Biancoscuro Art Magazine #57
Richiedi una copia o scarica un PDF dal sito https://artshop.biancoscuro.it - BIANCOSCURO Rivista d’Arte viene distribuita nelle più importanti fiere e mostre d’arte, recapitata a collezionisti, gallerie ed enti culturali. Viene inoltre distribuita su PressReader.com ed EBSCO. BIANCOSCURO rivista dedicata all'ARTE dove musei, enti, fondazioni, istituzioni e gallerie promuovono importanti mostre ed iniziative culturali. Con BIANCOSCURO gli artisti indipendenti possono acquisire notorietà ed espandere i propri contatti. ENGLISH INFO - BIANCOSCURO is a ART MAGAZINE. The paper version of BIANCOSCURO Art Magazine is distributed at the most important trade fairs and exhibitions, delivered to collectors, galleries and cultural institutions. BIANCOSCURO is a Magazine dedicated to ART, where museums, foundations, institutions and galleries promote exhibitions and cultural initiatives. With biancoscuro the independent artist gain visibility and expand their contact.
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biAncoscuro
rivistA d’Arte
Numero 57 - aprile/maggio 2023 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione - € 10
ISSN 2385-1708 Poste Italiane Spa - Sped. in Abb. Post. - Aut.Lombardia/01496/12.2014 - Bimestrale - Numero 57 - Aprile 2023
9 772385 170005
In questo numero
Impressionisti
Dagli inizi alla loro eredità
Art Basel Hong Kong
Sold Out!
Michelangelo Pistoletto
Arte e Misteri a Milano
Ettore Sottsass
Catania dimora dell’anima
Passeggiando all’indietro
Le Tavolette Enigmatiche
di Cavriana
Eugenio Cerrato
Audace ed irriverente
THE ART MARKET 2023
A report by Art Basel & UBS. Launching April 4.
MARK KOSTABI
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biancoscuro
rivistA d’Arte
Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione
011 L’Editoriale
di Vincenzo Chetta
014 Capolavori a confronto
Brescia e Bergamo: Capitali italiane
della Cultura
018 Impressionisti
Dagli inizi alla loro eredità
022 Edgar Degas
La sua Napoli
026 I Macchiaioli
La rinascita della pittura italiana
028 Scambi in controcorrente
Un inedito confronto a Palazzo Albergati
044 Ercole de’ Roberti vs
Lorenzo Costa. Il Rinascimento
056 Antonio Canova. Il principe
della scultura in mostra a Roma
124 Street Art
L’Italia dell’Arte urbana
096 BAC Winter Edition 2022
Tutti i vincitori
062 Galileo Chini
Le sue raffinate ceramiche al MIC
074 Le grandi stelle dell’arte
globale. La Collezione Sandretto Re
Rebaudengo a Palazzo Strozzi
084 Stefano Bombardieri
Metafore
113 Carla Cerati. I suoi racconti
114 Catania dimora dell’anima
Le fotografie di Ettore Sottsass a
Castello Ursino
118 Gli scatti di Eve Arnold
La prima donna dell’Agenzia Magnum
122 Sue Park
La bellezza della natura
098 Passeggiando all’indietro:
le Tavolette Enigmatiche di Cavriana
Introduzione ai percorsi del mito
[34ª puntata]
In copertina: (Cover story)
032
Eugenio Cerrato
Audace ed irriverente
Over
036
the Cover:
Bruno Azzini
Il “pennello” come
simbolo creativo
018 022 026
084
QUESTA è LA VERSIONE FREE di BIANCOSCURO
122
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EXHIBITIONS SPECIALS
ART FAIRS
biancoscuro
rivistA d’Arte
Bimestrale di Arte, Cultura e Informazione
098 Art Fair. Fiere ed esposizioni internazionali
100 Vernice Art Fair. Il pubblico delle grandi occasioni
101 Art Basel Hong Kong. Sold Out!
102 miart. Parola d’ordine: crescendo!
104 Art Vancouver. La più grande fiera del Canada occidentale
104 20 anni di art Karlsruhe. Uno “special” per festeggiare
105 MIA Fair. Una fantastica XII edizione
106 Distopìa in stile Vaporwave. Le opere di SVCCY
039 Mauro Pavan. Attore, performer e critico di se stesso
041 Waldraut Hool-Wolf. L’espressione di wwdesign
043 Pablo T Maestro dell’Astrattismo Extrasensoriale
048 I Bassano. Storia del Rinascimento veneto
040 Orazio Gentileschi. L’inedito San Francesco
052 Neri Maria Corsini. Opere della sua storia
054 Rembrandt a Torino. La mostra ai Musei Reali
055 Il Pitocchetto. Arte sacra a Brescia
059 Fattori a Palazzo Fava. Protagonista, la Macchia
060 La camera delle meraviglie. Un viaggio nel Medioevo
064 Andy Warhol. Il suo universo al MA*GA
066 Christo e Jeanne-Claude. Progetti in relazione
067 Pablo Echaurren. Rompere le barriere
068 Roy Lichtenstein. A Parma si celebra il centenario
071 Wolfram Ullrich. Tagli e pieghe in evoluzione
073 Giacomo Manzù. L’eternità della scultura
077 Mimmo Rotella. Seridécollages a Milano
078 Michelangelo Pistoletto. La mostra a Palazzo Reale
081 Gilardi e Pinelli. La mostra a Diano Marina
092 Typoésien. Tipografia e poesia a Merano
083 Bestiacce! L’immaginario umano
084 Ileana Ruggeri. I confini dei riflessi
087 Milan Vagač. La personale a Bologna
088 Jimmie Durham. La mostra a Palazzo Caracciolo
089 Giuseppe Penone. Il Maestro dell’Arte Povera
090 Lito Kattou. Alla Fondazione Arnaldo Pomodoro
091 Ulisse Aldrovandi. Le celebrazioni a Bologna
092 Aljoscha. Il suo concetto di bioismo
095 Simon Fujiwara. Il suo Who da Giò Marconi
117 Inge Morath. L’amore per Venezia
121 Da lavoro a culto. Massimiliano Camellini
073
078 089
106
BIANCOSCURO
Art Magazine
57 ISSUE
April/May 2023
BI-MONTHLY OF ARTS,
CULTURE AND INFORMATION
EDITOR IN CHIEF
Vincenzo Chetta
PUBLISHER
Biancoscuro
viale Indipendenza, 26
27100 Pavia
www.biancoscuro.it
MANAGING EDITOR
Daniela Malabaila
CONTRIBUTORS
Giuseppe Carnevale, Franco
Crugnola, Vincenzo Chetta, Flavio
Ennante, Carla Margone, Mario
Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela
Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino,
Ettore Tiretto.
PHOTOGRAPHERS
Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo
Chetta, Liberementi, Enrico Mangano,
Isabella Rigamonti, Davide Gasparetto,
Tommy Ducale, G.P. Colombo, Alain
Basset, Marco Cappelletti, Alberto
Novelli, Andrea Guermani, BAMS
Photo Rodella, Bufo LoGiudice,
Ornella De Carlo, LaltroSCATTO,
Sebastiano Pellion di Persano, Maurizio
Elia, Enrico Amici, A. Lacirasella,
Eleonora Angius, Amedeo Benestante,
Archivio Penone, ESA, Francesco
Squeglia, Fabio Mantegna, Antonio
Jordán, Francesco Marini, Travel on Art,
Riccardo Pinna, Fabio Petani, Cosimo
Calabrese, Paolo Vandrasch, Juergen
Roesner, Andrea Rossetti.
EDITORSHIP & DISTRIBUITION
Liberementi
viale Indipendenza, 26
27100 Pavia
www.liberementi.it
PRINTING
4 Graph s.r.l.
Printed on certified paper
FSC® C164091 (www.fsc.org)
SOCIAL NETWORK
Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine
Instagram.com/BiancoscuroMag
SHOP
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The publisher is available for persons
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Manuscripts, photos or other materials even
if unpublished are not given back. sl
Reg. Trib. Pavia n.4 of 21/1/2014.
ISSN 2385-1708
© BIANCOSCURO 2023
Reserved artistic and literary copyright.
Reproduction in whole or parts is forbidden
save with the permission of the publisher.
BIANCOSCURO
Rivista d’Arte
NUMERO 57
aprile/maggio 2023
BIMESTRALE DI ARTE,
CULTURA E INFORMAZIONE
DIRETTORE RESPONSABILE
Vincenzo Chetta
EDITORE
Biancoscuro
viale Indipendenza, 26
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CAPOREDATTORE
Daniela Malabaila
COLLABORATORI
Giuseppe Carnevale, Vincenzo
Chetta, Franco Crugnola, Flavio
Ennante, Carla Margone, Mario
Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela
Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino,
Ettore Tiretto.
FOTOGRAFI
Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo
Chetta, Liberementi, Enrico Mangano,
Isabella Rigamonti, Davide Gasparetto,
Tommy Ducale, G.P. Colombo, Alain
Basset, Marco Cappelletti, Alberto
Novelli, Andrea Guermani, BAMS
Photo Rodella, Bufo LoGiudice,
Ornella De Carlo, LaltroSCATTO,
Sebastiano Pellion di Persano, Maurizio
Elia, Enrico Amici, A. Lacirasella,
Eleonora Angius, Amedeo Benestante,
Archivio Penone, ESA, Francesco
Squeglia, Fabio Mantegna, Antonio
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Riccardo Pinna, Fabio Petani, Cosimo
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diritto per eventuali fonti iconografiche
non individuate. Manoscritti, foto o altri
materiali inviati alla redazione anche se non
utilizzati non verranno restituiti. sl
Registrazione al Tribunale di Pavia
n.4 del 21/1/2014.
ISSN 2385-1708
© BIANCOSCURO 2023. Tutti i diritti di
riproduzione in qualsiasi forma, compresa
la messa in rete, sono riservati. Per qualsiasi
utilizzo che non sia individuale è necessaria
l’autorizzazione dell’Editore.
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biancoscuro
l’Editoriale
di Vincenzo Chetta
Mi è capita sotto gli occhi
una notizia del Corriere
della Sera: “Florida,
Prof. licenziata per aver
mostrato il David di
Michelangelo ai suoi studenti: è pornografia”.
Questa notizia mi sconvolge a
tal punto da trovarmi a riscrivere il mio
editoriale ormai in “chiusura rivista” del
numero aprile. Purtroppo questa notizia
non è un pesce d’aprile!
È accaduto a Hope Carrasquilla, dirigente
scolastica a Tallahassee, in Florida,
costretta alle dimissioni dopo una
lezione in cui si parlava del David di
Michelangelo. Per alcuni genitori, la
statua sarebbe un’opera pornografica.
Non è la prima volta che una scultura
o un quadro rinascimentale crea imbarazzo,
era già successo per “la Nascita di
Venere” del Botticelli o “la Creazione di
Adamo” dello stesso Michelangelo.
Citando Gramellini direi: “Ormai è appurato
che in America i fessi hanno un serio
problema con le statue. Mentre i fessi progressisti
le fanno abbattere, quelli reazionari
fanno licenziare la preside”. Probabilmente,
se il David avesse imbracciato un’arma,
non avrebbe creato turbamenti...
Parlando di “censure storiche”, quella che
fece più scalpore fu la copertura delle nudità
nel Giudizio Universale nella Cappella
Sistina a opera di Daniele da Volterra,
detto il “Braghettone”, che coprì le
nudità delle figure con le sue famose “braghe”,
oppure in epoca recente la censura
del 1995 dove la città di Gerusalemme,
proibì l’esposizione di una copia del David
michelangiolesco, preferendo ripiegare
sulla versione vestita del Verrocchio.
Ma le censure non sono solo ad opera di
scuole, chiese o amministrazioni cittadine,
talvolta anche gli algoritmi censurano
l’arte: è il caso di Facebook e “L’origine
du monde” di Gustave Courbet.
Tornando “senza censure” agli appuntamenti,
passati e futuri di BIANCOSCU-
RO il mese scorso si è concluso con una
altisonante edizione di Art Basel Hong
Kong, dove come da anni a questa parte
siamo presenti nel Magazines Sector della
fiera e Vernice Art Fair che ha visto il suc-
cesso dell’evento “Musica per gli Occhi” di
Mattia Consonni ed il suo progetto “One
Man’s Dream”. Vernice ha anche ospitato
le opere selezionate al BAC Winter Edition
tra le quali 3 si sono viste assegnare
i primi premi, nell’articolo interno (e sui
social) maggiori dettagli.
Tra gli eventi futuri, ne posso anticipare
3 con profondo orgoglio: la partecipazione
di BIANCOSCURO alla fiera
internazionale ART MONACO che si
terrà in agosto a Monte-Carlo e sempre
nel Principato di Monaco, in autunno
2023 la cerimonia del BIANCOSCU-
RO Art Contest, ma prima, a giugno,
come di consueto ci sarà la partecipazione
alla Regina indiscussa delle fiere d’arte,
Art Basel a Basilea.
Buona lettura, e se ci seguite anche sui
social, buona visione
Vincenzo Chetta
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Il “David” di Michelangelo Buonarroti. Scultura in marmo, h. 520 cm incluso il basamento di 108
cm. Databile tra il 1501 ed il 1504. Conservata nella Galleria dell’Accademia a Firenze.
11
GIANMARIA
POTENZA
-VENEZIA-
SOLE RESINOGRAFIA n.27 (2021) - Carta fatta a mano ø 135 cm
A dx: GUFO (2013) - Bronzo fusione a cera persa h 20 cm
w w w . g i a n m a r i a p o t e n z a . i t
biancoscuro
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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13
biancoscuro
Capolavori a confronto
Brescia e Bergamo: Capitali italiane della Cultura
di Mario Gambatesa
Dal 21 gennaio
all’11 giugno
2023, Palazzo
Martinengo a
Brescia accoglie
i capolavori dei più importanti
maestri dell’arte attivi tra il Cin-
quecento e il Settecento a Brescia
e Bergamo. Per la prima volta, la
mostra “Lotto, Romanino, Moretto,
Ceruti. I campioni della
pittura a Brescia e Bergamo”
mette in dialogo la cultura e la
produzione artistica espressa dalle
due città durante i quasi quattro
secoli di dominazione veneziana.
L’esposizione, curata da Davide
Dotti e organizzata dall’Associazione
Amici di Palazzo Martinengo,
presenta una selezione
di oltre ottanta capolavori provenienti
da collezioni pubbliche
e private sia italiane che estere.
I lavori dei grandi maestri bresciani
del Rinascimento quali
Foppa, Moretto, Romanino,
Savoldo e Gambara sono messi
a confronto con quelli dei bergamaschi
Moroni, Palma il Vecchio,
Cariani, Previtali e Lotto.
Di estremo interesse sarà poi
avvicinare tele eseguite nel corso
del quinto decennio del ‘500 da
Moretto e da Moroni che, in
quegli anni, si trovavano a Brescia
nella bottega del Bonvicino,
da cui assimilarono quell’intenso
naturalismo che caratterizza la
poetica del genio bresciano.
Lo stesso inedito ed emozionante
parallelo tra gli esponenti delle
due scuole pittoriche viene proposto
nelle sale successive dedicate
al tema della “ritrattistica”
(Moroni, Ceresa e Fra Galgario
da un lato, Bellotti, Cifrondi e
Giacomo Ceruti detto il Pitocchetto
dall’altro), della “pittura
14
Pietro Bellotti
Socrate nello studio
olio su tela, 97x81 cm. Collezione privata
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biancoscuro
barocca”, della “natura morta”
(Baschenis e Bettera campioni
nella Città dei Mille, Rasio
e Duranti in quella della Leonessa)
e della “pittura di genere”,
dove protagonisti saranno
gli irriverenti dipinti con nani e
pigmei di Bocchi e dell’allievo
bergamasco Albrici, i paesaggi di
Roncelli e i rustici interni di cascinali
e osterie di Botti.
Il percorso espositivo prosegue
successivamente al piano nobile
della storica residenza cinquecentesca
con una sorprendente “mostra
nella mostra”, costituita da quattro
approfondimenti dedicati a temi
caratterizzanti l’identità culturale
e la storia delle due città, dove
s’incontrano sculture, disegni,
strumenti musicali, dipinti, cimeli
storici, documenti antichi e fotografie
d’epoca. In particolare, sono
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indagate le figure dei due Papi
del ‘900, il bergamasco Giovanni
XXIII e il bresciano Paolo VI, e il
loro rapporto con l’arte e gli artisti,
da Picasso a Chagall, da Matisse
a Dalí fino a Manzù; le tradizioni
gastronomiche e quelle musicali
tra Rinascimento e XX secolo;
un focus particolare è riservato
>>>
Palma il Vecchio
Madonna con il Bambino, san Giovanni Battista
e la Maddalena
olio su tavola, 71x107 cm.
Genova, Musei di Strada Nuova, Palazzo Rosso
Sotto: Enrico Albrici
Nani che cucinano la polenta
olio su tela, 38x50 cm. Collezione privata
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15
biancoscuro
<<<
all’avventura del grande architetto
Marcello Piacentini, attivo nei
primi decenni del Novecento tra
Bergamo e Brescia, dove trasformò
il volto urbano delle due città.
Percorrendo le sale del Palazzo, il
pubblico compie così un emozionante
viaggio ricco di opere inedite,
sorprese e curiosità, il cui
obiettivo è dare risalto allo straordinario
patrimonio culturale che si
è stratificato nel corso dei secoli a
Brescia e Bergamo, nonché stimolare
una nuova presa di coscienza
su un capitolo fondamentale della
storia dell’arte italiana, scritto
dai grandi maestri della pittura
attivi nelle due città, gemellate
nell’anno della Capitale Italiana
della Cultura. sl
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Sopra: Girolamo Romani detto Romanino
Sansone e Dalila
olio su tela, 131x150 cm.
Collezione privata
A sinistra: Antonio Rasio
L’uomo delle carni
olio su tela, 116x94 cm.
Collezione privata, courtesy Galleria Carlo Orsi
LOTTO, ROMANINO, MORETTO,
CERUTI
I campioni della pittura a
Brescia e Bergamo
21 gennaio - 11 giugno 2023
Palazzo Martinengo, Brescia
INFO
T. +39 392 7697003
Mercoledì, giovedì e venerdì 09.00 - 17.00
Sabato, domenica e festivi 10.00 - 20.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.mostrabresciabergamo.it
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Tina Lupo
“Pandemonio” - 2020, studio per tela, tecnica mista su carta, 19x15 cm.
- www.tinalupo.it -
biancoscuro
Impressionisti
Dagli inizi alla loro eredità
di Vincenzo Chetta
Si è aperta al pubblico lo
scorso 11 marzo la mostra
“Impressionisti tra
sogno e colore”, presso
gli spazi del Museo
Nazionale di Artiglieria Mastio
della Cittadella a Torino. L’esposizione,
che mira a raccontare le
origini e la storia del rivoluzionario
movimento artistico nato
in Francia a metà dell’Ottocento,
sarà visitabile fino al prossimo 4
giugno. Questa non è la consueta
esposizione dedicata all’Impressionismo,
infatti è la prima volta
che, in Italia, una mostra raccoglie
opere rappresentative di
tutti gli artisti partecipanti alle
8 mostre impressioniste tenutesi
tra il 1874 ed il 1886.
Organizzata con il contributo
di un comitato scientifico internazionale
composto da Vittorio
Sgarbi, Gilles Chazal (ex direttore
del Petit Palais di Parigi),
Maïthé Vallès-Bled (già direttrice
del Musée des Beaux-Arts di
Chartres e del Musée Paul Valéry
di Sete), Alain Tapié (Storico
dell’arte, direttore della Collezione
Peindre en Normandie) e
la curatela di Vincenzo Sanfo,
la mostra di Torino è suddivisa
18
Victor Vignon
Bouquet de roses dans un vase
olio su tela, 27x41 cm.
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biancoscuro
in tre sezioni per individuare le
origini, la varietà stilistica e gli
sviluppi del movimento artistico.
Nelle tre sezioni possiamo
ammirare 45 dipinti ad olio,
23 opere tecnica mista, opere
grafiche, studi preparatori, ceramiche,
sculture, a significare
la ricchezza delle ricerche degli
artisti che, partendo dal classicismo
di Ingres e attraversando il
realismo di Courbet e la lezione
dei barbisonnier, hanno portato
alla nascita dell’Impressionismo
e alla sua eredità.
“Questa mostra vuole riportare
i visitatori proprio all’interno
di questo mondo, far rivivere
quell’atmosfera unica e irripetibile,
rivisitando le straordinarie
scoperte e il frenetico fervore che ha
percorso la Parigi di fine Ottocento.
Aiutata da immagini, filmati,
memorabilia, insieme ad una im-
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portante selezione di dipinti, acquerelli
e pastelli, la mostra pone
anche l’accento su un particolare
momento della loro ricerca, forse
meno conosciuta, quella dedicata
al disegno, all’incisione e in par-
>>>
Henri Maurice Cahours
Bretonnes sur le chemin du village
1920, olio su tela, 61x52 cm.
Sotto: Pierre Auguste Renoir
Barges sur la Seine
1897, acquaforte, 46,5x33 cm.
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19
biancoscuro
<<<
ticolare alle tecniche di stampa,
molto popolari all’epoca”, racconta
il curatore Vincenzo Sanfo.
Il percorso inizia con il periodo
del pre-impressionismo con la
sezione dal titolo “Da David a
L’École de Barbizon, i fermenti
dell’Impressionismo” che narra
della rivolta verso l’accademismo.
Delacroix, Courbet, Millet,
Corot ed altri che, uscendo
dagli studi e dagli atelier, entrarono
nelle strade, nei campi, nel
mondo reale, per raccontare le
trasformazioni in atto, in una
società che andava verso l’alba di
un nuovo secolo, denso di scoperte
e trasformazioni, sia sociali
che tecnologiche.
La seconda sezione, “L’Impressionismo”,
vede raccolte oltre
150 opere di circa 50 protagonisti
del movimento: dipinti, disegni e
acqueforti di Egdar Degas, Camille
Pissarro e Paul Cézanne,
xilografie CARTACEA e sculture o DIGITALE di Paul Gauguin,
in Édouard abbonamento Manet, Bracquemond
migliori e Pierre-Auguste fiere d’Arte. Renoir.
e
nelle
La mostra si conclude con “L’eredità
dell’Impressionismo”, sezione
che fa comprendere come l’arte
artshop.biancoscuro.it
non è più stata la stessa dopo
il movimento attraverso le opere
di artisti come Bonnard, Toulouse-Lautrec,
Suzanne Valadon
e il figlio Maurice Utrillo, Èmile
Bernard, Vlaminck e molti altri:
il mondo dell’arte libero che
diffonde proprio quella visione
di libertà e provocazione. sl
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IMPRESSIONISTI
tra sogno e colore
11 marzo - 04 giugno 2023
Museo Nazionale di Artiglieria, Torino
INFO
T. +39 351 8403634
Da lunedì a venerdì
09.30 - 19.30
Sabato, domenica e festivi
9.30 - 20.30
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Alfred Sisley
La Seine à Suresne
1897, acquaforte-acquatinta , 44x33 cm.
20
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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SVETLANA BORISOVA
IL SENTIERO DELL’ANIMA
“… Ed è una figurazione immersiva: lei sta dentro il paesaggio e lo vive con quello che la tradizione moderna le ha fatto vedere di
Munch e di Permeke, cioè di autori del Nord che intendono il paesaggio come un paesaggio protettivo ed insieme minaccioso.”
Prof. Vittorio Sgarbi
Svetlana Borisova - Betulla – 2013, olio su tela, 40x40 cm.
svetlana@triadeconsulting.it svetlanaborisova2814 artistsvetlanaborisova www.svetlanaborisova.com
PARTNER:
Divisione della Triade Consulting s.r.l.
Via Tespi 192 - ROMA
biancoscuro
Edgar Degas
La sua Napoli
di Daniela Malabaila
Il Complesso Monumentale
di San Domenico Maggiore
di Napoli rilegge la
vita e l’opera di Degas alla
luce del suo legame con la
città partenopea. Fino al 10 aprile
è possibile visitare la mostra
“Degas, il ritorno a Napoli”,
prodotta da Navigare srl e patrocinata
dal Comune di Napoli,
curata dall’esperto e collezionista
d’arte Vincenzo Sanfo che così
introduce l’evento: “Il rapporto di
Degas con Napoli parte dal nonno
Hilaire Degas, stabilitosi a Napoli
per mettersi al riparo dai moti rivoluzionari
parigini. Grazie al nonno,
oltre che ai fermenti della Parigi
fin de siècle, si formò nella luce e
nel fervore culturale che, all’epoca,
animava la città di Napoli.”
É la prima volta in assoluto che
si celebra questo legame, grazie
ad un progetto espositivo formato
da circa duecento opere esposte
nella Sala del Refettorio del
Complesso Monumentale. Divisa
in tre aree tematiche, si inizia la
visita con gli anni giovanili di
Degas durante il suo soggiorno
napoletano (1854 -1856) in cui
vediamo ricostruite le atmosfere
della Napoli di fine Ottocento
attraverso immagini storiche e l’analisi
del ritratto del nonno Hilaire
e quello della famiglia Bellelli
(che impiegò ben 9 anni per
terminare) proposti in mostra in
una riproduzione multimediale.
Lungo il percorso infatti, troviamo
anche una parte digitale oltre
alle opere originali di Degas e dei
suoi colleghi artisti (come Picasso
e Jules Pascin), il tutto volto a
rendere più immersiva l’esperienza
di quel periodo.
La seconda sezione è dedicata ai
22
Edgar Degas
Famille Cardinal
1938, 15,5x21,2 cm.
A destra: Edgar Degas
Cavallo
1834/1917, bronzo, 26,5x9x28 cm.
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“Nella pittura devi dare l’idea della
”
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verità, per mezzo del falso.
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Edgar Degas
temi distintivi dell’arte di Degas:
ballerine, prostitute, cavalli da
corsa e café-chantant della Belle
Époque. Qui entriamo proprio
nel vivo dell’esposizione con una
galleria di disegni, studi preparatori,
numerose incisioni tra
monotipi, litografie, xilografie
e sculture in bronzo. Arricchire
una mostra con i reperti dello
studio della forma e del segno
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dell’artista, fa comprendere quanto
impegno fosse necessario per
creare i capolavori che noi oggi
ammiriamo, e ne aumenta ancora
di più il valore culturale, soprattutto
in una società come quella
odierna che cerca “scorciatoie”
anche nell’arte. “La terza sezione
è dedicata ai suoi compagni di strada,
da Manet a Cézanne, al suo
sodale Marcellin Desboutin artista
‘maudit’ che, dagli sfarzi della
sua splendida villa ‘l’ombrellino’
di Fiesole, in cui a suo tempo visse
Galileo Galilei, finì in ristrettezze
a Parigi e divenne uno dei più cari
amici di Degas, da lui spesso ritratto
nei suoi dipinti”, spiega il curatore.
Scoprire aspetti come questo,
dare un’identità nella vita reale
ai personaggi che animano queste
opere, è sempre un’esperienza
>>>
23
biancoscuro
<<<
impagabile. La visita si conclude
con trentaquattro fotografie realizzate
da Degas, provenienti
dalla Bibliothèque National de
France, che evidenziano l’interesse
dell’artista per la recente
invenzione quale strumento di
studio per il movimento del
DEGAS
Il ritorno a Napoli
14 gennaio - 10 aprile 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Complesso Monumentale
San Domenico Maggiore, Napoli
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corpo umano e dei cavalli. Fondamentale
rammentare che per
Degas, il disegno, rivelava molto
meglio della pittura la vera personalità
di un artista, ed ha dunque
utilizzato l’innovazione della
fotografia proprio per continuare
a studiarlo. É stato così mostrato
un nuovo lato dell’opera e della
vita di Edgar Degas. sl
Sopra: Boggs Frank
Paris Pont St Michel Pont St Nicolas
1880 circa, olio su tela, 100x73 cm.
Sotto: Canova Giuseppe
Veduta del Castel dell’Ovo
1870/80 ca, olio su tela, 61x101 cm.
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FLORA
L’Expression Poétique du Vivant
«Dans le visuel de ma peinture
je mets en évidence le spirituel
que la nature offre à mes
questionnements pour que les
liens magiques reliant la terre
à l’infini se confondent dans
l’invisible lumière que mes
réflexions conscientes proposent.
Les images, reflets d’une
inspiratrice présence, racontent
des fibres de vie donnant ainsi
un sans à ce qui ne dépend pas
de moi dans l’écriture de mes
Mythes de mes Légendes.»
© Flora 2006
FLORA “Mineralite” (dettaglio)
2023, tecnica mista su tela
Flora con Philippe Daverio
e con Vittorio Sgarbi.
- Flora, Artiste Peintre représente en permanence par Multi Art Events Gallery -
Monaco
www.multiart.events - www.multiart.gallery - www.newartpromotion.it/flora
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Raffaello Sernesi - Punta Righini, Castiglioncello
olio su tavola. Collezione privata
I Macchiaioli
La rinascita della pittura italiana
di Mario Gambatesa
Si intitola “I Macchiaioli
e l’invenzione del
Plein air tra Francia
e Italia”, la mostra che
dal 18 febbraio scorso è
allestita presso l’Orangerie della
Villa Reale di Monza. L’esposizione
ripercorre le vicende di
uno dei movimenti artistici più
importanti della scena culturale
italiana, sviluppatosi nella seconda
metà dell’Ottocento, che con
le sue ricerche pittoriche d’avanguardia
ha per molti aspetti
anticipato, con sorprendente
modernità, gli esiti proposti successivamente
dagli Impressionisti
francesi. La mostra, aperta
al pubblico fino al prossimo 21
26
maggio 2023, è curata da Simona
Bartolena, prodotta e realizzata
da ViDi cultural, in collaborazione
con il Consorzio Villa
Reale e Parco di Monza e con il
Comune di Monza.
Si tratta di 90 opere, provenienti
da collezioni private, ma anche
da alcuni importanti istituzioni
come il Museo Nazionale Scienza
e Tecnologia Leonardo da
Vinci di Milano, Palazzo Foresti
di Carpi, la Fondazione Cariparma
di Parma, la Galleria d’Arte
Moderna di Milano, di autori
quali Telemaco Signorini, Giovanni
Fattori, Giuseppe Abbati,
Silvestro Lega, Vincenzo
Cabianca, Raffaello Sernesi,
Odoardo Borrani, tutti protagonisti
dell’evoluzione di questo
movimento, fondamentale per la
nascita della pittura moderna italiana,
partendo proprio dalla loro
relazione con la scena europea, in
particolare, con quella francese.
Il percorso espositivo si apre con
la sezione che racconta lo sviluppo
della pittura “del vero dal
vero”, partendo dall’esperienza
dei pittori della Scuola di Barbizon,
quali Camille Corot,
Charles-François Daubigny,
Constant Troyon, Théodore
Rousseau e prosegue con i lavori
di artisti italiani, quali Giuseppe
e Filippo Palizzi, o di Serafino
De Tivoli il quale, grazie
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alle conoscenze acquisite durante
un viaggio a Parigi, porterà ai
colleghi del Caffè Michelangelo
a Firenze novità e conferme importanti.
È proprio attorno ai
tavoli del locale fiorentino che,
nella seconda metà degli anni
cinquanta dell’Ottocento, si riuniva
un gruppo di giovani autori
accomunati dallo spirito di
ribellione verso il sistema accademico
e dalla volontà di dipingere
il senso del vero.
I temi maggiormente affrontati
sono il paesaggio e le scene di
genere sono i principali ambiti
entro cui si sviluppò la pittura di
macchia. Nel primo caso, si troveranno
dipinti, realizzati in anni
diversi, che hanno come soggetto
le campagne fiorentine, le coste
di Castiglioncello e dintorni. Il
racconto del quotidiano è di
certo uno degli argomenti più
frequentati dalla pittura di macchia,
dove si possono trovare la-
voratrici nei campi, mercati del
bestiame e monaci a passeggio in
un chiostro cittadino.
La mostra porta il pubblico a
immergersi in un momento storico
CARTACEA culturale molto o DIGITALE importante,
ponendo in abbonamento uno sguardo attento e
e molto ravvicinato ai protagonisti
che hanno fatto la storia
rivoluzionando i canoni stessi
della pittura tradizionale. sl
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In alto a destra: Serafino De Tivoli
La Senna a Bougival
olio su tela. Collezione privata
Courtesy Enrico Gallerie d’Arte, Milano
A destra: Telemaco Signorini
La strada di Combs la Ville
olio su cartone. Collezione privata
Courtesy Enrico Gallerie d’Arte, Milano
I MACCHIAIOLI
e l’invenzione del plein air tra
Francia e Italia
18 febbraio - 21 maggio 2023
Orangerie della Villa Reale, Monza
INFO
macchiaiolimonza@gmail.com
Da mercoledì a venerdì 10.00/13.00 - 14.00/19.00
Sabato, domenica e festivi 10.00 - 20.00
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www.reggiadimonza.it
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Scambi in controcorrente
Un inedito confronto a Palazzo Albergati
di Lucia Garnero
Aperto al pubblico
fino al 7 maggio, a
Palazzo Albergati
di Bologna, un
inedito confronto
tra tre straordinari interpreti
del mondo contemporaneo: 60
opere di artisti che con il loro lavoro
hanno sovvertito le regole
dell’arte, dando vita a percorsi
“controcorrente”; le più provocatorie,
anticonformiste e rivoluzionarie
del nostro tempo.
Sulla base di questi presupposti,
le riproduzioni di opere di un
artista dal volto sconosciuto ma
di fama internazionale, Banksy,
nativo di Bristol, dialogano con
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quelle del palermitano TvBoy
e con le sculture del frusinate
Jago. Personalità capaci di sovvertire
le regole dell’arte, rifiutando
di entrare a far parte di
un sistema vincolante ed escludente;
“creano un precedente” e
fanno parlare della loro arte arrivando
alla notizia di cronaca e al
grande pubblico.
Oltre ai capolavori dei tre più
discussi ed amati, sono esposte
opere di Mr. Brainwash, Laika,
Obey, Ravo e Pau, nuova generazione
di artisti che dai primi
tre “enfants terribles” prendono
ispirazione e raccolgono stimoli.
L’allestimento si articola in 4
sezioni, in cui il visitatore è accompagnato
in un percorso mirato
a far emergere le corrispondenze
tra i diversi orientamenti.
Il percorso si apre con Jago, la
cui ricerca affonda le radici nel-
>>>
Sopra: Jago - Apparato Circolatorio
2017, ceramica, 30x15x15 cm. 30 pz
Photo by Jago © JAGO, by SIAE 2022
Sotto: TvBoy - Stop war
2021, tecnica mista su tela, 90x70 cm.
Pop House Gallery
A sinistra: Banksy
I fought the law
2004, litografia, 68x69 cm.
Pop House Gallery
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JAGO, BANKSY, TVBOY
e altre storie controcorrente
11 novembre 2022 - 7 maggio 2023
Palazzo Albergati, Bologna
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T. +39 051 030141
info@arthemisia.it
Tutti i giorni 10.00 - 20.00
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www.palazzoalbergati.com
A sinistra: Andrea Ravo Mattoni
Vermeer, la ragazza con l’orecchino di perla
2022, spray su tela, 100x100 cm.
Pop House Gallery
<<<
le tecniche tradizionali ma che,
contemporaneamente, instaura
un rapporto con il pubblico
tramite video e social network.
Scultore raffinato dalle reminiscenze
michelangiolesche, nasce
a Frosinone nel 1987, dove
frequenta il Liceo artistico e poi
l’Accademia di Belle Arti. Troviamo
esposti il famoso Habemus
Hominem (2016), rielaborazione,
dopo la rinuncia al pontificato,
di un busto in marmo di
Benedetto XVI, e The first Baby,
raffigurante un feto, che, in occasione
della missione Beyond
dell’European Space Agency, è
stata spedita proprio sulla Stazione
Spaziale Internazionale.
Si prosegue con le opere di Banksy,
probabilmente lo street artist
più controverso al mondo,
che ha creato una sottocultura a
sé stante e che, ritraendo con immediatezza
le questioni scottanti
dell’attualità globale, è stato capace
di generare nuovi impatti
ideali e simbolici. Il suo aspetto
30
Sotto: Pau - Santa Suerte #2
2021, plaster su tela, 150x100 cm.
Pop House Gallery
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più sconvolgente è la rapidità nel
rappresentare tematiche attuali,
trasformare muri, scale, pareti e
angoli di anonime strade in spazi
di profonda riflessione e segnare
gli animi dei passanti, che ne diventano
gli spettatori.
Si passa quindi a TvBoy, uno
degli artisti più riconoscibili per
i suoi riferimenti culturali da
ricercare proprio nel bombardamento
televisivo da cui con ironia
ci invita a smarcarci; è colui
che meglio esprime nella street
art il concetto di “artivismo”,
reinterpretando criticamente i
fatti politici e sociali della contemporaneità.
L’ultima sezione mette insieme
giovanissime presenze e riconosciuti
maestri: Hope (2008), immagine-icona
realizzata da Obey
per sostenere la campagna presidenziale
di Obama; Vermeer, La
ragazza con l’orecchino di perla
(2022) realizzata con la vernice
spray CARTACEA da Andrea o Ravo DIGITALE Mattoni,
la Mona in abbonamento Linesa (2009) di Thierry
Guetta, migliori alias fiere Mr Brainwa-
d’Arte.
e
nelle
sh, la serie Santa Suerte (2021)
di Pau e i provocatori Ama il
prossimo” (2021) e Save Afghan
Women artshop.biancoscuro.it
- Yellow Background di
Leika.
Il percorso si chiude con l’angolo
“selfie” in cui i visitatori pos-
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A destra: Shepard Fairey (Obey) - Hope
2008, litografia su carta, edizione 600 firmata,
90x60 cm. Pop House Gallery
Sotto: TvBoy - Hope
2022,tecnica mista su tela, 144x146 cm.
Pop House Gallery
sono immortalarsi nel guardare
il cuore-palloncino di Banksy,
come la famosa ragazzina. sl
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Eugenio Cerrato
Audace ed irriverente
di Daniela Malabaila
32
“
Amo l’osceno audace
e irriverente,
che turba il sonno
del bigotto intransigente...
Eugenio Cerrato
”
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È
con vero piacere che
presento il nuovo
protagonista della
cover di BIANCO-
SCURO:Eugenio
Cerrato. Vincitore del Premio
Copertina al BIANCOSCURO
Art Contest 2022, la redazione
ha poi deciso di dedicare a lui la
cover di questo numero.
Cerrato nasce a Gravellona Toce
nel 1947 e a sei anni lascia con la
famiglia il paese d’origine per stabilirsi
definitivamente ad Oleggio,
dove tuttora vive coltivando
le proprie passioni. Conseguita
la maturità classica, intraprende
gli studi di Scienze Politiche che
interromperà per coadiuvare i genitori
nell’attività commerciale da
loro intrapresa. Oculato lettore
di testi classici e contemporanei e
profondo conoscitore di Storia
dell’Arte, con il supporto di una
non comune manualità, Eugenio
inizia il suo percorso creativo in
giovane età, evitando però per alcuni
anni di esporre in pubblico
le sue opere. A partire dai primi
anni ‘90, il suo calendario espositivo
assume una cadenza regolare,
arrivando a tutt’oggi a contare
oltre 150 mostre, personali e
collettive, in Italia e all’estero.
Nel 1998 acquista e ristruttura
un piccolo locale, “Eugenesi”,
che in questi 25 anni è stato ed
è tuttora studio, saletta espositiva
e luogo di conversazione per i visitatori.
Cerrato compie da anni
una ricerca artistica peculiare,
tesa a dare un’impronta unica e
personale alle proprie opere, sempre
pervase da raffinate trame
psicologiche, da sottile ironia,
da decontestualizzazioni formali
nelle quali scorrono richiami
letterari antichi e moderni.
Queste ultime, le parole di Maria
Paola Arbeia per descrivere l’Artista:
“Fare Arte significa concepire
e realizzare con cura estrema opere
concettualmente così complicate da
risultare, una volta eseguite, perfettamente
comprensibili a tutti”,
questa l’affermazione che più piace
ad Eugenio Cerrato.
Daniela Malabaila: Buongiorno
Eugenio, che piacere poter finalmente
fare due chiacchiere.
Come è iniziata la sua
carriera e quando ha ca-
>>>
Nella pagina a sinistra:
ritratto di Cerrato Eugenio
Ph.Davide Gasparetto
A destra: La compassata tensione della
borghese mezza età
2004, acrilico su tavola, cavetto in acciaio,
tenditore inox, 30x135 cm.
A sinistra ed in copertina:
Cerbero, cane infernale
2021, acrilico su legno, martelli da carpentiere
modificati, altezza 55 cm.
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33
biancoscuro
<<<
pito che questa passione andava
assecondata?
Eugenio Cerrato: La mia carriera
di “Artigiano dell’Arte”,
come amo definirmi, è iniziata
negli anni ‘90, ed è stata il logico
proseguimento dell’aver affinato
nel tempo le mie capacità di esprimermi
attraverso le mie opere. La
spinta a proseguire mi è stata
data dal mio personale bisogno
di fare, ed in seguito l’interesse destato
ha contribuito a rafforzare le
mie convinzioni.
D.M.: Muse: da cosa o da chi
trae maggior ispirazione?
E.C.: Traggo ispirazione da
tutto ciò che mi circonda, mescolando
reminescenze classiche
e moderne, ricercando e studiando
continuamente per ampliare
le mie conoscenze e per applicare
poi quanto acquisito nel modo più
A sinistra: Eutanasia di un amore
2005,
acrilico su legno, cavo d’acciaio con tenditore,
tronchesino, 25x110 cm.
Sotto: Il cubo del Sator
2019, cubo in legno realizzato a mano con
finitura a mordente e gommalacca, lettere in
bronzo spazzolato. Girevole su base metallica
verniciata a forno. Palindromo a 360°, la scritta,
di per sé palindroma e bustrofedica, si riflette
sulle facciate contigue senza soluzione di
continuità.
25x25x25 cm. Ph. Tommy Ducale
corretto possibile, in modo tale
che ogni opera sia comprensibile o
quantomeno soggetta ad interpretazione.
D.M.: Quali momenti hanno segnato,
o ricorda piacevolmente,
la sua carriera artistica?
E.C.: Vari momenti hanno segnato
piacevolmente la mia carriera artistica
e, a parte gli apprezzamenti,
le gratificazioni e i premi vinti, mi
glorio del Diploma di Benemerenza
rilasciatomi dalla Presidenza
della Croce Rossa Italiana.
Alla richiesta di quest’ultima
di contribuire per far fronte alle
necessità imposte dallo scoppio della
pandemia avevo messo in vendita
sui social moltissimi miei lavori a
prezzi convenienti, per dar modo a
chiunque di acquistare e nel contempo
di fare beneficenza.
La risposta delle persone non si era
fatta attendere, il denaro andava
direttamente in C.R.I e con la ricevuta
si ritirava l’opera. Venne
raccolta una cifra interessante.
D.M.: La nuova arte contemporanea
risente sempre di più del lato
commerciale, tanti giovani artisti
si lasciano traviare nei gesti
e nell’espressione dalla “moda”.
Che futuro vede per loro?
E.C.: Nei riguardi dell’arte gio-
34
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vanile contemporanea secondo me
due sono i punti che possono pregiudicarne
il futuro. Da un lato
l’illusoria convinzione da parte
degli artisti più giovani che
ci si può facilmente arricchire
seguendo le mode del momento
anche senza preparazione e cultura,
artistica o meno. Dall’altra, il
proliferare incontrollato di sedicenti
galleristi che, perseguendo
unicamente finalità di lucro,
alimentano in chiunque false
speranze. Non mi ricordo di avere
visto in passato un numero così elevato
di faccendieri dell’arte, chiunque
abbia modo di accedere ad uno
spazio qualsiasi organizza mostre a
pagamento, accettando tutto e tutti,
purché paganti. A discapito, naturalmente,
della qualità.
D.M.: Sono pienamente d’accordo
Eugenio, tornando a lei, dove
potremmo vedere le sue opere
prossimamente?
E.C.: Le mie opere sono sempre visibili
nella mia personale sala espositiva
“Eugenesi” in Piazza Martiri
50 in Oleggio. Inoltre, tutta la mia
produzione è visibile su Facebook
e Instagram, pubblico tutto ciò che
produco, ad eccezione di alcune ultime
opere che per temi trattati non
sono adatte ai social network.
D.M.: Seguiamo da anni la sua
carriera, e speriamo che questo
sia l’ennesimo trampolino per
portare la sua arte in tutto il
mondo, ancora complimenti!
E.C.: Grazie a voi per l’apprezzamento
e per la disponibilità. sl
INFO
cerrrato.eugenio
Cerrato Eugenio
Sopra: Euterpe, Musa della Musica
2014, acrilico su legno piegato a caldo, telato e
dipinto, strumenti musicali, h180 cm.
A destra: Palindromia
2004, acrilico su tavola, calchi in gesso dipinto,
30x135 cm.
Ph. G.P. Colombo
A destra: Il pomo di Damocle
2003,, acrilico su legno, coltelli, calco di mela in
gesso dipinto, 80 x100 cm.
Sotto: Eugenesi, una vista dello studio e sala
espositiva di Eugenio Cerrato dal 1998, in
Piazza Martiri 50 a Oleggio, in provincia di
Novara
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Bruno Azzini
Il “pennello” come simbolo creativo
di Vincenzo Chetta
I
suoi lavori suscitano enorme
curiosità, il pennello
applicato alla tela insieme
a scampoli di juta e
tessuti cattura l’attenzione
dei visitatori delle mostre e
strega il collezionista attento che
sa cogliere la novità del mercato
su cui investire. Nelle sue opere
vengono sapientemente utilizzati
36
ritagli di tessuti, cravatte, camicie
e jeans. L’artista piega e ripiega
i tessuti, li tira, la distende, li
assesta, li incolla e poi li dipinge
con colori acrilici.
Ma chi è Bruno Azzini? Nato a
Calvisano, in provincia di Brescia
nel 1953 è un pittore autodidatta
contemporaneo. Coltiva la passione
della pittura sin da adolescente.
I suoi primi disegni sono
paesaggi e nature morte dove si
esprime con una particolare attenzione
al dettaglio. Con il passare
degli anni, si lascia alle spalle
i colori più o meno intensi della
natura per sperimentare nuove
tecniche cromatiche. In quel periodo
rappresenta figure dai tratti
molto decisi, colte sia dal mondo
del lavoro che dal mondo della
musica o più semplicemente della
vita quotidiana. Non appagato da
questa sua iniziale trasformazione
decide di sperimentare l’applicazione
di oggetti e materiali
diversi, sempre più particolari.
Nel 2015 viene definito l’artista
del “pennello pieno di sogni”,
stupisce con la sua originalità sostituendo
la testa dei personaggi
con un pennello vero e proprio.
La sua pittura è focalizzata sull’abbigliamento,
ogni individuo rappresentato
è legato all’immaginazione
di chi lo guarda. Il pennello,
simbolo che lo contraddistingue è
metafora della fantasia, in ogni
opera riporta sempre i colori del
vestito. Le mani non si vedono
mai, neppure il volto e le braccia;
questo a significare che, purtroppo,
nel mondo di oggi conta solo
l’apparenza, non importa saper
usare la testa o saper far andare
le mani. Sempre interessante la
In alto: Smoking - 2022, collage di juta e tecnica
mista con pennelli su tela, 100x60 cm.
A sinistra: Accordi - 2023, collage di juta e
tecnica mista con pennelli su tela, 95x50 cm.
Sotto: Bruno Azzini nel suo studio
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Sopra: “Maestria”, 2022, Collage di juta e
tecnica mista con pennelli su tela, 95x75 cm.
In basso a destra: Bruno Azzini al lavoro nel suo
studio
combinazione coloristica, a volte
forte a volte tenue ma sempre
azzeccata al soggetto rappresentato.
Questa nuova figurazione
formale, si spinge oltre, creando
ritmi e dinamismi molto lontani
dalla classica figurazione statica.
Tante raffigurazioni in luoghi diversi
e momenti particolari, tutte
con il filo conduttore, di scatenare
la fantasia nell’occhio di chi guarda.
Vincitore del Premio Copertina
al BIANCOSCURO Art Contest
2022, a lui è dedicata l’Over
the Cover di questo numero, su
cui campeggia un particolare della
sua opera “Accordi”. sl
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MOSTRE
Ha esposto presso:
Galleria la meridiana - Verona;
Magazzini del Sale - Cervia;
Castiglion Fiorentino - Arezzo;
Palazzo Bertazzoli - Bagnolo Mella;
Galleria MAD - Mantova;
Museo Mario Rimoldi - Cortina
D’Ampezzo;
Terrazza Frau - Spoleto;
Pro biennale - Venezia;
Biennale di Cesenatico;
Galleria d’arte Sartori - Mantova;
Villa Reale - Monza;
Villa Borromeo - Arcore;
Relazionismo - Vicenza.
FIERE
Ha partecipato alle seguenti fiere:
Bergamo Art Fair, Art Parma, Arte
Genova, Vernice Art Fair e PaviArt.
“
La bravura espressiva dell’Artista
Bruno Azzini lascia fortemente
stupito l’osservatore che si trova di
fronte a nuove formule artistiche,
completate da colori, tonalità
intuitive e contaminazioni materiche
attuabili e rese concrete dal suo
istinto creativo. La formalità
di questa nuova figurazione si
spinge oltre la staticità, crea ritmo
e dinamismi con fluidi percorsi.
Seguendo la regola del “mai statico”,
Bruno Azzini ha catturato
l’attenzione del collezionismo
specializzato, ma anche della critica
che osserva nella sua produzione una
speciale ironia, mista a provocazione,
nel determinare il modello composto
con reali indumenti, tradotto in
figura senza le estremità. Tutto questo
ha il preciso obiettivo di turbare
la fantasia di ognuno, e lasciare
che si possano immaginare volti,
piedi e mani in assoluta libertà. Il
pennello che funge da testa non è
casuale, ma il suo simbolo creativo:
la definizione di un Artista nuovo,
contemporaneo, che sfida le coerenze
e crea nuovi impatti,
”
con il pensiero
creativo nella testa e nel cuore.
Rosanna Chetta
37
JOEL DAVID HG
“ORO NERO”
2022, 90x90 cm.
jdhg.officiale
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Mauro Pavan
Attore, performer e critico di se stesso
di Vincenzo Chetta
In questa pagina possiamo vedere il progetto di Mauro Pavan
facente parte di una performance che colpisce alla bocca dello
stomaco, lasciando senza fiato e facendo riflettere molto. Una
performance che ha visto impegnati l’artista e la madre Enrichetta.
Con un gesto dolcissimo, Mauro si ricongiunge finalmente
alla madre, mettendo fine a un allontanamento subito da parte
della stessa che, in quei lontani anni ‘70, non riusciva ad accettarlo.
Entrambi nudi, come nel momento in cui si viene alla
luce, Mauro carezza la madre con il dorso della mano sinistra,
mentre con la destra regge una candela, oggetto che racchiude
un profondo significato di purezza e luminosità. La luce
della candela di Mauro inonda di energia positiva e di un’impagabile
sensazione di quiete, la madre Enrichetta.
L’opera, parte integrante della performance, fa parte della serie
“Concetto Temporale”. Iniziato nel 2022, è un progetto che Mauro
Pavan porterà avanti fino allo sfinimento: fino alla morte.
Ed è proprio in questo momento performativo dell’artista visuale
e attore che “La Luce di Enrichetta” si manifesta per aprire
un nuovo sentiero nel mondo. Una strada che una volta percorsa
permetterà a Mauro Pavan di arrivare lontano.
È sulla buona strada e lo sa, come sa anche che, con tenacia e
ostinazione, raggiungerà tutti i suoi obiettivi. sl
In alto a sinistra: “Concetto Temporale 22/7”, 2022 - acrilico su tela - 100x100 cm. (particolare)
Inserita all’interno di una composizione, nata da una performance dell’artista insieme a sua madre, Enrichetta
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39
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Waldraut Hool-Wolf
L’espressione contemporanea di wwdesign
Di Daniela Malabaila
Ho potuto osservare
la reazione del
pubblico alle opere
di Waldraut
Hool-Wolf, durante
una recente esposizione alla
Vernice Art Fair (mostra premio
vinta al BAC Winter Edition),
e non ho mai ricevuto lo stesso
feedback. Ogni visitatore riceveva
dall’opera un diverso riflesso,
non solo estetico o cromatico,
ma emozionale. É stato edificante
notare come qualcuno si identificava
in uno dei volti che escono
dalle sue opere, mentre altri non li
notavano, presi dalla complessità
dell’opera nella sua interezza. Effettivamente
le opere d’arte si prestano
spesso a più interpretazioni
personali, nonostante l’artista crei
seguendo le proprie emozioni e
con un obiettivo finale, il fruitore
troverà sempre una sua verità
all’interno della composizione,
scoprirà qualcosa di sè stesso osservando
l’anima dell’artista sulla tela.
L’opera che possiamo ammirare in
questa pagina, parla di sentimenti,
di cuore, di anima. Diversi personaggi
compongono quest’opera,
diverse cromie si interfacciano con
i blu ed i turchesi tipici. Waldraut
Feelings heart soul is with you
2022, olio e tecnica mista su legno
(legno=eco), 61x80 cm.
Depending on the influence of light, the colors
change and reflect the artwork
w.hool@sunrise.ch
w.hool_artist_wwdesign_art
whoolwolf
www.wwdesign.ch
vive e lavora in Svizzera, dove realizza
con talento le sue opere
d’arte. Segnaliamo le sue ultime
attività che come sempre hanno
riscosso molto successo: Art Tour
International Magazine USA
2023; finalista certificata all’Artexpo
New York Art Fair 2023,
International Prize Donatello
Contemporary Celebrity Masters
Florence & Magazine 2023; Luxembourg
Art Prize Certificate
(2019, 2020, 2022); The International
Best Modern And Contemporary
Artist London Prize
& Magazine; International Prize
Barcelona & Magazine; finalista
vincitrice del Premio Esposizione
al BAC Winter Edition.
Il successo dell’arte di Waldraut
è indiscusso e decisamente comprensibile,
la luce che cambia il
movimento restituito fa sì che ogni
opera parli anche di noi stessi.sl
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ROSA MARIA FALCIOLA
falciola@rosamaria-falciola.it rosamariafalciolaart rosamaria.falciola.35 www.rosamaria-falciola.it
MOSAICO II - 2022, matite colorate, 33x48 cm.
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Pablo T
Maestro dell’Astrattismo Extrasensoriale
Il nuovo modo di intendere
l’astrattismo nel mondo
porta la firma di Pablo T.
L’artista, maestro internazionale
di pittura contemporanea,
viene indicato dalle
riviste specializzate per collezionisti
asiatici (vedi monografia)
come il padre dell’Astrattismo
Extrasensoriale, nuova corrente
pittorica che porta il fruitore ad
addentrarsi nei meandri della percezione
che avviene indipendentemente
dai sensi, considerando
anche che, nella pittura, l’unico
senso acutizzato è sempre stato
quello della vista. Pertanto, questa
nuova concezione spinge l’osservatore
a utilizzare le sue emozioni
più sconosciute e inesplorate, un
aspetto universale del tutto interiore
e soggettivo.
Le opere dell’artista, infatti, sono
paesaggi dell’anima spesso sconosciuti
ed enfatizzati attraverso
le cromie e l’uso intenso dei colori.
L’arte astratta non è più un
modo per estraniarsi dalla realtà,
ma un nuovo modo di usare i sensi
cosiddetti spirituali o ancestrali,
e quindi fuori da ogni schema,
per tradurre la nostra età terrena.
Il movimento concettuale e coloristico
dell’artista rivisita quindi
tutte le regole scritte o non dette
dell’astrattismo, costruendo incastri
e segni, colature o visioni
che con i colori riscrivono o,
forse, fanno ridiscutere le regole
della pittura astratta. Pablo T,
premiato alla carriera in diverse
città del mondo e della penisola,
ha esposto in Europa, in U.S.A.
ed in Asia e, nell’ultimo periodo,
è stato proposto in diverse personali
istituzionali, come quella
della Toscana e attualmente, fino
al 23 aprile 2023, al Palazzetto
Baviera di Senigallia (biglietto
intero o ridotto). Dal primo aprile
sarà ospite nella cittadina ligure
Noli ed è in fase di organizzazione
una personale istituzionale a
Palermo ed in altre città italiane.
Le sue opere possono essere anche
A destra: Universi paralleli
olio, acrilico e polveri di marmo su tela, 60x80 cm.
Sotto: Gauguin
2022, olio, acrilico e vernici su tela, 100x100 cm.
visionate dal vivo nel suo atelier
di Asti o presso l’Asti Art Gallery
in Via Bonzanigo 34. sl
segreteria@pablotart.com
Pablo T ART
www.pablotart.com
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Lorenzo Costa - Adorazione dei magi
1499, olio su tavola, 73,9x181,5 cm.
Milano, Pinacoteca di Brera © Pinacoteca di Brera
Ercole de’ Roberti vs Lorenzo Costa
Ferrara ospita il Rinascimento
di Mario Gambatesa
Dal 18 febbraio
scorso al prossimo
19 giugno il
Palazzo dei Diamanti
di Ferrara
ospita la mostra intitolata “Rinascimento
a Ferrara 1471-1598
da Borso ad Alfonso II d’Este”.
L’esposizione costituisce la prima
tappa di un progetto più ampio
e ambizioso, che indagherà la vicenda
storico-artistica del periodo
compreso tra l’elevazione della
città a ducato e il suo passaggio
dalla dinastia estense al diretto
controllo dello Stato Pontificio.
Il resto del percorso espositivo è
dedicato ai grandi protagonisti
di quella stagione: Mazzolino e
Ortolano, Dosso e Garofalo,
Girolamo da Carpi e Bastianino.
Le oltre cento opere esposte,
44
provenienti da musei e collezioni
di tutto il mondo, offrono al pubblico
un’occasione unica per scoprire
l’arte di due grandi interpreti
del Rinascimento italiano:
Ercole de’ Roberti e Lorenzo
Costa. Dotato di un incredibile
talento compositivo, straordinario
per qualità ed espressività
emotiva, Ercole de’ Roberti era
l’erede dell’Officina ferrarese,
il più giovane e intelligente tra
Una vista dell’allestimento
Ph. Marco Cappelletti. Courtesy Labics
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quanti parteciparono al clima culturale
di Palazzo Schifanoia, negli
ultimi anni del governo di Borso
d’Este. Fu Lorenzo Costa, di dieci
anni più giovane, a raccoglierne
l’eredità e a continuarne lo stile
nelle opere giovanili. Ma durante
un lungo soggiorno a Bologna
la sua pittura mutò in direzione
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di una maggiore morbidezza, di
una classicità calma e distesa. Il
mondo stava cambiando, Leonardo
e Perugino imponevano
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una nuova “maniera”, che Costa
comprese subito e della quale fu
tra i maggiori interpreti, anche
dopo il trasferimento a Mantova
alla corte dei Gonzaga. I visi-
Ginevra Bentivoglio che arrivano
i luminosi ritratti di Giovanni II e
tatori possono seguire la carriera da Washington, una commissione
di Ercole attraverso oltre venti che sancisce il prestigio raggiunto
opere, dagli esordi alla compiuta nella vicina Bologna. Le sale dedicate
agli ultimi anni, quando
maturità. Tra le opere giovanili
sono presenti gli scomparti del Ercole dopo il rientro in patria
polittico Griffoni, eseguito a era divenuto pittore di corte degli
fianco di Francesco del Cossa, e >>>
Sopra: Lorenzo Costa
Adorazione del Bambino, c. 1494
tempera e olio su tavola, 64,5x85,8 cm.
Lione, Musée des Beaux-Arts
© MBA Ph. Alain Basset
Sotto: Maestro della pala Bertoni
(Leonardo Scaletti?)
Madonna in trono col Bambino, san Giovanni
Evangelista, il beato Jacopo Filippo Bertoni e
quattro angeli (pala Bertoni)
c. 1483-84, tempera e olio su tavola
128,5x200 cm. Faenza, Pinacoteca Comunale
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45
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<<<
Este, sono impreziosite da quattro
dipinti di rara raffinatezza, grazie
al prestito eccezionale concesso
dalla National Gallery di Londra:
oltre al dittico che appartenne alla
duchessa Eleonora d’Aragona, la
“Raccolta della manna” e “Istituzione
dell’Eucarestia”. Dal
Kimbell Art Museum di Forth
Worth giunge la tavola con “Porzia
e Bruto” che sarà ricongiunta
alla compagna con “Lucrezia,
Bruto e Collatino” della Galleria
Estense di Modena.
Non meno ricca la selezione di
lavori di Costa, che prende avvio
dal periodo giovanile con le “Storie
degli Argonauti” qui riunite
per la prima volta per poi passare
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a delle opere più classicheggianti
come la Sacra famiglia dal Museo
di Toledo in Ohio mentre per documentare
il periodo mantovano è
possibile ammirare la “Veronica”
del Louvre, il “Ritratto di Cardinale”
del Minneapolis Institute
of Art, sino all’ultima opera nota,
la “Madonna e Santi” della chiesa
di Sant’Andrea a Mantova del
1525. Un excursus degno di nota
dei due grandi maestri ferraresi. sl
Sopra: Ercole de’ Roberti
Giovanni II Bentivoglio e Ginevra Sforza
1473-74, tempera su tavola
54x38,1 cm. / 53,7x38,7 cm.
Washington, National Gallery of Art, Samuel H.
Kress Collection
A sinistra: Lorenzo Costa
Fuga degli Argonauti dalla Colchide
c. 1483, tempera e olio su tavola, 35x26,5 cm.
Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
© Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
RINASCIMENTO A FERRARA
Ercole de’ Roberti e Lorenzo Costa
18 febbraio – 19 giugno 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Palazzo dei Diamanti, Ferrara
INFO
T. +39 0532 244949
diamanti@comune.fe.it
Tutti i giorni 10.00 - 20.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.palazzodiamanti.it
46
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Antonella Pecoraro
NINNI
Ninni - Riga parallela 2
2010, acrilico su tela, 120x60 cm.
Pecoraro Antonella
antonella@artecultura.net
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I Bassano
Storia del Rinascimento veneto
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
di Rebecca Maniti
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Il fascino della Storia e della ricerca è
facilmente comprensibile immergendosi
nella mostra “I Bassano. Storia
di una famiglia di pittori”, un progetto
che vede le opere di questa famiglia
di artisti unite al racconto che Melania
Mazzucco (Premio Strega e autrice di
celeberrimi romanzi storico-artistici)
ha fatto di loro. Questa storia inizia nel
1464 con l’arrivo a Bassano di Jacopo di
Berto (poi Dal Ponte per via della casa
I BASSANO
Storia di una famiglia di pittori
03 dicembre 2022 - 02 maggio 2023
Museo Civico, Bassano del Grappa
INFO
T. +39 0331 706011
Da mercoledì a lunedì 10.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.museibassano.it
Trovi la versione completa,
CARTACEA o DIGITALE
sulle rive del Brenta). Suo figlio Francesco
fu il primo della dinastia di pittori,
in abbonamento e
avviò con successo l’attiva Bottega, proseguita
nei migliori suoi figli Giambattista fiere d’Arte. e Ja-
nelle
copo, e poi con Leandro e Gerolamo,
fino al nipote Jacopo Apollonio.
I loro dipinti, ammantati da un ineffabile
“mistero del quotidiano”, conquistarono
artshop.biancoscuro.it
il mercato internazionale. In
mostra al Museo Civico di Bassano del
Grappa, fino al 2 maggio, ne possiamo
ammirare quaranta, insieme a oggetti e
documenti preziosi, come il Libro dei
conti della bottega, o il quaderno di
esercizi alchemici di Francesco il Vecchio.
Non troveremo alcun pannello
storico artistico, nessuna didascalia che
vada oltre l’essenzialità, solo le meravigliose
creazioni dei Bassano e l’intenso
filo del racconto della vita dei Dal Ponte.
Attraverso le parole della Mazzucco si
può comprendere il senso più profondo
e poetico dell’arte de “i Bassano”, protagonisti
indiscussi della pittura del Rinascimento
veneto. sl
Puoi abbonarti o richiedere una copia online:
Jacopo Dal Ponte
San Valentino battezza Santa Lucilla
1575 ca
ELISABETTA BOSISIO
Percorsi di luce oltre la cenere del Tempo 2
2022, tecnica mista con gesso di bologna, cenere e pigmenti naturali armeni, 80x80 cm.
www.newartpromotion.it
www.elisabettabosisio.it
LUIGI MINGUZZI
SELFDESTRUCTION 10C
2022, 100x125 cm.
info@luigiminguzzi.it multiverso_studio multiversostudio www.luigiminguzzi.it
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Orazio Gentileschi
L’inedito San Francesco
di Ettore Tiretto
Sta per concludersi (il 10
aprile) la mostra “Orazio
Gentileschi e l’immagine
di san Francesco.
La nascita del
caravaggismo a Roma”, allestita
presso le sale di Palazzo Barberini
- Gallerie Nazionali di Arte
Antica. A cura di Giuseppe Porzio,
professore di storia dell’arte
moderna presso l’Università di
Napoli L’Orientale, e Yuri Primarosa,
curatore del museo e
docente di Storia dell’Arte Moderna
presso la Sapienza Università
di Roma, l’esposizione vanta
un’opera esposta per la prima
volta: si tratta di un dipinto di
Orazio Gentileschi raffigurante
San Francesco in estasi, notificato
dallo Stato italiano su parere
di Yuri Primarosa quale opera
di eccezionale importanza storico-artistica.
Il quadro costituisce,
con ogni evidenza, una rara
e rilevante testimonianza del
momento in cui Orazio Gentileschi
si avvicinò alle novità
poetiche e stilistiche elaborate
da Michelangelo Merisi. Fu infatti
eseguito dal naturale e con
il modello in posa: un metodo
di lavoro che Orazio doveva aver
appreso già attorno al 1599-1600
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direttamente da Caravaggio. L’inedito
dipinto di Gentileschi è
messo a confronto con tre importanti
opere conservate a Palazzo
Barberini e con un quadro proveniente
dal museo del Prado: il
“San Francesco in meditazione”
attribuito a Caravaggio, il “San
Francesco sorretto da un angelo”
dello stesso Gentileschi, il “San
Francesco in preghiera” del Cigoli
e il “San Francesco sorretto
da un angelo” di Madrid, altro
capolavoro della fase giovanile
Ludovico Cardi, detto Cigoli
San Francesco in preghiera
1599 ca, olio su tela, 135x120 cm. Roma,
Gallerie Nazionali di Arte Antica, Palazzo Barberini
50
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ORAZIO GENTILESCHI AND THE IMAGE OF SAINT FRANCIS
The birth of Caravaggism in Rome
Gallerie Nazionali di Arte Antica - Palazzo Barberini , Roma
January 27 - April 10, 2023
Orazio Gentileschi - San Francesco in estasi
1602-1605 circa, olio su tela, 98x73 cm.
Iscrizioni: sul retro della tela «S.e P.S. n.o 10».
Collezione privata, Courtesy Benappi Fine Art
ORAZIO GENTILESCHI E
L’IMMAGINE DI SAN FRANCESCO
La nascita del caravaggismo a Roma
27 gennaio – 10 aprile 2023
Palazzo Barberini, Roma
INFO
T. +39 06 32810
Da martedì a domenica 10.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.barberinicorsini.org
di Gentileschi. La mostra è stata
realizzata grazie al supporto della
Galleria Benappi Fine Art, che
ha provveduto anche al restauro
della tela, eseguito da Stefano
Scarpelli sotto la supervisione
delle Gallerie Nazionali. sl
The Gallerie Nazionali di Arte
Antica at Palazzo Barberini
present the exhibition Orazio
Gentileschi and the Image of St
Francis. The Birth of Caravaggism in
Rome, which will be open between
the 27 January and the 10 April 2023.
The exhibition is curated by Giuseppe
Porzio, professor of the History of Modern
Art at the University of Naples
L’Orientale, and Yuri Primarosa, curator
at the museum, and lecturer in the
History of Modern Art at the Sapienza
University of Rome. In Gallery 9, on
the ground floor of Palazzo Barberini,
a space dedicated to dossier exhibitions
with in-depth studies of individual
works or specific themes, we are exhibiting
to the public for the first time
a painting by Orazio Gentileschi depicting
St. Francis in Ecstasy. It is a painting
that the Italian State has declared,
following the advice of Yuri Primarosa,
to be a work of exceptional historical
and artistic importance. The painting
is unquestionably a rare and significant
testimony of the period in which
Orazio Gentileschi was influenced by
the poetic and stylistic innovations introduced
by Michelangelo Merisi da
Caravaggio. The painting was executed
from life with a model, a practice that
Orazio must have already acquired -
around 1599-1600 - directly from Caravaggio.
In all likelihood, the painting
was executed in the same years as the
famous trial that Giovanni Baglione
had brought against Caravaggio, Onorio
Longhi, Filippo Trisegni and Gentileschi
himself. During the course of
the trial, more precisely in September
1603, Gentileschi had declared that
he had lent Caravaggio “a Capuchin’s
garment” and a “pair of wings”. This is
plausibly the same habit, distinguished
by its characteristic pointed headdress,
that Gentileschi depicts in the painting
that we are presenting here. This unpublished
painting by Gentileschi is
exhibited alongside three major works
from Palazzo Barberini and a painting
belonging to the Prado Museum: St.
Francis in Meditation attributed to
Caravaggio, St. Francis Supported by
an Angel by Gentileschi himself, St.
Francis at Prayer by Cigoli and St.
Francis Supported by an Angel from
Madrid, another early masterpiece by
Gentileschi. The discovery of this paintng
enables us to document the birth
of Caravaggism in Rome in a new way,
through the early influence of Caravaggio
on Gentileschi, who had already
been active in the papal capital for
more than two decades in the in the
wake and tradition of late Mannerism.
A catalogue published by Officina Libraria
accompanies the exhibition and
includes essays by the curators as well
as by Keith Christiansen sl
Due viste della mostra a Palazzo Barberini
Ph. Alberto Novelli
Mario Alberto
AGUGIARO
agugiaro@libero.it
www.marioalbertoagugiaro.it
Mulieres in honesta senectute
olio su tela, 80x100 cm.
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Neri Maria Corsini
Opere della sua storia
di Carla Margone
Ultimi giorni per visitare
la mostra “Le
stanze del Cardinale.
Neri Maria
Corsini protagonista
della Roma del Settecento”
presso Galleria Corsini a Roma.
A cura di Alessandro Cosma, la
mostra è dedicata a una delle figure
principali della vita culturale
romana settecentesca.
“Raccontare la storia di Neri Maria
Corsini e della sua Galleria - afferma
Flaminia Gennari Santori, direttrice
del museo - è raccontare la
storia dell’arte di quell’epoca, facendo
rivivere i fasti di una collezione,
ammirata e ricercata, che dal
Settecento in poi è rimasta pressoché
invariata. La Galleria Corsini è infatti
una rarità assoluta a Roma e in
Italia, fiore all’occhiello delle Gallerie
Nazionali di Arte Antica”.
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
Trovi la versione completa,
CARTACEA o DIGITALE
in abbonamento e
nelle migliori fiere d’Arte.
Neri Maria divenne la figura
chiave dell’azione politica e culturale
del Papa (suo zio), e la sua
influenza artshop.biancoscuro.it
si estese a quasi tutti
gli aspetti del governo, compresi
quelli legati al mecenatismo. Divenne
anche uno dei principali
artefici di tutela e valorizzazione
pubblica del patrimonio.
Le sale della Galleria Corsini ancora
oggi ospitano parte della
collezione della famiglia. Sono
esposte oltre 60 opere tra dipinti,
sculture, disegni, incisioni,
volumi, lettere e documenti
d’archivio provenienti dalla sua
collezione, addirittura è possibile
ammirare gli inventari settecenteschi
originali su cui si basa l’allestimento
della Galleria. sl
Puoi abbonarti o richiedere una copia online:
Sotto: Paolo Anesi - Veduta di Villa Costaguti e
Villa Pamphilj tra Anzio e Nettuno
1746, olio su tela. Londra, Art Gallery London
Sopra: Mattia Moretti
Sibilla Persica, da Guido Reni
1737, mosaico
Firenze, Gallerie degli Uffizi, Palazzo Pitti
52
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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LE STANZE DEL CARDINALE
Neri Maria Corsini protagonista della Roma del Settecento
Gallerie Nazionali di Arte Antica – Galleria Corsini, Roma
December 15, 2022 - April 10, 2023
Cardinal Neri Maria Corsini, one of the
masterminds behind the fashion for
family collections and a focal point in
Rome’s cultural life in the 18th-century, died
in Rome on December 6th 1770. Despite the
scornful judgment of his contemporary Charles
De Brosses (1709–77), who called him “a
man of less than mediocre capabilities”, Neri
Maria has every right to be considered one of
18th-century Rome’s truly great patrons of
the arts. Hailing from an ancient Florentine
family, he embarked on his career in the service
of the Grand Dukes of Tuscany and spent a
great deal of time in the courts of Europe. Moving
to Rome in 1726, he lived with his uncle
Cardinal Lorenzo Corsini who was elected to
the papacy in 1730, taking the name of Clement
XII (1730–40). Raised to the purple in
the same year, Neri Maria was to become the
key player in the Pope’s agenda. He was involved
in politics but also in the major building
projects of those years and in significant measures
to protect and enhance cultural assets.
The project that most successfully embodies
Neri Maria’s temperament is Palazzo Corsini
alla Lungara, which he bought in 1736
and commissioned the architect Ferdinando
Fuga to transform into a fully-fledged European
“royal palace”. Its garden stretched as
far as the Janiculum Hill where the family’s
first Cardinal, Neri Corsini (1614–78), had
built what is known as the Casino dei Quattro
Venti. The palazzo, the superb collection
of paintings and sculptures put together by
Neri Maria and the vast library opened to the
public were instantly celebrated in the most
important guides of Rome, such as Giuseppe
Vasi’s Magnificenze or Filippo Titi’s Descrizione,
on display in a version updated by the
Cardinal’s own counsellor Giovanni Gaetano
Bottari (1689 – 1775). The collection in the
palazzo, which comprised over 600 pictures
and almost 200 sculptures in its heyday in
the 18th century, consisted of works already
in the family’s ownership, of numerous gifts
received both by the Pope and by the Cardinal
in the course of their lifetimes and also
– indeed above all – of the targeted, conscious
choices that Neri Maria made in buying some
185 paintings and 50 sculptures worth over
7,500 scudi over a period of more than twenty
years. A number of original documents in the
Corsini family archive reveal that the Cardinal
devoted his attention right from the very first
renovation campaign (1736–8) to decorating
his own private apartments, which were the
rooms that now house the Galleria Corsini.
One of the most important of those documents,
on display here, is an inventory unique
in the history of collecting in that it contains
annotations by Neri Maria’s counsellor and
librarian Giovanni Gaetano Bottari concerning
the purchase of the paintings. His notes
record the works’ provenance, thus offering
us a glimpse of their history and an insight
into the art market of the period. The other
document of crucial importance is the inventory
drafted in 1771, immmediately after
Neri Maria’s death, describing “the Cardinal’s
chambers” and the over 300 works adorning
them, room by room and wall by wall. The
Galleria Corsini’s new layout, devised in 2009
and further enriched for this exhibition, is based
on that inventory.. sl
MONICA
ZORZI
“La storia e la cultura,
formano l’identità di un
individuo e di una nazione.”
LA STORIA
2022
composizione digitale
65x48 cm.
LE STANZE DEL CARDINALE
Neri Maria Corsini protagonista della
Roma del Settecento
15 dicembre 2022 - 10 aprile 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Galleria Corsini, Roma
INFO
gan-aar.comunicazione@cultura.gov.it
Da martedì a domenica 10.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.barberinicorsini.org
LA CULTURA
2022
composizione digitale
60x48 cm.
Due viste dell’installazione presso Galleria Corsini:
Sala Blu e Camera Verde. Ph. Alberto Novelli
zorzi_monica
biancoscuro
Rembrandt a Torino
La mostra ai Musei Reali
di Flavio Ennante
Con la nuova mostra
dossier “Rembrandt
incontra
Rembrandt. Dialoghi
in Galleria”,
i Musei Reali di Torino celebrano
il genio del più grande maestro
olandese del Seicento, con una
selezione di ventidue opere tra
dipinti, disegni e acqueforti. “Al
centro dell’attenzione è uno dei capolavori
della Galleria Sabauda, in
cui il giovane Rembrandt sperimenta
la sua maestria nella resa
dei bruni. In mostra è possibile
ammirarlo cogliendone anche dettagli
che dapprima sfuggono alla vista”,
osserva Annamaria Bava, responsabile
delle collezioni d’arte e
di archeologia dei Musei Reali.
Nella carriera di Rembrandt l’incisione
occupa un posto di assoluto
rilievo, in particolare attraverso
la tecnica dell’acquaforte: la sua
produzione, eccezionale per ampiezza
e varietà, documenta una
conoscenza approfondita delle
tecniche e una incessante ricerca
di nuove soluzioni espressive.
“La mostra propone un percorso
sullo straordinario patrimonio legato
al maestro olandese conservato ai
Musei Reali - spiega la Direttrice
Enrica Pagella - e intende portare
all’attenzione del pubblico le ric-
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che raccolte di arte fiamminga e
olandese, che rappresentano una
peculiarità, sia per consistenza, sia
per qualità, nel panorama delle
collezioni pubbliche italiane”. È
possibile visitarla fino al 16 aprile
presso la Galleria Sabauda. sl
REMBRANDT INCONTRA
REMBRANDT
Dialoghi in Galleria
14 dicembre 2022 – 16 aprile 2023
Musei Reali - Galleria Sabauda, Torino
INFO
T. +39 011 19560449
Da martedì a domenica 09.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.museireali.beniculturali.it
Alcune viste della mostra “Rembrandt incontra
Rembrandt” Ph. Andrea Guermani
54
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biancoscuro
Il Pitocchetto
Arte sacra a Brescia
di Daniela Malabaila
Anche il Museo Diocesano di Brescia celebra il Maestro
settecentesco inserendosi nel palinsesto “Ceruti 2023”
con la mostra “Ceruti sacro e la pittura a Brescia tra
Ricci e Tiepolo”. Aperta al pubblico fino al 21 maggio, è curata
da Angelo Loda, responsabile del settore storico-artistico
della Soprintendenza ABAP, con la collaborazione di Federico
Troletti. Il percorso espositivo è introdotto da trenta dipinti
sacri dei principali artisti attivi nel territorio bresciano e bergamasco
nei primi anni del Settecento, tra cui Sebastiano Ricci,
Giovambattista Tiepolo, Andrea Celesti, Antonio Cifrondi,
Francesco Paglia e si arricchisce con quelli di autori operanti
tra gli anni Venti e gli anni Quaranta, quali Giuseppe Tortelli,
Antonio e Angelo Paglia, Francesco Monti. Attraverso dieci
capolavori, la rassegna analizza la limitata produzione di opere
di carattere religioso realizzate da Giacomo Ceruti, detto
il Pitocchetto, durante il soggiorno in provincia di Brescia, a
Rivergaro e a Crema. In quest’attività, Ceruti (ritrattista e pittore
di genere), ha cercato di fondere la sua vena naturalistica
con la componente più convenzionale imposta inevitabilmente
dai soggetti. Il percorso si arricchisce con l’esposizione “Per-
Diana! Giacomo Ceruti, capolavori tra Lombardia e Veneto”, in
programma dal 7 maggio al 30 luglio, al MarteS Museo d’Arte
Sorlini a Calvagese della Riviera. sl
Giacomo Ceruti
Madonna con Bambino
Museo Lechi di Montichiari. Ph. BAMS Photo Rodella
CERUTI SACRO
e la pittura a Brescia tra Ricci e Tiepolo
11 marzo - 21 maggio 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Museo Diocesano, Brescia
INFO
T. +39 030 40233
Da giovedì a martedì 10.00 - 12.00 / 15.00 - 18.00
Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti
al sito www.museodiocesano.brescia.it
Giacomo Ceruti, S. Apollonio benedice SS. Faustino e Giovita
Chiesa di S Faustino e Giovita, Bione. Ph. BAMS Photo Rodella
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Marco Panighini
Art & Design Week
Passepartout Gallery
Milano UNAHOTEL EXPO FIERA
dal 15 al 23 aprile
Artwork 00128 - 2023, acrilico su tela, 100x100 cm. - marcpanig@alice.it
biancoscuro
Antonio Canova
Il principe della scultura QUESTA è LA in VERSIONE mostra a FREE Roma di
di Mario Gambatesa
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Per celebrare i duecento
anni dalla morte dello
scultore Antonio
Canova, l’Accademia
Nazionale di San
Luca di Roma, dedica una mostra
al grande artista e soprattutto al
legame indissolubile che egli ebbe
con l’Istituzione romana. L’esposizione,
“Canova. L’ultimo Principe”,
è aperta al pubblico dal
17 dicembre scorso al 28 giugno
prossimo nella sede di Palazzo
Carpegna e vuole testimoniare la
presenza dello scultore Antonio
Canova all’interno dell’Accademia.
Eletto accademico di merito
nel 1800, acclamato principe
nel 1810, e principe perpetuo nel
1814, Canova ha impresso all’istituzione
romana un nuovo indirizzo,
che ha interessato tutti
i settori culturali: dalla riforma
della didattica artistica, agli scavi,
al restauro e alla tutela del patrimonio
monumentale antico, alla
promozione dell’arte contemporanea
e al riassetto urbano di
Roma. La mostra è articolata in
otto sezioni che ripercorrono gli
anni canoviani, dall’ingresso in
Accademia nel 1800, alla morte
nel 1822. La prima sezione, “Canova
in Accademia”, documenta
l’entrata dello scultore all’interno
dell’Accademia di San Luca,
con il significativo rilievo in gesso
“Socrate che difende Alcibiade
alla Battaglia di Potidea”
(1797), offerto dall’artista come
dono d’ingresso. Nella seconda
sezione, “I concorsi Canova: pittura
e scultura”, si affronta il tema
della formazione artistica dei
giovani a cui Canova ha sempre
rivolto tutte le sue attenzioni.
Nella terza sezione , “Canova e
Thorvaldsen”, lungo la galleria,
presenta i gessi del maestro di
Possagno conservati nella raccolta
accademica: l’Autoritratto, la
testa colossale di Clemente XIII
56
Antonio Canova
La Religione cattolica
1814-1815, gesso, 110x116x55 cm.
Courtesy Accademia Nazionale di San Luca
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biancoscuro
e il Ritratto di Napoleone. La
quarta sezione, intitolata “La Religione”,
intende approfondire la
vicenda dell’immenso gesso della
“Religione” di Canova, donato
dal fratello Giovanni Battista
Sartori nel 1830. Nella quinta
sezione, “L’Accademia al tempo di
Canova”, si è ricreato per immagini
il contesto romano vissuto
da Canova fin dal suo ingresso
in Accademia. Nella sesta sezione
“De’ Monumenti Antichi”, le opere
in mostra rimandano al ruolo
di Canova garante delle azioni
di restauro sui monumenti antichi
della città di Roma. Sarà
poi CARTACEA il delicatissimo o DIGITALE ruolo, svolto
nel 1815, in abbonamento per il rientro in eItalia
delle opere prelevate dai francesi,
a confermare Canova come una
figura fondamentale nella tutela
e nella conservazione del patrimonio
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culturale. La settima
>>>
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sezione, “I concorsi Canova: architettura”,
completa il tema della
formazione artistica dei giovani
Antonio Canova
Ritratto di Napoleone Bonaparte primo console
1802, gesso, 65x70x30 cm.
Courtesy Accademia Nazionale di San Luca
A sinistra e sotto: Due viste della mostra
Ph. Bufo LoGiudice
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57
biancoscuro
<<<
con le elaborazioni dei progetti
di architettura. Infine, nell’ottava
sezione intitolata “La Scuola del
Nudo 1801-1812” sono per la
prima volta esposti disegni eseguiti
dai giovani studenti della
Scuola del Nudo capitolina, gestita
dall’Accademia.
L’esposizione mette in risalto la
figura di Antonio Canova, uno
scultore dalla indole schiva e riservata,
che ha espresso un grande
impegno morale e civile per
la salvaguardia del nostro patrimonio
culturale. sl
Antonio Canova
Socrate salva Albiciade nella battaglia di Potidea
1797, gesso, 110x140x6,50 cm.
Courtesy Accademia Nazionale di San Luca
CANOVA
L’ultimo Principe
17 dicembre 2022 – 28 giugno 2023
Accademia Nazionale di San Luca, Roma
INFO
T. +39 06 6798848
Da martedì a sabato 10.00 - 17.30
Inquadra con il tuo smartphone
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www.accademiasanluca.it
MARIO ZAMMIT - LEWIS
“St. Joseph barca filippina”
2011, olio su tela, 50x50 cm.
alimarcpb@gmail.com mariozammitlewis YouTube: Mario R. Zammit-Lewis
Fattori a Palazzo Fava
Protagonista, la Macchia
di Ettore Tiretto
Il Maestro indiscusso della rivoluzione macchiaiola,
promotore dell’arte italiana di fine
Ottocento e precursore della modernità del
XX secolo, Giovanni Fattori è celebrato in una
eccezionale antologica a Palazzo Fava. “Fattori.
L’umanità tradotta in pittura”, a cura di
Claudia Fulgheri, Elisabetta Matteucci e
Francesca Panconi (studiose e profonde conoscitrici
della vasta produzione di Fattori), è
visitabile ancora fino al 1 maggio di quest’anno
al Piano Nobile del Palazzo delle Esposizioni
di Genus Bononiae. Musei nella Città. Lungo il
percorso espositivo (suddiviso in nuclei tematici,
“La macchia: nascita di una nuova arte”, “Il
tema militare come documento di storia e vita
contemporanea”, “L’altra faccia dell’anima”,
“Castiglioncello, remoto e delizioso sito”, “L’intima
percezione del proprio tempo”, “La luce
del vero, elemento vivificante” e “Gli animali,
creature amiche, potenti e pacifiche”) si ha la
possibilità di ammirare circa settanta opere di
Fattori e di scoprire così come è avvenuto il
cambio di stile, come è nata e si è evoluta la
Macchia nel suo fare arte. sl
NINO
COPPOLA
FATTORI
L’umanità tradotta in pittura
16 dicembre 2022 - 01 maggio 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Palazzo Fava, Bologna
INFO
T. +39 051 1993 6305
Da martedì a domenica 10.00 - 19.00
Veduta di Labro
2007
china colorata su
pergamena
70x50 cm.
Inquadra con il tuo smartphone
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www.genusbononiae.it
Sopra:
Giovanni Fattori - Autoritratto
Sotto: Una vista della mostra
Veduta di Borghetto di
Gerace
2020
china colorata su
pergamena
80x40 cm.
nino.coppola@libero.it
biancoscuro
La camera delle meraviglie
Un viaggio nel Medioevo
di Mario Gambatesa
In occasione della riapertura
del Castello Della Monica
di Teramo, dal 21 gennaio
al 7 maggio 2023, la prestigiosa
residenza neogotica,
ospiterà la mostra “La camera
delle meraviglie”, ideata dal professor
Stefano Papetti e curata
insieme ad Antonio D’Amico.
L’esposizione è l’occasione per
inaugurare la ricca stagione espositiva
del Castello Della Monica
di Teramo, oggetto di un’importante
opera di restauro e di valorizzazione
dell’edificio iniziata
nei primi anni 2000 e proseguita
dal 2015 attraverso la prestigiosa
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collaborazione del Museo Bagatti
Valsecchi di Milano e la Casa
Museo con cui il Castello Della
Monica condivide molteplici affinità.
Il Castello Della Monica di
Teramo è stato ideato e realizzato
dall’artista Gennaro Della Monica,
architetto, scultore e pittore,
vissuto a cavallo tra Ottocento
e Novecento. Collocata sul colle
di San Venanzio, questa dimora
d’artista, la cui costruzione iniziò
nel 1889, segue la moda di fine
secolo che si ricollega al gusto neogotico,
caratterizzandosi per
un ritorno allo stile medievale.
Un progetto raro non tanto per i
dettagli costruttivi architettonici
e ornamentali, quanto per la realizzazione
della piccola espansione
urbanistica della città esistente,
che l’artista cercò di rendere decadente,
come corrosa dal passare
degli anni. Questa scelta stilistica
di rievocare l’arte medievale si
inserisce nel clima europeo del
Gothic Revival.
La mostra “La camera delle meraviglie”
presenta una selezione
di oggetti di arredo abitualmente
esposti nel percorso della Casa
Museo. Suppellettili, armature,
cassoni finemente decorati e intagliati,
cofanetti in avorio, formano
una vera e propria Wunderkammer,
piccole camere delle
meraviglie tutte da scoprire che
entrano in dialogo con le suggestive
sale della storica dimora
teramana, tra pareti affrescate e
vetrate policrome. Tra gli oggetti
che si possono ammirare vi sono
alcuni pregevoli manufatti legati
alla storia e all’arte dell’Abruzzo
e del Regno, come il Cassone di
legno di pioppo realizzato negli
ultimi anni del Quattrocento, di
grande raffinatezza è poi il piccolo
contenitore in rame dorato incastonato
di coralli che formano
graziose decorazioni vegetali sulla
60
Forzierino
rame smaltato, 6,6x8x3,4 cm.
Milano, Museo Bagatti Valsecchi, inv. n. 821
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LA CAMERA DELLE MERAVIGLIE
21 gennaio – 7 maggio 2023
(Verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Castello Della Monica, Teramo
INFO
T. +39 0861 250873
Mercoledì 10.00 - 13.00
Da giovedì a domenica
10.00 - 13.00 / 16.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.comune.teramo.it
A destra: Cassetta
ebano, osso e bronzo, 14x15x11 cm.
Milano, Museo Bagatti Valsecchi, inv. n. 740
Sotto: due viste della mostra “La casa delle
meraviglie”, Castello della Monica
struttura, e a raggiera sul coperchio.
S’incontrano poi la piccola
cassettina in ebano e osso caratterizzata
da una singolare decorazione
a marqueterie, tipica di una
produzione artigiana sviluppatasi
nella seconda metà del XIV secolo
nell’area centroitaliana; la rarissima
maschera da giustizia in
acciaio brunito, modellata con i
lineamenti di un uomo calvo di
mezza età, il cappello maschile
in pelle scamosciata di manifattura
italiana, databile alla metà
del Cinquecento e molti altri.
L’esposizione è corredata da un catalogo
con saggi dei due curatori,
Papetti e d’Amico, cui si aggiungono
la puntuale disamina sulla
storia architettonica del castello
redatta da Francesca Tottone e le
dettagliate schede storico-critiche
degli oggetti in mostra redatte da
Aurora Ghezzi. Un luogo unico
tutto da scoprire che porta lo
spettatore a vivere un viaggio nel
tempo in un vero e proprio borgo
medioevale. sl
Francesca
ARCES
francescarces@gmail.com
pi_arca
“I’m 33 years old”
2023, acrilico su carta 180g, 26x37cm.
biancoscuro
Galileo Chini
Le sue raffinate ceramiche al MIC
di Daniela Malabaila
Raffinate decorazioni,
lustri, eleganti figure
femminili: al MIC
di Faenza, fino al 14
maggio, possiamo visitare
la mostra “Galileo Chini.
Ceramiche tra Liberty e Déco”,
la più ampia mostra mai dedicata
alle sue ceramiche.
Chini è stato un artista poliedrico,
aggiornatissimo sui gusti e
sulle tendenze europee dell’epoca.
Dipinse nature morte, bellissimi
paesaggi della sua Versilia,
ritratti e ambienti che richiamano
la sua esperienza a Bangkok. Nel
1909 dipinse la cupola del vestibolo
del Padiglione Centrale
della Biennale di Venezia.
La mostra, curata da Claudia
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Casali e Valerio Terraroli, espone
circa trecento pezzi tra ceramiche
e disegni preparatori
con numerosi inediti, suddivise
in otto sezioni, a documentare
le varie fasi di attività delle manifatture
L’Arte della Ceramica
(Firenze, 1897) e le Fornaci S.
Lorenzo (Borgo San Lorenzo,
1906), entrambe fondate da Galileo
Chini. Le ceramiche della
Manifattura, che sapevano coniugare
la tradizione alla modernità,
conquistarono da subito premi e
fama per le loro raffinate decorazioni
da principio ispirate a motivi
floreali di gusto Liberty e
a figure femminili di influenza
rinascimentale, poi caratterizzate
dalla tecnica a lustri metallici, da
Sopra: vaso con volti femminili e fiori, 1896-
1898. Arte della Ceramica. Collezione privata
62
BIANCOSCURO
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biancoscuro
Disco con profilo femminile e fiori
1898-1900. Arte della Ceramica
MIC Faenza inv. n. 5778
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Piatto ornamentale con testa femminile e
pavone, 1898-1902.
Arte della Ceramica. Collezione privata
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Piatto decorativo con figura femminile tra le
onde, 1898-1902.
Arte della Ceramica. Collezione privata
Sotto a sinistra: pannello ceramico con due teste
femminili fiori e grappoli d’uva
1898-1902. Arte della Ceramica
Galleria Expertise di Cinelli Marzio
Sotto: pannello ceramico “Primavera”
1920 ca. Collezione privata
“Il genio addita agli artefici
moderni i capolavori delle
tradizioni e dei maestri passati
cominciando dalle prime civiltà ove
il giaciglio e la capanna l’uomo
adornò per la sua compagna.
Galileo Chini
GALILEO CHINI
Ceramiche tra Liberty e Déco
26 novembre 2022 – 14 maggio 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
MIC–Museo Internazionale delle Ceramiche, Faenza
INFO
T. +39 05 46697311
info@micfaenza.org
Da martedì a venerdì
10.00 - 14.00
Sabato e domenica 10.00 - 18.00
Inquadra con il tuo smartphone
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www.micfaenza.org
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”
sintesi decorative e da una varia
gamma di grès.
“Galileo Chini impersona emblematicamente
quel passaggio epocale
dalla tradizione storica alla modernità
- spiega Valerio Terraroli - tra
l’eredità di un alto artigianato
artistico e l’inevitabile necessità
di confrontarsi con un mercato
nazionale e internazionale alla ricerca
spasmodica di novità. Chini
appartiene a quella generazione che
deve fare i conti con una serie di
radicali cambiamenti che pongono
all’attenzione del dibattito critico
contemporaneo la questione del
rapporto tra arte e industria”. sl
63
biancoscuro
Andy Warhol
Il suo universo al MA*GA
di Flavio Ennante
Il MA*GA di Gallarate ospita, fino al
18 giugno, una grande mostra antologica
dedicata interamente al genio
che ha cambiato la storia dell’arte del
Novecento: Andy Warhol. La mostra,
curata da Maurizio Vanni ed Emma
Zanella, racconta la multiforme e ricca
produzione dell’indiscusso padre della
Pop Art americana.
Il percorso espositivo, composto da più
ANDY WARHOL. Serial Identity
22 gennaio – 18 giugno 2023
Museo MA*GA, Gallarate
INFO
T. +39 0331 706011
Martedì, mercoledì e giovedì 10.00 - 19.00
Venerdì 10.00 - 20.00
Sabato e domenica 11.00 - 20.00
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di 200 opere, si apre con il confronto tra
alcuni disegni privati e i primi raffinatissimi
bozzetti pubblicitari degli anni
cinquanta del Novecento. La mostra
include anche la parte video della produzione
di Warhol, sono infatti esposti
in versione integrale “Empire” (1964);
“Kiss” (1963-1964) ; quattro “Screen
Tests” - Salvador Dalì, Bob Dylan, Lou
Reed (Coke) e Edie Sedgwick - realizzate
puntando la macchina da presa su
chi andava a visitare la Factory; cinque
episodi di “Andy Warhol’s Fifteen Minutes”,
prodotti per l’iconica Andy
Warhol TV che andò in onda dal 1985
al 1987, e i tre spezzoni video del 1981
per il “Saturday Night Live”, lo show
tv più famoso d’America. Per la prima
volta in Italia è inoltre esposta la straordinaria
video installazione del fotografo
e regista americano Ronald Nameth nata
della performance “Exploding Plastic
Inevitable” orchestrata da Warhol con i
Velvet Underground e Nico. Una mostra
completa ed entusiasmante. sl
Andy Warhol - Ladies and Gentlemen
1975, serigrafia su carta
Courtesy collezione D.P - L.R. © The Andy Warhol
Foundation for the Visual Arts, Inc. by SIAE 2022
TIZIANA TETTAMANTI
Plowing 3
2023, tecnica mista su carta graphia, 50x50 cm.
tirittiarte@gmail.com tiritti_art www.kaleidos-art.com
LELE PICÀ
“E se ciò che desideriamo fosse buono?
Possiamo fidarci dei nostri sogni e lasciare che guidino le nostre scelte. Ognuno di noi
dovrebbe avere il suo palloncino colorato in mano e non smettere mai di contemplare, stupito, l’orizzonte.”
NEBULOSA
2019, tecnica mista su tela, 80x90 cm.
www.lelepica.it info@lelepica.it lele_pica_
ROVENA
BOCCI
Christo e Jeanne-Claude
Progetti in relazione
di Carla Margone
“Libro che guarda il cielo”
(particolare)
2021, collage su stoffa, dripping
Covid-19 Hi dad - hi dad of everyone
(hi silvano my dad)
life is wonderful
thank you for my wonderful wonderful life
full of every good
every food on every table
pace everywere in universe
Rovena Bocci 22.12.22
La mostra “Christo e Jeanne-Claude.
Projects”, in scena al Castello di Miradolo
dallo scorso 15 ottobre ed aperta
per ancora pochi giorni, fino al 16 aprile,
vuole celebrare la coppia che ha rivoluzionato
il concetto di opera d’arte e il suo processo di
realizzazione. Curata da Francesco Poli, Paolo
Repetto e Roberto Galimberti, con il coordinamento
generale di Paola Eynard, la mostra,
realizzata grazie alla collaborazione con la
Fondazione Christo e Jeanne-Claude di New
York, presenta circa sessanta opere, tra tecniche
miste e collages, accompagnate da un’ampia
sezione fotografica e dalla proiezione dei video
che documentano la realizzazione delle monumentali
installazioni artistiche. A questo nucleo
si affiancano due sezioni, la prima è dedicata al
Nouveau réalisme e rappresenta l’incontro di
Christo con il mondo parigino, mentre la seconda
pone in relazione i progetti di Christo
e Jeanne-Claude e le loro esperienze artistiche
di riflessione. sl
CHRISTO E JEANNE-CLAUDE. Projects
15 ottobre 2022 – 16 aprile 2023
Castello di Miradolo, San Secondo di Pinerolo
INFO
T. +39 0121 502761
Lunedì e da venerdì a domenica 10.00 - 18.30
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www.fondazionecosso.com
CHRISTO AND JEANNE-CLAUDE. Projects
Miradolo Castle, Pinerolo
October 22, 2022 - April 16, 2023
A
year after the passing of Christo Vladimirov
Javacheff, Miradolo Castle
is dedicating to Christo and Jeanne-Claude,
the couple who revolutionized
the concept of a work of art and its process
of creation, the Christo and Jeanne-Claude
exhibition. Projects, which exhibits preparatory
drawings, collages, photographs
and videos of their most famous projects,
along with the works of some artists who influenced
their artistic production and their
thinking. The exhibition, made thanks to
the collaboration with the Christo and Jeanne-Claude
Foundation in New York, will
be presenting sixty works, between drawings
and collages, accompanied by a large photographic
section and the projection of videos
documenting the creation of the monumental
artistic installations. The exhibition is
going to be accompanied by an unreleased
sound installation, by the Avant-dernière
pensée project that is to run all along the
route of the exhibition. In the halls and in
the Park, parallel to the exhibition, will run,
as customary, the project Da un metro in
giù: an educational pathway for visitors of all
ages to learn, with the instruments of play,
to observe works of art and the reality that
surrounds us. sl
“Place to Peace”
2013, istallazione,
300x400x36 cm.
composta da poesia visuale su
immagini di opere pittoriche di
Marino Ficotto
Universe is harmonious, created with
all good
place to be, live in peace with love.
World is wonderful, luxuriant created
place to be, to live in peace with love
and all good.
Place to peace.
Rovena Bocci 13.3.22
rovenabocci@gmail.com
rovenabocci.blogspot.com
Christo e Jeanne-Claude Surrounded Islands
1981, tecnica mista su carta, in due parti
147,5x245x5 cm.
Pablo Echaurren
Rompere le barriere
di Ettore Tiretto
Maria Teresa
GUALA
Viola. Non indica un colore, ma un verbo,
è un’esortazione a violare, a rompere
le barriere tra le discipline per tentare
di realizzare quella fusione utopica di arte e
vita professata dalle avanguardie, che per Pablo
Echaurren, durante una breve ma prolifica stagione
tra il ’77 e il ’78, sembrava realizzarsi. La
Project Room del MAMbo – Museo d’Arte
Moderna di Bologna è la location perfetta per
“Viola! Pablo Echaurren e gli indiani metropolitani”,
il progetto espositivo a cura di Sara
De Chiara, inaugurato lo scorso gennaio. La
mostra offre l’occasione di approfondire per la
prima volta il rapporto di Pablo Echaurren
con il contesto bolognese, attraverso una selezione
di opere realizzate tra il 1977 e il 1978, di
pagine di Lotta Continua, di collage, fanzine e
illustrazioni ispirate agli avvenimenti e alla poetica
del Settantasette. La mostra mira a ricostruire
e rendere tangibile lo straordinario fermento
di una stagione complessa ed irripetibile. sl
IL GATTO DEL VICOLO
2021, acrilico su tavola
50x70 cm.
“Maria Teresa Guala was born
in Turin in 1947, her father was a
painter and advertiser (he got the
contract of Italia 61, TO Esposizioni).
Coming from an important family
of artist of Monferrato. She
studied at the Albertina Academy
of Fine Arts of Turin in the ‘60
with the lead of Prof. Scroppo.”
Sopra: alcune viste della mostra al MAMbo
Ph. Ornella De Carlo. Courtesy Settore Musei Civici
Bologna | MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna
A sinistra: Pablo Echaurren - Nei pressi di Vocabolo
Camminata, 1973, acquerello e china su carta, 24x18 cm.
Pablo Echaurren - Il masso delle formiche a forma di
cetaceo pietrificato raggiunge la rupe del cigno fossile
1972, smalto e china su cartone, 41x33 cm.
VIOLA!
Pablo Echaurren e gli indiani metropolitani
28 gennaio – 14 maggio 2023
MAMbo – Museo d’Arte Moderna, Bologna
INFO
T. +39 051 6496611
Martedì e mercoledì 14.00 - 19.00
Giovedì 14.00 - 20.00
Venerdì, sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00
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www.mambo-bologna.org
LA VELA
2007, tecnica mista su tavola
30x40 cm.
mariateresaguala@libero.it
biancoscuro
Roy Lichtenstein
A Parma si celebra il centenario
di Flavio Ennante
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
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Palazzo Tarasconi celebra
il centenario
della nascita di Roy
Lichtenstein, uno
dei maggiori interpreti
dell’arte del XX secolo, con la
mostra “Roy Lichtenstein. Variazioni
Pop”. Palazzo Tarasconi
fu costruito nel XVI secolo per
volere dei fratelli Scipione e Alessandro
Tarasconi, seguendo un
probabile progetto di Giovanni
Francesco Testa. Di grande impatto
visivo, avendo mantenuto
inalterato l’assetto originario, il
Palazzo sorge nel cuore del centro
storico della città di Parma.
La mostra, curata da Gianni Mercurio,
patrocinata dal Comune di
Parma e prodotta da GCR, General
Service and Security, con
la Direzione Artistica di WeAre-
Beside, per l’ideazione di MA-
DEINART, presenta i numerosi
temi affrontati dal grande artista
americano attraverso una
selezione di oltre 50 opere (edizioni
e serigrafie, sperimentazioni
su metallo, tessuti e plastica oltre
a fotografie e video) provenienti
da prestigiose collezioni europee
e americane.
“La sua arte, basata sugli effetti
della percezione visiva, è un’arte
dello sguardo, è perciò comprensibile
come, in una società che a partire
proprio dagli anni ‘60 è stata
progressivamente pervasa dal
potere dell’immagine, essa abbia
ancora una forte e perdurante influenza
sui creativi della visione.”
Anche se i suoi esordi nella litografia
e nella xilografia risalgono
al 1948, fu dopo il periodo “eroico”
della Pop Art, ovvero dopo la
prima metà degli anni ‘60, che il
suo lavoro e la sperimentazione
nel campo della riproducibilità
tecnica affiancarono sistematicamente
quello della pittura,
attuata con una pari metodologia
rigorosa e organizzata su variazioni
dei temi pittorici che ha svi-
68
Roy Lichtenstein - Two Nudes
1994, color relief print on Rives BFK mould–
paper, 122,0x104,4 cm.
Lex Harding Collection
© Estate of Roy Lichtenstein by SIAE 2023
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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biancoscuro
luppato nel corso degli anni. Ha
lavorato ai suoi soggetti senza mai
sovrapporre nello stesso momento
serie diverse, dedicando a ciascuna
un periodo circoscritto di
lavoro. Quindi la mostra, seguendo
un andamento cronologico
che coincide con uno sviluppo
tematico, ripercorre l’intera car-
ROY LICHTENSTEIN
Variazioni Pop
11 febbraio - 18 giugno 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Galleria Nazionale delle Marche, Urbino
INFO
T. +39 331 214 9630
Da martedì a domenica 10.00 - 19.30
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www.palazzotarasconi.it
riera artistica di Lichtenstein a
partire dagli ‘60, in cui ritroviamo
i suoi temi, dai fumetti e la
pubblicità, la natura morta, il
paesaggio, le incursioni nell’astrazione
e nelle forme dei grandi
maestri, gli interni bidimensionali,
fino alla serie dei nudi femminili.
Un catalogo accompagna la
mostra con testi del curatore, di
Roy Lichtenstein stesso e della
scrittrice e storica dell’arte Avis
Berman. La mostra dedidata a
Lichtenstein, dedicata di fatto la
stagione che Palazzo Tarasconi
dedicherà all’America e alla Pop
Art, una tipologia di arte in grado
di trasportare, sul piano del colore,
l’evoluzione culturale e commerciale
della società americana
del tempo. Da settembre 2023 il
tributo a questa corrente artistica
continuerà con la mostra “Keith
Haring. Radiant Vision”. sl
Installation view. Ph. LaltroSCATTO
massimo.savio53@gmail.com
maxavio53 Savio Massimo
MASSIMO SAVIO
MODULO CABLATO E BLINDATO NELLO SPAZIO
2023, pannello in fibra composita, acrilico, cavi elettrici bianchi, barre filettate in acciaio, 100x50x1 cm.
LUIGI MAPELLI - MAPO
STILL LIFE - olio su tela, 60x80 cm.
info@artemape.com
www.artemape.com
Wolfram Ullrich
Tagli e pieghe in evoluzione
di Vincenzo Chetta
Si è aperta al pubblico,
presso la Dep Art Gallery
di Milano, “Wolfram
Ullrich. Opere
1987 – 2023”, la mostra
a cura di Gianluca Ranzi,
visitabile fino al primo giugno di
quest’anno. La mostra propone
un corpus di oltre 30 opere, che
ripercorrono le tappe principali
della produzione artistica di Ullrich:
dai “Tagli” su lastre in ferro
di fine anni Ottanta, alle “Pieghe”
in alluminio degli anni Novanta,
fino alle complesse modulazioni
geometrico-prospettiche
in acciaio degli anni Duemila.
L’esposizione mostra l’evoluzione
dal 1987 ad oggi, mostrando
come esso rimanga sempre fedele
a se stesso. Wolfram Ullrich, che
trova la sua ispirazione nel Minimalismo
e nell’Arte Concreta,
WOLFRAM ULLRICH
Opere 1987 – 2023
28 marzo – 1 giugno 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Dep Art Gallery, Milano
INFO
T. +39 02 36535620
Da martedì a sabato 10.30 - 19.00
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
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ha attraversato diverse fasi artistiche,
mantenendo però una solida
coerenza e unicità creativa. La sua
ricerca si concentra sull’apertura
verso lo spazio della parete
e sulla relazione tra i lavori e
l’ambiente circostante. Le opere
sono concrete e presenti, ma rimangono
aperte e risonanti.
L’opera di Ullrich è uno stimolo
alla visione, apre l’occhio
dello spettatore a nuove avventure
conoscitive e fa riflettere sul
senso dell’opera e della relazione
che essa intrattiene con lo spazio.
Come nota il curatore, Gianluca
Ranzi: “Tutto quello che lo spettatore
percepisce davanti alle opere di
Ullrich è messo sotto interrogativo,
in una sfida ottico-percettiva che
lo coglie felicemente di sorpresa,
sollecitandolo a dare un senso ulteriore
alla propria visione. I colori
biancoscuro
MODES IV
1992, acrilico su acciaio, 50x150x10 cm.
acrilici delle superfici d’acciaio e
a rilievo sono stesi uniformemente
con un processo manuale che per la
sua perizia pare industriale, a volte
brillanti e detonanti, altre volte
sommessi e delicatamente tonali.”
Ad arricchire la mostra vi saranno
alcuni lavori della serie “Windows”,
che l’artista ha realizzato
ed esposto ad agosto 2022. sl
PLAIN
2005, acrilico su acciaio, 150,5x151,5x8,3 cm.
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www.depart.it
FIN
2022, acrilico su acciaio, 75x100x9 cm.
LORI
2022, acrilico su acciaio, 119x166,5x11 cm.
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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71
GABRIELE DOGLIETTO
gd6582@gmail.com le_tele_di_gabri www.artegante.it/gabriele.doglietto
“1989” 2021, acrilico e smalto, 80x120 cm.
biancoscuro
Giacomo Manzù
L’eternità della scultura
di Rebecca Maniti
Inaugurata lo scorso 10 marzo, la
grande retrospettiva “Giacomo
Manzù. La scultura è un raggio di
luna” è visitabile fino al 21 maggio prossimo
presso l’ex Chiesa di San Vittore e
Arca, a Vercelli. A cura di Marta Concina,
Daniele De Luca e Alberto Fiz, la
mostra proposta a Vercelli riunisce oltre
trenta sculture, alcune monumentali,
messe a disposizione dalla Fondazione
Manzù, dallo Studio Copernico e da importanti
collezionisti privati.
Il titolo della mostra riprende la celebre
celebre citazione di Cesare Brandi, colui
che meglio di ogni altro si è fatto interprete
del linguaggio di Manzù, ad esempio
nel 1983 scriveva, in riferimento
alle opere dedicate alla giovane modella
Tebe: “La scultura gira con tanti punti di
vista autonomi e tutti confluenti in una
forma che è aperta e chiusa, e nella sua
GIACOMO MANZÙ
La scultura è un raggio di luna
10 marzo 2023 - 21 maggio 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Arca ed ex Chiesa di San Vittore, Vercelli
INFO
T. +39 0161 649605
Da giovedì a domenica 10.00 - 19.00
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www.manzuvercelli.it
statica è dinamica per come scorre in
se stessa con una fluenza eraclitea in cui
non ci si può bagnare due volte”.
Giacomo Manzù, pseudonimo di Giacomo
Manzoni, uno dei maggiori scultori
del Novecento, nasce a Bergamo il 22 dicembre
1908, dodicesimo di quattordici
fratelli. Nelle botteghe degli artigiani
dove il futuro scultore impara a lavorare
e dorare il legno, prende confidenza
con altri materiali come la pietra e l’argilla,
mentre frequenta i corsi di Plastica
Decorativa presso la scuola Fantoni di
Bergamo. Da citare che nel 1979 donò
la sua intera collezione allo Stato Italiano.
Del 1989 è invece la sua ultima
grande opera (morì solo un paio di anni
dopo), una scultura in bronzo alta sei
metri posta di fronte alla sede dell’O-
NU a New York.
Il percorso di questa mostra spazia dagli
anni Quaranta sino al 1990 ed evidenzia
la grande attualità del suo lavoro
nelle diverse tematiche affrontate nella
sua carriera. La scelta delle opere consente
di apprezzare i ritratti femminili,
le nature morte ed i celebri Cardinali, la
sua serie più famosa iniziata negli anni
Trenta. “Dalla mostra di Vercelli emergono
– chiosa Alberto Fiz – le diverse anime di
uno scultore che, senza retorica, si è fatto
interprete dell’umanità sapendo cogliere
la sacralità profonda anche nel
quotidiano”. sl
In alto: Giacomo Manzù
Grande Cardinale seduto
1983, bronzo, 221x148x113,5cm.
posta@nicoladeluca.it
nicoladeluca_ndl
A destra: Giacomo Manzù
Busto di Inge
1979, marmo di Carrara, 197x120x61 cm.
www.nicoladeluca.it
/nicoladeluca53
NICOLA DE LUCA
BIANCOSCURO
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L’ombra di Jung - 2023, grafite su carta cotone, 75x22 cm.
biancoscuro
Le grandi stelle dell’arte globale
La Collezione Sandretto QUESTA è Re LA VERSIONE Rebaudengo FREE di a Palazzo Strozzi
di Lucia Garnero
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
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Un evento d’eccezione
ha inaugurato,
il 4 marzo, il nuovo
anno dell’arte
contemporanea a
Firenze: la mostra promossa dalla
Fondazione Palazzo Strozzi in
collaborazione con la Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo di
Torino “Reaching for the Stars.
Da Maurizio Cattelan a Lynette
Yiadom-Boakye”. A cura di
Arturo Galansino, Direttore Generale
della Fondazione Palazzo
Strozzi, la collettiva presenta una
selezione di 70 opere di Maurizio
Cattelan, Sarah Lucas, Damien
Hirst, Paola Pivi, Lara
Favaretto, Cindy Sherman, William
Kentridge, Berlinde De
Bruyckere, Josh Kline, Lynette
Yiadom-Boakye, Rudolf Stingel,
tutti artisti passati attraverso
una delle più importanti collezioni
private in Europa che, avviata
nel 1992, ha recentemente festeggiato
trent’anni di pratica collezionistica
e importanti iniziative.
Patrizia Sandretto Re Rebaudengo,
Presidente della Fondazione,
afferma: «Le opere che da allora
Josh Kline - Thank you for your years of services
(Joann /Lawyer)
2016, gesso stampato in 3D, inchiostro da
stampante, cianoacrilato, schiuma, sacco in
polietilene, 58,5x99x71 cm.
Courtesy Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
Ph. Sebastiano Pellion di Persano
74
A sinistra: Pawel Althamer - Self-Portrait
1993, cera, grasso, capelli, intestino animale,
189x76x70 cm. Courtesy Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo. Ph. Maurizio Elia
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biancoscuro
REACHING FOR THE STARS
From Maurizio Cattelan
to Lynette Yiadom-Boakye
Palazzo Strozzi, Firenze
March 4, - June 18, 2023
From 4 March until 18 June
2023, the Fondazione Palazzo
Strozzi and the Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo are coming
together to celebrate some of the luminaries
of contemporary art in the
exhibition Reaching for the Stars. From
Maurizio Cattelan to Lynette Yiadom
Boakye. Over 70 works by leading Italian
and international contemporary
artists including Maurizio Cattelan,
Cindy Sherman, Damien Hirst, Lara
Favaretto, William Kentridge, Berlinde
De Bruyckere, Sarah Lucas and Lynette
Yiadom-Boakye celebrating the
Sandretto Re Rebaudengo Collection’s
30th anniversary, one of the world’s
most celebrated and prestigious collections
of contemporary art.Through
the eyes of over 50 artists from all
over the world, the exhibition sets
out to provide visitors with an opportunity
to reflect on the present and
future of art, openly showcasing its
variety, its evolution, and its relationship
with contemporary society. Curated
by Fondazione Palazzo Strozzi
Director General Arturo Galansino,
Reaching for the Stars explores the
most important strains in art through
a constellation of artworks on display
in every space in Palazzo Strozzi. The
exhibition uses painting, sculpture,
installations, photography, videos,
and performance art to enhance the
dialogue between Palazzo Strozzi and
contemporary art, offering visitors a
journey of discovery among the stars
of global art in recent decades. sl
ho scelto, seguendo e approfondendo
le scene artistiche di tutto il mondo,
formano una costellazione, una
mappa multiforme e composita».
Dunque, con la mostra a Palazzo
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
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Sopra: Shirin Neshat
Faceless from Women of Allah Series
1994, stampa fotografica, inchiostro, 149x107 cm.
Courtesy Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
A destra: Maurizio Cattelan
La rivoluzione siamo noi (det.), 2000.
Courtesy Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
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biancoscuro
Sopra: Michael Armitage
Mangroves Dip
2015, olio su tela lubugo
221x170,2 cm.
Courtesy Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
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Strozzi, che negli anni si è proposto
come luogo d’eccellenza del
contemporaneo, la Fondazione
prosegue su questa strada di diffusione
fuori l’ambiente torinese.
L’esposizione “Reaching for the
Stars” si estende in tutti gli spazi
di Palazzo Strozzi, dal Piano Nobile
alla Strozzina, per esplorare
le principali ricerche artistiche
degli ultimi quattro decenni. Tra
pittura, scultura, installazione, fotografia,
video e performance, il
progetto, nella volontà di creare
una piattaforma di sperimentazione
e partecipazione con un
numero sempre crescente di attività,
esalta il dialogo tra Palazzo
Strozzi e l’arte contemporanea
proponendo ai visitatori un percorso
alla scoperta delle grandi
stelle dell’arte globale degli ultimi
anni, insieme a uno sguardo
alle più giovani generazioni.
Arturo Galansino sottolinea:
«Ospitare a Firenze una collezione
come questa, significa celebrare
i valori del mecenatismo e della
committenza nella città dove il
collezionismo è nato. La collaborazione
tra Palazzo Strozzi e la Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo è
una sinergia di valori». sl
REACHING FOR THE STARS
Da Maurizio Cattelan
a Lynette Yiadom-Boakye
4 marzo - 18 giugno 2023
Palazzo Strozzi, Firenze
Lara Favaretto - Gummo V
2012, lastre di ferro, motori, spazzole da
autolavaggio, quadro elettrico, cavi elettrici,
250x500x190 cm. Courtesy Fondazione Sandretto
Re Rebaudengo. Ph. Sebastiano Pellion di Persano
INFO
T. +39 055 2645155
prenotazioni@palazzostrozzi.org
Tutti i giorni 10.00 - 20.00
Giovedì 10.00 - 23.00
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76
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Mimmo Rotella
Seridécollages a Milano
di Flavio Ennante
Abituati ai celebri Décollage (creati
ricomponendo sulla tela
frammenti di manifesti pubblici
strappati per strada), la mostra “Manifesto.
Opere grafiche di Mimmo Rotella”
che si tiene presso la Galleria Pisacane
Arte, espone circa venticinque multipli
dell’artista simbolo del movimento pop
in Italia. Sono Seridécollages (della collezione
realizzata in collaborazione con la
Fondazione) dedicati alle locandine dei
grandi classici cinematografici, come
“Caccia al ladro”di Alfred Hitchcock oppure
“Chisum” con John Wayne. Questa
particolare serie è un’evoluzione della
tecnica che rese celebre Rotella.
Parte dell’allestimento è dedicato nello
specifico a Marilyn Monroe, citiamo in
particolare le serigrafie tratte dal librocofanetto
“Bellezza Eterna” del 2005,
nelle quali il volto di Marilyn viene accompagnato
da una poesia di Alda Merini.
In mostra sarà presente, inoltre, la
cartella “Al Metropolitan” (1980) composta
di quattro seri-litografie e collage:
la resa della superficie qui è molto
materica e la composizione risulta tumultuosa
ed espressiva per i molti movimenti
dati dalle stratificazioni.
Mimmo Rotella è stato protagonista
assoluto della scena creativa italiana
della sua generazione che ha analizzato
con i suoi lavori: decostruire la realtà
attraverso un gesto artistico potente
e dissacrante l’ha portato ad esprimere
un nuovo mondo estetico dando dignità
a qualcosa considerato invece di scarso
valore. Il suo intento si comprende bene
con queste sue parole: “Strappare manifesti
dai muri è la sola compensazione,
l’unico modo di protestare contro
una società che ha perduto il gusto del
cambiamento e delle trasformazioni
favolose”. sl
MANIFESTO
Opere grafiche di Mimmo Rotella
22 marzo - 15 aprile 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Pisacane Arte, Milano
INFO
T. +39 02 39521644
Da martedì a venerdì 10.00 - 19.00
Sabato 10.00 - 14.00 / 15.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.pisacanearte.it
In alto: Mimmo Rotella - Nudo Nero
1980, serilitografia e collage, 64,5x64,5 cm.
Mimmo Rotella - Oggi al Metropolitan
1980, serilitografia e collage, 64,5x64,5 cm.
A sinistra: Mimmo Rotella - Facciamo l’amore
seridécollage, 70x100 cm.
Paolo
AVANZI
avanziart@gmail.com
/avanziart
www.paoloavanzi.com
“La memoria del Papa”
2007, acrilico-su-tela, 108x60 cm.
biancoscuro
Michelangelo Pistoletto
La mostra a Palazzo Reale
di Carla Margone
Sala delle Cariatidi, a Palazzo
Reale di Milano,
ospita dallo scorso 23
marzo una mostra che
rende ancora più suggestivo
l’ambiente: sto parlando di
“La Pace Preventiva”, solo exhibition
di Michelangelo Pistoletto.
A cura di Fortunato D’Amico,
è parte di Milano Art Week
(11-16 aprile 2023), la manifestazione
diffusa che mette in rete
le principali istituzioni pubbliche
e le fondazioni private della città
che si occupano di arte moderna
e contemporanea. La mostra è di
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
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per sè una grande installazione: il
visitatore deve necessariamente
compiere un percorso sinuoso e
disorientante camminando all’interno
del Labirinto. In questo
“laborioso marchingegno dell’arte”,
ad ogni bivio dovrà scegliere il tragitto
da effettuare per raggiungere
le altre opere in esposizione, soffermarsi
davanti a esse e riflettere
sulla loro esistenza. Il Labirinto
segnala la presenza della dualità
contrapposta tra il mostro e
la virtù. Per chi si addentra nelle
sue trame, così come fece l’eroe Teseo,
è necessario avanzare evitando
passi falsi che potrebbero compromettere
la sua vita e quella degli
altri. Il rischio è di essere fagocitati
dall’unico abitante che dimora nel
labirinto, il Minotauro, simbolo
universale di tutti i conflitti.
“Oggi l’umanità è calata in un immenso
labirinto edificato su scala
globale, sconfiggere l’ancestrale
emblema del male dall’istinto
guerrafondaio non è certo cosa facile;
l’esito non è scontato e il successo non
è garantito. Nel labirinto si entra e si
esce solo avendo cura di redigere un
meticoloso progetto di idee, pianificando
ogni dettaglio per raggiungere
gli intenti prefissati. È solo attraverso
la pratica della Pace Preven-
In alto: Michelangelo Pistoletto
Ragno del Terzo Paradiso
2010, metallo e tessuti, 500x2000x800 cm.
Ph. Enrico Amici
78
A sinistra: Michelangelo Pistoletto
Venere degli stracci
1967-2013, polistirene, resina e acrilico,
300x450x150 cm.
Ph.A. Lacirasella
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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biancoscuro
tiva che potremo annientare il
mostro e abbandonare definitivamente
il labirinto dei conflitti” , ha
dichiarato il curatore della mostra
Fortunato D’Amico. La mostra si
estende con tre installazioni nei
Musei scientifici del Comune di
Milano, Museo di Storia Naturale,
Planetario e Acquario Civico,
che ospiteranno una serie di
incontri di approfondimento nei
mesi di apertura della mostra stessa.
La Pace diventa così il fil rouge
di un piano culturale svolto all’interno
del labirinto sociale. sl
MICHELANGELO PISTOLETTO
La Pace Preventiva
23 marzo - 04 giugno 2023
Palazzo Reale, Sala delle Cariatidi Milano
INFO
T. +39 02 88445181
Da martedì a domenica 10.00 - 19.30
Giovedì 10.00 - 22.30
Inquadra con il tuo smartphone
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www.palazzorealemilano.it
A destra: Michelangelo Pistoletto
La Mela reintegrata
2007, mela reintegrata, polistirene, lana e
acciaio, 300x300x300 cm. Ph. Eleonora Angius
Lucio Boscardin
presenta
il suo nuovo “trofeo”
che abbraccia tutta l’arte
e la cultura italiana
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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studio: Lucio Boscardin Viale Grigna,13
20857 Camparada (MB)
tel. 338 3106249
mail: luciobos@gmail.com
ANASTASIA VASILYEVA
SCIENCE ART AND NFTS BY ANASTASIA VASILYEVA
Anastasia Vasilyeva - “Digital Soul” - NFT Art
info@scienceartstudio.com anastasiavasiljeva www.scienceartstudio.com
biancoscuro
Gilardi e Pinelli
La mostra a Diano Marina
di Vincenzo Chetta
Una mostra-tributo quella che si sta
svolgendo nella Sala R.Falchi del
Palazzo del Parco di Dino Marina.
“Piero Gilardi | Pino Pinelli. Facoltà
plastiche”, presentata dall’ Assessorato per
i Beni e le Attività Culturali del Comune
di Diano Marina in collaborazione con
la Civiero Art Gallery e la Ticinese Art
Gallery di Milano, è nata con l’intento
di celebrare due dei massimi movimenti
nazionali, ma di rilevanza internazionale,
l’Arte Povera e la Pittura Analitica,
attraverso le ricerche dei due artisti.
Inoltre, è sicuramente un omaggio a due
massimi rappresentanti del percepito
che grazie alla loro ricerca sono riusciti
a determinare, influenzando e contaminando,
svariate successive ricerche
artistiche contemporanee. Piero Gilardi
è recentemente scomparso, ma le
sue opere, i cosiddetti “tappeti-natura”
PIERO GILARDI | PINO PINELLI
Facoltà plastiche
18 marzo – 16 aprile 2023
Palazzo del Parco, Diano Marina
(frammenti di ambienti naturali riprodotti
intagliando il poliuretano espanso)
rimangono a testimoniare il genio. Gilardi
concepiva l’arte come una missione,
mosso dalla certezza che essa possa
migliorare la nostra relazione con l’ambiente,
contribuendo così ad una progressiva
trasformazione di una società
ormai assuefatta dalla logica dei consumi
e dal progresso tecnologico. Pinelli
è il massimo esponente della Pittura
Analitica, si cimenta in un’individuale
analisi della forma, tanto da assumere
un aspetto quasi scultoreo e plastico. Le
sue opere sono corpi di pittura in cammino
nello spazio, fluttuanti e migranti
in piccole o grandi formazioni, che
esaltano la fisicità tattile di un colore
pulsante di vibrazioni luminose e che si
impossessano della superficie, non più
contenitore, ma vero e proprio mutabile
palcoscenico artistico. Una mostra dal
sottotesto molto importante, da visitare
entro il 16 aprile 2023. sl
In alto: Piero Gilardi - Spiaggia ligure
2011, poliuretano espanso, 50x50 cm.
Piero Gilardi - Spiaggia vulcanica
2015, poliuretano espanso, 30x30 cm.
INFO
T. +39 0161 649605
Tutti i giorni 16.00 - 19.00
Domenica e festivi su appuntamento
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.civieroartgallery.com
Pittura BL - 1999, 3 elementi, 21x32 cm.
Blue Passion - 2023, acrilico su tela, 50x60 cm.
Maria
CAVAGGIONI
maria.cavaggioni@gmail.com
Maria Cavaggioni
Maria Cavaggioni
ROSANNA
Carlini
Typoésien
Tipografia e poesia a Merano
di Ettore Tiretto
Fino al prossimo giugno, Kunst Meran
Merano Arte ospita la mostra “Typoésien
– Heinz Waibl, Siegfried Höllrigl”,
la prima retrospettiva postuma di Waibl e la
più ampia mostra di Höllrigl. Tra i più importanti
esponenti della grafica italiana del Novecento,
Heinz Waibl proveniva dalla tradizione
analogica e artigianale dell’estetica Bauhaus e si
era poi rivolto alle prime esperienze nel mondo
della comunicazione e del marketing digitali in
grandi centri del design come Milano e Chicago.
Siegfried Höllrigl, invece, apriva il suo laboratorio
di letteratura, tipografia e grafica nel
1985, proprio quando le tecniche digitali portavano
alla scomparsa della composizione manuale
dalle tipografie. Hanno creato per anni incontrandosi
spesso a Merano a partire dal 1995
e sperimentando differenti tecniche di stampa
a mano nel laboratorio Offizin S. di Höllrigl.
Interessante la scelta di allestire un laboratorio
di stampa che permette al pubblico di sperimentare
le diverse tecniche di stampa. sl
TYPOÉSIEN
Heinz Waibl, Siegfried Höllrigl
25 febbraio – 04 giugno 2023
Kunst Meran Merano Arte, Merano
INFO
T. +39 0473 212643
Da martedì a sabato 10.00 - 18.00
Domenica e festivi 11.00 - 18.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.kunstmeranoarte.org
A tavola con Mike Bongiorno
Heinz Waibl, logo und corporate design per la
trasmissione TeleMike con Mike Bongiorno, 1987
Courtesy collezione m.a.x. museo, Chiasso (Svizzera)
Siegfried Höllrigl, dalla cartella Una frase per ogni
giorno lavorativo
da La ripetizione di Peter Handke, 1999
Courtesy Forschungsinstitut Brenner-Archiv, fondo
Siegfried Höllrigl
Sotto: Nel modo dei caratteri
Siegfried Höllrigl, composizione con caratteri in legno
per il catalogo della Offizin S., 1993
Courtesy Forschungsinstitut Brenner-Archiv
fondo Siegfried Höllrigl
Heinz Waibl, font program per un
lettering digitale completo, 1965
Courtesy collezione m.a.x. museo, Chiasso (Svizzera)
Deep diving
Rolex Submariner
2022
olio su tela
30x40 cm.
rcsinclair68@yahoo.it
cr_rosannacarlini
Bestiacce!
L’immaginario umano
di Rebecca Maniti
Nelle sale dell’Opera Mortai del Forte
di Bard, dal 26 febbraio al 4 giugno
2023, è possibile effettuare un viaggio
tra gli animali mostruosi che da sempre popolano
l’immaginario umano. “Bestiacce!... e
altri animali. Creature fantastiche e zoologia
immaginaria” è curata da Giorgio Sommacal,
Pino Pace e da Bruno Testa, e presenta oltre
60 tavole originali di Sommacal con le bellissime
e divertenti illustrazioni di chimere come
la cammellula, il rinocerocchio, lo sgorz, l’orcomanno,
il gridosauro, lo strabicoraptor, e molte
altre tratte dai tre volumi della trilogia: Bestiacce!,
Univerzoo, Picosauri!. L’obiettivo è far scoprire
al visitatore in modo giocoso e interattivo,
A destra: due tavole de “Le incredibili avventure di Sam
Colam e del professor Pico Pane”
realizzata da Pino Pace e Giorgio Sommacal
BESTIACCE!
... E altri animali
26 febbraio - 4 giugno 2023
Forte di Bard, Bard
il mondo degli animali e quanto ognuno di noi
è legato a loro nella tradizione, simbologia,
magia, superstizione fino al sovrannaturale.
Una sezione presenta 18 disegni realizzati da
Fabio Roveyaz, raffiguranti le creature fantastiche
più tradizionali dal Kraken alle Sirene, dal
Drago a Moby Dick. L’allestimento di animali e
personaggi sagomati, i Cubianimali, con i quali
il pubblico potrà interagire, contribuiscono a
rendere ancor più suggestiva l’immersione tra
fantastico e realtà. sl
IVAN
Kanchev
“I work impulsively... I see things ready
in my mind like a picture with details
and colors.”
Man, where are you?
2020, porcelane, glaze, 145x145x10 cm.
“Ivan Kanchev was born on 1973, in Ruse. In
2000 he graduated in Ceramics at the National
Academy of Arts in Sofia, and in 2006 in
Psychology at the University of Ruse “Angel
Kanchev”. He defended his doctoral dissertation
in art history and fine arts at the Department of
Sculpture. Between 2010 and 2011, he was a
part-time lecturer in sculpture at the Department
of Ceramics at the National Academy of Arts.
Ivan has had dozens of solo exhibitions of his
work and participated in many group exhibitions
in Bulgaria and in prestigious ceramics forums
in Italy, Spain, Japan, Poland, Denmark, France,
Belgium, Switzerland, China, Austria, Germany,
Portugal, Croatia, Canada, the USA, and others.
He has won national and international awards
Prize in the international competition for the Art of
Unity Creative Award, New York (2021); “GOLD
LIST Special Edition - The best contemporary
artists of today” in Art Market Magazine. Global
Media Company (2021, 2022); Award, Light
Space & Time Art Gallery, Palm Springs, CA,
USA (2021); International Donatello Prize
(Florence, Italy) of the EFETO ARTE Foundation
(2023). His works are in prestigious galleries
and museums around the world. In addition, he
is the author of curatorial projects and several
books in the field of sculpture and ceramics. He
currently teaches at the Department of Sculpture
at the National Academy of Arts in Sofia.”
INFO
T. +39 0575 735384
Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00
Sabato, domenica e festivi 10.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.fortedibard.it
Passing
2022, red clay, reduction, smoking, open
fire, 80x80x6 cm.
kanchevivan229@gmail.com
/ivav.kanchev
biancoscuro
Stefano Bombardieri
Metafore del mondo contemporaneo
di Daniela Malabaila
Il primo aprile, in occasione
di PARMA 360 Festival
della Creatività Contemporanea,
a Palazzo Marchi
di Parma apre al pubblico
la mostra “Guardando oltre” di
Stefano Bombardieri. A cura di
Emanuela Venturini e Paola Marucci,
vanta una coproduzione con
Oblong Contemporary Art Gallery
di Dubai e Forte dei Marmi.
Palazzo Marchi, spazio espositivo
QUESTA è LA VERSIONE FREE di
BIANCOSCURO Rivista d’Arte
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di inusitata eleganza con i suoi
numerosi saloni che evocano i fasti
e la ricchezza culturale di un
prestigioso passato, con la mostra
di Bombardieri diventa un luogo
di contaminazione, spazio per
un dialogo serrato tra passato e
presente, tra immagini codificate
e immagini nuove. Bombardieri
dà vita ad un percorso sospeso nel
tempo dove sarà possibile camminare
nell’arte e nella bellezza, dove
soffermarsi e riflettere davanti alle
opere dell’artista bresciano.
Il percorso espositivo si compone
di opere quali: “Marta e l’elefante”,
scultura emblematica dell’artista
che si racconta attraverso un
QR-code da cui si attiva il dialogo
in diverse lingue tra la bambina e
l’elefante interpretato da tre attori;
“Struzzo Rubik Whitehorse”,
dove uno struzzo, che notoriamente
nasconde “la testa nella sab-
Stefano Bombardieri
Omaggio a Colbert
2022, fiberglass, 60x200x55 cm.
84
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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biancoscuro
Stefano Bombardieri
Nava+Arosio, Pila Vision 47-1
bia”, si tuffa nel celebre e magico
poliedro inventato dall’ungherese
Erno Rubik nel 1974; il grande
“Coleottero”, concepito dall’artista
come simbolo prezioso, luminoso,
com’era nell’antico Egitto e
come è ancora oggi, emblema di
bellezza e cultura. Segue, tra le altre,
la scultura “Gorilla seduto”
che con il suo codice numerico
appeso al collo su un pettorale digitale
richiama l’attenzione dello
spettatore nel drammatico conto
alla rovescia che porterà inesorabilmente
il più grande ominide
vivente verso l’estinzione; “Balancing
on the past”, formata da
quattro elementi scultorei posti
in sequenza a comporre il dialogo
tra il bambino e gli elementi stessi
(il teschio di un mammut, di una
scimmia, un umano memento
mori e il globo). Su ognuno di
essi c’è un bambino in equilibrio,
il figlio stesso dell’artista cui l’opera
è dedicata.
“Questo presente - dice Bombardieri
- è il risultato di un passato
fatto di scelte sbagliate e, tragicamente,
la storia si ripete”. sl
GUARDANDO OLTRE
Stefano Bombardieri
01 aprile - 21 maggio 2023
Palazzo Marchi, Parma
INFO
parma360festival@gmail.com
Da venerdì a domenica e festivi 11.00 - 20.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.parma360festival.it
Stefano Bombardieri - Rhino petrol company, 2019
ESTER CROCETTA
estercrocett estercrocetta.it “Mangiatoia”
installazione video, scultura resina epossidica
biancoscuro
Ileana Ruggeri
I confini dei riflessi
di Flavio Ennante
Ca’ Pesaro ospita una preziosa rassegna,
sotto la cura della Responsabile
Elisabetta Barisoni, della
produzione recente di Ileana Ruggeri,
artista che recentemente ha donato delle
opere proprio al Museo veneziano. Fino
al 10 aprile, è possibile dunque visitare
questa esposizione di opere rappresentative
del lavoro dell’artista che svolge da
tempo una ricerca pittorica ai confini
dell’astrazione sui riflessi di luce di
ILEANA RUGGERI
Riverberi
11 febbraio - 10 aprile 2023
Ca’ Pesaro, Venezia
INFO
T. +39 041 721127
Da martedì a domenica 10.00 - 18.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.capesaro.visitmuve.it
Venezia e dell’acqua della sua laguna.
Le atmosfere dei riflessi della laguna e le
infinite sfumature del colore che caratterizzano
la qualità artistica di Ruggeri
emergono attraverso una raffinata selezione
di opere su carta, dove si esprime
lo sguardo interiore, poetico e onirico,
dell’artista.
“Non appare fuori luogo l’inserzione del
lavoro di Ruggeri, con un progetto quasi
site specific, alla fine del percorso della
collezione permanente di Ca’ Pesaro; anzi,
l’ampia selezione di acquerelli e alcuni
significativi lavori pittorici realizzati
dall’artista sembrano quasi chiudere il
cerchio che si apre all’inizio del percorso
espositivo con le sale dedicate alla grande
stagione capesarina. Le opere di Ruggeri
permettono di chiudere un cerchio e allo
stesso tempo di aprire nuove suggestioni
sulla materia, inafferrabile, della laguna
veneziana e sulla complessa rappresentazione
della città più cangiante della modernità”,
spiega la Barisoni, e non possiamo
che darle ragione. sl
Ileana Ruggeri
Estrema laguna, olio su tela
Collezione dell’artista
ELIORA BOUSQUET
eliora@e-bousquet.com
www.e-bousquet.com
Solo exhibition della collezione “Evanescence” di Eliora Bousquet
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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biancoscuro
Milan Vagač
La personale a Bologna
di Rebecca Maniti
Gizmo - 050323
2023, acrylic on transparent canvas
180x130 cm.
Box”, la mostra personale
dell’artista Milan Vagač che
“Black
si tiene negli spazi di LABS
Contemporary Art, espone una selezione
di opere inedite nate dalla riflessione
sul rapporto tra l’uomo e la tecnologia.
Nell’estetica contemporanea lo spettatore
rimane sempre di più affascinato
dalla superficie seduttiva dei device senza
interrogarsi sui funzionamenti interni.
Domenico de Chirico, che si è occupato
del testo di accompagnamento della rassegna,
così introduce il lavoro dell’artista:
“Black box, da cui il titolo della mostra, è,
per l’appunto, una scatola nera, un sistema
di cui non si conoscono i processi interni,
tanto da poterla metaforicamente definire
come una scatola magica. Il modo in
cui Vagač guarda alla pittura è intrinsecamente
questo, ovvero un luogo concreto
e denso sia di riguardevole cura sia di
instancabile fatica nonché di lunghi e
articolati processi che collimano in superficie,
unica zona visibile agli occhi dello
spettatore.” Nato nel 1987 Bratislava,
ora vive e lavora a Praga, in Repubblica
Ceca, nelle sue opere della serie Gizmo,
attraverso il medium pittorico realizza
superfici illusorie di dispositivi astratti
mostrando strati e meccanismi nascosti.
Si rimane affascinati dalla struttura del
dipinto grazie all’uso della trasparenza
delle tele e all’ossatura del telaio in
legno. Rinnegando la bidimensionalità
dell’opera, l’artista ne rivela gli strati e
le strutture nascoste. sl
MILAN VAGAČ. Black Box
06 aprile – 03 giugno 2023
LABS Contemporary Art, Bologna
INFO
T. +39 051 3512448
Da martedì a sabato
10.00 - 13.00 / 15.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
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www.labsgallery.it
Kaori
SAKAGUCHI
kgucci12182000@yahoo.co.jp
kaorisakaguck
iroka gallery
irokaworldart.amebaownd.com
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Tulip
2021, tecnica mista su tela
71.7x91 cm.
Japan
COR
FAFIANI
“Twitter house”
2021
polistirene e acrilico
40x18x14 cm.
c.fafiani@gmail.com
Jimmie Durham
La mostra a Palazzo Caracciolo
di Ettore Tiretto
JIMMIE DURHAM: and now, so far in the
future That no one will recognize Any of my jokes
Palazzo Caracciolo di Avellino, Napoli
December 23, 2022 - April 10, 2023
Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee,
in cooperation with Fondazione
Morra Greco, as part of the
2022-2023 edition of Progetto XXI, presents
Jimmie Durham: And now, so far in the future
That no one will recognize Any of my
jokes, , an oblique narrative of Durham’s artistic
work, thought and political activism, of
his readings, attitudes, and positions. Conceived
as a counterpoint to and in dialogue
with the retrospective Jimmie Durham: humanity
is not a completed project, curated by
Kathryn Weir, which simultaneously opens
at Madre, the Campania Region’s museum
of contemporary art, the exhibition presents
sculptures from the Fondazione Morra
Greco Collection, poems, writings, objects,
prints, photographs, carpets, books, videos,
documents... by/of/with Jimmie Durham: a
reflection on the exhibition as a genre and
a common space for sharing aesthetic experience
and knowledge. Graphic design of the
poems in the exhibition: Julia Born. Italian
translation: Sacha Piersanti. Progetto XXI is
the platform through which the Fondazione
Donnaregina per le arti contemporanee has
aimed, since 2012, to explore on the one
hand emerging artistic production, in its
theoretical-practical realisation, and on the
other hand the most seminal artistic practices
of the last decades, in their exemplary
methodological proposal. The project contributes
to the production and dissemination of
alternative narratives and historiographies of
the contemporary and to the definition of a
regional system of contemporary arts based
on collaboration and interchange between
public and private institutions operating in
the Campania Region. sl
Fondazione Donnaregina per le arti
contemporanee, in collaborazione con
Fondazione Morra Greco, presenta
“Jimmie Durham: And now, so far in the
future That no one will recognize Any of
my jokes”, una narrazione obliqua del lavoro
artistico, del pensiero e dell’attivismo politico
di Durham, delle sue letture, delle sue
attitudini e delle sue posizioni.
La mostra presenta, lungo il percorso espositivo
che si dipana negli spazi di Palazzo Caracciolo
di Avellino, Napoli, sculture dalla
Collezione della Fondazione Morra Greco,
poesie, scritti, oggetti, grafiche, fotografie,
tappeti, libri, video, documenti, di e con Jimmie
Durham: una riflessione sulla mostra
come genere e spazio di condivisione dell’esperienza
estetica e dei saperi. sl
JIMMIE DURHAM
23 dicembre 2022 – 10 aprile 2023
Palazzo Caracciolo di Avellino, Napoli
INFO
comunicazione@fondazionemorragreco.com
Da giovedì a sabato 10.00 - 18.00
Lunedì e mercoledì su appuntamento
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.fondazionemorragreco.com
Due viste della mostra “Jimmie Durham - And now, so
far in the future That no one will recognize Any of my
jokes”, Fondazione Morra Greco. Ph. Amedeo Benestante
www.corfafiani.nl
Giuseppe Penone
Il Maestro dell’Arte Povera
di Carla Margone
Con “Giuseppe Penone. Gesti Universali”,
a cura di Francesco Stocchi, fino al
28 maggio 2023 la Galleria Borghese torna
ad aprirsi al contemporaneo. Questa mostra
è un omaggio all’immutata vitalità della scultura
e ad un Maestro dell’Arte Povera. L’esposizione
è composta da trentasei opere realizzate tra gli
anni Settanta e i primi Duemila, situate in un
percorso che attraversa il Salone di Mariano Rossi,
la Sala di Apollo e Dafne, la Sala degli Imperatori
e quella di Enea e Anchise per espandersi
nel Giardino dell’Uccelliera ed eccezionalmente
nel Giardino della Meridian. La mostra non propone
alcun confronto, ma presenta opere scelte
come “riflesso” rispetto all’ambiente, offrendo
un “completamento” di elementi, ad esempio
nelle sale caratterizzate dai marmi, Penone
aggiunge un innesto organico di foglie, cuoio,
legno che collega e definisce i due universi. sl
GIUSEPPE PENONE
Gesti Universali
14 marzo – 28 maggio 2023
Galleria Borghese, Roma
MAURA
GIUSSANI
“PAESAGGIO = RIFLESSO”
GIULIETTA IN PIAZZA VASARI
2022
olio su tela
79,5 x 60 cm.
INFO
T. +39 06 67233753
Da martedì a domenica 09.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
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www.galleriaborghese.beniculturali.it
Giuseppe Penone - Albero di 8 metri
2000, legno di cedro, 2 elementi
Ph. © Archivio Penone
A SANTA MARIA DELLA PIEVE
2021
olio su tela
70 x 80 cm.
Giuseppe Penone - Spazio di luce
2008, bronzo e oro, 8 elementi
Ph. © Archivio Penone
Maura Giussani
Maura Giussani
giuma.22@hotmail.it
www.mauragiussani.it
biancoscuro
Lito Kattou
Nuovo progetto alla Fondazione Arnaldo Pomodoro
di Flavio Ennante
Aprirà il 6 aprile 2023 la mostra
“Whisperers” di Lito Kattou
alla Fondazione Arnaldo Pomodoro
di Milano. L’esposizione fa parte
del progetto dedicato agli sviluppi del
panorama artistico internazionale, che
quest’anno viene affidato alla curatrice
Chiara Nuzzi. “Whisperers” (in italiano
“coloro che sussurrano”) è la prima
personale in una istituzione italiana di
Lito Kattou, la cui ricerca è influenzata
WHISPERERS
Lito Kattou
06 aprile – 9 giugno 2023
Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano
INFO
T. +39 041 721127
Giovedì, venerdì e domenica 11.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.fondazionearnaldopomodoro.it
dal contesto naturale, sociale e politico
dell’area mediterranea. Le opere esposte
si concentrano sull’idea di comunità in
un’ambientazione senza tempo che individua
nuove strategie di coesistenza:
Whisperer I, II, III e IV sono quattro imponenti
sculture in alluminio, acciaio,
acrilico, rame nichelato e plastica biodegradabile,
che rappresentano quattro
componenti di una comunità (legati
tra loro da simboli, segni, frammenti
che compongono una grammatica familiare)
connessi a Whisperer V, una
quinta scultura allestita sulla facciata
di Fondazione ICA Milano, intervento
che funge da ponte tra le due istituzioni
e che ne sancisce la collaborazione.
Whisperers rappresenta uno spazio in cui
è possibile accettare la coesistenza con
entità diverse e immaginare approcci e
metodi alternativi per vivere insieme, in
una prospettiva che mette al centro la
comunità, e incrementa la consapevolezza
delle necessità delle altre specie e
della tutela del pianeta. sl
Lito Kattou - Rain Calling
2022, installation view at TRANEN, Copenhagen
Courtesy of the artist
VERA
HOI
www.verahoiart.com
MORNING ON THE GOLDEN SHORE - 2022, tecnica mista su tela, 80x80x2 cm.
biancoscuro
Ulisse Aldrovandi
Le celebrazioni a Bologna
di Rebecca Maniti
Nell’ambito delle più ampie celebrazioni
dei 500 anni dalla
nascita di Aldovrandi, il Centro
Arti e Scienze Golinelli di Bologna
ospita la mostra “Oltre lo spazio, oltre
il tempo – Il sogno di Ulisse Aldrovandi”
a cura di Roberto Balzani, Andrea
Zanotti, Luca Ciancabilla e Antonio
Danieli, con il patrocinio del Ministero
3D-printed bone pillars. Ph. ESA
della Cultura, della Regione Emilia-Romagna
e del Comune di Bologna.
Il progetto espositivo presenta un connubio
inconsueto e originale tra le collezioni
museali dell’Ateneo bolognese,
exhibit immersivi e interattivi creati ad
hoc e opere di arte moderna e contemporanea,
come quelle dell’artista Nicola
Samorì. I visitatori ammireranno anche
alcuni dei più significativi mirabilia
provenienti dalle collezioni dei Musei
scientifici del Sistema Museale di Ateneo
dell’Università di Bologna, come
fossili, minerali, frammenti di meteoriti,
uova di dinosauro. Lungo il percorso
espositivo si viene condotti quindi
nel futuro, in un’ambientazione che
riproduce un insediamento umano su
Marte, l’ultima tappa di frontiera raggiunta
dall’uomo. La mostra si conclude
con una selezione di opere che rileggono
la fisicità dell’uomo, le sue trasfigurazioni
e dissoluzioni, dal futurismo
alle perturbanti deformazioni scultoree
di Nicola Samorì. sl
Nicola Samorì - Lunga luce agli abbagliati
OLTRE LO SPAZIO, OLTRE IL TEMPO
Il sogno di Ulisse Aldrovandi
03 febbraio – 28 maggio 2023
Opificio Golinelli, Bologna
INFO
T. +39 051 0923200
Prenotazione obbligatoria
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.fondazionegolinelli.it
MARIO ZAMMIT - LEWIS
“Ancore filippine”
2011, olio su tela, 50x50 cm.
alimarcpb@gmail.com mariozammitlewis YouTube: Mario R. Zammit-Lewis
biancoscuro
Aljoscha
Il suo concetto di bioismo
di Ettore Tiretto
La Fondazione Made in Cloister, in
collaborazione con la Fondazione
Donnaregina per le arti contemporanee,
presenta “Composing Bioethical
Choices”, la primo esposizione in
Italia di Aljoscha. Nato a Kiev nel 1972,
da oltre 20 anni persegue, attraverso le
sue opere fantastiche ed evanescenti, un
suo personale concetto di bioismo che
così definisce: “Il bioismo o biofuturismo
rappresenta il mio tentativo di creare
nuove forme viventi ed una nuova esteti-
ca della vita organica futura, un modo per
sviluppare oggetti d’arte che esprimono le
possibilità visive della biologia sintetica,
uno sforzo per produrre arte basata su
vitalità, molteplicità e complessità.”
La mostra è frutto della residenza
dell’artista a Napoli e durante i tre mesi
di apertura è il cuore di attività creative e
culturali per sensibilizzare la comunità
sui temi della violenza e dei conflitti.
Il progetto espositivo è strutturato in
tre diverse installazioni, tra queste spicca
una grande opera galleggiante bio
futuristica collocata al di sotto dell’essiccatoio
borbonico, a sua volta composta
da 80 sculture realizzate in acrilico,
plastica e fibra di vetro. Inoltre possiamo
ammirare delle sculture sopravvissute a
vari interventi pubblici, nonché una documentazione
fotografica di recenti installazioni
in differenti luoghi dell’Ucraina.
La mostra è in collaborazione con il
Museo Madre nell’ambito di Progetto
XXI, la piattaforma nata per esplorare
la produzione artistica emergente. sl
Aljoscha. Ph. Francesco Squeglia
COMPOSING BIOETHICAL CHOICES
Aljoscha
11 febbraio - 11 maggio 2023
Fondazione Made in Cloister, Napoli
INFO
T. +39 08 118191601
Da mercoledì a sabato 11.00 - 19.00
Giovedì 11.00 - 22.00
Domenica 10.00 - 14.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.madeincloister.com
GABRIELLA FREZZA
“PASSIO-ONIS” - 10/2022, olio su tela, 50x70 cm.
gabriellafrezza65@gmail.com
gabriella_frezza
GUGLIELMO MELTZEID
OTTO MARZO
2023, acrilico su tela, 80x80 cm.
gmeltzeid@gmail.com - meltzeid.com
BILLY RAY ART
GALLERY
Personale di Giorgio Gost
Inaugurazione 12 maggio ore 18.30
BillyrayArt di Valentino Spelta
Modern and contemporary Art Gallery
instagram.com/billyrayvalentino - www.billyrayart.com
biancoscuro
Simon Fujiwara
Il suo Who da Giò Marconi
di Carla Margone
Questa è la terza
mostra personale
di Simon
Fujiwara alla
Galleria Giò
Marconi di Milano.
“Who is Who-Dimensional?” è
visitabile fino al 20 aprile e presenta
un corpus di nuove opere bidimensionali
o “opere piatte” della
sua famosa serie (il suo personaggio
dei cartoni animati Who the
Baer) che ha debuttato nel 2020
alla Fondazione Prada di Milano.
Who the Baer è stato sviluppato
dall’artista durante il primo lockdown
pandemico come “risposta
SIMON FUJIWARA
Who is Who-Dimensional?
17 febbraio - 19 aprile 2023
Gió Marconi, Milano
INFO
T. +3902 29404373
Da martedì a sabato 11.00 - 18.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.giomarconi.com
dadaista ad un mondo sempre
più assurdo e incomprensibile”.
Di fronte alle questioni, apparentemente
irrisolvibili, sollevate dalle
proteste globali, Fujiwara ha
creato un avatar sotto forma di
un personaggio identity-free dei
cartoni animati chiamato Who,
un orso bianco e peloso con un
cuore d’oro e una lingua incredibilmente
lunga. Who apparentemente
non ha razza, genere, sessualità e
nemmeno un disegno chiaro, solo
una cosa è chiara: che è un’immagine
che si muove attraverso un
mondo di altre immagini, e come
tali ha la capacità unica di cambiare
forma e ricoprire qualsiasi identità
desideri. La mostra culmina in
una sala site-specific dedicata alle
opere del patrimonio culturale
italiano che, viste attraverso gli
occhi di un personaggio dei cartoni
animati, gettano uno sguardo
pungente e umoristico sull’identità
nazionale attraverso i suoi
simboli più cari. sl
Alcune immagini dell’allestimento della
mostra “Simon Fujiwara. Who is Who-
Dimensional?” Gió Marconi, Milano
Courtesy: the artist; Gió Marconi, Milano
Ph. Fabio Mantegna
Roberto
PINO
roby70.art@gmail.com
robys__art
roby.arts
sites.google.com/view/robys-art
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
“Qualcosa di travolgente”
2022, stucco, smalto e acrilico su masonite, 50x40 cm.
Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it
biancoscuro
BAC Winter Edition 2022
1 Giuria Critica, 1 mostra, 3 grandi premi: acquisizione
in collezione BIANCOSCURO, copertina e over the
cover del bimestrale
Il BAC (BIANCOSCURO
Art Contest) Winter Edition,
è il progetto di BIAN-
COSCURO che ogni anno
mette in palio la copertina,
l’acquisizione in collezione BIAN-
COSCURO e numerose mostre
collettive. Tutte le opere iscritte
al concorso sono pubblicate sul
catalogo cartaceo, sul sito ufficiale,
su Facebook e su Insta-
Il catalogo ufficiale BAC Winter Edition 2022
gram), tramite una semplice votazione
online.
Tra tutte le opere selezionate sono
state designate le 3 opere vincitrici
della rassegna, alle quale è stato
assegnato rispettivamente il Premio
Speciale BAC (acquisizione
in Collezione BIANCOSCU-
RO), il Premio Copertina ed il
Premio Over the Cover, conferiti
dalla Giuria Biancoscuro.
A seguito dell’esposizione, mettendo
in relazione diversi parametri, la
giuria ha definito l’opera vincitrice
96
Alcune delle opere selezionate esposte durante Vernice Art Fair
Alcune delle opere selezionate esposte durante Vernice Art Fair
gram. Le opere sono pubblicate
a pagina intera sul catalogo ufficiale
(naturalmente tutte le carte
utilizzate sono certificata FSC®).
Questo catalogo raccoglie tutte
le opere partecipanti all’edizione
2022, tra le quali la giuria ha
selezionato le opere che esposte a
Vernice Art Fair dal 17 al 19 marzo
2023.
Tra le opere in concorso, la giuria
ne ha selezionate dunque 16 più altrettante
ex-aequo, mentre 2 opere
sono state selezionate dal pubblico
dei social network (Facebok+Insta-
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it
biancoscuro
dei premi. I risultati sono stati resi
pubblici sul sito ufficiale, oltre che
sulle pagine social di BIANCO-
SCURO.
Le opere finaliste (qui sotto) sono di:
Sandra Andreetta, Pier Bertolo,
Svetlana Borisova, Elisabetta Bosisio,
Giorgio Bottò, Giuseppe Cacciatore,
Alessandra Cantamessa, Eleo-
Borisova Bosisio Cacciatore
Del Giudice
Montanari
Schäfer
Falciola
Picà
nora Del Giudice, Gianni Depaoli,
Rosa Maria Falciola, Arianna Fugazza,
Daniela Ghione, Waldraut
Hool- Wolf, Alberto Montanari,
Umberto Pettene, Lele Picà, Florian
Prünster, Carmen Cecilia Rusu,
Kaori Sakaguchi, Massimo Savio,
Natalia Schäfer, Elfriede Schweiger,
Anastassia Skopp, Ingrid Steckel-
Fugazza
Sakaguchi
Depaoli
Hool-Wolf
Savio
Skopp Tettamanti Valleri
berg, Tiziana Tettamanti, Rafa
Tom, Caterina Valleri, Pilar Xercavins
Casas, Andrea Zanatta.
Le opere di Stefania Simanschi e
Joel David Hernández Garmendia
invece sono risultate la più
votate dalla giuria popolare, con
numerose preferenze tra Instagram
e Facebook.
Le visite al sito ed i commenti
ricevuti dal nutrito pubblico di
collezionisti e galleristi hanno dimostrato
ancora una volta quanto
sia stata accurata la selezione. sl
And the
winners are:
L’opera che ha convinto la
giuria BIANCOSCURO è
quella di Umberto Pettene con
l’opera “La palafitta”, sua sarà
quindi la prossima copertina di
BIANCOSCURO!
Ha destato grande interesse
anche l’opera “Remember me”
di Andrea Zanatta, che la giuria
ha deciso di premiare con la
pubblicazione sulla Over the Cover.
Infine, ad Alessandra Cantamessa
il Premio Speciale BAC con
l’opera “B001-2023-CA” che
entrerà a far parte della Collezione
BIANCOSCURO. sl
“B001-2023-CA” Alessandra Cantamessa
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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“La palafitta” Umberto Pettene – Up Art
“Remember me” Andrea Zanatta
97
biancoscuro
Italia
BERGAMO
Bergamo Arte Fiera
gennaio 2024
www.bergamoartefiera.it
BOLOGNA
Arte Fiera
febbraio 2024
www.artefiera.it
CREMONA
Cremona Art Fair
marzo 2024
www.cremonaartfair.com
FORLI’-CESENA
Vernice ArtFair
marzo 2024
www.verniceartfair.it
Arte Forlì
Contemporanea
novembre 2023
www.fieracontemporanea.it
GENOVA
Arte Genova
16-18 febbraio 2024
www.artegenova.com
MILANO
MiArt
14-16 aprile 2023
www.miart.it
Mia Photo Fair
marzo 2024
www.miafair.it
Milano Scultura
20‐22 ottobre 2023
www.milanoscultura.com
MONTICHIARI (BS)
Expo Arte
febbraio 2024
www.expoarteweb.it
PADOVA
Arte Padova
10-13 novembre 2023
www.artepadova.com
PARMA
ArtParma
30 sett. e 1-6-7-8 ott. 2023
www.artparmafair.it
PER INFORMAZIONI:
SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305
PAVIA
PaviArt
1-2 aprile 2023
www.paviart.it
Art Fair
Fiere, manifestazioni ed esposizioni internazionali
International fairs, exhibitions and exhibitions
PAT Pavia
25-26 novembre 2023
www.patpavia.it
ROMA
Roma Arte in Nuvola
23-26 novembre 2023
www.romaarteinnuvola.eu
TORINO
Artissima
3-5 novembre 2023
www.artissima.art
Flashback
2-5 novembre 2023
www.flashback.to.it
VENEZIA
La Biennale di Venezia
20 apr. - 24 nov. 2024
www.labiennale.org
VERONA
ArtVerona
13-15 ottobre 2023
www.artverona.it
Europe
AMSTERDAM (NL)
Affordable Art Fair
november 1-5, 2023
www.affordableartfair.com
BARCELONA (ES)
Loop Fair
november 21-23, 2023
www.loop-barcelona.com
BASEL (CH)
Art Basel
june 15-18, 2023
www.artbasel.com
Liste Basel
june 12-18, 2023
www.liste.ch
Rhy Art Salon Basel
june 15-18, 2023
www.rhy-art.com
BERLIN (DE)
Berlin Art Week
september 13-17, 2023
www.berlinartweek.de
Positions Berlin
september 14-17, 2023
www.positions.de
98
biancoscuro
BRUXELLES (BE)
Art Brussels
april 20-23, 2023
www.artbrussels.com
Brafa
jan.28-feb.4, 2024
www.brafa.be
CHESTER (UK)
Chester Arts Fair
november, 2023
www.chesterartsfair.co.uk
COLOGNE (DE)
Art Cologne
november 15-19, 2023
www.artcologne.com
GENEVE (CH)
Art Genève
january 25-28, 2024
www.artgeneve.ch
LISBOA (PT)
Arco Lisboa
may 25-28, 2023
www.ifema.es/arco-lisboa
MADRID (ES)
Arco Madrid
march 6-10, 2024
www.ifema.es/arco-madrid
Art Madrid
february, 2024
www.art-madrid.com
MARBELLA (ES)
Art Marbella
november 2-12, 2023
www.marbellafair.com
MONTE-CARLO (MC)
Art Monaco
august 25-27, 2023
www.art3f.fr/monaco
World
CAPE TOWN (ZA)
Investec Cape Town Art Fair
february 16-18, 2024
investeccapetownartfair.co.za
CHICAGO (US)
Expo Chicago
april 13-16, 2023
www.expochicago.com
DUBAI (AE)
Art Dubai
march, 2024
www.artdubai.ae
HONG KONG (CN)
Art Basel Hong Kong
march, 2024
www.artbasel.com
MIAMI BEACH (US)
Art Basel Miami Beach
december 7-9, 2023
www.artbasel.com
NEW DELHI (IN)
India Art Fair
february 1-4, 2024
www.indiaartfair.in
NEW YORK (US)
ArtExpo NewYork
march, 2024
www.artexponewyork.com
SHANGHAI (CN)
Shanghai Art Fair
november, 2023
www.theshanghaiartfair.com
KARLSRUHE (DE)
Art Karlsruhe
may 4-7, 2023
www.art-karlsruhe.de
INNSBRUCK (AT)
ArtFair Innsbruck
27-29 october, 2023
www.artfair-innsbruck.com
ISTANBUL (TR)
CI contemporary istanbul
sept.28-oct.1, 2023
contemporaryistanbul.com
LONDON (UK)
Frieze London
october 11-15, 2023
www.frieze.com
London Art Fair
january 17-21, 2024
www.londonartfair.co.uk
Art Monte-Carlo
july 8-9, 2023
www.artmontecarlo.ch
PARIS (FR)
Paris+ par Art Basel
october 19-22, 2023
www.artbasel.com
Art Paris
march 30-april 2, 2023
www.artparis.com
VIENNA (AT)
Vienna Contemporary
september 7-10, 2023
www.viennacontemporary.at
ZURICH (CH)
Art International Zurich
october 13-15, 2023
www.art-zurich.com
Affordable Art Fair
may 18-21, 2023
www.affordableartfair.com
LOS ANGELES (US)
LA Art Show
february 14-18, 2024
www.laartshow.com
MELBOURNE (AU)
Affordable Art Fair
august 31-sept. 3, 2023
www.affordableartfair.com
MEXICO CITY (MX)
Zona MACO
february, 2024
www.zonamaco.com
SINGAPORE (SG)
Affordable Art Fair
november 9-12, 2023
www.affordableartfair.com
TOKYO (JP)
Art Fair Tokyo
march, 2024
www.artfairtokyo.com
TORONTO (CA)
Art Toronto
october 26-29, 2023
www.arttoronto.ca
VANCOUVER (CA)
Art! Vancouver
may 4-7, 2023
www.artvancouver.net
Per visualizzare l’elenco completo
aggiornato inquadra
con il tuo smartphone
il codice QR e collegati
al nostro sito ufficiale:
www.biancoscuro.it/art-fairs
99
biancoscuro
Vernice Art Fair
Il pubblico delle grandi occasioni
di Daniela Malabaila
La ventesima edizione di
Vernice Art Fair non ha
deluso le aspettative. Un
grande show d’arte arricchito
da tante meravigliose
collaterali, ospitate proprio
negli spazi della Fiera. L’ingresso,
dopo le restrizioni covid delle ultime
edizioni, è tornato ad essere quello
principale, arricchito di una mostra
di opere d’arte “Venti della memoria”
che accompagna il visitatore
verso l’attrazione principale, “Musica
per gli Occhi Experience”, a
cura dell’artista Mattia Consonni
in collaborazione con BIANCO-
SCURO. La lunga parete ricoperta
da vinili (con copertine molto speciali!)
ha attratto tutti, sia per scoprire
la frase celata al suo interno e giocare
con l’arte, sia per scoprire il mondo
di Consonni. In esposizione anche
il progetto “One Man’s Dream”
di cui abbiamo parlato anche sulle
nostre pagine, presentato attraverso
tutti i suoi medium: video, opere
d’arte e diari di viaggio. Non sono
mancate le sue classiche tele, tutte
ispirate ad un diverso brano musicale,
che hanno saputo emozionare
portando alla mente i ricordi personali
legati alle canzoni interpretate.
BIANCOSCURO Art Exhibition
ha esposto nel suo spazio, oltre alle
opere di artisti promossi in maniera
continuativa, anche le opere selezionate
al BAC Winter Edition.
L’esposizione premio è stata fondamentale
per le ultime votazioni
della Giuria, che ha potuto così decretare
i 3 vincitori finali.
Proseguendo nel percorso espositivo,
tanti spazi dedicati agli artisti
indipendenti, alcuni veramente
degni di nota, alcuni difficili da
comprendere per le troppe opere
esposte in piccole aree (alla fine, chi
troppo vuole…), tanti i progetti originali
e d’impatto. Da citare assolutamente
l’installazione di Ignazio
Fresu “Verrà la morte e avrà i tuoi
occhi”, come sempre intelligente e
filosofico, un grande artista che con
le sue installazioni ci fa rivolgere lo
sguardo verso il prossimo. Il XX
Concorso Coinè per l’Arte anche
quest’anno ha premiato le opere
più interessanti: il primo premio
ad ex aequo è andato a Giuliano
Caporali e a Adriano Maraldi; il
secondo premio se lo è aggiudicato
Gianni Depaoli con “La morte
di Cecilia”; il terzo premio invece
è andato all’opera di Tatsiana Naumcic,
mentre il premio della stampa
è stato conferito invece alla fotografia
del bresciano Pier Gatteri.
Un grande successo di pubblico ha
celebrato la ventesima edizione di
una grande Vernice Art Fair! sl
Ignazio Fresu
Verrà la morte e avrà i tuoi occhi
Il pubblico presente
Mattia Consonni
One Man’s Dream
Il pubblico presente al vernissage
Mattia Consonni
One Man’s Dream
100
Vincenzo Chetta,
Mattia Consonni e Daniela Malabaila
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it
biancoscuro
Art Basel Hong Kong
Sold out!
di Vincenzo Chetta
Ben Brown Fine Arts - Awol Erizku, Gravity, (King Tut)
2018-2023 - Ph. Isaac Lawrence
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it
Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it
Art Basel Hong Kong si è
chiusa sabato 25 marzo,
dopo una settimana caratterizzata
da forti vendite
con una clamorosa celebrazione
del suo decimo anniversario,
confermando il suo ruolo fondamentale
nel mercato dell’arte asiatico.
Oltre alle 177 presentazioni di stand da
parte delle gallerie, la mostra ha dato il
benvenuto a tutti i suoi settori speciali,
tra cui Encounters, dedicato alle installazioni
monumentali, Kabinett, Film e
Conversations. Allestita su due piani
presso l’Hong Kong Convention and
Exhibition Centre (HKCEC) per la
prima volta dal 2019, ha ospitato ben
86.000 le persone nei cinque giorni di
apertura dal 23 al 25 marzo 2023, con
giornate di preview il 21 e 22 marzo. La
più grande edizione di Hong Kong dal
2019! 42 gallerie sono rientrate in fiera
dopo una pausa durante la pandemia,
mentre 22 gallerie hanno fatto il loro
debutto in fiera. Per la prima volta, Encounters
si è esteso oltre lo spazio espositivo,
presentando una scultura gonfiabile
su larga scala di King Tut di Awol
Erizku al Pacific Place di Hong Kong.
Importanti collezionisti privati provenienti
da 70 Paesi hanno partecipato
alla fiera ed esplorato le diverse offerte
culturali della città, così come direttori
di musei, curatori e mecenati di oltre
100 musei e istituzioni internazionali,
tra cui: Art Gallery of New South Wales,
Sydney; M+, Hong Kong; Mori Art Museum,
Tokyo; Leeum Samsung Museum of
Art, Seoul; Los Angeles County Museum
of Art; Museum of Contemporary Art
Australia; National Museum of Modern
and Contemporary Art, Seoul; Rockbund
Art Museum, Shanghai; Serpentine Galleries,
London; Solomon R. Guggenheim
Museum New York; Tate, London; UCCA
Center for Contemporary Art, Beijing e
La Galleria degli Uffizi, Firenze.
Art Basel Hong Kong ha visto la partecipazione
di oltre due terzi delle gallerie
partecipanti con spazi espositivi nella
regione, comprese 33 gallerie con spazi
espositivi a Hong Kong. Le gallerie
della Cina continentale, del Giappone,
della Corea del Sud e di Taiwan hanno
continuato ad avere una forte presenza
alla fiera, mentre anche le gallerie
dell’India e del sud-est asiatico hanno
presentato stand convincenti che hanno
attirato i visitatori della fiera.
Oltre all’HKCEC, i residenti di Hong
Kong ed i visitatori internazionali hanno
apprezzato l’opera di immagini in
movimento site specific di Pipilotti
Rist “Hand Me Your Trust” proiettata
sulla facciata di M+, commissionata da
M+ e supportata da Art Basel e UBS.
Un’ulteriore programmazione pubblica
includeva il programma Film presso
l’Hong Kong Arts Centre, con 29
opere video curate dall’artista e produttore
multimediale Li Zhenhua, oltre a
proiezioni speciali curate da Videotage
e Ghost 2565, due importanti organizzazioni
di video arte senza scopo di
lucro in Asia.
“Questo è stato il nostro primo show da
quando Hong Kong ha revocato tutte
le misure pandemiche e l’entusiasmo e
l’energia nelle sale - e in tutta la città -
sono stati straordinari - afferma Angelle
Siyang-Le, direttore di Art Basel Hong
Kong - Siamo davvero grati per l’impegno
delle nostre gallerie e della comunità
artistica qui a Hong Kong, che ha fatto
tutto il possibile per offrire ai visitatori
un vivace programma culturale, dalla
mattina alla sera e per tutta la settimana.
Più che mai, il nostro spettacolo
rafforza il suo ruolo centrale nella regione,
collegando in modo unico le scene artistiche
in tutta l’Asia e oltre.”
“Questa settimana ha segnato la grande
riapertura di Hong Kong dopo tre anni di
sfide legate alla pandemia, con il nostro
spettacolo che ha ribadito la sua posizione
di momento culturale all’apice nella regione
- chiosa Noah Horowitz, CEO di
Art Basel - I collezionisti di Hong Kong,
della Cina continentale, di tutta l’Asia e
di altri paesi sono entrati in forze, ed è
davvero emozionante assistere alla
straordinaria crescita e vitalità della
scena artistica locale, sostenuta da una
nuova generazione di collezionisti e dall’apertura
del mondo istituzioni di classe.
Ancora una volta, Hong Kong ha dimostrato
la sua posizione incontrastata
di principale hub del mercato dell’arte
in Asia e la sua importanza fondamentale
all’interno del commercio globale.” sl
Kukje Gallery - Gimhongsok, Solitude of
Silences, 2017-2019
Gallery Vacancy - Sydney Shen
Axel Vervoordt Gallery with Zilberman Gallery -
Jaffa Lam, Trolley Party, 2023
Rossi & Rossi - Shubigi Rao, River of Ink II, 2023
Kaikai Kiki Gallery - Tutte le foto © Courtesy Art Basel
101
biancoscuro
miart 2023
Parola d’ordine: crescendo!
di Vincenzo Chetta
Pietro Consagra “Bifrontale bianco Macedonia”,
1977, marmo bianco Macedonia, diaspro rosso di
Sicilia e marmo nero del Belgio, 60,5x46x10 cm.
Courtesy Galleria dello Scudo Ph. Paolo Vandrasch.
102
Torna a Milano, dal
14 al 16 aprile 2023,
con anteprima VIP il
13, la ventisettesima
edizione di miart,
fiera internazionale d’arte moderna
e contemporanea diretta per il
terzo anno da Nicola Ricciardi.
169 le gallerie provenienti da 27
Paesi, rafforzate quindi le presenze
internazionali e al tempo
stesso consolidate il legame con le
principali realtà italiane. Per sottolineare
lo sviluppo degli ultimi
anni la parola dell’edizione 2023
è Crescendo, scelta anche come
desiderio di proseguimento di una
traiettoria in forte salita. A miart
si tornerà a respirare aria internazionale,
quella che aveva caratterizzato
le edizioni fino al 2019. Oltre
al numero delle gallerie, a crescere
significativamente è anche la qualità
dei progetti, merito di una
combinazione di incoraggianti ritorni
e importanti new entry.
Tra questi, solo per citarne alcuni:
ChertLüdde, Ciaccia Levi, Corvi-
Mora, Peter Kilchmann, Galerie
Lelong & Co., Mai 36 Galerie, Perrotin,
Repetto Gallery, Richard Saltoun
Gallery, Chris Sharp Gallery,
Esther Schipper, Gian Enzo Sperone.
Significativa anche la crescita in termini
di estensione geografica delle
gallerie coinvolte, che provengono
da quattro continenti e da città tra
loro molto distanti, come ad esempio
San Paolo per HOA Galeria e
Shanghai per Capsule Shanghai,
Seoul per Foundry Seoul e Accra
(Ghana) per Gallery 1957.
Contemporaneamente si riconferma
la cura e l’attenzione per il contesto
italiano grazie alla presenza in
fiera di alcune delle più dinamiche
gallerie del nostro Paese. Tra queste:
Alfonso Artiaco, Cardi Gallery,
Galleria Continua, Raffaella Cortese,
Monica De Cardenas, Galleria
dello Scudo, Galleria d’Arte Maggiore
g.a.m., kaufmann repetto, Magazzino,
Gió Marconi, Mazzoleni,
Francesca Minini, Galleria Massimo
Minini, Galleria Franco Noero,
P420, Lia Rumma, Tornabuoni
Arte, ZERO... e Vistamare.
Miart 2023 conferma anche la
distribuzione degli spazi in tre sezioni:
la visita in fiera si apre anche
quest’anno con Emergent, la
sezione a cura di Attilia Fattori
Franchini dedicata a 26 giovani
gallerie; si prosegue quindi con
Piero Dorazio “Pitch”, 1983, olio su tela,
160x130 cm. Courtesy Mazzoleni
Established, la sezione principale
che ospita 133 gallerie che
espongono opere della più stretta
contemporaneità assieme a quelle
dedicate all’arte del XX secolo; a
completare il percorso Decades,
la sezione a cura di Alberto Salvadori
che esplora la storia del secolo
scorso attraverso 10 progetti
monografici. Dopo lo “smantellamento
del silenzio” nel 2021 e il
“primo movimento” di una nuova
partitura l’anno successivo, come
accennato prima, nel 2023 miart
prosegue solcando le metafore
musicali e costruendo l’immaginario
della nuova edizione attorno
alla parola “Crescendo”. Come
ogni anno affiancheranno miart le
Rubin Gideon “Black Vest”, 2020, olio su tavola,
20,5x20,5 cm. Courtesy Monica De Cardenas
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Carla Accardi “Triangolo e lunghe righe”, 2010, vernice
vinilica su tela, 50×60 cm, arch. n. 251C Courtesy
Archivio Accardi Sanfilippo e Galleria Massimo Minini
iniziative di Milano Art Week (11
-16 aprile). In questa occasione
aprono alcune mostre della stagione
in importanti sedi cittadine,
tra cui Candice Lin | Premio
Fondazione Arnaldo Pomodoro
alla GAM; Ann Veronica Janssens
a Pirelli HangarBicocca; il
progetto espositivo How you
dare alla Fabbrica del Vapore; il
progetto Forum 900 al Museo
del Novecento; la mostra su Dara
Birnbaum all’Osservatorio Fondazione
Prada e l’artista Nathlie
Provosty alla Fondazione ICA.
La relazione con Milano sarà inoltre
ulteriormente rafforzata da
un’inedita e significativa collaborazione
con Triennale Milano, che
durante i giorni di manifestazione
non solo sarà protagonista con la
sesta edizione del FOG Triennale
Milano Performing Arts, ma diventerà
a tutti gli effetti la “casa di
miart” in città, ospitando una serie
di iniziative dal vivo.
Confermato anche il Fondo di
Acquisizione di Fondazione
Fiera Milano, istituito nel 2012,
del valore di 100.000 euro, è destinato
a opere d’arte che andranno
a implementare la collezione
di Fondazione Fiera Milano, oggi
ospitata all’interno della Palazzina
degli Orafi, sede di Fondazione,
e che attualmente si compone di
oltre 100 lavori in rappresentanza
di linguaggi artistici differenti.
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Sono inoltre confermati: il Premio
Herno, giunto alla sua ottava
edizione, che assegna un
riconoscimento di 10.000 euro
allo stand con il miglior progetto
espositivo; il Premio LCA per
Emergent, del valore di 4.000
euro, destinato alla galleria con la
migliore presentazione all’interno
della sezione Emergent; il Premio
Covivio, dedicato alla sezione
Emergent e che selezionerà un
artista a cui commissionare un’opera
site specific con un investimento
fino a 20.000 euro.
A questi riconoscimenti si aggiungeranno
altri premi e commissioni,
tra cui la prima edizione della
Fondazione Henraux Sculpture
Commission che prevede la commissione
di un’opera in marmo
da esporre per un anno al Museo
del Novecento di Milano.
Con l’edizione 2023, miart continua
quindi nel proprio percorso
di crescita, coniugando la solidità
degli aspetti di mercato con
l’attitudine alla ricerca, e ampliando
il proprio formato in una
piattaforma di osservazione della
società e dei suoi cambiamenti. sl
Ann Veronica Janssens, “Green, Yellow and Pink”, 2017,
Nebbia artificiale, filtri verdi, gialli e rosa.
Courtesy the artist and Esther Schipper. Ph. Andrea Rossetti
Marina Abramovic “Artist Portrait with a Candle
(B)”, 2012, Fine art pigment print, 160x160 cm.
Edition of 7 Courtesy Lia Rumma
Mario Sironi, “Figura dalla chitarra”, 1927, olio
su tela, 66x55,5 cm.
Courtesy Società di Belle Arti
103
biancoscuro
Art Vancouver
La più grande fiera d’arte del Canada occidentale
di Flavio Ennante
Art Vancouver si terrà, anche nel
2023, al Vancouver Convention
Centre West dal 4 al 7 maggio.
Giunta alla sua settima edizione, accoglierà
oltre 100 espositori, rendendo la
città di Vancouver meta ambita per artisti,
collezionisti e amanti dell’arte. Novità
del 2023, è la tavola rotonda sull’intelligenza
artificiale e le applicazioni
in campo artistico, incontro che fornirà
preziose intuizioni e prospettive da parte
di esperti del settore.
La vision di Art Vancouver cercherà quindi
in questa edizione di usare il linguaggio
universale dell’arte per connettere le
persone provenienti da diverse parti del
mondo e promuovere un senso di comunità
globale. Riunendo artisti e gallerie
da tutto il mondo, Art Vancouver mira
a mostrare una varietà di opere d’arte
contemporanea che riflettono le prospettive,
le esperienze e le culture uniche di
ciascun artista partecipante.
I “talk” degli artisti, le “performance” e le
“lezioni d’arte” previste ad arricchimento
dell’edizione 2023, sono un ottimo
modo per i partecipanti di apprendere
nuove conoscenze, ciò significa che
molti visitatori beneficeranno di attività
culturali extra. Art Vancouver ha messo
insieme un programma vario e coinvolgente
che offre qualcosa per tutti.
Che i partecipanti siano essi stessi artisti
o semplicemente appassionati di arte, ad
Art Vancouver ci saranno sicuramente
molte opportunità per amare e/o comprare
arte, imparare, impegnarsi ed
essere ispirati. sl
Art Vancouver 2022
Art Vancouver 2022
20 anni di art KARLSRUHE
Uno “special” per festeggiare 2 decadi
di Ettore Tiretto
Anche quest’anno Art KARL-
SRUHE rimarrà fedele al suo
concept: come nella sua prima
edizione del 2004 e nei due decenni successivi,
KARLSRUHE presenterà arte
degli ultimi 120 anni.
La project manager Olga Blass spiega:
“Abbiamo sempre assicurato che Art KAR-
LSRUHE è una fiera per tutti. Ciò è particolarmente
appropriato per una fiera d’arte
perché l’arte non esclude niente e nessuno”. Il
mercato dell’arte nella Germania sud-occidentale
offrirà un’esperienza entusiasmante
per tutti gli appassionati, quando
207 gallerie tedesche ed internazionali
mostreranno dai dipinti classici moderni
di prim’ordine alle eccezionali opere d’arte
contemporanea. L’elenco degli artisti
comprende numerosi maestri affermati
come Picasso e Miró, Nolde, Pechstein
e Kirchner. Tra le molte altre creazioni,
nella sezione Dopoguerra saranno esposte
le opere dei membri del gruppo ZERO
(Mack, Piene, Uecker). I visitatori di
KARLSRUHE attendono con impazienza
anche grandi nomi nel campo dell’arte
contemporanea come Imi Knoebel, Karin
Kneffel e Georg Baselitz.
Sarebbe impossibile immaginare il calendario
delle fiere d’arte senza Art KAR-
LSRUHE, afferma il gallerista berlinese
104
Werner Tammen, che non è solo un
membro dell’attuale comitato, ma era già
un espositore della fiera quando è stata
fondata nel 2004. Tammen è convinto
sostenitore di Art KARLSRUHE “È
un obbligo che mantengo volentieri”, dice
Tammen, “anche grazie al fatto che la densità
di collezionisti è così alta che di conseguenza
si generano ottime vendite”.
Il padre fondatore e curatore di Art
KARLSRUHE, Ewald Karl Schrade,
considera retrospettivamente questa ventesima
edizione della fiera come un’altra
conferma: “Il nostro concetto di base di
riconoscere e prendere in considerazione gli
interessi sia degli espositori che del pubblico
ha dimostrato il suo valore”. Schrade è
gallerista da oltre cinquant’anni e intende
ritirarsi dal suo incarico di organizzatore
artistico di KARLSRUHE dopo
l’imminente ventesima edizione.
La diversità artistica si riflette non solo
nei tanti stili diversi che vengono riuniti
in fiera, ma anche nelle fasce di prezzo offerte.
Art KARLSRUHE non offre solo
ai collezionisti affermati una piattaforma
favorevole per aggiungere nuove opere
d’arte alle loro collezioni esistenti. Emozionanti
opere d’arte di tutte le classi di
prezzo attendono di essere scoperte in
ciascuna delle quattro sale espositive. sl
art KARLSRUHE 2022 © Ph. Juergen Roesner
art KARLSRUHE 2022 © Ph. Juergen Roesner
La prima edizione di art KARLSRUHE nel 2004
© Ph. Juergen Roesner
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MIA Fair
Una fantastica XII edizione
di Daniela Malabaila
La fiera internazionale
di fotografia MIA
Fair - Milano Image
Art Fair è stata un vero
successo. Per il terzo
anno consecutivo è stato SUPER-
STUDIO MAXI la sua location,
spazio che ad ogni evento accoglie
migliaia di visitatori. Ideata da
Fabio Castelli, giunta alla sua XII
edizione, la fiera ha vista la partecipazione
di 100 espositori, tra
cui 16 progetti speciali e oltre
80 gallerie. Il MIA come di consueto
vanta numerosi Premi. Il
Premio BNL BNP Paribas è stato
assegnato all’opera “Miss Butterfly”
di Shadi Ghadirian, presentata
dalla Galleria Podbielski
Contemporary di Milano. “L’artista
è riuscita a creare un’immagine
emozionale, che con forza poetica
parla a tutti noi e di tutti noi. C’è
una ragnatela tra noi e la luce, la
libertà al di là delle sbarre. C’è
la volontà del volo e la speranza
di superare la ragnatela - recita la
motivazione della Giuria - La fotografia
è di una donna, che vive in
Iran, ma la grandezza di questa fotografia
sta proprio nel fatto che da
una biografia molto personale scaturisce
un’immagine che riesce ad
essere universale”. Citiamo poi il
Premio New Post Photography,
curato da Gigliola Foschi, la cui
giuria ha scelto gli artisti Enrico
Bedolo, Katerina Belkina, Lidia
Bianchi, Alessandra Calò,
Collettivo Foto Marvellini, Noemi
Comi, Flavio Di Renzo,
Chiara Ernandes, Claudia Fuggetti,
Silvia Gaffurini, Giulia
Lippens, Francesca Loprieno,
Arianna Pace, Mara Palena, Patricio
Reig e Marco Rigamonti,
Return2Ithaca (Mara Palena e
Francesca Loprieno sono state
selezionate per partecipare alla residenza
internazionale d’artista ad
Itaca) e il Premio IRINOX SAVE
THE FOOD, a cura di Claudio
Composti, vinto da “Ordinary
Pleasures” di Maria Giovanna
Giugliano. Andrea e Fabio Fustinoni
hanno deciso di assegnare
il Premio miramART by Grand
Hotel Miramare all’opera “Untitled
from Military Makeup”
di Ali Zanjan, artista iraniano
rappresentato dalla galleria AG
Galerie di Teheran. Aspettiamo
con entusiasmo la prossima edizione,
sicuri che rimarrà sempre la più
completa fra le fiere di fotografia. sl
Shadi Gadirian, Miss_Butterfly, 2011
@ Podbielsky Contemporary Milano
Davide Bramante - MIA MI, 2022, dalla serie “Città
ideali”, c-print. Courtesy Fabbrica Eos, Milano
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Barbara Pigazzi - ANIMICA: 111 (Giorgia)
2021, stampa digitale su carta Hahnemuehle
baryta, montata su alluminio, 40x60 cm.
Courtesy alberto damian | gallery
A sinistra: Emma Summerton - Motel 8
2005, archival pigment print on Hahnemühle
paper, Sheet 98,5x118,5 cm. Edition of 5, plus 2
AP, Courtesy Christophe Guye Galerie
Giuseppe Lo Schiavo - Daphne and the ocean
2023, stampa fine art su carta cotone, 148,5x110 cm.
Edition of 8 + 3 AP, Courtesy Giuseppe Lo Schiavo,
Spazio Nuovo
105
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Distopìa in stile Vaporwave
Le opere “phygital” di SVCCY
di Renzo Nucara
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Sto camminando in un
vialetto che porta verso
una casa spettacolare,
due piani tutta a vetri, di
quelle che ti fanno sentire
sempre immersi nella natura...
Un sogno! Mentre mi avvicino,
il secondo piano inizia a ruotare
106
su se stesso e dal basso due grandi
mani di marmo si alzano, sospinte
da martinetti, si eleva anche la
testa monumentale della statua
le cui mani ora sorreggono il secondo
piano che ha terminato la
rotazione. Mi blocco sorpreso, i
miei sensi sono all’erta, nell’attesa
di percepire nuovi cambiamenti
intorno a me, ma a parte l’erba e
le piante mosse da una brezza invisibile
tutto è cristallizzato. Vedo
nitidamente l’interno, c’è la stanza
con il pianoforte… Lo spartito è
aperto, il lungo soggiorno pulito,
luminoso… Ho una sensazione
strana, non vedo nessuno… Sento
il motore di una macchina in
lontananza... Mi metto a correre
verso il rumore, nella speranza di
incontrare qualcuno e chiedergli
dove sono. La vettura, forse una
vecchia Dodge Challenger, entra
in un garage il cui portellone si
alza automaticamente e poi di
A sinistra:
Runaway, Limited aluminium print+NFT
nuovo la terra si apre ed emergono
come ascensori altre case,
altre statue gigantesche. Non
capisco, mi sembra di essere catapultato
dentro un film di Black
Mirror o sul set di Truman Show,
solo che non vedo comparse, non
vedo umani, tutto è maledettamente
vuoto...
Ho un colpo di tosse, mi accorgo
di aver gli occhi chiusi, li apro, intorno
a me giganteschi monitor
che ricoprono le pareti proiettano
in loop, come mantra infiniti, scene
di case che si alzano, statue che
sovrastano condomini, vecchi busti
di marmo che indossano Visori
per Realtà Aumentata. Delle persone,
in carne ed ossa, si aggirano
con espressioni che non so decifrare.
Mi alzo intorpidito e riprendo
il contatto con la realtà: ecco, sono
all’interno dell’esposizione al
W1 Curates di Londra dove Matteo
Succi, in arte SVCCY, espone
una serie sorprendente di opere,
una totale esperienza immersiva
nei suoi NFT, nel suo mondo di
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“Dystopian Constructions” così
come suona il titolo di questa sua
personale.
Matteo è un giovane dalle enormi
capacità e sensibilità artistiche,
esponente di spicco della
corrente Vaporwave, di cui ci
tramanda le atmosfere con le sue
opere fisiche, digitali e musicali (è
anche un musicista provetto) e vi
consiglio di andare a conoscerlo
meglio sul suo sito o nella prestigiosa
galleria di Zanini Arte.
I had a dream… Ho vissuto un
sogno nel sogno di SVCCY. Chissà,
forse anche questa mia visita
alla mostra di Matteo a Londra è
stata un sogno. sl
In alto:
Foto esposizione a Londra W1 Curates, sala
interna e facciata esterna
Sotto:
Beach cabins, Limited aluminium print+NFT
INFO
www.svccy.com
www.zaniniarte.com
Distopìa: Descrizione o rappresentazione
di una realtà immaginaria del
futuro, in cui viene presagita un’esperienza
di vita inquietante.
Vaporwave: corrente artistica che
rappresenta, con nostalgia, un passato
futuristico che non è mai esistito.
Un connubio di musica e immagini
finto vintage.
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Passeggiando all’indietro:
le Tavolette Enigmatiche di Cavriana
Le terre di mezzo, i percorsi del mito, il cammino piramidale dell’essere
[34ª puntata]
108
“Nel suo perenne viaggiare, Eleda Itara,
partendo dall’apPunto_00, ripensava: “Dividere o unire?”
Era ormai come un treno in corsa su rotaie non più perse nel nulla, aveva ed
ha i suoi apPunti che le tracciano il cammino alle radici dell’Origine. Voleva
capire chi fosse stata quella notte tra il 20 ed il 21 gennaio del 1970. Sentiva il
bisogno di unire, o perlomeno di trovare, una via di mezzo tra le parti. Questo
meditava, ogni giorno in più. Ormai segretaMente i ricordi le stavano tornando,
comprendeva che la Storia era da rivedere e riscrivere, in particolare da dove tutto
era riniziato: l’apPunto “00”; dopotutto, il suo, era un passeggiare all’indietro.
”
della sua memoria dal 2012, legata all’esperienza del 1970. Erano tanti
gli apPunti_00 da riscrivere. Doveva ripartire da “00” per agganciarsi
sino all’apPunto_32, ma con un biglietto di sola andata per un nuovo
futuro, verso le “10 tavole intrecciate”. Eleda si domandava: “Ma dov’è
il confine tra realtà e fantasia creativa?” Sapeva che questo non spettava
a lei stabilirlo.
Dove eravamo rimasti nella scorsa puntata? Lago Mantova © Photo by Adele Arati
Ricordando la notte del 15 maggio 2017, dentro di sè il Mito
si ramificò e le apparve di nuovo un quadro di fili intrecciati,
con una logica non più nascosta. Le bastava seguire i luoghi,
toccati dal lungo pellegrinare di Tangir, come fossero il filo di
Arianna e la tela di Penelope. Adele ed eledA, tra il 21 e il 22
dicembre 2022 (il solstizio d’inverno astronomico, il giorno con meno luce e
la notte più lunga dell’anno) erano ormai certe dove si trovasse il Rifugio
nel Bosco nell’Appennino Tosco Emiliano del padre scomparso: quel
tardo pomeriggio lo ritrovarono.
Per tutto il 2021-2022, ed in passato, avevano viaggiato in mille posti
alla ricerca delle tracce del passato. Dal 22 dicembre 2022 al 6 gennaio
2023, rimasero 18 giorni a perlustrare quell’antica abitazione, a rispolverare
le loro opere imballate che furono nascoste. L’emozione fu tanta,
mille oggetti erano presenti in quelle stanze, alcuni personali, altri appartenuti
ai genitori, tutti da rivedere. Quel lupo e quella strana polaroid
erano sempre stati presenti a guidarle.
Eleda Itara, Storica dell’Arte, era alla ricerca del più prezioso tesoro di
tutti i tempi, ma la mappa per quel tesoro era confinata nelle pieghe
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Appennino © Photo by Adele Arati
Tra il 20 e il 21 dicembre 2021, Eleda rientrava a Parma da Orvieto,
fece un curioso incontro nei famosi Giardini Ducali della città, ritrovò
Adele. L’aveva conosciuta il 12 luglio 2013 in Mongolia, e da quel giorno
cercarono di non lasciarsi più. Adele sapeva che Eleda custodiva la
chiave del Rifugio del padre scomparso, ed Eleda aveva una curiosa sua
foto in un bosco, da questi indizi dati da Arivle, si instaurò un’amicizia
ancestrale ed partì un’affannata ricerca al misterioso Rifugio di John
Itara e dei suoi contenuti. Erano forse gemelle? Questo ancora non gli
era stato dato da sapere. Dal 21 gennaio 2021 a tutto il 2022, durante
le pause pranzo, si incontravano per ripassare i precedenti appunti, tante
piccole pause per collegare i saggi fili culturali della Storia. Ricordarono
che nel 246 a.C. si concluse la storia Proto Villanoviana - Etrusca.
Ammirarono la capacità di comunicazione di quel Popolo, i cui proto
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antenati furono i primi globalizzatori pacifici, caratteristica che li condusse
a fidarsi e ad innescare l’ennesima tentativo del loro annullamento.
Avevano appreso che del loro linguaggio poco era sopravvissuto, se
non sulle porte delle sepolture, e la loro scrittura rimaneva un mistero.
Avevano però qualche possibilità di risolverlo, sapevano delle Tavolette
Enigmatiche di Cavriana e della presunta scrittura Nuragica. Il 21 aprile
22, Eleda e Adele, le due compagne di viaggio, passando attraverso i
meravigliosi laghi dell’Alto Mantovano, si diressero verso il Museo
Archeologico e le sue Tavolette Enigmatiche di Cavriana e durante il
viaggio si confrontarono su alcuni dati in loro possesso, raccolti nel loro
passeggiare all’indietro. Leggendo il libro “Enigma; un antico processo
d’interazione Europea”, edito nel 2011 dal Museo Archeologico dell’Alto
Mantovano, comprendevano che un lontano tempo si dava importanza
ai punti, intesi come apPunti. Ossia, è evidente che in un passato remoto
i Preistorici adottarono un sistema di comunicazione fondato su
segni puntiformi dipinti sulle pareti delle grotte, impressi sulla pietra
e in seguito tramandati su tavolette di pietra prensili. Ma questo Eleda
lo sapeva dal 3 luglio 2012, quando aveva passeggiando all’indietro nella
grotta di Chauvet, nel sud della Francia, e aveva ripercorso la Salle
Brunel. Adele aggiunse: “Poi è possibile che, in altra forma, sia divenuto
il quipu, il codice segreto degli Inca, che prese vita nella lingua Puquina”.
Eleda, collegando con mappe mentali, si ricordò anche delle tavolette di
pietra, provenienti da Khara Khoto, Tsagaan Agui e trasportate poi
in India, quelle che raccontano del mitico continente MU: “La scienza
insegna che nulla si crea e nulla si distrugge, ma tutto si trasforma e si
Crea_R_Evolve. Dentro di noi quel linguaggio di apPunti è innato, il
codice Morse ed il Braille ne sono una prova. La sua trasformazione nel
codice binario ne è la conferma. Se ragioniamo, che si usi la pietra, la corda,
la carta, l’elettricità, le onde sonore o i Qubit, il concetto di come arrivare a
comunicare rimane uguale...”.
109
biancoscuro
110
Giunte al Museo, le Tavolette Enigmatiche di Cavriana gli apparvero
davanti, poste in preziose teche. Come trame d’autore, capirono che ancora
celavano antichi saperi segreti, verità nascoste ancora da interpretare,
conservate così nell’antica roccia. Il Museo di Cavriana e l’aRTé le
aveva preservate per restituircele con la loro verità. Le pietre più incredibili
presentano un cerchio con all’interno una croce e punti uniti da
fili incisi, come le mitiche tavolette perdute e le pitture rupestri. Eleda,
presa dall’entusiasmo disse: “Queste Tavolette mi ricordano quella trovata
da Pyotr Kuzmich Kozlov a Khara Khoto nel 1908/1909, ispirato dalle
ricerche della teosofa Helena Blavatsky del 1850, che a sua volta influenzarono
nel 1926 James Churchward nel suo primo libro “The Motherland of
Man” (nel 1931 rieditato in “Mu il continente perduto”), in cui parlava di
antiche tavolette di argilla, che descrivevano una colonia esistita millenni
di anni fa, parte del supercontinente Lemuria inabissato per antichi
cataclismi, con una simbologia a cerchio e con al centro una M.”
Adele riprese immediatamente Eleda, riportandola in sala: “Stai evadendo
nella pseudo e misteriosa archeologia contemporanea, ma non dimentichiamo
che noi stiamo trattando di Scienza!”
Eleda le rispose: “L’archeologia misteriosa introdotta dal 1798 dalle ricerche
dei fratelli Bonaparte e dagli studiosi Frédéric Cailliaud, Bernardino
Drovetti, Edmé F. Jomard, Pierre F. Bouchard e il tuo antenato Stefano II
Arati, contagiò altri esploratori, in particolare tra il 1828 e il 1874, Karl
Richard Lepsius e nel 1874 Charles Hoy Fort. Uno di questi, fu anche il
mineralogista e archeologo William Niven, il quale tra il 1890 e il 1909,
in Messico, ritrovò antiche reliquie che parlavano di antiche civiltà,
ispirando una nuova orientazione storica archeologica. Se vuoi Crea_R_Evolverti
devi confrontarti con tutte le possibilità, dopotutto quella fu
la base della nascita dell’Archeologia scientifica.”
Ciò che più accomunava le prime scritture in tutte le parti del mondo,
abbiamo visto essere il simbolo a forma di croce, universale pittogramma
preistorico dall’Italia a quelli del Perù. Per esempio la Croce Andina
chiamata ChaKana, che simboleggia i tre livelli di vita, è l’unione
rappresentativa di universi paralleli, che riconduce all’Albero del
mondo che collega i tre mondi. Quell’esperienza NDE di quella notte
tra il 20 ed il 21 gennaio 1970, vissuta dalle nostre protagoniste, era il
motivo della loro caparbietà al volere comprendere l’Origine_00. In definitiva
Eleda ed Adele erano due esatti opposti che cercavano di fondersi
per cercare una verità concreta e superiore, fondata sulla confutazione e
non l’imposizione accademica. Dunque tecniche di pensiero simbolico
che nel loro scorrere si fondano sulla confutabilità e, come diceva uno
dei più grandi filosofi che ha aperto il pensiero del ‘900: “Finché una teoria
non è completamente confutabile è vera e reale, il pensiero è la somma di
parziali realtà non ancora falsificate e il futuro dipenderà da questo”. (frase Lagdei, Appenino Tosco Emiliano © Photo by Adele Arati
BIANCOSCURO
RIVISTA d’ARTE
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biancoscuro
Tavoletta enigmatica © Photo by Adele Arati
di Karl Popper che ispirò anche A.Einstein)
Sapevano che tutte le antiche strutture erano concepite come un microcosmo
di un Bi_Universo, ben descritte dalle simbologie presenti in
esse. I colori predominanti sono il bianco, l’arancione, il rosso scuro ed il
nero, come il potente sole delle albe e dei tramonti di questa terra, infatti
il loro ingresso è quasi sempre rivolto ad est, come tutti i luoghi rituali
Al rifugio © Photo by Adele Arati
della Terra. Ricordiamoci però che in Fisica il rosso è un colore freddo,
invece l’azzurro è incandescente, differenze sostanziali per arrivare a
quella ostinata risposta interpersonale.
Edificazioni poste in siti ricchi di fossili, depositi marini con spessi
strati di argilla cementati da calcare bianco. Resti dell’ancestrale
oceano Tetide, falesie innalzate nel paleocene dalle forze tettoniche incandescenti
e naturali della Madre Terra. L’azione dell’erosione ha poi
modellato le forme piramidali delle sue montagne Bi_universali, in fondo
tutto in natura è simile, se non uguale, perché alla base ci sono le
istruzioni TaSenzar di costruzione.
apPunto_00 : “Ormai segretaMente i ricordi sgrammaticati stavano
tornando, comprendevano che la Storia era da rivedere e riscrivere,
partendo dai primi apPunti, in particolare da dove tutto era r_iniziato:
l’apPunto “00”...”
Erano ancora come un treno in corsa su rotaie perse nel nulla, ma ora
erano coscienti del pieno che contiene il vuoto, avevano gli appunti fissati
precedentemente e quelli futuri da agganciare, e che continuavano a tracciare
il loro lungo cammino all’indietro, per ritrovare le radici della nostra
comune origine. Cominciavano a ricordare chi fossero.
Erano propense alla scelta di unire, o perlomeno di trovare una via di mezzo,
tra le parti. Questo meditavano ogni giorno in più, vivendo da vicino
BIANCOSCURO
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questo viaggio all’indietro nei territori ancestrali del mondo.
adele arati artiStà
Macro _ Micro / Multi _ Progetti Art’è by adele aRaTI artiStà
<aaRTI.ram: 00_ESGI_Project>
[...] continua
sul prossimo numero di
BIANCOSCURO
Ogni riferimento a cose e persone è puramente casuale, le parti culturali sono vere e il reale si
unisce all’intreccio del Filo virtuale della Fantasia Crea_R_ Evolutrice. Una Linea aKa, presente in
ogni mia opera, dove tutto ebbe un 00_R_Inizio, in questa saga artistica Fanta-ma-Scientifica, per il
bene comune Finito-ma-Infinito, in memoria del Popolo_00.
Testi liberamente tratti dai miei futuri Romanzi Artistici Fanta-ma-Scientifici.
<Opere d’art’è di Scrittura CreAttiva, aaParole con apPunti, Tavole AlgoRitmiche d’artiStà>
Per maggiori informazioni
www.adelearati00.com
www.appunti00.com
111
liberementi
realtà specializzata in
comunicazione e marketing
per l’Arte Contemporanea
viale dell’indipendenza 26 - 27100 Pavia
tel. 0382.1632062 - info@liberementi.it
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Carla Cerati
I suoi racconti a Milano
di Flavio Ennante
Leica Galerie Milano
propone un’interessante
esposizione di immagini
realizzate dalla
fotografa e scrittrice
bergamasca Carla Cerati. Fino al
prossimo 8 aprile possiamo dun-
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que visitare la mostra “Carla Cerati.
Forma e movimento”, composta
da 30 fotografie selezionate
da artshop.biancoscuro.it
progetti diversi, realizzati nel
corso della vita, per raccontarne
il percorso artistico e metterne in
luce un volto inedito.
Puoi abbonarti o richiedere una copia online:
biancoscuro
A cura di Elena Ceratti, Fabio
Achilli e Denis Curti, la mostra
conferma la volontà di Leica
Camera Italia di essere un luogo
di accoglienza ricerca e proposta
per la fotografia d’autore in
un’alternanza di temi, periodi,
stili, tecniche e visioni, nei diversi
passaggi del tempo, dall’analogico
al digitale.
Il corpus di opere scelte mostra i
cambiamenti politici economici
e sociali attraverso immagini che
ritraggono ad esempio la gestualità
degli attori di Living Theatre e
nudi femminili, senza far mancare
la fotografia di denuncia sulle
condizioni dei manicomi in Italia
di Morire di classe o la Milano
mondana di Mondo Cocktail,
città che ha vissuto e raccontato
nelle sue varie declinazioni. sl
A sinistra: Mondo Cocktail ©Carla Cerati
Sotto: Paesaggi ©Carla Cerati
CARLA CERATI
Forma e movimento
25 gennaio - 08 aprile 2023
(verifica l’effettiva apertura prima di recarti sul posto)
Leica Galerie, Milano
INFO
T. +39 02 89095156
Da martedì a sabato
10.00 - 14.00 / 15.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.leicastore-milano.com
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113
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Catania dimora dell’anima
Le fotografie di Ettore Sottsass a Castello Ursino
di Lucia Garnero
Sarà in scena fino al 21
maggio, la mostra di Ettore
Sottsass CATANIA
MIA!, a cura di Barbara
Radice con Iskra Grisogono
e la direzione artistica di
Christoph Radl. Un nutrito numero
di 111 fotografie, in bianco
e nero e colore, quasi tutte inedite,
realizzate nella città di Catania
negli anni novanta, raccontano
l’Ettore Sottsass fotografo,
prevalentemente noto, sulla scena
internazionale, come designer e
architetto italiano di successo.
Il percorso espositivo, pensato e
realizzato per l’open space del Castello
Ursino di Catania, comprende
le fotografie da lui scattate
negli anni novanta proprio nella
città che ospita l’evento, per la
quale nutriva interesse e affetto.
Sottsass sentiva fortemente l’esigenza
di rappresentare il mondo
attraverso la fotografia; vorace curioso,
riconosceva quest’arte come
strumento di documentazione e
modo per “fermare la vita”.
Le fotografie in mostra raccontano
una Catania dalle innumerevoli
sfaccettature: dal barocco al
mercato del pesce, attraverso scene
di vita quotidiana; fotogrammi
114
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A sinistra: Ettore Sottsass
Pescheria di Catania
Courtesy Studio Ettore Sottsass
Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS
Nella pagina precedente: Ettore Sottsass
Via Vittorio Emanuele II
Courtesy Studio Ettore Sottsass
Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS.
Sotto: alcune viste del percorso espositivo
CATANIA MIA!
Ettore Sottsass
Castello Ursino, Catania
November 21, 2022 - May 21, 2023
(Check the opening on the site)
di una storia affascinante e di una
città viva e intraprendente.
Protagonisti delle immagini esposte
i paesaggi urbani della Catania
popolare e del suo centro
storico; una sezione è dedicata
alle immagini degli interni delle
case della borghesia etnea che rimandano
ai momenti di incontro;
presente anche una ricca selezione
di fotografie paesaggiste realizzate
in località marinare situate nei
dintorni del capoluogo etneo.
Arricchiscono il percorso espositivo
la proiezione dei documentari
Ettore Sottsass, Design Interviews
e Il treno di Sottsass.
Ettore Sottsass passava le sue estati
in una casa a Filicudi, nelle Eolie.
insieme a sua moglie: lavorava
immerso nella natura, sviluppava
progetti, scriveva e fotografava.
Come descrive Carmelo Nicosia,
direttore di Fondazione OELLE
Mediterraneo Antico, la mostra
nasce dalla volontà di Ornella
Ettore Sottsass’ CATANIA MIA!
exhibition will be presented at
the “Castello Ursino” Civic Museum
in Catania from 21 November
2022 to 21 May 2023, curated by Barbara
Radice with Iskra Grisogono and
the artistic direction of Christoph Radl.
The exhibition is promoted and produced
by the OELLE Foundation
Mediterraneo Antico in collaboration
with the Ettore Sottsass studio and in
partnership with the Department of
tourism, sport and entertainment of the
Municipality of Catania. The exhibition
itinerary, conceived and created for
the open space of the Castello Ursino
in Catania, includes 111 photographs,
in black and white and colour, almost
all unpublished, taken by Ettore Sottsass
(Innsbruck, 1917-Milan, 2007)
in the 90s Catania, a city for which he
has always had interest and affection.
The photographs on display tell a vital
Catania: the Baroque, the fish market,
the streets, the scenes of daily life like
frames of a history of the city.
Ettore Sottsass could be defined as a
“photojournalist of life”. He started taking
pictures when he was a boy and
hasn’t stopped since. “I was horribly
curious,” he said. Photographing was a
way of “stopping” life as well as a means
of documenting it. Thanks to Studio
Sottsass in Milan, the Sottsass Fund of
the Center George Pompidou in Paris
and the Bibliothèque Kandinsky for the
high definitions of the negatives they
keep for their collaboration. sl
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CATANIA MIA!
Ettore Sottsass
21 novembre 2022 - 21 maggio 2023
Castello Ursino, Catania
INFO
T. +39 095 2282011
Tutti i giorni 9.30 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.fondazioneoelle.com
Sopra: Ettore Sottsass
Porto di Catania, Molo di Levante
Courtesy Studio Ettore Sottsass
Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS
Sotto: Ettore Sottsass
Pescheria di Catania_2
Courtesy Studio Ettore Sottsass
Fondazione OELLE Mediterraneo Antico ETS
Sotto: alcune viste del percorso espositivo
Laneri, Presidente della Fondazione,
da sempre appassionata del
lavoro di Ettore Sottsass e Barbara
Radice, scrittrice e moglie del
Maestro, che hanno immediatamente
condiviso l’idea di portare
nella Catania amata dal designer i
suoi appunti di viaggio, unici per
sensibilità di sguardo e magistrali
punti di vista.
L’esposizione è promossa e prodotta
dalla Fondazione OELLE
Mediterraneo Antico in collaborazione
con lo Studio Ettore Sottsass
e in co-organizzazione con il
Comune di Catania. sl
116
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Inge Morath
L’amore per Venezia
di Rebecca Maniti
INGE MORATH
Fotografare da Venezia in poi
18 gennaio - 04 giugno 2023
Museo di Palazzo Grimani, Venezia
INFO
T. +39 041 241 1507
Da martedì a domenica 10.00 - 19.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.ingemorathexhibition.com
A
Venezia iniziò la sua carriera, e
proprio qui, al Museo di Palazzo
Grimani, è in corso la mostra
che la celebra a cento anni dalla sua nascita:
“Inge Morath Fotografare da Venezia
in poi”, a cura di Kurt Kaindle
e Brigitte Blüml, con Valeria Finocchi,
promossa dalla Direzione regionale Musei
Veneto e Suasez in collaborazione con
Fotohof Salisburgo, con il patrocinio ed
il sostegno del Forum Austriaco di Cultura
di Milano.
Lungo il percorso espositivo possiamo
ammirare le immagini del celebre
reportage che la fotografa austriaca
realizzò in Laguna, quando l’Agenzia
Magnum la inviò in città per conto de
L’Oeil, rivista d’arte che aveva scelto di
corredare con scorci veneziani un reportage
di Mary McCarthy. Non solo
questo progetto in mostra, infatti sono
circa 200 le fotografie in esposizione,
tra le quali anche una selezione dei suoi
principali reportage dedicati alla Spagna,
Iran, Francia, Inghilterra-Irlanda, Stati
Uniti d’America, Cina e Russia, oltre
che la sezione dedicata ai ritratti. Il focus
specifico e inedito su Venezia è composto
anche da circa un’ottantina di immagini
mai state esposte prima in Italia. Ma
come è nato questo amore tra la Morath,
allora collaboratrice redazionale di
Magnum, e Venezia? Nel novembre del
1951, Inge Morath e Lionel Burch, neo
sposi, andarono a Venezia. La sua luce
sotto la pioggia la stregò, tanto da indurla
a chiamare Robert Capa, responsabile
della Magnum, per suggerirgli di inviare
un fotografo. Lui le rispose che un fotografo
di Magnum a Venezia c’era già,
ed era lei. Così Inge Morath commentò:
“Sono andata nel luogo in cui volevo scattare
le mie fotografie e mi sono fermata:
un angolo di strada dove la gente passava
in un modo che mi sembrava interessante.
Ho regolato la fotocamera e ho premuto il
pulsante di scatto non appena ho visto che
tutto era esattamente come volevo. È stata
come una rivelazione.” sl
In alto: Inge Morath
Venezia, 1955
©Fotohof archiv / Inge Morath / Magnum Photos
A destra: Inge Morath
Audrey Hepburn, Durango, Messico, 1958
©Fotohof archiv / Inge Morath / Magnum Photos
ART VOYAGE GALLERY REPRESENTED ON KOONESS AND ARTSPER
info@scienceartstudio.com art.voyage.gallery Art Voyage Gallery www.artvoyagegallery.com
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Gli scatti di Eve Arnold
La prima donna dell’Agenzia Magnum
di Mario Gambatesa
118
Il Centro Italiano per la
Fotografia di Torino propone,
dal 25 febbraio al 4
giugno 2023, un’altra leggenda
della fotografia del
XX secolo: Eve Arnold, la fotografa
americana che ha saputo raccontare
il mondo con un appassionato
approccio personale. Eve
Arnold è stata la prima donna,
insieme a Inge Morath, a far parte
della prestigiosa agenzia Magnum
Photos nel 1951. Nata nel 1912
a Philadelphia in una famiglia di
ebrei russi, Eve Arnold inizia a fotografare
a metà anni Quaranta.
Nel 1943 si trasferisce a New York
e lavora presso gli stabilimenti
Stanbi Photos, dove supervisiona
il processo di sviluppo industriale.
Nel 1950 frequenta un corso alla
New School for Social Research
guidato da Alexey Brodovitch,
l’anno successivo il “Picture Post”
pubblica il suo primo servizio,
un reportage sulle sfilate di moda
di Harlem. In questa occasione
entra in contatto con i movimenti
antirazzisti diventandone sostenitrice
e fotografando più tardi da
vicino l’ascesa dei Black Muslims
e di Malcolm X. Nel 1951 diventa
membro associato di Magnum,
divenendone membro effettivo
nel 1957. In questi anni pubblica
su riviste come “Life”, “Look”,
“Paris Match”, “Vogue”, “Stern”
e “The Sunday Times”. Saranno
molti i reportage che realizzerà
in seguito in tutto il mondo e soprattutto
molte le mostre a lei dedicate
fino alla morte avvenuta a
Londra nel 2012, pochi mesi prima
di compiere 100 anni. L’esposizione,
curata da Monica Poggi
e realizzata in collaborazione con
Magnum Photos, si compone di
circa 170 immagini, di cui molte
mai esposte fino ad ora, e presenta
l’opera completa della fotografa
a partire dai primi scatti in bianco
Black Aristocracy - USA, 1964
© Eve Arnold / Magnum Photos
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e nero della New York degli anni
Cinquanta fino agli ultimi lavori
a colori, realizzati all’età di 85
anni, alla fine del secolo. Le opere
selezionate affrontano temi e questioni
come il razzismo negli Stati
Uniti, l’emancipazione femminile
e l’interazione fra le differenti culture
del mondo. Anche se la sua
fama planetaria è senza dubbio
legata ai numerosi servizi sui set
di film indimenticabili, dove ha
ritratto le grandi star del periodo
da Marlene Dietrich a Marilyn
Monroe, CARTACEA da Joan o Crawford DIGITALE a Orson
Welles, in abbonamento la carriera di Arnold e
è a tutti gli effetti un inno all’emancipazione
femminile. I suoi
>>>
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Installation views della mostra “Eve Arnold.
L’opera 1950-1980” a CAMERA - Centro Italiano
per la Fotografia.
Ph. Antonio Jordán
Sotto: Joan Crawford
Los Angeles, California, USA, 1959
© Eve Arnold / Magnum Photos
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119
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<<<
soggetti sono nella maggior parte
dei casi donne: lavoratrici, madri,
bambine, dive, suore, modelle,
studentesse, immortalate senza
mai scivolare in stereotipi o facili
categorizzazioni, con il solo intento
di conoscere e capire. Questo
principio la guida anche nelle
fotografie più intime e delicate,
come quelle realizzate all’interno
dei reparti di maternità degli ospedali
di tutto il mondo, soggetto
a cui ritorna costantemente per
esorcizzare il dolore subito con la
perdita di un figlio, avvenuta nel
1959. Si tratta di una fotografa
che, con determinazione, curiosità
e voglia di abbattere tutti gli
stereotipi, ha prodotto un corpus
di opere a dir poco notevole. sl
Anthony Quinn and Anna Karina on the set of
Guy Green’s ‘The Magus’, Mallorca, Spain,
1976 © Eve Arnold / Magnum Photos
EVE ARNOLD
L’opera, 1950-1980
25 febbraio - 04 giugno 2023
CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia, Torino
INFO
camera@camera.to
Tutti i giorni 11.00 - 19.00
Giovedì 11.00 - 21.00
Inquadra con il tuo smartphone
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www.camera.to
CHAN SUK ON
httpschansukon.com
LOOSE PIECES - 2022 - colour photograph - 70x50 cm.
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Da lavoro a culto
Fotografie di Massimiliano Camellini
di Carla Margone
A
Reggio Emilia, Binario49 ospita
la mostra fotografica “a ribbon
and prayer - da spazi laici a
luoghi sacri”, progetto di Massimiliano
Camellini a cura di Andrea Tinterri
e Benedetta Incerti. Con inaugurazione
il 28 aprile, l’esposizione, come anticipa
il titolo, rivela la trasformazione culturale
e sociale di luoghi precedentemente
dedicati al lavoro, all’abitazione,
al commercio, al tempo libero, in luoghi
di culto. Camellini negli anni Novanta
si avvicina alla fotografia di ricerca e dal
2001 realizza progetti costituiti da serie
di opere dedicate a temi universali,
accompagnate dai rispettivi progetti editoriali.
La prima serie, iniziata nel 2017,
è dedicata agli istinti e sogni dell’uomo,
proprio come quest’ultimo progetto
del 2022. Tinterri nel suo testo critico
racconta il lavoro di Camellini: “L’autore
nei suoi progetti ha spesso indagato il rapporto
tra uomo e lavoro, ha guardato
all’interno dei luoghi di produzione, dalla
bottega dell’artigiano alla fabbrica, fino ad
imbarcarsi su quelle piccole città stato che
sono le navi cargo. Nel progetto ‘a ribbon
and a prayer’ la dimensione del lavoro
è uno spettro che appare sotto forma
di dettagli, residui alle pareti, la stessa
configurazione dei soffitti, dei pavimenti.
Dove prima c’era un banco di lavoro ora si
materializza un altare carico di simboli e
oggetti necessari al rito.”
L’indagine fotografica di Massimiliano
Camellini ha toccato tutte le confessioni
religiose, dall’Induismo al Cattolicesimo,
dalle chiese Evangeliche a quelle
Pentecostali, dall’Islam al Sikhismo, dallo
Scintoismo al Buddismo e molte altre.
La sua macchina da presa svela piccoli
mondi invisibili ai più: un tempio
indù dietro i locali poco invitanti di un
magazzino abbandonato; paia di scarpe
accuratamente allineate all’ingresso di
una sala di preghiera musulmana in un
ex edificio industriale; l’iconostasi riccamente
decorata e il lampadario in ottone
di una chiesa moldava dietro le persiane
di un’ex macelleria; le spaziose sale di
preghiera delle congregazioni pentecostali
e la loro fredda funzionalità estetica.
Un progetto interessante, che va oltre al
“clic” dello scatto fotografico. sl
A RIBBON AND A PRAYER
Fotografie di Massimiliano Camellini
28 aprile – 11 giugno 2023
Binario 49, Reggio Emilia
A destra: Scientology, Padova (ex villa), 2021
Sotto: Islam Community Center
Reggio Emilia (ex fabbrica), 2017
INFO
T. +39 348 5889449
Venerdì e sabato 18.00 - 22.00
Domenica 17.00 - 21.00
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.b49.it
Christ Apostolic Church
Modena (ex garage), 2017
LUIGI
DI PAOLO
ludipaolo@gmail.com
gigidipaolo
/gigi.d.paolo
linktr.ee/ludipaolo
“Il pensatore rilassato” - 2023, olio su tela, 100x100 cm.
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Sue Park
La bellezza della natura
di Ettore Tiretto
Palazzo del Duca, a Senigallia,
ospita fino al
4 giugno la mostra fotografica
“Sounds of
silence” di Sue Park.
La sudcoreana, pluripremiata al
Photo Awards, è la direttrice del-
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la Shatto Gallery di Los Angeles,
si presenta così: “Sono entusiasta
di catturare questi momenti unici
con la mia macchina fotografica,
momenti che non si ripeteranno
mai più. È mio privilegio essere
presente a questi incontri. Le mie
foto nascono dai ricordi del passato
e portano anche la mia passione per
il presente. Sempre più spesso mostrano
anche i miei sogni e le mie
fantasie future. L’atto di rilasciare
l’otturatore è così rapido e svanisce,
diventando parte del passato,
eppure il momento registrato per
sempre.”
La mostra organizzata dal Comune
di Senigallia e curata da Lorenzo
Uccellini, è stata realizzata
con il patrocinio della Fondazione
Dott. Leopoldo Uccellini e il
sostegno della Regione Marche
nell’ambito del progetto Senigallia
Città della Fotografia.
“Sue Park si definisce una ricercatrice
di bellezza e la natura,
nelle più svariate manifestazioni,
rappresenta la sua mappa del
tesoro - scrive il curatore Lorenzo
Uccellini - Che siano paesaggi
sconfinati o minuscoli dettagli “rubati”
alle magie di luci e ombre o
alle forme astratte dal contesto generale,
lo sguardo di Sue è quello
di un’amante appassionata
che oltrepassa la contingenza del
visibile, registrando negli scatti fotografici
istanti che raccontano le
storie eterne degli alberi o i suoni
silenziosi delle innumerevoli creature
viventi che popolano gli scenari.
E a noi pare persino di ascol-
122
Sue Park
Italy, Hazel Glimpse
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tarli quei silenzi e quelle antiche
storie, ognuno con il proprio vissuto
immerso tra memoria personale
e inconscio collettivo, come solo le
favole sanno offrire.”
La mostra è un vero e proprio giro
del mondo in cui racconta con
immediatezza e senza pretesa di
reinterpretazione, la bellezza che
ha vissuto e fotografato. La sua è
una fotografia prettamente natu-
ralistica, in cui la post produzione
è ridotta al minimo, tuttavia nelle
immagini ci racconta anche se
stessa e le proprie esperienze che,
come avviene ripercorrendo un album
di famiglia, risvegliano sensazioni
e ricordi. Gli scatti di Sue
Park ci immergono nell’atmosfera
fotografata, come se fossimo stati
presenti in quell’istante. sl
SUE PARK
Sounds of silence
16 dicembre 2022 – 4 giugno 2023
Galleria Nazionale delle Marche, Urbino
INFO
T. +39 366 6797942
Da giovedì a domenica 15.00 - 19.30
Inquadra con il tuo smartphone
il codice QR per collegarti al sito
www.comune.senigallia.an.it
Sue Park - Japan, Nostalgia
Sotto: Sue Park - USA, Hot Air Balloon
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Street ArT
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Street ArT
L’Italia dell’Arte urbana
Un viaggio on the road
di Flavio Ennante
Ph. Travel on Art - opera di
Mrfijodor per Without Frontiers -
Lunetta a Colori a Mantova
124
Ph. Francesco Marini - opera di Zio
Ziegler per Pop Up ad Arcevia
Con la primavera si iniziano a
organizzare gite fuori porta e
vere e proprie vacanze, magari
già quelle estive. Se siete alla ricerca
di nuove idee e nuove mete, perché
non seguire un itinerario culturale
nel mondo della Street Art? Ad
aiutarci in questo possiamo usare la
prima guida alla scoperta dell’arte
urbana in Italia: “Street art in Italia.
Viaggio fra luoghi e persone” di Anna
Fornaciari e Anastasia Fontanesi. Il
volume ci porta in 17 regioni diverse
in un percorso on the road alla scoperta
dell’arte urbana.
Un viaggio tra periferie rurali e urbane,
accompagnato da foto, aneddoti
e consigli pratici per scoprire
progetti di arte pubblica al di là dei
soliti itinerari. Da Parco Dora a Torino
ai Quartieri Spagnoli di Napoli,
passando per borghi che ospitano
“più opere d’arte che abitanti”
come Camo, in Piemonte, e Stigliano,
in Basilicata. “In questi 6 anni di
ricerca sul campo ci siamo lasciate guidare
dalla curiosità - spiegano Anna
Fornaciari e Anastasia Fontanesi,
autrici di Street Art in Italia e già
fondatrici di Travel on Art - che ci ha
permesso di scoprire quartieri, borghi e
intere aree quasi del tutto sconosciute
ai circuiti turistici, altre invece decisamente
più conosciute, ma che abbiamo
imparato ad osservare con uno sguardo
diverso. Con Street Art in Italia vogliamo
raccontare il turismo culturale
contemporaneo, evitando il mordi e
fuggi, invitando ad approfondire i pro-
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BIANCOSCURO
Ph. Travel on Art - opera San Sebastiano di Tanzio Da
Varallo di Andrea Ravo Mattoni a Camo in Piemonte
Ph. Travel on Art - Opera di Alessio-B
“Look at the stars” per Super Walls
Padova
Ph. Riccardo Pinna opera di Zed1 _Cercarsi negli altri_ per Non
solo Murales di San Gavino Monreale Paese di Artisti
Ph. Cosimo Calabrese - Opere di
Belin e 3ttman per progetto TRUST
Taranto
Ph. Fabio Petani - opera _O sciore
cchiù felice di Fabio Petani per Parco
dei Murales a Ponticelli Napoli
getti non solo dal punto di vista artistico,
ma anche culturale e sociale. Quando
si parla di arte negli spazi pubblici
infatti, non si può commettere l’errore
di scindere l’atto artistico, dal territorio
e dalle persone che lo abitano. Per
questo, oltre a suggerire e condividere
idee di viaggio, per noi è importante
che questo libro racconti le persone, oltre
ai muri”. E voi, siete pronti per
partire alla scoperta delle più belle
opere di Street Art? sl
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125
Rembrandt incontra
DIALOGHI IN GALLERIA
Galleria Sabauda, Spazio Scoperte
14 dicembre 2022 / 16 aprile 2023
Musée Jacquemart-André
Il Déco
in Italia
L’eleganza
della modernità
INFO
FORTEDIBARD.IT
FORTE DI BARD
VALLE D’AOSTA
2 DICEMBRE 2022
10 APRILE 2023
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aprile/maggio 2023 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione
Bruno Azzini
Il “pennello” come simbolo creativo