formati con una maestria eccezionale. Attraverso il
suo impegno e la sua dedizione all'arte, Lupo continua a essere un
punto di riferimento per il teatro contemporaneo italiano, portando
freschezza e vigore con ogni sua performance. La sua presenza a
"Dillo Alla Danza" non è stata solo una dimostrazione di talento,
ma una vera celebrazione della potenza dell'espressione artistica
nel connettere profondamente con l'anima del pubblico.

TuttoBallo
Marcella
Di Pasquale
C O N ” T H E V O I C E S E N I O R ”
I N I Z A U N A S E C O N D A V I T A
photo © Monica Irma Ricci
Marcella Di Pasquale, con la sua inconfondibile criniera multicolor e uno spirito indomito, ha segnato il 2022 con una
performance mozzafiato nella popolare trasmissione di Rai1, The Voice Senior, conquistando un meritevole terzo posto. La
sua partecipazione al talent dedicato agli over della musica non è passata inosservata, tanto che il web l'ha subito
paragonata alla Cyndi Lauper italiana per il suo look stravagante e la sua energia contagiosa.
Non solo il pubblico, ma anche un quartetto di coach stellari composto da Loredana Bertè, Orietta Berti, Clementino e Gigi
D’Alessio si è lasciato conquistare dalla grinta e dalla voce di Marcella. La sua capacità di interpretare e vivere la musica
con autenticità e passione, l'ha distinta come una delle voci senior più originali e carismatiche della scena musicale italiana,
capace di lasciare un segno indelebile nel cuore degli ascoltatori.
E non si è fermata qui: Marcella Di Pasquale ha saputo cavalcare l'onda del successo trasformando la sua notorietà in un
trampolino di lancio per la sua carriera. Con il singolo "Aprite Youtube", un graffiante pezzo dance che arriva dritto al cuore
dei tempi moderni, Marcella ha dimostrato di saper combinare il suo spirito battagliero con un messaggio di speranza e
resilienza. Il brano, composto e arrangiato dal Maestro Alterisio Paoletti, con testo di Walter Garibaldi, è un suggerimento
anticrisi che invita ad aprire gli orizzonti verso nuove forme di comunicazione e intrattenimento.
Marcella Di Pasquale, con un sorriso sornione, fa proprio l'aforisma di Jean Cocteau: “Si può nascere vecchi, come si può
morire giovani", incarnando alla perfezione l'essenza di questa massima attraverso la sua musica e il suo essere. Con
"Aprite Youtube", Marcella invita tutti a riscoprire la giovinezza interiore, a non arrendersi mai davanti alle sfide della vita e a
cercare sempre nuove vie per esprimere sé stessi e connettersi con gli altri.
Il percorso di Marcella Di Pasquale è un inno alla perseveranza, alla creatività e alla capacità di reinventarsi. Dal palco di
The Voice Senior a Youtube, Marcella continua a sorprendere, a emozionare e a dimostrare che l'arte non ha età e che la
musica è un linguaggio universale capace di unire e ispirare persone di ogni generazione.

TuttoBallo
Angelita
V O C E N A R R A N T E C H E H A I N C A N T A T O
" D I L L O A L L A D A N Z A " 2 0 2 4 .
photo © Monica Irma Ricci
CAMBIO PELLE. Il brano è un chiaro riferimento ai rapporti tossici,
alla dipendenza psicologica in alcuni rapporti ed al dualismo tra
l’immagine che la persona innamorata si fa del partner e quel che
è invece nella realtà. Un’altalena di sentimenti che logorano ed il
non voler vedere di subire una forma di violenza, l’attaccamento a
quei pochi ricordi belli che offuscano la cruda realtà. Musicalmente
il brano indica esattamente il momento dell’idealizzazione e del
reale, alternando ritmi e drammaticità espressiva, passando da
parti jazz a momenti swing unite dall’andamento pop. Un brano
complesso nel testo, nella tematica e nell’arrangiamento, ad opera
del musicista Simone Bufacchi, in cui la cantautrice Angelita ha
fatto un richiamo ad esperienze di un vecchio passato.
In Cambio Pelle Angelita ci regala un brano che è un po' anche un
cortometraggio, immagini ben nitide che emergono dal testo e che
presto vedremo anche nel videoclip di prossima uscita. L’artista è
stata ospite al Premio Internazionale Dillo alla Danza 2024,
portando il suo messaggio contro la violenza. Angelita ha scelto di
ritornare nel mondo discografico con la nuova ed attenta etichetta
LaLa LABEL, già premiata a Montecitorio proprio per la sua
mission, nata per dar voce agli artisti esordienti ed agli
indipendenti che vogliano ripartire con un nuovo percorso artistico,
preferibilmente con brani con contenuti a carattere sociale.
Cambio Pelle è il secondo singolo, e segue l’uscita di Ancora Qui
(Ti sento sai), brani che fanno parte del nuovo progetto musicale di
Angelita, un’artista dal lungo passato di cantante, con
collaborazioni speciali quali quella con Lucio Dalla, e finalista di
tanti concorsi nazionali importanti come il premio Mia Martini.
Angelita è una cantautrice siciliana e d’adozione romana, già
vincitrice e finalista ad importanti manifestazioni nazionali quali
Area Sanremo, Premio Mia Martini e diversi altri. Nasce come
cantante solista ma anche in gruppi che spaziavano dal pop al
rock e, dopo tante tappe e collaborazioni speciali, quale quella con
Lucio Dalla, si ferma per fare spazio alla sua esperienza di
mamma e moglie. Ritorna da cantautrice con il brano Ancora Qui
(Ti sento sai) seguito da Cambio Pelle, il primo dedicato ad
un’amica di gioventù ed il secondo ispirato ad un rapporto
controverso ed oppressivo. Adesso Angelita è una regista e vocal
coach e, quando l’anima glielo chiede, scrive brani musicali.

TuttoBallo
Royal Talent
Tarquinia
M A T T E O C I A N F O N I E
A U R O R A A B R A M I A I N C A N T A N O I L
T E A T R O P A G A N I N I
Nel contesto di una giornata dedicata alla danza, Matteo Cianfoni
e Aurora Abramia hanno portato un contributo straordinario con le
loro danze latino-americane, incantando il pubblico con la loro
grazia e bravura. Provenienti da Tarquinia, i due giovani ballerini si
sono distinti per le loro esibizioni coinvolgenti e ricche di emozioni,
ballando con sincronia e passione due balli di rumba e un
sensuale samba.
photo © Monica Irma Ricci
La sorprendente sintonia tra Matteo e Aurora è emersa
chiaramente sul palcoscenico, nonostante la loro recente
collaborazione. Giovani, freschi e belli, i due ballerini sono stati
notati e apprezzati dall'agente Walter Garibaldi, riconosciuti per il
loro talento e la loro presenza scenica affascinante.
I due ballerini sono stati proposti dalla Royal Talent Academy
Associazione Sportiva Dilettantistica di Tarquinia, sotto la guida
esperta dei maestri Dezi, Ceccarini e Zoroddu. L'Accademia si
distingue per la promozione della danza attraverso competizioni
sul territorio e corsi adatti a tutte le età, dalla gioventù all'età
adulta. Il focus dell'Accademia va oltre la dimensione fisica della
danza, mirando a sviluppare le capacità motorie, la disciplina e le
qualità personali fondamentali che si acquisiscono attraverso la
pratica costante di questa arte.
I maestri della Royal Talent Academy sono tra i più qualificati della
provincia, e si impegnano a trasmettere non solo la tecnica, ma
anche i valori fondamentali su cui l'Accademia si fonda. La
passione, i sacrifici e la costante ricerca di superare i limiti
personali rendono la danza uno sport unico e coinvolgente, che
colpisce immediatamente cuore e mente.
L'Accademia non è solo un luogo di apprendimento, ma un
ambiente inclusivo e familiare dove gli studenti possono trovare
amicizie nuove, istruzione di qualità e un'atmosfera ideale per
crescere come ballerini e come individui.

TuttoBallo
Camilla
Feroci
U N A S T E L L A D E L L A D A N Z A
S P O R T I V A C H E S F I D A I C O N F I N I
Nel vivace panorama della danza sportiva, un nome risplende con
luce propria: Camilla Feroci. A 29 anni, Camilla non è solo una
danzatrice talentuosa, ma rappresenta un potente simbolo di come
la determinazione e la passione possano trasformare le sfide in
opportunità straordinarie di espressione e crescita personale.
Dotata di un cromosoma in più, Camilla porta con sé la Sindrome
di Down, un dettaglio che, lungi dall'essere un ostacolo, si è
rivelato essere un trampolino di lancio verso il successo nella
danza sportiva. La sua storia è quella di una determinazione
incrollabile e di un amore travolgente per il ballo, una passione
talmente forte da averla portata a incrociare il destino con
Francesco, un altro ballerino con Sindrome di Down che condivide
con lei non solo i ritmi sincopati del latino americano ma anche i
battiti del cuore.
La timidezza di Camilla è un velo sottile che cela un animo
ardente, pronto a mettersi in gioco ad ogni ora, senza riserve.
Grazie alla Scuola Scorpion Team, che l'ha accolta con
entusiasmo e inclusione, Camilla ha trovato nello spazio del ballo
latino americano la sua dimensione ideale, un luogo dove la
comunicazione avviene attraverso il movimento e dove ogni passo
è un'affermazione di sé.
photo © Monica Irma Ricci
Oltre alla danza, Camilla dimostra il suo impegno e la sua
resilienza quotidianamente anche fuori dal palco, lavorando in uno
degli alberghi della catena Hilton di Roma. I suoi colleghi dell'Hotel
Aleph la descrivono come "una stella splendente" che, con la sua
presenza luminosa e il suo impegno costante, "rompe stereotipi e
presupposti negativi con grazia e talento". È la testimonianza
vivente di come il luogo di lavoro possa diventare scenario di
inclusione, integrazione e valorizzazione delle differenze.
La storia di Camilla Feroci è un inno all'amore per la vita e un
promemoria che nei gesti espressivi della danza, come nelle
attività di ogni giorno, ciascuno può trovare la propria voce,
unicamente personale e profondamente universale. Nel suo
danzare, così come nella sua vita, Camilla incarna una potente
dichiarazione di autonomia e bellezza, ricordandoci che i limiti,
spesso, sono solo barriere che aspettano di essere superate.

ICH
International Creative Hub
TuttoBallo
S A R A I A C O M E T T I E A U R O R A
L A T T A N Z I B R I L L A N O S U L P A L C O
D I D I L L O A L L A D A N Z A
Sara Iacometti e Aurora Lattanzi, talentuose allieve dell'International
Creative Hub (ICH), hanno incantato il pubblico con la loro
straordinaria esibizione durante un evento di rilievo. ICH, un progetto
formativo triennale riconosciuto e approvato da CSEN Italia e CID
UNESCO, si pone l'ambizioso obiettivo di formare ballerini
professionisti in grado di navigare con successo sia nel mondo
artistico che in quello sociale.
La mission di ICH è ben definita e ambiziosa: trasmettere la
passione per la danza, formando giovani danzatori e preparandoli
per una carriera sia a livello nazionale che internazionale. Nella loro
esibizione, Sara e Aurora hanno dimostrato non solo una rigorosa
preparazione tecnica, ma anche un'autenticità artistica che ha
emozionato e ispirato il pubblico.
ICH, attraverso il suo focus sulla preparazione teorica e pratica di
alto livello, mira a fornire agli allievi l'opportunità di esplorare e
ampliare il proprio bagaglio artistico. Questo include esperienze di
studio e di performance in enti culturali stranieri, che favoriscono la
condivisione e lo scambio culturale, arricchendo così la formazione
dei giovani danzatori.
La visione di ICH si riflette nelle performance delle sue allieve, che
incarnano l'eccellenza e la passione per l'arte della danza. Il progetto
non si limita alla formazione come ballerini, ma si estende a
preparare gli studenti a ruoli chiave nell'ambito coreutico, come
assistenti all'amministrazione, fotografi, videomaker e manager dei
social media. Questo approccio multidisciplinare offre agli studenti
una panoramica completa del settore, preparandoli in modo
completo per affrontare le sfide e le opportunità della professione.
Le performance di Sara Iacometti e Aurora Lattanzi hanno
evidenziato la dedizione e il talento che permea l'International
Creative Hub, confermando la sua posizione di rilievo nell'ambito
della formazione e della promozione dei giovani talenti nel mondo
della danza. Sono esempi luminosi dell'impegno e della bravura degli
allievi di ICH, che testimoniano il valore e l'importanza di
un'istituzione che prepara la prossima generazione di danzatori
professionisti e creativi.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Lucrezia
Cimino
L A G I O V A N E D A N Z A T R I C E
C O N Q U I S T A I L P A L C O S C E N I C O
C O N L A S U A C A R M E N
Lucrezia Cimino, giovane allieva della scuola di danza Paganini,
ha conquistato il palcoscenico dell'evento "Dillo alla Danza 2024"
con una performance di straordinaria intensità. Interpretando una
variazione tratta dal Balletto Carmen, l'opera più famosa di
Georges Bizet, tratta dall'omonima novella del 1845 dello scrittore
francese Prosper Mérimée, Lucrezia ha dimostrato il suo talento
innato e la sua passione per la danza, incantando il pubblico con la
sua espressività e la sua tecnica impeccabile .
L'esibizione di Lucrezia è stata una dimostrazione tangibile
dell'eccellente lavoro svolto dalla scuola di danza Paganini, che da
anni si impegna a formare giovani talenti nel campo della danza
classica, moderna e contemporanea. La scuola, diretta dal
maestro Adolfo Paganini, offre un percorso di apprendimento
completo e stimolante, che accompagna gli allievi dalla formazione
di base all'avvicinamento al mondo professionale.
La giovane danzatrice si è distinta per la sua interpretazione
intensa e coinvolgente del personaggio di Carmen. Con grazia e
potenza, Lucrezia ha saputo dare vita al fascino enigmatico e alla
determinazione della protagonista dell'opera, conquistando
l'attenzione e gli applausi del pubblico.
Grazie al suo talento e alla sua determinazione, Lucrezia Cimino si
prospetta un futuro luminoso nel mondo della danza. La giovane
danzatrice ha già dimostrato di possedere le qualità necessarie per
raggiungere grandi obiettivi, e non c'è dubbio che la sua carriera
sarà costellata di successi.
La scuola di danza Paganini continuerà a supportare e a
promuovere il talento di Lucrezia, offrendole le migliori opportunità
per perfezionare la sua tecnica e crescere come artista. Il suo
photo © Monica Irma Ricci
impegno e la sua passione sono una fonte di ispirazione per tutti
gli allievi della scuola e per chiunque sogni di fare della danza la
propria vita.

TuttoBallo
Fabrica delle
Arti Gizzeria (CZ)
L ’ E S P R E S S I O N E D E L L ’ A R T E
C A L A B R A
photo © Monica Irma Ricci
Sul panorama culturale di Gizzeria, Catanzaro spicca La Fabbrica delle Arti. Nata dalla passione e dall'unione di sette
persone con un profondo amore per l'arte, La Fabbrica delle Arti apre le sue porte il 19 settembre 2023 all'interno di un'ex
fabbrica di congelati, riconvertita in un'oasi creativa di 500 mq.
Lastruttura si divide in diverse aree dedicate alle varie discipline:
Sala danza: percorsi di danza classica, contemporanea, moderna e hip hop per tutte le età e tutti i livelli.
Sala teatro: corsi di recitazione, teatro ragazzi e improvvisazione teatrale .
Sala musica: lezioni individuali e collettive di chitarra, pianoforte, batteria e canto.
Sala pittura e scenografia: percorsi di disegno, pittura, scultura e scenografia per esplorare il mondo delle arti visive.
La Fabbrica delle Arti non si limita a offrire semplici corsi, ma si propone come un vero e proprio hub culturale.
Oltre alle lezioni, infatti, sono previsti workshop, seminari, mostre , spettacoli e performance artistiche aperte al pubblico.
Inoltre,la struttura ospita anche percorsi post-universitari in Counseling Artistico ed Educatore Teatrale, pensati per chi
desidera approfondire le proprie conoscenze e competenze nel campo delle arti performative e dell'educazione.
LaFabbrica delle Arti si propone come un luogo di incontro e confronto, dove artisti di diverse discipline e livelli di
esperienza possono condividere la loro passione e crescere insieme.Uno spazio aperto a tutti, dove la creatività è
protagonista e dove l'arte diventa strumento di espressione, crescita personale e condivisione. Le danzatrici:Sarah di
Natale, Emanuela La Gamba, Ludovica Curcio, Alessandra Milello, Alice Guzzo, Rosanna Cariglino e Santina Vezio
hanno presentato su Coregorafia del maestro Giovanni Battista Gangemi Guerrera un straodinario abstract dello
speccatolo “Fuga” .

TuttoBallo
Academy
Paganini
U N F I N A L E E S P L O S I V O P E R
D I L L O A L L A D A N Z A : R H A P S O D Y
I N B L U E C H I U D E L ' E V E N T O I N
G R A N D E S T I L E
photo © Monica Irma Ricci
L' edizione 2024 di "Dillo alla Danza" si è conclusa con un finale in grande stile, segnato dalla performance della scuola di
danza Academy Paganini, diretta da Giada Paganini e Adolfo Paganini. A chiudere l'evento è stata la rappresentazione di
"Rhapsody in Blue", un balletto per dodici danzatrici costruito sulla celebre rapsodia di George Gershwin, nel centenario
esatto della sua prima rappresentazione.
Le coreografie di Giada Paganini hanno saputo dar vita alla musica di Gershwin in modo originale e coinvolgente. Le giovani
danzatrici con la loro energia e la loro precisione, hanno trasportato il pubblico in un viaggio attraverso l'America degli anni
'20, tra ritmi jazz e melodie evocative.
"Rhapsodyin Blue" è un brano complesso e sfaccettato, che richiede ai danzatori una grande versatilità e un'ottima tecnica.
Lascuola di danza Academy Paganini ha dimostrato di essere all'altezza della sfida, presentando una performance di
altissimo livello, che ha lasciato il pubblico in visibilio.
Giada Paganini, coreografa e direttrice della scuola, ha commentato: "Siamo molto orgogliosi di aver chiuso l'evento "Dillo
alla Danza" con questa performance. La scelta di "Rhapsody in Blue" è stata dettata dal desiderio di celebrare i cento anni
di questo capolavoro musicale e di offrire al pubblico un'esperienza indimenticabile."
La performance della scuola di danza Academy Paganini ha rappresentato un degno finale per un evento ricco di emozioni
e di talento. "Dillo alla Danza" ha dimostrato ancora una volta la vitalità e la creatività del mondo della danza italiano, e la
scuola di danza Academy Paganini si è confermata come uno dei punti di riferimento del settore.

TuttoBallo
Premio Stefano Francia
L U C A D I B A R T O L O
C O N I L C O R T O M E T R A G G I O “ M O S T R I ”
V I N C E C O M E “ B E S T D A N C E M O V I E ”
MOTIVAZIONE
Il cortometraggio "Mostri" di Luca di Bartolo, con
Alessandro Cascioli, è stato premiato con il prestigioso
Stefano Francia EnjoyArt Award per la sua
straordinaria capacità di esplorare le profondità
dell'animo umano attraverso la danza. Quest'opera,
vibrante e intensa, racconta la lotta interiore di un
danzatore, le cui passioni e paure si intrecciano in una
narrativa potente che va oltre la semplice performance
artistica. Attraverso una coreografia che simboleggia
la battaglia contro i "mostri" personali di ogni artista, il
film affronta temi universali di resilienza e autoscoperta.
In "Mostri", ogni movimento e ogni emozione
si trasformano in un messaggio di coraggio e
photo © Monica Irma Ricci
liberazione, rendendo il cortometraggio un emblema di
come l'arte possa essere un mezzo per superare le
proprie paure e affermare la propria identità. Questo
premio riconosce non solo l'abilità tecnica e
l'innovazione nella narrazione visiva, ma anche
l'impatto emotivo e la risonanza universale che
"Mostri" porta al suo pubblico.
photo © Monica Irma Ricci

TuttoBallo
Giovannino
Montanari
L E C U P O L E D ’ O R O :
E S P L O R A Z I O N E D E L L A N A T U R A
U M A N A

TuttoBallo
Patrizia
Salotti
V I S I O N E D E L M O N D O
I N T E R I O R E A T T R A V E R S O
C O L O R I E F O R M E E V O C A T I V E

TuttoBallo
Antonio
Giannangeli
V I A G G I O D I I N T R O S P E Z I O N E E
C O N T E M P L A Z I O N E

TuttoBallo
Alessia
Mattia
R E S T I T U I T A L A S F E R A U M A N A
D E I S E N T I M E N T I A D O G N I
G E S T O E O G G E T T O I N A N I M A T O

TuttoBallo
Mauro
Gavazzi
I L V I A G G I O È L A
C O N O S C E N Z A , È L ’ O C C A S I O N E
D I I M P A R A R E E S C O P R I R E .

TuttoBallo
Festuccia
L ' A R M O N I A E L A B E L L E Z Z A
U N I C O I M P A T T O S U L N O S T R O
B E N E S S E R E G E N E R A L E .

TuttoBallo
Massimo
Fascetti
D A L L A M U S I C A A L L A C A N D I D A T U R A
P E R L A N O M I N A T I O N A L D A V I D D I
D O N A T E L L O 2 0 2 4
Massimo Fascetti, un nome che negli ultimi anni si sta
facendo sempre più spazio nel panorama artistico
italiano, con un connubio tra musica e recitazione che
lo rende un'artista a tutto tondo.
Lo abbiamo recentemente visto esibirsi a "Dillo Alla
Danza 2024", dove ha regalato al pubblico una
magistrale interpretazione al pianoforte della Sonata al
chiaro di Luna di Beethoven. La sua passione per la
musica, già evidente nella sua carriera pianistica, trova
così una nuova espressione sul palcoscenico.
Ma Fascetti non è solo un musicista, è anche un attore
di talento. La sua interpretazione nel film "Nonna ci
produce un film", diretto da Walter Garibaldi, gli è
valsa la candidatura alla selezione per le nomination
del David di Donatello 2024.
Il film, una commedia degli equivoci ambientata nel
2024, racconta la storia di una nonna e della sua
stravagante idea di produrre un film per risollevare le
sorti economiche della sua famiglia. In questo
contesto, Fascetti si cala nei panni di un personaggio
che si troverà al centro di una serie di divertenti ed
emozionanti avventure.
La candidatura al David di Donatello rappresenta un
importante riconoscimento del talento di Fascetti, un
artista che riesce a muoversi con disinvoltura tra
musica e recitazione.
La sua performance in "Nonna ci produce un film",
oltre alla sua interpretazione musicale sul palco di
"Dillo Alla Danza", dimostrano la sua versatilità e la
sua capacità di emozionare e coinvolgere il pubblico.
Non ci resta che attendere l’uscita del suo prossimo
film “Un posto sicuro”.

TuttoBallo
Walter
Garibaldi
D I L L O A L L A D A N Z A E L A R E G I A
D E L P R O N I P O T E D E L L ’ E R O E D E I
D U E M O N D I
Walter Garibaldi, pronipote dell'eroe dei due mondi,
Giuseppe Garibaldi, torna al cinema con una nuova
commedia intitolata "Nonna ci produce un film". Un
ritorno che segna il suo debutto alla regia dopo diverse
esperienze come opinionista televisivo e direttore di
programmi come "Music Trash" per Rai2.
Il film racconta la storia di una nonna che, per risollevare
le sorti economiche della sua famiglia, decide di produrre
un film. Un'idea folle e divertente che coinvolgerà tutta la
famiglia in una serie di avventure esilaranti.
Nel cast troviamo diverse vecchie glorie del cinema
italiano come Michela Miti, famosa per i suoi ruoli in film
sexy all'italiana, e Gabriella Giorgelli, un'altra icona del
passato. Ma "Nonna ci produce un film" non è solo un
ritorno al passato, è anche un omaggio al cinema
italiano di una volta. Un cinema semplice, divertente e
che sapeva far ridere e commuovere il pubblico.
Garibaldi, attraverso la sua agenzia di spettacolo, ha
scelto con cura il cast e la location del film. Le riprese si
sono svolte a Rocca Antica, un paesino in provincia di
Rieti, nel cuore dei Monti Sabini.
Oltrea Michela Miti e Gabriella Giorgelli, nel cast
troviamo anche Massimo Fascetti, attore e pianista che
ha recentemente ottenuto una candidatura alla selezione
per le nomination del David di Donatello 2024 per il suo
ruolo nel film e Fabrizio Silvestri il nostro Direttore
nonchè attore, autore e conduttore radiotv.
Con "Nonna ci produce un film" è stato un ritorno al
cinema in grande stile per Walter Garibaldi, che con
questa commedia dimostra di essere un regista di
talento e con una grande passione per il cinema.

TuttoBallo
PRONTA LA PRIMA POPUP SPORT ZONE
DI REGGIO CALABRIA
Eugenia Galimi
Vice direttore
Completati i lavori nella Pineta Zerbi, dove i cittadini potranno praticare attività motorie grazie alla presenza di macchinari di
ultima generazione
Sono stati completati i lavori per la prima Popup Sport Zone di Reggio Calabria, realizzata nell’ambito del progetto promosso
da ASC Attività Sportive Confederate, con il contributo del Dipartimento per lo Sport. Gli obiettivi delle Popup Sport Zone sono
quelli di migliorare la qualità di vita dei cittadini, contribuire a generare modelli urbani sostenibili, favorire la diffusione della
pratica sportiva come strumento di socialità, inclusione e salvaguardia della salute.
Le Popup Sport Zone, grazie all’intervento finanziario e progettuale di ASC, sono sorte in 10 città italiane: Alessandria, Bari,
Como, Forlì, Palermo, Potenza, Roma, Salerno, Verona e – da un ultima, ma non per ordine di importanza – Reggio Calabria.
La Popup Sport Zone calabrese è stata allestita nella Pineta Zerbi di viale Zerbi Pineta, dove sono stati installati macchinari
nuovi di zecca e di ultima generazione: un’area attrezzata all’aperto, provvista anche di dotazioni dedicate ai diversamente
abili, che risulterà dunque accessibile a tutti, gratuitamente, in qualsiasi momento della giornata, per svolgere liberamente
diverse tipologie di attività sportiva.Il progetto Popup Sport Zone trae origine dalla consapevolezza che la pratica dell’attività
fisica è strettamente connessa all’ambiente in cui si risiede e al contesto in cui si vive: il modello di riferimento è quello della
“città in 15 minuti”, che mira a garantire al cittadino la possibilità di svolgere alcune funzioni essenziali, compresa l’attività
sportiva, entro distanze percorribili in 15 minuti a piedi o in bicicletta dalla propria abitazione.
Le Popup Sport Zone, oltre ad
incentivare la pratica sportiva, la
socialità e l’integrazione, mirano
dunque a generare modelli di sviluppo
urbano sostenibili, favorendo la
riduzione dei tempi impiegati per gli
spostamenti e contribuendo a
contenere le emissioni inquinanti.
La realizzazione delle Popup Sport
Zone viene inoltre accompagnata
dalla creazione di una app dedicata e
di un sistema ad elevato livello di
digitalizzazione. In particolare, in
ognuna delle aree attrezzate, è
presente un QR code che, dopo
essere stato inquadrato, consente di
conoscere le attività che è possibile
praticare sugli attrezzi installati

TuttoBallo
Premio DanzArenzano Arte
ph Brescia e Amisano © Teatro alla Scala

Nel cuore del pittoresco Monferrato, il piccolo ma vibrante Comune di Fubine sarà teatro di un evento
significativo che segna una nuova era nella storia della danza: il passaggio del testimone dal Premio
DanzArenzano Arte al nascente Monferrato DanzArte. Quest'ultimo eredita un patrimonio di
venticinque anni di eccellenza artistica e aspira a proporsi come nuovo punto di riferimento nel
panorama culturale internazionale. Il 2024 si rivela un anno emblematico per la danza italiana con la
celebrazione di Nicoletta Manni e Timofej Andrijashenko. La coppia, sia nella vita privata sia sul
palcoscenico, ha catturato l'attenzione internazionale non solo per le loro straordinarie abilità
tecniche ed espressive ma anche per la loro storia personale di amore e partnership. La loro visita a
Fubine Monferrato, prevista per domenica 12 maggio e ancora a luglio, rappresenta un momento
culminante nella loro carriera. Nicoletta Manni, recentemente consacrata étoile al Teatro alla Scala, e
Timofej Andrijashenko, esponente dell'illustre scuola di balletto russa, riceveranno i riconoscimenti
per le loro carriere brillanti in un'atmosfera di festa e apprezzamento, celebrata da figure prestigiose
come l'attore Massimo Poggio e la giornalista Maria Luisa Buzzi, che curerà la presentazione
artistica degli eventi.
Il progetto "Fubine porta di cultura", lanciato proprio in concomitanza con il decennale UNESCO,
mira a rendere questo borgo la "Porta del Monferrato" verso un rinnovato interesse per le arti
performative. Grazie al supporto della Regione Piemonte, della Fondazione CRA e della Fondazione
Robotti d'Italia, Fubine Monferrato si propone di diventare un crocevia di eventi che valorizzano sia la
tradizione sia l'innovazione nel campo della danza.
Il culmine di questa celebrazione sarà il Galà del 13 luglio 2024, che avrà luogo nella suggestiva
"Colle Manora". Questo evento vedrà la partecipazione di stelle della danza come Yasmine Naghdi
del Royal Ballet e giovani talenti emergenti. Durante il Galà, verrà conferito il Premio Monferrato
DanzArte alla carriera a leggende della danza come Luciana Savignano e Marco Pierin, celebrando
così una tradizione di eccellenza e ispirazione per le nuove generazioni.
Il Sindaco Lino Pettazzi e il Direttore Artistico Patrizia Campassi hanno espresso il loro intento di far
emergere Fubine come un hub di creatività e scambio culturale, promuovendo la bellezza e la
profondità dell'arte del balletto. Attraverso questi premi e eventi, Fubine Monferrato non solo rende
omaggio ai suoi illustri ospiti ma si impegna anche a sostenere i giovani ballerini con borse di studio,
dimostrando un impegno a lungo termine verso la crescita artistica e culturale.
In conclusione, l'atto di passaggio dal Premio DanzArenzano Arte al Monferrato DanzArte non è solo
un cambio di nome, ma simboleggia un rinnovamento e una promessa per il futuro del balletto e
della cultura in Italia e nel mondo.

Con una piccola donazione puoi anche tu
sostenere, promuovere e divulgare l'arte
in ogni sua forma. Diventa mecenate
dell'arte con l'associazione no profit
"Stefano Francia EnjoyArt".
Puoi sostenerci anche tramite paypal
ass.stefanofranciaenjoyart@gmail.com
oppure :
ass. STEFANO FRANCIA ENJOYART
Iban: IT24I0760103600001039059199
C/C: 1039059199
ass.stefanofrancia@gmail.com
+39 335 435168
www.stefanofrancia.com
www.tuttoballo20.com

TuttoBallo
Le iniziative del MiC per l’estate 2024
I David di Donatello 2024, Oscar del cinema Italiano, ha visto il trionfo di 'Io capitano' di Matteo Garrone (ndr
TuttoBallon.39), che si è aggiudicato sette premi, e di 'C'è ancora domani' di Paola Cortellesi che di premi se ne è
aggiudicati sei. (ndr TuttoBallo n.38). Nel corso della serata andata in onda su Rai1, il Sotto segretario di Stato al
Ministero della Cultura con delega al cinema Lucia Borgonzoni ha annunciato il ritorno di Cinema Revolution,
l'iniziativa che ha portato nell'estate 2023 a registrare il maggior numero di spettatori per i mesi di luglio e di agosto nella
storia italiana.
Dal 9 giugno al 19 settembre 2024, sarà possibile assistere in sala a nuove uscite di film italiani, europei e
internazionali e guardare i film italiani ed europei al prezzo speciale di 3,50 euro.
"Quello che dobbiamo fare è ragionare su dei provvedimenti specifici per le famiglie, perché spesso mamma e papà con
i figli fanno fatica ad andare in sala", ha dichiarato Borgonzoni, anticipando un'altra iniziativa sulla quale sta lavorando il
Ministero.
L'obiettivo è quello di supportare l'industria cinematografica italiana e di avvicinare il pubblico al cinema, soprattutto in
estate, periodo in cui si registra un calo fisiologico degli spettatori.
Cinema Revolution si conferma come un'iniziativa di successo, che ha contribuito a rilanciare il cinema italiano in un
periodo difficile.
L'edizione2024 si preannuncia ancora più ricca e interessante, con numerose nuove uscite e un'attenzione particolare
alle famiglie.
Non perdere l'occasione di andare al cinema a 3,50 euro e di goderti i migliori film dell'estate 2024!

Titolo: "Stagione 2024 di Tones Teatro Natura: Incrocio di Arte e
Natura ai Piedi delle Alpi"
Dall'8 giugno al 7 settembre 2024, il Tones Teatro Natura celebra la
sua quarta stagione, offrendo un programma ricco e variegato che
coniuga musica, teatro, esperienze immersive e molto altro ancora
nel pittoresco contesto di una ex cava di granito riqualificata situata
ai piedi delle Alpi, nel cuore della Val D’Ossola. Questo spazio
unico, inaugurato nel 2021 dalla Fondazione Tones on the Stones,
si propone come una piattaforma di dialogo tra arte, cultura ed
ecologia, attraendo visitatori da tutto il mondo alla ricerca di
esperienze culturali uniche in un ambiente naturale mozzafiato.
La stagione si apre il 13 luglio con lo spettacolare ritorno di "The
Witches Seed", un'opera rock immersiva che esplora temi di
persecuzione e emancipazione femminile, con musiche del celebre
Stewart Copeland e parti cantate da Chrissie Hynde e Irene Grandi.
L'opera, dopo il debutto mondiale nel 2022 proprio a Tones Teatro
Natura, si fa portavoce dell'importanza di riflettere sulla condizione
femminile tramite il potente medium dell'arte performativa.
I visitatori potranno anche godere della nuova serie "Sphera", dal
21 al 23 giugno, che esplora vari aspetti dell'esistenza umana
dall'intelletto all'emotività, ispirandosi ai principi del New European
Bauhaus Project per una realizzazione sostenibile e inclusiva.
Musicisti di calibro internazionale come Carmen Consoli, Yazz
Ahmed, e il duo Colapesce e Dimartino, si esibiranno in concerti
che promettono di essere tra i momenti clou della stagione. In
parallelo, l'evento "Ossola in Jazz" vedrà la partecipazione di artisti
rinomati come Elisa Marangon e Rosa Brunello, offrendo serate di
jazz immersivo in una cornice naturale senza eguali.
Per gli amanti del teatro, Arturo Brachetti e Matthias Martelli
porteranno in scena un tributo al mito di Fred Buscaglione,
mescolando performance e musica in modo innovativo. A loro si
uniranno performance dal vivo di Marianne Mirage, che oltre a
esibirsi, condurrà sessioni di yoga.
Nuovo per il 2024 è anche un'infrastruttura all'aria aperta: una
grande palestra di arrampicata, realizzata in collaborazione con
Ossola Outdoor, che promette di attirare anche gli appassionati di
attività fisica e outdoor.
L'impegno per la sostenibilità è evidente in ogni aspetto
dell'organizzazione dell'evento, con Tones Teatro Natura che
continua a ricercare la certificazione ISO 20121 per "gestione
eventi sostenibili", coinvolgendo intensamente la comunità locale e
valorizzando il territorio.
La Fondazione Tones on the Stones, con questo ambizioso
programma, ribadisce il suo impegno per trasformare il Tones
Teatro Natura in un laboratorio vivente, un luogo dove arte e natura
si fondono per dare vita a una stagione di eventi indimenticabili,
stimolando riflessioni e dialoghi sull'arte contemporanea e sulle sue
intersezioni con le grandi questioni del nostro tempo.
Carmen Consoli - ph. Paolo Leone

“IL FUTURO È NEGLI OCCHI DI CHI GUARDA” è
lo slogan ufficiale del Festival, accompagnato dalla
campagna promozionale che coinvolge tutti gli artisti
ospiti: ognuno di loro risponde, con una sola parola
evocativa, alla domanda “Che cos’è per te il
futuro?”, la stessa domanda che sarà rivolta anche
ai partecipanti alle attività proposte nonché al
pubblico di spettacoli e performance in cartellone.
Si apre la quarta edizione del Festival il 17
maggio con un’incursione urbana a Piazza
Vittorio Emanuele II, che vede protagonisti 100
danzatori. Segue il passo a due AMAE dei
danzatori Eliana Stragapede e Borna Babić,
direttamente da Bruxelles, e la tavola rotonda rĕmŏvēre:
un dibattito tra moderatrice, relatori e
spettatori sullo specifico dello spettacolo dal
vivo di danza contemporanea e della
performance.
Si prosegue fino al 26 maggio, quasi sempre con
doppio appuntamento: uno spettacolo pomeridiano
nel Brancaccino Open Air / Chapiteau seguito da
uno serale al Teatro Brancaccio. Inizia la Fritz
Company con una riflessione sul tempo mentre il 18
maggio si darà spazio ad una replica del duo belga
seguita da un dittico creato per il progetto
RESID’AND dell’Accedemia Nazionale di Danza.
Nella stessa serata si vedrà in scena la Ritmi
Sotterranei - Contemporary Dance Company. Il
giorno successivo ospiterà un trittico di Get The
Floor e la BrancaccioDanza Junior Company. Si
continuerà il 23 maggio con la sfilata performativa
curata dai fashion designers dell’Accademia di Belle
Arti di Frosinone e più tardi con la neoformata KC
Dance Company. Venerdì 24 si potrà assistere ad
un tributo, danzato da James Olivo, alla musica
dell’islandese Ólafur Arnalds e successivamente ad
una messinscena dell’italiano Misanga Collective.
Danzerà al Teatro Brancaccio Uppercut Dance
Theater, una delle più longeve e celebri compagnie
danesi, per la prima volta in Italia.Il 25 maggio si
svolgerà l’imperdibile Futuro Festival Experimental
Battle con ospiti internazionali, a cui seguirà una
jam. Si riconfermano le attività di formazione: per
tutta la durata del Festival Theatertelling (laboratorio
di storytelling) curato da Theatron 2.0 e dal 20 al 24
#UNMETROCUBO (workshop per danzatori).
Ancora attivo il progetto di community e
divulgazione Passaparola. L’edizione 2024
arricchisce il suo programma con grandi novità: le
performance e la mostra a Palazzo Merulana,
curate da qwatz - contemporary art platform, delle
artiste Elena Bellantoni, Silvia Giambrone e Viola
Pantano, le performance musicali di Riccardo
Mazza e Daria Fisher. A chiudere i dieci giorni
dedicati alla danza e non solo il Closing Party, fino a
tarda serata, con personalità d’eccezione.

Una straordinaria esposizione internazionale che traccia il percorso evolutivo
dell'Urban Art, presentando 17 fra i più influenti artisti del settore.
BOOST, CENTO CANESIO, DADO, ETNIK, GIORGIO BARTOCCI, HEMO,
JOYS, MACS, MADE514, PEETA, PROEMBRION, SATONE, SODA, V3RBO,
VESOD, WON ABC, ZED1 sono gli artisti di fama mondiale che hanno
modellato l'Urban Art in Europa, discendenti della cultura ribelle del Graffiti
Writing, emersa negli Stati Uniti cinquant'anni fa.
"IN MY NAME: Above the Show" è una celebrata mostra che, dal 9 maggio al 30
giugno a Treviso e dal 19 luglio al 3 novembre 2024 a Monopoli, rappresenta un
pilastro dell'arte contemporanea. L'evento, organizzato da Unlike
Unconventional Events con il patrocinio dei Comuni di Treviso e Monopoli, è
curato da Martina Cavallarin e Antonio Caruso, con la direzione artistica di
MADE514 e il coordinamento culturale di Christian Leo Comis.
Questo evento ambizioso ambisce a fare il punto sullo stato attuale dell'Urban
Art, dando voce agli artisti precorritori di questa forma espressiva. IN MY NAME
si distingue per la sua originalità e l'approccio non convenzionale, sempre fedele
alla sperimentazione e aperto all'innovazione.
La mostra, articolata su un totale di 4000 mq tra Treviso e Monopoli, ospita
opere incredibili che vanno dalla pittura alla scultura, dalle installazioni video alla
realtà virtuale. Oltre alle opere esposte, sono previste numerose iniziative
collaterali, tra cui performance live, video installazioni e un contest per video
maker. Un catalogo dettagliato accompagna l'esposizione dell'arte urbana più
vibrante e innovativa.
L'Urban Art non è solo una forma di espressione artistica, ma un movimento
culturale che influisce su diversi settori, dalla moda alla musica, dalla fotografia
alla pubblicità. "IN MY NAME: Above the Show" è un'esperienza che coinvolge
gioventù, periferie e minoranze, influenzando profondamente l'immaginario
collettivo e unendo diverse forme di creatività.
In questa esposizione unica e avveniristica, gli artisti esplorano nuovi stili e
concetti, traendo ispirazione da ogni angolo dell'arte e della cultura
contemporanea. "IN MY NAME" manifesto di presenza e affermazione, esprime
la vitalità e la diversità dell'Urban Art, trasformando gli spazi espositivi in
palcoscenici intrisi di storia industriale e innovazione artistica.
Le opere di BOOST, CENTO CANESIO, DADO, ETNIK, GIORGIO BARTOCCI,
HEMO, JOYS, MACS, MADE514, PEETA, PROEMBRION, SATONE, SODA,
V3RBO, VESOD, WON ABC, ZED1 si concretizzano in una varietà straordinaria
di forme e tecniche, plasmando una narrazione visiva avvincente e audace che
sfida le convenzioni e stimola l'immaginazione.
Nota finale: Con la generosa partecipazione e i contributi delle istituzioni come
la Città di Treviso, la Città di Monopoli, l'Università degli Studi di Padova, il
Politecnico di Bari e molte altre, "IN MY NAME: Above the Show" si conferma
come un'occasione unica per immergersi nell'universo affascinante e in continua
evoluzione dell'Urban Art.

Il Flamenco è una forma di danza e di musica che esprime un
vasto ventaglio di emozioni e sentimenti. È stato inserito
dall'UNESCO come patrimonio dell'umanità. Il Flamenco
utilizza l'intero corpo per esprimere sensazioni e vibrazioni,
scandite dal ritmo incalzante della "Malagueña" della chitarra
solista e delle percussioni del Cajon. I ballerini sono al centro
della scena, il fulcro attorno al quale si concentrano gli
sguardi compiaciuti e curiosi degli spettatori. La storia del
Flamenco ha origini lontane, dall'India e dalle culture gitana,
ebraica e musulmana, per arrivare nei luoghi della Costa del
Sol intorno al '700, assumendo la forma odierna negli stili e
nella rappresentazione. Il processo di riconoscimento e
valorizzazione non è stato semplice. Solo il 16 nnovembre
swl 2010 è stato dichiarato patrimonio culturale immateriale
dall'UNESCO. Dal punto di vista dello spettatore, lo sguardo
sulle persone presenti allo spettacolo può suscitare un misto
di ammirazione e curiosità, paragonabile a una seduta di
ipnosi, data la forza attrattiva che emana da ciò che viene
osservato. Il Flamenco è come una persona con diversi stati
d'animo: durante lo spettacolo si passa da espressioni di
dolore a stati di piacere e felicità, tutto contenuto in uno show
di un paio d'ore. Un altro aspetto da considerare è la
sensualità dei gesti e dello stile trasmesso dagli artisti.
Emerge una passione forte ed elegante, che coinvolge tutto il
corpo. Tacchi, gonne lunghe, capelli raccolti e labbra rosse
sono gli elementi che trasmettono intense emozioni. Questa
arte nasce nello stesso territorio della tradizionale "Corrida".
Effettivamente, molti sono gli elementi che accomunano l'arte
del Flamenco al puro intrattenimento della Corrida,
rispecchiandosi nelle movenze dei ballerini che si muovono
come il toro scalpitante sul terreno davanti al torero. Dal
punto di vista piacevolmente musicale, può essere utile
esplorare il mondo che ruota attorno al flamenco, visitando il
"Museo Interattivo della Musica" situato nel centro di Málaga.
Qui è possibile interagire con molti strumenti tipici del luogo e
del genere. La malagueña, come citato in precedenza, è la
tecnica principalmente utilizzata dai chitarristi che suonano
questo genere. Keith Richards, chitarrista dei Rolling Stones,
ha dichiarato in un documentario che la sua stessa tecnica si
ispira molto alla malagueña spagnola
Juan Tomás, danzatore protagonista di uno dei palcoscenici
più in vista della città di Málaga, ha dichiarato: “È un’arte
basata sull’improvvisazione e nessuno di noi si conosceva
prima o ha avuto modo di fare delle prove“.

"Fuori Programma 2024":
L'Estate Romana Danza tra
Innovazione e Tradizione

Dal 21 giugno al 5 luglio, il tessuto urbano di Roma diventa
un palcoscenico vivente per "Fuori Programma", il festival
internazionale di danza contemporanea che, giunto alla sua
IX edizione, continua a incantare e a stimolare con proposte
sempre più innovative e audaci. Sotto la guida artistica di
Valentina Marini e con il sostegno di Roma Capitale e il
Ministero della Cultura, il festival si staglia come un momento
di alta espressione culturale nell'ambito dell'Estate Romana
2023-2024.
Il festival si avvale di collaborazioni prestigiose come il
Teatro di Roma – Teatro Nazionale, Teatro Biblioteca
Quarticciolo e Teatro dell’Opera di Roma Capitale, fungendo
da crocevia per artisti internazionali provenienti da angoli
diversi del mondo come Libano, Albania, Mozambico,
Svizzera, Guadalupa, Olanda, Stati Uniti, Germania e
naturalmente Italia. Questa edizione, intitolata "Please,
Touch!", invita il pubblico a esplorare la fisicità della danza e
l'essenza del contatto umano, trasgredendo le barriere tra
teoria e pratica, ideali e realtà.
Il programma vanta 16 spettacoli che spaziano tra prime
assolute, nazionali e romane. Tra queste, la performance del
coreografo libanese Bassam Abou Diab e quella del duo
curdo-albanese Rauf "RubberLegz" Yasit e Brigel Gjoka
meritano una menzione speciale per il loro approccio
rivoluzionario all'arte della danza come medium di protesta e
superamento di barriere culturali.
Un altro aspetto degno di interesse è la partecipazione di
Adriana Borriello, figura di spicco della danza italiana, che
presenta due lavori in prima assoluta, ampliando il
vocabolario espressivo del festival con una fusione di danza
e arte visiva, in collaborazione con il regista e compositore
belga Thierry De Mey.
Per gli amanti dell'innovazione, il "picnic sul ciglio della notte"
di DOM- e la "danza teleguidata" di Salvo Lombardo offrono
esperienze immersive che rompono i confini tradizionali dello
spettacolo dal vivo, invitando il pubblico a una partecipazione
attiva e sensoriale.
Inoltre, il festival si fa carico di temi di rilevanza sociale
attraverso progetti che includono la coreografia con audio
descrizione di Aristide Rontini, che mira a rendere l'arte
della danza accessibile alla comunità cieca e ipovedente, e
la riflessione sul piacere e la corporeità condotta da Flavia
Zaganelli.
Il festival non è solo un fenomeno culturale ma anche un
catalizzatore di energia per il tessuto urbano di Roma. Esso
si propone di ridurre il divario culturale tra il centro e la
periferia della città, utilizzando spazi all'aperto e location non
convenzionali che trasformano il paesaggio urbano in una
tela viva, dinamica e partecipativa.
In conclusione, "Fuori Programma" rappresenta una delle
iniziative più significative dell'Estate Romana, non solo per la
sua capacità di riunire artisti di calibro internazionale, ma
anche per il suo impegno verso la sperimentazione artistica e
il dialogo culturale. Con ogni edizione, il festival rafforza il
suo impegno a promuovere la sostenibilità e l'innovazione,
invitando residenti e turisti a esplorare nuove narrative
urbane attraverso la potente espressione della danza
contemporanea.

“TITIZÉ. A VENETIAN DREAM”
City of Venice’s official show
Teatro Goldoni | Venezia
18 luglio - 13 ottobre 2024
Parliamo della magia del teatro acrobatico dal vivo a Venezia, in
uno spettacolo co-prodotto dalla Fondazione Teatro Stabile del
Veneto – Teatro Nazionale e dalla Compagnia Finzi Pasca per il
palcoscenico internazionale del Teatro Goldoni. In partnership con
la Compagnia Melina Balsamo. I veri protagonisti saranno attori,
acrobati, musicisti, ovvero interpreti multidisciplinari immersi in
universi onirici e rarefatti, ed animeranno, dal 18 luglio fino al 13
ottobre 2024, il palcoscenico dello storico Teatro Goldoni con
“Titizé. A Venetian Dream”.
Dopo la presentazione a Milano alla Borsa internazionale del Turismo con il sindaco di Venezia Luigi Brugnaro, è stata la
volta della Capitale, lo scorso marzo, dove all’interno della Sala Cinema dell’Europa Experience - David Sassoli di Roma si
è tenuta la conferenza stampa di quello che per i prossimi due anni sarà lo spettacolo ufficiale della Città di Venezia.
“Titizé. A Venetian Dream” è un progetto internazionale ed animerà nei mesi estivi il palcoscenico dello storico teatro
veneziano, da poco restaurato dall’amministrazione comunale in concomitanza con le celebrazioni per i suoi 400 anni.
“Ci aspettano mesi di grande lavoro, ma siamo orgogliosi di presentare un progetto pensato per il palcoscenico
internazionale di Venezia, un teatro che ha da poco compiuto 400 anni, in cui il Comune di Venezia ha voluto investire per
restituirlo al pubblico nel suo antico splendore”- ha fatto sapere alla presentazione romana del Progetto Giampiero Beltotto,
presidente della Fondazione Teatro Stabile del Veneto–Teatro Nazionale. "Realizzato assieme alla Compagnia Finzi
Pasca, una compagnia conosciuta in tutto il mondo e capace di fare teatro attraverso un linguaggio universale, lo
spettacolo saprà tuttavia rielaborare la ricca tradizione del teatro veneto e la storia della città di Venezia. Tre mesi, una
lunga tenitura, per un’idea ricca di entusiasmo, per un teatro fatto di divertimento".
Lo spettacolo è stato presentato agli operatori turistici di tutto il mondo nell’ambito delle principali fiere turistiche in Italia e in
Europa. Concluse le repliche al Teatro Goldoni di Venezia, dove resterà in scena – lo ripetiamo - dal 18 luglio al 13 ottobre
2024 tutte le settimane dal giovedì alla domenica, “Titizé. A Venetian Dream” continuerà la sua tournée in Italia e in
Europa, per tornare poi sul palcoscenico veneziano per l’estate 2025.
Lisa Bernardini

intervista di Lisa Bernardini
Brillante, volitiva e con uno spiccato senso per il bello. E un cognome importante.
“Enrico era il cugino di mio padre. Mio padre era il fratello di Luigi Berlinguer (n.d.r.,
Ministro della Pubblica Istruzione, e di Sergio Berlinguer Ambasciatore e Segretario
al Quirinale con Francesco Cossiga). Maria Laura Berlinguer ha lasciato a 50 anni una
carriera consolidata nella comunicazione e si è reinventata partendo da sé stessa.
Oggi, con il blog che porta il suo nome, è ambasciatrice indiscussa dello stile
italiano. Nata in Sardegna, porta sempre con sé i profumi della sua terra, il colore del
mare di Stintino e le notti stellate. Vive a Roma. Osserva, ascolta, curiosa, legge
tanto.

Cosa fa? Gli anglosassoni dicono “scouting”. Maria Laura
scopre prodotti italiani di stile e di qualità e ha creato questo
spazio per farli conoscere a tutti. Il blog rispetta il suo modo
di vivere, il desiderio continuo di circondarsi di cose belle,
mescolare in modo armonioso oggetti di grande valore con
elementi o capi meno blasonati, ugualmente belli e mai
banali. Siamo in Italia: l’eleganza è parte della nostra cultura.
L’obiettivo è di promuovere il Made in Italy, quello vero e
meno conosciuto.
All’estero la percezione del Made in Italy è legata ai grossi
brand. Il suo progetto è dare visibilità alle tante eccellenze
italiane meno famose anche all’estero.
Per cultura familiare è cresciuta con una parte “istituzionale”:
c’è una mission in quello che fa.
Nel 2022 ha scritto il suo primo giallo “La notte èmia sorella”
per la casa editrice Lindau. Il romanzo che parla di magia e
Sardegna ha avuto un grande successo di pubblico ed è alla
sua quarta ristampa.
Ulteriori info a www.marialauraberlinguer.com - IG
marialauraberlinguer
Di cosa parla il tuo romanzo?
Julia Carta, dirigente di una multinazionale, dopo un
incidente stradale decide di lasciare New York per
trascorrere la convalescenza nella sua terra natale, la
Sardegna. Poco dopo il suo arrivo, durante una cavalcata
sulla spiaggia all’alba, scopre il cadavere di una giovane
donna uccisa con un rituale macabro. La sua natura curiosa
ed empatica la porta a indagare con l’amica questora. Sullo
sfondo la sua tragedia familiare che riaffiora con improvvisa
drammaticità.
La donna, dotata di cultura e di pensiero razionale, dove i
numeri sono la cartina di tornasole di qualsiasi riflessione,
con il ritorno a casa viene proiettata in una realtà dove la
forza, la magia e l’astrazione del tempo la portano a
riscoprire una dimensione dimenticata. Un modo diverso di
sentire la vita dove ciò che si ritiene scontato ha origini molto
lontane e non rappresenta una casualità: un percorso
tortuoso di introspezione e di liberazione. In questa nuova
dimensione, faccia a faccia con la morte, la protagonista si
avventura nei pericolosi segreti dell’esistenza che si
intrecciano con gli eventi tragici dei secoli bui
dell’Inquisizione e che sembrano legati a lei e alla sua
famiglia. Un intreccio che si svolge su tre piani narrativi:
quello principale, in terza persona, quello della vittima, in
prima persona e quello della “strega” Julia Carta, processata
e scampata al rogo per ben due volte, che porta indietro la
linea narrativa in una avvincente analessi.
Un romanzo avvincente! E’ un ritratto contemporaneo della
figura femminile nella cultura della Sardegna tra leggende,
miti, fate e streghe in una narrazione che salta dal 1600 ai
nostri giorni per toccare temi come la condanna all’espatrio,
il ritorno, l’amicizia e la rivalità. Le Janas sono creature
femminili della mitologia sarda, buone per alcuni, malvagie
per altre. Negli anni è stato attribuito alle janas un
simbolismo sciamanico e un ruolo sacerdotale: per alcuni la
jana può essere ricondotta a Diana, dea della luna.
Come descriveresti la Creatività?
Di tante definizioni date, ognuno ha la sua: per me è il
risultato di diversi fattori quali fantasia, curiosità,
immaginazione, passione, emozione.
E, soprattutto, il fattore tempo. Quello che mi piace
sottolineare attraverso proprio la voce della protagonista,
che deve sì risolvere un mistero, ma deve affrontare il suo
passato e soprattutto seguire il suo daimon. La creatività può
essere un talento (o un insieme di talenti, passioni ed
emozioni) che vengono alla luce con un viaggio all’interno
del proprio mondo più intimo seguendo uno spirito guida, il
daimon. Nel mondo antico il daimon era “una realtà psichica”
che “viveva” in noi: poteva apparire in sogno o inviare dei
messaggi, come i cattivi auspici, le premonizioni, le
intuizioni. James Hillman, padre della psicanalisi moderna,
con la teoria della ghianda sostiene che “ciascuno di noi
possiede in sé l’essenza di ciò che è destinato ad essere,
come lì nella ghianda è presente la quercia che non attende
altro che esprimersi. Ciascun individuo è portatore di una
unicità che chiede di essere vissuta e che è già presente
prima di essere vissuta.” Il daimon è stato chiamato in tanti
modi: genius dai latini e angelo custode dai cattolici. Quel
che è interessante oggi sottolineare è che si può anche
disattenderlo durante la propria vita, ma prima o poi, se si
sarà capace di ascoltarlo, ci guiderà nella giusta direzione.
Julia sbarca nell’isola e vivendo nella sua terra segue dei
sogni, dei veri e propri stargateche faranno emergere una
espressione assoluta, una natura profonda non ancora
emersa, che non si era mai manifestata in una maniera così
evidente. Attraverso questo percorso dentro sé stessa
troverà le chiavi per aprire tutte le porte che in passato erano
state chiuse e che saranno strumento fondamentale per
capire i misteri che la circondano nel presente. Non è forse
fondamentale riuscire a capire noi stessi per poter
continuare a vivere in armonia la nostra vita?
Progetti futuri: qualche anticipazione?
Lo dico sempre, sarei felice di creare una “serie” di romanzi
che raccontassero leggende, miti e archeologia della mia
isola. Scrivere questo romanzo giallo è stato funzionale per
uno studio e un racconto antropologico della Sardegna.
Attraverso un approfondimento sui miti e sul femminile sardo
ho recuperato un substrato culturale ancora più importante
della storia stessa. Grazie alle ricerche effettuate sono
riuscita a comprendere un mondo sommerso, che parla di
medicina naturale e tradizioni che venivano e vengono
ancora chiamate magie. Dai testi antichi e recenti che ho
analizzato è emersa un’isola che abbraccia tradizioni
millenarie, soffocate o riprese dalle religioni, che a dispetto
di tutto e tutti esistono ancora. Il filo che unisce passato
presente è la nostra tradizione e la nostra storia, una
tradizione che portiamo dietro dovunque andiamo e
dovunque abitiamo: i tappetti tessuti a mano, le porcellane, i
lini ricamati e tutti i tesori che abbelliscono le nostre case. Le
abitazioni stesse come lo stazzu, la costruzione
caratteristica della Gallura e della Corsica, che descrivo in
modo così particolareggiato, fa parte del recupero di una
memoria storica che non dovrebbe cedere sotto l’egida del
modernismo a tutti i costi. Le due cose possono convivere e,
anzi, io credo che solo facendole convivere in armonia,
possiamo essere in grado di ripartire a scrivere la nostra
storia.

In questo numero incontriamo un giovane uomo che ha
fatto della sua vita una musica straordinaria
Si chiama Davide Orsini… Ciao Davide
Ciao, sono Davide Orsini, grazie per il giovane uomo lo sai
siamo amici, e sì faccio spettacolo, tanta musica e teatro.
Come è nata la passione per il canto ?
La passione nasce per la musica, all’inizio perché a casa
mia erano tutti musicisti, mio fratello professore di fiati, lui
voleva entrare in questa scuola di musica a Carrara e io,
piu’ piccolo di lui di sei anni gli sono andato dietro, suonavo
il flauto traverso. Mi piaceva Tanto…ma quando sentivo
cantare mi fermavo ad ascoltare… ero innamorato del
canto!!!! E allora ho deciso cosa avrei fatto nella vita, e ho
incomonciato a frequentare il coro della chiesa….
Artisticamente sono nato così.. le prime serate .. le prime
rassegne… e iniziato tutto li … e poi il Karoke … Le
persone intorno a me dicevano di iniziare a cantare da
professionista…cosi ho iniziato a fare il cantante.
di Francesco Leone - Gli indecisi
…il cantante che ti ha portato in giro in tutta italia
Si… all’inizio è stato davvero impegnativo… volevo
davvero fare il cantante ... Il canante famoso…. Facevo
molti casting… molti provini anche lontano dalla mia città.
Ma era un tutto “le faremo sapere” … fino a quando ho fatto
un provino un pò più bello … a Milano… era il provino della
“Sony” … molto divertente ma mi ha permesso di andare in
Tv attraverso un televoto… era una votazione Sky .. era il
2010… mi classificai tra i primi 100 e c’era la possibilità di
fare ospitate… serate … casting un po' piu’ completi …
grazie a questa cosa ho conosciuto Sara Grimaldi che è la
vocalist di Zucchero e tanti altri cantanti famosi… lei mi ha
mandato a fare un provino a Milano con David Zard per
THE LION KING è stato bellissimo e da li mi sono
affezionato e ho compreso che forse volevo fare il cantante
ma non famoso … potevo divertirmi anche senza il
successo perché fare il cantante famoso è davvero difficile.
Tu hai detto di una parola importante “PASSIONE” ma
la tua passione ad oggi dove ti ha portato?
La passione mi ha portato da Andrea Boccelli… ho avuto la
fortuna di collaborare con lui… Ho conosciuto Lele Mora
era proprio il periodo che lo trattavano male e invece per
me è stato un papà fantastico.
Lele Mora papà fantastico … ti ha dato la fortuna di
camminare in questo mondo… ma la tua fortuna non è
finita qui.
No, infatti nella mia città c’era una compagnia di una suola
locale che cercava cantanti per rifare NOTRE DRAME DE
PARIS… inizialmente avevo paura, non avevo tanta
voglia, ma poi sai quel sabato pomeriggio o voluto vedere
.. e senitre quello che facevo... e ho visto tanti ragazzi e
ragazzeche avevano un grande cuore per questo
spettacolo... e accettai e la settimana dopo arrivvò
Graziano Galattoli, he è il Febo di Notre Dame De Paris
...e da li abbiamo fatto una giornata con lui , poi arrivò
Manuele Bernadeschi e poi sono andato da Vittorio
Matteucci , insomma e poi L’accademia è stata una cosa
stupenda… poi Lele Mora mi ha fatto le Pillole di Notre
Dame
Diciamo Lele Mora è stato l’apri pista per tante cose…
Assolutamente Si, mo ha fdato la possibilità di conoscere,
collaborare con Iva Zanicchi, I Nomadi e Emanuela
Foliero… è stato bello… molto bello … ho collaborato nello
spettacolo di Aznavour voluto da lui.
E’ Stata una vita- carriera molto interessante, ci puoi
dire chi è la persona con la quale hai collaborato che ti
sei trovato piu’ in sintonia?
Sembrerà strano, la piu’ piccola, nonostante i Grandi nomi
Viola Valentino, Andrea Bocelli. Pero mo sono trovato molto
bene con Irene Formaciari e presto faremo molte cose
insieme.
La figlia di Zucchero, Giusto?
Si, è una persona stupenda e sono fiero di aver lavorato
con lei… ha collaborato con i piu’ grandi.. lei la musica ce la
nel DNA.
Stai ancora andando avanti con la tua passione con il
canto?
Assolutamente si, anche se sai, ho avuto un piccolo
problema di salute agli occhi… appena riesco voglio
riprendere ho tanti progetti… voglio riprender con Sara
Grimaldi la mia musa…
Ma poi c è altro il tuo sogno???
Adesso se riusciamo, voglio andare a Sanremo 2025.
Sarebbe il mio sogno…

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TuttoBallo
Leroy Mokgatle, originaria del Sud Africa, si è affermata come una
delle figure emergenti più interessanti nel panorama internazionale
della danza. La sua formazione inizia nella scuola Art of Motion nel
suo paese natale, per poi proseguire con studi avanzati presso la
prestigiosa European School of Ballet di Amsterdam. Una carriera
che l'ha vista evolvere rapidamente, portandola a calcare i palchi
di alcune delle compagnie di balletto più rinomate del mondo. Dal
2019 al 2022, Mokgatle ha danzato con il Béjart Ballet Lausanne,
esibendosi in opere emblematiche quali "Feuervogel" e "La Porte"
di Maurice Béjart, oltre a partecipare a coreografie di Gil Roman.
Durante questo periodo, la sua presenza scenica e la maestria
tecnica hanno catturato l'attenzione di critica e pubblico,
consolidando la sua reputazione come danzatrice di eccezionale
talento e carisma. Il riconoscimento del suo impegno e delle sue
capacità è arrivato anche attraverso prestigiosi riconoscimenti
internazionali. Leroy ha vinto una medaglia di bronzo allo Youth
America Grand Prix e ha ottenuto sia la medaglia d'oro che il
premio del pubblico al Concorso Margot Fonteyn nel 2015, seguiti
dal premio del pubblico al Prix de Lausanne nel 2016.
Nel 2022, la sua carriera ha preso una nuova direzione con
l'ingresso nel Balletto di Zurigo, sotto la direzione di Christian
Spuck. Qui, ha ampliato ulteriormente il suo repertorio, apparendo
in produzioni di grande rilievo come "Nussknacker", "Anna
Karenina" di Christian Spuck, e nelle acclamate "Angels' Atlas" ed
"Emergence" di Crystal Pite. Queste performance hanno permesso
a Mokgatle di esplorare nuove sfaccettature espressive e di
consolidare la propria presenza come interprete influente nel
campo della danza contemporanea. Più recentemente, Leroy è
entrata a far parte dello Staatsballet Berlin, ancora una volta sotto
la guida di Christian Spuck. In questo nuovo capitolo della sua
carriera, ha debuttato in ruoli come una delle fate in "La bella
addormentata nel bosco" di Marcia Haydee, e ha continuato a
esplorare il repertorio contemporaneo con opere come "Blake
Works I" e "Approximate Sonata" di William Forsythe.
Significativamente, Leroy ha adottato i pronomi she/her, marcando
un importante passo nel suo viaggio personale e artistico. Questa
transizione ha anche chiarito il suo impegno nei confronti della
propria identità e della visibilità LGBTQ+ nel mondo della danza,
un campo in cui le questioni di genere e identità stanno ricevendo
una crescente attenzione Leroy Mokgatle rappresenta non solo
l'eccellenza in termini di competenza tecnica e espressiva, ma
anche il coraggio di vivere autenticamente, fungendo da
ispirazione per giovani artisti nel mondo intero. La sua traiettoria
dimostra come la passione, il talento e la dedizione possano
portare a conquistare palcoscenici globali, sfidando convenzioni e
aspettative. In attesa di vedere le prossime evoluzioni della sua
brillante carriera, Leroy Mokgatle resta un nome da seguire con
interesse e ammirazione nel panorama della danza
contemporanea.

TuttoBallo
Marchigiana di nascita e statunitense d’adozione, Ilaria Sabatini
Taliaferro si è affacciata sul panorama editoriale con il suo primo
romanzo dal titolo La Clessidra del Vento. L’opera è un viaggio
inatteso nella coscienza dei suoi giovani protagonisti; il diario,
custode silenzioso dell'immaginazione di Lorenzo, che va ad aprire
attraverso le sue pagine intime il desiderio di avventura congenito nei
due personaggi. Oggi Ilaria vive all’estero e la intervistiamo a
distanza.
Sospinti dalla curiosità di conoscere, i due ragazzi del romanzo
iniziano un viaggio che dall’Italia li conduce fino all’estremo polo
sconosciuto della Groenlandia. Lo stesso loro desiderio ti ha
portato a vivere fuori dall’Italia?
Sì, sicuramente questo spirito d'avventura radicato anche in me mi ha
portato a trasferirmi negli Stati Uniti. Sono stata da sempre attratta
dalle altre culture e, a un certo punto della mia vita, ho sentito il
bisogno di mettermi alla prova, misurandomi in una situazione
completamente nuova e in un luogo che non conoscevo.
Una girandola di emozioni sfiora la personalità di Lorenzo.
Un momento Lorenzo è sognatore, ora romantico, per sempre
utopista. Attraverso il suo personaggio, stai descrivendo quello
che sarebbe per te un mondo ideale?
Come il protagonista della mia storia, sogno un mondo senza
diseguaglianze, dove ognuno di noi si fermi per un istante a riflettere,
e poi agisca per renderlo migliore. Vorrei che il mondo si reggesse su
un profondo e vero senso della giustizia e che l’umanità si
impegnasse a preservare le sue unicità e gli ecosistemi.
“La conoscenza è limitata, mentre l'immaginazione abbraccia il
mondo" diceva Albert Einstein. Come commenteresti questa
frase?
L’immaginazione sconfina i limiti, ci rende liberi e ci regala qualcosa
di incredibile per cui vale la pena vivere. La conoscenza, invece, ci
rende vulnerabili alla paura e ci costringe a vivere in una dimensione
sicura, ma – appunto - limitata. È proprio questo concetto che
abbraccia il messaggio intriso nella mia storia.
Hai dichiarato di aver iniziato a scrivere La Clessidra del Vento
diversi anni fa, interrompendolo più volte, in un periodo della tua
vita in cui ti sentivi intrappolata dalla routine quotidiana. Lettura
e scrittura, quindi, sono state terapeutiche e salvifiche?
Sì, perché sono stati i nutrienti della mia fantasia. Avevo bisogno di
sentirmi libera, di curiosare per il mondo, ma non avendo avuto la
possibilità di farlo in quel periodo della mia vita, mi sono lasciata
trasportare dalle storie che leggevo e da quelle che inventavo nella
testa. Ho trasformato i desideri di quel momento nelle avventure
vissute dai due protagonisti del mio romanzo.
In chiusura, La Clessidra del Vento vedrà la luce anche sul
mercato americano o dobbiamo aspettarci una nuova uscita qui
in Italia?
La Clessidra del Vento è molto richiesta in lingua inglese. Per questo
motivo mi sono affiancata a dei traduttori che si trovano nell’ultima
fase di revisione del libro, peraltro già tradotto in inglese.
Anche questa per me sarà una nuova ed emozionante avventura.
Lisa Bernardini
Ilaria Sabatini Taliaferro
“Sogno un mondo giusto e senza diseguaglianze”

TuttoBallo
L' ascesa musicale di
Lucia Rubedo
Dopo il Premio "Voce Rivelazione dell'Anno"
al Teatro Ghione di Roma, lo scorso mese la
cantante Lucia Rubedo, astro nascente della
Lirica unita al Pop, ha ritirato il "Premio della
Musica" presso il Teatro della Regina, dove
si è tenuta la cerimonia conclusiva del
Premio letterario Internazionale Città di
Cattolica - Pegasus Literary Awards, definito
dalla stampa l'Oscar della letteratura italiana.
Il Premio, patrocinato dalla Regione Emilia
Romagna e dal Comune di Cattolica, è una
delle maggiori manifestazioni conosciute a
livello internazionale per la qualità dei
contenuti, nonché il più grande premio
popolare Europeo. In questa 16esima
edizione, special guest è stata proprio Lucia
Rubedo. La motivazione dell'assegnazione:
"Personaggio eclettico in grado di far
convivere sapientemente le atmosfere
classiche della musica lirica con i ritmi
inconfondibili del pop, regalando al pubblico
incomparabili emozioni". Applausi a scena
aperta per la sua performance live sul palco,
e anche durante l'assegnazione del Premio.
È sicuramente nata una stella. Tra i
prestigiosi ospiti della serata, Gabriel Garko
e Gino Saladini, che hanno ritirato il premio
Book of the year con il best seller “Il giardino
del tiglio” (Baldini + Castoldi); Giulia
Ciarrapica, giornalista de Il Foglio e Blogger
Book, premiata per la critica letteraria; il
maestro Vince Tempera con il nuovo disco
sulle sigle Tv.
Accorsi a Cattolica per l'occasione
partecipanti provenienti da tutto il mondo,
perfino da Taiwan. Soddisfazione enorme
per il patron della manifestazione, lo
scrittore, editore e critico letterario Roberto
Sarra.

TuttoBallo
DANILO ARENA
ARTISTA POLIEDRICO
intervista di Andrea Iannuzzi
Su Canale 5 in prima serata è andato in onda il primo dei quattro
capitoli della serie Tv “Vanina”, interpretato da Giusy Buscemi e,
fra gli altri, da Giorgio Marchesi e dal giovane Danilo Arena per la
regia di Davide Maregno. La vita di Vanina è stata profondamente
segnata dalla morte del padre, l’ispettore Giovanni Guarrasi,
ucciso da un commando mafioso quando lei aveva solo
quattordici anni. Da allora il suo unico pensiero è stato diventare
poliziotta, arrestare i colpevoli dell’omicidio e lottare contro la
mafia. Abbiamo incontrato Danilo Arena, vera rivelazione di
questa co-produzione RTI e Polomar.
In “Vanina” sei un agente seducente ma un po’ maldestro.
Come ti sei cimentato in questo ruolo?
La direzione recitativa che ho sempre voluto prendere è il
trasformismo. Mi è stato chiaro sin dai tempi dell'accademia. Ho
sempre osservato Al Pacino in questo. Vorrei cambiare
radicalmente quello che si fa in Italia o almeno essere diverso da
tutti e farlo a modo mio. Quando interpreto un personaggio
impongo al mio cervello di essere quella persona. Lo divento,
anche se azzardato, non mi interessa, vivo per questo mestiere,
non sono nessuno e non voglio essere nessuno, voglio essere
plastilina da far modellare ai registi.
Ti piace il personaggio che interpreti?
Ci sarà sempre nella mia visione un ulteriore personaggio che
desidero interpretare, ne ho sempre avuto bisogno per poter
essere me stesso. Essere qualcun altro per poter essere me
stesso, è la mia maniera di vivere questo mestiere. Amo tutti i
personaggi che interpreto e non li giudico, divento loro.
Tu nasci nella musica e nella danza, come mai ti sei
avvicinato alla recitazione?
Sono i sogni la parte essenziale della mia vita, quelli che mi
hanno trasmesso mio padre, mia madre e i miei fratelli. I miei
genitori mi hanno lasciato libero di sognare e che Dio benedica
questi genitori. A tutti i padri e a tutte le madri io dico: lasciate
liberi i vostri figli di sognare.
Sono figlio d'arte perché mio padre mi ha iniettato l'arte nelle
viscere. É Dio che mi aiuta e mi guida in questa missione che
chiamo "sogno".
Hai lavorato accanto ad attori come Pierfrancesco Favino.
Cosa ti hanno insegnato?
Ho trascorso molto tempo con Pierfrancesco Favino e ne ho un
ricordo stupendo. Ricordo un uomo, un uomo buono, pronto ad
ascoltarti davvero per poterti dare, nel suo, il giusto consiglio.
Ricordo ad un certo punto di avergli detto "Pierfrancesco io a
questo mestiere gli voglio bene" e lui mi rispose: "Si vede".
Sei un artista poliedrico, sai fare tutto: ballare, cantare,
recitare. Hai anche all’attivo tra le altre cose un singolo,
“Cruciverba e Caffè” che hai composto e interpretato. Se
dovessi scegliere un settore, dove si collocherebbe Danilo
Arena?
Ho all'attivo 5 singoli e due album. Ho sempre studiato qualunque
forma d'arte. L’arte è arte senza settori. Attraverso un film, un
quadro, una fotografia, una scultura o una canzone, rimarrà
sempre arte. Ad ogni modo sono un attore.

TuttoBallo
Gianfranco D’Alonzo Garibaldi
Il Mondo Complesso e Affascinante di “Tutte le Promesse Mancate”
La Galleria Sabato Angiero Arte ha accolto un allestimento straordinario concepito da Gianfranco D’Alonzo Garibaldi, come
estensione della sua sequenza di dodici racconti brevi del progetto espositivo Spiritual Exercises. La mostra, intitolata "Tutte le
promesse mancate", destinata a coinvolgere e incantare lo spettatore in un viaggio attraverso un mondo enigmatico e stratificato.
Il titolo stesso della mostra suggerisce una profondità emotiva e concettuale che trascenderà il semplice atto di osservazione
artistica. Gianfranco D’Alonzo Garibaldi ha condotto una ricerca parallela durante la gestione dell'opera web SpiritualExercises,
esplorando la complessità della sua visione creativa e portandola in forma tangibile. La mostra si basa su materiali eterogenei e
pratiche artistiche variegate, unendo elementi naturali e industriali, tradizionali e digitali, per creare un tessuto artistico ricco di
significati e suggestioni.
Attraverso l'utilizzo di tele di lino grezzo, tele acriliche, collage, stampe digitali e molteplici altre tecniche, l'artista presenta un
universo caleidoscopico di forme, colori e texture che si fondono e si sovrappongono in un'armonia quasi cacofonica.
Elementi come tronchi d'alberi, foglie d'oro, legni scolpiti e tarlatane si uniscono in un balletto visivo che incanta e destabilizza allo
stesso tempo, portando lo spettatore in un territorio inesplorato e seducente.
La mostra è stata arricchita da azioni umane e giochi infantili intrapresi da ragazze e ragazzi del paese, che aggiungono un
elemento di autenticità e vitalità all'opera complessiva. Attraverso la rielaborazione di materiali "accantonati" nel tempo,
Gianfranco D’Alonzo Garibaldi crea un ritratto vivido della memoria e della trasformazione, reimmaginando e reinventando il
passato per dar vita a un futuro di promesse mancate e di enigmi irrisolti.
"Tutte le promesse mancate" rappresenta un epilogo affascinante e complesso alla stagione espositiva, con un lungometraggio
e una pubblicazione cartacea a tiratura limitata che documentano e celebrano questa straordinaria esplorazione artistica.
La Galleria Sabato Angiero Arte ha chiuso la stagione con un colpo d'arte, offrendo al pubblico una visione mozzafiato e unica del
mondo visionario di Gianfranco D’Alonzo Garibaldi.
Gianfranco D’Alonzo Garibaldi ha esposto in gallerie e musei, nazionali e
internazionali. Negli ultimi venti anni, nel verificare il potenziale linguistico e sociale
della pittura, ha orientato la sua attenzione verso tematiche di condivisone, contesti
no profit e ambienti irrituali, modificando così le regole che ordinano il proprio
percorso di ricerca, aprendo a comportamenti operativi che includono diversi media
on-off line: https://www.gianfrancodalonzo.net/.

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Rosalia Messina
“Dalle aule di tribunale agli scaffali delle librerie, il passo è breve”
di Lisa Bernardini
Giudice in pensione e lettrice appassionata, Rosalia Messina
ha pubblicato racconti, romanzi, fiabe, testi teatrali e poesie,
ottenendo consensi e riconoscimenti tra i lettori e le giurie di
premi letterari. Con il suo nuovo romanzo, Nulla d'importante
tranne i sogni (Arkadia Editore, Collana “Eclypse”), l'autrice
racconta il difficile rapporto tra due sorelle, Ro e Nana, e la
passione totalizzante della protagonista per la scrittura.
Rosalia, sono trascorsi ben 5 anni di stesura prima di
dare questo libro alle stampe. Perché un tempo così
lungo di gestazione?
Cinque anni possono sembrare tantissimi o possono in realtà
essere la giusta misura. Dipende da molte cose: da quante
stesure si sono succedute, da cosa hai fatto di “altro” durante
questi cinque anni, dal filo da torcere che ti hanno dato i
personaggi e la trama. In questo caso, la storia si è formata
per approssimazioni successive, crescendo attorno ad un
nucleo iniziale. Va detto pure che fino a pochi anni fa ancora
lavoravo e viaggiavo per lavoro e che durante la gestazione di
Nulla d’importante tranne i sogni ho scritto e pubblicato altre
opere; in conclusione, possiamo dire che in questo caso
cinque anni possono rappresentare la giusta misura.
Lei si sente più Ro o Nana?
Nessuna delle due, in realtà. Non sono simile a Nana perché
non invidio nessuno. A Ro somiglio solo per due aspetti: la
passione per la scrittura e la determinazione. Ma nella mia
vita la scrittura non è totalizzante, ho anche lavorato (per
decenni), ho un figlio. Come Ro, ho un’elevata intolleranza
per il rumore. Riesco a scrivere e per anni ho lavorato in
qualunque contesto, anche chiassoso, ma il rumore mi
affatica molto.
Tutto questo in “giuridichese”, un linguaggio che dopo un
certo numero di decenni mi ha fatto venire voglia di
scrivere adoperandone un altro. Potrei anche dire che
probabilmente dentro di me dormiva una Rosalia che non
si era ancora potuta esprimere e che a un certo punto ha
reclamato a gran voce il suo spazio. Ed è stata
assecondata.
Quali libri si trovano attualmente sul suo comodino?
Sto ultimando la lettura del romanzo La luce che manca,
di Nino Haratischtwili, autrice georgiana, che alterno con
la rilettura di Ho sposato un comunista di Philip Roth.
Quale libro sorprenderebbe i suoi amici se lo
trovassero nella sua libreria?
Un libro di genere horror. Leggo di tutto: autori italiani,
anglosassoni, scandinavi, europei di ogni sponda,
latinoamericani, orientali; leggo narrativa, poesia, teatro,
libri di vario genere, compresa la buona fantascienza
classica. L’horror no, non posso: mi toglierebbe quel poco
di sonno che accompagna le mie notti.
In chiusura, da chi vorrebbe ricevere una recensione
o un consiglio letterario?
Che domandona! Dall’autrice o dall’autore che vincerà il
premio Strega!
Lo potremmo definire un romanzo di formazione?
Direi di sì. Rispetto al momento in cui inizia la narrazione si
risale, a ritroso, al modo in cui i personaggi principali sono
cresciuti, al modo in cui le loro personalità si sono formate.
Anche se la narrazione è in terza persona, in fondo è Ro a
fornire la maggior parte delle notizie sul passato, attraverso i
diari e le lettere.
Come indaga la psiche dei personaggi e i rapporti tra di
loro?
In genere, chi sta al mondo da diversi decenni ha accumulato,
se è una persona attenta e curiosa, una discreta conoscenza
dell’animo umano e delle dinamiche interpersonali. Ha
imparato che gli esseri umani sono complessi, contraddittori,
agitati da emozioni e conflitti. Attingendo a questa sorta
dicassetta degli attrezzi, costruisco i personaggi, con i loro
pregi, i difetti, le ossessioni, i sogni, i sentimenti.
Da giudice a scrittrice… ci racconta?
Il passo non è poi tanto lungo.
Anche i giudici scrivono storie: raccontano nelle sentenze i
fatti che hanno preceduto la lite giudiziaria, individuano le
ragioni per le quali si è arrivati alla ricerca di una soluzione
processuale al conflitto, descrivono le tesi contrapposte delle
parti in causa e alla fine stabiliscono ragioni e torti.
Autore:
Rosalia Messina
Editore:
Arkadia
Collana:
Eclypse
Anno edizione:
2023
In commercio dal:
15 settembre 2023
Pagine:
196 p., Brossura

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1648 Rodchenko A.M. Linee verdi_ N. 92_1

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Kandinsky V.V. Schizzo per la composizione 'Rosso con Nero'_1
LE AVVENTURE DELL'AVANGUARDIA RUSSA.
Anna Shakina, PHd, Dtt.ssa.
Larisa Yungblyud, PHd, Dtt.ssa.
Fine degli anni '20, nella profonda campagna russa della provincia di Vyatka, la guerra civile infuria portando con sé
distruzioni, carestie, epidemie e morte. Un piccolo convoglio di carri trainati da cavalli stremati si fa strada attraverso
strade dissestate, buche, pozze e foreste spesse, infestate da banditi e nemici del neonato governo. Questi carri
trasportano un carico misterioso, oggetti avvolti in teli e protezioni di paglia.Il carico proviene direttamente da Mosca!
Nonostante la distanza di oltre 1000 km attraverso la Russia sovietica in guerra, il loro obiettivo è la piccola città
provinciale di Sovetsk, popolata all'epoca da poco più di 2000 anime.
Facendo un paso indietro nella storia, dopo la rivoluzione del 1917, il nuovo governo cercò di attrarre l'intellighenzia
creativa, dichiarando libertà per le nuove espressioni artistiche, liberate dai pregiudizi borghesi e dai principi
conservatori. Venne inoltre definito un obiettivo chiaro: utilizzare la cultura per servire il governo, impiegando l'arte come
strumento ideologico per motivare il popolo.
In tale contesto, il movimento d'avanguardia, già popolare in Russia e in Europa nei primi decenni del XX secolo, trovò
terreno fertile. Il termine "avanguardia", conosciuto nella comunità artistica fin dai tempi della Rivoluzione francese,
originariamente indicava le truppe di avanguardia militare. Saint-Simon gli attribuì un significato sociale, credendo che
solo gli artisti, dotati di un'impronta visionaria, potessero diffondere idee rivoluzionarie nella società tramite la loro arte,
affermando: “Noi artisti saremo la vostra avanguardia”. É necessario distinguere tra "avanguardia" e "modernismo".
Entrambi movimenti instaurano una rottura con l'arte accademica e conservatrice, ma mentre il modernismo considera il
passato come base per nuove espressioni, l'avanguardia propugna la distruzione del vecchio a favore della creazione di
un'arte completamente nuova. L'avanguardia vive di scandali, discorsi provocatori e rivelazioni sconvolgenti.

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Kandinsky V.V. Composizione inutile_1

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L'avanguardia russa fu particolarmente influente, pioniera nell'andare oltre
i confini dell'arte tradizionale verso orizzonti inesplorati. Artisti come
Malevich, Kandinsky e Chagall riscossero fama internazionale, con le loro
opere oggi valutate enormemente, considerate tesori nei principali musei
mondiali.
Questo movimento non era uniforme o pacifico; al contrario, era segnato
da intense passioni, critiche, accuse, alleanze creative in continuo
mutamento. É sorprendente osservare l'ampia gamma di correnti
all'interno dell'avanguardia, ciascuna significativa per lo sviluppo dell'arte
russa e globale:
1. **Suprematismo** (Kazimir Malevich) - l'uso astratto di forme
geometriche colorate.
2. **Raggismo** (Mikhail Larionov) - creazione di spazi pittorici tramite
l'intersezione di raggi colorati.
3. **Arte non oggettiva** (Wassily Kandinsky) - relazione intuitiva tra
forme astratte e colori, influenzata dal rapporto con la musica.
4. **Costruttivismo** (Vladimir Tatlin) - rappresentazione del mondo
attraverso forme geometriche ed essenziali, sottolineando il
funzionalismo.
5. **Arte analitica** (Pavel Filonov) - un approccio che parte dal dettaglio
verso il generale, basato sulla "crescita organica" dell'immagine.
6. **Cubo-futurismo** (Natalia Goncharova) - fusione dei principi cubisti
e futuristici.
7. **Lineismo** (Alexander Rodchenko) - esplorazione della linea come
elemento costruttivo primario.
Tra questi movimenti emersero figure femminili straordinarie, le
"Amazzoni dell'avanguardia", tra cui Natalya Goncharova e Lyubov
Popova, ciascuna portando un contributo unico e personale all'arte.
Ritornando al nostro convoglio, malgrado le avversità, i dipinti
raggiungono Sovetsk, destinati a una mostra che farà la storia. Questa
collezione di arte avanguardista venne mostrata per la prima volta nel
1921, attirando l'attenzione su opere all'avanguardia nel vero senso della
parola, poi conservate e restaurate grazie agli sforzi del Museo d'Arte di
Vyatka, superando le sfide politiche ed economiche del tempo.
Questi capolavori, un tempo trascurati, sono stati portati alla luce con
incredibile emozione, diventando testimoni viventi dell'impatto
rivoluzionario dell'avanguardia russa sull'arte e sulla cultura. La mostra del
1921, ricostruita e restaurata decenni dopo, rappresenta un momento
cruciale nella preservazione e celebrazione dell'audace esplorazione
artistica dell'avanguardia russa, riaffermando il suo posto insostituibile
nella storia dell'arte mondiale.

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IL PONTE DI SANDRO MALLAMACI
Immagine creata da AI su testo di Sandro Mallamaci
Immagine creata da AI su testo di Sandro Mallamaci
Guardando il panorama mozzafiato che si può godere dalle
alture della costa calabra non si può non essere almeno
critici rispetto alla decisione dei nostri governanti di
realizzare il famigerato ponte sullo stretto di Messina. Serata
primaverile, nemmeno tanto eccezionale da queste parti: di
giornate come quelle di qualche sera fa ne capitano molto di
frequente. È quella a cui siamo abituati noi che siamo nati e
cresciuti con questa natura negli occhi e nel cuore. I
calabresi con lo stupendo skyliner della Sicilia con L'Etna
che maestoso domina a sud e i siciliani con il massiccio
dell'Aspromonte e Scilla all'imbocco a nord dello stretto. La
domanda che tutti da queste parti si sono sempre posti è:
vale rinunciare a tutto questo deturpando questa unicità
naturale per far risparmiare qualche minuto di attesa a chi
deve attraversare lo stretto?
Perché si tratta davvero di qualche minuto: per attraversare
lo stretto adesso, utilizzando i traghetti opportunamente
attrezzati, ci si impiega circa 20 minuti.
Ma qualcuno potrebbe obiettare sì ma nelle giornate da
bollino rosso l'attesa è spesso molto più lunga! È vero! Il
problema è anche questo e non solo. L'attuale sistema
infrastrutturale viario prevede l’attraversamento delle città di
Messina e di Villa San Giovanni che subiscono un tasso di
inquinamento molto elevato con danni gravi alla popolazione
residente. Individuati quindi i due principali problemi da
risolvere bisogna quindi trovare le giuste soluzioni.
Una di queste è il famoso ponte.
Ma è davvero l’unica?
Certamente no...
Soluzioni meno costose e più rispettose del luogo se ne
sono studiate a cominciare dallo spostamento dei porti,
nuova viabilità e, ultimamente, l'idea di realizzare dei
traghetti bidirezionali capaci di trasportare treni ad alta
velocità (Frecciarossa) senza la necessità di frazionarli e
ricomporli; per queste operazioni attualmente si impiegano
circa due ore per i treni passeggeri e più del doppio per i
treni merci.
Ma tant’è!
La decisione definitiva è stata presa con la pubblicazione del
decreto legge 35 sulla Gazzetta Ufficiale del 30 maggio
2023 e con l'approvazione del progetto definitivo nello
scorso febbraio. Prima dell'estate, quindi, dovrebbe partire la
macchina che impegnerà ingentissime risorse finanziarie
(13,5 miliardi ad oggi) e metterà a dura prova un territorio
già fragile di suo per almeno 8-10 anni.
Chissà se noi che scriviamo riusciremo a vedere mai l'opera
finita! In un paese in cui per fare una strada scorrimento
veloce (Gallico Gambarie di meno di 10 km) si lavora da
oltre 10 anni e ancora non si sa quando sarà mai
completata! Godiamoci allora, per quel tempo che
rimane, il panorama originale prima che il ponte prende il
sopravvento e diventi lui stesso il nuovo panorama dello
stretto… sperando che non diventi una delle innumerevoli
incompiute sparse sul territorio italiano come i tanti
ecomostri che hanno deturpato luoghi e paesaggi in maniera
ormai irreversibile! Venite, se potete, a vedere con i vostri
occhi quello che ha ormai un destino segnato: un giorno
potrete dire... Io l'ho visto!

P” LUCR
FABRIZIO SILVESTRI
L’UOMO CON LA RADIO
mettiti comodo e ascolta la voce dell’arte
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”Di terra e
di cielo”

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è un progetto di Marina Cuccus. È stato realizzato a Cagliari nel Dicembre del 2023 presso “spazio
e_emme”.
Il progetto é composto da un brano di sound design, una installazione pittorica, un video (flash video), una
performance di danza contemporanea.
Marina, è lei a spiegarmi:
“Nasce da un brano scritto negli anni settanta da mio nonno, poeta attivo nel campidano di Cagliari, in
occasione della morte di mia nonna.
Il testo, in sardo, italiano e inglese è alla base della composizione sonora che si arricchisce poi di suoni e
registrazioni audio che costituiscono la base ritmica sulla quale si svolge la performance di danza.
Avevo intenzione di fare un lavoro artistico a partire dal sonoro della poesia letta da mio padre. Ma poi lui si
è ammalato…
Gli uccelli... le nuvole... sono immagini che fanno parte di quel periodo... cose che accompagnavano i
viaggi in macchina per andare in ospedale, o che guardavamo insieme dalla finestra dell'ospedale.
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Racconta l'ultima parte della vita di un uomo costretto all'interno del suo corpo dal richiamo dei suoi affetti
che lo tengono ancorato al suolo, tra la terra e il cielo, le sue guarigioni momentanee e il suo lento declino
fino alla sua liberazione, al suo volo.”
Poesia: Giuseppino Cuccu
Traduzione in Italiano: Vitalio Cuccus
Traduzione in inglese: Katherine Luna Gate
Sound design: Giulia Scano
Opere visuali: Martina Mura
Performance: Samuele Arisci
Video: Marina Cuccus
Voci: Luna Cancedda, Clelia Onida, Dario Cosseddu, Giulia Scano, Loredana Pasta.
Link al video: https://vimeo.com/929054836
https://www.instagram.com/marinacuccus/

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CONTRO LA MAFIA, CON LA MUSICA: TORNA "A NOME LORO",
UN GRIDO COLLETTIVO PER LE VITTIME
Il successo della prima edizione ha spinto gli organizzatori a dar vita all'associazione "A Nome Loro" per replicare
l'evento e farlo crescere negli anni. Una seconda edizione che ribadirà con forza, attraverso la vitalità della musica e la
bellezza di un luogo dall'immenso patrimonio archeologico, l'esigenza di tenere alta la guardia rispetto al fenomeno
mafioso e mantenere vivo il ricordo delle vittime. Ma che intende anche valorizzare l'estrema ricchezza artistico-culturale
di una terra per troppo tempo identificata esclusivamente con le attività del crimine organizzato. Sul palco si esibiranno
alcuni dei più importanti protagonisti della musica italiana: La Rappresentante di Lista, Malika Ayane, Donatella Rettore,
Arisa, Daniele Silvestri, Paolo Fresu, Gianluca Petrella, Bonnot, Raiz, Simona Molinari, Modena City Ramblers, insieme
al Coro Do Re Mi, Mauro Ermanno Giovanardi, Cristiano Godano, Shorty, Giuseppe Anastasi, Andrea Satta, Franca
Masu, Silvia Mezzanotte e Mario Lavezzi. Durante il pomeriggio spazio a una nutrita rappresentanza di musicisti
siciliani.Saliranno inoltre sul palco Dajana Roncione, Donatella Finocchiaro, Luigi Lo Cascio, Paolo Briguglia, Fabrizio
Ferracane e I Sansoni. Nell'areadel Baglio Florio si avvicenderanno giornalisti esperti dell’argomento, esponenti della
società civile e alcuni familiari di vittime di mafia. L'evento ha la direzione artistica di Sade Mangiaracina, è scritto
dall'autore Paolo Biamonte e verrà presentato da Francesca Barra, Stefania Renda e Gino Castaldo. Oltre alla presenza
fisica del pubblico, l'evento sarà trasmesso in diretta su ANSA, Rai Radio 2, RaiPlay, canale 202 del digitale terrestre e
la testata locale CastelvetranoSelinunte.it. L'iniziativaha il patrocinio morale della Fondazione Falcone e Libera Sicilia.
Un messaggio forte contro la mafia, attraverso la musica e la cultura, per non dimenticare e costruire un futuro migliore.

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FRANCESCA FIALDINI
Nella tana del coniglio
L’ Officina Delle Arti Pier Paolo Pasolini con la direzione artistica di Tosca, il 30 maggio, alle ore 21,
presenta il focus su un tema molto importante, cioè quello dei disturbi alimentari. L’occasione è il
bel libro Nella tana del coniglio (edizioni RAI Libri), con il quale Francesca Fialdini, giornalista,
conduttrice e autrice televisiva, ci parla dell’ossessione della lotta contro il cibo attraverso sei
incontri intimi, a cuore aperto, con persone affette da disturbi del comportamento alimentare. Per
affrontare il tema, la giornalista si è avvalsa della collaborazione del dott. Leonardo Mendolicchio,
medico psichiatra psicoterapeuta specializzato nella cura dei disturbi alimentari, grazie al quale ha
approfondito la dimensione medica di quello che può essere considerato uno dei grandi mali del
nostro secolo. Conduce la serata la scrittrice Valentina Farinaccio.

THE OUTSIDERS:
I RAGAZZI DELLA 56ª STRADA
S. E. HINTON
Torna in libreria un grande romanzo della letteratura americana, pubblicato la prima
volta nel 1967 e scritto da Susan E. Hinton quando aveva solo 16 anni.
I fati narrati nel libro si svolgono nel 1965 in Oklaoma e la Hinton racconta il passaggio
dall'adolescenza all'eta4 adulta di alcuni ragazzi la cui vita non é mai stata semplice, la
voce narrante é quella di Ponyboy, che pagina dopo pagina racconta di se e dei suoi
amici in una sorta di diario personale, descrivendo le loro giornate, i loro problemi e
analizzando sia la loro vita sia quella dei ragazzi ricchi della città.
The Outsiders é uno di quei libri che ognuno di noi una volta almeno nella propria vita
dovrebbe leggere, perché mostra quanto sia difficile a volte la vita per un adolescente,
che sia povero o ricco non importa, perché come scrive la Hinton non é il quartiere dove
viviamo a determinare chi siamo e i problemi che dobbiamo affrontare... Dall'incontro
con Cherry e Marcia, le due ragazze Soc, Ponyboy scopre che la loro é una gabbia
dorata, che sono spesso costretti a recitare una parte. La Hinton era solo una ragazzina
quando iniziò a scrivere il libro, la sua bravura sta nell'esser riuscita a descrivere con
maestria un mondo tutto maschile, riuscendo a descriverlo con cura e usando un
Ponyboy ha appena compiuto 14
anni, ama leggere, andare al
cinema e i suoi voti a scuola sono
perfetti, ma in realtà é la sua vita
a non esser perfetta: i genitori
sono morti in un incidente d'auto
e lui vive con i fratelli Soda e
Darry, fa parte di una banda e
poiché vive nei quartieri poveri
della città ed é povero viene
chiamato Greaser. I Greaser sono
in costante guerra con i Soc, i
ragazzi ricchi del quartiere, che
non li lasciano mai in pace ed
ogni scusa è buona per pestarli e
sbeffeggiarli. Una sera Ponyboy e
il suo amico Johnny fanno
amicizia con due ragazze Soc e
Pony si rende conto che non
sono poi tanto diversi, purtroppo
quella notte finisce in tragedia e
lui e Johnny sono costretti a
scappare...
linguaggio da strada.
I personaggi sono ben caratterizzati, ognuno di loro con problematiche serie, sono vivi,
reali, alcuni di loro sono stati quasi spezzati da quel mondo in cui si sono ritrovati a
crescere, vittime della vita e di un mondo che sembra non voler lasciar loro speranze
per il futuro, ma nonostante ciò non affondano, si sostengono e trovano nella banda una
famiglia, per loro l'amicizia viene prima di tutto. Ponyboy, Soda, Darry, Steve, Dally,
Johnny e Two-Bit sono ragazzi reali, come tanti che ancora oggi lottano conto un
destino avverso e la cura con cui la Hinton li ha descritti, curandone non solo l'aspetto
esteriore ma anche quello psicologico li rende vivi e il lettore subito ci si affeziona, li
sente vicini e soffre insieme a loro.
The Outsiders si legge tutto d'un fiato, lo si divora e il lettore ne viene lui stesso divorato,
catapultato in una realtà che fa male, dove il lieto fine è solo nelle favole e rabbia, dolore
e disperazione la fanno da padrone.
Un libro questo che dovrebbe esser proposto come lettura obbligatoria alle scuole
medie, soprattutto ai giorni nostri in cui si stanno perdendo alcuni valori e non si
comprende veramente quanto alcune scelte possano essere sbagliate e pericolose.
Riprendere The Ousiders in mano dopo tanti anni é stato strano, mi rendo conto che da
ragazzi vediamo il mondo con occhi diversi eppure ritrovare i ragazzi della 56esima
strada é stato un po' come ritrovare dei vecchi amici e tutto quello provato sia con il libro
sia con il film é riaffiorato forte e potente. Un libro che consiglio a tutti e che ogni
genitore dovrebbe regalare al proprio figlio.
Roberta Sgambati
Il Colore dei libri

CRISTIANO PEDRINI
L’ISOLA DELLE LETTERE
“C'è ancora molto da fare. Quest'isola ha bisogno di te… Io ho bisogno di te.”
L'isola Comacina emerge dalle acque del lago di Como, circondata dal mistero e
baciata dall'incanto. Terra senza tempo, nel suo cuore giace un segreto secolare
e la memoria di un ragazzo dimenticato, le cui ultime gesta finiscono con il
coinvolgere Emanuele, un giovane artista alla ricerca dell'ispirazione che quei
luoghi gli hanno trasmesso fin dalla sua infanzia, e che ora teme di aver perduto
per sempre. Per ritrovarla egli vuole rimettere piede sull'isola, ma il suo ritorno
non è come immaginava. Comacina, per lui tanto speciale, è stata acquistata da
Geert D'Ursel, un uomo affascinante dal passato enigmatico, con l'intento di
donarle nuovo lustro e trasformarla nel fulcro di un importante progetto artistico.
Geert attratto dallo spirito tormentato dell'artista decide di permettergli di
rimanere sull'isola, ma presto i due si ritrovano coinvolti in un'avventura
straordinaria che svelerà dei sentimenti intensi che cambieranno le loro vite per
sempre. Una suggestiva e affascinante descrizione dei luoghi che si mescolano
con i personaggi e li avvolgono di una luce che li farà risplendere. I due si
troveranno a fare delle scelte a volte difficili e complicate e l’amore fra i due
personaggi li porterà a valutare il proprio futuro. Ricco ed intenso l’amore
sfociato li accompagna a risolvere e rinascerne in quest’Isola bella ma misteriosa
come l’amore che li circonda.
Critiano Pedrini è un bibliotecario, vive e lavora a Bergamo fin dalla sua
nascita. Coltiva la passione della scrittura già dall'adolescenza, ma dopo
un lungo "blocco dello scrittore" durato vent'anni, sono nell'estate del
2014 ha ritrovato intatta questa passione e da allora lo accompagna nella
sua quotidianità. Si ama definire un "perfetto imperfetto" ed alterna molte
passioni: dalla lettura all'antiquariato, amante della saggistica storica,
degli anime e fans di Star Trek fin da bambino, condivide la sua casa con
il suo gatto tigrato lago, e con Tom e Jerry, i suoi pesci rossi. Ha
pubblicato numerosi titoli in self e con Case Editrici: l'Ombra del Principe
(Triskell), Le regole di Hibiki, Il Piano inferiore e Blu di Chartres
(FDbooks), Un posto sicuro, L'erede ribelle e il Castello di Axel (Queen
Edizioni).
@whynot_book

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VITTORIA SCHIFANO - ALESSIO PICCIRILLO
SIAMO STELLE CHE BRILLANO
Corre l’anno 1983 e Cristiano il nostro protagonista ha compiuto 10 anni,
innamorato della tv e degli show televisivi è ipnotizzato da Heater Parisi e
cercherà di imitare.
Un bambino che cresce in fretta fra la scuola che sta stretta e le mura
domestiche che lo soffocano, si innamora della zia Delia, giovane libera e
che lo ospiterà in estate a Ischi. Proprio lei inizierà a chiamarlo Crilu’ e lo
spingerà a cercare il proprio io. Con la sua grande amica Yu crescendo si
trasferiranno a Bologna, città che gli permetterà di esprimersi liberamente
e si sentirà molto coinvolto, tanto che sarà qui che arriverà la sua
consapevolezza sulla propria identità. E’ un romanzo corale con
personaggi con molteplici sfaccettature che si intrecciano con le
sfaccettature del movimento lgbtqa+.
Un romanzo simpatico e divertente ma soprattutto interessante per la
forza ed il coraggio che trasmette, capace di far riflettere sulle cattiverie.
Una scrittura molto scorrevole accompagna il lettore lungo un percorso a
volte divertente a volte triste e difficile, che però sfocerà in un finale che
non mi sarei aspettato.
VITTORIA SCHIFANO Nata con il nome di Giuseppe Schisano, cresce a
Pomigliano d'Arco. Nel 1998 si trasferisce a Roma per studiare
recitazione. Dopo avere recitato per diversi anni a teatro, nel 2005
esordisce in televisione con la miniserie Mio figlio , nel 2009 vince il
premio come migliore attore esordiente per la sezione fiction e
televisione. L'anno dopo riceve in Campidoglio il premio come attore
rivelazione alla 40ª edizione di "Giornata d'Europa". Sul finire del 2011
rivela di avere intrapreso il percorso per cambiare sesso, completato
poche settimane dopo, prendendo da allora il nome di Vittoria. Prosegue
quindi la carriera attoriale apparendo nei film Nel 2017 pubblica La
Vittoria che nessuno sa, autobiografia scritta insieme ad Angela Iantosca
ALESSIO PICCIRILLO nasce nel 1977 a Pistoia dove si diploma
all'Istituto d'arte. Studia al DAMS di Bologna e, attualmente, vive a Roma.
È uno dei più accreditati uffici stampa cinematografici italiani e lavora con
registi e attori di calibro internazionale.
@whynot_book

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Agnese Valle
I MIEI UOMINI
Giovedì 23 maggio, alle 21, presso Officina Delle Arti Pier Paolo
Pasolini con la direzione artistica di Tosca, Agnese Valle presenta
l’opera di teatro-canzone I miei uomini, che nasce dall’omonimo
album, primo lavoro in studio da interprete della cantautrice e
clarinettista romana. Si tratta di una elaborazione, in chiave
femminile, di alcune canzoni della storia della musica italiana nate al
maschile e scelte fra quelle che hanno segnato il suo percorso
artistico e personale, donando loro un nuovo punto di vista: da
Tenco a Morgan, da Renato Zero a Brunori Sas, passando per
Guccini, Appino, De Gregori e Dalla., Tra i brani anche l’inedito, La
fioraia, scritto per lei da Pino Marino. Rivestìti di nuove intenzioni e
di sonorità contemporanee ed eterogenee, spesso elettroniche, i
brani scelti superano il tempo, le mode, i generi, trovando spesso
visioni ribaltate in una reinterpretazione al femminile che non solo
fornisce loro un nuovo sguardo, ma le riporta nel presente.

P” LUCR
FABRIZIO SILVESTRI
L’UOMO CON LA RADIO
mettiti comodo e ascolta la voce dell’arte
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BALLETTO
DEL SUD
Il Balletto del Sud, con la presentazione de "Il Cigno", spettacolo di danza, musica e teatro, offre al
pubblico di Lecce un'opportunità imperdibile di immergersi nell'arte e nella cultura. In programma al
Teatro Apollo il 11 maggio alle 21:00 e il 12 maggio alle 18:00, questo evento unisce la maestria
coreografica di Michel Fokine con le suggestive esibizioni dei talentuosi artisti.
Michel Fokine, figura di spicco nella storia della danza, ha lasciato un'impronta indelebile nel mondo
della coreografia, trasformando le regole tradizionali e aprendo le porte alla modernità. Con la genialità
che lo contraddistingue, Fokine ha arricchito i balletti russi di Diaghilev con un tocco rivoluzionario,
influenzando l'evoluzione culturale e artistica del suo tempo.
Nello spettacolo "Il Cigno", sarà possibile apprezzare non solo la magnifica coreografia di Fokine, ma
anche gli interventi teatrali curati dal talentuoso drammaturgo Walter Prete e interpretati con maestria
dall'attore Andrea Sirianni. Le musiche di compositori illustri come Chopin, Schumann e Stravinskij,
eseguite magistralmente al pianoforte da Scipione Sangiovanni, creeranno un'esperienza sensoriale
unica e coinvolgente.
La produzione vanta costumi d'epoca esclusivi e uno straordinario corpo di ballo composto da talentuosi
artisti come Nuria Salado Fustè, Matias Iaconianni e molti altri. Le scene, curate da Francesco Palma,
trasporteranno il pubblico in un viaggio emozionante tra eleganza e bellezza.

Fredy Franzutti, coreografo e direttore del
Balletto del Sud, con la sua lunga esperienza
e profonda conoscenza del repertorio
classico, ha reso possibile la rievocazione di
capolavori perduti, mantenendo viva l'eredità
artistica di Fokine. Grazie al supporto del
Museo Sigismondo Castromediano di Lecce,
questo progetto di ricostruzione filologica si
trasforma in un omaggio sentito e
appassionato a uno dei grandi maestri della
danza.
"Il Cigno" è molto più di uno spettacolo; è
un'occasione unica per celebrare l'arte, la
bellezza e la passione che animano il mondo
della danza. Il Balletto del Sud, con il suo
impegno e la sua eccellenza artistica,
rappresenta un faro luminoso nel panorama
culturale italiano, portando avanti la
tradizione e l'innovazione con straordinaria
maestria e dedizione.
Franzutti merita un plauso speciale in Italia
per aver commemorato con questa iniziativa
gli 80 anni dalla morte di un coreografo
spesso trascurato dalle compagnie degli enti
lirici. Dimostra inoltre una notevole forza
nell'affrontare, insieme al Balletto del Sud, lo
stile speciale e distintivo di Fokine.

Hallo! I’m Jacket! è uno spettacolo fortemente ironico. È il riflesso ridicolo e dissacrante di un sentire che trae invece
origine da riflessioni ben più amare, che riguardano in generale il cosiddetto “mondo contemporaneo”, con la sua
rapidità da fast food mediatico, cultura usa e getta e ansia performativa.
Immersi fino al collo in una realtà che sembra dare sempre più credito a ciò che semplicemente è di tendenza, ci
“facciamo beffa” di questo nostro mondo contemporaneo, costantemente assillato dall’idea di essere: produttivo!
seduttivo! interessante! alternativo! figo! indipendentemente da quali siano i contenuti e i saperi. L’amarezza lascia però
spazio totale alla buffoneria, alla presa in giro, all’ironia surreale. In questo mondo così caricaturizzato, qual è il rapporto
dell’artista con la creazione? Con lo stare in scena? Con l’esibire se stesso su un palco vuoto? Cos’ha da dire questo
teatro contemporaneo? In Hallo! I’m jacket! tutto viene estremizzato: la performance artistica è metaforicamente tradotta
con la prestazione sportiva. Il performer, un atleta che, sul palco, sventola con convinzione la bandiera bianca della
mancanza totale di contenuti. Sul volto, lo smagliante sorriso dell’idiozia. Il teatro, è paradossalmente trasformato nello
stadio che accoglie all’attesissimo “campionato mondiale della performance”. I due performer, i due buffoni, i due clown
di questo spettacolo lottano, gareggiano, danzano, sudano… per nulla! Solo per piacervi, per farvi divertire. La ridicola
caricatura di un mondo zoppo, ma che corre trafelato verso il successo. Un successo qualsiasi. Un mondo
paradossalmente svuotato di senso e di contenuto. Di amore e di poesia. Sul palcoscenico Federico Dimitri e Francesco
Manetti abilmente diretti da Elisa Canessa con l’assistenza artistica di Stefano Cenci e Giorgio rossi e le luci di Marco
Oliani.

Hallo! I’m Jacket!
(Il gioco del nulla)
Regia Elisa Canessa
con Federico Dimitri e
Fracesco Manesetti
ph - ©TamaraBoscaino
TuttoBallo

Olimpia Fortuni
Olimpia Fortuni, artista associata alla compagnia Sosta Palmizi, ci porta in un
viaggio introspettivo con il suo solo di successo "Soggetto senza titolo"
.Un'esplorazione del corpo e dell' anima, dove la materia si trasforma e si evolve in
un dialogo intimo e aperto con lo spettatore.
"Soggetto senza titolo" è un flusso di coscienza che si traduce in movimento. Il
corpo, senza una forma o un nome, si lascia plasmare in una metamorfosi
continua, alla ricerca di una verità. Come una macchia d'inchiostro che si espande
senza limiti, il corpo di Olimpia Fortuni si spinge in profondità, toccando la sua
essenza, la radice del suo essere vivente.
Attraverso tre movimenti (presente, passato, futuro), l'irreale si fonde con il reale in
una dimensione onirica del tempo.
La materia corporale si espone ad una trasformazione continua, snodando il suo
viaggio in una danza che cattura lo sguardo e lo spirito.
"Soggetto senza titolo" è un'esperienza immersiva, un dialogo intimo tra l'artista e
lo spettatore.Un viaggio che ci invita a guardare dentro noi stessi, a cercare la
nostra essenza, la nostra verità.

Soggetto senza Titolo
Interpretazionee coreografia: Olimpia Fortuni
Assistenza artistica: Cinzia Sità
Paesaggio sonoro: Pieradolfo Ciulli e Danilo Valsecchi
Disegno luci: Andrea Rossi
Produzione: Associazione Sosta Palmizi
Con il sostegno di: MiBACT, Ministero per i Beni e le Attività
Culturali e del Turismo/Direzione generale per lo spettacolo
dal vivo, Regione Toscana/Sistema Regionale dello
Spettacolo
Spettacolo selezionato: Vetrina della Giovane Danza
D’Autore 2016 del Network Anticorpi XL e Visionari Kilowatt
Festival 2017
Vincitore del premio del pubblico: GD’A_Giovane Danza
D’Autore 2017

Giorgio Rossi, artista poliedrico e instancabile sperimentatore, con
la sua ultima creazione "PerAria" (2024) ci conduce in un viaggio
fantastico dove l'aria, il vento e l'immaginazione diventano i motori
di straordinarie avventure.
Lo spettacolo, pensato per un pubblico di bambini ma capace di
coinvolgere anche gli adulti, si ispira alla libertà di spirito che
caratterizza l'infanzia.A occhi chiusi e orecchie aperte, veniamo
trasportati in mondi incredibili come Anarea, il Paese dei Venti,
dove tutto è fermo, e il Paese dei Cappelli Volanti, dove i cappelli
delle persone vengono scambiati creando situazioni divertenti e
surreali.
"Per Aria" è un invito ad abbandonare la logica rigida degli adulti
per immergersi nella curiosità, lo stupore, la creatività e il gioco,
elementi essenziali per una vita più leggera e appagante.Lo
spettacolo ci ricorda l'importanza di guardare il mondo con gli occhi
di un bambino, dove tutto è possibile e l'immaginazione non ha
limiti.
L'operadi Rossi non è solo un intrattenimento per i più piccoli, ma
un vero e proprio inno alla vita, alla leggere zza e alla
spensieratezza.Gli autori si sono lasciati ispirare da aria e vento
come veicoli di emozioni e sensazioni, creando una narrazione a
"scatole cinesi" che racchiude al suo interno storie intricate e
fantasiose, frutto della genuina curiosità e creatività tipica
dell'infanzia.
"PerAria"debutta il 18 maggio 2024 alle ore 10:00 presso il Teatro
Radar di Monopoli, nell'ambito della rassegna Maggio all'infanzia.
Questo spettacolo rappresenta un'occasione imperdibile per
immergersi in un mondo fantastico e per riscoprire la magia della
propria immaginazione.Un invito per grandi e piccini a guardare il
mondo con occhi nuovi, con più leggerezza e un sorriso sempre
sulle labbra.

P” LUCR
FABRIZIO SILVESTRI
L’UOMO CON LA RADIO
mettiti comodo e ascolta la voce dell’arte
Listen Now

Sofia Nappi, con la sua opera "Wabi-Sabi" (2020), ci invita a intraprendere un viaggio alla scoperta della
bellezza nascosta nell'imperfezione.Wabi-Sabi, termine giapponese che significa letteralmente "la bellezza
delle cose semplici e imperfette", è una filosofia di vita che abbraccia la transitorietà delle cose e trova
bellezza nell'effimero e incompleto.
L'opera di Nappi esplora il percorso di individui, spesso segnato da insoddisfazioni e tormenti, proponendoci
una riflessione sulla nostra esistenza. L'accettazione della nostra vera natura e della bellezza che risiede
nell'imperfezione diventa la chiave per la crescita, il rinnovamento e la gioia.
"Wabi-Sabi" ci ricorda che la perfezione è un'illusione e che la vera bellezza risiede nell'imperfezione, nella
transitorietà e nell'incompiutezza. É nell'imperfezione che troviamo l'autenticità, la genuinità e la profondità.

Nappi ci invita ad abbandonare la ricerca ossessiva della perfezione e a concentrarci sull'essenziale, sull'autenticità e
sulla bellezza che si cela nell'imperfezione. Un viaggio alla riscoperta di noi stessi e della bellezza che ci circonda,
imparando ad apprezzare il valore delle piccole cose e la transitorietà della vita.
"Wabi-Sabi" è un invito a godere del momento presente, ad accettare la transitorietà delle cose e a trovare la
bellezza nell'imperfezione. É un percorso di crescita, di rinnovamento e di gioia che ci aiuta a vivere la vita con
maggiore autenticità e consapevolezza.
Un messaggio potente e attuale che ci ricorda che la vera bellezza risiede nella nostra imperfezione e nella nostra
capacità di accettarla e di viverla con gioia.
Ph. Karolina Kuras
Wabi-Sabi (2020)
coreografia Sofia Nappi
danzatori Sofia Nappi, Adriano Popolo Rubbio, Paolo Piancastelli

THE WITCHES SEED
L’ artista eclettica dal timbro inconfondibile è la
protagonista dell’opera rock che racconta la
storia di streghe, persecuzioni, illusioni e piani
diabolici ambientata nel passato per raccontare
anche il nostro presente.
Ph. Karolina Kuras

A Milano e ad Asti arriva The Witches Seed, la spettacolare e
immersiva opera rock firmata dal geniale musicista e fondatore
dei Police, Stewart Copeland, con i brani di Chrissie Hynde
dei Pretenders che si aggiungono alle composizioni di
Copeland, e Irene Grandi nel ruolo di protagonista. Ispirata a
documenti storici, agli atti processuali degli anni della più
cruenta Inquisizione e alle più affascinanti leggende delle
culture montane del centro Europa, The Witches Seed è una
storia di streghe, persecuzioni, illusioni e piani diabolici: tre
donne, abituate a lavorar sodo, vengono accusate di essere
streghe e dovranno affrontare i pregiudizi di una città infestata
dalla peste, riuscendo ad evitare il peggio in un modo davvero
spettacolare. Attraverso il racconto – ambientato in un periodo
storico di crisi economica, sociale e politico-spirituale dovuta
alla pestilenza e al diffondersi di nuove fedi ed eresie delle
accuse – della sopraffazione e della tortura di tre donne da
parte della Chiesa più oscurantista, lo spettacolo sembra
dunque parlare della nostra condizione attuale, in un mondo
ormai sotto costante pressione di minacce pandemiche,
sconvolto dal moltiplicarsi dei conflitti, disorientato dal
proliferare delle fake news e sull’orlo di sprofondare in un nuovo
medioevo digitale. Un mondo in cui la lotta per i diritti individuali
delle donne e di tutti è di fondamentale importanza per gettare
le basi di una rinascita. The Witches Seed non è solo un'opera
rock, è un'esperienza immersiva che ci trasporta in un passato
lontano per mostrarci il nostro presente. È un invito a riflettere
sulla condizione delle donne, sui pregiudizi, sulle persecuzioni e
sulla lotta per i diritti individuali. È un monito a non dimenticare
gli errori del passato e a costruire un futuro più giusto e
inclusivo.
L’opera è il frutto della collaborazione creativa di cinque grandi
artisti, a partire da Stewart Copeland che ha composto le
musiche dell’opera. Polistrumentista, compositore, fondatore e
batterista di una band iconica come i Police, Copeland vanta
60 milioni di dischi venduti nell’arco della sua carriera, 6
Grammy Awards e ha scritto le colonne sonore di film
indimenticabili come Rusty il selvaggio di Francis Ford
Coppola, Wall Street e Talk Radio di Oliver Stone e Piovono
Pietre di Ken Loach. Alla creazione sonora dell’artista
americano si aggiungono alcune canzoni composte da un altro
nome di punta del pop-rock degli ultimi decenni, la cantautrice
Chrissie Hynde, leader dei Pretenders, che irrompono nella
partitura come elemento di rottura nell’orchestrazione
contemporanea. Il ruolo da protagonista dell’opera è affidato
a Irene Grandi, artista eclettica dal timbro inconfondibile, tra le
più amate del pop-rock italiano, con oltre 25 anni di carriera alle
spalle e collaborazioni con artisti fi fama internazionale. Al suo
fianco Maddalena Calderoni, un altro soprano di chiara fama,
Veronica Granatiero e lo strabiliante controtenore Ettore
Agati, coreografie di Valentina Versino. Un'occasione unica
per vivere un'esperienza indimenticabile e riflettere sul nostro
presente.
25 maggio Teatro Alfieri Asti
31 maggio Teatro Arcimbol di Milano
1° giugno Teatro Arcimboldi Milano

Saranno Famosi
Un ritorno trionfale al Teatro Brancaccio di Roma
in scena dall 8 al 12 maggio
Ph. Karolina Kuras
Fame ©Polverari Valerio

Saranno Famosi, la leggendaria serie tv che ha fatto sognare generazioni di aspiranti artisti, torna in scena a
Roma con un nuovo allestimento pieno di energia e talento.Dal 8 al 12 maggio, il Teatro Brancaccio ospiterà
questo musical iconico, pronto a conquistare il pubblico con la sua carica di passione, entusiasmo e duro lavoro.
La storia degli allievi e degli insegnanti della rinomata scuola di Performing Arts di New York rivive sul palco con
una veste moderna e dinamica, firmata da Luciano Cannito.L'azionesi sposta dagli anni Ottanta ai nostri giorni,
rendendo lo spettacolo ancora più vicino alle nuove generazioni.
Oltre all'indimenticabile "Fame", vincitrice di un Academy Award, la colonna sonora si arricchisce di nuovi brani,
orchestrazioni moderne e coreografie innovative, curate da Luciano Cannito e Fabrizio Prolli.
Un team di professionisti del settore (scene di Italo Grassi, costumi di Veronica Iozzi, direzione musicale di
Giovanni Maria Lori e arrangiamenti musicali di Raffaele Minale, Franco Poggiali, Angelo Nigro e Maurizio
Sansone ) darà vita a uno spettacolo ricco di emozioni e suggestioni
Tra gli interpreti, spiccano nomi noti del teatro musicale italiano come Barbara Cola, Garrison Rochelle, Lorenza
Mario e Stefano Bontempi, affiancati da giovani talenti come Alice Borghetti, Flavio Gismondi, Ginevra Da Soller e
Alfredo Simeone.
Saranno Famosi è un inno alla passione, al talento e al duro lavoro, una storia che continua a ispirare e a
emozionare, pronta a conquistare il pubblico di oggi con la sua carica di positività e vitalità.
Non perdere l'occasione di assistere a questo nuovo allestimento al Teatro Brancaccio di Roma! Lasciati
trasportare dalla musica, dalla danza e dalla storia di questi giovani artisti in cerca del loro sogno.
Saranno Famosi: un ritorno trionfale che ti lascerà senza fiato!
Fame ©Polverari Valerio

Fame ©Polverari Valerio

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LLa potente formazione musicale BLOOM, composta da Giusy Ferreri, Max Zanotti, Roberta Raschellà e Alessandro Ducoli,
salirà sul prestigioso palco del CONCERTO DEL PRIMO MAGGIO DI ROMA per presentare in anteprima il loro nuovo brano
"È LA VERITÀ". Questo evento straordinario si terrà al Circo Massimo e sarà trasmesso in diretta su importanti canali come
RAI 3, Rai Radio 2, RaiPlay e Rai Italia.
Il concerto sarà l'occasione perfetta per il pubblico di godersi dal vivo la potenza e l'energia della musica di BLOOM, una
super band alternative rock unica nel suo genere. Il brano "È LA VERITÀ", che sarà rilasciato in radio e in digitale a partire
dal 26 aprile, promette di catturare l'attenzione e il cuore degli ascoltatori con la sua melodia travolgente.
BLOOM nasce dalla visione creativa di Giusy Ferreri e Max Zanotti, che hanno coinvolto talentuosi musicisti come Roberta
Raschellà e Alessandro Ducoli per creare un suono unico e coinvolgente. Il nome stesso della band, che significa fioritura,
rappresenta il desiderio di esplorare nuovi orizzonti musicali e di far fiorire un linguaggio artistico ricco di freschezza e
innovazione.
Con BLOOM, Giusy Ferreri ha la possibilità di esprimere liberamente il suo lato rock, esplorando territori musicali diversi e
innovativi. Oltre a essere la voce guida del gruppo, Giusy Ferreri ricopre il ruolo di produttrice esecutiva e autrice dei testi,
contribuendo in modo significativo alla creazione di un sound unico e coinvolgente.
IL l brano "È LA VERITÀ" rappresenta un inno all'energia
del rock, con una melodia potente e ipnotica che
conquista l'ascoltatore sin dalle prime note. Prodotto,
registrato e mixato da professionisti del calibro di Steve
Lyon e Andrea De Bernardi, "È LA VERITÀ" vede la
partecipazione di talentuosi musicisti come Mattia Boschi
e Simone D'Eusanio, che contribuiscono a creare
un'atmosfera unica e coinvolgente.
Giusy Ferreri, protagonista di una carriera straordinaria
che ha segnato generazioni con brani indimenticabili
come "Non ti scordar mai di me" e "Il Mare Immenso",
porta avanti il suo percorso artistico sia come solista sia
con il progetto BLOOM, dimostrando una versatilità e un
talento unici nel panorama musicale italiano.
Max Zanotti, Roberta Raschellà e Alessandro Ducoli, con
la loro esperienza e passione per la musica,
contribuiscono a creare un nucleo artistico solido e
innovativo all'interno di BLOOM, che promette di
conquistare il pubblico con la loro musica autentica e
coinvolgente.
Con "È LA VERITÀ", BLOOM si prepara a stupire e
emozionare il pubblico con il loro sound unico e
appassionato. Questa straordinaria collaborazione
musicale promette di essere solo l'inizio di un percorso
creativo intenso e emozionante per la band e i loro fan.

di Guido Folco
Elena Ritort0
Artista metafisica
Tristano e Isotta -olio su tela 70x 100 anno 2013

Maria Elena Ritorto ha la musica nel sangue… ma anche nelle mani, nel cuore e nell’anima. Artista a tutto tondo,
pianista, concertista, laureata al Conservatorio, è soprattutto pittrice perché l’amore per la sperimentazione e la ricerca
visiva la affascina e la coinvolge da sempre. Nelle sue opere la luce, il gesto e il colore fluiscono ritmati e immediati,
istintivi e calibrati nel segno, nei toni, nelle forme.
Nei nuovi lavori di Maria Elena Ritorto l'elemento della luce, del suo sfaldamento surreale e metafisico assume un valore
simbolico dalle profonde interazioni con la realtà e con il sogno. Nello sguardo dell'artista il mondo assume contorni
indefiniti, scomposti da una pennellata sapiente, velata, condotta a piccoli tocchi e a contemporanee, larghe campiture,
reiterata nella ricerca spasmodica dell'essenza cromatica e tonale dell'oggetto e del soggetto. L'universo osservato con
gli occhi dello spirito si trasforma in onirica visione e, appunto per questo, in suggestione immaginifica dell'Io e del suo
sentire più profondo. In questo Maria Elena Ritorto è metafisica, perchè elabora le categorie dello spirito al di là del
tempo e dello spazio immanente, rendendo ogni suo lavoro icona di eternità. Non si usa questo termine per caso,
perchè, come nelle antiche tavole sacre, il dipinto è porta, passaggio attraverso cui l'uomo può ascendere all'infinito,
all'eterno, a Dio… un po’ come nella musica e nel ballo, ataviche e primordiali espressioni dell’Uomo, liberatorie e
sacrali. Nella filosofia plotiniana l'Essere può arrivare a conoscere il 'bello', restandone affascinato, contemplando la
dimensione sensibile dell'esistenza, ma percependone all'interno, 'oscuramente', un elemento superiore, più elevato, che
lo innalza verso la divinità. Il bello riluce nel mondo come armonia e perfezione di forme e induce l'Amore in chi lo
contempla. In questo senso, i dipinti dell'artista lasciano aperte interpretazioni differenti, suggerendone però lo spirito e
la sintesi, quell'amore che si fa carne, albero, nuvola, natura. Pavel Florenski, nel suo volume "Saggio sull'icona",
approfondisce il concetto e questa diventa iconostasi fisica, quasi elemento architettonico, come in un'antica cattedrale,
che permette all'Uomo di penetrare nella conoscenza di Dio anche 'solamente' attraverso l'osservazione dell'immagine
sacra. Un sancta sanctorum dove si custodisce l'essenza divina dell'Uomo, l'Arca dell'Alleanza che sancisce l'unione
indissolubile tra questi e Dio. Non è quindi un caso se, nel segno dell'artista, nel suo ricercare ogni volta la verità del
sentimento per riversarlo sulla tela, si percepisce con forza e potenza espressiva un'introspezione personale che diventa
però anche patrimonio comune che sfugge all'effimero per trasformarsi in ricordo, memoria, contemplazione.
Contrariamente a buona parte dell’arte contemporanea, in Maria Elena Ritorto l’idea si deve costantemente affiancare
alla tecnica, al mestiere che rende immortale un dipinto. I grandi maestri del passato hanno sempre sottolineato tale
elemento, pur dopo una vita di sperimentazioni: ritornare alla forma, al vero, al reale nel rispetto della grande tradizione
antica. Nell'arte di Maria Elena Ritorto vi sono anche altri elementi che sublimano l'idea nel colore e nella luce: quel
senso di armonia ritmica e fluida di cui accennavo precedentemente, che tanto deve ai suoi studi musicali, per cui l'uno
fa parte indissolubile del tutto, in un equilibrio compositivo in cui tempi, pause, riprese assumono di volta in volta un
andamento vivace, allegro, oppure mosso, moderato, grave, per colorare stati d'animo e mostrarceli puri e immediati
come una sinfonia. Nei suoi passaggi cromatici, si svela tutta la modernità del suo linguaggio, tasselli di materia come
graffiti contemporanei, tele che diventano squarci sull’anima, sovrapposizioni azzardate che metamorfizzano la materia
rendendola ‘altro’, vita pulsante.
MARIA ELENA RITORTO - SPIRITO DIVINO - olio su tela 120x100

Posa Romantica- 2022
-Tempo primo-oscillazioni-(olio su tela 70x70-anno 2012)
“Sentire” Olio su tela, cm 70x100, 2011
Tutto è compiuto - olio su tavola cm 100x100

P” LUCR
FABRIZIO SILVESTRI
L’UOMO CON LA RADIO
mettiti comodo e ascolta la voce dell’arte
Listen Now

Luca Fochetti
Dopo il trionfale successo al Festival di Sanremo con il brano "Onda Alta" e l'entusiasmante annuncio del tour autunnale
nei teatri, Dargen D'Amico si prepara a scaldare i palcoscenici estivi italiani con un tour imperdibile che toccherà i più
importanti festival del territorio nazionale.
Con ben diciassette date in programma, il talentuoso cantautore milanese darà vita ad uno spettacolo coinvolgente,
presentando brani del suo ultimo progetto discografico "CIAO AMERICA", pubblicato il 2 febbraio per Island Records.
Con la sua musica sempre all'avanguardia e il suo approccio poliedrico, Dargen D'Amico si conferma come un artista
visionario e inarrestabile.
"CIAO AMERICA" è un'opera che riflette il caos e le tensioni del mondo contemporaneo, esplorando tematiche attuali con
uno sguardo ironico e riflessivo. Il progetto include il singolo "Onda Alta", che ha segnato l'inizio di un percorso artistico
complesso e coinvolgente, centrato sul concetto umano.
Accanto a Dargen sul palco, musicisti e collaboratori di talento come Giacomo Ruggeri, Marilena Montarone, Tommaso
Ruggeri e il polistrumentista Diego Maggi, renderanno le performance live un'esperienza emozionante e coinvolgente per
il pubblico.
DARGEN D'AMICO:
Rapper, cantautore e produttore di fama, Dargen
D'Amico rappresenta uno dei pilastri eclettici e poetici
della scena cantautorale italiana contemporanea.
Con dieci album all'attivo, inclusi capolavori che
hanno segnato la storia dell'hip hop italiano come
"Musica senza musicisti" (2006) e "Di vizi di forma
virtù" (2008), il suo genio artistico si esprime in una
fusione unica tra rap e musica classica italiana. Con
un linguaggio musicale stratificato e ricco, Dargen ha
collaborato con artisti del calibro di Fedez, Fabri
Fibra, Marracash e molti altri, oltre ad essere stato
giudice di "X Factor" per due stagioni consecutive,
nel 2022 e 2023. Il suo impatto sulla scena musicale
italiana è innegabile, e il suo tour estivo promette
momenti indimenticabili per gli amanti della buona
musica e delle esperienze live uniche.

FRANCESCO DE GREGORI
La strana e affascinante Coppia

CHECCO ZELONE
della musica italiana…
foto di Daniele Barraco

TuttoBallo
Fabrizio Silvestri - direttore responsabile.
L'incontro artistico tra due mondi apparentemente distanti,
quelli di Checco Zalone e Francesco De Gregori, ha
generato una collaborazione ed un'intrigante novità nel
panorama musicale italiano. Il disco "Pastiche" lanciato dai
due artisti, unisce le voci di Francesco De Gregori e il
talento musicale di Checco Zalone, annunciando al
contempo un tour dal vivo che promettono scintille di
creatività e genialità.
Le esclusive esibizioni, previste il 5 e il 9 giugno presso le
Terme di Caracalla a Roma, vedranno la straordinaria
alchimia tra due personalità differenti, ma complementari,
sul palco. L'album "Pastiche" non è soltanto un progetto
discografico, ma rappresenta un'opportunità unica per il
pubblico di assistere alla fusione artistica di due eccellenze
musicali.
Francesco De Gregori e Checco Zalone si sono rivelati un
duo sorprendente, capace di affrontare in modo misurato e
coinvolgente le sfide artistiche che il progetto "Pastiche" ha
presentato loro. L'incontro tra il cantautore iconico e l'attore
comico ha portato alla luce una nuova dimensione, in cui le
emozioni e la musicalità si fondono in un equilibrio unico.
Il backstage dell'album rivela una nascita inaspettata:
l'incontro a Bari tra i due artisti, con Francesco De Gregori
che ha instaurato il primo contatto con Checco Zalone. Da
quel momento, è nata una stretta amicizia che ha portato a
condividere progetti entusiasmanti e, soprattutto, a
realizzare qualcosa di inatteso come "Pastiche".
Il ritmo e le sonorità dell'album riflettono la versatilità
artistica dei due protagonisti, con brani che vanno dai
classici della musica italiana a incredibili cover, mostrando la
capacità di entrambi di adattarsi e coinvolgere l'ascoltatore
in un viaggio unico e coinvolgente.
Il sorprendente successo di "Pastiche" dimostra che,
nonostante le diversità stilistiche, Francesco De Gregori e
Checco Zalone sono riusciti a creare un connubio artistico
che ha conquistato il pubblico con la forza della loro
autenticità e passione per la musica.
Mentre l'album potrebbe non aver offerto tutte le sorprese
attese, il vero spettacolo si prefigura nei due concerti dal
vivo a Roma, che promettono di essere un'esperienza
indimenticabile, piena di interazione, improvvisazione e
coinvolgimento del pubblico. L'incontro tra due personalità
così diverse, ma allo stesso tempo complementari, promette
di stupire e incantare gli spettatori con la loro energia e
creatività uniche.
Francesco De Gregori e Checco Zalone rappresentano una
coppia artistica straordinaria, capace di incantare ed
emozionare con la loro musica e la loro autenticità. Le due
date a Roma si preannunciano come un momento magico,
in cui il pubblico avrà l'opportunità di assistere alla nascita di
qualcosa di veramente speciale, frutto dell'incontro tra due
grandi talenti della scena musicale italiana.
foto di Daniele Barraco

Checco Zalone e Francesco De Gregori
rappresentano una coppia artistica straordinaria,
capace di incantare ed emozionare con la loro
musica e la loro autenticità.
foto di Daniele Barraco

Ste: Cantante napoletana di
origni nigeriane.
Dopo aver conquistato
Tik Tok punta alle
classifiche
di Luca Fochetti
L'avete già sentita?
Sin dal primo ascolto ha intrappolato il mio cuore.
L’ho incontrata per caso su Tik Tok con la canzone
“RED” e poi “Ancora” due hit con un moderno
arraggiamento, cantate in maniera straordnaria.
Al primo ascolto si sono chiesto ma chi è Ste?
Dopo qualche ricerca ho scoperto che:
all’anagrafe risulta come Sthepani Ojemba, alias
Ste, cantautrice napoletana di origine nigeriane.
La sua musica unisce proprio tutti e l’influenza della
città partenopea, che l’ha accolta in fasce, emerge
nella maggior parte dei suoi brani. Ste ha 25 anni, è
nata a Lagos, in Nigeria, ma proprio per le difficoltà
della vita nel suo paese d’origine, la sua famiglia ha
deciso di migrare in Italia, a Napoli, dove la
cantautrice è cresciuta con la sua mamma.
È stata proprio una famiglia napoletana ad aiutarle a
integrarsi e trasferirsi nonostante le difficoltà.
Sin dalla sua infanzia, Sthepani si è appassionata
alla musica, tanto da prendere parte a tutti i progetti
scolastici e le recite in cui poteva mostrare questo
suo talento. Poco tempo dopo, ha deciso di iniziare
a cantare nel coro della chiesa. La sua carriera,
però, inizia nel 2022 in cui pubblica il suo primo
inedito intitolato “Ansia”, in cui parla di aspetti
nascosti della sua vita e del suo carattere. A questo
inedito seguono “Ki lo sa” e “RED”, pubblicati negli
scorsi mesi e già di grande successo. Oltre ai suoi
brani, su TikTok si diletta anche nelle cover di
canzoni note. Le sue ispirazioni sono Mina e Pino
Daniele. Attraverso le varie ricerche ho scoperto che
l’ obiettivo della sua vita e riuscire ad arrivare ad alti
livelli e diffondere la sua musica a più persone
possibili, vivendo della sua passione… Da qualche
tempo è ospite di programmi radiofonici e piano
piano si sta facendo strada nel mondo della musica
conquistando tutti con la sua voce potente e la sua
musica contagiosa. E “Ma come si fa” a non fare i
foto di Daniele Barraco
complimenti a questa straordinaria artista.
Brava Ste!!!

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Giancarlo Di Muoio
"Sulla Strada" - Un Viaggio Emozionante tra Vita e Musica
Il cantautore e musicoterapeuta Giancarlo Di Muoio fa il suo
ingresso nel mondo della musica con il suo primo disco "Sulla
Strada", un percorso intimo e autentico che si snoda tra le sfumature
della vita, tra note di gioia e dolore, trasformando le esperienze
personali in melodie coinvolgenti e significative.
Con cura artigianale e dedizione profonda, Giancarlo ha impiegato
anni a scrivere le tracce di questo album che rappresentano un
distillato del suo percorso esistenziale e artistico. Attraverso la
musica, esprime il suo viaggio come musicista, uomo, figlio e padre,
facendo emergere le emozioni più autentiche e profonde.
Al centro di "Sulla Strada" troviamo due brani significativi che
raccontano momenti cruciali della sua vita: il "Tema di Amélie",
un'emozionante espressione senza parole dedicata alla gioia della
nascita della figlia, e "Gerry", un tributo affettuoso al padre. Questo
disco rappresenta un ciclo di rinascita e ripartenza, un'ode alla vita
con tutte le sue sfaccettature e sfide, sia luminose che oscure.
Il singolo omonimo "Sulla Strada" e il relativo video musicale introducono in modo coinvolgente l'album, in un viaggio
visivo e sonoro che invita gli ascoltatori ad esplorare nuovi orizzonti, oltre i confini e le sfide personali, alla ricerca di un
amore insolito e di una libertà interiore.
Le parole di Giancarlo evocano un'America simbolica, un territorio dell'anima dove cercare un orizzonte inedito, una
ricerca di significato e libertà interiore. Una costante ricerca di esperienze autentiche e di emozioni profonde, di un
viaggio sia interiore che esteriore per scoprire e abbracciare la propria strada, con tutte le sue insidie e bellezze.
"Sulla Strada" incarna dunque non solo un viaggio musicale, ma una filosofia di vita, un invito a esplorare, a superare i
propri limiti e ad abbracciare la bellezza e la complessità della vita. Con una miscela di riflessioni profonde e melodie
coinvolgenti, Giancarlo Di Muoio promette un'esperienza musicale e esistenziale coinvolgente, capace di toccare le
corde più profonde dell'animo di chiunque si avventuri sulle sue strade sonore.

Nevermind The Tempo… il nuovo album degli
I HATE MY VILLAGE
Nevermind The Tempo è il nuovo album degli I Hate My
Village, fissato per il 17 maggio e distribuito da Locomotiv
Records. Questo progetto segna il ritorno tanto atteso di una
super band amata, composta da quattro figure di spicco della
scena musicale indipendente italiana: Adriano Viterbini, Fabio
Rondanini, Marco Fasolo ed Alberto Ferrari. Dopo tre singoli
estratti Water Tanks, Artiminime e Jim, possiamo affermare
che l'album, definito come un manuale per "sbagliare", sfida le
convenzioni musicali e si distingue nel panorama artistico
italiano per la sua originalità e qualità avanguardistica. Il suono
disallineato ma meticolosamente assemblato del disco
rappresenta una fusione brillante e audace di quattro artisti
diversi, capaci di integrarsi perfettamente in un'unica visione
creativa.
Le dieci tracce presenti in Nevermind The Tempo esplorano
varie sonorità e influenze, da jam psichedeliche a ritmi
tribalistici e futuristici, offrendo un viaggio emozionante
attraverso suoni e testi che abbracciano l'imperfezione come
forma di espressione artistica autentica.
Oltre ad essere un semplice album musicale, Nevermind The
Tempo si candida come una dichiarazione di principi nel
panorama musicale contemporaneo, abbracciando la bellezza
dell'imperfezione in un'era che spesso idolatra la perfezione
artificiale. Un'opera imprevedibile e intraprendente, capace di
toccare profondamente le anime degli ascoltatori con la sua
libertà creativa e audacia. La band si prepara a portare il loro
eclettico sound in giro per l'Italia con un tour organizzato da
DNA concerti, che includerà tappe in città come Bologna,
Torino, Sesto Al Reghena, Agrigento e Maida. Le date e i
dettagli sulle prevendite sono disponibili su
www.dnaconcerti.com.
Gli I Hate My Village nascono nel 2018 dalla
collaborazione fra Fabio Rondanini e Adriano Viterbini,
condividendo la passione per la musica africana e la
voglia di esplorarne nuove sonorità. Questo connubio
ha dato vita a un suono innovativo e unico nel
panorama musicale italiano, che ha trovato riscontri
positivi sia dalla critica che dal pubblico.
Con una solida base discografica alle spalle e una
serie di singoli di successo, la band è pronta a far
parlare di sé con il lancio del nuovo album Nevermind
The Tempo, destinato a lasciare un'impronta indelebile
nel panorama musicale italiano e internazionale.

La musica non conosce tempo, specialmente quando viene reinterpretata da
un'artista senza tempo come Rosanna Fratello. Nota per il suo storico brano
“Sono una donna, non sono una santa”, Rosanna ha recentemente fatto
parlare di sé per la sua partecipazione all'ultima edizione del Grande
Fratello, dove il suo brano “Se t’amo t’amo” è diventato un vero e proprio
tormentone tra gli inquilini della casa più spiata d'Italia.
Per celebrare questo momento di rinnovata popolarità, Rosanna Fratello ha
lanciato una nuova versione di “Se t’amo t’amo”, già disponibile su Clodio
Music in tutti gli store digitali e sulle piattaforme di streaming. Questa nuova
interpretazione arriva a consolidare il suo sodalizio artistico con Cristiano
Malgioglio, una collaborazione che ha continuato a dare frutti esaltanti nel
corso degli anni.
“Cristiano è riuscito a far trasparire aspetti della mia personalità che
difficilmente venivano colti da altri,” sottolinea Rosanna Fratello,
evidenziando come una bella canzone possa davvero attraversare il tempo e
tornare prepotentemente al centro dell'attenzione del pubblico.
La nuova versione di “Se t’amo t’amo” con il suo ritmo martellante e un
ritornello dalle ripetizioni facilmente memorabili, sta conquistando anche la
generazione Z, trovando terreno fertile sui canali social come colonna
sonora di numerosi video. Tra i giovanissimi è diventato virale anche un
tutorial per imparare una coreografia ispirata al brano, segno della sua
trasversale capacità di coinvolgere pubblici di tutte le età.
L'inizio della carriera di Rosanna Fratello risale
agli anni ’60, con una partenza da Cinisello
Balsamo, dove ha trascorso l'infanzia e
l'adolescenza. Dopo aver vinto il secondo Festival
della Canzone Italiana di Santa Sofia di Romagna
nel 1967, Rosanna Fratello ha scalato le
classifiche della musica leggera italiana,
toccando il suo apice con "Sono una donna, non
sono una santa", brano che l'ha resa iconica negli
anni '70.
Oltre alla musica, Rosanna Fratello si è distinta
anche nel cinema, ricevendo il Nastro d'Argento
come migliore attrice esordiente per la sua
interpretazione nel film "Sacco e Vanzetti". Nel
corso della sua carriera, ha esplorato diversi
generi musicali, dall'album folk incentrato su canti
tradizionali alla disco music, dimostrando una
versatilità e una passione inesauribili.
Con la pubblicazione di "Se t’amo t’amo" e la
partecipazione al Grande Fratello, Rosanna
Fratello dimostra ancora una volta che il suo
talento e il suo carisma non conoscono confini
temporali, incantando le vecchie e le nuove
generazioni. La sua musica, arricchita dalla
collaborazione con Cristiano Malgioglio, continua
a parlare direttamente al cuore del pubblico,
promettendo di restare un punto di riferimento nel
panorama musicale italiano.

ROSARIO MIRAGGIO
BIOGRAFIA ARTISTICA
Rosario Miraggio nasce a Napoli il 27 marzo 1986. Muove i primi passi nella
musica a soli otto anni duettando con il padre nel brano Io Canto A Te e due
anni dopo vince il concorso come Miglior Voce Emergente, al Teatro delle
Palme, premiato da Mario Merola.
Giovanissimo pubblica il primo disco entrando di fatto nel mondo musicale e nel
2004, con L’Amore in Tre Parole, parte il suo percorso discografico che apre
all’artista le porte della scena napoletana che era, evidentemente, nel suo
destino. Nel 2007, Rosario pubblica un nuovo progetto discografico, Mille Pezzi
Di Cuore, che contiene dieci brani di cui l’estratto, Male, diventa virale al punto
da permettergli di duettare al PalaMaggiò̀ con Gigi D’Alessio. Da questo
incontro, l’anno dopo, Rosario pubblica Prendere o Lasciare su etichetta GGD
Production, distribuito in tutta Italia dalla SONY BMG. Il singolo estratto
dall'omonimo album regala la possibilità̀ all'artista di esibirsi d'avanti a milioni di
telespettatori, sulle reti MEDIASET e RAI.
Partecipa al festival di Piedigrotta con la canzone
Primme e Ce Lassà Accussì e duetta nella serata finale
a Piazza del Plebiscito con Nino D'Angelo (2009).
Nel 2010 viene pubblicato il disco, Il Mio Spazio Nel
Tuo Tempo che debutta in sedicesima posizione nella
classifica nazionale FIMI, classifica dei dischi più̀
venduti in tutt' Italia.
Nello stesso anno, in un concerto memorabile in uno
dei luoghi più̀ prestigiosi di Napoli, Rotonda Diaz, si
esibisce davanti a 30.000 persone su un palco da
sogno di fronte al mare.
Rosario grazie alla notorietà crescente, vive importanti
esperienze nel mondo musicale sia a livello nazionale
che all’estero, dedicandosi alla realizzazione del nuovo
album Fortemente (2012) che racchiude il successo
raccolto in tutti questi anni e include la prima traccia dal
titolo Ti Amo e Ti Penso che raggiunge oltre 30milioni
di visualizzazioni su YouTube. La seconda traccia
dell’album Senorita permette a Rosario di confrontarsi
con un altro genere musicale siglando un'altra
prestigiosa collaborazione con i Club Dogo, un duo
rapper molto apprezzato dal pubblico italiano.
Fortemente è ancora oggi uno dei dischi più ascoltati
della scena napoletana.
A dicembre del 2014 viene pubblicato il disco Mai Via e
in occasione dell’uscita, Rosario Miraggio realizza un
grandissimo concerto al Palapartenope di Napoli,
celebrato come un evento indimenticabile.Per tre anni
consecutivi, è ospite in diretta su Canale 5 e su RTL
nel programma Gigi D'Alessio and Friends durante la
serata di Capodanno.
Seguono altre partecipazioni, come l’importante
concerto Malaterra alla Reggia di Caserta, organizzato
per la Terra dei Fuochi.
Tra le varie attività Rosario è protagonista nel nuovo
progetto discografico Vero del famosissimo rapper Gué
Pequeno nel brano Come Me (Comm'a Me).

MARIO VENUTI
60 Anni di Vita e 40 di Musica

Mario Venuti, il rinomato cantautore catanese, ha
recentemente celebrato due traguardi significativi della sua
carriera: il sessantesimo compleanno e i quaranta anni di
attività musicale. L'artista ha scelto di commemorare questi
momenti con un tour speciale nei teatri e nei club, promosso
da Barley Arts, che lo ha riportato nella capitale dopo un
periodo di assenza. “Tutte le strade (ri)portano a Roma,” ha
commentato Venuti, esprimendo la sua gioia nel
condividere questa celebrazione con gli amici romani.
La musica di Venuti, conosciuta per la sua raffinatezza, il
carisma e le continue sperimentazioni, ha un fascino unico
che fonde le note calde e coinvolgenti del jazz con
l'influenza dei ritmi brasiliani, creando un'atmosfera
elegante ed emozionante. Ad accompagnarlo sul palco
Pierpaolo Latina al pianoforte, Giuseppe Tringali alla
batteria e Vincenzo Virgillito al contrabbasso.
Il tour "60+40 100% Mario Venuti" è partito il 17 dicembre
dal Teatro Trifiletti di Milazzo, proseguendo poi in varie
regioni italiane. Durante gli spettacoli, Venuti presenta i suoi
brani più celebri e amati, omaggiando anche la canzone
italiana con l'esecuzione di evergreen intramontabili.
La carriera di Mario Venuti è iniziata negli anni '80 con la
band Denovo. Nel '94, l'artista ha iniziato il suo viaggio da
solista pubblicando l'album "Un po' di febbre", seguito due
anni dopo da "Microclima". La sua partecipazione a
Sanremo Giovani nel 1997 con il brano "Il più bravo del
reame" ha preceduto il successo di "Mai come ieri".
"Grandimprese", "Magneti" e "Recidivo" sono solo alcuni
degli album che hanno segnato la sua carriera, culminando
nei più recenti "Motore di vita" e "Soyuz 10", quest'ultimo
arricchito dai singoli "Il pubblico sei tu", "Ciao cuore" e
"Silenzio al silenzio".
Nel 2020, durante i mesi di lockdown, Venuti ha intrattenuto
i suoi fan con la serie "Casa casa Live Session", e a maggio
dello stesso anno, i brani sono stati resi disponibili su tutte
le piattaforme digitali. Nel 2021 l'artista ha presentato
"TROPITALIA", un progetto che vede l'artista interpretare
brani popolari della musica italiana in chiave tropicalista. Nel
2023, Venuti ha pubblicato "Napoli-Bahia", un brano che
testimonia la sua continua esplorazione di sonorità e culture
musicali diverse.
Quest'anno ha ricevuto il Premio Carosone per il suo brano
"Napoli-Bahia" e, successivamente, il Premio A Muso Duro
2023 durante la decima edizione del Premio Pierangelo
Bertoli, riconoscimenti che celebrano la sua carriera come
cantautore mediterraneo aperto alle contaminazioni e il suo
impegno verso l'anticonformismo e l'indipendenza
intellettuale.
Mario Venuti continua a deliziare il pubblico con la sua
musica evocativa e il suo stile unico, dimostrando ancora
una volta la sua capacità di rinnovarsi e di mantenere un
legame profondo con la propria arte e i propri ascoltatori.

UMBERTO TOZZI
Un Addio alla Scena Live con "L'Ultima Notte Rosa - The Final Tour"

Umberto Tozzi, il leggendario cantautore italiano che
ha plasmato generazioni intere con le sue
indimenticabili melodie, ha annunciato il suo
commovente addio alla scena live con un tour
mondiale senza precedenti intitolato "L'Ultima Notte
Rosa - The Final Tour". Dopo oltre 50 anni di una
carriera straordinaria, Tozzi darà ai suoi fan l'ultima
occasione di vivere l'emozione dei suoi spettacoli
epici in tre continenti, toccando Europa, America e
Oceania tra il 2024 e il 2025.
Con più di 80 milioni di dischi venduti e oltre 2000
concerti all'attivo, Umberto Tozzi ha incarnato
l'eccellenza della musica italiana e ha conquistato il
cuore di milioni di persone in tutto il mondo. Brani
senza tempo come "Ti Amo" e "Gloria" hanno segnato
la storia della musica internazionale e lo hanno reso
un'icona indiscussa del panorama musicale mondiale.
Il tour d'addio "L'Ultima Notte Rosa - The Final Tour"
promette un viaggio musicale emozionante attraverso
le tappe più significative della carriera di Tozzi,
accompagnato da un'orchestra di 21 elementi che
porterà nuova vita ai suoi brani iconici. Lo spettacolo
si terrà in location di prestigio come le Terme di
Caracalla a Roma e Piazza San Marco a Venezia,
offrendo al pubblico due date evento imperdibili.
L'annuncio di questo tour epico è stato accolto con
entusiasmo dai fan e dalla comunità musicale,
evidenziando l'indelebile impronta che la musica di
Tozzi ha lasciato nel corso degli anni. Questo tour
rappresenta un tributo straordinario e una
celebrazione della carriera senza pari di un artista che
ha influenzato il panorama musicale internazionale in
modi unici e indelebili.
Con collaborazioni internazionali prestigiose, nomine
ai Grammy Awards e performance indimenticabili nei
festival più rinomati, Umberto Tozzi si è distinto come
un talento eclettico, capace di varcare i confini
geografici e culturali con la sua musica. L'annuncio
della nuova versione speciale della hit "Donna
amante mia" in duetto con Giuliano Sangiorgi dei
Negramaro conferma la continua creatività e rilevanza
della musica di Tozzi nel contemporaneo panorama
musicale italiano.
Il tour "L'Ultima Notte Rosa - The Final Tour" si
preannuncia come un'esperienza unica e toccante per
tutti coloro che hanno ammirato e amato la musica di
Umberto Tozzi nel corso degli anni. Un tributo
straordinario alla carriera di un'icona della musica
italiana, un addio emozionante che sottolinea
l'immenso contributo di Tozzi alla storia della musica
internazionale.

Isabella Turso, rinomata pianista e compositrice, intraprende un viaggio musicale e sensoriale con il suo "Nightfall Piano
Tour", un'esibizione che promette non solo un incontro unico con la musica ma anche un forte messaggio di ecosostenibilità.
Attraverso le più incantevoli location italiane, Turso porterà in scena il suo nuovo album "Nocturne", disponibile in formato
digitale e CD, insieme a una selezione dei suoi brani più noti, in un tour che promette di essere un'immersione totale nelle
sensibilità della notte e nelle sue misteriose bellezze.
Il tour è un manifesto della profonda sensibilità di Turso non solo verso l'arte ma anche verso la tutela dell'ambiente.
Performerà in teatri storici, ville e castelli, utilizzando la bellezza circostante come amplificatore delle emozioni evocate dalla
sua musica, dimostrando come la cultura possa e debba essere un veicolo di consapevolezza ambientale.
Uno degli aspetti più innovativi di questo tour è il suo impegno per la riduzione dell'impatto ambientale: Isabella sceglie di
viaggiare esclusivamente su un'auto elettrica, dimostrando come anche il mondo dello spettacolo possa contribuire alla causa
green. L'auto diventerà non solo mezzo di trasporto ma anche studio mobile per la creazione di contenuti inediti come podcast
e interviste, condivisi poi sui canali digitali dell'artista.
Accanto a Turso sul palco, troveremo il talento del produttore
e polistrumentista Ludovico Clemente. Ad arricchire
ulteriormente l'atmosfera dei concerti ci penseranno le
proiezioni visive dell'artista Stefano Cagol e un'illuminazione di
particolare impatto, per un'esperienza che si annuncia come
un vero e proprio viaggio sensoriale attraverso il tempo e le
emozioni.
"Nocturne", il cuore musicale del tour, è un album che riunisce
otto brani inediti di carattere romantico e sognante,
completamente composti da Turso. Tra questi spicca
"Nightfall", in collaborazione con la violoncellista Tina Guo, e
"Rêverie" con la chitarra classica di Luca Nobis. L'album
esplora temi come l'ispirazione artistica nella notte, il coraggio
delle donne e i sogni dei bambini in zone di guerra, attraverso
composizioni come "Café Terrace at Night", "Amanda’s
Theme" e "Lullafly".
Curioso anche l'abbinamento del CD con il profumo
"Nocturne", creato da Alice Rita Giugni, un'essenza cruelty
free, vegana e artigianale che racchiude in sé le note naturali
scelte personalmente dalla Turso, conferendo al pubblico
un'esperienza olfattiva unica durante ogni esibizione.
Con un'immagine curata da Matteo Procaccioli Della Valle,
l'artista si presenta con uno stile minimale e raffinato, parallelo
al tessuto emotivo del suo ultimo lavoro, ispirato agli aspetti
più intimi e riflessivi della notte.
Isabella Turso, con il "Nightfall Piano Tour", non solo
conferma il suo ruolo di punta nella scena della contemporary
classical music ma sottolinea anche la sua visione di un'arte
responsabile e partecipe, capace di abbracciare cause
importanti come quella della sostenibilità ambientale, in un
armonioso incontro tra musica, natura e consapevolezza.

Giuseppina Torre, rinomata pianista e compositrice italiana, utilizza la sua straordinaria arte musicale come strumento
per sensibilizzare e combattere la violenza sulle donne. Con il suo impegno e il suo talento, Torre si pone come voce
per le vittime e come esempio di come l'arte possa essere un potente veicolo di cambiamento e di denuncia.
La sua dedizione e il suo impegno verso la causa della violenza sulle donne emergono chiaramente dalle sue parole:
"Suonerò per tutte le donne e le madri, per non dimenticare le tante, troppe donne e madri vittime di violenza". Con
determinazione, si impegna a sostenerle con la sua musica e il suo messaggio di speranza.
Un simbolo ricorrente nei suoi concerti sono un paio di scarpe rosse, che rappresentano il suo sostegno e la sua
solidarietà verso le donne vittime di violenza. Questo gesto simbolico accompagna le sue esibizioni e amplifica il suo
messaggio di lotta e resistenza contro la violenza di genere.
Il suo ultimo album, "Life Book", testimonia la profondità e la varietà del suo talento musicale. Le composizioni inedite
raccontano emozioni, riflessioni e esperienze vissute dall'artista, creando un percorso musicale che si trasforma in
un'autentica narrazione della vita stessa. Brani come "Rosa tra le rose", "La promessa" e "Gocce di veleno" esprimono
la sensibilità e la profondità del suo talento compositivo.
Con una carriera che spazia da Vittoria, in provincia di Ragusa, agli Stati Uniti, dove ha ricevuto numerosi premi e
riconoscimenti, Giuseppina Torre si è affermata come una delle pianiste più apprezzate e influenti della scena musicale
contemporanea. Con partecipazioni in eventi prestigiosi come il Concerto dell'Epifania per Papa Francesco e la
Milanesiana di Elisabetta Sgarbi, Torre ha conquistato il pubblico italiano e internazionale con la sua musicalità e il suo
impegno sociale.
Oltre ai suoi concerti e produzioni musicali, Giuseppina Torre ha dato il suo contributo alla cultura e all'arte attraverso
la colonna sonora del docu-film "Papa Francesco - La mia Idea di Arte" e ha ricevuto prestigiose onorificenze, tra cui
l'Ordine "Al Merito Della Repubblica Italiana" conferitole dal Presidente Sergio Mattarella.
Il suo impegno nella lotta contro la violenza sulle donne, unito alla sua straordinaria carriera musicale e artistica, la
rende un'artista poliedrica e impegnata, pronta a trasformare le note della sua musica in una voce per il cambiamento e
la speranza, verso un futuro in cui le donne possano vivere libere da violenza e paura.

"Inside Out 2 – L'Emozioni Raccontate al Cinema"
La mente di Riley torna a essere il teatro di una tempesta emozionale in "Inside Out 2", il seguito altamente anticipato
del film che aveva sapientemente esplorato l'universo delle emozioni umane. Con la regia di Kelsey Mann, che prende il
testimone da Pete Docter, questo nuovo capitolo promette un'immersione ancora più profonda e complicata nel mondo
adolescenziale di Riley, proprio mentre il suo quartier generale subisce una trasformazione radicale.
La narrativa di "Inside Out 2" si sviluppa attorno alla demolizione del quartier generale delle emozioni di Riley, un
evento che segna il passaggio a una nuova fase della sua vita. Al cast originale delle emozioni, composto da Gioia,
Rabbia, Tristezza, Paura e Disgusto, si uniscono nuovi personaggi sorprendentemente adatti a rappresentare le sfide
dell'adolescenza.
La novità più significativa è l'introduzione di Ansia, doppiata con intensità da Maya Hawke, che incarna le insicurezze e
le tensioni tipiche di questa età. Invidia, espressa dalla voce di Ayo Edebiri, aggiunge un ulteriore strato di complessità,
portando nel panorama emozionale di Riley la gelosia e il desiderio costante di ciò che possiedono gli altri. Ennui,
interpretata da Adèle Exarchopoulos, offre una rappresentazione impeccabile dell'apatia adolescenziale, mentre
Imbarazzo, con la voce di Paul Walter Hauser, illustra le difficoltà di farsi notare per le ragioni sbagliate.
La regia di Mann mantiene lo spirito originale del film, pur introducendo nuove dinamiche che riflettono la crescita di
Riley. È evidente l'abilità del regista nel bilanciare questi nuovi ingredienti senza perdere di vista l'essenza emotiva che
ha reso il primo film un grande successo.
Meg LeFauve ritorna come sceneggiatrice e riesce nuovamente a tessere storie che parlano al cuore di grandi e piccini,
evidenziando le complessità emotive con una sensibilità acuta e attenta. La colonna sonora di Andrea Datzman, pur
essendo una novità rispetto a Michael Giacchino, si adatta perfettamente al tono del film, arricchendo ogni scena con
melodiche sottolineature che amplificano l'atmosfera emotiva.
In sintesi, "Inside Out 2" si dimostra un degno successore del suo predecessore, esplorando con coraggio e inventiva le
nuove sfide emotive dell'adolescenza. Con un mix equilibrato di humor, pathos e insight psicologico, il film non solo
intrattiene ma offre anche spunti di riflessione su come gestiamo e comprendiamo le nostre emozioni. Prepariamoci a
un altro viaggio emozionante nella mente di Riley, che promette di essere tanto educativo quanto emotivamente
coinvolgente.

Con una piccola donazione puoi anche tu
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in ogni sua forma. Diventa mecenate
dell'arte con l'associazione no profit
"Stefano Francia EnjoyArt".
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"Sarò con te"
Un Film per Rivivere la Gloria del Napoli nel Cuore delle Sale Cinematografiche
Dopo la strepitosa vittoria del terzo scudetto, Napoli e i suoi
tifosi continuano a festeggiare con l'uscita del film "Sarò con te".
Questo straordinario evento cinematografico, diretto da Andrea
Bosello e prodotto dalla Filmauro di Luigi e Aurelio De
Laurentiis, promette di essere molto più che una semplice
celebrazione sportiva.
Il film offre un affresco vivido e coinvolgente della stagione
calcistica 2022/2023, un periodo che ha visto il Napoli trionfare
in Serie A, dominando sovrano e offrendo spettacolo puro. Dal
malumore iniziale alla sorprendente affermazione, "Sarò con te"
ci guida attraverso i momenti salienti del campionato, ritraendo
le gesta eroiche dei calciatori come Victor Osimhen e Khvicha
Kvaratskhelia, fino alla trionfale vittoria del titolo con cinque
giornate di anticipo.
Al di là delle emozionanti sequenze in campo, il film si
distingue per il suo accesso esclusivo dietro le quinte. Le
videocamere hanno seguito la squadra fin dal ritiro in Turchia,
catturando momenti unici dello spogliatoio e della vita
quotidiana dei giocatori, rivelando quel mix speciale di talento
e spirito di squadra che ha reso possibile il successo.
Il regista Andrea Bosello ha sapientemente intrecciato le
immagini della stagione con le testimonianze di giocatori,
allenatori, e figure iconiche del calcio e della cultura, come
Luciano Spalletti, Fabio Cannavaro e Toni Servillo. Queste
interviste arricchiscono il racconto, offrendo uno sguardo intimo
su cosa significhi per Napoli questo trionfo a livello sia
personale che collettivo.
Un aspetto particolare del film è la sua capacità di catturare
l'effervescenza della città di Napoli nei giorni della vittoria. Le
strade si tingono di azzurro, i palazzi si adornano di bandiere e i
tifosi festeggiano in una cornice di gioia collettiva che supera i
confini geografici, ripercuotendosi in città di tutto il mondo da
New York a Buenos Aires.
"Sarò con te" non è solo la cronaca di un campionato vinto, ma
il racconto di un legame indissolubile tra una squadra e la sua
città, un legame che si alimenta di passioni, sogni e,
naturalmente, di calcio.
La distribuzione del film, curata da Nexo Digital con il supporto
di Radio Italia come Radio Ufficiale, assicura che il messaggio
e l'emozione del Napoli possano raggiungere un vasto pubblico,
facendo di "Sarò con te" un'esperienza imperdibile per
chiunque abbia il calcio e Napoli nel cuore.
Con "Sarò con te", il 4 maggio diventa un'occasione per rivivere
la storia, celebrare i successi e sentirsi parte di quella magica
comunione di intenti e emozioni che solo il calcio, nella sua
espressione più pura e spettacolare, sa offrire.

Terminate le riprese di “Muori di lei”
Il nuovo film di Stefano Sardo con
Riccardo Scamarcio, Mariela Garriga,
Maria Chiara Giannetta.
Sono terminate a Roma, dopo 6 settimane, le riprese di Muori di lei, il nuovo film di Stefano Sardo (già regista di Una
relazione, presentato alle Giornate degli Autori al Festival del Cinema di Venezia) con protagonisti Riccardo Scamarcio,
Mariela Garriga, Maria Chiara Giannetta.
Un originale noir sentimentale, ricco di sorprese e sconvolgenti rivelazioni, in cui i ruoli di vittima e carnefice si ribaltano,
dando vita a insoliti cambi di prospettiva.
“Muori di lei parla di un ‘uomo che guarda’: sposato con Sara, una donna più ricca di lui (Maria Chiara Giannetta), superata da
poco la boa dei quarant’anni, Luca (Riccardo Scamarcio) è un insegnante in crisi che durante il lockdown si ritrova a far da
spettatore della vita di Amanda (Mariela Garriga), la nuova vicina, e decide di rompere la distanza che li separa, con
conseguenze disastrose” – dichiara Stefano Sardo – “Da tempo volevo fare un film sul desiderio: è un elemento dirompente
nelle nostre vite, eppure nel cinema italiano latita, come se non ci si interrogasse più su quel grumo di energie oscure che ci
abita, maschi e femmine”.
Completano il cast Paolo Pierobon, Giulio Beranek, Francesco Brandi e Mariana Falace.
La fotografia è curata da Francesco Di Giacomo, il montaggio da Sarah McTeigue, con la scenografia di Mauro Vanzati, i
costumi di Cristina La Parola, il casting di Chiara Natalucci e Mara Veneziano.
Scritto a quattro mani da Stefano Sardo e Giacomo Bendotti da un soggetto di Sardo, Muori di lei è prodotto da Ines Vasiljević
e Stefano Sardo, una produzione NightSwim e Medusa Film, in coproduzione con Baš Čelik, con il contributo del MIC –
Ministero della Cultura, e uscirà prossimamente nelle sale cinematografiche distribuito da Medusa Film.

"Una storia nera"
Thriller psicologico in un dramma familiare diretto da Leonardo D’Agostino
Diretto con maestria da Leonardo D'Agostini, noto per la sua capacità di trattare temi intensi e complessi, "Una storia nera" si
muove abilmente tra i drammi familiari e i thriller psicologici. Il film, uscito nelle sale il 16 maggio 2024, racconta una storia
angosciante di amore, perdita e mistero, con performance stellari di un cast eccezionale.
La trama di "Una storia nera" si sviluppa attorno alla complicata relazione tra i personaggi di Vito e Carla, magnificamente
interpretati da Andrea Carpanzano e Cristiana Dell'Anna rispettivamente. Separati da anni a causa di una relazione segnata
da gelosia e violenza, i due condividono il legame indissolubile dei loro tre figli, Nicola, Rosa e la piccola Mara. La scintilla
narrativa scatta quando, in occasione del compleanno di Mara, la bambina desidera la presenza del padre. Carla, nonostante
le sue reticenze e paure, accetta, sperando che la serata proceda senza intoppi.
La pellicola eccelle nel costruire una tensione sottile ma palpabile che si infiltra gradualmente nella narrazione. La festa di
compleanno, descritta con momenti di apparente spensieratezza e allegria familiare, si rivela essere il preludio di un evento
scioccante: la misteriosa scomparsa di Vito subito dopo la serata.
D'Agostini, attraverso una regia attenta e misurata, delinea un thriller in cui la suspense è sapientemente dosata. Il film
coinvolge il pubblico in una ricerca ossessiva della verità, seguendo le indagini della polizia incaricate di scoprire cosa sia
realmente accaduto a Vito. La fotografia di "Una storia nera", curata da Francesco Di Giacomo, enfatizza ulteriormente questa
atmosfera di mistero e incertezza, con tonalità scure e contrasti che riflettono perfettamente il tema del film.
Le performance sono un altro punto di forza del film. Oltre a Carpanzano e Dell'Anna, la presenza di Laetitia Casta aggiunge
un ulteriore livello di complessità e gravità alla narrazione. Il suo personaggio si colloca nei margini della storia principale, ma
è fondamentale per lo sviluppo del dramma. Lea Gavino, Mario Sgueglia, Giordano De Plano e Licia Maglietta offrono tutti
contributi significativi, incarnando personaggi ben delineati che arricchiscono il tessuto narrativo.
"Una storia nera" riesce a mantenere il pubblico avvinto fino all'ultimo minuto, sfidando le aspettative e interrogando la stessa
natura della verità e della giustizia. La conclusione del film lascia spazio a riflessioni profonde e a discussioni inevitabili
sull'ambiguità delle relazioni umane e delle percezioni personali.
In definitiva, "Una storia nera" è un'opera cinematica che merita attenzione non solo per la sua trama avvincente e per le
performance eccezionali, ma anche per il modo in cui esplora le profondità oscure dell'animo umano. Un film che non solo
intrattiene, ma invita anche a una riflessione seria e matura sulla complessità delle dinamiche familiari e sociali.

P” LUCR
FABRIZIO SILVESTRI
L’UOMO CON LA RADIO
mettiti comodo e ascolta la voce dell’arte
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DI FRANCESCA MEUCCI - DIRETTRICE DI SOLOMENTE
Amati
Sorriditi
Guardati come se fossi la persona più
bella del mondo (dentro e fuori)
Accogliti (con le tue luci e le tue ombre)
Viviti
Sii quello che sei
Resisti
Combatti
Segui i tuoi sogni
Ridi
Gioca
Balla
Canta
Fai una passeggiata
Immergiti nella natura
Fai del bene
Sii gentile (a prescindere e con tutti)
Abbi rispetto
Chiedi scusa
Cucina
Crea
Nuota
Disegna
Scrivi
Suona
Ascoltati
Abbracciati
Amati.
PH © LUCREZIA CENCI
SoloMente

40
Premio DanzArenzano Arte
ph Brescia e Amisano © Teatro alla Scala
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