TuttoBallo20 APRILE 2022.EnjoyArt

€ 258,04
27

TuttoBallo - APRILE 2022 - n. 27
Copertina: Claudia Gerini protagonista del film "Mancino Naturale di
Salvatore Allocca.
Editore "Stefano Francia" EnjoyArt
Direttore - Fabrizio Silvestri
Vice direttore - Eugenia Galimi
Segretaria di redazione - Pina delle Site
Redazione - Marina Fabriani Querzè
COLLABORATORI: Maria Luisa Bossone, Antonio Desiderio, Francesco
Fileccia, David Bilancia, Giovanni Fenu, Mauri Menga, Sandro Mallamaci,
Walter Garibaldi, David Iori, Giovanni Battista Gangemi Guerrera, Lara
Gatto, Lucia Martinelli, Patrizia Mior, Ivan Cribiú, Danilo Pentivolpe,
Alessia Pentivolpe, Carlo De Palma, Rita Martinelli, Assia Karaguiozova,
Federico Vassile, Elza De Paola, Giovanna Delle Site, Jupiter, Francesca
Meucci, Alberto Ventimiglia.
Fotografi: Luca Di Bartolo, Elena Ghini, Cosimo Mirco Magliocca
Photographe Paris, Monica Irma Ricci, Luca Valletta, Raul Duran,
DsPhopto, Raul, Alessio Buccafusca, Alessandro Canestrelli, Alessandro
Risuleo.
Altre foto pubblicate sono state concesse da uffici stampa e/o scaricate
dalle pagine social dei protagonisti.
Le immagini e le fotografie qui presentate, nel rispetto del diritto d’autore,
vengono riprodotte per finalità di critica e discussione ai sensi degli artt. 65
comma 2 e 70 comma 1bis della Lg. 633/1941.
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direttore. I collaboratori cedono all'editore i loro elaborati a titolo gratuito.
Testata giornalistica non registrata di proprietà: ©ASS: Stefano Francia EnjoyArt
per contattare la redazione Tuttoballo20@gmail.com
Contro Copertina
Aprile, finito il periodo di emergenza Covid, tutti siamo pronti a ripartire.
Per quest'anno ci auguriamo che il simpatico proverbio "Aprile dolce
dormire" si trasformi in azione e motivazione.
Aprile porta con sè eventi religiosi e laici. I riti religiosi della Settimana
Santa, la festa della Liberazione e la XL Giornata Internazionale della
Danza.
Un evento che l'Associazione Stefano Francia EnjoyArt, quest'anno,
organizza a Terni, la città natale del maestro Stefano.
Il 30 aprile vi diamo appuntamento a Terni per festeggiare insieme alla
cittadinanza la dea Tersicore e Il CantaMaggio 2022 manifestazione
popolare che da oltre 120 anni celebra, per le strade del centro storico
della cittadina umbra, l'arrivo della primavera.
Con il patrocinio del CID-UNESCO e il comune di Terni presenteremo il
convegno "Il Futuro dell'Arte" e la fase finale del terzo concorso MultiArte
"Dillo Alla Danza".
Appuntamento per tutti, dunque, alle ore 15 del 30 aprile presso il CAOS
Centro Arti Opificio Siri per discutere, ammirare e respirare d' arte.
Convegno, mostra, esibizioni e degustazioni dei prodotti tipici umbri con
Slow Food, gli ingredienti per brindare al rinascimento.
La copertina e contro copertina di questo numero le abbiamo dedicate al
cinema presentandovi due film italiani: "Mancino Naturale" con Claudia
Gerini e "Bla Bla Baby" la nuova commedia di Fausto Brizzi con l'amico
Alessandro Preziosi.
E sfogliando aprile leggerete di teatro, musica, viaggi, libri, cucina, make
up, interviste e molto altro ancora.
Io e tutta redazione, vi auguriamo una felice Pasqua, una Pasqua di
resurrezione per tutti i vostri desideri e sogni.
Una Pasqua soprattutto di PACE...
© F R E E P R E S S O N L I N E r i p r o d u z i o n e r i s e r v a t a - D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t "

Massimo Polo
Direzione Artistica

World Dance Day - 29 Aprile 2022
Messaggio del Presidente dell'International Dance Council CID UNESCO,
Prof. Dr. Alkis Raftis
Questo messaggio viene scritto mentre i missili colpiscono edifici residenziali e la gente
combatte per le strade. Probabilmente è troppo ottimista sperare che la gente il 29 aprile ballerà
nelle strade per celebrare la pace. La situazione richiede ai danzatori di mostrare solidarietà agli
altri danzatori. Individualità e 'do it alone' sono fuori moda.
Molte persone sono pronte ad aiutare ma rischiano di cadere vittime di truffe. È molto difficile
distinguere tra organizzazioni, siti web, persone, notizie ecc. genuini e falsi. Ci si può fidare solo
di chi si conosce da molti anni, solo di chi ha una lunga storia di una politica seria con cui si è
d'accordo - certamente non di chi promette di fare ora quello che non ha mai fatto prima. Il
passato è la migliore garanzia per il futuro.
Il CID non farà da intermediario. Noi sosteniamo la comunicazione diretta da persona a
persona, l'assistenza e la collaborazione. Questo è ciò che proponiamo:
- Andate all'Elenco Globale della Danza. Digita parole chiave come: nome della città, tipo di
danza ecc. Prova varie parole chiave.
- Trovate i professionisti della danza e chiamateli, o chiedete al CID il loro indirizzo e-mail.
- Dite loro che vi preoccupate, chiedete di cosa hanno bisogno
- Mandate quello che potete
- Mantenete il contatto, date coraggio per superare le difficoltà, preparate la cooperazione dopo
la crisi.
Non è il momento di fare sfoghi romantici sulle virtù della danza e affermazioni simpatiche ma
vaghe. La danza, dopo essere stata duramente colpita dalla pandemia, è ora colpita dal conflitto
armato e dalla prospettiva di una guerra fredda su scala globale. È il momento di azioni
concrete e risultati tangibili, il momento di mettersi insieme per avanzare uniti.
www.DanceDay.CID-world.org

TERNI 30 APRILE 2022 "DILLO ALLA DANZA"
CONCORSO MULTI ARTE E CONVEGNO NAZIONALE
ORGANIZZAZIONE STEFANO FRANCIA ENJOYART.
MADRINA DELL’EVENTO LA FATINA DELLA TV MARIA GIOVANNA ELMI
"Il 30 aprile 2022 festeggia con noi la XL Giornata Internazionale della danza. L’associazione Stefano
Francia EnjoyArt organizza a Terni la quarantesima giornata mondiale della danza con un convegno e il
Concorso Multi Arte "DILLO ALLA DANZA"...
Con il patrocinio del CID UNESCO e del Comune di Terni, l’associazione Stefano Francia EnjoyArt ha
deciso di ripartire con l’organizzazione degli eventi, dopo il fermo di due anni causa pandemia, da Terni,
comune di nascita del Maestro Stefano Francia, come ha spiegato il presidente Fabrizio Silvestri:
>
La storia di un popolo parte dalla tradizione del luogo, in questa edizione al fianco dell’associazione
Stefano Francia scende in campo anche Slow Food Terni, l’associazione internazionale no profit impegnata
a ridare il giusto valore al cibo. Con loro e il folklore ternano del Cantamaggio si riscoprono i sapori e saperi
della terra umbra. Ambasciatrice dell’evento Maria Giovanna Elmi, la rassicurante fatina della tv, mecenate
e divulgatrice della cultura italiana.
Nelle precedenti edizioni, svoltesi on line, i protagonisti sono stati i concorrenti delle 4 sezioni che, con i loro
elaborati, hanno raccontato la danza attraverso la fotografia, la pittura, la scultura, la musica e la danza
stessa. In occasione della Giornata Internazionale della Danza, le migliori composizioni musicali (inedite e
cover) sono entrate a far parte della Compilation “DILLOALLADANZA”, prodotta dalla Stefano Francia
EnjoyArt e dall’etichetta discografica Pomodoro Studio Always e distribuita in tutti i digital store. Le due
copertine delle precedenti compilation sono state firmate da artisti che hanno partecipato al concorso.

soprattutto in questo periodo, la bellezza dell’arte nella società, collante che unisce le persone attraverso il
linguaggio universale dell’arte. Per noi è importante diffondere il virus dell’arte nella scuola, tra i bambini, i
giovani, gli adulti, affinché tutti diventino appassionati dell’arte, con la speranza che tutti un giorno
possiamo essere "artigiani" dell’arte, come i direttori artistici scelti per questa edizione: per la danza la
professoressa Maria Luisa Bossone già prima ballerina nei maggiori teatri italiani, per la musica Ciro Vinci,
musicoterapeuta e compositore per trasmissioni tv e cinema, per le arti letterarie e visive il maestro
Giovannino Montanari, artista internazionale conosciuto come il pittore delle cupole>>
Il concorso "DILLO ALLA DANZA" è scrivere un racconto, una poesia, scattare una foto, dipingere una
tela, cantare o suonare una canzone per la dea Tersicore.
Il concorso è suddiviso in 4 sezioni:
1. Sezione Arti letterarie (poesia e racconto breve/narrativa)
2. Sezione Arti visive (scultura, fotografia, disegno)
3. Sezione Musica e Canto (opere originali)
4. Sezione Coreutica
Ciascuna sezione è divisa in due categorie: under e over 18 anni.
L’organizzazione per questa edizione della rinascita ha messo in palio prestigiosi premi:
Sezione Letteratura, le opere saranno raccolte in un ebook distribuito sulla webkiosk di Yumpu, come
allegato alla rivista TuttoBallo. Shooting fotografico realizzato dalla fotografa Monica Irma Ricci.
Sezione Arti visive, le opere saranno raccolte in un catalogo on line allegato alla rivista TuttoBallo.
Shooting fotografico realizzato dalla fotografa Monica Irma Ricci.
Sezione Canto, le migliori 10 composizioni entreranno a far parte del terzo volume di “DilloAllaDanza
2022”, distribuito in tutti i digital store dalla label Always - Pomodoro Studio. Contratto con l’etichetta
indipendente Tilt Music Production. Shooting fotografico realizzato dalla fotografa Monica Irma Ricci.
Sezione Coreutica. Borsa di studio di un mese presso Barcelona Ballet Project
WorkShoop di una settimana presso International Creative Hub Roma.
Shooting fotografico realizzato dalla fotografa Monica Irma Ricci.
L’artista partecipa al concorso, a numero limitato, iscrivendosi sul sito www.dancematick.ite inviando in
allegato le proprie opere nel formato richiesto dal regolamento.
Inoltre, la documentazione dovrà essere inoltrata in copia a dilloalladanza@gmail.com
Il Concorso “DILLOALLADANZA” è rivolto a ballerini, artisti, alunni e persone comuni maggiorenni e
minorenni che amano esprimere l'amore per la danza attraverso tutte le arti: letteratura, poesia, pittura,
fotografia, musica e danza. Le presentazioni delle opere scadono il 10/04/2022 iscrivendosi sul sito
dancematick.it e inoltrando l’elaborato anche a: dilloalladanza@gmail.com
Le premiazioni di "DILLO ALLA DANZA" si terranno il 30 Aprile 2022, presso il CASO Centro Artisti
Opificio Siri - Teatro Secci - Terni nel rispetto delle normative Covid-19.

DILLO ALLA DANZA" CONVEGNO NAZIONALE
Appuntamento nazionale per discutere sul futuro dell’arte in Italia, con illustri personaggi del mondo
dell’arte. Questa emergenza-pandemia e la crisi, già in atto ma di deflagrante e persistente durata, stanno
dimostrando quanto l’Italia abbia bisogno di nuova valorizzazione a partire dai suoi Beni Artistici e Culturali
e dai suoi artisti, troppo spesso dimenticati nei vari piani di ricostruzione oltre che nelle Unità operative di
pronto intervento; in questa miope visione del Futuro manca la concezione di una progettazione condivisa,
partecipata ai processi di (ri)costruzione ed è assente l’Arte.
Media Partner SoloMente diretto da Francesca Meucci e TuttoBallo la rivista edita dall’associazione
Stefano Francia EnjoyArt e distribuita gratuitamente sulla webkiosk Yumpu.

Si riprende da dove ci eravamo lasciati…
Eugenia Galimi
Vice Direttore
Ci eravamo lasciati precisamente nel mese di febbraio di due anni fa con l’esibizione per il Carnevale 2020
- come sempre organizzata dal Maestro Filippo De Salvo in collaborazione con l'Asc - presso il Centro
commerciale "Porto Bolaro" di Reggio Calabria. Nessuno di noi poteva ancora immaginare cosa sarebbe
successo a distanza di poche settimane: ci sentivamo comunque ed erroneamente protetti da un virus
sconosciuto e, fortunatamente, geograficamente lontano.
Ricordo ancora la comunicazione televisiva di qualche giorno dopo riguardante il lockdown, la corsa ad
accaparrarsi un posto sull'ultimo treno, pullman o aereo disponibile per rientrare a casa dai propri affetti e
l'angoscia che ci chiudeva il petto per una cosa che non conoscevamo, che non capivamo ma che,
sicuramente, era più grande di tutti noi.
Nonostante tutto, però, dopo due anni di chiusure, riaperture, regioni a colori, vittime e vaccini, lunedì
scorso 28 febbraio 2022 - con molta felicità e ancora qualche apprensione - lo stesso Team Asc ha voluto
riproporre lo spettacolo carnevalesco come un inno alla vita, una testimonianza della voglia di ricominciare
nonostante mascherine, distanziamento e gel sanificante. La nutrita partecipazione di ballerini e pubblico
ha testimoniato che, dopo due anni di restrizioni, nonostante la lunga chiusura di tutte le palestre,
l’abbandono della pratica sportiva da parte di molti atleti e la chiusura definitiva di molte associazioni e
scuole di ballo - oberate di spese senza alcuna entrata - la voglia di ballare e di veder ballare è ancora
veramente tanta. Ed è proprio su questa voglia che il virus non ha potuto spegnere, che tutto il mondo della
Danza sportiva deve puntare per rinascere dalle sue stesse ceneri come l’Araba fenice

Tempi
Bui
Sandro Mallamaci
Tempi bui, a cui non eravamo certamente preparati, noi europei.
Dopo la seconda guerra mondiale, a pochi anni dal termine dell’altro conflitto devastante, la prima, l’idea principale che
ha pervaso i popoli europei è stata quella di fare in modo che non si ripetessero quegli orrori causati da mire
espansionistiche di qualche capo popolo, o da idee secessioniste o da rivendicazioni di autonomie locali. Illuminati
governanti sono riusciti a sedersi attorno ad un tavolo per trovare il modo di convivere in pace.
Pur essendo l’Europa abitata da popolazioni con forti tradizioni nazionalistiche, si pensi alla Francia, alla
Germania, all’Inghilterra, da secoli uniti sotto la stessa bandiera, ma anche all’Italia che era nata dall’unione di
stati e staterelli, da sempre accomunati dai tempi dell’Impero Romano, si è costituita l’Unione Europea in cui ci
si è riconosciuti condividendo scelte e decisioni prese in forma democratica attraverso il Parlamento Europeo
in cui si trovano rappresentati tutte le nazioni. Non saremo mai un unico popolo, ma questa scelta ci ha consentito
di vivere in pace per più di ottanta anni. Intere generazioni non hanno quindi mai conosciuto direttamente gli orrori di
una guerra in casa propria. Si è dato sempre per scontato che le guerre raccontate in tv da noi non potessero mai
accadere. Tutt’ora è così. Ma il conflitto che è scoppiato all’inizio di marzo ci ha scosso profondamente. Innanzitutto le
ripercussioni sul piano economico ed energetico le stiamo subendo direttamente, ma anche sul piano umano perché
molte persone che vivono e lavorano in tutta Europa hanno origini e legami affettivi proprio con quei popoli che si
trovano a combattere una guerra che in molti non condividono, sia da un lato che dall’altro. Quei due popoli che da
sempre hanno vissuto in un precario equilibrio, in diffuse autonomie locali, ma condividendo cultura e tradizioni che si
sono inevitabilmente contagiate, e che da un giorno all’altro hanno scoperto di essere di nuovo nemici acerrimi.
Nell’immaginario di chi si interessa di arte e in particolare di danza, la Russia e le repubbliche dell’ex Unione
Sovietica sono tra le nazioni più rappresentative, con i teatri e le scuole di danza tra i più famosi e rinomati al
mondo, come il teatro di San Pietroburgo o il Bolshoi di Mosca. L’accostamento delle due nazioni oggi in
conflitto porta inevitabilmente alla memoria il ballo più caratteristico del popolo sovietico, l’hopak, la danza dei
cosacchi. Fatta propria dall’intera Unione Sovietica, in realtà è il ballo nazionale ucraino. Nota in tutto il mondo, è
una danza prevalentemente maschile molto energica, che veniva praticata già all’inizio del XVI secolo e ha tra
le sue varianti l’hopak marziale. Nell’hopak viene usato tutto il corpo: chi lo pratica deve essere robusto ma
molto agile, abile anche nel maneggiare armi e oggetti, oltre a saper cantare.
È una danza che ricorda le arti marziali e in Ucraina viene tramandata in scuole che creano veri e propri atleti; la più
importante è il Balletto Statale che ha anche la finalità di tramandare la tradizione delle danze cosacche e del folklore
ucraino, che come tutte le tipiche danze russe e ucraine sono ballate dagli uomini indossando lunghe casacche
decorate e i pantaloni larghi infilati negli stivali, accompagnati da pugnali e sciabole, e dalle donne che indossano vesti
ricamate, gonne ampie, copricapo e foulard abito dalle tinte più vivaci. Il Hopak si sviluppò inizialmente nelle terre
dell’Ucraina attuale già dal 16esimo secolo da formazioni militare, per celebrare vittorie dopo cruente battaglie.
Gli esecutori erano quindi i giovani mercenari e non dei veri ballerini professionisti; per questo i passi di ballo erano
prevalentemente improvvisati, con lo scopo unico di dimostrazione di virilità ed eroismo con ripetuti salti acrobatici per
simulare le lotte sul campo di battaglia, con vere spade e lance. Sembra quasi rappresentare l’identikit di questi popoli
di tradizione guerriera sempre in lotta tra di loro. Basta navigare sui motori di ricerca per trovare tanti video di gruppi di
ballo che si esibiscono in questa particolare forma di danza; molti in luoghi aperti delle città che oggi sono devastate dai
bombardamenti. Le immagini di dolore e sofferenza della gente in fuga che i media ci propongono tutti i giorni stridono
con quelle che fino a qualche settimana fa erano solo di allegria e voglia di vivere in pace. Nella speranza che non si
generi una escalation e che tutto quello che vediamo adesso non interessi un’area più ampia dell’Europa, ringraziamo
quei popoli e i loro rissosi e irresponsabili governanti per averci regalato altri momenti tristi di questi anni, come se la
pandemia, che ancora non è stata superata definitivamente, non fosse stata già abbastanza. Verrebbe da dire: chi è
causa del proprio mal…

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Il Lago dei Cigni e il Romae Capital
Ballet nella magica Arabia
Antonio Desiderio Artist Management torna dopo due anni in tour e con il
suo Romae Capital Ballet metterà in scena a Riyadh in Arabia Saudita il
famoso balletto in tre fantastiche serate dal 29 al 31 marzo.
Dopo i grandi successi della tournée del 2019 che ha visto impegnata la
compagnia per più di 25 recite in tutta la Cina, Antonio Desiderio, manager
internazionale di danza e fondatore del Romae Capital Ballet, torna
nuovamente in scena con il grande classico"Il Lago dei Cigni" con le
coreografie di Maria Grazia Garofoli, già Direttore del Corpo di Ballo della
Fondazione Arena di Verona, riprese per l'occasione da Sabrina Bosco,
Maitre du Ballet e Coreografa Internazionale qui affiancata da Federico
Mella. La compagnia, ricostituita con un organico di 40 persone, sarà infatti
impegnata per diverse recite nella città di Riyadh, in Arabia Saudita, nel
grande Teatro Open Air della Capitale e vedrà la partecipazione
straordinaria delle due etoiles Marta Petkova e Nikola Hadijtanev, Primi
ballerini del Teatro dell'Opera di Sofia, nei ruoli della Principessa Odette e
Principe Siegfried.
"Siamo tutti molto emozionati nel ripartire con questa produzione ed in una
città come Riyadh in cui la danza e l'arte sono molto sentite ed attese. In
fondo credo che il nostro compito primario sia quello divulgare cultura in
ogni parte del mondo" afferma Antonio Desiderio.
I costumi dello spettacolo sono affidati alla storica sartoria partner da tempo
di Antonio Desiderio, Triunfo Dance di Pasquale Triunfo, che per
l'occasione ha rivisitato i costumi dei 24 Cigni in un nuovo elegantissimo
design, mentre luci e proiezioni dello spettacolo sono affidate a Luigi
Magnani. Attesa altissima per la compagnia e tutti i loro interpreti con
biglietti esauriti da gia da tempo. Una ripartenza quindi ancora una volta
che, con Antonio Desiderio, porta l'Italia all'estero in una posizione di
assoluto prestigio e rilievo.

Il manager di balletto internazionale Antonio Desiderio dopo la tournée in Arabia Saudita con Il Lago Dei Cigni porta in scena un altro
progetto a cui tiene tantissimo, il Mas alla de la Oscuridad nel prestigioso Teatro Apolo di Barcellona. La danza in questo spettacolo
non è solo strumento di bellezza e di tecnica, ma anche mezzo di comunicazione di scottanti argomenti sociali dato che viene
raccontata la lotta contro la violenza sulle donne. La creazione coreografica dello spettacolo è a cura dei coreografi internazionali
Emanuela Campiciano e Gino Labate con “Mas de la Oscuridad” che andrà in scena nella caldissima Catalogna dal 31 Marzo al 03
Aprile. "Mas allá de la oscuridad" è uno spettacolo di danza contemporanea che fa capo a un più ampio progetto di
sensibilizzazione, informazione e prevenzione contro la violenza sulle donne, portato in scena dal Barcelona Ballet Project - The
Company, compagnia di danza contemporanea composta da giovani danzatori tra i 18 e i 24 anni, e la direzione artistica è affidata
proprio a Gino Labate ed Emanuela Campiciano. Obiettivo del progetto è sensibilizzare il pubblico sul valore della vita e su come va
tutelata e valorizzata, comprendere che uno stile di vita lontano dalla violenza può migliorare le relazioni interpersonali e il rispetto
per gli altri. La danza per soddisfare questo fine diviene un veicolo forte, ricco di significato ed espressione, un mezzo attraverso il
quale lo spettatore rivive un'importante riflessione sui sentimenti di amore, amicizia, amore materno, energia positiva. Il progetto è a
cura di Antonio Desiderio Artist Management, il quale afferma: “Sono felice di poter portare dopo un lungo lavoro, questo progetto sul
palcoscenico del Teatro Apolo. In una città multietnica come quella di Barcellona, il pubblico potrà usufruire di una serata di grande
danza contemporanea che permetterà una riflessione e soprattutto interrogarci con noi stessi sul valore del concetto donna.” Una
coreografia di spessore quindi, non solo da un punto di vista tecnico ma anche umano, che vuole far riflettere su questo tema che
purtroppo rappresenta una piaga sociale che ci affligge da troppo tempo e probabilmente non viene sanzionato nella giusta maniera.

Concerti Museo Del Saxofono
A Fiumicino (RM) riprendono con la primavera, al Museo del Saxofono, i concerti
settimanali della stagione 2022.Una grande e doppia opportunità, per chi non
conosce ancora questo giovane spazio espositivo, che oltre a proporre musica di
grande qualità con interpreti di assoluto spessore, offre la possibilità di ammirare da
vicino la collezione di saxofoni più grande del mondo. A tale proposito, sabato 9
aprile alle ore 18, verrà presentato in anteprima il catalogo ufficiale del Museo,
realizzato con il contributo della Regione Lazio: frutto del grande lavoro di
acquisizione, studio e di ricerca svolto da Attilio Berni sugli strumenti delle Collezioni
del museo. L’opera si è avvalsa del contributo di prestigiosi esperti internazionali del
settore; un volume prestigioso di grande formato che include numerose immagini di
qualità, approfondimenti e notazioni tecnico-descrittive delle varie metamorfosi dello
strumento che si intrecciano con le storie personali degli inventori e dei musicisti che
lo hanno imbracciato. In relazione alla stagione musicale primaverile 2022, si inizierà
sabato 26 marzo con i Big Night Players, orchestra che celebra la cultura italoamericana
proponendo l'energia assoluta dello swing mescolata alla musicalità
frenetica e ritmica degli anni ’50-’60. La formazione è composta da Francesco Sofia
(voce), Andrea Pedroni (sax tenore), Carlo Capobianchi (tromba), Walter Fantozzi
(trombone), Paolo Bernardi (pianoforte), Giordano Panizza (contrabbasso), Marco
Della Torre (batteria).
Domenica 3 aprile, per celebrare il grande repertorio del Gospel, musica nata per
dare energia al corpo e speranza all'anima, sarà di scena Gospel Energy, con Dimitri
Espinoza Grechi al sax tenore e Paolo “Pee Wee" Durante all’organo Hammond.
Sabato 9 aprile, presentazione di Saxophones, catalogo del Museo del Saxofono con,
a seguire, il concerto del Classic Jazz Quintet costituito da Attilio Berni (saxofoni),
Maurizio Oriente (tromba), Alessandro Crispolti (pianoforte), Christian Antinozzi
(contrabaso) e Alfredo Romeo (batteria)
Sabato 23 aprile saranno protagonisti i musicisti del Big Block City, titolo dell’ultimo
lavoro di Angelo Trane & Andrea Rongioletti, totalmente composto e realizzato
durante il periodo del “lockdown”. Il repertorio, che abbraccia sonorità jazz/smooth
con melodie mediterranee spesso influenzate da sonorità afroamericane, sarà
eseguito insieme a Letizia Liberati, voce solista.
Sabato 7 maggio la Ciribiribin Italian Swing Orchestra composta da Coky Ricciolino
(voce), Andrea Tardioli (Clarinetto e Sax), Dario Pierini (Piano), Flavia Ostini
(Contrabbasso), Antonio Donatone (Batteria) proporrà il concerto Do You speak
Italiano, un viaggio tra melodie indimenticabili, dedicato ad artisti come Alberto
Rabagliati, Bruno Martino, Natalino Otto, Fred Buscaglione, il Trio Lescano e molti
altri.
A chiudere la rassegna primaverile, sabato 21 maggio, il quartetto capitanato da
Susanna Stivali con un progetto interamente dedicato all’enorme e diversificato lavoro
del poeta, scrittore, autore e compositore Chico Buarque de Hollanda. La cantante,
considerata una delle piu interessanti voci del panorama jazz italiano ed
internazionale, si esibirà in Caro Chico accompagnata da Alessandro Gwis
(pianoforte), Marco Siniscalco (basso elettrico e contrabasso) e Marco Rovinelli
(batteria). Tutti i concerti (esclusi quelli di domenica 3 e sabato 9 aprile), si
svolgeranno alle ore 21:30 al costo di € 15 e saranno anticipati, per chi lo desidera,
da un’apericena a pagamento al costo di € 15. L'entrata del pubblico sarà disposta in
base ai vigenti regolamenti ministeriali sulle norme anti-Covid.

F A R Ó C U L T U R A
Presentato a Roma il programma nazionale EDU 2022 dell’Associazione Italiana giovani per l’UNESCO
È stato presentato a Roma, presso l’università LUISS, il Programma Nazionale EDU 2022 che vede l’Associazione Italiana
Giovani per l’UNESCO coinvolta nell’ambizioso obiettivo di creare nuovi legami tra scuole, istituzioni e realtà
imprenditoriali innovative, con maggior attenzione verso quelle giovanili, per cercare di ampliare le conoscenze verso le
opportunità di sviluppo sostenibile. La sesta edizione di EDU, dal titolo “Farò cultura” si propone di rispondere con
flessibilità, e al contempo in maniera concreta, alle diverse esigenze educative, collocandosi in un contesto sociale
pandemico in cui il benessere psico-fisico dell’individuo, il mantenimento e miglioramento della salute e del benessere
globale viene ad essere relazionato con la fruizione di un patrimonio identitario comune. Impegno primario di questa
missione è quindi quello di “fornire un’educazione di qualità, equa e inclusiva, oltre all’opportunità di apprendimento
permanente per tutti, esattamente in linea con la cornice programmatica dell’Agenda 2030 per lo Sviluppo Sostenibile
adottata dell’ONU nel 2015 e, ancor prima, con la Convenzione per la Salvaguardia del Patrimonio Culturale Immateriale
dell’UNESCO del 2003.
I progetti EDU, per ogni regione italiana, sono iniziati il 24 marzo scorso attraverso specifici laboratori incentrati su diversi
argomenti il cui fil rouge è proprio la Cultura. Ogni territorio tratterà argomenti divisi...
Abruzzo - Una nuova veste per i Vestini. Patrimonio accessibile in 3D, lavori che entreranno a fare parte del “Museo
Tattile Diffuso” della Regione Abruzzo.
Basilicata - SEat, storie di territori e della loro dieta mediterranea. Elaboreranno quindi un ricettario digitale pensato per
le nuove generazioni.
Calabria - Photovoice & Paesaggio: un laboratorio per il monitoraggio civico del paesaggio dell’Area Grecanica, utile ad
apprendere l’uso della piattaforma Monithon per il monitoraggio civico dei progetti
Campania - AIGU on the road, imparare a promuoverne la fruizione attraverso la narrazione di alcuni siti culturali del
patrimonio territoriale urbano e rurale
Lazio – La Mia Scuola Creativa, con la collaborazione del partner Fondazione Cinema per Roma, approccio all’audiovisivo
come strumento di narrazione, imparando a sfruttarlo per raccontare la loro azione per una “Scuola Creativa”.
Liguria - Navigando farò cultura. Fari e Patrimonio costiero che rappresenta un patrimonio culturale condiviso, da rendere
accessibile attraverso un’operazione “ri-creativa”.
Lombardia - Luce sul Patrimonio UNESCO Lombardo, laboratori esperienziali che coinvolgono attività creative come il
teatro e l’archeologia sperimentale, per fruire del patrimonio divertendosi.
Marche - Farò RigenerAzione. Rigenerazione culturale, che diventi uno stimolo alla cittadinanza attiva e inclusiva, garante
di benessere sociale e ambientale.
Molise - L’Incontro. Frammenti Identitari, integrazione delle minoranze etniche.
Piemonte – Il paesaggio come patrimonio culturale identitario. Langhe, Roero e Monferrato, patrimonio culturale
riconosciuto dall’UNESCO nel 2014.
Puglia - La conoscenza di mezzo: tra reale e digitale
Sardegna - IIHE. Innovative Intangible Heritage laboratorio formativo sulla tutela e la salvaguardia del patrimonio
immateriale regionale, tra tradizione e innovazione.
Sicilia - Oltre l’Opera dei Pupi. Nuove prospettive di inclusione sociale
Toscana – Old but Gold, laboratorio di valorizzare e rilanciare l’artigianato e i mestieri d’arte in generale, con il beneficio
di un’economia sostenibile per le generazioni future.
Umbria - Heritage: ‘trekking for life’. Nuovi possibili racconti del territorio e del suo patrimonio culturale, materiale e
immateriale, attraverso il linguaggio grafico e le nuove tecnologie.
Valle D’Aosta - L’immatériel vive! Riscoperta del territorio regionale, mappando le usanze e le tradizioni valdostane e
raccontandole tramite installazioni interattive su statue, monumenti, piazze e strade.
Veneto - Veneto: In-Tessere, laboratorio sul patrimonio materiale e immateriale dell’Alto Vicentino, per poi creare un
gioco di società finalizzato a valorizzare i luoghi storici e le dinamiche sociali legate al territorio.

Giovanni Bellini, Imago Pietatis, 1456 circa; Venezia, Fondazione Musei Civici di Venezia,
Museo Correr. 2021 © Archivio Fotografico - Fondazione Musei Civici di Venezia
Donatello, Amore-Attis, 1435-1440 circa; Firenze, Museo Nazionale del Bargello. Su
concessione del Ministero della Cultura - Foto Bruno Bruchi
Fino al 31 luglio 2022 la Fondazione Palazzo Strozzi e i Musei del
Bargello presentano Donatello, il Rinascimento, una mostra storica e
irripetibile che mira a ricostruire il percorso eccezionale di uno dei maestri
più importanti e influenti dell’arte italiana di tutti i tempi, a confronto con
capolavori di artisti a lui contemporanei quali Brunelleschi e Masaccio,
Mantegna e Giovanni Bellini, ma anche successivi come Raffaello e
Michelangelo.
La mostra, evento culturale di punta del 2022, nasce come
celebrazione del grande maestro per allargare la riflessione su questo
artista rivoluzionario nei materiali, nelle tecniche e nei generi.
Scultore supremo del Quattrocento – tra i secoli d’oro dell’arte italiana – e
prediletto della famiglia Medici, insieme a Brunelleschi e Masaccio,
Donatello diede il via alla straordinaria stagione del Rinascimento,
proponendo nuove idee e soluzioni figurative che hanno segnato per
sempre la storia dell’arte occidentale. Attraverso le sue opere Donatello
rigenera l’idea stessa di scultura, con una potenza di visione unica in cui
unisce le scoperte sulla prospettiva e un concetto totalmente moderno di
umanità. La dimensione psicologica dell’arte di Donatello abbraccia in
tutta la loro profondità le più diverse forme delle emozioni, dalla dolcezza
alla crudeltà, dalla gioia al dolore più straziante.
Curata da Francesco Caglioti, professore ordinario di Storia dell’Arte
medievale presso la Scuola Normale Superiore di Pisa, Donatello, il
Rinascimento ospita circa 130 opere tra sculture, dipinti e disegni con
prestiti unici, alcuni dei quali mai concessi prima, provenienti da quasi
sessanta tra i più importanti musei e istituzioni al mondo come la
National Gallery of Art di Washington, il Metropolitan Museum of Art di
New York, il Victoria and Albert Museum e la National Gallery di Londra, il
Musée du Louvre di Parigi, gli Staatliche Museen di Berlino, il
Kunsthistorisches Museum di Vienna, le Gallerie degli Uffizi, la Basilica di
Sant’Antonio a Padova e le basiliche fiorentine di San Lorenzo, Santa
Croce e Santa Maria Novella.
Distribuita su due sedi, Palazzo Strozzi e il Museo Nazionale del
Bargello, la mostra propone un viaggio attraverso la vita e la fortuna
di Donatello articolato in quattordici sezioni. Si inizia dagli esordi e dal
dialogo con Brunelleschi, proponendo il confronto tra i due celebri
Crocifissi lignei provenienti dalla Basilica di Santa Croce e da quella di
Santa Maria Novella. Si procede poi attraverso i luoghi per cui Donatello
ha lavorato (Siena, Prato e Padova, oltre a Firenze), trovando moltissimi
seguaci, entrando in dialogo con altri celebri artisti molto più giovani quali
Mantegna e Bellini, e sperimentando nei materiali più diversi le sue
formidabili invenzioni plastiche e scultoree. Conclude la mostra una
sezione speciale dedicata all’influenza di Donatello sugli artisti a lui
successivi, tra cui Raffaello, Michelangelo e Bronzino, testimoniando così
l’importanza capitale della sua opera per le vicende dell’arte italiana.
Donatello, Madonna col Bambino (Madonna del Pugliese - Dudley), 1440 circa; Londra,
Victoria and Albert Museum

di Assia Karaguiozova
Un dinamismo tra forme incisive e
colori vivaci nei volti di Giovanni
Tagliavini. Mostra milanese, curata
da Jean Blanchaert
Giovanni Tagliavini, dopo un lungo
percorso trentennale, ha trovato
la sua impeccabile cifra
stilistica, quella che gli
consente di essere pittore,
maestro del colore, psicologo,
sociologo,
umorista e antropologo della
nostra società.
I suoi lavori su carta sembrano
magicamente tridimensionali, quasi
fossero sculture in legno.
Disegna, scannerizza, usa
sapientemente Photoshop e alla
fine ottiene un quadro digitale.
Il file rimane nel suo archivio,
ma il dipinto in questione, perché
di dipinto si tratta, avrà una
tiratura a tre esemplari, come
accade per molti lavori
fotografici

di Assia Karaguiozova
Forme, prive di dettagli, che lasciano spazio all’immaginazione, luce che
emerge dal contorno. Racconta Emanuele Kind a Torino con i suoi ‘Animali
antichi’, curatela di Jean Blanchaert
Emanuele Kind:
"Avevo sei anni, feci il
mio primo disegno a
Colori su una lavagna.
Diplomato all’Accademia
di Belle Arti di Brera,
Con 100 su 110: perché
non avevo studiato.
Sotto le maestranze del
pittore cileno Rodrigo
Vergara divento adesso
indipendente."

di Assia Karaguiozova
La potenza della gioventù, raccontata
attraverso i volti puri di Kurt Ammann
La fotografia che conduce alla
riflessione
A VENEZIA - ZATTERE - fino al 14
Aprile, nell’incantevole Palazzo
Trevisan degli Ulivi, presso il
Consolato di Svizzera a Venezia
La Mostra fotografica: KURT AMMANN:
Youth - L’età dell’innocenza

di Assia Karaguiozova
Ai Weiwei, La Commedia Umana
Photo credit Daniele Peruzzi
Courtesy of the Artist and Berengo Studio
di Assia Karaguiozova
Installazione in vetro, da togliere il fiato,
perfettamente inserita nel contesto
delle Terme di Diocleziano - Museo
Nazionale Romano.
Un forte e imponente urlo, che rompe
gli schemi e va oltre ad ogni pregiudizio.
L’arte come strappo dell’anima.
Produzione di Berengo Studio,
Fondazione Berengo, di Adriano
Berengo

di Assia Karaguiozova
Nei delicati toni della laguna una nuova luce per il
classico goto veneziano. La tradizione rivive attraverso
le trasparenze del vetro.
L’arte a tavola di Maurizio Toso Borella (designer
vetraio) per New Murano Gallery, lavorazioni presso
l’Atelier Muranese.

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Sono oltre 2 milioni gli spettatori che in Italia e in Europa hanno già
vissuto le grandi emozioni di "Jesus Christ Superstar", il Musical di
Massimo Romeo Piparo considerato un vero e proprio fenomeno
internazionale, prodotto dalla PeepArrow Entertainment nella versione
originale di Andrew Lloyd Webber e Tim Rice, che a Pasqua dal palco
del Sistina inizierà un nuovo, imperdibile tour italiano. Straordinario
protagonista di un cast di incredibile talento sarà ancora una volta il
carismatico Ted Neeley, il Gesù originale del celebre film di Norman
Jewison del 1973, chiamato a dare volto, corpo e voce a un
personaggio che rinnova un mito eterno, il cui messaggio di pace,
spiritualità e dialogo è oggi più che mai necessario.
La “resurrezione” di Cristo sul palcoscenico sarà emblema di rinascita,
dopo la catastrofe umana e culturale lasciata dalla pandemia, e anche
ora che si sta consumando l’ennesima, sanguinosa guerra.
Tra le assolute novità del 2022, l'esordio di Frankie Hi-Nrg nel ruolo di
Erode, per la prima volta in versione hip-hop. Precursore italiano del
genere (è stato il primo italiano a pubblicare un brano hip-hop per una
major nel 1992), Frankie Hi-Nrg vestirà infatti i panni di un
personaggio che evoca tristemente la tremenda attualità di un
“comandante” egoista e concentrato su se stesso al punto di
trascurare il reale interesse del proprio popolo e del Regno che
dovrebbe rappresentare.
Nel suo essere veicolo di valori eterni e positivi, attraverso il racconto
della passione di un uomo-simbolo capace di fare della spiritualità la
sua bandiera rivoluzionaria, lo spettacolo non poteva non
rappresentare anche l'immane tragedia a cui il mondo assiste ormai
da settimane e offrire con il linguaggio universale dell'arte la propria
vicinanza all'Ucraina. Scandendo il tempo della incalzante musica
nella scena delle 39 frustate inferte a Gesù, saranno dunque
proiettate le ormai mitiche 39 immagini di martiri contemporanei, con
un “nuovo”, potente finale che sarà il grido di dolore del popolo
ucraino.
TO
Con l’Orchestra dal vivo diretta dal Maestro Emanuele Friello e un
cast di oltre 30 artisti, la storica edizione italiana firmata Piparo, in
scena dal 1994, oltre Roma (Teatro Sistina dal 6 al 17 aprile) toccherà
nel corso del 2022 molte città italiane: Firenze (Teatro Verdi dal 22 al
24 aprile), Bari (Teatro Team dal 30 aprile al 1 maggio), Bassano del
Grappa (Pala Bassano 2, 6 maggio) Genova (Politeama Genovese,
dall’11 al 14 maggio), Torino (Teatro Colosseo dal 17 al 19 maggio),
Reggio Emilia (Teatro Municipale Valli dal 27 al 29 maggio), Bologna
(Teatro EuropAuditorium dal 31 maggio al 1 giugno), Parma (Teatro
Regio dal 7 all’8 giugno).
Con il suo imponente e spettacolare allestimento, lo spettacolo, in
scena in lingua inglese, non solo celebra il talento ma rende onore
all'Italia sui palcoscenici internazionali, dimostrando che il nostro
Paese ha raggiunto ormai livelli competitivi in termini di qualità
artistica e professionalità nel musical. Ne sono prova i sold out e le
standing ovation a scena aperta che da anni accompagnano lo
spettacolo, così come il prestigioso MusicalWorld Award, uno dei
riconoscimenti internazionali più autorevoli nell'ambito del musical,
che ha premiato il Jesus Christ Superstar prodotto dalla PeepArrow
Entertainment di Massimo Romeo Piparo come migliore produzione
internazionale in Olanda nel 2016.
Jesus Christ Superstar è un musical che non
conosce confini, capace di conquistare
spettatori di tutte le età e di ogni nazionalità.
12 anni consecutivi in cartellone nei Teatri
italiani dal 1994 al 2006; più di 1.600
rappresentazioni; oltre 2 milioni di spettatori
in Italia e in Europa; oltre 190 artisti che si
sono alternati nelle diverse edizioni. Tutto
combinato in modo perfetto con la musica
rock in stile anni '70. La tradizione del
musical e una storia dai valori universali

Il racconto, sebbene incentrato su una storia e su argomenti drammatici, è dotato
di forti elementi umoristici tipici della commedia romantica, insiti naturalmente
nella vicenda e nei suoi personaggi. "Mancino Naturale" genera un’alternanza di
dramma e ironia, tenuti insieme, in un’unica amalgama, da un’ambientazione e da
un registro espressivo realistico. Questo consente di indagare e raccontare
l’umanità e i drammi legati alla vicenda e ai personaggi, ma anche di sorridere, e
ridere delle loro debolezze, dei loro tic, e delle situazioni paradossali ed eccessive
che si vengono a creare di volta in volta. In questo senso il genere del film che
immaginiamo è quello che viene oggi propriamente definito "commedia
drammatica" o "dramedy". Un genere che per molti versi si rifà anche alla vecchia
commedia all’italiana, dove proprio all’interno di drammi importanti si originava un
tono umoristico: una mescolanza di dramma e commedia, che riflette la vita
quotidiana di tutti i giorni. In Italia un bambino su cinque (nell’età tra i 5 e i 16
anni) gioca a calcio nel circuito della FIGC, sperando di diventare il nuovo Totti o
Del Piero. A volte, ancor più che i ragazzi, sono i genitori i più accaniti perseguitori
dell'obiettivo, e pur animati dalle migliori intenzioni, capita che perdano di vista i
limiti di intervento nelle vite dei figli o che cadano vittime di ciarlatani e
approfittatori.
In Paesi come l’Italia, dove al calcio è data molta attenzione, non è raro che un
bambino che dimostra del talento venga spinto a mettere in primo piano la
carriera calcistica e a sacrificare tutto il resto. La realtà è però diversa da quella
che viene prospettata ai giovani calciatori, infatti solo uno su 5000 riuscirà a
sfondare, gli altri 4999 rimarranno nell’anonimato. Il mondo del calcio giovanile
diventa perciò una fabbrica di illusioni, costellato da personaggi la cui priorità non
è sempre la tutela e la formazione dei bambini. Sedicenti procuratori e faccendieri
senza scrupoli fanno leva sui sogni di gloria di bambini e famiglie per lucrare
promettendo occasioni e opportunità che molto spesso non possono garantire.
Mancino Naturale tocca sia temi umani universali (relazioni familiari, amore,
senso di colpa, redenzione) che temi più specifici (passione per lo sport, calcio,
difficoltà economiche), inseriti in un contesto realistico ed esplorati attraverso uno
stile di narrazione drammatico alleggerito da un tocco di commedia. Il risultato è
un prodotto sofisticato ma accessibile che si rivolge a un pubblico di tutte le età e
estrazioni sociali. Il nucleo del film è la relazione madre-figlio di Isabella e Paolo.
La storia parla della forza e la determinazione di una madre nel dare a suo figlio
un futuro migliore, ma esplora anche le sue debolezze e gli errori che ha
commesso in passato, rendendola un personaggio realistico e credibile in cui il
pubblico si può identificare. Il film parla anche del mondo del calcio giovanile, un
mondo fatto di sogni e opportunità ma con un lato oscuro. Con la costante
crescita dell’industria dal calcio, questo tema sta acquisendo sempre più visibilità
e popolarità: l’esempio più recente è il documentario “No hunger in Paradise”
(2018), basato sul libro dell’autore premiato Micheal Calvin.
MANCINO NATURALE
di
SALVATORE ALLOCCA
con
CLAUDIA GERINI
FRANCESCO COLELLA
MASSIMO RANIERI
ALESSIO PERINELLI
e
KATIA RICCIARELLI
Emma Film srl - Promenades Films sarls - Adler Entertainment in collaborazione con Rai Cinema

Dopo avervi presentato “Welcome Ballroom” anime sul mondo del ballo di
coppia, ( poco reclamizzata su Amazion, ma di grande impatto), vi presentiamo
in questo numero il primo adattamento anime in assoluto di un manga di George
Asakura (in Italia noto per Piece of Cake edito da Goen). Dance Dance Danseur
è incentrato su Junpei Murao, un adolescente che sin da bambino era
affascinato dalla danza classica, ma nel suo secondo anno di scuola media, suo
padre muore e lui decide di dover diventare più “maschile” per aiutare la famiglia,
rinunciando così alle sue aspirazioni. Pur avendo ancora un devozione per la
danza classica, Junpei si dedica all’arte marziale del Jeet Kune Do e diventa
popolare nella sua classe. Però un giorno arriva Miyako Godai, una nuova
studentessa figlia di una maestra di danza classica. Miyako si rende subito conto
che Junpei ha un portamento da ballerino e non sapendo nulla del passato del
suo compagno di classe lo invita nella scuola della madre per ballare con lei…
Dance Dance Danseur debutterà l’8 aprile su Amazon…

Alessandro Preziosi
protagonista della nuova
commedia di Fausto Brizzi
Bla Bla Baby

Alessandro Preziosi è Luca, uomo affascinante e perspicace, costretto a
quarantacinque anni a lavorare all’interno di un asilo nido in una grande azienda,
la Green Light, dopo una vita passata a inseguire il successo senza alcun
risultato. Tra i suoi sogni c’è sicuramente Silvia (Matilde Gioli), splendida e
giovane madre in carriera: ogni mattina i due si incontrano all’asilo, quando la
donna lascia il piccolo Martino nelle mani di Luca e delle sue colleghe Celeste
(Maria Di Biase) e Doriana (Chiara Noschese). I tre, ogni giorno, si trovano ad
affrontare i piccoli dei dipendenti della Green Light, tra continui pianti, urla e
l’impossibilità di instaurare un vero rapporto di comunicazione con i bambini,
incapaci di parlare. O almeno così, fino al giorno in cui Luca, a casa dell’amico
e scienziato Ivano (Massimo De Lorenzo), mangia un omogeneizzato alla
platessa “contaminato” e appena ritirato dal commercio. Il giorno dopo, tornato
all’asilo dopo una notte insonne, le voci incomprensibili dei bambini diventano
per Luca parole di senso compiuto: con suo grande stupore, li sente parlare. Da
qui, insieme ad Ivano, gli viene l’idea per una nuova App Bla Bla Baby, con cui
diventare finalmente ricco usando il nuovo “dono” per i suoi scopi. Come provare
ad entrare nelle grazie di Silvia, sebbene il piccolo Martino si dimostra più furbo
della sua età ostacolando continuamente l’agguerrito quarantenne. Con il tempo
però Luca impara a conoscere i pargoli dell’asilo, scoprendo casualmente il
piano ordito da Mattia De Bortoli (Cristiano Caccamo), amministratore delegato
della Green Light e amante di Silvia, per mandare in bancarotta l’azienda e
scappare all’estero con diversi brevetti e idee, tra cui l’Ape Robot di Ivano. In
balia dei suoi stessi sotterfugi, Luca sta per gettare la spugna, ma sono gli stessi
bambini a dargli il coraggio di salvare l’azienda e conquistare finalmente il cuore
di Silvia...
BLA BLA BABY
un film di
FAUSTO BRIZZI
prodotto da
LUCA BARBARESCHI
con ALESSANDRO PREZIOSI-MATILDE GIOLI-
MASSIMO DE LORENZO - MARIA DI BIASE -
CHIARA NOSCHESE
CRISTIANO CACCAMO - NICOLAS VAPORIDIS -
NINA TORRESI
NICO DI RENZO - FABRIZIO NARDI

Lo spettacolo IL PRISMA: Viaggio tra storia e leggenda del
capolavoro dei Pink Floyd “The Dark Side Of The Moon”, dove
Sergio Muniz omaggia uno dei dischi più venduti di sempre.
“Il Prisma” è uno spettacolo composito: l’attore Sergio Muniz
racconta l’Opera in maniera suggestiva, esplicitandone i
contenuti universali (la nascita, il tempo, il denaro,
l’incomunicabilità, l’alienazione, l’ingiustizia sociale, la morte,
la speranza), con la narrazione di temi, storie, aneddoti e delle
curiose e fortunate casualità che hanno contribuito a
modellare l’Opera stessa. Le parti narrate vengono seguite da
accurate e fedeli esecuzioni dal vivo dei brani dell’album,
grazie a otto musicisti, l’Experience Ensemble: Antonio Nasca -
voce, Clara Trucchi – voce, Valentina Ciaffaglione - voce,
Massimo Telli - tastiere, Andrea Di Pasqua – chitarre, Marco
Tardioli - batteria e percussioni, Cesare Ceo – sax e lap steel,
Stefano Nori - basso e cori.
L’esecuzione di ogni brano è integrata da immagini e luci che
ne aumentano l’impatto emotivo.
Alla base del progetto, diretto da Stefano Nori e Massimo Telli,
vi sono anni di ricerche bibliografiche e giornalistiche; uno
studio attento della partitura, delle sonorità e delle soluzioni
tecniche di allora (1973) e di oggi (2022) da riproporre in
modo comparativo al pubblico con la consapevolezza che
ancora oggi, dopo 49 anni dalla sua realizzazione, The Dark
Side of the Moon rappresenti un’opera sublime e viva, che ha
attraversato e coinvolto emotivamente generazioni e che non
accenna minimamente a perdere la sua spinta emotiva. La
scelta è quella di un approccio rispettoso sia della partitura che
delle sonorità, riproponendo fedelmente l’Album nella sua
versione originale. Per concludere: un magico “Prisma” grazie
al quale ognuno può scegliere il colore con cui vedere il
proprio “Lato Oscuro Della Luna”.
“Il Prisma” farà tappa a:
9 Aprile - Teatro Tognazzi , Velletri (RM)
20 Maggio - Cineteatro Fanin, San Giovanni in Persiceto (BO)
27 Maggio - Teatro Puccini, Firenze
15 Luglio - Anfiteatro Romano, Terni
21 Ottobre - Teatro Moderno, Grosseto
11 novembre – Teatro 4 Mori- Livorno

Da quanti anni siete in coppia nel ballo e nella vita?
Ci siamo conosciuti nel Gennaio del 1997 a Bornemouth Inghilterra allo UK Campionship dove è iniziata la
nostra carriera insieme. Siamo diventati coppia anche nella vita il 7/7/1997 e ci siamo sposati nel Novembre
del 2003 e siamo ancora insieme!!! Fai tu i conti di quanti anni sono!
Hayden vostro figlio, balla pure ha scelto di fare altro?
Hayden ha iniziato a ballare a 6 anni e ha fatto alcune gare, con vittorie e ottimi risultati in genere ma poi ha
scelto circa 3 anni fa di fare tutt’altro. Ha scelto Hockey su ghiaccio e al momento è sotto contratto con le
giovanili degli Ontario Reigns. Quando ha tempo (poco) fa ancora qualche lezione di danza come extra e
come seconda passione, ma è totalmente coinvolto nell’Hockey 6 giorni a settimana.
Come vi siete innamorati? Galeotto fu il ballo anche per voi….
Qui la cosa si complica un pochino. Torno indietro nel lontano 1992 nella mia prima competizione a
Blackpool. Mi ricordo che stavo guardando la categoria professionisti e non riuscivo a staccare gli occhi
dalla coppia degli USA formata da Melissa Dexter and Rick Valenzuela, mi ricordo come fosse ora dire ai
miei amici che il mio sogno nella danza era quello di riuscire, un giorno, a ballare con una dama come
Melissa Dexter. Pochi anni dopo Espen Salberg mi chiese se volessi provare con lei. Una cosa simile è
successa anche a Melissa. Stava guardando il campionato Italiano dove io stavo ballando e le è stato
suggerito che sarebbe stata una bella idea ballare con me, pochi anni dopo…. e il resto è storia. Nei primi
giorni di prova non potevamo neanche avvicinarci, ogni volta che entravamo in contatto erano letteralmente
scintille. Scosse elettriche appena le mani si incontravano, è durata così per 3 giorni. Quando si dice
elettricità nell’aria. Sapere che eravamo fatti uno per l’altra non è stato così difficile.
Voi siete stati campioni italiani, danze latino americane, vice campioni di Showdance, finalisti europei
e mondiali… Quanto vi è costato lasciare la pista da ballo?
Penso si debba fare chiarezza sul fatto che quando uno lascia la pista lascia la gara, la competizione, ma
non la Danza. Ci sono altri modi per esprimere la propria passione. Io e Melissa abbiamo coreografato
anche per teatro e ballato in teatro, in film sia come coreografi che come ballerini. Le competizioni sono
state solo una parte della nostra vita di ballerini. Melissa ha avuto una carriera anche come ballerina di
danza classica etc… Lasciare le competizioni non è stato difficile, un giorno durante una competizione prima
di entrare in pista ci siamo guardati e abbiamo capito che non avevamo più interesse a partecipare alle
competizioni! L’amore per la danza è e sarà sempre dentro di noi, così come l’interesse nel migliorare e
capire sempre di più tutto ciò che concerne la vita di un ballerino. Per quello che riguarda cosa spinge un
atleta o ballerino a ritirarsi, pensiamo che sia una cosa decisamente personale. Per ciascuno di noi può
essere diverso.
Oggi siete insegnanti stimati e giudici internazionali… Quante volte rivedete nelle coppie che ballano
la vostra vita?
Entrambi abbiamo la tendenza ad andare sempre avanti e lasciare il passato dove si trova, alle spalle. Non
abbiamo la tendenza ad identificarci con le persone con le quali lavoriamo o vediamo in pista, preferiamo
aiutare ciascuno di loro a trovare la propria strada e personalità e a fare le proprie e uniche esperienze
dentro e fuori dalla pista.

Secondo voi, come è cambiata la danza in questi
anni?
Come tutte le cose, anche la danza ha sviluppato alcune
caratteristiche e ne ha mantenuto altre. Ci sono molte
più federazioni e scuole di pensiero che hanno concetti
di danza diversi e promuovono priorità diverse. Alcune
sono forse più sull’artistico altre più sull’atletico. Alcune
hanno sviluppato una struttura accademica più rigida,
sia nel modo di giudicare che nella preparazione e
crescita dei ballerini. Altre lasciano più libertà ai singoli
atleti e insegnanti, o alle singole scuole su come
sviluppare le varie carriere. Ci sono federazioni che
fanno parte del IOC pertanto prettamente in ottica
sportiva e altre che fanno danza come sport ma forse
meno organizzate in tal senso. Il che non significa che
non siano altrettanto valide sotto altri aspetti.
Decisamente oggi rispetto a quando eravamo noi in
pista ci sono molte più alternative, possibilità e
soprattutto una quantità e accesso ad informazioni
decisamente maggiori. Forse troppe. Unica differenza
costante che noto ovunque oggi, è la tendenza ad
acquisire una quantità di informazioni enorme, ma non
uno sviluppo approfondito dell’informazione acquisita.
Non viene dato tempo al ballerino o atleta, come lo si
voglia chiamare, di maturare. Troppa fretta di vincere,
senza preoccuparsi del come. Logicamente le risposte
sono intese in senso generale. Ci sono sempre
eccezioni! Ci sono molti più eventi a cui si può o si deve
partecipare, lasciando meno tempo per curare dettagli e
maturare. Dal punto di vista fisico decisamente, oggi
sono più ……tutto!
Da direttori artistici di una delle scuole di danza più
importanti in Americana, quali differenze notate tra
voi quando eravate allievi e i vostri allievi?
Le differenze penso siano dovute a quanto detto sopra.
Avevamo più tempo di capire, crescere, maturare,
curare i dettagli. Imparare da discipline diverse dalla
nostra per essere più completi. Non che ora non venga
fatto ma da meno coppie rispetto a prima. Atleticamente
oggi trovo i ballerini più preparati, hanno un supporto
maggiore da molti punti di vista. Organizzazioni (club o
federazioni) alle spalle, aiuti psicologici, facilità
nell’accedere alle informazioni, luoghi dove allenarsi e
molto altro. I costumi, l’alimentazione, i trucchi, le
musiche e quanto altro di livello superiore.
Melissa, come nasce una coreogorafia per uno
show?
Il fattore più importante è la mia ispirazione interiore. Mi
approccio allo show come a una nuova vita e come nella
vita ci sono differenti livelli di crescita, questo significa
per un coreografo che l’ispirazione cambia con la
crescita dello show. Ai primi stadi dello sviluppo la mia
ispirazione può essere influenzata dalla musica, dai
ballerini, dalle indicazioni del direttore, da qualcosa che
succede nel mondo adesso o che è successo in
passato. Questo accade indipendentemente dal fatto
che la danza sarà per uno spettacolo o per una
competizione.

Giacomo, qual è lo stato attuale della danza. Arte
o Politica?
La politica è ovunque e c’è sempre stata, non saprei
neanche se chiamarla politica o semplicemente
comportamento sociale di un cosmo a sé stante. La
cosa che si nota oggi è che tutti ne parlano o credono
di applicarla, ballerini di ogni età, livello, stile etc…
Prima era solo, forse, riservata ai livelli più alti e fatta
o controllata da poche persone. Il fatto che ci siano
così tante federazioni lo trovo deleterio. La divisione
non porta mai, a lungo termine, a niente di buono.Una
volta un campione del mondo aveva un titolo con
valore, in quanto quasi tutti, e decisamente i migliori,
partecipavano a quel singolo evento, Il campione era
uno. Oggi ogni federazione ha un campione ed al
momento sono tanti. Personalmente penso siano
troppi. I big pensano al proprio interesse? Alcuni ma
non tutti, come è sempre stato. Oggi come in tutti gli
sport o attività la quantità di denaro, persone,
interesse è maggiore e questo porta a dover gestire le
cose in modo diverso. C’è bisogno di strutture e
sistemi più organizzati. E un sistema all’inizio è
nell’interesse di ciò’ per cui viene creato, ma con il
tempo la priorità è la vita e il funzionamento del
sistema stesso, e ciò ne cambia le priorità. Esempio di
alcune federazioni dove i ballerini all’inizio sono la
priorità ma poi diventano secondari in quanto le
priorità con il tempo cambiano.
In America, nomi diversi ma stesse situazioni. Tutto il
mondo è paese.
Avete mai pensato di tornare a lavorare in Italia?
Giacomo torna spesso in Italia per lavoro, circa 4 o 5
volte l’anno. I suoi genitori vivono ancora in Italia
pertanto li va a trovare spesso. Melissa solo ogni
tanto. Hayden è indipendente ma non abbastanza da
lasciarlo solo troppo a lungo.
Cosa c’è nel futuro di Giacomo e Melissa?
Nel nostro futuro ci sono ancora tante idee e progetti
da portare a termine. Alcuni già a buon punto di
sviluppo, riguardanti benessere e spiritualità. Altri
ancora in fase di progettazione. La danza ovviamente
sempre una delle nostre passioni, ci tiene sempre
impegnati e attivi. Un’idea che entrambi coltiviamo è
quella di tornare a vivere in Italia, ma il quando e il
dove non sono ancora chiari. Ci sono altre cose da
realizzare prima.

Michela Cagnin

Presentati come fossi ad una audizione.
Mi chiamo Michela Cagnin, sono nata a Roma e lavoro come ballerina allo State Opera di
Stara Zagora, Bulgaria, dall’anno 2018/2019.
Non ho mai davvero pensato alla danza come una professione, quando ero piccola non
sapevo cosa avrei fatto da grande, ci sono sempre state tante cose che avrei voluto fare
per tutta la vita, ma poi si cresce e il nostro percorso personale ci porta a scegliere una via,
la mia è stata la danza, ma non solo.
Come hai iniziato a danzare?
Ho iniziato il mio percorso nel mondo della danza all'età di soli tre anni, i miei genitori mi
portarono a vedere una lezione di classico nella scuola di danza che si trovava di fronte a
dove lavorava mia madre. Ero ancora troppo piccola per partecipare ai corsi, non c’erano
lezioni di giocodanza, quindi la maestra disse ai miei che avrei solo assistito alla classe e
che magari, fra qualche anno, avrei potuto prendere parte ai corsi. Con sorpresa di tutti alla
fine della lezione la maestra Giorgia disse ai miei genitori che avrei potuto tranquillamente
partecipare alle lezioni dal giorno successivo, seguivo molto e l’unico ostacolo sarebbe
stato trovare una sbarra più bassa per me. Così ho iniziato a seguire i corsi di classico, mi
sono poi affacciata alla danza moderna a circa otto anni. Sin da subito le mie insegnanti
dissero ai miei genitori che avrei dovuto seguire le lezioni ogni giorno, con il mio corso e
con quello avanzato. Quando la mia prima scuola di danza chiuse per trasferirsi in un’altra
struttura i miei decisero di cercare una scuola di danza che avesse dei corsi più
professionali. Seguendo le indicazioni dei miei insegnanti. Feci l’audizione alla scuola
“Maison de la Danse” sotto la direzione del maestro Denis Ganio e rimasi nei corsi per un
anno. La maestra del mio corso, dopo avermi vista un paio di volte a lezione, parlò con i
miei genitori per la prima volta della scuola del Teatro dell’Opera di Roma, proponendo loro
di prepararmi per le audizioni ai primi corsi.
Come hai vissuto questa evoluzione di eventi?
Non mi resi davvero conto del mondo nel quale mi stavo addentrando fin quando non iniziai
i corsi, tutti i giorni, sabato compreso. Per una bambina di nove anni era difficile dover dire
di no alle uscite con le amiche o alle gite per dover seguire i corsi di danza. All’inizio non
capivo perché fosse così importante andare tutti i giorni in sala, in quel momento fu molto
importante mia madre che mi fece tenere duro fino alla fine del primo anno. Da lì in poi la
mia visione della danza cambiò, studiavo per diventare una ballerina professionista. Fu
molto difficile come percorso, non si piace mai a tutti gli insegnanti, molto di quello che ho
imparato in quella scuola lo devo sia agli insegnanti che non credevano in me e sia a quelli
che invece hanno sempre saputo che, con i miei tempi, ce l’avrei fatta anche io.
Il più grande insegnamento ricevuto?
Dopo sei anni di scuola fui bocciata, non so dire se sia stato un bene o un male, avevo
perso un po’ la motivazione, e quella porta che mi si chiuse in faccia, in realtà mi diede la
possibilità di guardare indietro, al percorso fatto fino a quel momento e alle possibilità che
ancora avevo di fronte a me. Spesso chi entra in scuole così prestigiose pensa che essere
bocciati sia la fine, che se si esce di lì senza un diploma, tutti quegli anni sono stati
sprecati. A me quella bocciatura è servita per farmi capire che questa volta non bastavano
le doti fisiche per continuare a ballare, ma dovevo sudare ogni singola lezione di danza da
lì in poi. È stato un percorso molto difficile, ma porto con me molti bei ricordi e tante
persone che sono ancora oggi molto importanti nella mia vita. Dopo la bocciatura a sedici
anni, iniziai a seguire delle lezioni private con i miei insegnanti Augusto Paganini ed
Elisabetta Intini, a loro devo moltissimo, sono riusciti con la loro passione per la danza e i
loro insegnamenti a trasformarmi da bambina a donna. Dopo un anno di lezioni decisi di
fare l’audizione per la scuola del Balletto di Roma per poter studiare sia classico che danza
contemporanea e confrontarmi di nuovo con altri ragazzi. Anche lì, ogni insegnate è stato
fondamentale per farmi guardare la danza con occhi diversi, dal primo all’ultimo, anche nel
momento più buio della mia vita, quando ho perso mia madre. Nessuno di loro ha smesso
di trattarmi come qualsiasi altro allievo, insegnandomi che lo spettacolo continua davvero,
che la vita non si ferma, che dobbiamo ringraziare per ogni minuto in cui possiamo fare
quello che vogliamo davvero. Dopo due anni di corsi ho conseguito il diploma ed è iniziata
la ricerca del lavoro.

E come è andata?
ro
È stato molto difficile trovare un posto di lavoro, ci sono sempre più ballerini e sempre
meno teatri. Ho fatto diverse audizioni in Italia, ma non ho mai davvero avuto voglia di
rimanere ancorata alle mie radici, forse tutto quello che avevo passato negli anni
precedenti mi aveva fatto capire che avrei dovuto sfruttare l’opportunità di poter lavorare
fuori, o forse cercavo solo di scappare dalla mia vecchia vita che in quel momento mi
stava stretta. Dopo due anni di ricerca, pensai di smettere di ballare, nessuna audizione
era andata bene e pensai di non essere abbastanza preparata tecnicamente per
nessuna compagnia, poi il mio migliore amico, Manuel, mi disse che Diana Ferrara, per
la quale lui lavorava da un anno, cercava una ballerina che in dieci giorni sostituisse la
protagonista dello spettacolo “Il Flauto Magico” che si sarebbe tenuto in due date a
Roma al Teatro Greco. Fu un lavoro estremamente stressante, le coreografie di Paolo
Arcangeli erano molto diverse rispetto a quello che avevo fatto fino a quel momento, ma
alla fine riuscii ad andare in scena e a godermi quel momento così magico. Dopo due
anni di lavoro con la compagnia Astra Roma Ballet, sono entrata nell’attuale teatro dove
lavoro da tre anni e mezzo. Non ero sicura di voler stare in un teatro d’opera dove si
lavorasse il repertorio, soprattutto venendo da una compagnia di
neoclassico/contemporaneo, fino a quando non sono salita sul palcoscenico con il Lago
dei Cigni. So che può sembrare il tipico cliché, la ballerina che si innamora della danza
con il Lago dei Cigni, ma quello fu davvero il mio primo spettacolo di repertorio, ricordo
perfettamente come fosse oggi quello che pensai mentre ero in scena, davanti a quella
platea piena, tremante per l’adrenalina e la stanchezza dei tre atti appena passati, dissi
a me stessa ‘questo è quello che voglio fare da oggi in poi’ e da quel giorno c’è stato
solo sudore, fatica, lacrime e tante soddisfazioni.
Come vedi il tuo futuro?
Nel futuro spero di ballare ancora, non sono mai stata soddisfatta di fare una sola cosa,
la vita mi ha insegnato che non bisogna mai accontentarsi finché c’è aria nei polmoni e
un tetto sulla testa.
Quali sono le passioni che riesci a unire alla danza?
C’era una promessa che avevo fatto molti anni fa a mia madre, avrei studiato
all’università, solo che la mia prima scelta non fu quella giusta, Beni Culturali non era la
mia strada, così decisi di iscrivermi all’università solo dopo aver ottenuto il primo
contratto in un teatro. La scelta di studiare Psicologia è stata molto semplice e naturale,
ero nella mia camera a Roma e guardavo i libri che avevo collezionato negli anni
passati. Ero sempre stata convinta di essere una persona che leggeva molti libri fantasy,
quando mi sono resa conto che su duecento volumi, almeno centoventi erano di
psicologia o materie umanistiche. Sono sempre stata un’aspirante psicologa, ma la
danza non mi ha mai lasciato un momento di respiro, non mi sono mai resa conto di
avere anche un altro talento fino a che non ho iniziato a studiare. Spero davvero che una
volta finita la carriera di ballerina, il mio nuovo inizio sia in uno studio privato, o in un
ospedale o chissà magari in un tribunale, ma so che voglio aiutare le persone, voglio che
ognuno abbia la possibilità di essere davvero felice, voglio sfruttare le mie capacità per
permettere alle persone che soffrono di vivere con dignità e di essere curate come
meritano, c’è ancora troppo scetticismo nei confronti delle cure psicologiche, il cervello è
un organo che va curato nel modo adeguato, sempre.
Quali consigli potresti dare alle giovani ballerine?
Alle giovani donne che sono lì fuori e vogliono intraprendere la carriera di ballerine voglio
solo dire di ricordarsi sempre da dove sono partite, guardarsi dietro fa sempre bene,
ognuna di noi ha il diritto di essere felice, qualunque professione si scelga. Spesso
mollare sembra la via più semplice, a volte è quella giusta, non importa il tempo passato
in sala, le delusioni, le lacrime, le occasioni perse, fin che fate ciò che vi rende felici non
è stato tempo perso. Vedo troppe ragazze dannarsi e perdere il focus vero della danza,
regalare emozioni, e so che non è facile nel mondo del lavoro, ma non è mai troppo tardi
per provarci. Ricordate di essere artisti e di coltivare sempre tutte le vostre passioni, non
siate ciechi alla vita e alle opportunità che vi riserba.
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Mirko
Luigi
Giannini
Ph. Monica Irma Ricci

Ph. Monica Irma Ricci
Ph. Monica Irma Ricci
Mirko Luigi Giannini, è nato a Napoli nell’aprile del 1999. Ha
vissuto sempre in un piccolo paese, Castel Volturno in provincia
di Caserta, e negli ultimi tre anni si è trasferito a Roma per
studio. Ha sempre avuto la voglia di ballare,
dichiara Mirko.
Alle età di 8 anni, Mirko entra per la prima volta dentro una
scuola “Profilo Danza” di Gloria Palazzo, dove studia fino alla
maggiore età. In seguito frequenta il corso di perfezionamento
professionale (CPP) dell’associazione Italiana Danzatori presso
Molinari Art Center di Roma, istituito da oltre 10 anni per
formare ballerini con corsi di alta formazione riconosciuti dal
Ministero per i Beni e le Attività Culturali e Turismo, grazie
all’assegnazione di una borsa di studio. Negli ultimi anni ha
avuto molte soddisfazioni, grazie ad una crescita personale e
fisica, a causa della pandemia le difficoltà non sono mancate, i
vari lockdown hanno inciso molto sull'allenamento, perdendo
così alcuni risultati che aveva ottenuto per poi ricominciare da
capo. Ma nonostante tutto Mirko non ha mai mollato, grazie alla
passione che ha per la danza! Ultimamente ha partecipato ad
alcuni spettacoli della "The Movement Company" e ha fatto
parte del corpo di ballo del "Christmas World Italy" che si è
tenuto lo scorso dicembre all'Auditorium Parco della Musica.
Per il futuro ci sono alcuni progetti in fase di costruzione con la
"Compagnia Nazionale del Balletto" del maestro Giacomo
Molinari.
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Mirko Luigi Giannini
Kamil Pawel Jasinshi
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Mirko Luigi Giannini
Kamil Pawel Jasinshi
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Mirko Luigi Giannini
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Kamil Pawel Jasinshi
Ph. Monica Irma Ricci

ALICE IN WONDERLAND
AL TEATRO ARCIMBOLDI MILANO
DA VENERDÌ 8 A DOMENICA 10 APRILE

“Alice in Wonderland”, tratto da “Alice nel paese delle
meraviglie” di Lewis Carroll del 1865 e rielaborato
nell'impianto estetico dal Circus-Theatre Elysium di Kiev, è
uno spettacolo per un pubblico di tutte le età, capace di
raccontare l’onirico intrecciando molte discipline: teatro
acrobatico, recitazione, danza, ginnastica acrobatica e arti
circensi. Alice, il Cappellaio Matto, il Coniglio, il Gatto del
Cheshire e la Regina Nera appariranno nella loro
interpretazione circense, sullo sfondo di straordinarie scene
3D, grazie ai giovanissimi acrobati-danzatori della compagnia.
La storia di Alice si arricchisce nella linea dell’amore - la
ragazza si innamora del Principe Azzurro ed entrambi gli eroi
devono superare ostacoli inimmaginabili. Una favola
romantica e strabiliante che saprà conquistare il pubblico del
TAM. CIRCUS-THEATRE ELYSIUM è la nuova arte
circense, luminosa ed elegante, nella quale le abilità fisiche
e espressive degli artisti si fondono con le più sofisticate
soluzioni scenotecniche. Fondato nel 2012, il CIRCUS-
THEATRE ELYSIUM è un circo collettivo che accoglie i più
esperti acrobati, ballerini e clown. Ha iniziato con pochi numeri
inseriti nello spettacolo Fairytale Show. Dopo il sold-out in
Francia, lo spettacolo si è trasformato in ALICE IN
WONDERLAND. È stato cosi applaudito in Ucraina e in
Russia, in Bielorussia e in Francia fino in Cina.
Il progetto è fondato da un gruppo di creativi della capitale
ucraina tra i quali Maria Remneva, direttrice del Circo
Nazionale dell’Ucraina e vincitrice di molteplici premi tra cui
tre medaglie d’oro e della competizione internazionale degli
artisti circensi a Parigi, Yuliia Sacharova, nota coreografa
ucraina insieme al direttore artistico Oleksandr Sacharov.
Show Bees ha aderito a una rete di solidarietà di alcuni
teatri italiani grazie alla quale gli artisti ucraini del Circus-
Theatre Elysium di Kiev potranno restare al sicuro in Italia
proseguendo la tournée iniziata in Italia l’8 febbraio prima
dell’inizio del conflitto.

Vi siete mai chiesti come è la quotidianità di una
persona che vive di arte?
Quando ero piccola era una curiosità che provavo a
soddisfare con l’immaginazione, ora invece ci vivo
dentro visto che mi sono sposata un
chitarrista/compositore poliedrico che vive
costantemente immerso nella musica e che, proprio
pochi giorni fa, ha pubblicato il suo nono album
intitolato “My Standars”, un lavoro musicale che ho
visto nascere e del quale conosco ogni attimo
creativo, o almeno quello manifesto, perché ciò che
avviene dentro l’animo dell’artista, solo lui può
cercare di raccontarcelo. È per questa ragione che
ho deciso di intervistare il chitarrista/compositore
Francesco Mascio, che oltre ad essere un fantastico
musicista è anche mio marito. Non vi aspettate però
la solita intervista, perché mentre io cercavo di
buttarla sull’ironia, Francesco professionale e serio
mi rispondeva come se fossi Lilli Gruber. Comunque
noi ci siamo molto divertiti a farla e spero che
questa allegria pervada anche voi, buona lettura.
Backstage di un Artista.
Incontro con Francesco Mascio
Dopo mesi di nottate insonni seduto al tavolo
della cucina suonando incessantemente la
chitarra per trovare accordi e accordature a te
più congeniali, finalmente il 21 Marzo è uscito il
tuo nuovo Album intitolato “My Standars”, quale
è stata la tua prima sensazione nel vedere
pubblicato questo nuovo lavoro discografico?
Sinceramente non so rispondere, ma la sensazione che più si
avvicina è quella del rilassamento. Dopo questo lungo periodo di
circa due anni in cui è stato difficile vedersi per fare anche solo
delle prove in studio, sapere che finalmente questo lavoro
discografico è stato portato a termine e pubblicato mi fa stare
bene, soprattutto perché la mia vena compositiva non si è affatto
bloccata con la pandemia e stavo accumulando tantissima musica.
In questo Album infatti, ci sono anche brani che ho composto oltre
dieci anni fa e che ancora non avevano trovato la giusta
collocazione e saperli sistemati e pubblicati mi dà una sensazione
di sollievo, come se li avessi messi in cassaforte.
Da dove prendi l’ispirazione e soprattutto come fai a
concentrarti in maniera corretta e precisa, visto che viviamo in
un piccolo appartamento di 50 mq in tre e che tra libri,
giocattoli e chitarre lo spazio vitale sarà più o meno la metà?
L’ispirazione musicale mi arriva da qualsiasi cosa, a volte da
elementi prettamente musicali come la musica tradizionale di altri
popoli,altre volte da un’emozione che può essere scaturita da una
semplice routine di vita familiare, dalla lettura di un libro o
semplicemente osservando la natura. Per quanto riguarda invece
la concentrazione, negli anni ho imparato a chiudermi in una sorta
di bolla, poi credo però che aiutano anche la pazienza, la
tolleranza e la meditazione che pratico regolarmente.
Come in ogni lavoro musicale anche su questo Album ci sono
degli aneddoti, vuoi raccontarne qualcuno?
Forse la particolarità di questo Album sta nel fatto che è stato realizzato
con un ensemble di professionisti che sono anche amici e quindi sia
durante le prove che durante le pause scherzavamo e ridevamo molto.

Su “Soul of New York”, che è un brano di improvvisazione radicale con un approccio irruento e vene free, ricordo
che il fonico rimase un pochino frastornato, ma io ero sicuro che invece sarebbe stato uno dei brani più
interessanti dell’album. A distanza di tempo dopo il mixaggio, anche il fonico è stato di quest’avviso, il ripensare
alla sua espressionedi quel giorno mi fa sorridere ancora.
Qual è il brano di questo album al quale sei più legato e perché?
Il brano di questo album a cui sono più legato è “Notes from the Heart” che è il brano di chiusura realizzato in solo
con la chitarra. È particolare perché è un brano di rottura rispetto agli altri, ha delle influenze folk e classiche e si
discosta dal resto del lavoro che ha un taglio invece jazzistico. Ci sono legato perché secondo me esprime molto il
mio lato emotivo. È un brano che durante questo periodo di stasi lavorativa mi suonavo spesso, e poi mi sono
convinto che potesse essere il brano giusto per chiudere questo disco. Sono note che mi sono uscite dal cuore,
perché l’amore è ciò che fa “muovere il sole e le altre stelle” e in questo caso invece ha fatto muovere le mie mani
per comporre questa musica.
Ci racconti come è nata la Front Cover di questo Album?
Succede spesso che un artista abbia bisogno di foto, così ho chiesto a una mia carissima amica
Simona Mililli, che è una grande appassionata di fotografia e una brava fotografa, di farmi qualche scatto
particolare. Mi ha proposto di recarci in un luogo dove ci sono tutt’ora dei murales per fare alcuni scatti e così una
mattina siamo andati armati di buone intenzioni. Dopo una serie di scatti tutti molto belli e particolari è uscita
questa foto che mi è così tanto piaciuta da indicarla al produttore come immagine per la Front Cover dell’album.
Dopo il lavoro di grafica per inserire le scritte e altro, posso dire che mi piace davvero tanto perchè mi trasmette
una sensazione di armonia, di originalità e anche di contrasto. Una Front Cover perfetta per questo Album.
Conosco i musicisti che hanno registrato con te e sono persone simpaticissime, come sei arrivato a capire
che loro erano quelli giusti?
È da qualche anno che collaboro con questi musicisti e il motivo principale, oltre alla loro professionalità e alle loro
caratteristiche di apertura su vari generi e stili musicali, è il loro lato umano. Sono dell’avviso che quando si va in
studio bisogna andarci con lo spirito giusto, ci deve essere uno scambio e una stima reciproca e questo permette
di dare un valore aggiunto alla musica che deve trasmettere a chi l’ascolta una sensazione di benessere, ma ciò
può accadere solo se questa sensazione si vive prima in studio.
Spesso abbiamo discusso sul fatto che nessuno riuscisse a catalogare la tua musica in maniera corretta,
forse il termine che si avvicina di più è Jazz Crossover ma ora che puoi esprimerti liberamente come la
definiresti la tua musica?
Come sai odio le etichette e le classificazioni, anche se capisco che alcune volte sono necessarie. La mia musica
mi viene da classificarla come universale, perché è sempre diversa e si ispira al momento che sto vivendo. Se per
esempio sto approfondendo la musica Africana, ovviamente nelle mie composizioni ci sarà quella sfumatura che fa
pensare all’Africa e così via, è una musica libera dal punto di vista compositivo, timbrico ed espressivo con la
quale io cerco di trasmettere un messaggio innovativo. Sicuramente la parola crossover può essere associata alla
mia musica perché crea dei ponti fra stili musicali e non, nella musica si possono unire tutti, continenti, popoli e
nazioni perché la musica è Universale

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Convinci le persone ad ascoltare e acquistare la tua musica.
Questo è un disco realizzato accordando gli strumenti alla frequenza 432 Hz chiamata anche
Love Frequency, con un altissimo livello tecnologico perché è stato registrato e mixato al Nightingale Studios che è
famoso per la sua alta professionalità, suonato da musicisti bravissimi, professionali e simpaticissimi, masterizzato
da un Audio Master mondiale Bob Katz, che ha vinto ben tre Grammy Award ed è il più acclamato tra gli audiofili,
ha delle liner notes di un grandissimo chitarrista come Umberto Fiorentino, prodotto dalla Birdbox Records che è
una casa discografica fantastica, la Front Cover è davvero bella e dentro ci sono dieci brani tutti da scoprire, in più
è stato seguito dalla bravissima Social Media Manager Valentina Villa. Noi l’abbiamo realizzato al massimo delle
nostre possibilità ora ovviamente tocca a voi ad acquistarlo e a godere delle nostre fatiche.
Ultima domanda: Lancia un messaggio a chi ci legge.
Il messaggio che vorrei dare è quello di scegliere musica che possa essere identificata come arte, so che non è
facile da comprendere questo concetto ma vi aiuto ripetendo una frase che viene attribuita a San Francesco: Chi
lavora con le mani è un operaio, chi lavora con le mani e la testa è un artigiano, chi lavora con le mani, la testa e il
cuore è un artista." Quindi è importante riconoscere quando un artista usa il cuore in ciò che fa e quando invece il
lavoro ha solo una valenza commerciale.
Nel Disco “My Standards” hanno suonato:
Francesco Mascio - Electric & Classic Guitar
Esharef Alì Mhagag - voice
Alberto La Neve - Sax
Paolo Mazziotti - bass
Nicola Scagliozzi - Double Bass
Domenico Benvenuto - Drums
Si ringraziano i grilli e le cicale che hanno fatto da perfetta colonna sonora alle giornate di registrazione. Buona
musica a tutti ...
Informazioni: L’Album “My Standards” potete trovarlo su tutte le piattaforme digitali
Clikkando qui puoi ascoltare l’album sulle diverse piattaforme : https://orcd.co/mystandards_francescomascio?
fbclid=IwAR34W9OPI91HHxmWnkvVSpjSAolJkuFI3JA_3wDrLCDm6jmHX89RjOY3uUI
Puoi seguire Francesco Mascio su Instagram: https://www.instagram.com/francesco_mascio/
Su Facebook https://www.facebook.com/FrancescoMascioArtist/
Su YouTube https://www.youtube.com/francescomascio
Su Twitter https://twitter.com/francescomasc10
Potete curiosare sul sito di Francesco Mascio clikkando qui : https://www.francescomascio.com/
Potete avere info su Bob Katz leggendo qui https://en.wikipedia.org/wiki/Bob_Katz
Questo invece è il sito della casa discografica: https://www.birdboxrecords.com/it/

NO FILTER IL NUOVO ALBUM DI
KARIMA
No Filter è il nuovo lavoro di Karima che con il suo quartetto propone un progetto ‘senza filtri’ dove la sua musica,
contaminazione di jazz e pop, si presenta in una rinnovata versione acustica, intima e ancor più espressiva. No Filter è
anche il titolo del suo ultimo album, prodotto da Aldo Mercurio per Parco della Musica Records e Jando Music, con gli
arrangiamenti di Piero Frassi. Karima affronta con con un’interpretazione personale e autentica una magnifica selezione di
intramontabili successi: “Dal primo incontro con i miei compagni di lavoro abbiamo sentito l’esigenza di creare un
nuovo progetto lontano dalle mie precedenti esperienze musicali, che mi desse nuovi stimoli”. L’elaborazione è
stata complessa, ma al tempo stesso spontanea e immediata: “In due giorni abbiamo inciso tutto”, racconta Karima,
“abbiamo scelto di fare al massimo due registrazioni per ogni pezzo, così da conservare le migliori emozioni che
si trasmettono sempre nelle prime volte”. “Cercavo un suono che mi identificasse e abbiamo scelto di utilizzare
solo strumenti acustici”. In concerto, come in sala di registrazione, Karima si avvale di persone speciali, amici e grandi
musicisti: Gabriele Evangelista al contrabbasso, Bernardo Guerra alla batteria e Piero Frassi che, con la sua penna e la
lunga collaborazione con Karima, è riuscito a vestire la sua voce con le sorprendenti Walk on the Wild Side, Tears in
Heaven, Come Together e Man in the Mirror. Nella vocalità di Karima convivono e si esprimono i colori del soul, del blues
e perfino del gospel. Da Livorno, sua città natale, eredita la permeabilità alle contaminazioni. Fin da bambina, sostenuta
dal suo talento, si avvicina alla musica partecipando prima a Bravo Bravissimo e poi a Domenica In. Nell’ottobre del 2006
entra nel programma Amici di Maria De Filippi. Si classifica al terzo posto e vince il premio della critica, decretato
all’unanimità dalla giuria tecnica, che la ritiene la nuova voce più interessante del panorama musicale italiano. Nello stesso
anno Karima sigla il suo primo contratto discografico con Sony Bmg e incide il suo primo album. Nonostante la giovane
età, Karima ha già una lunga e variegata esperienza artistica, tra cui spicca il Festival di Sanremo nel 2009 e soprattutto la
collaborazione con Burt Bacharach. Ha inoltre aperto i concerti di Whitney Houston e di John Legend. Ha collaborato con
Dado Moroni, Riccardo FIoravanti e con Stefano Bagnoli.

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ENRICO RUGGERI
racconta
“LA RIVOLUZIONE”
www.instagram.com/p/CaZOmnjg2pD/?utm_medium=copy_link.

Ho passato la vita a fare 1 album all’anno e poi a un certo
punto ho saltato 3 anni. Questo disco quindi arriva dopo un
lungo periodo di lavoro e programmazione, per me è come se
fosse un best of, in cui ho raccolto le canzoni più belle che ho
scritto in questi ultimi anni.
È un album che mi è costato tanto lavoro, tanti giorni passati
con gli amici in studio, da Fortu Sacka a Sergio Bianchi (già
mio ingegnere del suono in anni precedenti). Sono stati
fondamentali anche la creatività della band, Marco Montanari,
arrivato in corsa, e Massimo Bigi, che firma con me alcune
canzoni alle quali ci siamo approcciati in maniera diversa,
partendo da un suo spunto e elaborandolo.
Ho pensato a lungo alla copertina, ma dato che questo è un
album che parla di rapporti umani, di generazioni, di sogni
dell’adolescenza, della vita che si scontra con quello che
pensavamo la vita avrebbe dovuto essere, mi è sembrato
naturale tirare fuori una foto del liceo. In quell’immagine ci sono
non solo i miei sogni, ma di tutti i ragazzi, qui c’è una
generazione che vide arrivare la Lotta Armata, le bombe di
Piazza Fontana, l’eroina, l’Aids che portò a una retromarcia
nella liberazione sessuale… ma anche tanti tipi di musica,
suonata bene, che hanno segnato la storia. Ed ora veniamo da
un periodo logorante, che ha esasperato la solitudine, in cui
abbiamo ascoltato poco.
Ecco, sono cambiate tante cose ma la voglia di fare musica è
sempre la stessa.
L’album si apre con “Magna Charta”, una sorta di bilancio e
allo stesso tempo una dichiarazione programmatica, che
prepara a “La Rivoluzione”, che racconta il passaggio
dall’adolescenza all’età adulta, con uno sguardo affettuoso alla
mia generazione. Poi si comincia a picchiare duro, con “La fine
del mondo”, in bilico tra sentimenti e voglia di combattere, e
“Non sparate sul cantante”, metaforica cavalcata sul ruolo
dell’artista nel mondo di oggi.
Il trittico sull’interiorità si apre con “Parte di me”, che racconta
del dolore di una perdita, prosegue con “Che ne sarà di noi”, in
bilico tra speranza e smarrimento (e qui c’è un Francesco
Bianconi che aggiunge poesia con la sua voce profonda ed
evocativa) e “Alessandro”, la storia vera di un mio amico
fraterno costretto a una non vita da una terribile malattia.
Con “Gladiatore” si torna al mio “nuovo rock”, che trova in
“Vittime e colpevoli” il suo risvolto epico-orchestrale e in “Glam
bang” la sua parte più coinvolgente (con un esplosivo finale
cantato da Silvio Capeccia).
Il finale è “La mia libertà”, epico e struggente racconto di un
suicidio, in stile Jacopo Ortis.
Un album che mi mette a nudo più di tante parole.
Enrico Ruggeri

Francesco De Gregori e Antonello Venditti, hanno unito le loro voci reinterpretando due brani che hanno segnato le loro
carriere e la storia della musica italiana, “Generale” e “Ricordati di Me”. I brani, disponibili sulle piattaforme streaming e in
digital download, sono contenuti in un 45 giri da collezione disponibile in esclusiva su Amazon.
Attualmente è in radio, “Generale”, brano pubblicato originariamente da Francesco De Gregori nel 1978, mentre
“Ricordati di me” apre il disco di Antonello Venditti “In questo mondo di ladri”, uscito 10 anni più tardi.
Due personalità differenti, ma affini. Due stature artistiche, ognuna con la sua poetica. VENDITTI & DE GREGORI
cominciano a collaborare poco più che ventenni durante un viaggio in Ungheria e iniziano a scrivere le loro prime canzoni
insieme, per arrivare al comune esordio discografico con “Theorius Campus” dove Antonello incide “Roma Capoccia”,
subito grandissimo successo, e Francesco “Signora Aquilone”.
Un disco che sancì per entrambi l’inizio del proprio percorso artistico. 50 anni dopo i due cantautori creszciuti al folk
studio tornano ad emozionare il pubblico italiano con un atteso concerto.
Per la prima volta i genitori del cantautorato romano saranno insieme sullo stesso palco e con un’unica band, in alcune
delle location più suggestive d’Italia, tra cui l’Arena di Verona dove gli artisti si esibiranno il 12 luglio .
Il tour verrà anticipato dall’esclusivo concerto di sabato 18 giudno allo Stadio Olimpico di Roma, nel cuore della loro città,
là dove tutto ebbe inizio, nella cantina della loro musica. Venditti & De Gregori emozioneranno il pubblico con uno show
irripetibile in cui daranno nuova veste ai loro più grandi successi, canzoni che sono entrate nel cuore della gente, nelle
storie delle persone, che sono la colonna sonora di intere generazioni.
Ad affiancarli sul palco una band d’eccezione che darà vita ad un suono unico e straordinario. Composta da musicisti che
da anni collaborano con i due artisti, la band è formata da Alessandro Canini (batteria), Danilo Cherni (tastiere), Carlo
Gaudiello (piano), Primiano Di BIase (hammond), Fabio Pignatelli (basso), Amedeo Bianchi (sax), Paolo Giovenchi
(chitarre) e Alessandro Valle (pedal steel e mandolino).

Dopo lo show del 18 giugno allo Stadio Olimpico di Roma, queste le date del tour estivo di VENDITTI & DE GREGORI:
7 luglio - FERRARA - Piazza Trento Trieste (Summer Festival)
10 luglio - LUCCA - Piazza Napoleone (Summer Festival)
12 luglio - VERONA - Arena di Verona (NUOVA DATA)
14 luglio - MAROSTICA (VI) - Piazza Castello (Summer Festival)
16 luglio - CATTOLICA - Arena della Regina
18 luglio - TREVISO - Arena della Marca
24 luglio - PALMANOVA (UD) - Piazza Grande (Estate di Stelle) - (NUOVA DATA)
19 agosto - FASANO (BR) - Piazza Ciaia
21 agosto - LECCE - Pala Live (Oversound Festival)
23 agosto - ROCCELLA JONICA (RC) - Teatro al Castello (Summer Festival)
25 agosto - PALERMO – Velodromo (NUOVA DATA)
27 agosto - TAORMINA (ME) - Teatro Antico
28 agosto - TAORMINA (ME) - Teatro Antico
Tutte le informazioni sui biglietti per tutte le date del tour sono disponibili al seguente link: www.friendsandpartners.it.
I biglietti acquistati in precedenza per il concerto allo Stadio Olimpico di Roma, inizialmente previsto il 5 settembre 2020 e
poi il 17 luglio 2021, restano validi per la data di sabato 18 GIUGNO.

TuttoBallo

TuttoBallo
Gabriel Baltoc nasce a Bucarest nel 1973.
Si trasferisce in Italia alla fine degli anni '90 stabilendosi a
Bagnasco (CN) dove tuttora vive e lavora. Fin dalla più
giovane età dimostra grandi interessi per l’arte avvicinandosi
alla scultura, alla fotografia, ma soprattutto alla pittura, la
disciplina di molteplici tecniche diventando così un artista
completo: acquerello, olio, acrilico, carboncino e matita sono
alcune delle tecniche che utilizza nella realizzazione delle sue
opere.
Ma è soprattutto nell’acquerello che trova la sua massima
realizzazione. Con grande padronanza della tecnica riesce a
dominare acqua e colore con ottimi risultati. Attento
osservatore di luci e ombre, di colori e proporzioni, riporta alla
perfezione quanto vede donando alle sue opere esemplarità e
sensibilità.
La sua produzione artistica è principalmente rivolta al ritratto,
sia soggetti etnici che locali, ma anche ad animali e paesaggi.
Osservando i quadri si avverte immediatamente lo stato
d’animo dei raffigurati: odio, amore, gioia, dolore, rabbia,
allegria traspaiono prepotentemente.
Viene notato dalla scrittrice ed esperta d’arte Claudia
Ghirardello la quale di lui scrive così:
”Gabriel Baltoc, autodidatta, partendo dal cuore della figura da
lui ritratta sa entrare nel cuore del riguardante. Bambini,
adulti… uomini, donne… dell’Occidente e dell’Oriente. I
bambini raffigurati da tale pittore si rivelano magnetici, negli
occhi che guardano oltre la scena e cercano lo sguardo di chi li
osserva. È l’innocenza palesata nelle risate argentine, ma
anche nelle meditazioni solitarie. Il bambino è disarmante
fragilità, ma l’anima del bambino è purezza d'acciaio. È il
prodigioso dell’essenza umana creata dalla divinità, con tutta
l’emozione che ne deriva. Attento osservatore, Gabriel dà vita
alle sue creature. Facendole respirare. Per capacità di resa
anatomica e per raffinata azione di introspezione psicologica.
Personaggio eclettico, Gabriel sa destreggiarsi in diverse
tecniche: la matita, il carboncino, l’acquerello, l’olio, l’acrilico…
Lavorando di sfumato, egli ottiene effetti delicatissimi negli
incarnati, nelle capigliature, nelle stoffe dell’abbigliamento. Il
bianco/nero gareggia con la policromia sempre nell’intento
principe di innestare sulla lettura fotografica del soggetto
ritratto l’analisi accattivante del pensiero”.
https://www.facebook.com/
miticoGABRIELBALTOC/
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TuttoBallo
Mi sono addentrato molto nel mondo delle
emozioni attraverso la fotografia ed ho
scoperto caratteristiche uniche che mi
abitano.
Sono passato dall'essere un fanatico
delle macchine fotografiche a sentire la
consistenza delle pareti della mia anima
semplicemente fotografando ed
ascoltando il ritmo biologico della mia
esistenza; ho scoperto luoghi lontani,
terre sconosciute ed ho provato anche il
paracadutismo insieme alla canoa sul
fiume, tutto insieme.
I luoghi inaspettati del cuore sono
impossibili da contare e sarebbe anche
un'impresa inutile ed uno spreco di
risorse.
Fotografare non è uguale per tutti perché
la vita non è identica in nessuno di noi.
Qui porto la mia esperienza come essere
umano e come fotografo o artista o
qualsivoglia appellativo darmi ma essere
umano basta.
Sono fortunato a scrivere per una rivista?
Me la sono cercata? Non sono domande
che mi pongo. Semplicemente faccio ciò
che più sento di fare e questo per me è
vitale, pertanto, qualunque sia il mestiere
che hai scelto di fare non esitare e non
prendere spunto da quello che fanno gli
altri dicendoti "Voglio essere come…".
Niente di più sbagliato.
Ad oggi non mi conosco, anche oggi non
conoscendomi ho appreso qualcosa di e
da me stesso, come un fiume che rinnova
la sua acqua giorno dopo giorno.
Dimenticatevi di voi stessi per come
credete di essere e di dover essere e
sicuramente andando oltre si scoprirà uno
sguardo pulito e limpido, scoprirai,
scoprirete lo sguardo puro dell'esistenza,
quello che ho raggiunto fotografando.
Lo so, forse non è quello che qualcuno si
aspettava di trovare in un articolo di
fotografia ma magari è l'esperienza
narrata che serve in questo momento.

L'Italia e l'Argentina sono legate da molteplici fattori culturali, basti pensare alle
massicce migrazioni che hanno interessato il paese sudamericano dalla fine dell'800
agli inizi del '900. Il movimento di tali masse di italiani ha portato con sé storie e
leggende legate anche al mondo del calcio, solo apparentemente lontano da quello del
Tango; sono storie esilaranti, malinconiche e struggenti, a cavallo tra le due sponde
dell'oceano, che hanno dato origine a squadre mitiche come il Boca Juniors, il River
Plate, il Peñarol e l'Audax Italiano di Santiago del Cile.
La febbre del calcio si trasmise a tutto il continente e gli italiani ebbero un ruolo
determinante nei grandi agglomerati urbani di Buenos Aires, San Paolo del Brasile,
Caracas, Asunción e Montevideo. Gli stessi italiani che diffusero la febbre del calcio
furono coinvolti nel processo di sviluppo e maturazione del Tango; per questo motivo,
Tango y Fútbol hanno sempre marciato di pari passo. Il sentimento triste che pervade il
popolo argentino, così fortemente segnato dalle lagnanze musicali del tango e dai
sospiri di uno strumento struggente come il bandoneón, sembra esprimersi
compiutamente nell'incertezza delle origini che tanti emigrati hanno trasmesso ai figli
per ignoranza, analfabetismo, paura del passato, morte rapida in un paese, come
spiega Jorge Luis Borges, dove non ci sono leggende e nessun fantasma cammina
nelle strade.
Così molti argentini hanno una origine vaga e indefinita, come raccontano tanti temi
tangueros. Questo vale anche per i miti nazionali come ad esempio Carlos Gardel, colui
che nel 1928 sancì il connubio tra tango e calcio nella composizione Sami che dedicò
alla leggenda Josep Samitier, giocatore del Barcellona dal 1919 al 1932. Altri pezzi di
tango di Gardel che onorano il fútbol sono Patadura, Largue a esa Mujica e Mi primer
gol.
Oggi si contano almeno cinquanta temi di tango con sfondo calcistico. Il primo tanguero
a esprimere la passione del calcio fu Rodríguez Peña che immortalò il Racing,
l'Accademia del calcio di Avellaneda, nel momento del suo massimo splendore, dal
1913 al 1919, quando vinse sette titoli. Roberto Firpo regalò al Racing una sua
composizione nel 1913 e Francisco Canaro fece lo stesso nel 1915. Il Racing è stato
nei cuori e nelle note anche di Carlos Di Sarli nel 1940, di Ángel D'Agostino nel 1946, di
Rodolfo Biagi nel 1950 e di Alfredo Gobbi nel 1949, brano registrato quattro anni dopo
anche da Héctor Varela. A pochi isolati di distanza dalla sede del Racing si trova quella
dell'Independiente, rivale storica della prima, e alla quale Augustin Bardi dedicò il brano
Rey de Copas.
A Buenos Aires è storica la rivalità tra Boca Juniors e River Plate. Questo derby
secolare si è combattuto anche a colpi di bandoneón. Sostenitore del River fu Francisco
Canaro che ha realizzato l'inno ufficiale della squadra con la voce di Domingo Conte.
Ma non si possono dimenticare neanche le struggenti note del brano River Plate scritto
da Leopoldo Díaz Vélez e inciso da Armando Pontier. I tifosi del Boca, dal canto loro,
hanno replicato con giri di Cumparsita e passi lenti, voci calcate e armonie di rimpianti
come nel tango del 1916 Boca Juniors Club composto da José Quevedo,
bandoneonista di Eduardo Arolas, e registrato da Roberto Firpo e ¡Campeón! scritto da
Alfredo Bigeschi in occasione del primo trofeo nazionale vinto dai boquenses.
Il tifoso Juan D'Arienzo si è cimentato con la magistrale miscela dei colori sociali del
Boca Juniors in Azul y oro nel 1946, seguito da José Basso, di origine ligure, autore del
tango Once y uno registrato nel 1952 in omaggio ai supporter della squadra del barrio
più italiano della capitale federale, e da Miguel Caló con il pezzo Boca Juniors del 1954.
A fondere canzone e pallone ci ha pensato Julio Elías Musimessi, portiere degli anni
Cinquanta, definito El Arquero cantor, che portava a spasso i suoi bei baffetti alla Errol
Flynn nelle balere della zona sud della capitale cantando Viva Boca di Américo Lalo
Cipriano e Eduardo Pauloni.
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Insigne ph. Mosca
A Buenos Aires è storica la rivalità tra Boca Juniors e River Plate. Questo
derby secolare si è combattuto anche a colpi di bandoneón. Sostenitore del
River fu Francisco Canaro che ha realizzato l'inno ufficiale della squadra con la
voce di Domingo Conte. Ma non si possono dimenticare neanche le struggenti
note del brano River Plate scritto da Leopoldo Díaz Vélez e inciso da Armando
Pontier. I tifosi del Boca, dal canto loro, hanno replicato con giri di Cumparsita
e passi lenti, voci calcate e armonie di rimpianti come nel tango del 1916 Boca
Juniors Club composto da José Quevedo, bandoneonista di Eduardo Arolas, e
registrato da Roberto Firpo e ¡Campeón! scritto da Alfredo Bigeschi in
occasione del primo trofeo nazionale vinto dai boquenses.
Il tifoso Juan D'Arienzo si è cimentato con la magistrale miscela dei colori
sociali del Boca Juniors in Azul y oro nel 1946, seguito da José Basso, di
origine ligure, autore del tango Once y uno registrato nel 1952 in omaggio ai
supporter della squadra del barrio più italiano della capitale federale, e da
Miguel Caló con il pezzo Boca Juniors del 1954. A fondere canzone e pallone
ci ha pensato Julio Elías Musimessi, portiere degli anni Cinquanta, definito El
Arquero cantor, che portava a spasso i suoi bei baffetti alla Errol Flynn nelle
balere della zona sud della capitale cantando Viva Boca di Américo Lalo
Cipriano e Eduardo Pauloni.
José Rebolini e Carlos Pesce hanno elaborato l'inno del San Lorenzo a ritmo di
tango. Esplicito è il titolo del tango di Francisco Caso e Francisco Lío, San
Lorenzo, e pure El ciclón di Anselmo Aieta e Francisco Laino e El Azulgrana di
Osvaldo Requena. El expreso de la Plata è l'omaggio di Horacio Pezzi e Carlos
Espíndola al club Gimnasia y Esgrima. Nel 1950 Fumagalli e Brioschi hanno
composto Platense in onore alla squadra biancoblu. Lo stesso anno, in una
sorta di derby musicale, Francisco Rotundo ed Ernesto Rossi resero onore alla
squadra del cuore, l'Estudiantes, con il tango strumentale Estudiantes de La
Plata.
Me elevo a las nubes è il titolo della canzone di Pedro e Roberto Sassone che
celebra la vittoria dell'Huracán nel 1928. El Taladro di Alfredo de Angelis
sancisce l'accesso alla prima divisione del Banfield nel 1946. Anche le società
minori non si sono fatte mancare tanghi di grande fascino come Nueva
Chicago, registrato nel 1925 dall'orchestra di Firpo, e Casaca Roja, omaggio al
Club Deportivo Español alla fine degli anni Cinquanta.
Non solo i club di calcio vennero omaggiati dal Tango, ma anche molti
calciatori trovarono spazio nelle canzoni e nei testi. A Domingo Alberto
Tarasconi, eroe degli anni Venti del Boca, venne dedicato il brano Tarasca e
Pedro Ochoa del Racing fu il protagonista del tango Ochoíta di Osvaldo
Fresedo. Canaro immortalò Bernabé Ferreyra, acquistato nel 1932 dal River
Plate per la cifra record di 35 mila pesos, con il brano Bernabé, la Fiera. In quel
periodo Miguel Padula scrisse due brani per l'Orquesta Típica Víctor, El
Mortero del Globito e Lemita, il primo per consacrare la gloria di Herminio
Masantonio, giocatore dell'Huracán, il secondo per celebrare Jaime Lema,
detto Lemita.
Anche Luisito Monti, forzuto centromediano del San Lorenzo e della Juventus,
è stato celebrato da Alejandro Scarpino col brano Monti solo per ricordare le
Olimpiadi del 1928 ad Amsterdam. Enrique Francini e Armando Pontier nel
1949 osannarono le gesta di José Manuel Moreno del River con il brano A
José Manuel Moreno, protagonista nello stadio ma anche nella notte tanguera
di Buenos Aires.
La lista degli idoli del calcio non finisce qui, ma furono le nazionali trionfatrici
delle Olimpiadi del 1924 e dei Mondiali del 1978 ad essere le grandi ispiratrici
del tango fútbolero: quando l'Uruguay vinse le Olimpiadi, Juan Rodríguez e
Francisco Brancatti incisero Campeones Olímpicos, mentre nel 1961 Edmundo
Rivero realizzò il brano Gol argentino, rivisto per i Mondiali del 1978. La stessa
nazionale argentina trionfatrice nel mondiale venne esaltata da Astor Piazzolla,
che celebrò l'evento con il tema Mundial 78, inciso in Italia.

Il Buongiorno si vede dal croissant
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IL BUONGIORNO SI VEDE DAL CROISSANT
di Camille Andrea
Ebook: € 9,99 |Cartaceo : € 17,90
Pagine: 272|
Genere: Narrativa contemporanea\autostima
Editore: Garzanti|
TRAMA
Pierre è un uomo di successo. La sua azienda, Happy
Croissants,produce dolci venduti in tutto il mondo e
aiuta le persone a cominciare la giornata con il sorriso.
Pierre, invece, non sorride da molto. Non sa più cosa
sia la felicità. Tutto, intorno, gli appare grigio, persino il
poco tempo che passa con la famiglia. Fino al giorno in
cui si ferma per caso a un chiosco. E proprio lì succede
qualcosa che cambia il suo futuro. L'anziano venditore
gli fa una proposta: assaggiare una colazione capace di
migliorare la vita. Pierre se ne intende di brioche, e non
crede alle parole dell'uomo. Eppure, ogni giorno ritorna
al negozio e ascolta i consigli dell'ambulante; per
esempio che nella vita c'è un'unica occasione e non va
sprecata lamentandosi; o che il fallimento non è un
errore, ma la strada per diventare chi si vuole essere; o
ancora che non bisogna dare per scontato chi abbiamo
accanto, perché è in loro che troviamo la forza di
affrontare gli ostacoli. Mattina dopo mattina, Pierre
prova a mettere in pratica questi insegnamenti e sente
qualcosa risvegliarsi dentro di sé. Il sorriso che per lui
era solo la forma dei croissant prodotti dalla sua
azienda diventa parte delle sue giornate. Perché dare
una svolta alla propria esistenza non solo è possibile,
ma è un dovere. Il sole, il suono dell'acqua che scorre,
l'odore della pioggia, il frusciare del vento, l'amore,
l'amicizia sono un regalo che necessita di cure. Rendere
grazie per le piccole cose è il primo passo per godersi
appieno le gioie più immense. Il romanzo che ha
convinto i lettori e i librai francesi. Una storia che tocca
chi di noi è imprigionato in giornate che si ripetono
sempre uguali, senza più provare grandi emozioni. Il
cambiamento è possibile, tornare a ridere è davvero
possibile. Ci vuole impegno, ci vogliono dei piccoli
segreti, ma nulla che una buona storia non possa far
accadere.
Rubrica a cura del blog
"Il COLORE DEI LIBRI"
http://ilcoloredeilibri.blogspot.com/
Sono stata attratta da questo libro dopo aver letto la sinossi che mi ha catapultato
subito in un mondo che odora di burro e zucchero, e da buona golosa non ho potuto
fare a meno di “assaggiare” questo romanzo.
Pierre è un pasticcere molto famoso, talmente famoso che molte celebrità vanno a
trovarlo direttamente dentro il laboratorio per assaporare le sue creazioni appena
sfornate, ma mentre all’inizio della sua carriera tutto questo gli creava felicità, ora il
suo mondo sembra grigio e lui non riesce a sorridere più, nonostante i suoi
croissants abbiano proprio la forma di un sorriso.
Una mattina tra le tante mentre si appresta ad andare al suo negozio, si ferma per
caso davanti a un chiosco di hot dog e intraprende una bizzarra conversazione con
lanziano venditore, il quale gli offre un caffè che lui classifica come il più buono del
mondo. E così ogni mattina diventa routine fermarsi ad assaporare quella delizia
nera e profumata e a parlare con l’uomo, che gli dispensa consigli saggi e lo fa
riflettere sulla sua vita. Pierre si rende conto che a causa del suo immenso
patrimonio da gestire e della sua smania di espansione non si gode la famiglia e
soprattutto si accorge che le preoccupazioni e le incombenze giornaliere gli hanno
tolto il sorriso.
Il vecchio lo sprona e lo consiglia e quando si rende conto che Pierre è pronto, lo
sfida a cambiare vita per un giorno.
Pierre accetterà la proposta? Per cambiare vita ci vuole davvero così poco?
Pierre Boulanger è un uomo che si è fatto da solo, in pochi anni ha creato un
impero dopo aver avuto un’intuizione che ha portato i suoi croissants ad essere i più
ambiti degli Stati Uniti. È un uomo d’azione che, nonostante abbia molte persone
alle sue dipendenze, ama ancora mettere le mani in pasta per trovare nuove
alchimie burrose, ma questa attività da lui amata è purtroppo diventata marginale,
perché ogni giorno deve destreggiarsi tra le scartoffie in ufficio.
Questo cambiamento di prospettiva lo ha reso serio, triste e proiettato solo verso gli
obiettivi lavorativi, lasciando la famiglia e i piaceri della vita sullo sfondo.
È un personaggio ben descritto e caratterizzato sia psicologicamente che
caratterialmente, il prototipo dell’uomo in carriera.
È davvero emozionante assistere alla sua metamorfosi pagina dopo pagina, una
metamorfosi che avviene insieme al lettore. La lettura è piacevole e scorrevole, lo
stile è chiaro, discorsivo, a tratti introspettivo ma sempre ritmato e leggero. Dialoghi
e descrizioni si alternano in maniera perfetta, dando al lettore una sensazione di
continuità, di temporalità che scorre e che muta.
Ben descritta l’ambientazione, si sente l’odore caratteristico dei croissants, la loro
croccante friabilità, si avverte il profumo intenso del caffè e la bellezza di alcuni
panorami.Finale che lascia il lettore soddisfatto anche se con qualche lacrima
attaccata alle ciglia. Un libro che mi ha fatto riflettere, mi ha emozionata e divertita e
mi ha lasciato quella sensazione speciale che solo libri particolari riescono a
donare, ovvero la sensazione di essere una persona felice e fortunata.
Da leggere in ogni stagione, sprofondati in poltrona bevendo caffè e assaporando
croissants freschi e friabili.
Consigliato a tutti ma in particolare a coloro che hanno bisogno di vedere la vita in
una prospettiva diversa.
Sonia Poli

TuttoBallo
Rancore
di Gianfranco Carofiglio
Come è morto, davvero, Vittorio Leonardi?
Perché Penelope Spada ha dovuto lasciare la magistratura?
Un’investigazione su un delitto e nei meandri della coscienza.
Un folgorante romanzo sulla colpa e sulla redenzione.
Un barone universitario ricco e potente muore all’improvviso; cause naturali,
certifica il medico. La figlia però non ci crede e si rivolge a Penelope Spada,
ex Pm con un mistero alle spalle e un presente di quieta disperazione.
L’indagine, che sulle prime appare senza prospettive, diventa una
drammatica resa dei conti con il passato, un appuntamento col destino e con
l’inattesa possibilità di cambiarlo. Nelle pieghe di una narrazione tesa fino
all’ultima pagina, Gianrico Carofiglio ci consegna un’avventura umana che va
ben oltre gli stilemi del genere; e un personaggio epico, dolente, magnifico.
EINAUDI STILE LIBERO BIG - € 18,50 - pp. 248
Gianrico Carofiglio ha scritto racconti, romanzi, saggi.
I suoi libri, sempre in vetta alle classifiche dei best seller,
sono tradotti in tutto il mondo. Ha creato il popolarissimo
personaggio dell'avvocato Guido Guerrieri. Per Einaudi
ha pubblicato il racconto La doppia vita di Natalia Blum
raccolto nell'antologia Crimini italiani (Stile libero 2008),
Cocaina, con Massimo Carlotto e Giancarlo De Cataldo
(Stile libero 2013 e e Super ET 2014), Una mutevole
verità(Stile libero 2014, Super ET 2016 E Super ET
2018, Premio Scerbanenco),La regola dell'equilibrio
(Stile libero 2014, Super ET 2016 e Super ET 2018),
Passeggeri notturni (Stile libero 2016 e Super ET 2017),
L'estate fredda (Stile libero 2016 e Super ET 2018), Le
tre del mattino (Stile libero 2017 e Super ET 2019), La
versione di Fenoglio (Stile Libero 2019), La misura del
tempo (2019 e 2022) e Non esiste saggezza. Edizione
definitiva (2020).

Tre nuove collane musicali per la cura del copro, dell’anima e della mente.
Prodotte dall’associazione Stefano Francia EnjoyArt, Pomodoro Studio
Edizioni Musicale - Always Record e composte dalla compositrice
americana Judie Collins e dal maestro Ciro Vinci.
Dopo il successo di "Dillo Alla Danza vol 2" pubblicato in occasione della Giornata
Mondiale della Danza, l'associazione Stefano Francia EnjoyArt, lancia una nuova
produzione discografica dedicata ai ritmi di tutti gli stili di danza. La collana
discografica, disponibile su ogni digital store (Spotify, Deezer, Amazon Music, Apple
Music… ) sarà composta da vari volumi, ognuno dei quali studierà il ritmo di una
singola danza. I primi 3 volume sono dedicati al ritmo del Cha Cha Cha e Rumba e un
volume dedicato al relax e meditazione.
"Rhythm" è studiata per agevolare l'insegnamento musicale e coreutico di ogni
singolo ballo. In ogni volume amatori e professionisti possono sviluppare la loro
tecnica seguendo il ritmo della danza selezionata…
"Relaxing" invece, è una collana che raccoglie brani composti per accompagnare il
danzatore nell’ attività di rilassamento quotidiano e meditazione composte a 432 Hz.
L’accordo a 432 Hertz (Hz) risuona con le frequenze fondamentali del vivente: battito
cardiaco, replicazione del DNA, sincronizzazione cerebrale, e con la Risonanza di
Schumann e la geometria della creazione.
“Musicoterapia” La musicoterapia è una disciplina basata sull'uso della musica come
strumento educativo, riabilitativo o terapeutico. Basandosi su questa definizione il
Pianista, musicoterapista, compositore, vocal coach, Ciro Vinci, presenta il suo primo
album sul benessere dell’essere umano intitolandolo “Musicoterapia”, un lavoro
composto da 8 track con lo scopo di educare, riabilitare e accrescere la cultura del
benessere. Diversi studi hanno dimostrato che la musica influenza il cervello ed il
corpo, l’ascolto delle note musicali sono utili per alleviare lo stress, ridurre la
depressione e contrastare stati mentali negativi. Molte ricerche sull’argomento hanno
evidenziato che alcuni dei principali modi in cui la musica può aiutarci a sentirci
meglio, è ridurre l’ansia, migliorando l’accettazione di sé e facilitando la
comunicazione e le relazioni con gli altri, ascoltare musica è altamente legato
all’aumento di stati di felicità. La musica a questa frequenza è stata utilizzata per
migliaia di anni come musico terapia anche se è decollata nei primi anni 2000.
Le pubblicazioni discografiche prodotte dalla Stefano Francia EnjoyArt sono state
composte scegliendo melodie musicali, concentrate sui ritmi accompagnati da sole
armonie per sviluppare maggiore concentrazione e apprendere meglio il ritmo di un
ballo. Avere una conoscenza di base della musica, e in particolare del ritmo, aiuta nei
movimenti e armonia del corpo. Una base ritmica è il giusto supporto per memorizzare
la coreografia, per migliorare la coordinazione con il partner o i partner e, soprattutto,
a muoverci a tempo. Ogni singolo album è utile ai principianti, agli amatori ai
professionisti, ai semplici appassionati di musica, e ai coach. L’utilizzo della musica
nell’apprendimento sviluppa maggiori endorfine rendendolo più facile. Il progetto è
stato realizzato da Fabrizio Silvestri e Bernardo Lafonte. La produzione è affidata al
Pomodoro Studio Edizioni Musicale e la distribuzione, negli store digitali, alla Always
Record. La composizione delle basi musicali ritmiche di latini, standard, liscio e ballo
da sala e caraibici è affidata all’artista Americana Julie Collins, mentre la musico
terapia al maestro Ciro Vinci, Pianista, musicoterapista, compositore, vocal coach. La
sua musica innovativa ed elegante dotata d’intensa espressività è frutto di una ricerca
profonda ed elaborata di contaminazioni sonore che si aprono al new age, al jazz, alla
musica mediterranea e la rendono pienamente compatibile come colonna sonora d’
immagini surreali. Dal 2019 compone musiche per programmi televisivi in onda su “La
7” e per spot pubblicitari per reti nazionali e Web. Gli album sono disponibili su tutti i
digital store.

di Rita Martinelli
IL VIAGGIO A ROMA CONTINUA …
IL “PONTE DI FERRO”
Il Ponte dell'Industria, così si chiama, realizzato - su commessa di Papa Pio IX - tra
il 1862 e il 1863 in Inghilterra, con componenti prefabbricate. Il montaggio viene
effettuato a Roma, da una società belga, in subappalto da una società francese,
appaltatrice dal governo pontificio dei lavori di raccordo tra la tratta ferroviaria Porta
Portese Civitavecchia e il resto della Linea Pio Centrale. È a tre luci, su travate
metalliche in ghisa acciaio, poggiate su piloni tubolari in ghisa e riempiti di
calcestruzzo. Al centro, un ponte levatoio, apribile, per consentire il transito di
piroscafi e bastimenti verso il porto di Ripa Grande. L'inaugurazione avviene il 24
settembre 1863, alla presenza del Papa: all'ora stabilita, si apre la campata centrale
per il passaggio di un vaporetto, poi, successivamente, viene abbassato il ponte
levatoio e, sbuffando, passa il treno, fra la meraviglia generale.
Ponte di ferro è di ghisa - Ghisa = lega ferro-carbonio di solidificazione eutettica,
con tenore in carbonio tra 1,9 e 6,5% - così in Eniciclopedia Treccani. Eutettico, dal
greco, significa facile a fondersi.
È un bel materiale, la ghisa. Ho ammirato, negli anni, tanti oggetti di fine fattura:
lampioni, vecchi termosifoni, mascheroni, panchine, sedili da giardino, battenti per
porta e una gamma ricchissima di ringhiere. Come in un fotogramma, mi scorrono in
mente le ringhiere raffinate lungo la Mojka e la Fontanka, mentre scivolo su un
piccolo battello, nel cuore di San Pietroburgo.
A Longiano, la Fondazione Neri - Museo Italiano della Ghisa espone, dislocate in
due sedi suggestive, una pregevolissima raccolta di manufatti.
H. 23.30 del 2 ottobre 2021 - si sviluppa un incendio (forse alimentato dalle
sterpaglie?) che interessa principalmente una delle passerelle per il passaggio di
cavi e condotte gas che crolla parzialmente.
Lo sto guardando, Ponte di Ferro, da sotto, come ho fatto tante e tante volte. Mi
piace molto guardarli da sotto, i ponti. È la passerella laterale che s'è accartocciata
ed è crollata: è qui, carcassa inquietante che ostruisce la pista ciclabile - il tutto
"messo in sicurezza" dalle arcinote reti arancioni e transenne che stazionano,
poliennali e arricchite dai rifiuti, in tutta l'urbe.
Incuria totale tutto intorno, l'offensiva bruttezza del condominio bianco che spicca
sulla sponda di Ostiense.
E, allora, mi concentro sull'erba che cresce lo stesso e rigogliosa, sull'acqua del
fiume, sulle minuscole calette di rena fine fine e su di LUI, il PONTE, eccolo, saldo -
non ha fatto una piega. Ha una bellezza essenziale, con un lieve, elegante decoro,
in alto, intorno ai piloni.

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La settimana santa che precede la domenica di resurrezione è celebrata in tutto il mondo cristiano. Sono
numerosi i riti e le processioni che partono dalla Domenica delle Palme fino al Sabato Santo che precede la
Pasqua. Culmine delle celebrazioni è il venerdì con i riti della Via Crucis, le processioni e le veglie al sepolcro.
Noi vi segnaliamo queste:
Orte
La processione del Cristo Santo di Orte è molto probabilmente la più antica
celebrazione d'Italia. Nel borgo in provincia di Viterbo il venerdì santo le sette
confraternite sfilano in processione con fiaccole e cappucci. La statua della bara di
Cristo è Sorretta da 14 uomini ed è seguita dalla Macchina della Madonna Addolorata.
Per maggiori informazioni visitate la pagina ufficiale
Sulmona
A Sulmona va in scena uno dei più curiosi riti della settimana santa, conosciuto come la
Madonna che Scappa in Piazza ed organizzato dalla confraternita S. Maria di Loreto.
L'evento si tiene la domenica di Pasqua. La statua della Madonna Addolorata viene
spinta a grande velocità dal centro della piazza gremita di gente, atto che ricorda il
momento in cui la Madonna va ad abbracciare il figlio risorto.
Savona
Ci spostiamo in Liguria, dove annualmente si tiene la processione del venerdì santo
organizzata da sei Confraternite. La processione di Savona è articolata in poste, delle
stazioni scandite dai capocassa che guidano le quindici casse lignee delle confraternite.
Si tratta di gruppi scultorei che rappresentano i misteri della Passione di Cristo.
Procida
La processione dei Misteri di Procida risale alla fine del 600 ed è organizzata dalla
Confraternita dell’Immacolata Concezione. Sin dal mattino del venerdì santo i membri
della confraternina portano in processione per le strade del paese, carri allegorici con
rappresentazioni realizzati in cartapesta che rievocano gli episodi del Vangelo e del
vecchio testamento.
Isernia
Il venerdì santo l'appuntamento è a Isernia con la tradizionale processione del Cristo
Morto dove i penitenti, incappucciati e vestiti con tuniche bianche sfila per le strade
della cittò. I penitenti sorreggono le statue del Cristo Morto e della Mater Dolorosa, i
busti degli Ecce Homo e le croci.
Enna
Ad Enna si svolgono alcune delle celebrazioni più belle di tutta la Sicilia. In occasione
della processione del venerdì santo oltre 2500 confratelli camminano per le strade della
città portando statue di Gesù morto e della Madonna Addolorata. I confratelli, seguendo
le note delle marce funebri intonate dalle bande, iniziano la camminata lenta che crea
un caratteristico ondeggiamento delle statue, quasi a riprodurre il dolore e la difficoltà
del cammino.
Iglesias
In Sardegna non perdete almeno una volta i riti della Settimana Santa di Iglesias che
culminano con la processione del Venerdì Santo che ha inizio al mattino presto e che
passa per le chiese della città secondo un percorso che richiama la salita di Cristo al
Calvario. In serata va in scena la processione del descenso che mette in scena una
vera e propria rappresentazione sacra del funerale di Cristo che ricalca la tradizione
barocca spagnola. Per maggiori informazioni visitate il sito ufficiale.

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Voglio vederti danzare
Pièce di Uova di Cioccolato
La mostra delle Uova di Pasqua dedicata alla danza resta aperta fino al 18 aprile presso la Pasticceria Walter Musco in a
Roma. Lo spunto artistico della danza nasce dall’incontro professionale ed artistico con Daniele Cipriani direttore artistico
ed intellettuale che da anni lavora unendo danza, musica, parole, costumi e forme in spettacoli da mettere in scena nei
più importanti teatri italiani ed europei. La Pasqua del 2022 è una danza. Un momento di massima espressione della
libertà individuale, di ritorno alla libertà di movimento, di felicità, di cessazione di barriere fisiche e strutturali che negli
ultimi mesi ci hanno lasciato statici. Le uova di cioccolato sono dedicate ad artisti come Mirò, Chagall, Picasso, Depero,
De Chirico, Matisse e Burri; a couturier come Chanel, Versace, Givenchy, Miyake e Capucci; a ballerini come Carla
Fracci, Michael Clark, Lindsay Kemp e Piana Bausch; e molti altri artisti.

La primavera è alle porte ed io, da buon trapper, inizio a vagare come un nomade giramondo.
Mi ha sempre affascinato la vita delle escursioni. Con la primavera inoltrata, mentre la natura
si risveglia in tutto il suo splendore, le strade si riempiono di gente e di colore. E’ giunto il
momento di lasciare la tranquillità del nostro intimo focolare di casa ed avventurarci in gite e
viaggi fuori porta. Oggi con un salto tra natura, arte, enogastronomia e storia proviamo a
conoscere uno dei piccoli borghi medioevali della pianura romagnola, Forlimpopoli.
Forlimpopoli si trova lungo la via Emilia, l’antica via Romana che collegava Rimini a Piacenza.
Questa cittadina, fondata dai romani nel II secolo a.C, è chiamata anche “Città Artusiana”, un
appellativo legato al gastronomo Pellegrino Artusi che nacque a Forlimpopoli nel 1820.
La piccola città rispecchia ancora oggi tutti i suoi fasti storici di centro poliedrico dell’Impero
Romano. Detta la Forlì piccola, è un piacere passeggiare tra le sue vie. Tanti sono i punti di
interesse storico/culturale come la Rocca Albornoziana a pianta quadrata che domina la
piazza principale. Costruita verso la metà del XIV secolo sulle rovine dell'antica cattedrale, la
Rocca tutt'ora ospita il municipio ma sono i suoi sotterranei a celare la storia della cittadina
ospitando le sale del Museo Archeologico “Tobia Aldini” con manufatti e reperti paleolitici
romani (fra i quali mosaici ed anfore), medioevali e tardo medievali ritrovati nel territorio
circostante.
Il Teatro Verdi, anch’esso posto entro le poderose mura della Rocca, fu lo scenario di un
drammatico accadimento, di cui Forlimpopoli serba ancora la memoria: nella notte del 25
gennaio 1851 Stefano Pelloni, meglio conosciuto come “Il Passatore”, brigante che infestava
le terre di Romagna e sulla cui testa pendeva un’ingente taglia, irruppe nel teatro cittadino
interrompendo lo spettacolo e derubando dei loro averi gli spettatori. Un’epigrafe all’interno
del teatro ricorda quella tremenda notte. Recentemente restaurata la piccola Chiesa, edificata
dai Servi di Maria nel XV secolo presso l’Ospedale dei Battuti Neri, venne modificata nel corso
del Settecento, quando assunse le attuali forme. All’interno sono da segnalare la tavola con
l’Annunciazione del pittore rinascimentale forlivese Marco Palmezzano, terminata nel 1533, e
un organo del XVI secolo, le cui ante sono state dipinte dal pittore Livio Modigliani nel 1576.
La Collegiata di San Ruffillo, esempio di architettura del VI secolo, conserva le reliquie del
Santo, primo vescovo di Forlimpopoli. Fu rifatta nel corso del ‘400 e restaurata nel 1821.
All’interno, profondamente rimaneggiato nel corso dell’Ottocento, sono conservate numerose
opere di maestri romagnoli del XV e XVIII secolo. Molte sono le chiese e chiesette sparse sul
territorio della cittadina che potrete vistare gratuitamente facendo una passeggiata nei suoi
vicoli.
Forlimpopoli ha dato i natali a Pellegrino Artusi, celebre per avere codificato e dato alle
stampe il primo manuale di cucina, con interessanti consigli dietetici e aneddoti legati alla
cultura gastronomica che lega insieme la Romagna e la Toscana, “La scienza in cucina e l’arte
di mangiar bene”. Il successo fu travolgente: Artusi ne curò 15 edizioni in appena 20 anni e
negli anni ’30 era il libro più letto in Italia dopo I Promessi Sposi e Pinocchio. Fu tradotto in
quasi tutte le lingue del mondo. Il libro didattico, di approccio positivista, racchiude quasi 800
ricette della tradizione culinaria italiana, accompagnate da riflessioni, aneddoti ed arguti motti
di spirito. Insomma, un trattato di cucina declinato al buon gusto, all’igiene e all’economia,
poiché consigliava vari modi di riutilizzare gli avanzi. Ormai un “must” editoriale, è stato anche
lo spunto per la nascita di un importante progetto, a Forlimpopoli, dedicato all’illustre figlio:
“Casa Artusi” è un luogo polivalente che ospita una corposa biblioteca di gastronomia e spazi
ove degustare, leggere e partecipare a dibattiti sul tema dell’arte della cucina.
Il suo celebre cittadino, nasce a Forlimpopoli il 4 agosto 1820 e muore a Firenze il 30 marzo
1911. Eclettico personaggio, letterato e gastronomo, ci ha lasciato una delle più complete
opere di cucina gastronomica mondiale che ancora oggi va tanto di moda.
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A fine giugno il paese rende omaggio a
Pellegrino Artusi con la grande “Festa
Artusiana”.
La manifestazione anima per un'intera
settimana il centro storico, offrendo menù
ispirati all’opera artusiana, spettacoli,
rassegne, degustazioni e incontri. La “Festa
Artusiana” è l’occasione più allettante per
visitare la cittadina. Nei nove giorni di
durata della manifestazione, i ristoranti,
molti dei quali all’aperto, offrono menù
elaborati per l’occasione. L’offerta è
estremamente varia: dai ristoranti di pesce,
alla cucina Slow Food, agli stand dove fare
piccole degustazioni e acquistare prodotti
rari, alle trattorie allestite come una vecchia
aia romagnola dove i camerieri,
rigorosamente vestiti in abiti contadini,
accolgono il pubblico intrattenendolo con
filastrocche e detti della Romagna di una
volta.
Tra i prodotti del territorio possiamo
degustare i passatelli in brodo di carne o al
ragù, i cappelletti in brodo di cappone, gli
strozzapreti (tipica pasta fresca di semola
romagnola), le pappardelle e le tagliatelle,
la ciambella romagnola (tipico dolce con il
buco o a panetto inzuppata nel vino).
Anche i vini hanno un posto d’onore nella
storia del paese, il Sangiovese rosso rubino
che si sposa molto bene con minestre,
selvaggina, brasati, agnello e carni dai
sapori forti. Il Trebbiano bianco (antipasti e
piadina). Il Cagnina (caldarroste, formaggi
freschi e dolciumi). L’Albana bianco
(formaggi di fossa ed erborinati). Il
Pagadebit con sentori di biancospino
(risotti, carni bianche e pesce).
Quindi una filosofia di cucina positiva, oltre
che positivista, espressa in maniera come
sempre impeccabile e briosa dalla celebre
“preghiera” artusiana:
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“Amo il bello ed il buono ovunque si trovino
e mi ripugna di vedere straziata, come suol
dirsi, la grazia di Dio. Amen.”...
“Il mondo ipocrita non vuol dare importanza
al mangiare; ma poi non si fa festa, civile o
religiosa, che non si distenda la tovaglia e
non si cerchi di pappare del meglio”
Pellegrino Artusi

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INGREDIENTI PER 4 P
200 gr di pangrattato
200 gr di parmigiano
4 uova
50 gr di farina 0 (facoltativa)
scorza di un limone grattugiata
sale
noce moscata
brodo di carne 1 lt
PROCEDIMENTO
Preparare un brodo saporito di carne (sedano, carote, cipolla, zucchina, patata, manzo, pollo o gallina)
Preparare l’impasto dei passatelli, amalgamando tutti gli ingredienti insieme, fino ad ottenere un composto morbido
e saporito. Lasciare riposare per un’oretta.
Se l’impasto risultasse troppo duro, ammorbidirlo con poco brodo caldo.
Una volta avuta la consistenza desiderata, mettere l’impasto nello schiacciapatate con fori grandi da 5 mm o con
l’attrezzo apposito per i passatelli e schiacciarli direttamente nella pentola del brodo bollente e fare cuocere qualche
minuto, fino a quando vengono a galla.
Servire ben caldi con il loro brodo di cottura, spolverati di abbondate parmigiano reggiano.
(Sono ottimi anche cucinati nel brodo, scolati e conditi con dell’ottimo ragù.).
INGREDIENTI
150 gr di farro
150 gr di orzo
200 gr di riso integrale
1 lt di latte
300 gr di miele
3 uova
scorza di un limone e di un’arancia
300 gr di uva passa
300 gr di pangrattato
150 gr di liquore Strega
6 tazze di caffè
150gr di fichi secchi
200 gr di cacao amaro
150gr di farina di mais
150 gr di farina 0
3 cucchiaio di olio EVO
500 gr di mele
500 gr di pere
50 gr di gherigli di noci
20 gr di pinoli
20 gr di mandorle
PROCEDIMENTO
Mettete a bagno il farro, l'orzo perlato e il riso integrale per almeno un'ora e poi cuoceteli nel
latte per 50 minuti. Nel frattempo, mettete in un contenitore il miele, le uova, la scorza
grattugiata del limone e dell'arancia, l'uva passa, il pangrattato bagnato con latte, il liquore, il
caffè, i fichi secchi tritati grossolanamente, le farine, il cacao in polvere, l'olio, le mele e le
pere tagliate a pezzi, i gherigli di noce, le mandorle e i pinoli. Mescolate tutto bene e cuocete
in padella a fuoco basso per qualche minuto, aggiungete il composto di riso cotto e mescolate
bene. Trasferite il tutto in una teglia unta e cosparsa di pangrattato; il composto steso risulta
alto 5 cm. Se il composto risulta un po' duro aggiungete un pochino di latte e di liquore.
Mettete in forno a 150°C per un'ora, lasciatelo riposare ancora un quarto d'ora circa a forno
spento, rovesciatelo su un piatto di portata, cospargetelo di zucchero a velo e tagliatelo a
cubetti grossi.

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Vista l’attuale impopolarità della Russia, troppo impegnata a mettere in chiaro
una guerra umanitaria, in questo articolo oggi ci tengo a sottolineare come la
bar industry sia tanto vicino, quanto influente, come una volta era il cibo in
tempo di guerra.
Quindi cosa è successo di così stravagante? Un drink nato a Los Angeles, per
caso da tre amici, che per caso miscelarono la vodka Smirnoff (prodotta e
creata a Mosca) alla bevanda allo zenzero e per caso aggiunsero un po’ di
lime fino a quando non scoprirono e capirono che il gusto era eccezionale e
che avevano bisogno di qualcosa per far capire che era un nuovo intrigo….
Quindi comprarono delle tazze di rame con un asino disegnato sopra, da qui
l’omonimo nome appunto Moscow mule, che, pensate, la strategia adottata
per far conoscere il drink ai baristi e ai bar Americani fu di impiegare gli attori
del tempo, tra cui anche un suo consumatore, Mr. Woody Allen.
Oggi appunto, l’iniziativa degli American Bar è stata proprio di boicottare la
vodka Russa e di censurarne anche le tipicità del luogo. E non solo il Moscow,
che da oggi passerà a Kiev Mule, ma anche il White & Black Russian, oggi
White Ukranian & Black Ukranian, e la Caipiroska in Caipi Island.
In conclusione, questa decisione, per me non molto efficace, su una
considerazione mi trova d’accordo; e sarebbe il fatto che la vodka migliore,
come ha precisato Cipriani dello storico Harry’s bar di Venezia, è Polacca.
Instagram: https://www.instagram.com/danilo_pentivolpe/
WEB SITE: www.bartendersclassheroes.com
Facebook: https://www.facebook.com/pentivolpe.danilo/
Danilo Pentivolpe

TuttoBallo
MAURI MENGA
TENDENZE
MAKE UP 2022
COME TRUCCARSI IN QUESTA
PRIMAVERA ESTATE

Per chi ama rinnovare il proprio aspetto ed essere sempre alla moda, le tendenze
make up 2022 chiudono il capitolo del nude look e trasformano il viso di chi lo
vorrà in una bellissima tavolozza dai toni pastello o glitterati. Per chi cerca consigli
di make up ecco come truccarsi in questa primavera estate, tutti i suggerimenti
beauty per un look vibrante, creativo e personalizzato.
Il dominio dei nude e del morbido e sofisticato degli ultimi anni sta per essere
sostituito dal colore, soprattutto sulle labbra. Dopo un anno e mezzo di bocca
coperta dalla mascherina, torna allo scoperto e lo fa alla grande con il rosso e il
viola su tutti, anche abbinati a smokey eyes scuri. Infatti anche sugli occhi
ricompaiono lampi brillanti tra azzurri, rosa, gialli e verdi fluo, mentre la base è
sempre più nuda e fusa con la pelle, abbandonando il glow estremo in favore del
trucco opaco ma leggeri, impalpabili. Anche questa primavera estate indosseremo
il look monocromo, dove lo stesso colore tocca bocca, guance e occhi nel nome
dei rosa, dei rossi e dei pescati, anche intensi, mentre gli illuminanti saranno
cremosi e leggeri, dall’effetto non troppo bagnato. Nella storia degli stili di trucco
abbiamo imparato ad apprezzare nuove mode, abbiamo visto tramontare
velocemente alcune tendenze, abbiamo visto tornare dei beauty di tendenza
particolari.
TuttoBallo
Tra le tendenze make up 2022 c’è proprio un grande ritorno: quello dei toni pastello che si rifà agli anni del trucco ottanta e
duemila Quest’anno sarà una vera esplosione di colore, dove tonalità creative colorano labbra e occhi in modo unico e
incredibile, dove gli occhi si trasformano in piccole opere d’arte, dove ombretti pastelli si fondono tra loro in modo energico e
sgargiante, oppure dove le labbra tornano protagoniste, un punto luce rosso ultra femminile che non può passare inosservato!
Per le amanti del nude look e della bellezza al naturale, è chiaro che ognuna fa quello che vuole di sé e del proprio corpo quindi
non è necessario doversi arrendere alle nuove tendenze make up ma continuare con la propria scelta di trucco ideale. Lo stesso
vale per chi ha ceduto
Le sopracciglia sembrano tatuate, quest’anno la parola d’ordine è sopracciglia sottili ma ben definite e questa nuova moda non
fa per chi ha ceduto al ritocchino di rinfoltimento! Alla base delle tendenze trucco 2022 c’è il rosso, in tutte le sue sfumature,
Questa tonalità romantica si ripete su zigomi e labbra, per una nuance rosata naturale, fresca e luminosa. Questa tonalità è la
chiave di bellezza in quanto è un colore che simboleggia il benessere, la salute, il romanticismo. Un effetto benessere
totalizzante per chi vuole esprimere la sua femminilità nella sua delicatezza. La tendenza per quest’anno è dare volume e
colorare le labbra di tinte rosse per un effetto luminoso, metallizzato, lucido ma allo stesso tempo confortevole. Una nota
audace, che va dai rossi accesi a quelli più delicati oppure con tonalità più scure, dal borgogna al vinaccia.
Il glitter non è mai scomparso totalmente dal mondo del make up ma nel 2022 torna alla ribalta sia per il trucco labbra sia per il
trucco occhi: ombretti in crema, in polvere, liquidi, per un make up luminoso, brillante, abbinato a ombretti dai toni scuri per
trovare le giuste sfumature e dare vita ad un trucco perfetto. Al rosa si affiancano argento, oro, bronzo o bianco in base al
proprio incarnato. Per chi ama i colori pastello, nel make up 2022 non ci sono solo ombretti glitterati ma anche tante favolose
tonalità pastello. la nuova tendenza vuole il bianco come base trucco occhi, a cui abbinare lilla o viola Very!

Pensiero del mese
DI FRANCESCA MEUCCI - DIRETTRICE DI SOLOMENTE
Un giorno decidi di fare qualcosa di concreto per la
popolazione ucraina. Raccogli un sacco di roba, la dividi per
genere in scatole predisposte e vai a consegnarle a Santa
Sofia, il punto di raccolta di Roma. Però quando arrivi non ti
limiti a consegnare e andare via. Chiedi se puoi visitare la
chiesa. É meravigliosa. Fuori è tutta bianca. Dentro tutta
piena di mosaici colorati che ti ricordano quelli bizantini della
Basilica di Sant'Apollinare Nuovo a Ravenna. C'è un'altare.
Sul lato destro la bandiera illuminata dai raggi del sole che
entrano dalle vetrate. Io prego. C'è una grande pace. In
chiesa non c'è nessuno. Al piano di sotto ci sono almeno
duecento volontari che smistano le donazioni dei romani. I
romani hanno un grande cuore e fanno la fila per
consegnare quello che possono. Ogni giorno parte un tir. I
miei figli hanno scritto dediche in ucraino (per una volta lo
smartphone è stato utile) sui giochi per i bambini come loro,
che prima vivevano come loro e ora si ritrovano in guerra.
Una guerra che non gli appartiene e che non dovrebbero
vivere. I bambini non si toccano. Mai. Qualcuno ha messo
bigliettini nelle tasche dei vestiti (sempre in ucraino).
Qualcuno ha scritto 'Forza Ucraina' sul tappo del barattolo di
Nutella. Qualcuno domanda perché? Io non ho risposte.
Come la spieghi questa guerra assurda a un bambino?
Guardo la bandiera illuminata dal sole nella chiesa. C'è una
grande pace. Tanto silenzio. E penso che i bambini devono
vivere in pace, illuminati dal sole.
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