Fitainforma Novembre/Dicembre 2023

Editoriale 

Buoni propositi per un nuovo 

spettacolare anno 

Il 2023 è stato un anno sicuramente di grande impegno per tutti noi, occupati a 

fare di F.I.T.A. una Federazione sempre in movimento, protesa alla promozione della 

cultura teatrale e di supporto alle Compagnie associate. Ma il 2024 si annuncia 

non essere da meno, con tutte le attività che sono in cantiere ed alcune già in fase 

avanzata di gestazione. 

Un impegno a fare bene e sempre meglio. Ma è così per tutti? 

Siamo tantissimi, ognuno con le proprie idee, le proprie capacità, competenze e 

propensioni. Siamo affliati alla Federazione che accomuna tutte queste sfaccettature 

nella declinazione che è valida per ognuno: l’amore per il teatro. Ed ognuno 

di noi, attraverso la propria Associazione di iscrizione, lo fa a modo suo e nella 

maniera che meglio esprime le inclinazioni del proprio gruppo. 

È però necessario per tutti indistintamente approfondire, studiare, aggiornarsi. 

Fare teatro non significa solo rappresentare in scena un testo, ma trasmettere 

emozioni e messaggi che lascino una traccia nel pensiero di chi vede, ascolta, 

partecipa. Tante volte questo non succede e non solo nel nostro teatro, ma anche 

e spesso, in quello di molte stagioni di prosa anche blasonate. 

L’amatore può concedersi il lusso di occuparsi solo di quello che gli piace; non ha 

necessità di fare a tutti i costi. Riflettiamo su questo per fare il meglio possibile con 

ogni singola capacità, per ottenere un risultato che trasmetta suggestioni. 

E ovviamente non basta solo la preparazione acquisita, occorre anche e sempre 

imparare e per farlo è fondamentale anche andare a teatro come spettatori. Non 

facciamoci bastare il fare come protagonisti. Cogliamo le numerosissime opportunità, 

che sono ormai comode a tutti, di indagare i repertori e le regie nell’attualità 

dei cartelloni di ogni nostra città per capire quali siano le necessità di oggi. 

In teatro ogni direzione è percorribile, purchè risulti interessante e abbia una 

intenzione. Troppi sono i lavori che, magari anche tecnicamente ben costruiti o 

particolarmente studiati, lasciano però lo spettatore disorientato o peggio ancora 

annoiato. Facciamo in modo che chi assiste ai nostri spettacoli non provi queste 

sensazioni. 

A volte, di fronte magari a nomi illustri o titoli altisonanti siamo attirati a partecipare, 

ma al di là della provata abilità dell’interprete o ai perfetti meccanismi scenici o 

di regia non percepiamo alcuna soddisfazione. Facciamo in modo che non succeda 

nelle nostre rappresentazioni e perché ciò sia possibile non è solo necessario metterci 

il cuore, ma anche la preparazione che rende solida la rappresentazione. 

Anche nel 2023 abbiamo assaporato numerosi appuntamenti che F.I.T.A. ci ha 

proposto come momenti di riflessione e crescita, sia personale che attoriale. 

Approfittiamo di queste opportunità anche quando possa sembrare che non diano 

un risultato diretto. Ogni pensiero che si sedimenta dentro di noi può trasformarsi, 

nel momento opportuno, in risorsa a cui attingere. 

Ecco perciò che ogni occasione diventa opportunità di miglioramento, personale 

in primis, ma dell’intero gruppo se condivisa, perché fare teatro è sicuramente una 

esigenza personale, ma diventa anche esperienza collettiva come del resto è la 

nostra azione all’interno di ogni Associazione. 

A tutti un buon teatro ed un felice anno nuovo ,che possa serbare per ognuno il 

meglio che ci si possa attendere. 

Mauro Dalla Villa 

Presidente F.I.T.A. Veneto 

1

FESTIVAL NAZIONALE 

Al 33° festival nazionale 

«Maschera d’Oro» 

il palco è contemporaneo 

Si avvicina la 33ª edizione della “Maschera d’Oro”, il festival nazionale 

organizzato dal Comitato veneto della Federazione Italiana Teatro Amatori 

(Fita) in partnership con Regione del Veneto, Amministrazione Provinciale 

di Vicenza, Comune di Vicenza, Il Giornale di Vicenza e Confartigianato 

provinciale e con il patrocinio, tra gli altri, di Fita nazionale. 

Ben cinque le regioni da cui 

arrivano le sette compagnie 

finaliste (Lazio, Marche, Campania, 

Lombardia, Liguria e 

Puglia), e cinque su sette i testi 

contemporanei prescelti, comunque 

tutti di autori italiani, 

in uno stuzzicante mix di lavori 

brillanti e altri più orientati alla 

riflessione. 

Particolarmente originale, 

dunque, il programma, che 

dal 3 febbraio al 16 marzo 

prossimi animerà il Teatro San 

Marco di Vicenza, proponendo 

il meglio della scena amatoriale 

italiana, frutto di una 

prima severa selezione su oltre 

novanta candidati compiuta da 

una commissione tecnico-artistica 

(composta da Alessandra 

Agosti, Giuseppe Barbanti, 

Filippo Bordignon, Paolo Ruzza 

e Lino Zonin) e definito nella 

sua forma finale da Roberto 

Cuppone, docente di Drammaturgia 

e Antropologia teatrale 

all’Università di Genova, oltre 

che regista, attore e autore di 

lunga esperienza. 

Questo il cartellone: Natale in 

casa Cupiello di Eduardo De 

Filippo, compagnia Luna Nova 

di Latina, regia di Roberto Becchimanzi 

(3 febbraio); Dritto 

al cuore di Patrizio Cigliano, 

compagnia Teatro del Sorriso 

di Ancona, regia di Giampiero 

Piantadosi (10 febbraio); Uomini 

sull’orlo di una crisi di nervi 

di Rosario Galli, compagnia La 

Bottega dei Rebardò di Roma, 

regia di Enzo Ardone (17 

febbraio); Rosalyn di Edoardo 

Erba, compagnia Teatrodrao & 

TeatroTre di Ancona, regia di 

Davide Giovagnetti (24 febbraio); 

Uova al tegamino di Matteo 

In questa pagina, dall’alto, La Bottega dei Rebardò in Uomini 

sull’orlo di una crisi di nervi. 

Qui sopra, a sinistra, una scena di Dritto al cuore, lavoro portato 

al festival dalla compagnia Teatro del Sorriso, e, a fianco, 

I cattivi di cuore ne Il raccolto. 

Qui a fianco, una scena di Natale in casa Cupiello, 

con la compagnia Luna Nova. 

Nella pagina accanto, in alto Uova al tegamino, nell’allestimento 

della compagnia Il Volto di Velluto. Al centro della pagina una 

scena di Ferdinando della compagnia Qui ed Ora. In basso, 

Rosalyn messo in scena da Teatrodrao & TeatroTre. 

2

Tibiletti, compagnia Il Volto di 

Velluto di Brenta (Varese), regia 

di Emanuela Legno, Alessia 

Agostino e Matteo Tibiletti (2 

marzo); Il raccolto di Giorgia 

Brusco, compagnia I Cattivi di 

Cuore di Imperia, regia di Gino 

Brusco (9 marzo); Ferdinando di 

Annibale Ruccello, compagnia 

Qui ed Ora di Bisceglie (Barletta 

– Andria – Trani), regia di 

Daniela Rubini e Vincenzo Raguseo 

(16 marzo). Serata finale 

il 23 marzo con la proclamazione 

dei vincitori del Festival e di 

tutti i premi i palio, individuali 

e collettivi, nel corso di una 

serata resa ancora più brillante 

dall’attore di teatro e televisione 

Federico Perrotta, di scena 

con il suo spassoso show. 

Il Festival sarà abbinato come 

sempre al concorso di critica 

“La Scuola e il Teatro”, per gli 

studenti delle scuole superiori, 

e al Premio Faber Teatro, 

promosso da Confartigianato 

Imprese Vicenza, che porterà la 

compagnia vincitrice della “Maschera” 

a esibirsi per una sera 

al Teatro Olimpico di Vicenza, 

teatro coperto più antico del 

mondo. 

Gli abbonamenti sono in vendita 

nella sede di Fita Veneto, 

in stradella delle Barche 7 a 

Vicenza (tel. 0444 324907, dalle 

9 alle 13 tutti i giorni feriali, 

tranne il giovedì con apertura 

dalle 14 alle 18): a 85 euro gli 

interi, a 70 i ridotti; biglietti 

interi a 12 euro e a 10 i ridotti. 

Fino al 6 gennaio tutti gli abbonamenti 

saranno acquistabili al 

prezzo dei ridotti. Informazioni 

su www.fitaveneto.org e su 

Facebook. 

IL PROGRAMMA 

Sabato 3 febbraio 2024 

Compagnia LUNA NOVA aps 

Latina 

“NATALE IN CASA CUPIELLO” 

di Eduardo De Filippo 

regia Roberto Becchimanzi 


Compagnia TEATRO DEL SORRISO aps 

Ancona 

“DRITTO AL CUORE” 

di Patrizio Cigliano 

regia Giampiero Piantadosi 


Compagnia LA BOTTEGA DEI REBARDO’ 

Roma 

“UOMINI SULL’ORLO DI UNA CRISI 

DI NERVI” 

di Rosario Galli 

regia Enzo Ardone 


Compagnia TEATRODRAO & TEATROTRE 

Ancona 

“ROSALYN” 

di Edoardo Erba 

regia di Davide Giovagnetti 

Sabato 2 marzo 2024 

Compagnia IL VOLTO DI VELLUTO 

Brenta (VA) 

“UOVA AL TEGAMINO” 

di Matteo Tibiletti 

regia di Emanuela Legno, Alessia 

Agostino e Matteo Tibiletti 


Compagnia I CATTIVI DI CUORE 

Imperia 

“IL RACCOLTO” 

di Giorgia Brusco 

regia di Gino Brusco 


Compagnia QUI ED ORA aps 

Bisceglie (BT) 

“FERDINANDO” 

di Annibale Ruccello 

regia di Daniela Rubini e Vincenzo 

Raguseo 


Federico Perrotta 

Pescara 

“FEDERICO PERROTTA SHOW” 

di Federico Perrotta e Piero Di Biasio 

SERATA DI GALA - Premiazioni 

3

FESTIVAL NAZIONALE 


LUNA NOVA 

NATALE IN CASA CUPIELLO 

di Eduardo De Filippo 

regia di Roberto Becchimanzi 


TEATRO DEL SORRISO 

DRITTO AL CUORE 

di Patrizio Cigliano 

regia di Giampiero Piantadosi 


LA BOTTEGA DEI REBARDÒ 

UOMINI SULL’ORLO DI UNA 

CRISI DI NERVI di Rosario Galli 

regia di Enzo Ardone 


TEATRODRAO E TEATROTRE 

ROSALYN 

di Edoardo Erba 

regia di Davide Giovagnetti 

Storia della compagnia 

Con sede a Latina ma composta 

interamente da persone 

originarie di Napoli, la compagnia 

Luna Nova ha al suo attivo 

un ricco repertorio di lavori 

teatrali che spaziano attraverso 

i generi e gli autori. Un ruolo 

di primo piano, naturalmente, 

spetta al teatro partenopeo, 

con titoli quali La Fortuna con 

l’Effe maiuscola di Curcio e De 

Filippo, Il Berretto a Sonagli 

di Luigi Pirandello ma nella 

versione di Eduardo e Uomo e 

galantuomo, Questi fantasmi 

e Filumena Maturano tutti di 

Eduardo, come Natale in casa 

Cupielllo, che vede il ritorno 

della compagnia alla Maschera 

dopo l’ottima prova, nel 2017, 

con Morso di luna nuova di Erri 

De Luca. La formazione ha 

all’attivo, tra gli altri, anche 

E fuori nevica di Vincenzo Salemme, 

Il rompiballe di Francis 

Veber, Piccoli crimini coniugali 

di Éric-Emmanuel Schmitt e La 

costruzione di Roberto Russo. 


Fondata nel 1997 con sede ad 

Ancona, nei suoi quasi trent’anni 

di attività la compagnia ha 

proposto un repertorio di 

grande varietà e di impegno, 

che partendo dal Carlo Goldoni 

de La bottega del caffé, messo 

in scena come spettacolo di 

debutto, nel tempo si è mosso 

attraverso altri grandi classici 

della drammaturgia come Luigi 

Pirandello, Aldo Nicolaj e Luigi 

Lunari, ma dando notevole 

spazio anche a testi meno frequentati, 

sia in vernacolo che 

in lingua, a lavori di teatro civile 

e ad autori contemporanei. 

Numerosi i premi e i riconoscimenti 

individuali e collettivi 

ottenuti in questi anni, a livello 

sia regionale che nazionale. 

Importanti riconoscimenti, 

dal debutto nel 2019 a oggi, 

sono stati assegnati anche allo 

spettacolo giunto in finale alla 

Maschera d’Oro, festival al 

quale la compagnia marchigiana 

partecipa per la prima volta. 


Fondata nel 2010 come costola 

dell’associazione La Rive 

Gauche, in attività dal 1993, La 

Bottega dei Rebardò spazia, 

nella sua proposta teatrale, 

attraverso diversi generi teatrali, 

dalla commedia corale e 

brillante fino a testi più intimi, 

nei quali la risata si accompagna 

alla riflessione. Dal 

debutto nel 2010 con un suo 

lavoro, Una volta nella vita (poi 

proposto anche nella versione 

al femminile), Gianni Clementi 

è stato rappresentato altre tre 

volte: con L’ultimo volo, Sugo 

finto e Ben Hur, passato anche 

per la Maschera d’Oro come 

applaudito spettacolo ospite 

nel 2017. Tra gli altri spettacoli 

messi in scena in questi 

anni, anche testi di Ionesco 

(La lezione), Benni (La bambina 

W), Fayad (Il penultimo scalino), 

Thomas (Otto donne) e Galli & 

Capone, con Uomini sull’orlo 

di una crisi di nervi, quest’anno 

giunto in finale al festival. 


Le due compagnie si sono fuse 

nel 2008, dopo anni di fertile 

collaborazione, condividendo 

totalmente il versante organizzativo 

ma mantendendo anche 

una propria individualità sul 

fronte delle produzioni. Nato 

nel 1983, Teatro Drao privilegia 

da sempre il teatro civile 

e la ricerca sulle varie forme 

dell’espressività umana, con 

il teatro come punto d’incontro. 

TeatroTre, invece, è nato 

nel 2000 intorno a Davide 

Giovagnetti, con un repertorio 

orientato soprattutto alla 

messinscena in lingua di opere 

cinematografiche e letterarie, 

sempre con un linguaggio 

innovativo. Insieme, le due 

formazioni hanno partecipato 

alla passata edizione del Festival 

con Equus di Peter Shaffer, 

ottenendo una nomination 

alla Maschera d’Oro, il premio 

alla regia, andato a Davide 

Giovagnetti, e quello per il 

migliore attore giovane, vinto 

da Alessandro D’Elia. 

Trama e note di regia 

A Natale per Luca Cupiello 

esiste solo il suo presepe, 

tanto da non accorgersi che, 

intorno a lui, la famiglia è 

ormai allo sbando: il fratello 

e il figlio vivono di espedienti, 

la figlia vuole lasciare il marito 

per fuggire con l’amante. Per 

comunicargli la sua decisione, 

proprio quel giorno, la giovane 

ha scritto una lettera al marito, 

che però la madre si fa consegnare. 

Il messaggio, per caso, 

finisce nelle mani di Luca che, 

ignaro di tutto, lo consegna 

al genero, facendo scoppiare 

il finimondo. Quando però 

Luca si sente male, la famiglia 

si ritrova al suo capezzale. 

Frutto di una lunga e travagliata 

scrittura, Natale in casa 

Cupiello viene proposto dalla 

compagnia Luna Nova con una 

messinscena rispettosa della 

tradizione, ma accelerando i 

ritmi della recitazione, molto 

cambiati rispetto all’epoca del 

debutto, negli anni Trenta. 


Il colonnello israeliano Yaron 

sta interrogando il palestinese 

Hikmet, accusato di terrorismo, 

nella penombra di una 

cella. Sembra un interrogatorio 

come tanti, ma ben presto 

Yaron capisce che non lo è. 

Mentre scava tra le pieghe della 

vita del nemico che gli sta di 

fronte, inizia ad ascoltarlo davvero. 

Pian piano afforano pensieri 

in comune, sguardi rivolti 

verso uno stesso orizzonte, che 

va al di là della politica, della 

storia, del reciproco rancore. 

Yaron e Hikmet amano la cultura, 

la letteratura, soprattutto 

la poesia. E, forse, proprio la 

poesia potrebbe essere l’unica 

arma capace di fermare l’odio 

e la violenza. Loro ci vogliono 

credere. Yaron cercherà 

di parlarne ai suoi superiori. 

Cercherà di spiegare. Un testo 

importante, soprattutto oggi, 

per quanto sta accandendo. 

Contro tutte le guerre, in ogni 

parte del mondo. 


Gli amici Pino, Nicola, Ciccio e 

Gianni hanno un appuntamento 

fisso ogni lunedì per giocare 

a poker. Quella è la loro serata 

di libertà, un momento nel 

quale parlare e sfogarsi per le 

frustrazioni causate soprattutto 

dalle donne, con le quali 

hanno un rapporto complicato. 

L’ennesima discussione con la 

moglie, però, gioca un brutto 

scherzo a Nicola, che arriva 

al pokerino particolarmente 

nervoso. Il suo malumore si diffonde 

nel gruppo, che decide 

di lasciar perdere le carte e di 

trovare un altro modo per rilassarsi 

e passare la serata. L’idea 

di Pino, per tentare una nuova 

esperienza con un pizzico di 

proibito, è di chiamare una 

escort. L’arrivo della bellissima 

Yvonne cambia radicalmente 

l’andamento della serata, 

anche per Gianni, all’inizio 

del tutto contrario all’idea. 

La ragazza, bella e simpatica, 

riserverà loro una sorpresa. 


Thriller psicologico ad alta 

tensione, questo testo di Edoardo 

Erba, tra i più apprezzati 

autori italiani contemporanei, 

è un gioco di specchi tra due 

protagoniste: Esther, scrittrice 

di successo, e Rosalyn, donna 

delle pulizie che la prima 

ha conosciuto in Canada. In 

un commissariato di polizia, 

Esther sta rispondendo a una 

serie di domande su quel suo 

viaggio e su una certa penna 

trovata sul cadavere di un 

uomo, a Toronto. Inizia così un 

viaggio tra presente e passato, 

fatto di spezzoni delle conversazioni 

che le due donne 

avevano avuto. Rosalyn aveva 

confidato alla scrittrice che il 

suo amante la picchiava. Esther 

l’aveva incitata a denunciarlo 

e a vivere secondo la pancia e 

non la mente. Esiste un limite 

al “bisogno di fare quello che si 

ha voglia di fare”? È una delle 

domande sollevate dal testo, 

duro e coinvolgente, di Erba. 

4


IL VOLTO DI VELLUTO 

UOVA AL TEGAMINO 

di Matteo Tibiletti 

regia di Emanuela Legno, Alessia 

Agostino, Matteo Tibiletti 


Nata nel 1984 come Ars Nova, 

la compagnia diventa Il Volto di 

Velluto nel 1999, con la guida 

dell’attore e regista Giuliano 

Mangano. Successivamente, 

guidata da Emanuela Legno 

e Alessia Agostino, ha ampliato 

la propria attività, sia 

nel campo della formazione, 

anche con la collaborazione di 

Matteo Tibiletti, sia sul fronte 

della produzione di spettacoli. 

Su quest’ultimo versante, negli 

ultimi anni la compagnia ha 

messo in scena alcuni grandi 

classici della commedia (come, 

tra gli altri, Il clan delle vedove 

di Ginette Beauvais Garcin, Taxi 

a due piazze di Ray Cooney o 

A piedi nudi nel parco di Neil 

Simon), testi drammatici come 

Il lutto si addice a Elettra di 

Eugene O’Neill e Buonanotte 

mamma di Marsha Norman, 

oltre ad alcuni lavori firmati 

da Tibiletti, come questo con 

il quale la compagnia approda 

per la prima volta al festival. 


I CATTIVI DI CUORE 

IL RACCOLTO 

di Giorgia Brusco 

regia di Gino Brusco 


Attiva dal 1995, la compagnia 

di Imperia ha mosso i primi passi 

nella prosa tradizionale, per 

poi orientarsi verso un teatro 

di impegno civile e sociale, prediligendo 

testi che affrontino 

tematiche legate alla contemporaneità. 

Già transitata per 

tre volte e pluripremiata alla 

Maschera d’Oro con Le muse 

orfane di Michel Marc Bouchard 

nel 2009, con l’intenso 

From Medea di Grazia Verasani, 

spettacolo vincitore del 

festival nel 2012, e con Le serve 

di Jean Genet nel 2013, nel suo 

repertorio la formazione ligure 

propone anche L’ultima vittoria 

di Luigi Lunari, i lavori di Stefano 

Massini Credo in un solodio 

e La gabbia (figlia di notaio), 

oltre aTu danzavi per me tratto 

da un testo di Gigliola Santoro, 

fino ad arrivare all’ultima 

produzione, firmata da Giorgia 

Brusco, che quest’anno riporta 

I cattivi di cuore tra i finalisti 

del festival. 


QUI ED ORA 

FERDINANDO 

di Annibale Ruccello 

regia di Daniela Rubini e Vincenzo 

Raguseo 


Formatasi nel 2020, la compagnia 

di Bisceglie, in Puglia, è in 

realtà il punto d’incontro di alcuni 

appassionati di teatro con 

all’attivo esperienze decennali 

in altre realtà teatrali. Per tutti 

loro, il percorso artistico era 

stato caratterizzato, fino a quel 

momento, dalla messa in scena 

di grandi classici della drammaturgia. 

Dopo quella fase si 

era fatto strada il desiderio di 

confrontarsi con testi di autori 

moderni e contemporanei, 

affrontando nuovi linguaggi e 

stimoli espressivi. È stato così 

che, nel 2020, la neocostituita 

formazione ha scelto di allestire 

Ferdinando, fra i testi più 

complessi e intensi di Annibale 

Ruccello, grande drammaturgo 

campano scomparso ad appena 

trent’anni, nel 1986. Già 

pluripremiato in altri importanti 

concorsi, lo spettacolo porta 

ora la compagnia di Bisceglie 

alla sua prima esperienza al 

festival. 


Dopo la morte del padre 

Flavio, tre sorelle vivono sotto 

lo stesso tetto, ma la convivenza 

non è certo delle più 

serene, visto che le rispettive 

individualità faticano a trovare 

il necessario equilibrio. Nella 

commedia siamo accompagnati 

dalla voce del defunto che, 

con tenerezza, veglia su di loro, 

sorprendendosi per certi inattesi 

tratti delle loro esistenze. 

Tra leggerezza e riflessione, 

il pubblico incontrerà allora 

Anna, sul punto di sposarsi 

con il volubile Giò, Azzurra, 

separata da Alessio e alle prese 

con la diagnosi di una malattia 

di cui non ha ancora informato 

le sorelle, e l’artista di famiglia, 

Alice, in costante competizione 

con Maddalena, sua compagna 

di studi all’Accademia. L’atmosfera 

è quella della più classica 

commedia americana, tra 

ironia, gag comiche, ritmo vorticoso, 

confessioni e improvvisi 

colpi di scena. 


Quando la madre muore, dopo 

una lunga malattia, Beatrice 

avvisa Anna, la sorella minore, 

che vent’anni prima aveva deciso 

di andarsene di casa, con 

la sua macchina fotografica al 

collo e tanta voglia di realizzare 

i propri sogni. Beatrice era 

rimasta, invece: oppressa da 

una madre incapace di amare e 

influenzata dall’onnipresente e 

manipolatore parroco don Vincenzo. 

Ai suoi occhi, Anna si era 

presa quello che voleva dalla 

vita, mentre lei, per senso del 

dovere, a una vita sua aveva 

rinunciato. Non aveva potuto 

avere una famiglia, un lavoro, 

non aveva potuto realizzarsi. 

Parte da qui, da questi conti 

in sospeso, il confronto tra 

Anna e Beatrice, in un continuo 

guardare indietro, ai ricordi 

condivisi di bambine e ragazze. 

Ma anche a quelli personali, 

intimi, segreti. Alle cose dette 

e a quelle taciute, fra rancori, 

rimpianti e domande. 


Clotilde, baronessa del Regno 

delle due Sicilie e fedelissima 

dei Borbone, vive in una sorta 

di auto-esilio nella sua tenuta, 

accudita dalla cugina-serva Gesualda 

e regolarmente visitata 

dal parroco, don Catello. Non 

accetta i cambiamenti politici 

che si stanno verificando fuori 

dal suo palazzo, ribadendo 

quel rifiuto anche attraverso 

il testardo uso di una lingua 

arcaica, pressoché incomprensibile. 

Il claustrofobico ripetersi 

dei giorni e delle notti viene 

spezzato all’improvviso dall’arrivo 

di Ferdinando, che con la 

sua giovinezza e la sua calda 

sensualità accende un fuoco 

che sembrava spento, facendo 

afforare segreti e desideri, 

anche i più oscuri. Come falene 

intorno alla luce, i tre si fanno 

abbagliare da Ferdinando e 

dal suo potere magnetico sulle 

loro vite spente. Ma è vera luce 

la sua? E Ferdinando è davvero 

ciò che sembra?

CONGRESSO 2023 

Facciamo teatro perché 

la realtà non ci soddisfa 

Un vivace dibattito e tanti spunti 

di riflessione hanno caratterizzato 

il congresso Fita Veneto 

2023, svoltosi domenica 8 

ottobre a Bardolino, al Teatro 

Corallo, con la partecipazione 

di un pubblico numeroso ed 

estremamente coinvolto nel 

dibattito. 

Tema di questa 36ª edizione 

è stato L’attore, tra necessità 

e passione, intorno al quale si 

sono confrontati sul palco, con 

il coordinamento della giornalista 

Sofia Teresa Bisi, tre attori 

di diversa estrazione: Miguel 

Gobbo Diaz, dalla solida formazione 

teatrale ma noto anche 

per le sue prove televisive, prima 

fra tutte Nero a metà con 

Claudio Amendola; Stefano 

Rota, nome di spicco della scena 

veneta oltre che formatore 

e docente di teatro; e Federico 

Barlani, coinvolto nella sua duplice 

veste di attore Fita (della 

compagnia Teatro del Corvo di 

Padova) e di psichiatra. 

Un dibattito vivace 

su e giù dal palco 

Immediato il feeling tra il pubblico 

e i tre ospiti, fin dalle prime 

battute, dedicate a “raccontarsi”. 

Ecco allora Rota rivelare il suo 

approdo “casuale” al teatro, 

caratterizzato in particolare 

da una prima esperienza con il 

Tag Teatro e Carlo Boso e dalla 

scuola di Alessandra Galante 

Garrone. Folgorante l’incontro 

con la maschera, poi il Teatro 

dell’Elfo, lo Stabile del Veneto e 

tante altre collaborazioni come 

quella ormai consolidata con il 

teatro popolare contemporaneo 

di Stivalaccio, ma sempre 

tenendo uno spazio tutto per 

sé, per ricercare e sperimentare. 

Un teatro terapeutico, il 

suo, per se stesso e per gli altri, 

i tanti che accompagna come 

formatore, attività che affanca 

da sempre a quella di attore. 

Non amava la scuola, ha raccontato 

Miguel Gobbo Diaz; 

una scuola che da un lato non 

era adatta a lui (ha studiato 

elettronica) e dall’altro non ha 

saputo capirlo e stimolarlo. Ma 

le deve senz’altro l’incontro 

In alto (e a fianco nelle foto più piccole) 

i relatori che hanno animato il congresso 

2023 di Fita Veneto: da sinistra, 

Stefano Rota, Federico Barlani e Miguel 

Gobbo Diaz, con la giornalista Sofia 

Teresa Bisi che ha condotto il dibattito. 

Qui sopra, da sinistra, il presidente Fita 

Veneto Mauro Dalla Villa, il presidente 

Fita Verona Nicola Marconi e ancora, 

per Fita nazionale, il vicepresidente 

Aldo Zordan e il consigliere Giunio 

Lavizzari Cuneo. 

Qui accanto, il presidente Dalla Villa. 

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con il teatro, che ha fatto emergere 

in lui la voglia di creare e 

di dimostrare a se stesso e agli 

altri che poteva farcela. Finite 

le superiori ha guardato dentro 

se stesso e ha capito che il teatro 

era tutto quello che voleva. 

Con l’appoggio della madre ha 

scelto di studiare a Roma: «Non 

è stato facile – ha ricordato -. 

Nel 2009 attori di colore non 

ce n’erano e tutti mi chiedevano 

se ero sicuro di quello che 

stavo facendo. Ho tentato per 

due anni, con una rabbia che si 

è trasformata in energia positiva. 

Poi finalmente sono entrato 

al Centro di Cinematografia 

Sperimentale. Dopo il diploma 

mi sono spostato a Londra, tra 

lavoro e studio dell’inglese. Poi 

è arrivato il provino di Nero a 

metà”. Dalla sua esperienza ha 

anche tratto uno spettacolo, 

che porta nelle scuole (L’inizio 

di un sogno), e da gennaio sarà 

con Andrea Pennacchi in Arlecchino?. 

Con Federico Barlani – il cui 

primo incontro con il teatro è 

avvenuto dalle suore, per poi 

restare silente fino all’università 

e lì riemergere «come un 

fiume carsico che scava sotto 

e poi esplode all’improvviso» 

- il racconto si è subito fatto 

riflessione sul tema proposto 

dal congresso. Perché facciamo 

teatro? Perché giochiamo 

con la fantasia? «Tutti noi – ha 

spiegato l’attore e psichiatra 

- nasciamo nella necessità di 

qualcosa, a partire dal nutrimento, 

e di qualcuno, perché 

da soli non siamo in grado di 

provvedere a noi stessi. La necessità 

progressivamente si 

trasforma in desiderio e ciò che 

non arriva nell’istante in cui lo 

desidera, il bambino deve allucinarselo: 

ed è da lì che nasce 

l’immaginazione, nel momento 

in cui dormendo il bimbo mima 

l’allattamento, il suo primo 

atto creativo. Poi si trasferisce 

il desiderio su altro (il ciuccio, 

il giocattolino). A quel punto 

iniziamo a comprendere che la 

realtà è frustrazione tra ciò che 

è e ciò che vorremmo che fosse 

e la creatività nasce appunto 

dalla frustrazione, da questa 

necessità di immaginare e desiderare 

qualcosa che non c’è. 

Tra desiderio e insoddisfazione: 

è qui che nasce il teatro». 

Poca considerazione 

da parte della scuola 

Tanti i temi trattati dai tre attori, 

in un vivace scambio di opinioni 

con il pubblico. Interessante, 

tra le altre, la riflessione 

Il giovane Riccardo Perin, 

che ha deciso di formarsi come attore. 

La sua prima esperienza 

è stata con Itaf. 

sul tipo di repertorio verso il 

quale, a loro giudizio, il teatro 

si sta orientando, che ha aperto 

a sua volta il grande tema della 

presenza dei giovani a teatro 

come spettatori. La scuola, su 

questo fronte, gioca un ruolo 

importante. Tutti concordi 

sul fatto che al teatro sia dato 

troppo poco spazio nella scuola 

italiana (a differenza di quanto 

avviene in altre parti d’Europa 

e del mondo), perché continua 

a essere visto troppo spesso 

come una perdita di tempo e 

lasciato alla buona volontà di 

qualche insegnante appassionato. 

Eppure il teatro, è stato ribadito 

dai relatori e anche sul piano 

scientifico da Barlani, è il solo 

medium espressivo che fa nascere 

qualcosa che qualcuno 

guarda e sente, in uno scambio 

diretto tra attore e spettatore: 

«È la vita di tutti – ha sottolineato 

Barlani – che vola da una 

persona all’altra, con l’attore 

che ci mette dentro una parte 

di se stesso, come in un gesto 

d’amore». 

E i giovani? Anche su questo 

fronte, vivace e ricco di spunti 

il dibattito, che ha chiamato 

in causa la scuola, la famiglia 

ma anche lo stesso mondo del 

teatro, che troppo spesso non 

sa dare al pubblico giovane le 

proposte adatte a stimolarlo, a 

incuriosirlo. 

Un giovane che ama il teatro 

e vuole andare fino in fondo 

Esperienze positive, comunque, 

non mancano, come 

quella di Riccardo Perin, rappresentante 

Fita Veneto che 

ha partecipato alla più recente 

edizione di ITAF, il percorso di 

alta formazione teatrale organizzata 

da Fita nazionale, con 

esperienze in Italia e all’estero. 

Subito dopo la scuola, per 

Riccardo era arrivato il lavoro. 

L’Orso di Lonigo 

vince il Gran Premio 

È andata alla Compagnia dell’Orso di Lonigo, in provincia di 

Vicenza, la sesta edizione del Gran Premio del Teatro Amatoriale 

Veneto, promosso dalla Federazione Italiana Teatro Amatori 

(FITA). La formazione si è imposta con il thriller Trappola per un 

uomo solo, testo di Robert Thomas e regia di Paolo Marchetto. 

Per il gruppo si aprono così le porte della finalissima nazionale 

del Gran Premio, che dal 2019 si è trasformato in una rassegnaconcorso 

live, ospitata in diverse regioni italiane. 

La proclamazione dei vincitori è avvenuta domenica 8 ottobre 

al Teatro Corallo di Bardolino, nel Veronese, in occasione della 

36ª edizione del Congresso regionale Fita Veneto. 

La Compagnia dell’Orso ha avuto la meglio su altre cinque 

finaliste: dal Trevigiano, Arte Povera in Riccardo III di Matteo 

Tarasco, per la regia di Francesco Boschiero; dal Vicentino, 

Circolo La Zonta in Medusa, testo e regia di Giampiero Pozza, e 

La Calandra ne L’altro lato del letto di Giovanni L. Badellino; dalla 

provincia di Verona, El Gavetin ne El cavalier da la trista figura di 

Franco Antolini e La Moscheta in Ladro di razza, testo di Gianni 

Clementi, regia di Andrea Marchesini. 

Questa la motivazione, stilata dalla giuria formata dai giornalisti 

Alessandra Agosti, Filippo Bordignon e Sofia Teresa Bisi: 

«Nell’oscuro gioco di specchi che è il motore di questo thriller 

di Robert Thomas, la Compagnia dell’Orso gioca con sapienza 

tutte le carte necessarie: un crescendo incalzante del ritmo; 

una convincente stratificazione dei personaggi, plasmati nelle 

loro continue e repentine variazioni da un gruppo di attori di 

ottimo livello; una regia attenta e rigorosa; e un intervento 

rispettoso e coerente sul testo originale, a creare un giallo a 

tinte forti, che avvince dalla prima all’ultima battuta». 

Ma il teatro, incontrato a scuola, 

gli scavava l’anima proprio 

come il fiume carsico descritto 

da Barlani. Per partecipare a 

Itaf, cui era stato indirizzato da 

Gabriella Loss, la regista della 

sua compagnia Teatroinsieme, 

Riccardo ha deciso di licenziarsi 

e darsi una possibilità, mettendoci 

tutta la determinazione e 

l’impegno necessari. 

Condotto dal presidente Fita 

Veneto, Mauro Dalla Villa, che 

ha proposto anche l’annuale 

relazione istituzionale, il congresso 

è stato aperto da un 

videomessaggio dell’assessore 

comunale alla Cultura, Domenica 

Currò, dai saluti istituzionali 

per Fita nazionale del 

vicepresidente Aldo Zordan e 

del consigliere Giunio Lavizzari 

Cuneo e dal benvenuto del 

presidente Fita Verona, Nicola 

Marconi. In chiusura, spazio alla 

presentazione della nuova edizione 

di Fitainscena, l’annuario 

delle compagnie Fita Veneto, 

e all’annuncio della compagnia 

vincitrice dell’edizione 2023 del 

Gran Premio del Teatro Amatoriale 

Veneto, che si è guadagnata 

l’accesso all’edizione 2024 

dell’omonimo premio di Fita 

nazionale: si tratta della Compagnia 

dell’Orso di Lonigo, che 

ha conquistato il gradino più 

alto del podio grazie al thriller 

Trappola per un uomo solo di 

Robert Thomas, per la regia di 

Paolo Marchetto. 

7

STORIA 

Arrivano i robot 

...Sipario! 

di Alessandra Agosti 

Forse non tutti sanno che la 

parola “robot” fu coniata nei 

primissimi Anni Venti da Josef 

Čapek, pittore e scrittore ceco 

(morto nel 1945 nel campo 

di concentramento di Bergen 

Belsen, in Germania, per il suo 

aperto contrasto al nazismo), 

fratello di Karel, anch’egli scrittore 

e drammaturgo. 

Fu proprio Josef, infatti, a 

suggerire a Karel il termine 

“robot” per identificare le creature 

protagoniste di un suo 

dramma utopico e fantascientifico: 

il primo nel quale questo 

tipo di “entità” artificiali fa la 

propria comparsa sul palcoscenico, 

al Teatro nazionale 

di Praga, il 25 gennaio 1921, 

nell’opera in tre atti e un 

prologo R.U.R. (acronimo di 

Rossumovi univerzální roboti, 

vale a dire I robot universali di 

Rossum), pubblicata nel 1920. 

Josef Čapek aveva preso spunto 

dalla parola ceca “robota”, 

che indica l’attività manuale 

faticosa, una sorta di lavori 

forzati o comunque tale da 

richiedere grande sforzo. In 

realtà, quelli portati sulla scena 

da Karel non sono i “robot” 

meccanici come li intendiamo 

noi: quelli dei romanzi di Isaac 

Asimov, per intenderci, solo 

per fare un esempio illustre, 

riferendoci al padre delle 

fondamentali tre leggi della 

robotica, ancora punto di riferimento 

in materia di rapporto 

uomo/macchina/intelligenza 

artificiale. Si trattava, invece, 

di “replicanti”, quindi a base 

organica (come l’uomo), più 

alla Blade runner, sempre per 

limitarci a esempi noti. 

Letta con gli occhi di oggi e 

della moderna ingegneria 

genetica, naturalmente la creazione 

di queste entità nell’opera 

di Čapek ci fa sorridere, tra 

macchine impastatrici e grandi 

tini nei quali le componenti di 

questi esseri venivano lavorate. 

D’altra parte siamo negli Anni 

Venti e la ricerca scientifica in 

questo campo era ancora di là 

da venire. 

I riferimenti 

Interessante, invece, dare 

un’occhiata ai riferimenti 

letterari che possono aver 

influenzato l’autore, così come 

lanciare qualche sguardo all’atteggiamento 

in materia da 

parte del cinema delle origini 

che in quegli anni si andava 

sviluppando. 

Per quanto riguarda la letteratura, 

gli esperimenti sui cadaveri 

compiuti tra Settecento e 

Ottocento dal bolognese Luigi 

Galvani e dal nipote Giovanni 

Aldini avevano creato un vivace 

dibattito in Europa, non solo 

nei laboratori scientifici ma 

anche nei salotti letterari. A 

trarne spunto era stato soprattutto 

il filone gotico di romanzi 

e racconti, avviato da Horace 

Walpole (con il suo Il castello di 

Otranto del 1764) e successivamente 

riacceso dal successo, 

in particolare, del Frankenstein 

o il moderno Prometeo di Mary 

Shelley, pubblicato nel 1818. 

Tre anni prima, però, non si 

può non ricordare L’uomo della 

sabbia, di E.T.A. Hoffman: è in 

questo testo che fanno la loro 

inquietante comparsa il Dottor 

Coppelius, mix di scienziato 

pazzo e alchimista infernale, e 

Olimpia, che si rivelerà essere, 

in realtà, una bambola meccanica. 

In quegli stessi anni, questo 

mondo oscuro e affascinante 

ispira molti altri autori, dando 

vita a opere letterarie fondamentali 

per indagare il rapporto 

tra umano e non umano artificiale: 

si pensi a Pinocchio, il 

burattino animato di Carlo Collodi 

del 1883; al visionario Eva 

futura di Auguste de Villiers de 

L’Isle-Adam del 1886; all’uomo 

di latta che nel 1900 compare 

ne Il meraviglioso mago di Oz di 

L. Frank Baum; o ancora, e soprattutto, 

a Il Golem di Gustav 

Meyrink, romanzo del 1915 

pubblicato proprio nella Praga 

di Karel Čapek appena cinque 

anni prima del debutto del suo 

dramma teatrale. 

Il Golem di Meyrink riprende 

una secolare tradizione ebraica 

derivata dalla Cabala, secondo 

la quale questo essere possente, 

simile a un uomo gigantesco 

ma senza anima, poteva 

essere “attivato” e “disattivato” 

da alcuni rabbini esperti 

scrivendo sulla sua fronte, 

come una sorta di interruttore, 

rispettivamente le parole “verità” 

e “morto”. Interessante notare, 

per comprendere il peso 

di questa tradizione, che nella 

lingua ebraica contemporanea 

golem significa anche robot. 

Passando dalla letteratura al 

cinema, un’altra curiosità. Nel 

1919, quindi un anno prima 

della pubblicazione del testo di 

R.U.R., usciva quello che è considerato 

il primo film (in realtà 

formato da 15 episodi) in cui 

8

In queste pagine, alcune scene dello spettacolo R.U.R.. In alto a sinistra, invece, 

la locandina del film a episodi The Master Mistery con Houdini. 

appare un automa, naturalmente 

spaventoso: si tratta di 

The Master Mistery, per la regia 

di Harry Grossman e Burton L. 

King, con il celebre illusionista 

Harry Houdini come attore 

protagonista; è lui infatti a 

interpretare Quentin Locke, 

che deve vedersela con una 

banda di malfattori che utilizza 

il robot Automaton come arma 

letale. 

Il successo 

È in questo panorama letterario 

e cinematografico che si 

muove l’ispirazione di Čapek 

per R.U.R., cui vanno naturalmente 

aggiunte le riflessioni 

sviluppate, in quegli anni, da un 

mondo del lavoro in profondo 

Da sinistra, Karel e Josef Čapek 

cambiamento, con il progressivo 

sviluppo della produzione 

industriale in una direzione 

sempre più a rischio di alienazione 

e disumanizzazione. 

L’opera ha un grande successo, 

andando in scena anche a New 

York nel 1922 e nelle principali 

capitali europee, con tanto 

di merchandising ad hoc, il 

giocattolo-gadget Robert the 

Robot: curiosità nella curiosità, 

Robbie sarà anche il nome del 

“robot buono” di un celebre 

racconto di Isaac Asimov del 

1940; e si chiamerà Robby il 

robot de Il pianeta proibito del 

1956 con protagonista un giovane 

Leslie Nielsen. Nel 1938 

R.U.R. fu anche riproposta dalla 

televisione inglese BBC in un 

versione ridotta dal vivo di 

poco più di mezz’ora. In Italia, 

invece, il dramma non piacque 

molto né al pubblico né alla 

critica. 

R.U.R. naturalmente influenzò 

anche opere posteriori, sia 

pure in maniera più o meno 

esplicita. Ambientazioni, 

tematiche e tratti di alcuni 

personaggi si ritrovano prima 

di tutto in Metropolis, iconica 

pellicola di Fritz Lang del 1927. 

Nel 1928 la scritta RUR era presente 

sul Robot Eric, automa 

costruito dal capitano William 

Richards e dall’ingegnere 

aeronautico Alan Reffelli e protagonista 

di un tour europeo, 

e così pure sui robot giganti 

del film del 1935 Gibel sensatsii 

(tradotto in inglese Loss of 

Sensation, in italiano Perdita di 

coscienza, o anche Robot of Jim 

Rippledel) del russo Aleksandr 

Andriyevsky. In tutti questi casi, 

dunque, per “robot” si intendevano 

costruzioni meccaniche e 

non replicanti a base organica, 

come invece previsto da 

Čapek. E con questo significato 

è usato anche oggi. 

La trama 

Per chiudere, qualche parola 

sulla trama di R.U.R.. Il dottor 

Rossum (cognome significativamente 

ispirato alla parola 

“rozum” che in ceco significa 

“ragione”) crea i suoi robot, 

replicanti organici, in una 

fabbrica edificata su un’isola 

sperduta. 

L’idea di liberare gli uomini 

dalla schiavitù del lavoro fisico 

(tema questo ancora oggi 

centrale nel dibattito sul senso 

e sui limiti dell’utilizzo della 

tecnologia e dell’intelligenza 

artificiale) si rivela disastrosa, 

perché l’umanità non utilizza 

il tempo per attività edificanti 

ma solo per lasciarsi andare a 

vizi ed eccessi. 

Come se non bastasse, i robot 

si ribellano agli uomini e danno 

il via a uno sterminio che 

nemmeno la distruzione dei 

progetti di costruzione degli 

automi riesce a fermare. Ma a 

un passo dalla catastrofe sono 

proprio due robot a provare 

emozioni e sentimenti “umani”, 

dando quindi una nuova speranza 

alla vita sulla Terra. 

9

ANNIVERSARI 

Il debutto teatrale di questo spettacolo - icona 

risale al 19 giugno 1973 

The Rocky 

Horror 

Picture 

Show 

(cinquant’anni 

e non dimostrarli) 

di Filippo Bordignon 

Il 2023 sancisce un anniversario 

importante nella vita di Richard 

O’Brien, compositore, attore e 

sceneggiatore il cui nome non 

dirà molto ai più, a meno di 

nominarne l’opera più celebre 

e celebrata: The Rocky Horror 

Show. Sono passati infatti 50 

anni dal debutto teatrale, era 

il 19 giugno 1973, di uno dei 

musical più atipici e rappresentati 

nella storia del genere, di 

cui O’Brien fu geniale sceneggiatore, 

nonché autore delle 

musiche e attore. 

Trasgressivo, eccessivo, 

coloratissimo e, soprattutto, 

caratterizzato da una sequenza 

di memorabili canzoni, il 

Rocky Horror, come abbreviato 

confidenzialmente dai suoi 

inguaribili estimatori, si è 

10

guadagnato il titolo di opera 

senza tempo, pur risultando, 

oggi più che mai, attualissimo. 

La visione di un sottobosco fluido 

di personaggi queer dove 

travestitismo, transessualità, 

omosessualità e bisessualità 

sono la regola, è lo sfondo di 

una trama che si riallaccia, in 

realtà, ai meccanismi del romanzo 

di formazione. Veniamo 

dunque alla vicenda: prossima 

alle nozze, una giovane coppia 

eterosessuale, Brad e Janet, 

è costretta a cercare riparo 

dalla tempesta in un maniero 

gotico. Qui viene accolta da 

tre inquietanti domestici, 

stravaganti figuri in bilico 

tra gli stereotipi dei B movie 

horror Anni ’40 e dei freak 

truccatissimi che anticipavano, 

di fatto, l’estetica punk di lì a 

esplodere. I due faranno poi 

la conoscenza del padrone di 

casa, il misterioso transessuale 

Frank-n-Furter, scienziato 

pazzo che, a notte inoltrata, 

sedurrà sessualmente entrambi. 

La storia, inoltre, riprende e 

attualizza il romanzo Frankenstein 

di Mary Shelley, sicché 

si assisterà alla creazione in 

laboratorio di un essere umano 

(Rocky, appunto), costruito per 

soddisfare gli appetiti sessuali 

di Furter. Brad e Janet usciranno 

inevitabilmente cambiati da 

quella notte di eccessi, avendo 

compreso l’esistenza di un 

mondo “sotterraneo” dove i 

valori della società borghese 

sono capovolti e l’unico 

imperativo è “Non sognatelo, 

siatelo!”. Tra balli, ballate, 

incursioni nel rock’n’roll dei 

fifties e rimandi alla sci-fi nella 

seconda parte dello spettacolo, 

il Rocky Horror è la celebrazione 

della rivoluzione sessuale 

teorizzata negli Anni ’60 e che, 

alle soglie del decennio successivo, 

stava già mostrando il 

suo lato più dionisiaco. Se negli 

States alcune “superstar” della 

Factory di Andy Warhol quali 

Jackie Curtis, Holly Woodlawn 

e Ondine avevano conquistato 

attraverso l’underground 

teatrale e cinematografico un 

proprio discreto seguito - in 

Gran Bretagna impazzava 

l’ambiguo travestitismo del 

cantante David Bowie, il quale 

aveva creato una rockstar 

fittizia a nome Ziggy Stardust, 

essere alieno e dunque non 

delimitato in recinti di genere, 

caratterizzato da costumi e 

trucco debitori al teatro Kabuki 

giapponese. In un contesto di 

tali fermenti, il giovane O’Brien 

arrivò al momento giusto 

esibendo l’idea giusta. 

Un paio di ruoli in trascurabili 

pellicole tra il ’65 e il ’73, il 

31enne originario di Cheltenham, 

squisita cittadina inglese 

caratterizzata dallo stile Regency 

delle sue architetture, è 

un giovane uomo dalla calvizie 

incipiente e un fisico filiforme; 

il suo amore per il rock e gli 

spettacoli di Broadway lo hanno 

guidato nella scrittura di un 

musical sfacciato ma divertente, 

una scommessa che, visti i 

tempi, potrebbe trovare forse 

un suo pubblico. A credere 

nel progetto è il produttore 

Jim Sharman, che firmerà la 

regia della prima storica messa 

in scena del Rocky Horror 

Show. Il debutto londinese al 

Royal Court Theatre, dopo le 

anteprime del 16 e 18 giugno, 

concede i risultati sperati: è 

l’inizio di una serie di repliche 

che, conquistato il Regno Unito, 

si spingeranno negli States 

l’anno successivo con una 

produzione losangelina che 

confermerà alcuni personaggi 

(tra cui, ovviamente, lo stesso 

O’Brien nei panni del domestico 

Riff Raff e lo straordinario 

Tim Curry nel ruolo di Frank- 

N-Furter), e ne sostituirà altri 

con successo (il motociclista 

psicopatico Eddie, interpretato 

nella seconda produzione dal 

corpulento cantante pop-rock 

Meat Loaf). Nel 1975 si tenterà 

perfino una terza produzione 

per Broadway, la quale si 

aggiudicò un paio di premi 

ma chiuse i battenti prima di 

quanto ipotizzato dalla critica 

specializzata. 

Per rilanciare un prodotto 

giudicato ancora spendibile, 

lo stesso anno si azzardò una 

versione cinematografica 

curata dallo stesso Sharman. 

Il risultato, grazie soprattutto 

alla programmazione nella 

fascia oraria dei così detti 

midnight movies, fece esplodere 

definitivamente il culto, 

diffondendo i personaggi dello 

spettacolo nel circuito della comunità 

omosessuale e lesbica 

e conquistando, più banalmente, 

gli amanti della musica 

di qualità. Al di là della storia, 

ballate come Science fiction, 

Superheroes o pezzi incalzanti 

e glam quali Sweet Transvestite 

non sono invecchiati di un solo 

istante, forti di melodie vincenti, 

arrangiamenti ben curati 

e interpretazioni viscerali ma 

di indubbia professionalità. 

Se nella pellicola compare 

una giovane e oggi glorificata 

Susan Sarandon, a fare la parte 

del leone è in realtà il truccatissimo 

Curry, che già aveva afflato 

gli artigli nel ’68 grazie alla 

versione londinese del musical 

Hair e vantava dalla propria 

una mimica assai duttile, sguardo 

penetrante e un peculiare 

timbro vocale. L’attore, oggi 

provato da un ictus che ne ha 

limitato la mobilità, ha dato 

prova, negli anni successivi al 

Rocky Horror, di una bravura 

sfavillante, dividendosi tra il 

palcoscenico, il grande schermo 

(Caccia a Ottobre Rosso e 

Legend, per citare due titoli), il 

piccolo schermo e l’attività di 

doppiatore. 

Di decennio in decennio il musical 

girerà il mondo, lanciando 

la carriera di giovani attori 

e concedendosi qua e là il 

lusso di qualche nome di prima 

grandezza, come nel caso del 

ruolo del narratore, affdato 

nella versione del 2010 alternativamente 

a Danny De Vito 

e Jack Nicolson. Il fenomeno 

non mancherà di sbarcare nel 

Bel Paese: proprio nel 2023, 

in occasione dei 50 anni dal 

debutto, si è tenuta al Gran 

Teatro Geox di Padova, dal 5 al 

7 dicembre, una versione autorizzata 

dallo stesso autore, un 

Rocky Horror in lingua originale 

ma con un narratore italiano a 

introdurre le varie scene. Caso 

più unico che raro nella lunga 

storia del genere musical, 

questo lavoro si caratterizza 

per una sentita interattività 

col pubblico, il quale spesso 

arriva in sala vestendo i panni 

dei suoi personaggi favoriti, 

canta i brani insieme agli attori 

e pronuncia a voce alta le battute 

più evocative. Non solo. 

C’è persino chi è arrivato a 

introdurre in sala veri e propri 

elementi di scena, aprendo in 

platea l’ombrello durante la 

scena della tempesta. 

Ma Rocky Horror si è trasformato 

in ben altro e cioè in uno dei 

simboli più longevi e accattivanti 

della liberazione sessuale, 

messa in scena dei principi 

secondo cui la sessualità non è 

subordinata al genere sessuale 

di nascita come paventato dalle 

Sacre Scritture prodotte da 

ogni principale tradizione religiosa 

nel mondo. È, appunto, il 

trionfo del motto pronunciato 

dal folle Furter in una delle scene 

più emozionanti dell’opera: 

“Non sognatelo, siatelo!”. Un 

tema caro al mondo della musica 

pop, e ripreso dalla band dei 

Queen nell’arcinoto brano del 

1991 Innuendo: “Tu puoi essere 

tutto ciò che vuoi essere/ basta 

che ti trasformi in quello che 

pensi di poter essere”. Un 

pericoloso incoraggiamento 

cavalcato senza paure dal 

movimento Lgbt, che ha come 

conseguenza indiretta l’apertura, 

nel mondo dell’istruzione 

scolastica italiana, alla così 

detta Carriera Alias, sicché uno 

studente di 16 anni può imporre 

a compagni e insegnanti 

di chiamarlo/a con pronomi 

contrari al suo sesso biologico. 

Questioni delicatissime, su cui 

sarebbe necessario aprire e 

mantenere aperto un dialogo 

pubblico rispettoso e privo di 

atteggiamenti ideologici, una 

situazione resa possibile da 

una società globalizzata che, 

anche grazie a opere artistiche 

come il Rocky Horror, sta 

attraversando un percorso di 

rimozione di tabù millenari, 

convinta di pervenire all’inedita 

forma di un essere umano 

liberato da ogni convenzione 

e paura, un individuo senza 

un’identità immodificabile che 

sceglierà in che modo la tecnica 

(nella forma del progresso 

tecnologico) potrà avverare 

ogni suo desiderio. In questo 

scenario, le cosiddette leggi 

naturali sono un dettaglio da 

scrollarsi di dosso, un sovrappiù 

che ostacola le ragioni del 

proprio Io, il quale andrebbe 

soddisfatto quale che sia il 

prezzo da pagare. Secondo una 

tale lettura, la transessualità 

ricavata da un intervento chirurgico 

diviene affrancamento 

dalla sudditanza a quel Dio che 

alla nascita ci dona un corpo di 

un genere specifico (per i credenti) 

o a Madre Natura (per 

tutti gli altri), in un gioco di 

identità e ruoli intercambiabili 

che bene aderisce a un mondo 

ormai privo di certezze o 

indicazioni chiare per il proprio 

futuro. 

Speculazioni intellettuali a parte, 

sotto un profilo artistico, a 

noi resta l’innegabile spessore 

di uno show capace di emozionare 

dopo cinque decenni, 

una storia che ha generato 

un film scelto nel 2005 per la 

conservazione nel National 

Film Registry della Biblioteca 

del Congresso degli Stati Uniti 

e una serie di ramificazioni di 

valore variabile, dalla miniserie 

per la tv del 2016 The Rocky 

Horror Picture Show: Let’s Do 

the Time Warp Again e fino alle 

innumerevoli citazioni disseminate 

in cartoni animati, fumetti, 

brani musicali, romanzi, 

opere pittoriche. 

L’unico vero passo falso di tutta 

la vicenda arriverà nel 1981, 

quando O’Brien e Sharman 

tenteranno maldestramente 

di dare un seguito alla vicenda 

di Brad e Janet nel trascurabile 

film Shock treatment: l’operazione 

commerciale si rivelerà 

un buco nell’acqua, priva dei 

suoi attori feticcio e sprovvista 

di canzoni memorabili come 

quelle dell’opera prima. 

11

ANNIVERSARI L’attore ha compiuto 80 anni nel 2023 

ROBERT DE NIRO 

Foto di Petr Novák, Wikipedia. 

Licenza CC BY-SA 2.5, 

https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4443635 

di Filippo Bordignon 

Schivo, schietto, una vita sotto 

i riflettori solcando decenni 

in cui il cinema fu un medium, 

ahinoi, oggi irripetibile: Robert 

De Niro ha compiuto 80 anni. 

Ed è stato un anno di alti e 

bassi, questo 2023, 12 mesi in 

cui l’attore statunitense, classe 

1943, ci ha donato l’ennesima 

prova del proprio genio drammatico, 

grazie soprattutto 

all’epico e controverso Killers 

of the Flower Moon in coppia 

con Leonardo DiCaprio per la 

regia dell’inossidabile Martin 

Scorsese, ma anche delle sue 

capacità comiche, attraverso 

la trascurabile commedia di 

Laura Terruso Papà scatenato. 

Una frase riassume con 

una certa effcacia la carriera 

di Robert Anthony De Niro, 

newyorkese nato da madre 

pittrice di origini olandesi, 

tedesche e francesi, e padre, 

Di Niro il vero cognome, artista 

lui pure, con origini irlandesi e 

molisane: “Il talento sta nelle 

scelte”. Similmente a quella del 

collega e amico Al Pacino, la 

carriera di De Niro è divenuta 

un simbolo della recitazione 

stessa, grazie anche a una 

lunga serie di scelte azzeccate, 

indovinando la partecipazione 

a tante pellicole divenute cult 

quando non addirittura capolavori 

della cosiddetta “Nuova 

Hollywood”. Se Pacino rifiutò, 

per non citarne che tre, i ruoli 

da protagonista per film quali 

Guerre stellari, Rambo e Taxi 

driver, De Niro fece incetta di 

successi con titoli quali Il padrino 

- parte II (1974), Novecento 

(‘76), Il cacciatore (’78), C’era 

una volta in America (’84), Mission 

(‘86), Gli intoccabili (’87), 

Cape fear (1991), Casinò (’95), 

assicurandosi, dai seventies al 

secondo ventennio del nuovo 

12

millennio, una media di 3-4 

pellicole memorabili per decennio. 

Ironia della sorte, egli 

sbocciò alle grazie di pubblico 

e critica specializzata proprio in 

quel Taxi driver del ‘76 rifiutato 

dal vecchio Al. 

Stacanovista maniacalmente 

attento al dettaglio, egli è 

divenuto a pieno merito uno 

dei prodotti più emblematici 

dell’Actor Studio portato in 

auge dal leggendario Lee 

Strasberg, oltre a essersi 

formato, in tarda adolescenza, 

anche all’HB Studio e nel 

Conservatory di Stella Adler, 

dove approfondì i metodi del 

sommo insegnante russo Konstantin 

Sergeevič Stanislavski. 

Sono memorabili i racconti 

sulle “matte e disperatissime” 

preparazioni a cui si sottopose 

per entrare nei ruoli che hanno 

determinato la sua glorificazione 

in vita. Basti pensare che, 

per interpretare il sociopatico 

tassista del già citato Taxi 

driver, lavorò proprio come 

tassista nelle zone meno 

battute di New York per i sei 

mesi antecedenti all’inizio delle 

riprese. Quattro anni più tardi, 

la sua interpretazione nel film 

biografico Toro scatenato gli 

valse un premio Oscar come 

migliore attore; il racconto, 

incentrato sulla vera storia del 

pugile italoamericano Jake 

LaMotta, prevedeva un intreccio 

narrativo tra scene del 

LaMotta anziano e flashback 

sul periodo dell’attività professionale; 

grazie ad allenamenti 

estenuanti e a un rigorosissimo 

regime alimentare, l’attore 

riuscì prima a formare la propria 

massa muscolare affnché 

risultasse credibile nei panni 

di un pugile dei pesi medi, per 

poi acquisire ben 30 chilogrammi 

di massa grassa, così da 

esibire uno stomaco flaccido 

e, soprattutto, reale, perfetto 

per tratteggiare gli anni del 

declino fisico senza ricorrere 

all’artificio delle imbottiture. 

Un record, quello, che neppure 

il camaleontico Joaquin Phoenix 

riuscì a eguagliare, avendo 

perso “solo” 25 chilogrammi in 

vista della sua osannata interpretazione 

nel Joker di Todd 

Phillips (2019). 

Non sembra vi siano limiti oltre 

i quali De Niro non sia disposto 

ad avventurarsi, pur di pervenire 

all’effetto desiderato. Ancor 

più emblematica la limatura 

dei denti a cui si sottopose 

(5.000 dollari di intervento) 

per conferire un aspetto più 

minaccioso al personaggio 

di Max Cady, psicopatico coprotagonista 

di Cape fear; voci 

non confermate, sostengono 

che venne poi affrontato un 

secondo intervento da circa 

20.000 dollari per il restauro 

della dentatura. 

Studiando le interviste in cui 

i colleghi parlano della loro 

esperienza con De Niro e, 

soprattutto, analizzandone 

tecnicamente le interpretazioni 

dall’avvenuta maturità 

artistica in poi, diciamo, indicativamente, 

a partire da Batte 

il tamburo lentamente del ’73 

- triste vicenda di un giocatore 

di baseball affetto da linfoma 

di Hodgkin - si evincono alcune 

caratteristiche di cui il nostro 

è padrone. In primis un lavoro 

sulla verità dell’esperienza, 

così da consegnare al pubblico 

emozioni quanto più veritiere 

possibili, anche nei casi di 

identificazioni con personalità 

limite. A ciò si aggiunge un approccio 

attoriale che sviluppa 

ulteriori dettagli e possibilità 

interpretative derivandole 

dalle circostanze, e qui oltre 

allo studio del soggetto da 

impersonare e del contesto 

in cui è inserito gioca un ruolo 

fondante la capacità improvvisativa. 

Un esempio su tutti è l’iconica 

scena di Taxi driver in cui 

l’attore inventò di sana pianta 

il breve monologo allo specchio 

(“Stai dicendo a me?”), scena 

ancor oggi impiegata come 

esercizio nelle scuole di teatro 

di mezzo mondo. Anche nelle 

pellicole meno riuscite, anche 

nei ruoli più smaccatamente 

commerciali, si evince la fruttifera 

adesione a una recitazione 

nel “qui e ora”, condizione in 

cui le azioni nascono ed esplodono 

nel momento stesso 

della loro esecuzione. Una peculiarità, 

questa, appresa per la 

prima volta calpestando le assi 

del palcoscenico. Se pure non 

esistono videoregistrazioni 

dell’attività teatrale di De Niro, 

possiamo almeno risalire agli 

spettacoli che lo videro parte 

del cast; un’attività iniziata ufficialmente 

nei primi Anni ’60, 

con il dramma del tedesco Rolf 

Lauckner Cry in the street e 

proseguita senza picchi di rilievo 

con altri lavori poco noti da 

autori trascurabili. Con alcune 

eccezioni. L’orso di Anton Cechov 

(’68), Il seminterrato di Harold 

Pinter (’69) e Va e vieni di 

Samuel Beckett (’69), tre scelte 

di prestigio a cui si aggiunge 

una bizzarria per chiudere gli 

Anni ’60 all’insegna dell’underground: 

Glamour, gloria e ori: 

vita e leggenda di Nola Noonan, 

dea e star di Jackie Curtis, 

autore e attore travestito 

lanciato dalla Factory di Andy 

Warhol e responsabile di una 

manciata di commedie teatrali 

rappresentate in situazioni 

off-off pressoché sconosciute 

qui in Italia. 

L’attività teatrale del nostro si 

interrompe a metà dei seventies, 

con la sola eccezione, nel 

1986, del debutto a Broadway 

di Cuba e il suo orsacchiotto, 

opera del talentuoso Reinaldo 

Povod, drammaturgo di 

residenza nello storico Public 

Theatre di Manhattan negli 

eighties, morto prematuramente 

di Aids nel 1994 a 34 

anni. 

Per meglio comprendere il 

rapporto tra De Niro e il teatro 

torna utile il paragone con Pacino: 

se il collega ha dichiarato 

infatti di sentirsi più vivo a teatro 

che in qualsiasi altro posto, 

De Niro ha dato l’impressione 

di prediligere le comodità 

delle riprese cinematografiche 

e televisive, situazioni in cui, 

raccontano in molti, è capace 

di schiacciare sonori pisolini tra 

una ripresa e l’altra, anche nei 

casi di scene mnemonicamente 

complesse o impegnative sotto 

il profilo dell’interpretazione. 

Egli appare come un pacificato 

gatto randagio, poco incline a 

spendersi in parole ma capace, 

proprio da certi silenzi o dal 

fraseggio appena accennato in 

occasione di qualche intervista 

televisiva, di caricare l’interesse 

dello spettatore. E qui emerge 

la peculiare verve comica di 

De Niro. Il primo titolo che ne 

certifica tale abilità è anche 

uno dei meno nominati della 

sua filmografia, la strampalata 

commedia di Scorsese Re per 

una notte (’83); qui Robert si 

trasforma in Rupert Pupkin, 

improbabile comico in erba alla 

ricerca dell’occasione giusta 

per sfondare. La pellicola non 

si distingue tanto per la qualità 

delle battute o delle situazioni 

umoristiche, quanto per la 

divertente (e mai divertita) 

mancanza di talento di Pupkin, 

il quale riuscirà comunque a 

ottenere la notorietà, a suo 

modo, grazie alla cassa di risonanza 

fornitagli dal medium 

televisivo. Un grande attore, si 

direbbe perciò, è tale indipendentemente 

dall’effcacia 

delle battute che deve pronunciare, 

riuscendo a evocare 

i sentimenti e le emozioni più 

funzionali in virtù della propria 

personalità, di un magnetismo 

che nessuna scuola di 

teatro può instillare in chi ne è 

privo. Altra prova vincente nel 

registro comico è Non siamo 

angeli (’89), remake omonimo 

della pellicola datata 1955 

con Humphrey Bogart, in cui 

dà prova di grande spessore 

anche un giovane Sean Penn 

che qui gioca per sottrazione; 

dall’incontro/scontro tra i 

diversi caratteri di due evasi 

“ladri di polli” scaturisce una 

commedia scritta, girata e 

interpretata magistralmente, 

un film da cassetta che calza 

perfettamente quell’abilità nel 

fornire prodotti commerciali 

ma di qualità tipica degli Stati 

Uniti. 

Una carriera di tal lignaggio, 

non garantisce che l’uomo 

dietro la maschera sia un cittadino 

esemplare, nonostante 

l’impegno sociale e politico (a 

favore dei Democratici) per cui 

l’attore è inoltre noto. È notizia 

del mese scorso la condanna 

della sua società Canal Productions 

al pagamento di 1,2 

milioni di dollari all’ex assistente 

dell’attore, Graham Chase 

Robinson, a causa di iterati 

comportamenti rei di discriminazione 

di genere. A stupire, 

non è tanto la richiesta iniziale 

della ex factotum 41enne, ben 

12 milioni di dollari per “gravi 

danni emotivi e di reputazione”, 

ma la denuncia di aver 

dovuto sbrigare incarichi 

“offensivamente denigranti e 

stereotipicamente femminili” 

quali la cura dell’abitazione di 

De Niro. Lascia però perplessi 

certi amanti del buon senso 

la questione degli incarichi 

“offensivamente legati a 

stereotipi femminili” quali le 

pulizie domestiche. Ferma 

restando la condanna contro 

i furboni che assumono con 

una mansione e si allargano 

ad altre di totalmente diverse, 

resta per lo meno aperta una 

questione: se la richiesta “fuori 

mansioni contrattuali” di lavare 

le lenzuola fosse capitata a un 

uomo, questi non lo avrebbe 

forse trovato frustrante e 

ingiusto al pari di una donna? 

Il divario tra i demonizzatori 

di tutto ciò che riporta, anche 

alla lontana, agli errori della 

società patriarcale e quelli 

che considerano sullo stesso 

piano le ingiustizie, quale che 

sia il genere sessuale di chi le 

sperimenta, è destinato ad 

allargarsi. Il buon vecchio Robert, 

già taciturno e ombroso 

di suo, c’è da giurarci, passerà il 

resto della sua vecchiaia sui set 

guardandosi bene dal gentil 

sesso. 

13

TERRITORIO - ROVIGO 

Teatro per Casa, anno quarto: 

una nuova edizione di successo 

Si è svolta fra ottobre e 

novembre la quarta edizione 

di Teatro per casa, applaudita 

iniziativa che apre le porte di 

storiche dimore del Polesine 

trasformandole, per un giorno, 

in luogo di spettacolo. 

Promossa dalla Provincia di 

Rovigo, la manifestazione è 

realizzata in collaborazione 

con Fita Rovigo. 

Quattro gli eventi in programma 

quest’anno: il 15 

ottobre a Villa Grassi di 

Baricetta – Adria, complesso 

architettonico costruito 

durante i primi anni del XVII 

secolo, dove la compagnia 

L’Archibugio di Lonigo (Vicenza) 

ha proposto Paolo e Orgiano 

per la regia di Giovanni 

Florio; il 22 ottobre a Ca’ 

Salvioni Fracasso di Pontecchio 

Polesine, 

corte agricola padronale del 

Settecento rimasta quasi 

immutata, che ha fatto da 

scenario a Streben Teatro 

di Treviso ne I danni del 

tabacco da Anton Cechov; il 

29 ottobre a Villa Morosini 

Vendramin Calergi di Fiesso 

Umbertiano, risalente agli inizi 

del ‘700, con Teatro Nexus 

di Rovigo in Una questione di 

risparmio – Atto unico per due 

spose spinose di Barbara Chinaglia; 

e infine il 5 novembre 

a Palazzo Calzolari-Badini di 

Melara, edificio padronale 

risalente ai primi del 1800, 

dove la rassegna si è chiusa 

con la Compagnia I Ruscoletti 

di Canda in Amigo, me preme 

la scalcaria…, su testi tratti 

da Carlo Goldoni. 

Una bella esperienza il corso di regia con Filippo Tognazzo 

14 

Si è svolto a novembre il corso di regia organizzato da Fita Rovigo, 

per il quale sono stati selezionati diciotto iscritti. Il coordinamento 

artistico è stato dell’attore e regista Filippo Tognazzo, 

mentre i registi protagonisti degli incontri di approfondimento 

sono stati Sandra Mangini (Fare teatro con le comunità del territorio), 

Giuseppe Emiliani (Carlo Goldoni, nostro contemporaneo) 

e Alberto Rizzi (Immaginare la scena). Per la parte laboratoriale, 

Tognazzo ha scelto di lavorare con i corsisti su Il calapranzi di 

Harold Pinter.

TERRITORIO - TREVISO 

38° Tempo di Teatro all’Aurora 

E il pubblico premia Asolo Teatro 

Tradizionale appuntamento 

all’Aurora per Tempo di Teatro, 

storica rassegna del Comitato 

provinciale Fita di Treviso, giunta 

alla 38ª edizione e proposta 

per offrire al pubblico un calendario 

ricco di spettacoli. 

Molto varia la proposta di 

quest’anno, con testi sia in lingua 

che in vernacolo, commedie 

e drammi. In palio anche il 

premio del pubblico, andato 

ad Asolo Teatro per la commedia 

Che spirito, me suocera! di 

Simona Ronchi per la regia di 

Rossana Mantese. Ma tanti gli 

applausi anche per tutti gli altri 

spettacoli in cartellone: Cyrano 

Cyrano della Compagnia Stabile 

del Leonardo di Treviso, per 

la regia di Massimo Pietropoli; 

Spetar e no venir l’è robe da morir 

della Filodrammatica Guido 

Negri, per la regia di Barbara 

Riebolge; Funeral Party con 

Aquaalta Teatro per la regia 

di Roberto Dupre; e La moglie 

dell’eroe messo in scena, nella 

serata di gala che ha chiuso la 

rassegna, da ArtePovera, per la 

regia di Francesco Boschiero. 

Nel sito di Fita Veneto sono presenti anche apposite sezioni 

dedicate ai Comitati provinciali della Federazione, 

dove sono disponibili i contatti e le notizie relative 

all’attività federativa nel territorio. 

I due workshop sono stati tenuti da Giampiero Pozza e da Sara Tamburello e Luca Nardon 

Effcacia della recitazione e ritmo teatrale con Fita Vicenza 

Organizzati da Fita Vicenza, tra 

novembre e dicembre 2023 si 

sono svolti due workshop di 

formazione. 

Il 26 novembre è toccato a un 

appuntamento per migliorare 

l’effcacia della recitazione, 

tenuto dall’attore e regista de 

La Zonta Giampiero Pozza nella 

sala parrocchiale di S. Lazzaro 

a Vicenza. Il corso ha proposto 

numerosi esempi, suggerimenti 

pratici ed esercizi singoli e 

collettivi per migliorare l’emissione 

sonora e la comunicazione 

emotiva della recitazione, 

sia in lingua che in dialetto, 

favorendo la comprensibilità 

del recitato pur mantenendone 

la naturalezza e sviluppando 

la capacità di coinvolgimento 

emotivo del pubblico. 

Il 16 dicembre, invece, l’attrice 

Sara Tamburello e il percussionista 

Luca Nardon hanno 

condotto un incontro di 

formazione dedicato al “Ritmo 

teatrale”, alla scoperta delle 

interazioni tra corpo e ritmo 

delle parole e della musica. Il 

workshop si è svolto a Montecchio 

Maggiore, nella sede di 

Snap Danze Urbane. 

Nelle foto i due gruppi di partecipanti 

ai corsi Fita Vicenza. 

15

FESTIVAL REGIONALE 

Il padovano Mariano Agostinelli 

ha vinto la terza edizione del 

Festival regionale del monologo 

“Pillole di Teatro”, promosso 

da Fita Veneto con serata finale 

l’8 settembre a Rovigo, in una 

piazza Annonaria “sold out”. 

L’attore, che recita nella compagnia 

La Cittadella del Musical 

di Cittadella, ha conquistato la 

vittoria con un brano tratto da 

Novecento di Alessandro Baricco: 

«La sintesi operata sul testo 

– ha scritto nella motivazione la 

giuria, composta dalla giornalista 

Sofia Teresa Bisi, dall’operatore 

teatrale e regista Emilio 

Milani e dall’attore Filippo Maria 

Covre – rende comprensibile 

in pochi minuti la storia originale 

nella sua interezza. Apprezzabile 

lo studio corporeo della 

nevrosi del protagonista, elemento 

di originalità e di caratterizzazione 

dello stesso. Regia 

curata e attenta a sottolineare 

i movimenti interpretativi del 

personaggio». 

Il premio del pubblico è invece 

andato a Roberto Pinato di 

Rovigo, che ha proposto Oggi 

interrogazione da Io per voi, un 

libro aperto di Enrico Brignano. 

Una bellissima serata di teatro, 

quella che ha concluso il Festival, 

realizzata con il sostegno 

della Regione del Veneto, con il 

patrocinio della Provincia di Rovigo 

e con il patrocinio e il contributo 

del Comune di Rovigo e 

di Fondazione Rovigo Cultura. 

Oltre 350 gli spettatori accorsi 

in piazza Annonaria per quello 

che, nato proprio a Rovigo 

come evento provinciale e da 

tre anni divenuto regionale, si è 

rivelato fin da subito un appuntamento 

amato e atteso, realizzato 

da Fita Veneto d’intesa 

con i propri Comitati provinciali 

di Padova, Rovigo, Treviso, Venezia, 

Verona e Vicenza e con i 

Comuni che, tra giugno e luglio, 

ne hanno ospitato le selezioni. 

Tanti applausi anche per gli altri 

sfidanti: Elena Tomasi di Rovigo, 

Anna Bernardi e Pasqualina 

Milano di Treviso, Giulia 

Giordano e Matteo Bertassello 

di Verona, Luana Scomparin e 

Paolo Ius di Venezia, Erika Magnabosco 

e Marcello De Boni di 

Vicenza. 

Alla finale ha voluto portare 

un saluto speciale il sindaco di 

Rovigo, Edoardo Gaffeo, che 

a nome dell’Amministrazione 

comunale ha sottolineato «il 

valore culturale della serata, 

che ha messo in evidenza le 

tante sfaccettature del teatro» 

e «la bellezza di ospitare in una 

PILLOLE DI TEATRO 

incorona Mariano Agostinelli 

piazza Annonaria così piena un 

pubblico proveniente da tutto 

il Veneto». Tra i presenti, anche 

il vicesindaco e assessore 

al Bilancio, Roberto Tovo, l’assessore 

alla Cultura, Benedetta 

Bagatin, il presidente della Banca 

del Monte di Rovigo, Giorgio 

Lazzarini, il presidente della 

Fondazione per lo Sviluppo del 

Polesine, Virgilio Santato, e il 

senatore Bartolomeo Amidei, 

che ha espresso un plauso al 

concorso e alla qualità delle esibizioni. 

Condotta dalle presidenti provinciali 

Fita di Rovigo, Roberta 

Benedetto, e di Treviso, Sladana 

Reljic, la serata ha visto la 

partecipazione del presidente 

regionale Fita Veneto, Mauro 

Dalla Villa (che nel suo saluto ha 

ricordato Pierluca Donin, scomparso 

proprio in quei giorni, 

come un grande appassionato 

di teatro), dei componenti del 

Consiglio regionale Fita e degli 

altri presidenti provinciali della 

Federazione. 

«Una volta di 

più – ha commentato 

Dalla 

Villa – non 

possiamo che 

essere molto 

soddisfatti 

per il successo 

di questo 

concorso, 

apprezzato 

sia dagli interpreti 

che 

dal pubblico 

e affermatosi, 

in pochi 

anni, come 

una delle 

punte di diamante dei nostri 

festival. Questi appuntamenti 

fanno bene al teatro, perché 

richiamano un pubblico desideroso 

di assaporare una varietà 

di generi e di stili recitativi e 

siamo lieti – ha concluso il presidente 

Fita Veneto - di poter 

offrire questo tipo di formula e 

con una qualità di ottimo livello, 

come ha confermato anche 

questa finale». 

Per Mariano Agostinelli la vittoria 

al Festival “Pillole di Teatro” 

vale l’accesso diretto alla 

finalissima di un Festival interregionale 

del monologo che si 

svolgerà nel 2024. 

Nella foto, Mariano Agostinelli 

premiato dal presidente Fita Veneto, 

Mauro Dalla Villa. 

Vicenza. Fita Veneto invitata a “Eventi al Monte” 

Alla prima edizione di “Eventi al Monte”, stagione artistica e culturale proposta da Fondazione Monte 

di Pietà di Vicenza e Palazzo del Monte srl con la direzione artistica di Filippo Furlan, c’è anche un 

po’ di teatro grazie a Fita Veneto. La Fondazione, tra le Istituzioni culturali più antiche e prestigiose 

di Vicenza, ha infatti invitato il Comitato Veneto della Federazione a partecipare come partner della 

rassegna, che si alternerà tra la Sala Pegni, spazio che tra l’altro custodisce un prezioso affresco di 

Alessandro Maganza, e l’affascinante chiesa di San Vincenzo, in Piazza dei Signori, di fronte alla Basilica 

Palladiana. 

E sarà proprio San Vincenzo a ospitare i tre appuntamenti in programma, fissati tra gennaio e marzo, 

che avranno come protagoniste altrettante formazioni vicentine Fita, impegnate in “prove aperte” 

con inizio alle 21 e della durata di circa un’ora, seguite da un confronto con il pubblico presente. Mercoledì 

24 gennaio toccherà a LunaSpina Musica e Teatro, in prova con Vivere stanca, testo originale 

scritto e diretto da Nicola Pegoraro. Mercoledì 21 febbraio sarà la volta de La Trappola impegnata 

in alcune scene tratte da Donne sul filo, spettacolo al femminile diretto da Maria Maddalena Galvan. 

Venerdì 1 marzo, infine, prova de La Ringhiera, guidata da Riccardo Perraro in alcuni passaggi da Chi 

ha paura di Virginia Woolf? di Edward Albee. 

Programma generale e approfondimenti disponibili nel sito www.eventialmonte.it. 

16

Fitainforma Novembre/Dicembre 2023

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