TuttoBallo20 Settembre EnjoyArt 2021

TuttoBallo20 - September 2021
Copertina: "Ginger e Fred" 1986 . Giulietta Masina, Marcello Mastroianni
ph © REPORTERS ASSOCIATI & ARCHIVI s.r.l. S.U.
Storia di Contro copertina: Gruppo Storico Romano - ph © Cosimo Mirco Magliocca
TuttoBallo20 - September 2021.
Editore "Stefano Francia" EnjoyArt
Direttore - Fabrizio Silvestri
Vice direttore - Eugenia Galimi
Segretaria di redazione - Pina delle Site
Redazione - Marina Fabriani Querzè
hanno collaborato: Maria Luisa Bossone, Antonio
Desiderio Artist Management, Francesco Fileccia, Giovanni
Fenu, Mauri Menga, Sandro Mallamaci, Walter Garibaldi,
Giovanni Battista Gangemi Guerrera, Lara Gatto, Patrizia
Mior, Danilo Pentivolpe, Assia Karaguiozova, Federico
Vassile, Elza De Paola, Giovanna Delle Site, Jupiter, Francesca
Meucci.
Foto: Luca Bartolo, Elena Ghini, Cosimo Mirco Magliocca
Photographe Paris, Danilo Piccini, Luca Valletta, Raul Duran.
Foto concesse da uffici stampa e/o scaricate dalle pagine
social dei protagonisti.
Le immagini e le fotografie qui presentate, nel rispetto del diritto
d’autore, vengono riprodotte per finalità di critica e discussione ai
sensi degli artt. 65 comma 2 e 70 comma 1bis della Lg. 633/1941.
É vietata la copia e la riproduzione dei contenuti e immagini in qualsiasi forma.
É vietata la redistribuzione e la pubblicazione dei contenuti e immagini non autorizzata espressamente dal
direttore. I collaboratori cedono all'editore i loro elaborati a titolo gratuito.
Testata giornastica non registrata di proprietà: ©ASS: Stefano Francia EnjoyArt
per contattare la redazione Tuttoballo20@gmail.com
Carissimi amici, dopo una lunga pausa estiva....
Bentrovati... Dopo la pausa estiva rieccoci qua
(anche se l’estate non è completamente finita!) e
speriamo che il nostro numero passato vi abbia
fatto compagnia sulla spiaggia, sdraiati a bordo
piscina, in montagna o, comunque, in qualsiasi
luogo abbiate scelto di vivere giorni di relax.
In questo numero abbiamo deciso di dedicare la
copertina e contro copertina a due importanti
iniziative. A Rimini apre finalmente il Museo
dedicato al maestro Federico Fellini. La storia
di copertina è dedicata a lui con una foto
gentilmente concessa da REPORTERS ASSOCIATI
& ARCHIVI nella quale ci sono due mostri sacri
del cinema italiano Masini Mastroianni. Mentre
la storia di contro copertina è stata dedicata al
Gruppo Storico Romano una presentazioni fatta
dalle foto del nostro amico fotografo Cosimo
Mirco Magliocca. Tuttoballo20 torna molto più
“energica” e con tanti altri articoli interessanti,
che vanno dai viaggi, alle riflessioni artistiche,
alla cucina e poi … scaricate la rivista, sfogliate e
scoprite!
© F R E E P R E S S O N L I N E r i p r o d u z i o n e r i s e r v a t a - D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t "

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E D I T O R I A L E
Cari lettori,
settembre è il mese del ritorno alla routine, alla normalità, alla vita di tutti i
giorni…
Durante la pausa estiva sono successe tante cose, ognuno ha vissuto delle
esperienze e qualcuno ha voluto raccontarle a noi. L’estate si sa, ha il sapore
della gioia e della festa, e questa estate per noi è stata molto particolare in
quanto è stata spettatrice della perdita di alcuni nomi importanti
appartenenti al mondo dello spettacolo, dell’Arte: si è iniziato con Carla
Fracci, poi Raffaella Carrà, artiste che abbiamo omaggiato e, purtroppo, pochi
giorni fa abbiamo dato l’addio a Nicoletta Orsomando…
Ma l’Arte di oggi è cambiata rispetto a quella di ieri? Cosa ci hanno lasciato in
eredità i grandi artisti che sono andati via? E, i nuovi artisti sono degni di
tale eredità?
Nei numeri della nostra Rivista, così come in questo, si evince che la voglia di
esprimersi, di raccontarsi, da parte di artisti, giovani e/o meno giovani, è
sempre forte, radicata, magari presenta contorni e sfumature diverse da ciò
che era l’Arte di una volta…ma è comunque Arte allo stato puro.
Ne è la testimonianza la gioia dei ballerini che partecipano al Blackpool
Festival, o l’emozione di un giovane fotografo che conosce se stesso attraverso
i propri scatti, o di chi riscopre il piacere di ammirare il mondo, la natura,
che è Arte, attraverso i propri viaggi o un semplice tragitto in bicicletta, e le
tante manifestazioni d’Arte svoltesi o che si stanno ancora svolgendo … e
tanto tanto ancora.
Tutto è Arte e, sicuramente, chi “sente” davvero di essere Artista, è degno
dell’eredità lasciata.
Ci auguriamo inoltre che, in un momento particolare con cui dobbiamo fare i
conti, grazie all’aumento del numero dei vaccinati, si torni alla normalità di
teatri, concerti e serate conviviali di cui questa estate abbiamo iniziato ad
assaporare il ritorno.
Bentrovati a Voi tutti e buona lettura!

A T T U A L I T Á
Durante i mesi trascorsi in lockdown o in vacanza per i più fortunati, senza la possibilità di allenarci in palestra, ognuno di noi
ha fatto un po’ quello che poteva a casa. C’è chi ha allestito una piccola palestra con pesi e attrezzi minimal in camera da letto.
Chi, nel tentativo di non perdere del tutto fiato e gambe, ha macinato qualche chilometro correndo attorno al tavolo della sala,
in uno slalom scomposto tra sedie e mobili oppure sotto casa. Piegamenti, allungamenti, plank, stretching nel salotto di casa
sono sicuramente stati utili per tenerci in forma, ma a lungo andare tutto ci è venuto a noia e abbiamo rallentato, sostituendo
gli esercizi casalinghi con maratone su Netflix. Certo, non per tutti è stato così, i più dinamici non si sono mai lasciati
sopraffare dallo sconforto e ora che le palestre hanno riaperto si sono immediatamente fiondati a rinnovare l’abbonamento.
Gli altri, quelli un po’ meno motivati, l’abbonamento lo hanno rinnovato, ma con un pizzico di entusiasmo in meno.
Insomma, tornare a fare attività fisica dopo tanto tempo a volte può risultare “faticoso”, sia fisicamente che mentalmente.
Spesso, entrare nel mood mentale giusto è proprio la parte più difficile. È proprio così e un pizzico di pigrizia è più che
fisiologica. Ma due sono i punti forza su cui dobbiamo soffermare la nostra mente: il primo, ricordare da dove siamo partiti,
quel desiderio forte che avevamo quando abbiamo iniziato a fare attività sportiva quel desiderio che passa dallo stare bene, al
ritrovare la forma fisica, al vivere un momento conviviale. Il secondo, essere consapevoli che l'esercizio fisico, costante a
intensità moderata e col giusto metodo ci permette anche di allenare il sistema immunitario, sistema il cui valore è stato
messo in luce ancora più negli ultimi mesi. L'esercizio fisico inoltre riduce l'ansia e il rischio di depressione. E poi, solo il
primo passo sarà quello più impegnativo, poiché già dopo i primi venti minuti di esercizio della prima sessione saremo invasi
da una cascata ormonale che ci riaccenderà il piacere di fare sport. Nel momento in cui decidiamo di riprendere ad allenarci
dopo un lungo periodo di inattività dovremmo sottoporci a una visita d'idoneità sportiva, non per burocrazia nei confronti
della palestra quanto per noi stessi. A seconda dello stato di forma riscontrato potrà essere il medico dello sport durante questa
visita a personalizzare il nostro carico. Ripartire dall'attività di tipo aerobico a bassa intensità alternandola a sessioni per la
forza muscolare.
Esercizi aerobici per favorire la vascolarizzazione e rimettere in moto in maniera corretta il miocardio, il muscolo del cuore.
Poi esercizi per il tono in particolare degli arti inferiori, del cuore e dei muscoli paravertebrali. Dovremmo invece evitare tutti
quegli allenamenti che prevedono un eccessivo carico per le articolazioni, come ad esempio l'articolazione del ginocchio.
Bisogna ripartire a ricostruire le fondamenta del nostro benessere ricordando che l'incremento dello stato di forma passa
anche dal giusto recupero tra le sessioni. E se parliamo di recupero dobbiamo anche ricordare che ciò che attiva gli stimoli
allenanti è la corretta nutrizione.
Vietato sottovalutare l'alimentazione e non rispettare i recuperi. Il recupero è allenante! Evitare di fare troppo e recuperare
troppo poco. Un allenamento eccessivo, che non rispetta i tempi dettati dal nostro corpo, potrebbe causare inaspettati
infortuni oltre a un fastidioso burnout.
Photo Danilo Piccini

A T T U A L I T Á
di Sandro Mallamaci
Si tratta di regolare la convivenza civile dei soggetti di una comunità
Il fine che dovrebbe guidare la determinazione delle regole è quello di garantire i diritti fondamentali dei singoli mantenendo coesa la
comunità senza creare contrasti e senza la necessità di imporle con metodi coercitivi, secondo il principio “democratico” secondo il
quale le ragioni della maggioranza prevalgono sempre su quelle del singolo individuo.
Comunque la si veda le finalità da condividere devono prima di tutto essere comprese e quindi razionalmente accettate da
tutti. Sta a chi è delegato a prendere decisioni per il bene collettivo riuscire a comunicare in maniera chiara e innanzitutto
coerente.
Questa pandemia ha messo in evidenza i limiti di tanti che occupando posti di grande responsabilità non sono risultati né buoni
comunicatori né buoni decisori. Si è affrontato il problema in maniera improvvisata sin dai primi momenti e neanche in questi giorni,
dopo un anno e mezzo, dimostrano di avere idee chiare e coerenti. Sembra sempre che tutto venga deciso sull’onda di un sentimento
diffuso di paura, che è esattamente il contrario di quello che sarebbe normale aspettarsi da una classe dirigente responsabile che
dovrebbe avere come obiettivo la garanzia della sopravvivenza, non tanto del singolo individuo (in termini di salute), quanto della intera
comunità intesa come gruppo capace di convivere in armonia senza contrapposizioni o tensioni tra categorie diverse.
E allora sempre attenti a quello che accade giorno per giorno, nella speranza che questo incubo svanisca il più presto possibile. Nel
frattempo cerchiamo di capire, ci informiamo, facciamo circolare idee, ci confrontiamo, perché una volta emanato un decreto,
promulgata una norma, non si può fare altro che rispettarle, pena sanzioni a carico dei cittadini, proprio loro sovversivi, unici colpevoli di
creare i problemi, che in realtà sono frutto di un modo di governare non proprio illuminato.
Il primo settembre sarà un altro momento di transizione da un modo di vivere ad un ennesimo altro. Nuove regole da
rispettare, sempre più incomprensibili e per nulla coerenti.
Il famigerato lasciapassare, istituito in accordo tra gli stati, peraltro con applicazioni differenti anche all’interno della stessa unione
europea, che già sta avendo i suoi effetti negativi in termini di pacifica convivenza, sarà essenziale per poter fare molte cose di vita
quotidiana. Ma a leggere il decreto vien quasi voglia di non dare troppo credito a chi queste decisioni ha ritenuto di adottarle. Basti
confrontare gli ambiti in cui è stato ritenuto obbligatorio questo green pass e quelli in cui invece non è necessario.
È lecito chiedersi il perché dell’obbligo di una certificazione verde, ad esempio, per poter svolgere attività sportiva al chiuso,
in luoghi controllati con accessi filtrati, ed invece non serve per poter prendere un mezzo di trasporto pubblico locale, in cui
non è possibile garantire alcuna misura di sicurezza in termini di igiene e distanziamento.
Chi è dotato di un minimo di capacità critica e di raziocinio fa molta difficoltà a capire la logica che sta dietro a questo modo di
procedere che, invece di ottenere l’obiettivo di fare accettate e condividere queste decisioni ai cittadini, ingenera sospetti e dubbi sulla
bontà e sulla possibilità di superare questo difficile momento. Trattamento diverso tra individuo ed individuo, chi ha meno di 12 anni, chi
è affetto da patologie, tra attività e luoghi, ristoranti e bar, teatri e cinema, impianti sportivi, scuole e università, mezzi di trasporto locali,
regionali a lunga percorrenza, metropolitane e aerei, nazionali ed internazionali.
Un esercizio di incoerenza ed illogicità che offende l’intelligenza, se è vero che vogliono farci credere che tutto questo sia
necessario per sconfiggere definitivamente questo famigerato virus.
Ognuno per la sua parte farà il proprio dovere di buon cittadino cercando di rispettare comunque queste regole, ricattati come siamo
dalla minaccia di una nuova chiusura generale delle attività con conseguente limitazione della libertà degli individui.
Il vaccino, presentato come l’unico modo per continuare a vivere “liberi”, come già si sapeva, non può essere considerato la soluzione
definitiva, tenuto conto dell’incertezza sui suoi reali effetti, nonostante ciò sembra l’unica strada razionalmente perseguibile con un
minimo di principio di logicità al fine di raggiungere l’agognata immunità di gregge. Finite le vacanze si torna alla vita di routine, ognuno
alle prese con il proprio lavoro, con i propri interessi, doveri e piaceri. In ufficio e in fabbrica comunque, con o senza green pass
(l’importante è produrre), ma se vuoi mangiare una pizza o andare in palestra, ballare o fare qualunque sport al chiuso, lo puoi fare solo
garantendo la salute degli altri. Il virus può continuare a circolare sui mezzi di trasporto, ma guai a farlo entrare in palestra o al
ristorante. Dilemma vivere da artisti come spiriti liberi o da sportivi rispettosi acritici delle regole del gioco?

ADDIO NICOLETTA ORSOMANDO
A T T U A L I T Á
LA SIGNORA DELLA TV
di Walter Garibaldi
Ph Danilo Piccini

A T T U A L I T Á
“La prima volta che ho visto Nicoletta è stata una grande emozione. Quando mi misero a cachet nel 1970 e
successivamente nel 1974 entrando fissa in Rai, esaudirono il mio sogno di lavorare con la “televisione”, tanto
Nicoletta era immensa. Non sapevo se poterle dare del tu ma lei sempre cordiale, sempre garbata, immediatamente
riuscì a tranquillizzarmi. L’ultimo ricordo di condivisione è legato ad una sua recente vacanza qui a Tarvisio,
vennero a trovarmi lei e Rosanna Vaudetti e le portai in Austria, in Slovenia, sul Monte Lussari, uscivamo in
perlustrazione di questi posti fantastici con l’entusiasmo ritrovato di un terzetto di amiche care. Ora in qualche modo
la terrò sempre dentro al mio cuore cercando di sostituire il dolore che provo grazie al ricordo vivo della sua
spensieratezza e contagiosa allegria. Nicoletta “La Signora Televisione”.
Questo il ricordo di Maria Giovanna Elmi, collega ed amica di Nicoletta Orsomando.
Il pensiero della Elmi rappresenta milioni di utenti che non per fattore nostalgico, rivorrebbero ciò che la
televisione è stata fin dagli esordi ma che non è più. Il decadimento attuale al quale ormai ci siamo abituati e che
non desta scalpore alcuno, è frutto certamente di un disegno più ampio, però nel lontano ottobre del 1953 il sorriso
della Orsomando debuttò, accogliendo gli italiani in un palinsesto ampio e nobile (concerti, opere liriche, commedie
teatrali, documentari) con evidenti intenti istruttivi e senza alcuna pedanteria.
Dizione cristallina, articolazione impeccabile, tonalità magnifica forgiata dalle tavole del palcoscenico (iniziò come
attrice prettamente teatrale) Nicoletta Orsomando era un brand, al quale devotamente le colleghe che seguirono,
dovettero giocoforza relazionarsi e con comuni intenti. Mai uno screzio, mai una polemica, ognuna di loro riuscì a
ritagliarsi la sua dose di affetto da parte di un pubblico che a ragione le venerava e seguiva con tenera costanza.
Nicoletta Orsomando, colei che tutto iniziò, si spegne il 21 agosto di quest’anno “disgraziato” per le arti ma è
curioso notare che sempre in questo 2021, più di 40 milioni di televisori finiranno al macero. Dal 1° gennaio 2023
in vista del passaggio del digitale terrestre ai nuovi standard, la maggior parte dei televisori non saranno più
utilizzabili. Cara Nicoletta, purtroppo, la televisione di un tempo non c’è più ma grazie infinite per averla
presentata, guardandoci con stupore e benevolenza, certamente intuivi dove saremmo arrivati ed è molto meglio che
tu non veda dove andremo.

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Da metà agosto il più famoso festival di danza sportiva è
tornato a vivere. Al Winter Garden di Blackpool, struttura
storica del festival, la pista è tornata ad animarsi con molte
coppie provenienti da tutto il mondo.
I Ballerini Marco Barbera e Federica D’Orazio (nella
foto), Top 18 nella Rinig Star Amatori Ballroom, sono
stati gli occhi della nostra rivista. Marco e federica
reporter speciali hanno raccontato l’atmosfera vissuta.
“Tutto sembra tornare alla normalità! In Inghilterra non
abbiamo avuto l’obbligo di indossare la mascherina anche
nei luoghi chiusi, anche se molti ballerini la utilizzano per
spostarsi nei luoghi affollati... soprattutto i ragazzi che
provengono da paesi intercontinentali sentono l’obbligo di
indossarla per precauzione! Tutto è molto bello,
emozionante, l’atmosfera all’interno del Winter Garden è
magica, non si perde nemmeno la più piccola occasione per
applaudire e fare il tifo. Anche se il teatro è più vuoto
rispetto agli altri anni, Blackpool regala sempre a noi
ballerini un’unica consapevolezza: il ballo è la nostra vita!
Crediamo fortemente che questa edizione sia una delle più
belle di sempre, dopo il periodo brutto affrontato e al di là
dei risultati quest’anno torniamo a casa super felici di aver
preso parte ad un ritorno alla vita quotidiana!
Ogni giorno che passa qui a Blackpool è pieno di grandi
emozioni e speriamo di continuarle a vivere per sempre!!!
Viva il ballo e viva la vita
NUMERO ISCRITTI:
Amatori Latini
116 coppie
Amatori Standard
73 coppie
Rising Star Amatori Latini
113 coppie
Rising Star Amatori Standard
70 coppie
Professionisti Latini
70 coppie
Professionisti Standard
49 coppie
Federica D’Orazio & Marco Barbera

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A T T U A L I T Á
Estate 2021
GLOSSA GRÈCA TIS KALAVRÌA
GRIKO: UNA LINGUA DI PADRE IN FIGLIA”
DI
GIOVANNI BATTISTA GANGEMI
Metti una sera d’estate, un antico Borgo, il percorrere in macchina
una strada consumata dal tempo, e vedere da lontano un Paesino,
disperso tra le montagne dell’Aspromonte e appena arrivi ti sembra
di tornare indietro nel tempo. Un paesaggio incantato, tra case
costruite di pietra, anziani seduti sull’uscio della propria abitazione,
la bottega “ A Putìa” del Vino e ad rappresentare il tutto una
locomotiva a carbone, ferma, quasi a voler rappresentare un tempo
andato e un tempo che ti porta a tante memorie. Invaghito dal
paesaggio, ti incammini per tutto il Borgo di Bova. Percorri quelle
piccole strade , quasi tutte in salita, e le persone del luogo che ti
salutano con “Kalispera”, l'augurio che si scambiano i greci per
augurarsi una "buona sera".
È qui che l’arte incontra la cultura, la storia e la memoria di un
popolo. Il Grecanico, le sue leggende e la storia portate in scena.
Il Grecanico è un dialetto della lingua greca moderna parlato in
provincia di Reggio, in Calabria. È formalmente una lingua
minoritaria appartenente alla minoranza linguistica greca d'Italia.
Tale lingua era parlata in tutta la Calabria meridionale fino al XV-
XVI secolo, quando fu progressivamente sostituita dal dialetto
romanzo, influenzato comunque dal Grecanico nella grammatica e
in molti vocaboli (nel XVIII secolo il dialetto calabrese aveva ancora
moltissimi grecismi).
Durante il periodo fascista le minoranze linguistiche, tra queste anche la comunità linguistica del
Greco di Calabria, venivano osteggiate. È sintomatico di un clima così sfavorevole l'usanza,
invalsa negli anni trenta, di apostrofare una persona con l'espressione proverbiale «mi sembri
un greco», utilizzata con intenti offensivi. L'uso di altre lingue che non fossero l'italiano, dunque
considerate dialetti, era considerato dagli stessi parlanti come simbolo di arretratezza e i
maestri punivano quegli alunni che venivano sorpresi a parlare in classe un dialetto anziché
l'Italiano.
Scende la sera e mi affretto per raggiungere il luogo dove si svolgerà lo spettacolo “Na
Apòchuome” realizzato in collaborazione dalla Scuola di Recitazione della Calabria e i suoi
allievi: Vincenzo Pillari, Alessia Traviglia, Naomi Barbagallo, Giuseppe Pellicanò, Sergio
Nicolaci, Silvia Pisanti e dall’Associazione Jalò tu vua.
E’ uno spettacolo che nasce all’interno di un progetto specifico “Griko: una lingua di padre in
figlia” e che, tra i diversi obiettivi, ha quello di far rivivere la storia ed i luoghi del cuore dell’area
Grecanica della provincia di Reggio Calabria, ed in particolare di Roghudi e della Rocca del
Drako.
Lo spettacolo narra la favola del Drako o meglio la storia, perché ciò che è narrato fa parte della
realtà di quei luoghi. Il Drako non è un drago ma un essere mitologico, un caprone o un uomo
con un solo occhio. Tutto ci riporta alla tradizione più antica e facilmente troviamo delle
similitudini e dei punti di incontro con il mondo greco della tragedia. La narrazione è composta
da due parti: un prologo in cui gli attori sono stati chiamati ad indagare tematiche quali il
sacrificio che ci porta ad incrociare la tragedia di Ifigenia, e il dissotterrare, che diventa uno
scavare dentro di sé. Una seconda parte in cui si narra la vera storia del Drako e che ci trascina
dentro l’Odissea, attraverso il Drako e il Pronipote che per lo spettacolo diventano Ulisse e
Polifemo. E nello sviluppo della trama incrociamo le Narade o Anarade, che ci riportano
l’immagine delle streghe del Macbeth.
Parlando con La Regista Renata Falcone ci dice che è uno spettacolo che ci fa scoprire ancora
una volta la ricchezza della memoria e l’universalità dei linguaggi. Le coreografie,
magistralmente curate dal docente Giovanni Battista Gangemi, i suoni e i canti creati in
collaborazione con la cantante e docente Chiara Tomaselli, hanno donato alla narrazione quella
completezza del narrare che in una storia così non poteva essere affidata esclusivamente al
racconto orale ed alla recitazione.
Come è stato lavorare con dei giovani attori in formazione ?
E’ stato un privilegio poter lavorare con una libertà d’azione e di ricerca massima e con la
disponibilità di allievi attori pronti sempre a farsi delle domande ed a sperimentare.
Rappresentare un testo Grecanico, una lingua che appartiene alla storia Calabra, ma che,
ahimè, è sempre meno parlata . Ha portato delle difficoltà?
Il testo tradotto dal Grecanico e narrato è stato da un lato la nostra più grande difficoltà e
dall’altro la più grande ricchezza perché ci ha permesso di lavorare sull’immaginazione e la
creazione. Inoltre il doversi adattare a luoghi non teatrali, ci ha permesso di lavorare e studiare
lo spazio e trasformarci in esso e con esso.
Concludo dicendo che “Na Apòchuome” è uno spettacolo che oltre a raccontare la storia di un
popolo ci ha permesso di sognare e di rivivere le nostre radici.

A T T U A L I T Á
POLE
DANCE
Conquista anche gli uomini.
il successo della Pole Dance femminile, oggi è
Dopo
anche quella maschile per tutti gli uomini dai 20
arrivata
60 anni. Molti gli uomini annoiati dal body building che
a
nuovi stimoli; per quelli stufi di accompagnare le
cercano
e rimanere ad attenderle mentre si allenano, la
fidanzate
Dance è un’alternativa efficace e divertente.
Pole
Dance (letteralmente, “ballo del palo”) è un’attività
Pole
che prevede evoluzioni intorno a un palo e che
fisica
ultimi anni è diventata piuttosto popolare. Oggi
negli
disciplina, nata come esibizione ginnica dal
questa
sensuale, si è trasformata in un vero
carattere
fisico.
allenamento
qualche anno questa disciplina è adatta anche agli
Da
uomini…
Pole Dance richiede coordinazione, resistenza, forza
La
e flessibilità. Gli esercizi e le posizioni che si
muscolare
intorno alla pertica richiamano molto le
eseguono
dei ginnasti o dei trapezisti del circo.
performance
pole Dance è un allenamento per veri duri, che
La
un riscaldamento stile marines e una serie di
prevede
al palo (sollevamenti e resistenza) che lasciano
tecniche
fiato. senza
on the pole” è un ottimo metodo per rimanere o
“Men
in forma e per mettersi dopo la pausa estiva.
tornare
Enrico Bandiralli insegnante Pole Dance e discipline aree
Moris Ciccone

A T T U A L I T Á
CARLA
MON
FRACCI
AMOUR
Pino Strabioli, Kledi Kadiu e Silvia Frecchiami hanno reso omaggio alla leggenda mondiale della danza
con la supervisione del Maestro Beppe Menegatti
Carla Fracci, icona della danza e simbolo di grazia e leggerezza,
ha ispirato migliaia di bambine che ne hanno fatto la propria musa.
Tra queste anche Silvia Frecchiami che, dopo averla vista ballare
in Giselle a soli sei anni, decide di inseguire il sogno della danza. E
come Silvia ci sono migliaia di bambine e bambini che si sono
ispirati alla purezza della sua arte e ne hanno fatto il faro su cui
orientare la propria rotta. Era un’infaticabile lavoratrice della danza a
cui, insieme al marito Beppe Menegatti, ha dedicato la vita.
Potremmo invertire le parole di un famoso detto e affermare che
dietro una grande donna spesso c’è un grande uomo, così è stato
per Carla, che in Beppe ha trovato una preziosa colonna portante
della sua arte.
In occasione del DID Summer Edition MiMa - 26 agosto - Cervia
ha ospitato lo spettacolo Carla Fracci Mon Amour a cura di Kledi
Kadiu e Silvia Frecchiami. Un gran galà in cui i più famosi ballerini
della scena del balletto attuale hanno presentato coreografie
classiche, talvolta reinterpretate in chiave moderna alternate a
coreografie inedite. Un omaggio alla famigerata étoile,
recentemente scomparsa, e divenuta nota in tutto il mondo, per la
varietà delle sue interpretazioni. Una serata a passo di danza per
celebrare l’immortalità di Carla Fracci.
In sottofondo l'accompagnamento della CM Orchestra Rhythms &
Drums, con la direzione del Maestro Andrea Pollione, insieme
sul palco con i fondatori CM Claudio Mazzucchelli, Fabio
Chirico e Pietro Pizzi.
Tra i ballerini che si sono esibiti: Virna Toppi e Nicola del Freo
(Primi ballerini del Teatro alla Scala di Milano), Anbeta Toromani e
Alessandro Macario (Primi ballerini freelance), Susanna Salvi e
Claudio Cocino (Primi ballerini del Teatro dell’Opera di Roma,
premio Stefano Francia 2018), Noemi Arcangeli e Hektor Budlla
(Solisti freelance), Amilcar Moret Gonzalez (Primo ballerino del
Kiel Ballett) e Giulia Stabile (Vincitrice di Amici 2021).

A T T U A L I T Á
"MITI DEL CANTO ITALIANO"
CARUSO
CORELLI
DI STEFANO
Mostra virtuale sul sito Teatro alla Scala e Italiana
Nel 1921 moriva a Napoli Enrico Caruso, uno dei cantanti più
famosi della storia. Quello stesso anno nascevano due dei
tenori di riferimento del secolo scorso: Giuseppe Di Stefano e
Franco Corelli, che al Teatro alla Scala sono stati protagonisti
di spettacoli leggendari.
Per celebrare i tre grandi tenori, che hanno rappresentato la
cultura italiana nel mondo, il Ministero degli Affari Esteri e della
Cooperazione Internazionale ha prodotto “Caruso, Di Stefano,
Corelli. Miti del canto Italiano”, un’inedita mostra virtuale
realizzata dalla Fondazione Teatro alla Scala con il Museo
Teatrale alla Scala e curata da Mattia Palma.
La mostra presenta gli interni della Scala in modalità 3D
fondendo spazi reali e allestimenti architettonici virtuali, nei
quali i visitatori possono muoversi liberamente, esplorando un
ricco e variegato insieme di risorse sonore, video e
fotografiche.
Il percorso espositivo inizia con la figura del grande Enrico
Caruso, interprete sensibile e moderno, capace di cogliere i
cambiamenti del suo tempo non solo perché espresse la
diversa sensibilità di un’epoca in cui l’eroismo tenorile
ottocentesco cedeva il passo a interpretazioni più borghesi e
intime, ma anche perché fu pioniere dell’incisione discografica
incidendo, nel 1902, il primo 78 giri registrato in Italia e
avviandosi così a divenire la prima star discografica della
musica italiana ed internazionale.
La mostra prosegue con la presentazione delle figure e delle
interpretazioni più importanti di Franco Corelli e Giuseppe Di
Stefano che, accanto a Maria Callas, furono i protagonisti della
scena lirica degli anni Cinquanta. Attraverso le testimonianze
della stampa e delle fotografie di scena, questa sezione della
mostra restituisce il clima artistico degli anni in cui la Scala e i
suoi artisti erano portabandiera della ripresa italiana tra il
dopoguerra e il boom economico.
Gran finale da non perdere quello del “concerto impossibile”,
un’esibizione virtuale dei tre artisti che interpretano la stessa
aria: “Vesti la giubba” dai “Pagliacci” di Leoncavallo.
La mostra sarà visitabile online, per un anno, sul sito web del
Teatro alla Scala e su italiana a partire dal 2 agosto 2021.
Realizzata dal Ministero degli Affari Esteri e della
Cooperazione Internazionale e dalla Fondazione Teatro alla
Scala, la mostra viaggia nel mondo grazie alle Ambasciate, ai
Consolati e agli Istituti Italiani di Cultura. Informazioni
Fonte: Istituto Italiano di Cultura di Buenos Aires
il-pirata-corelli-con-maria-callas-1958-photo-by-erio-piccagliani--teatro-alla-scala
L'Elisir d'amore con il figlio 1954 ph Erio-Piccagliani- Teatro alla Scala
Enrico Caruso
Rigoletto. 16 dicembre 1953 ph Erio Piccagliani Teatro alla Scala
Organizzato da : MAECI
Data: fino al 29 Dic 2021
In collaborazione con : Fondazione Teatro Alla Scala, IIC
Ingresso : Libero

A T T U A L I T Á
premio
CAPRI DANZA 2021
Certosa di San Giacomo è stata la meravigliosa cornice dove il 27 agosto si è svolto il “Premio Capri Danza International”,
La
degli eventi tersicorei più prestigiosi del panorama mondiale giunto alla VIII edizione. Il Direttore artistico dell’evento Luigi
uno
insieme a Corona Paone, già étoile del San Carlo di Napoli, con il patrocinio della Regione Campania e del Comune
Ferrone,
Capri, è riuscito nel tempo a consolidare serate magiche ricche di danza, di musica e teatro, e dallo scorso anno, nel
di
delle norme di sicurezza legate al coronavirus.
rispetto
agli importanti eventi promossi dalla Regione Campania, il Capri Danza International si conferma nel grande
Accanto
tersicoreo mondiale. Causa la pandemia del Covid-19 l’edizione di quest’anno del Premio Capri è stata rivista
panorama
le indicazioni pervenute sia dagli Enti competenti nazionali che regionali, la kermesse vedrà la premiazione dei
accogliendo
nazionali e dei Premi alla Carriera, annullando, così come nelle precedenti edizioni, i riconoscimenti destinati alla
danzatori
al giornalismo, alla fotografia ecc. Una riduzione del programma che accende nuovamente la luce su uno degli eventi
critica,
che ha segnato e segnerà un appuntamento in nome di Tersicore.
internazionali
presentare il Gala di danza sarà l’eleganza e la bravura di Veronica Maya. I Premi saranno firmati dall’artista amalfitano
A
Padrino di questa edizione Enzo Paolo Turchi, celebre ballerino che ha accompagnato Raffaella Carrà negli anni più
Airone.
della sua carriera. Premio alla carriera al coreografo internazionale Kristian Cellini. Premio alla divulgazione della
intensi
a Federica e Maria Pia Mauro, direttrici della scuola di danza caprese “L’isola della danza”, per il loro impegno
danza
dell’arte coreutica. Premio al merito a Nicola Del Freo, ballerino e solista del Teatro della Scala,
nell’insegnamento
dalla prima ballerina Virna Toppi; ancora dal teatro scaligero Martina Arduino e Marco Agostino che
accompagnato
un pas de deux tratto da Sylvia di Manuel Legris su musiche di Leo Delibes. Premio al merito ai ballerini: Michal
danzeranno
solista del Finnish National Ballet con l’assolo Les Bourgeois di Ben Van Cauwenbergh su musiche di Jacques Brel.
Krcmar
Moret Gonzalez, famoso ballerino televisivo, che si è esibito con Alessandro Macario e Anbeta Toromani in un pas de
Amilcar
dal titolo Preludes per la coreografia di Massimo Moricone. Premio al talento per Lorenzo Stingone mentre il Premio Silvio
trois
quest’anno è andato alla giovane promessa della danza Salvatore Esposito. Sul palcoscenico caprese, inoltre, si sono
Oddi
il Crown Ballet Company con Valeria Iacomino, Claudia Bevivino, Luisa Vallozzi, Sara Gison, Sara Borrelli, Irene De
susseguiti
Tommaso Palladino, Danilo Notaro, Flavio De Vargas, Pietro Valente, Giuseppe Aquila, Danilo Di Leo.
Rosa,
Desiderio, manager internazionale di lirica e danza, gia' Premio Capri Danza International della V edizione e Direttore
Antonio
del World Dance Award e del Dance Open America ha commentato così l’evento: Sono felicissimo di essere tornato a
Artistico
in una serata magica che da sempre solo Luigi Ferrone e Corona Paone sanno realizzare al meglio. Un immenso orgoglio
Capri
Cellini, Arduino, Agostino e Krcmar tra i premiati con i quali ho un sodalizio artistico da diverso tempo.
vedere

A T T U A L I T Á
BALLET FESTIVAL DI MIAMI:
INTERNATIONAL
COREUTICA HA VINTO SULLA PANDEMIA. OVAZIONI E
L’ECCELLENZA
PUBBLICO IN DELIRIO PER LA XXVI EDIZIONE DI UNO DEI FESTIVAL PIÙ
PRESTIGIOSO D’AMERICA
"Cala il sipario sulla XXVI edizione dell'International Ballet
Festival di Miami tra immensi ovazioni e pubblico in delirio.
Il Festival quest'anno è potuto tornare, seppur contingentato,
alla sua formula originaria con pubblico che ha potuto
accogliere le star del balletto che nelle giornate del 14 e 15
Agosto hanno danzato i più celebri pas de deux di balletto e
nuove creazioni contemporanee.
Tra i personaggi oramai ospiti fissi al Festival, Antonio
Desiderio, manager internazionale di danza e referente
europeo per il Festival stesso da oltre 15 anni. Lui lo ha
descritto così:
"Un'emozione incredibile! L'atmosfera del pubblico è stata
accogliente e, soprattutto, rassicurante dopo un periodo come
quello vissuto lo scorso anno! Di solito porto nel festival una
coppia di eccellenze italiane ma, per via del problema
pandemico, la mia scelta quest'anno è virata su una coppia di
eccellenti danzatori americani, Sydney Dolan del
Philadelphia Ballet e Sterling Baca del Pennsylvania
Ballet che hanno regalato al festival una esecuzione ottima
del celebre "Black Swan" dal Lago dei Cigni e il nuovo pas de
deux "Quiet of Love".
Proprio quest'ultimo si è avvalso della coreografia di Sabrina
Bosco, che ho avuto il piacere di presentare al Festival ed al
pubblico americano come debutto assoluto. Sulla celebre
melodia del Concerto di Varsavia, XXVI IBFM Philadelphia Ballet
Sydney Dolan Sterling Baca Ph Simon Soong hanno danzato
questo struggente pas deux ricco di emozione e virtuosismo."
Tante le personalità politiche e di settore intervenute in sala in
entrambe le serate, con l'augurio che sempre più serate come
queste arricchiranno le serate di tutti noi in italia e all'estero.
XXVI IBFM Philadelphia Ballet Sydney Dolan Sterling Baca Ph Simon Soong

A T T U A L I T Á
VALDARNOCINEMA
FILM FESTIVAL
XXXIX Edizione
Antonio Capuano a ricevere il Marzocco d’oro nell’ambito della 39esima edizione del Valdarnocinema Film Festival, la
Sarà
dedicata al cinema d’autore in programma ad ottobre a San Giovanni Valdarno. Il Premio, un riconoscimento alla
kermesse
raffigurato dalla statua simbolo del paese - un leone seduto che regge con la zampa lo scudo gigliato, simbolo
carriera
dominio fiorentino – viene assegnato al regista e scenografo italiano per la coerenza artistica e di politica culturale,
del
entrambe portate avanti per trent’anni da vero indipendente.
il Premio Marzocco d’oro alla carriera ad Antonio Capuano – dichiara Paolo Minuto, direttore artistico del
“Assegnare
- significa riconoscere ad un autore indipendente il merito di trent’anni di carriera portata avanti con l’ostinazione
festival
chi non ha voluto mai essere dipendente da nessuno. È il premio a chi, come regista, ha sempre avuto il pubblico come
di
privilegiato, così come da docente ha avuto gli studenti (insegnando Scenografia all’Accademia di Belle Arti
interlocutore
Napoli) come interlocutori privilegiati.” Nelle precedenti edizioni, Il Marzocco d’Oro era stato consegnato a:
di
Antonioni 1995, Mario Monicelli 1996; Paolo Taviani 1997; Silvana Pampanini 1998; Sandra Milo 1999; Marisa
Michelangelo
2000; Gilberto “Gillo” Pontecorvo 2001; Giuseppe Ferrara 2002; Adriana Asti 2003; Gabriele Ferzetti 2004; Marina
Merlini
2005; Anna Bonaiuto 2006; Raffaele Pisu 2007; Carlo Lizzani 2008; Vittorio De Seta 2009; Piera Degli Esposti
Confalone
Giuliano Montaldo 2011; Silvio Soldini 2013; Mimmo Calopresti 2014; Abel Ferrara 2015; Carlo Verdone 2016; Marco
2010;
2017; Claudio Giovannesi 2018; alla memoria di Claudio Caligari 2019; Paolo Benvenuti 2020. La cerimonia di
Bellocchio
avrà luogo sabato 9 ottobre presso il CinemaTeatro Masaccio. A seguire verrà proiettato l'ultimo film di
premiazione
“Il buco in testa”, che ha debuttato al Festival di Torino 2020. Nelle prossime settimane sarà comunicato il
Capuano
dell’intera rassegna, composto di concorso, fuori concorso e sezioni speciali.
programma
Capuano. (Napoli, 1940) ha lavorato come scenografo al Centro Rai di Napoli e insegnato scenografia
Antonio
delle Belle Arti. La sua opera prima “Vito e gli altri”(1991), selezionato e premiato alla Settimana della Critica
all’Accademia
Venezia e Nastro d’argento per il miglior regista esordiente, ha dato inizio a quella che sarebbe stata considerata la
di
onda” del cinema napoletano negli anni’ ’90. Alla Mostra di Venezia è tornato più volte, partecipando in Concorso
“nuova
Pianese Nunzio 14 Anni a Maggio (1997), Luna rossa (2001) e il film collettivo I vesuviani (1998); alle Giornate degli autori
con
L’amore buio (2010) e ancora alla Settimana della critica con Bagnoli Jungle (2015). Al Festival di Locarno sono stati
con
presentati Polvere di Napoli (2000) e La guerra di Mario (2005), mentre è del 2020 l'ultima opera, Il buco in testa,
invece
lanciata al Torino Film Festival.

C O P E R T I N A
Fellini
A R I M I N I I L M U S E O D E D I C A T O A L M A E S T R O D E L C I N E M A
(ANSA) -La complessità artistica di Federico Fellini non poteva essere
solamente celebrata e musealizzata, ma anche indagata. Con questo
intento è sorto a Rimini il museo dedicato al grande maestro del Cinema
che apre le porte ai visitatori proponendo un polo museale diffuso che
attraversa il centro storico della città romagnola che ha dato i natali al
cineasta. Rimini si aspetta ora dal Fellini Museum lo stesso effetto che il
Guggenheim ha avuto per Bilbao. Il nuovo contenitore culturale è infatti il
frutto di un ampio progetto di riqualificazione del centro in chiave
culturale e green. Eliminati i parcheggi e l'asfalto, attorno al
quattrocentesco Castel Sismondo è sorta una gigantesca piazza con prati,
un'arena all'aperto, una vasca d'acqua vaporizzata (con annesse
polemiche politiche) e al centro un anello che richiama il circo felliniano.
Attorno vi sono il recentemente restaurato teatro Galli e il cinema Fulgor,
quest'ultimo celebrato da Fellini nel film 'Amarcord' e rientrante nel
percorso museale. Nella rocca rinascimentale, al cui progetto contribuì
anche Brunelleschi e che per decenni ha fatto da sfondo a un parcheggio,
sorge ora un percorso espositivo in stile contemporaneo dove video, audio
e materia si uniscono per immergere lo spettatore nella poetica felliniana.
Nelle sale di pietra vi sono memorie tangibili come documenti, oggetti di
scena e costumi, perché la sfida è "proporre una lettura aperta, creativa,
anche grazie alle tecnologie, di quello che Fellini ha rappresentato non
solo per il cinema, ma per la storia del Novecento", ha detto la curatrice
del museo Anna Villari. La tecnologia impiegata non risulta mai invasiva,
ma rimane "sognante e onirica", aggiunge, sottolineando la filosofia
felliniana del "tutto si immagina". Soffiando su una piuma, ad esempio, si
attiva la proiezione su parete delle pagine del 'Libro dei sogni' del
maestro. Nella mostra il cinema felliniano viene messo a confronto con la
società del suo tempo. Tra le altre fonti citate vi sono le amicizie, i
rapporti professionali e gli amori. Mettendo in relazione tutto ciò che
circonda il mondo felliniano, spiega l'altro curatore, Marco Bertozzi,
"riusciamo forse a penetrare di più nella mente di questo genio del
Novecento e noi stessi ad arricchirci attraverso un percorso interpretativo
molto personale". Fellini è un autore internazionale continuamente
indagato in tutto il mondo. "Ci si rende conto soprattutto dall'estero di
quanto Fellini sia stato importante per la cultura nazionale e
internazionale del Novecento - nota Bertozzi -, dunque la città che ha
avuto la fortuna di vederne i natali", aggiunge, "ha fatto bene a creare un
museo a lui dedicato". Il Comune ha affidato a Studio Azzurro la
direzione artistica del progetto multimediale, mentre all'architetto Orazio
Carpenzano e allo Studio Tommaso Pallaria gli allestimenti. Il museo è
stato inserito dal ministero della Cultura tra i grandi progetti nazionali
dei beni culturali e verrà presentato dal ministro Dario Franceschini il 31
agosto alla mostra del Cinema di Venezia. "Il sogno diventa realtà",
commenta oggi il ministro ricordando che il Mic "ha da subito
riconosciuto questa nuova istituzione culturale come un grande Progetto
nazionale finanziandola con oltre 13,5 milioni di euro a testimonianza
dell'importanza e del valore che l'Italia ripone su questo nuovo museo che
sarà un'eccellenza e un luogo attrattivo non solo per il territorio riminese
ma per il Paese intero. Questo nuovo museo - conclude Franceschini -
colma un vuoto".
copyright foto
(Roma, gennaio 1969), Federico Fellini negli studi di "Cinecitta",
durante le riprese del film "Satyricon"
un ringraziamento particolare all'amico Alessandro Canestrelli

C O N T R O C O P E R T I N A
la storia (ri)vive con l'arte
G R U P P O R O M A N O S T O R I C O
LA STORIA (RI)VIVE ATTRAVERSO LA FOTOGRAFIA
di Mirco cosimo Magliocca

C O N T R O C O P E R T I N A
Il Gruppo Storico Romano è un’associazione culturale, apolitica, senza scopo di lucro nata nel 1994
dalla passione che l’attuale Presidente Sergio Iacomoni, comunemente conosciuto come “Nerone”, nutre
per l’antica Roma. Egli, insieme ad un gruppo di amici, tutti accomunati dallo stesso interesse, decise di
dar inizio a questa avventura e come giorno della sua istituzione scelse una data simbolica: il 21 aprile,
giorno della fondazione della Città Eterna.
Dopo un quarto di secolo di attività la crescita dell’Associazione è stata notevole. Nata così, quasi per
gioco, da una precedente associazione denominata “Ci divertiamo”, oggi il Gruppo Storico Romano
spicca nel mondo della rievocazione storica sull’antica Roma ed è unanimemente riconosciuto come uno
dei gruppi leader in Italia e nel mondo.
Le finalità che l’associazione di rievocazione storica si prefigge sono quelle di proporre, organizzare e
sostenere, in modo fondato e credibile, avvenimenti, manifestazioni, riti, personaggi, e mestieri
concernenti il mondo dell’antica Roma.
La Rievocazione Storica del Gruppo storico Romano prevede una fase preliminare di studio,
ricerca, approfondimento, sperimentazione pratica e/o apprendimento. Metodologia fondamentale
per la fase di studio è la corretta lettura e interpretazione delle testimonianze relative al fenomeno storico
per il quale si intende allestire l’iniziativa: a) fonti primarie di ogni tipo (archivistiche, ambientali,
iconografiche, ecc.) b) fonti indirette (testi di storia generale, libri e ricerche di storia locale, ecc.).
Attività preminente del Gruppo Storico è indirizzata verso l’ “Evento Ricostruttivo”, che circoscrive il più
possibile l’arco temporale/tematico della propria azione in favore della massima fedeltà in sede di
realizzazione e utilizzo di abiti, attrezzature, musiche, pietanze, accessori, ambientazioni che richiamano
il più possibile i reperti originali a cui si rifanno. Nell’ambito dell’Evento Ricostruttivo si individuano: - la
"Living History" (o Storia Vivente); la riscoperta cioè del passato in ogni sua espressione (civile,
tecnologica, scientifica, artistica o militare) e nella sua accezione più grande; - il "Re-enactment"; la
ricostruzione di un preciso evento storico, sia esso militare, civile, religioso, del quale si mettono in scena
i fatti e lo svolgimento nello stesso luogo e con le stese modalità.
In questo contesto, il Gruppo Storico Romano ha intrapreso un percorso che si inserisce
perfettamente in questa dinamica, anche per la sua capacità di comunicare a tutte le fasce d’età: le
“edicole teatralizzate” nei siti archeologici.
Le “Edicole Teatralizzate” rappresentano una novità nel panorama della Rievocazione Storica. Esse
consentono, in un percorso dedicato, di raccontare la storia del sito archeologico attraverso i
personaggi che vi hanno vissuto o con i personaggi noti che hanno influenzato le vicende storiche del
territorio e di quel periodo storico.
Rendere vivo il sito archeologico, con i rievocatori, viene percepito dai visitatori come una esperienza
unica: imparare la storia vivendola. La rievocazione, in questo modo, consente di apprezzare il
contenuto del sito archeologico altrimenti conosciuto per il solo contenitore scarno di informazioni.

C O N T R O C O P E R T I N A
All’interno dell’associazione convivono diverse sezioni di rievocazione: dei legionari I secolo d.c., degli
Auxilia, della coorte urbana tardo impero, dei pretoriani, dei gladiatori, delle vestali, dei senatori, del popolo
e delle danzatrici.
Ogni sezione svolge un’intensa attività di archeologia sperimentale, basata sulla ricostruzione, mediante
esperienza diretta, di spaccati di vita civile e militare. Tra quelli civili annoveriamo, ad esempio, lo studio
dell’universo femminile all’epoca dell’antica Roma, dai trucchi ai profumi, dalle acconciature
all’abbigliamento, che ha prodotto, per esempio, incontri culturali con il pubblico presso la splendida
struttura dei Mercati di Traiano.
In ambito militare spiccano senz’altro le ricostruzioni del castrum legionis. Ultimo, in ordine cronologico,
quello realizzato presso Ienne (Roma), nel quale i componenti della nostra legione hanno ricostruito tutti gli
aspetti della vita del legionario romano all’interno dell’accampamento: dall’alimentazione all’addestramento
militare.
Tra i tanti riti e cerimonie ricostruiti, menzioniamo: la Captio Virginis (nomina di una nuova vestale), il
Testamentum Augusti (la consegna e la custodia del testamento di Augusto presso l’atrium Vestae), la
congiura di Catilina, la Confarreatio (il matrimonio religioso), Septimontium (festivta religiosa con una
processione sui 7 colli di Roma) le Palilia (cerimonia celebrativa della fondazione di Roma), l’Ignis Vestae
renovatio (l’annuale accensione del fuoco sacro di Vesta) e l’Honesta Missio (il congedo del pretoriano), la
causa Interamnae – Reate sulla cascata delle marmore.
È presente inoltre la SCUOLA GLADIATORI ROMA, una vera e propria scuola, alla quale ci si può iscrivere
per apprendere le tecniche di combattimento dei gladiatori. Questa prevede corsi regolari e passaggi di
categoria annuali in occasione del saggio dei gladiatori, che di norma si svolge tra settembre ed ottobre.
Proprio il fascino della Scuola Gladiatori Roma spinge ogni anno turisti e visitatori, italiani e stranieri, a
partecipare ai nostri corsi di “gladiatore per un giorno”, due ore intense durante le quali i partecipanti, oltre
ad un’iniziale introduzione alla storia dell’antica Roma, mediante la visita presso il Museo storico-didattico
del legionario romano, vengono proiettati nell’arena dove, dopo l’apprendimento delle tecniche basilari di
combattimento, sia d’attacco che di difesa, vengono fatte provare loro armi e armature da noi riprodotteI
soci del Gruppo Storico Romano, che si riuniscono di norma il giovedì sera presso la sede
dell’associazione, provengono da diverse aree professionali, si annoverano operai, commercianti, artigiani,
ingegneri, docenti, imprenditori, manager, studenti, pensionati, forze dell’ordine, dipendenti pubblici e
militari che hanno come unico intento la cooperazione per il raggiungimento dello scopo sociale di cui
sopra. Una particolarità dei soci è il fatto che ciascuno, entrando a far parte del Gruppo Storico Romano,
assume un suo nomen romano con il quale è conosciuto all’interno di essa. L’associazione è aperta a tutti,
uomini e donne di qualsiasi età. Il nuovo socio viene accolto al suo interno dai responsabili che illustrano i
vari settori, tra i quali scegliere quello più congeniale. Al momento dell’iscrizione è richiesta la sola quota
associativa, poiché il gruppo mette a disposizione i materiali e gli indumenti per poter partecipare alle
proprie attività. Alcuni settori prevedono poi una spesa aggiuntiva per l’acquisto di dotazioni particolari.

VERONICA
TUNDIS
P E R S O N A G G I
Ballerina, insegnante e coreografa
ph Monica Irma Ricci

P E R S O N A G G I
Veronica Tundis
Nata in calabria, ha iniziato a studiare danza all'età di
tre anni e a 18 anni si è trasferita a roma, dove tramite
audizione è stata ammessa ai corsi professionali
prima al molinari art centre e poi al DAF dance art
faculty.
Dopo essersi diplomata al Molinari Art Center e poi del
DAF, ha avuto l’opportunità di formarsi con affermati
artisti italiani ed esteri, danzando coreografie di iratxe
ansa, Alex Ketley e Lesley Telford già durante gli
studi. Inizia le prime esperienze professionali, prima
con la compagnia nazionale del balletto e poi
Spellbound Junior Ensamble diretta da Mauro Astolfi
per lo spettacolo "The Knowledge".
Dal 2013 ha lavorato in qualità di assistente ripetitrice
presso i corsi di formazione professionale del DAF al
fianco di coreografi provenienti dalle più grandi
compagnie del mondo, come Ndt, Batsheva, Scapino
e molte altre.
Collabora stabilmente per lo spettacolo
"Carillon- il volo del tempo" con la
compagnia Kitonb Exthreme Theatre
Company diretta da Angelo Bonello, e si
esibisce in diversi festival europei ed
internazionali, lavorando in paesi come
l'Irlanda, il Marocco, l'Arabia Saudita, ed
altri ancora, e danzando coreografie di
Daniel Ezralow, Luciano Cannito, Ingri
Fiksadal e Marcos Morau.
Accanto al percorso professionale di
ballerina, stabilmente insegna danza
contemporanea in diverse scuole d'italia
ed è direttrice artistica di international
Creative Hub, corso di formazione
professionale in danza contemporanea.

A T T U A L I T Á
Un accurato restyling di poltrone, rivestimenti e tecnologie (sistema di biglietteria con
visione 3D della pianta al momento dell’acquisto del proprio posto, gestione
dell’areazione, sanificazione dell’ambiente) e un maggiore comfort per gli spettatori: il
Teatro Sistina ripartirà il prossimo autunno con un look rinnovato.
Come recita il claim della campagna di comunicazione "Il Sistina si fa bello per voi", il
grande teatro storico nazionale diretto da Massimo Romeo Piparo, eccellenza capitolina
dello spettacolo dal vivo, è pronto il prossimo 28 ottobre ad accogliere di nuovo il proprio
pubblico con una grande Opening Night. La "festa" per celebrare il grande ritorno sul
palcoscenico sarà affidata a uno dei titoli più amati della tradizione del Sistina, il
Rugantino di Garinei & Giovannini, gioiello di romanità e classico del teatro musicale
italiano: a interpretare il ruolo di Rugantino sarà Michele La Ginestra, volto amatissimo
dal pubblico romano -che rimane a tutt'oggi l’ultimo attore ad aver vestito i panni della
maschera romana sotto la direzione di Pietro Garinei e del M° Trovajoli-, la cui storia
d’amore con Rosetta vedrà la straordinaria presenza di Serena Autieri, già interprete
nella passata edizione.
Lo spettacolo, prodotto da Il Sistina con la supervisione di Massimo Romeo Piparo,
proprio per la pandemia non era potuto andare in scena nel marzo 2020: ricominciare
con Rugantino, che verrà presentato nella sua versione storica originale, con la regia di
Pietro Garinei, le splendide musiche del M° Armando Trovajoli e le scene e i costumi di
Giulio Coltellacci, sarà il modo migliore per riannodare i fili bruscamente interrotti e
iniziare da dove ci si era lasciati, con ancora maggiore entusiasmo.
Il Sistina in occasione dell’annullamento per Covid-19 delle repliche annunciate, aveva
prontamente provveduto alla restituzione dei soldi ai propri spettatori con la promessa
che sarebbe tornato presto e che chi avesse voluto avrebbe presto avuto l’opportunità di
rinnovare la propria adesione: ebbene la promessa è mantenuta. Le vendite sono aperte
nuovamente per le date dal 28 ottobre in poi.
"La pandemia ha lasciato molti segni indelebili nelle coscienze delle persone – spiega
Massimo Romeo Piparo - Uno fra tutti la paura di aggregarsi e una spasmodica
attenzione nei confronti dell’igiene dei luoghi al chiuso. Il Teatro Sistina vuole ripartire da
questo: garantire al proprio pubblico la massima sicurezza con il ricambio delle poltrone
dell’intera platea, la totale ristrutturazione dei servizi igienici, l’eliminazione in platea e
galleria della moquette dai pavimenti, la sostituzione delle macchine di aerazione e
l’eliminazione della caldaia a gasolio a vantaggio di sistemi di riscaldamento e
refrigerazione di ultimissima generazione, ecosostenibili e “green”, seguendo la
direzione indicata dall’Europa di un efficientamento moderno dei luoghi di Cultura."
Dopo aver rimborsato, tra i pochissimi teatri in Italia, migliaia di spettatori nei mesi scorsi
con l’intero prezzo del biglietto -incluso il diritto di prevendita- per gli spettacoli interrotti a
causa dell’emergenza Covid-19 (circa 500mila euro di rimborsi), il Sistina è ora quindi
pronto a offrire di nuovo divertimento e spensieratezza, con il consueto mix di qualità e
popolarità, diventando ancora più bello e accogliente: segno evidente del fatto che il
Teatro in questi lunghi mesi di silenzio non ha mai smesso di pensare al pubblico,
preparandosi con cura al momento tanto atteso in cui i propri spazi potranno essere di
nuovo abitati da musica e parole. La volontà di stare vicino agli spettatori, vero
patrimonio del Sistina, è una delle convinzioni del suo Direttore Artistico, Massimo
Romeo Piparo, che durante la pandemia ha portato il teatro in tv firmando il programma
"Ricomincio da RaiTre", pensato per sostenere e dare la possibilità di esibirsi a
moltissime realtà dello spettacolo bloccate dal lockdown: il programma -fortemente
sostenuto dalla Rai- condotto da Stefano Massini e Andrea Delogu, tornerà ancora in
onda su Raitre dal Teatro Sistina con 3 nuove puntate a Settembre.
Intanto, sempre nell'ottica di ricominciare con ottimismo e fiducia, con la chiusura delle
scuole Il Sistina ha riaperto negli spazi del Teatro la propria Accademia multidisciplinare
dedicata a ragazzi dagli 8 ai 16 anni, scegliendo quindi di ripartire proprio dai più giovani
e investendo sugli artisti di domani. La novità è che da quest'anno, oltre alla sede di
Roma, l’attività dell'Accademia Il Sistina si svolgerà anche a Milano, nei grandi spazi del
prestigioso Teatro degli Arcimboldi. Il Teatro Sistina si adeguerà alle indicazioni che
dovessero giungere dalle Autorità competenti in termini di adozione del Green Pass per
garantire la massima sicurezza ai propri spettatori, nella consapevolezza che i vaccini
siano l’unica possibilità che abbiamo per un pieno ritorno alla meravigliosa normalità
della fruizione degli spettacoli dal vivo!
SI FA BELLO PER VOI
Massimo Romeo Piparo - ph Iwan Palombi
Michele La Ginestra - ADRphoto.it
Spettacolo Rugantino 6100media
© Luca Vantusso

A T T U A L I T Á
Bruce Nauman
mostra alla Punta
della Dogana
di Assia Karaguiozova
Una mostra che scuote, ancora all’ingresso, con
un’installazione dal vivo: dei corpi, rannicchiati per terra.
Più che un’esposizione, verrebbe definita un’esperienza
individuale, che cattura il visitatore e lo mette nelle
condizioni di confrontarsi con le proprie percezioni.
Opere già viste, riproposte attraverso i filtri della
tecnologia e dei sensi.
Ricordiamo che il talento di Bruce Nauman era stato
premiato con il Leone d’Oro alla Biennale nel 2009.
‘Contrapposto Studies’, a cura di Carlos Basualdo, sfrutta
suoni, luci e video, che raccontano con rumori, parole e
movimenti. Sicuramente l’effetto non sarebbe stato lo
stesso, se gli spazi che ospitano le performance, non
fossero stati quelli del Palazzo Grassi.
Filtro fondamentale, tra le emozioni che si accumulano tra
il su e il giù (è disposta a tre livelli) è la sosta, imperdibile,
sulla terrazza (e sul terrazzino) della Punta della Dogana.
Tra le voci di Nauman che echeggiano, luci che emergono
nel buio, corpi che si scompongono e si ricompongono e
dita che contano, è decisamente di ricarica un respiro
profondo, con sguardo che si perde tra San Marco e San
Giorgio Maggiore.
L’arte è la connessione di emozioni e di impressioni che si
crea e questa mostra ne è la dimostrazione esplicita.
L’uso del proprio corpo per comunicare.
Il confronto tra Nauman e Ismael Ivo:
Il contrasto tra le due modalità di espressione, così diverse
- disegnare nell’aria ed esprimere dei messaggi,
sperimentando e spronando il fisico, crea un impatto che
conduce all’associazione con un ulteriore esempio ancora.
L’esporsi in primo piano, nel nome dell’opera: Joseph Beuys,
chiuso in una stanza con il coyote. ‘I like America and
America likes me’
di Assia Karaguiozova

A T T U A L I T Á

A T T U A L I T Á
di Assia Karaguiozova
Inaugurata alla Biennale di Venezia, in Ca’ Giustinian di San Marco, ed aperta al pubblico, la mostra che
celebra l’arte di Ismael Ivo. Immersione curiosa, in un luogo suggestivo, anche per chi di Danza non si
intende. Scomparso nel 2021 a 66 anni, Ismael Ivo è stato un ballerino brasiliano talentuoso, che ricordiamo
per la sua forte espressività, i movimenti in leggerezza di un corpo protagonista che si dematerializza. Ha
saputo trascinare il pubblico nel mondo magico dello spettacolo, disegnando figure in aria e trasmettendo
vitalità. Aveva l’abilità di costruire dei vortici creativi, attraverso i quali in ogni performance raccontava una
storia, comunicava attraverso i gesti e le mimiche del volto. New York e Berlino erano tra i suoi palchi più
importanti. Oltre a performer solista, è stato coreografo, organizzatore e direttore artistico alla Biennale nel
settore Danza dal 2005 al 2012, nonché maestro di tanti giovani talenti, presso L’Arsenale della Danza. Ha
avuto il potere di coinvolgere molti gruppi di lavoro nelle sue idee, di creare un’atmosfera. Tra le opere più
celebri: Oxygen, Babilonia, Biblioteca del Corpo. Nel corso della carriera intensa ha collaborato con alcuni
personaggi che hanno segnato la storia: Alvin Ailey, Pina Bausch, Johann Kreznik, Ushio Amagatzu, Marina
Abramović.
L’omaggio, dedicato a lui, è intitolato ‘Il corpo è un documento dell’oggi’. Realizzata dall’Archivio Storico della
Biennale di Venezia, la mostra sull’opera di Ismael Ivo è a cura di Wayne McGregor, il quale l’ha presentata,
insieme al Presidente Roberto Cicutto, alla vigilia della 15. edizione della Danza, di cui è direttore artistico.
Ricca di fotografie e di video che raccontano la sua arte, la mostra apre una finestra sulle manifestazioni
artistiche del corpo e di corpi che interagiscono, creando con le figure delle sculture viventi mobili.
Molto interessanti, inoltre, le programmazioni di quest’anno della Biennale di tutte le sue Mostre. A partire
dall’Architettura, fino al 21 Novembre, costruita sulla domanda quanto mai attuale, che ci poniamo
inevitabilmente: ‘How we will live together’. Lascia il sapore di un’esposizione diversa, basata sulle risorse
esistenti, da reinventare in utilizzi e modalità inedite. Fortemente percepibile il desiderio di rinascita, di
coltivare un Mondo nuovo. Spazi ampi, strutture sempre meno vincolanti, più libertà alla fantasia e meno
preconcetti. Visibile una base di cultura e di tradizioni, nei vari Padiglioni esteri ai Giardini, sulla quale
costruire la propria fantasia, architettura fresca. Leone d’Oro alla Carriera a Rafael Moneo. Allo spazio
dell’Italia, all’Arsenale, il curatore sardo Alessandro Melis stupisce con un contrasto per nulla scontato, da
vedere, respirare, rifletterci su e metabolizzare.
Passata da poco l’edizione del Teatro, molto interessante e dal programma intenso. Sorprendente il Leone
d’Argento alla giovane Kae Tempest, pseudonimo di Kate Ester Calvert.
In corso, attualmente. la settimana della Danza: First Sense, integrata alla partecipazione costante della
fotografa Mary McCartney, che ha un ruolo fondamentale del percorso.
Frizzante l’attesa per la 78. Mostra dell’Arte Cinematografica. Spicca la particolare sensibilità in questa
edizione per le donne, percorrendo, nei film i temi più dolorosi. L’onore dell’apertura sarà di Pedro Almodóvar
con il suo nuovo ‘Madres paralelas’. 21 i titoli in concorso per il Leone d’Oro. Protagonista premiata per la
Carriera: Jamie Lee Curtis, attrice versatile, figlia di John Kurtis e di Janet Leigh, la ricordiamo con ‘Un Pesce
di Nome Wanda’, ‘Knives out’, ‘Blue Steel. Quest’anno la vedremo in ‘Halloween Kills’.
A seguire, sempre a settembre, Il 65. Festival Internazionale della Musica Contemporanea.
‘Il latte dei sogni’, invece, è il tema della Biennale dell’Arte 2022, guidata da Cecilia Alemani.

E V E N T I
Il Cinema è Arte per tutti
Milano – Como - Varese 4 -16 settembre 2021
Il Prestigioso Premio per sottolineare ancora una
volta il connubio tra Arte e Cinema sceglie come
manifesto simbolo dell’Edizione 2021, un’opera
inedita dell’artista Marco G, che dichiara:
“È uno spazio siderale. Una luce bianca, fredda,
quasi metallica per la sua purezza, come energia,
forza, assoluta. Blu intenso che si perde nel buio
infinito dello spazio. Zone di blu più luminose come
decantato terrestre, portano la vita. Sfumature di
verde delle profondità marine o il riflesso di alcuni
laghi di montagna o il ghiaccio antartico. I due segni
neri, posti all’estremità, rappresentano l’intuizione del
Genio verso l’Eternità”.
Il Premio Felix propone una selezione di 8 film e 7
documentari contemporanei molto diversi tra loro,
irriverenti, ironici o drammatici, ma legati da un
importante fil rouge: una morale positiva e la
speranza che ne deriva.
“In questa nuova imperdibile rassegna - dichiara
Rossella Bezzecchi, promotrice culturale tra la
Russia e l’Italia – vorremmo dare la possibilità di
riflettere attraverso pellicole che raccontano storie di
vita e documentari che ci mostrano aspetti importanti
della cultura, dell’artigianato e del design russo”.
A Milano torna per la sua IV° edizione il Premio Felix
2021 – Festival del Cinema Russo. Un’edizione di
ripartenza che vuole, con forza, celebrare e sostenere
il Cinema e tutti i suoi comparti, nonché gli
appassionati di un’Arte che è per tutti.
Partirà sabato 4 settembre nell’incantevole cornice di
Villa Olmo, sul lago di Como, toccando poi luoghi ricchi
di fascino: dai Giardini Estensi di Varese, Vedano al
Lambro, la Biblioteca Ambrosiana e il Cinema Anteo di
Milano, per culminare nella serata del 16 settembre,
nel cuore di Milano, in Piazza Duomo, nello storico
AriAnteo, di Palazzo Reale. Nella Serata di Gala è
prevista una proiezione importante fuori concorso con
ospiti del mondo dello spettacolo e della cultura.
Durante la serata la Giuria 2021 assegnerà i Premi
dell’edizione 2021.
Il Festival è promosso dall’Associazione culturale Felix
- cinema, moda, design Italia – Russia; è patrocinato
dall’Ambasciata Russa, dalla Regione Lombardia.
L’iniziativa è realizzata con il contributo e il patrocinio
della Direzione generale Cinema e audiovisivo -
Ministero della Cultura, con il contributo della
Fondazione “Russkiy Mir”, in collaborazione con
l’Associazione culturale “Adrenalina culturale”.
Sito Ufficiale: www.premiofelix.it
Aggiornamenti su: https://www.instagram.com/felix_award/

E V E N T I
In considerazione del protrarsi dell’incertezza normativa legata all’emergenza sanitaria e, a causa delle differenti
restrizioni anti-Covid dei vari paesi che complicano gli spostamenti internazionali, Show Bees comunica che le
date milanesi del tour del musical Rocky Horror Show in programma al TAM Teatro Arcimboldi Milano vengono
posticipate dall’11 al 23 ottobre 2022.Il pubblico che ha già acquistato i biglietti per le date, precedentemente
annunciate, dal 12 al 24 ottobre 2021 potrà utilizzare i biglietti per le nuove date programmate nella stessa
modalità di fruizione.
Il pubblico italiano potrà comunque godere a ottobre 2022 di due settimane di repliche di quello che
universalmente è riconosciuto come uno degli spettacoli più amati e applauditi al mondo.
Dal 1973, The Rocky Horror Show ha sedotto con la sua trasgressività intere generazioni di spettatori,
conquistando anche i benpensanti più integerrimi e trasformandoli in devoti fan con corsetto e calze a rete.
Dopo oltre 40 anni, la meravigliosa creatura di Richard O’Brien non smette di travolgere, coinvolgere, sovvertire le
regole. Ha viaggiato in più di 30 paesi, è stata tradotta in più di 20 lingue e torna ora in tour con la regia di
Christopher Luscombe.
Migliaia di appassionati hanno creato fan club, guardano il film centinaia di volte, travestendosi e partecipando
sempre attivamente allo spettacolo (come richiesto dalla filosofia del “Rocky Horror Show”).
Ed è così che il Rocky, proprio per l’entusiasmo e la partecipazione del suo pubblico, ogni sera si trasforma in un
grande non-stop party fatto di quei successi senza tempo da cui ognuno, almeno una volta, si è lasciato
trascinare come “Sweet Transvestite”, “Damn it Janet” e “Time Warp”.
Appuntamento imperdibile al Teatro Arcimboldi con il nuovo, eccitante, sfrenato spettacolo del ROCKY HORROR
SHOW! …vi consigliamo di tenere pronte calze a rete e guêpière! DON’T DREAM IT, BE IT!

E V E N T I
TONES ON THE STONES
2021
XV edizione

E V E N T I
TuttoBallo
A C A V A R O N C I N O D I O I R A C R E V O L A D O S S O L A ( V C O )
S U O N I , I D E E E N A T U R A I N U N T E A T R O D I P I E T R A A I P I E D I D E L L E A L P I
Ultimi giorni a Cava Roncino di Oira Crevoladossola, provincia di Verbano Cusio Ossola , del Festival Tones on the
Stones. Opere liriche multimediali e suoni naturali della foresta amazzonica. La voce degli alberi e le storie dei grandi
boxeur. Sintetizzatori di acqua e ceramica e controller ultratecnologici. Percussioni rituali e pianoforti malinconici.
Progetti site specific, performance visionarie, artisti internazionali, workshop sull’educazione ambientale e pratiche
partecipative in un territorio montano di rara bellezza, tra boschi, vigneti terrazzati e antichi borghi in pietra.
Dopo l’edizione di transizione del 2020 Before and After, Tones on the Stones, è arrivato alla XV edizione, in questo 2021
il festival si è trasformato in una vera e propria stagione dando vita a Tones Teatro Natura. In questo nuovo scenario,
infatti, Tones on the Stones si è stabilito definitivamente in una cava di Gneiss ai piedi delle Alpi: un ex spazio
industriale trasformato in un vero e proprio teatro stabile di pietra immerso nella Natura, grazie ad un intervento di
progettazione architettonica, a cura di Fuzz Atelier sviluppato seguendo i principi di modularità, trasparenza,
flessibilità, all’insegna della sostenibilità e di un diverso rapporto con il paesaggio naturale. Tones Teatro Natura non è
stato soltanto un teatro ma anche uno spazio/ecosistema dedicato alla ricerca artistica, all’innovazione, alla
conoscenza e al benessere individuale e collettivo.
Quattro sezioni si sono sviluppate nell’arco di due mesi: Tones on the Stones, il cuore originario del festival, è stato
dedicato ai progetti multidisciplinari e ai grandi artisti internazionali, come Nextones, festival di sperimentazione
elettronica e audiovisiva; Riverberi jazz, due giorni di performance sonore dedicate al jazz contemporaneo che sa
contaminarsi tanto con la tradizione popolare che con l’elettronica; e, infine, fino al 5 settembre, Campobase, per
esplorare la cultura della montagna.
Dal 3 al 5 settembre, trova spazion Campo Base, nuovo format con la cura scientifica di Alessandro Gogna che esplora i
temi del rapporto tra uomo e natura e la cultura della montagna: un campeggio temporaneo per sviluppare una
comunità temporanea, un’esperienza collettiva legata all’essenzialità che prevede una serie di attività diurne e serali sia
per i piccoli, sia per gli adulti. Ambiente naturale versus spazio abitato: questa netta dicotomia che le grandi città e i
modi di vivere nel quotidiano hanno amplificato è ormai insostenibile e continua a produrre storture di ogni tipo.
Campo Base vuole essere punto di partenza per un nuovo concetto di ambientalismo, per avvicinarsi agli spazi naturali
con uno sguardo attento. Molti degli ospiti attesi contribuiranno a costruire nel pubblico questa nuova consapevolezza,
per immaginare una valorizzazione più sostenibile delle risorse territoriali: dai racconti dell'esploratore Franco Michieli,
alle avventure dell'alpinista Hervè Barmasse e degli arrampicatori Manolo e Anna Torretta, insieme alle testimonianze di
molti altri protagonisti del mondo della montagna.

P E R S O N A G G I

P E R S O N A G G I
In questa torrida estate 2021, tra le varie singer, rapper, influencer, la protagonista assoluta è stata lei: Orietta Berti. Dopo
Sanremo, la cantante ha inanellato una serie di successi che le hanno conferito la corona di regina, con riscontro ed affetto
da parte del pubblico. Una presenza, la sua, che avevamo notato al tavolo televisivo di Fabio Fazio, nel quale riusciva a
dominare la scena con i suoi racconti, con i fuori programma spontanei all’Orietta, o meglio nonna di figlia. Questo suo
modo di comunicare la contraddistingue da sempre, genuina proprio come una delle nostre nonne, sagge, intraprendenti e
pronte ai cambiamenti. Dall’alto dei suoi 78 anni, Orietta Berti dovrebbe essere un guru per le nuove generazioni che si
affacciano per la prima volta sul balconcino dell’arte. La sua verve, il suo amore per il lavoro e la famiglia, il rispetto di tutti la
pongono sull’altare maggiore dello showbiz. Unica nel suo stile, ha saputo affrontare a testa alta anche il Festival di Sanremo
di Amadeus, primeggiando accanto a Madame, Aiello, Arisa. Lo stile portato sul palcoscenico dell’Ariston è diventato
immediatamente cult, insieme ai suoi racconti inaspettati e le sue simpatiche gaffe: come non ricordare i Maneskin chiamati
per sbaglio “Naziskin” o Ermal Meta diventato “Metal”. La prossima stagione televisiva, Orietta Berti sarà il nuovo giudice del
talent The Voice Senior. La poltrona per due che fu di Albano e di sua figlia Jasmine, torna ad essere un trono degno della
regina della canzone italiana. L’appeal di Orietta sicuramente gioverà e porterà curiosità alla seconda edizione del talent
show condotto da Antonella Clerici.

P E R S O N A G G I
Signora Orietta, lei, Ornella Vanoni
e Caterina Valente avete creato i
tormentoni dell'estate 2021...
Curiosa coincidenza o il trend
featuring vintage è vincente?
Il confronto generazionale è sempre
costruttivo, nella musica come in tutte
le arti. Poi dipende dal brano, dal
momento. Raffaella Carrà insieme a Bob
Sinclair già qualche anno fa ebbero un
successo incredibile insieme. Certo è
che le belle voci non passeranno mai di
moda.
Orietta, dopo oltre 50 anni di
carriera, 16 milioni di dischi
venduti, impegni televisivi a
ripetizione, complici Fedez, Achille
Lauro e anche le atmosfere anni
'60, si aspettava di diventare la
regina dei tormentoni estivi 2021?
Con "Mille" sapevamo che il brano
sarebbe andato bene... ma mai ci
saremmo aspettati un successo cosi
grande e cosi "virale" suoi social
network e per la gente. La cantano tutte
le generazioni, dai bambini in spiaggia ai
ragazzi in discoteca, fino alle nonne che
in casa la cantano insieme
all'immancabile ventaglio in questa
calda estate..
E lei la canta anche a sua nipote
Olivia?
Si, Olivia adora "Mille". Ogni volta che la
sente in radio, in tv o sul telefonino
inizia a cantarla. Pensi che appena mi
consegnarono a casa qualche giorno fa
il primo disco di platino incorniciato, lei
vide la copertina con noi tre e disse
"Mille...la canzone della nonna". È stata
dolcissima!
Da indiscrezioni abbiamo saputo
che tornerà in tv come giudice di
The Voice Senior...
Per l'autunno ho tanti progetti...
Speriamo di realizzarli tutti al meglio.
L'esperienza da talent scout l'ho già
vissuto a "Ti lascio una canzone" (con
Antonella Clerici ed il Maestro Leonardo
De Amicis), a "Mettiamoci all'Opera"
(insieme al caro Fabrizio Frizzi, un talent
molto bello sulla musica lirica) e per due
edizioni a "Ora o mai più" (insieme ad
Amadeus e a tanti miei colleghi)...

P E R S O N A G G I
di Patrizia Mior
Difficilmente si riconosce il turbamento, nella connotazione più dolce ed effimera che la parola stessa può regalare.
Quando succede, beh… cambia completamente ogni punto di vista, ogni altro significato lascia spazio
all’interpretazione emozionale.
Quando al “nostro” turbamento, si lega un volto e a quello stesso volto si legano altri sensi, non si può far altro che
cedere ai migliori istinti che ci vengano suggeriti, e assecondare il loro desiderio d’esser compiaciuti, lasciando a noi
scrittori, l’onere di trasformarli in verbo.
Nessuno probabilmente lo conoscerà mai “veramente”, forse perché a pochi riserva la sua versione più dolce e
determinata. Edwin è un ragazzo estremamente particolare, tanto aperto quanto riservato, quel che lascia
intravedere ora, altro non è che il frutto di ogni cicatrice che egli stesso ha trasformato, con le sue mani, in un’ opera
d’arte.
Ho deciso di sfidare per voi la sua componente emotiva, facendolo uscire dalla sua zona di comfort e portandolo
nella mia. Beh…questo è quanto emerso dalla nostra “sfida emozionale”.

P E R S O N A G G I
TuttoBallo
Raccontarsi attraverso 5 oggetti, l’unica domanda fatta in tutta la giornata passata
insieme, per il resto del tempo, sono rimasta ad ascoltare i suoi racconti di vita e a
guardare le emozioni che gli passavano davanti agli occhi come un album di
fotografie. Insomma, come direbbe lui, ho solo assecondato la “buena onda”.
Viaggio partito da un braccialetto bianco con il logo “Zumba”, credetemi, c’è molto di
più di quanto possiate immaginare. Lo teneva tra il pollice e l’indice, facendolo
dolcemente roteare tra le dita, fiero. Si prese un po’ di tempo prima di raccontarsi in
quell’oggetto il nostro Edwin, quasi a voler cercare le parole giuste per poterlo
celebrare.
Chiunque avrebbe potuto parlarmi del suo lavoro di istruttore, non Edwin, lui, mi ha
fatto vivere l’esperienza di un corso di zumba, facendo leva sulle mie emozioni e
ricordandomi quanto è bella la sensazione che si prova entrando in quella stanza a
fine giornata, stressati, arrabbiati, e uscendone sudati e stanchi ma al contempo,
felici e appagati.
Guantone da boxe, oggetto decisamente lontano dal primo, un guerriero pensai, e
non sbagliavo. Disciplina, autocontrollo, costanza e nessuna intenzione di mollare di
fronte alle difficoltà. Edwin in questi due anni di covid, in una delle zone più colpite
dalla pandemia, ha trovato il modo di ricominciare, non si è dato per vinto ed ha
impostato il suo lavoro in una forma totalmente differente. Si è reinventato online
organizzando lezioni private e di gruppo, prendendo uno strumento di comunicazione
per lui insolito e trasformandolo in qualcosa di positivo e utile a sentirsi vicino
nuovamente ai suoi allievi. E questo, in parte, lo deve anche alla boxe!
Lego Technic Chevrolet Corvette ZR1, il gioco che stimola la creatività, sorride con
gli occhi che brillano giocandoci sul tavolo, proprio come i bambini, guardando quella
macchina arancione fiammante, ricordandomi quanto sia importante avere voglia di
sorprendersi, e quanto sia bello poter vedere le cose da punti di vista diversi.
Con un sospiro disse “costruire le cose e sapere di poterle reinventare”, indicandomi i
dettagli sulla macchina, spogliando la sua passione davanti a me e insegnandomi la
bellezza del guardare oltre. Edwin non è uno che si ferma al primo impatto, a lui
piace capire il “perché”, ed a me, piace imparare a guardare attraverso i suoi occhi
bruni.
Un registratore Sony TCM-939 in perfetto stato, ancora funzionante, il mio oggetto
preferito. Questo è il pezzo che mi introduce alla sua più grande passione, la musica.
Edwin viene dalla “vecchia scuola”, pochi mezzi da poter usare per formarsi, ma
tanta volontà nel volerlo fare, perché quando la passione muove gli istinti migliori,
non esiste nulla in grado di poterla fermare.
Racconta delle lezioni di percussioni che registrava per poi riascoltarle a casa e
poterle studiare, spiegandomi quanto, escludendo gli altri sensi, sia possibile
sviluppare un udito musicale. Non fa sembrare questa forma d’arte semplice, non lo
è affatto, serve grandissima sensibilità e lungimiranza e, lui ne è ben provvisto.
Bongos, il nostro ultimo oggetto, colorato, vivace, come lui, su questo non ho fatto
domande, semplicemente ho chiesto che suonasse per me. Accarezzato a mani
nude, questo ultimo oggetto non aveva bisogno di grandi spiegazioni, questo oggetto
è il suo strumento per trasformare un brano in “realismo magico”.
Nella letteratura latinoamericana il realismo magico serve a dare vita agli oggetti
rafforzando l’emozione che il narratore vuole raccontare. Edwin è in grado di fare la
stessa cosa con il suo strumento, abbatte ogni parete trascinandoti in un mondo
diverso, fatto di colore, musica, passione.
Fu strano guardare l’orologio e accorgersi di aver trascorso insieme cinque ore, ad
entrambi sembravano trascorsi pochi minuti, tanto i racconti ci avevano stregato.
Credevo di intervistare un musicista e invece ho trovato un pirata, un artista, un
guerriero, un’anima dolce, ho trovato energia. La stessa energia che ho sentito in
“Vengo con Respeto”, ultima fatica musicale insieme a Mala Maña uscita il 13 agosto
su tutte le piattaforme.
Nessuno lo conoscerà mai “veramente”, ma a me, è stato dato il privilegio di poter
avvicinare una parte di tutto questo, con rispetto attraverso i suoi occhi, e a voi, il
privilegio di sentire le sue note.

P E R S O N A G G I
di Francesca Rossetti

P E R S O N A G G I
TuttoBallo
Oggi parliamo di musica e comunicazione con un grandissimo esperto, Michelangelo Iossa, autore di numerosi libri e volto
noto grazie alle sue frequenti partecipazioni radiofoniche.
Chi è Michelangelo Iossa e come nasce la tua passione per la storia della musica rock e pop?
Sono un giornalista e scrittore che vive e lavora a Napoli da sempre. Di famiglia napoletana, ma nato a L’Aquila nel 1974, ho
nelle mie vene sangue argentino (la mia bisnonna paterna, Maria, era sudamericana), milanese (mio nonno Franco Farina era
meneghino e la sua famiglia era molto vicina ai Manzoni), lucana (altre ascendenze paterne sono connesse a Francavilla sul
Sinni) e vesuviana (la mia nonna Filomena, per tutti ‘Filina’, era di Torre Annunziata e aveva come compagni di banco lo
scrittore Michele Prisco e il futuro producer hollywoodiano Dino de Laurentiis!). Insomma, un sano cocktail di ascendenze e di
suggestioni familiari: personalmente sono fiero di essere un europeo mediterraneo e, soprattutto, profondamente italiano.
Forse il mio nome – Michelangelo, simbolo dell’italianità nel mondo – e forse la data di nascita, 2 giugno, hanno segnato un
destino tricolore! La musica è uno degli ingredienti-chiave della mia formazione culturale, direi umana. Da bambino si
ascoltava moltissima musica in casa, da Nat King Cole a Sergio Mendes, passando per la Nuova Compagnia di Canto
Popolare, Wilson Pickett, Lauzi, i Queen, Bach, Gershwin, Rino Gaetano, Baglioni e Duke Ellington.
Il primo artista che ricordo distintamente in TV è un formidabile Mimmo Modugno che canta “Lu Pisci Spada”, una rivelazione
assoluta! Ero rapito da Modugno e lo sono ancora. E poi il Rino Gaetano con cilindro e ukulele che canta “Gianna”, i Police in
“Walking on the moon”, le sigle dei cartoon giapponesi e le canzoni della tradizione napoletana che avvolgevano la mia città:
insomma, un’invitante mescolanza di suggestioni sonore. Poi, a sei anni, il primo disco dei Beatles in regalo, “The Beatles
Ballads”: da quel momento gli ascolti sono cambiati, il meteorite-Beatles si era ufficialmente abbattuto nella mia vita di
ascoltatore! Ho avuto la fortuna di condividere, sin da piccolo e poi nel corso degli anni, il mio percorso di formazione musicale
con mia cugina Tiziana e con i miei amici Marcello, Roberto, Rosario, Andrea, Ciro, Carmine e Christian, solo per citarne
alcuni. Una grande fortuna: una sorta di ‘famiglia musicale’ allargata, un solido laboratorio di scambio di idee, di ascolti, di
riflessioni.
Tu sei autore di libri bellissimi dedicati a Michael Jackson, ai Beatles, a Pino Daniele, a Peppino di Capri e alla
bellissima città di Napoli della quale sei originario: cosa accomuna questi grandi artisti e cosa unisce quelli stranieri
a Napoli?
Ho avuto la fortuna di raccontare miti globali, amati e spesso idolatrati in differenti latitudini e appartenenti al DNA di mezzo
mondo. Sono legati tra loro dall’elemento ‘sonoro’, musicale. Nietzsche affermava che “la vita senza la musica sarebbe un
errore” e personalmente sottoscrivo questa riflessione. Jackson, i Fab Four e Pino sono intimamente collegati alla loro musica,
sono ‘fatti’ della loro stessa musica.
Per ciò che riguarda Napoli – e qui parlo da cittadino napoletano e da figlio di Partenope – devo ammettere che, citando un
popolare spot, “ci piace vincere facile!”: non esiste al mondo un luogo che abbia una tradizione musicale legata alla formacanzone
così ampia, una produzione di canzoni che affonda le sue radici a oltre 800 anni fa, come rilevava già Boccaccio nei
suoi scritti. Credo che sia inevitabile: Napoli nasce sulle spoglie di Partenope, una sirena che ammaliava i naviganti con il suo
canto. Quindi, Napoli è una canzone, è musica!
Il ruolo della musica napoletana nel panorama internazionale
Mi ricollego alla risposta precedente: il contributo offerto dalla Canzone Napoletana alla storia della musica popolare mondiale
è colossale, profondo e indiscutibile. La Canzone Italiana, ad esempio, semplicemente non esisterebbe se non ci fosse stata
la Canzone Napoletana. Una prova è lampante: E. A. Mario, l’autore della più italiana delle canzoni – “La Leggenda del Piave”
– era napoletano e aveva firmato anche la “Tammurriata Nera”!
Citando in ordine sparso, vengono in mente miti e leggende del calibro di Donizetti, Di Giacomo e Viviani, Totò e Modugno,
Mozart e De Simone, Pino Daniele, Teresa De Sio, i fratelli Bennato, la Nuova Compagnia di Canto Popolare, Enzo Avitabile,
James Senese, gli Showmen e i Napoli Centrale, le correnti del ‘neapolitan power’ e della Vesuwave, i neomelodici, la
sceneggiata, Salvator Rosa e Massimo Troisi, le Feste di Piedigrotta e il Festival di Napoli, Murolo, Bruni, Carosone, Taranto e
le ‘macchiette’, D’Alessio, Maldacea, Arbore, Merola, la Sastri, Elvis Presley, Nino D’Angelo, De Piscopo, gli Avion Travel, il
trip hop napoletano, i 99 Posse, Peppino di Capri, Sannino, De Crescenzo, Fierro e Rondinella, Mario e Sal Da Vinci, gli
Almamegretta, Finizio, i rapper e i trapper, Clementino e Rocco Hunt. Tutto si incontra lungo le strade di Napoli, ogni elemento
si fonde per creare nuova musica, aggiungendo sempre sentieri inediti ad una via maestra lunghissima, estesa, larga e,
spesso, ingombrante.

P E R S O N A G G I
Gli ultimi giorni di John Lennon: cosa successe prima della sua morte così tragica e
che ha sconvolto l’opinione pubblica?
John Lennon si ritirò dalle scene nel 1975 per fare ‘il mammo’, salvo poi ripresentarsi nel
1980, ad un passo dal suo quarantesimo compleanno, con il bell’album “Double Fantasy”. Fu
un rientro in grande stile, una nuova porta che si apriva nella straordinaria carriera del
musicista di Liverpool.
È incredibile pensare che una delle ultime canzoni registrate, in quel primo scorcio di
dicembre, fu “Dear John”, una sorta di lettera a se stesso: “Caro John, non essere duro con te
stesso / Concediti una pausa / La vita non è stata concepita per essere vissuta di corsa / Ora
la corsa è terminata / E tu hai vinto”. È davvero surreale leggere oggi, a poco più di
quarant’anni dalla scomparsa del musicista di Liverpool, il verso “Ora la corsa è terminata”,
sapendo che è stato scritto poche ore prima di quel lunedì 8 dicembre 1980. Un folle – Mark
David Chapman – lo avrebbe ucciso con 5 proiettili nella notte newyorkese.
Hai avuto l’onore di intervistare sia suo figlio Sean che sua moglie Yoko Ono: cosa è
emerso di non conosciuto della personalità di John, soprattutto durante la carriera
solista e del suo rapporto con gli altri 3 membri?
Ho avuto il privilegio e la fortuna di intervistare Sean ben tre volte, nel 2007 a Catania, nel
2009 a Venezia e qualche tempo dopo al telefono (tra Napoli e New York!). Nel 2009 incontrai
e intervistai anche Yoko Ono a Venezia, in occasione della consegna del Leone d’Oro alla
Carriera da parte dell’allora Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano. John è una figura
pervasiva, intimamente connessa a Yoko e Sean: lo amano, ne rispettano l’integrità artistica e,
devo aggiungere, hanno curato sempre con attenzione la sua eredità discografica, senza
lasciare mai nulla al caso. Nella nostra due-giorni catanese del 2007, Sean mi disse, ad un
certo punto, “Se mio padre avesse detto ai fan ‘mettete una bomba davanti alla Casa Bianca’,
il giorno dopo almeno due o tremila persone l’avrebbero fatto. Non è mai accaduto: papà era
un personaggio amato e molto scomodo. Non mi sorprende che FBI e CIA fossero
costantemente sui suoi passi”.
Il mosaico napoletano dedicato a John Lennon che si trova a New York…
Con la Statua della Libertà, l’Empire State Building, il ponte di Brooklyn e il memoriale di
Ground Zero è uno dei cinque luoghi di New York più fotografati dai turisti: il mosaico di
Central Park dedicato a John Lennon è uno dei simboli della Grande Mela e del culto per l’ex-
Beatle. Dopo la morte di John, l’amministrazione comunale di New York ha dedicato a John
Lennon un’area del Central Park. Nell’estate del 1981 Yoko Ono aveva inviato una lettera alle
istituzioni e agli opinion leader statunitensi chiedendo di sostenere la sua iniziativa di dedicare
al marito un’oasi naturalistica del parco: “È il luogo in cui io e John passeggiammo per l’ultima
volta insieme. – scrisse la Ono nella sua lettera – Sarà conosciuta con il nome di Strawberry
Fields”. Nell’aprile 1982 il sindaco di New York Edward I. Koch approvò la richiesta avanzata
dalla Ono e si decise che un’area del Central Park sarebbe stata battezzata “Strawberry
Fields”, dal nome del luogo di Liverpool più amato da Lennon e immortalato nella canzone del
1967 “Strawberry Fields Forever” dei Beatles. Il 9 ottobre 1985, nel giorno in cui Lennon
avrebbe compiuto 45 anni, fu inaugurata l’area “Strawberry Fields”, considerata dai cittadini
newyorkesi un Giardino della Pace. L’area è caratterizzata dalla presenza del celebre mosaico
circolare “Imagine”, realizzato dal mosaicista Antonio Cassio con il contributo del fratello
Fabrizio e donato dalla città di Napoli al consiglio comunale di New York nei primi anni
Ottanta, nel periodo conclusivo dell’amministrazione partenopea guidata dal sindaco-artista
Maurizio Valenzi. L’opera, amatissima da Yoko Ono, rievoca un mosaico pompeiano
raffigurante un grande Sole, conservato nelle sale del MANN, il Museo Archeologico di Napoli.
Nel corso degli anni, soltanto poche testate campane hanno ricordato che quel mosaico,
fotografato dai turisti di tutto il mondo, è stato donato dalla città di Napoli. Nessuna targa ne
ricorda la provenienza e soltanto un breve lancio di agenzia della Associated Press, alcuni
anni fa, rievocava quel “neapolitan mosaic” dedicato a John Lennon.
Paul McCartney e Michael Jackson
È una strana storia, fatta di incontri e allontanamenti, di ammirazione reciproca e affari.
Dopo un’ampia e lunga preparazione musicale e personale, i Jackson Five conquistarono
trionfalmente le classifiche americane nel 1969, piazzando – primi nella storia della pop music
– i loro quattro singoli d’esordio consecutivamente al numero uno della Billboard Hot 100,
chart ambitissima da ogni musicista del pianeta.
L’inizio fu fulminante: pubblicato poco prima del Natale del 1969, il primo album del quintetto
venne abilmente intitolato “Diana Ross Presents the Jacksons 5” ed ebbe come Cavallo di
Troia ideale il singolo “I Want You Back”, una delle canzoni di maggior successo dell’intera
epopea della Motown Records.

P E R S O N A G G I
Da “Zip-A-Dee-Doo-Dah” a “Born To Love You”, passando per “My Cherie Amour” di Stevie
Wonder o “Who’s Lovin’ You” di Smokey Robinson, il 33 giri strizzava l’occhio alla più furba
produzione di casa Motown. Il disco tolse a “Abbey Road” dei Beatles lo scettro del primo
posto nella classifica americana, mentre i Led Zeppelin spodestarono i Fab Four in
Inghilterra. Era il segno dei tempi: stavano per ‘schiudersi’ gli anni Settanta. Da allora Paul
McCartney, decisamente il più curioso sperimentatore tra gli ex-Beatles, ha osservato con
grande attenzione la carriera di Jackson, fino a firmare “Girlfriend” per l’album “Off the Wall”.
Da quel momento, un’amicizia fatta di musica e talento ha avuto inizio: “Say Say Say”, “The
Man”, “The Girl is Mine” sono i tasselli di questo mosaico musicale del duo “Mac & Jack”,
come amavano autodefinirsi i due musicisti. Una liaison che ebbe una evidente battuta
d’arresto dopo che Michael Jackson si impossessò dei diritti editoriali del catalogo Northern
Songs, che tutelava le composizioni beatlesiane firmate da John Lennon e Paul McCartney.
L’allontanamento fra i due fu inevitabile: lo showbusiness ha preso il sopravvento. Quando
Jackson morì, Sir Paul affermò “Mi sento privilegiato ad aver frequentato Michael e lavorato
con lui. La sua musica sarà ricordata per sempre”. Nell’agosto del 1977, quando morì Elvis
Presley, i critici musicali, i musicisti, i media e i fan di ogni angolo del pianeta si interrogarono
sulle sorti della sua eredità artistica, iconica e musicale e sul nome di un ideale depositario
della corona di ‘re del rock’. Pochi anni prima, nel 1970, legioni di fan di ogni latitudine
piansero lo scioglimento dei Beatles. E anche lì, puntualmente, i media e l’universo del poprock
iniziarono ad elencare possibili eredi artistici della band di maggior successo della storia
della musica. Naturalmente questo gioco collettivo non poteva risparmiare Michael Jackson:
da quel 25 giugno 2009 ad oggi, non c’è momento in cui i media non si interroghino sulle
possibilità di individuare un erede-simbolo del Re del Pop. Una ricerca senza fine, spesso
sospinta dalle pressioni dei giornalisti o dalle vivaci motivazioni dei fan sulle piattaformesocial.
Chi ha agguantato lo scettro del re del pop. Nessuno, naturalmente.
L’eredità di Michael Jackson, di Elvis Presley o dei Beatles – per citare i più vistosi fenomeni
della contemporaneità in tal senso – si cela nelle carriere di decine, centinaia di artisti di ogni
angolo del globo che hanno raccolto la polvere magica cosparsa negli anni da queste icone
del pop-rock.
I Fab Four nel cinema
Quello tra i Beatles e il cinema è un rapporto lungo, saldo e complesso. I Fab Four sono stati
protagonisti di una pentalogia cinematografica divenuta simbolica, inaugurata con “A Hard
Day’s Night”: la popolarità dei Beatles, nel primo scorcio del 1964, era davvero alle stelle e la
proposta di realizzare un film che avesse i quattro musicisti (e, naturalmente, le loro canzoni)
come principali protagonisti rappresentò per l’industria cinematografia, per la EMI e per gli
stessi Beatles un’occasione da non perdere. La proposta avanzata dalla United Artists nel
1963 si concretizzò nella realizzazione del lungometraggio A Hard Day’s Night, nelle sue
prime fasi battezzato Beatlemania fino alla nascita del definitivo titolo e dell’omonimo brano. Il
mondo della celluloide non avrebbe tardato ad attingere alle risorse musicali e istrioniche del
quartetto. Il lungometraggio A Hard Day’s Night (in Italia Tutti Per Uno), diretto dal giovane
cineasta Richard Lester, rappresentò lo starting point della carriera cinematografica dei
Beatles: lontano dai canoni degli italici “musicarelli” o dalle melense interpretazioni
hollywoodiane di Elvis Presley, il film di Lester si basava su una sceneggiatura molto
accattivante firmata dal romanziere Alun Owen, autore che ben interpretava quello spirito che
era proprio dei Beatles e che trasformerà i quattro nei “fratelli Marx del rock’n’roll”. Girata in
un poetico bianco/nero d’essai, il film di Lester costò pochissimo e divenne rapidamente il
fenomeno musical-cinematografico dell’anno, dando avvio ad una pentalogia cinematografica
che, sino al 1970, accompagnerà la carriera musicale dei Fab Four. Il film contribuì a
delineare alcuni stereotipi legati ai singoli componenti della band che i quattro riuscirono a
scrollarsi soltanto nel corso degli anni e con non poche difficoltà: al John cinico e sferzante fa
da contraltare un Paul diplomatico e fascinoso, al bel tenebroso e taciturno George si
affianca il “jolly” Ringo. Quest’ultimo, inoltre, conquista l’affetto del pubblico e della critica,
diventando l’effettivo “nucleo” narrativo di quasi tutti gli altri film della cinematografia
beatlesiana.
Realizzato su pellicola a colori e con un budget più ampio, il secondo film della band faceva il
verso al più importante fenomeno cinematografico “made in UK” degli anni Sessanta, la saga
dell’agente segreto britannico 007/James Bond, nato dalla penna dello scrittore Ian Fleming.
Le esotiche location dei film interpretati dall’affascinante Sean Connery, l’abile regia di
Terence Young e Guy Hamilton, i gadgets futuristici apparsi in Goldfinger, Dalla Russia Con
Amore e Licenza di Uccidere furono l’elemento-base da cui prese il via la parodia proposta
dai Beatles e dal fido Richard Lester, arricchita dalle canzoni del quartetto, dallo humour
nord-inglese del cast e da surreali siparietti comici infilati a sorpresa nel film.
Sebbene fosse meno convincente del suo predecessore, il film Help! sbancò i botteghini di
mezzo mondo, catapultando l’omonimo album in vetta alle classifiche internazionali e
offrendo una enorme visibilità alle canzoni in esso contenute.

P E R S O N A G G I
Il 1969 si inaugurò in un clima di profonda confusione, accentuato dalla instabile proposta avanzata
da Paul McCartney di portare nuovamente in scena il quartetto in versione live. Il progetto del
bassista, intitolato emblematicamente Get Back (Ritorno…alle origini) si basava sulla possibilità di
rieseguire quei brani che erano stati al centro della formazione musicale del gruppo e riportarli
nuovamente all’attenzione del pubblico in uno show televisivo registrato a Londra.
Get Back portò alla registrazione di tantissimo materiale-video, “catturato” dal regista Michael
Lindsay-Hogg e dal suo staff durante ore e ore di prove nei Twickenham Studios della capitale
britannica: il progetto culminò in un concerto a sorpresa tenutosi il 30 gennaio 1969 sul tetto della
sede della Apple – nell’elegante strada londinese Savile Row – e cambiò nome trasformandosi in
Let It Be. Il “rooftop concert” del 1969 fu l’ultima occasione in cui i Beatles suonarono insieme in un
concerto pubblico. L’album e il film-documentario che nacquero da questa esperienza videro la luce
oltre quindici mesi più tardi e accompagnarono lo scioglimento ufficiale della band, avvenuto
nell’aprile 1970.
Quali sono i luoghi napoletani più importanti citati nelle canzoni di Pino Daniele e di Peppino
di Capri, mostri sacri della canzone partenopea?
Beh, sono decine. Pino cita spesso e volentieri differenti luoghi della città, da via Santa Teresa al
porto di Napoli, passando per il Vomero e il quartiere Stella. Alla sua vita sono poi legati i cardini e i
decumani della struttura greca originaria della città, ma anche l’Isolotto di Megaride e il Castel
dell’Ovo, Piazza del Plebiscito, Piazza Santa Maria La Nova e via Medina.
Lo sguardo di Peppino di Capri è di altra natura, più contemplativo, ha una visione più ‘apollinea’
dei luoghi della Campania: dal Golfo di Napoli alla Luna Caprese, la musica di Peppino è densa di
riferimenti riconducibili alla tradizione ‘classica’ partenopea.
Il giro del mondo in 40 Napoli
Nell’estate del 2017, le pagine del “Corriere del Mezzogiorno” – storico ‘dorso’ del “Corriere della
Sera” di cui sono contributor da alcuni anni – hanno ospitato un mio reportage strutturato come un
ideale giro del mondo in differenti tappe, tutte rigorosamente “napoletane”. Da quel reportage è
nato, nel 2019, un volume, intitolato “Il Giro del Mondo in 40 Napoli”: il libro intende accompagnare
il lettore in un lungo viaggio attraverso i continenti, che si apre con la Napoli dello Stato di New York
e che, inevitabilmente, si conclude con la più celebre delle Napoli del mondo. Unità di misura
dell'intero percorso, il capoluogo partenopeo condivide la sua sorte con trentanove ‘cugine’
attraversate nelle pagine del mio libro-viaggio. Napoli è una e multipla: non solo sfogliatelle e
mandolini ma anche rodeo texano, ouzo ateniese, carnevale brasiliano, malvasia greco-veneziana,
testimonianze dei nativi americani, prelibatezze siciliane e pugliesi, villaggi africani e smart city
cipriote. Tutto si nasconde e si svela nel nome di Napoli, ad ogni latitudine.
Naples, Neapolis, Nabeul, Napoli, Nauplia, Neopolis o Neapoli sono i nomi delle quaranta Napoli
scelte per questo itinerario, che a breve si trasformerà anche in una mostra espositiva.
007 Operazione Suono e l’amicizia con Monty Norman
Il mio ultimo libro, “007 Operazione Suono”, racconta il mito-Bond in un viaggio nella storia delle
colonne sonore e delle canzoni originali tratte dai film dedicati alla spia britannica nata dalla penna
di Ian Fleming. È un libro a cui ho lavorato moltissimi anni: la ricognizione del materiale è iniziata
ufficialmente circa 25 anni fa e la sua stesura ha occupato l’ultimo biennio. Un lavoro a cui sono
molto legato e che è un ideale punto di incontro tra cinema e musica.
Allo stato attuale, è la più ampia e aggiornata guida sulle colonne sonore dei film di 007 e abbraccia
i 25 film ufficiali della saga cinematografica di Bond e i tre capitoli non ufficiali dedicati a 007 ovvero
i due “Casino Royale” (quello televisivo del 1954 e il film-parodia del 1967) e “Mai dire Mai” del
1983. Da Shirley Bassey a Billie Eilish, da Sir Paul McCartney ad Adele, passando per Tina Turner,
Sam Smith, i Duran Duran, Louis Armstrong, Madonna, Tom Jones e molti altri, “007 Operazione
Suono” racconta le canzoni che hanno accompagnato le imprese di Bond, ma anche i temi
orchestrali della saga, dallo strumentale “James Bond Theme” di Monty Norman alla colonna
sonora di “No Time To Die” del Premio Oscar Hans Zimmer.
Un lungo percorso in musica che ha accompagnato le gesta di Sean Connery, George Lazenby,
Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan e Daniel Craig.
Il libro è dedicato alla memoria di Sir Sean Connery, primo interprete cinematografico dell’agente
segreto inglese, scomparso recentemente, ed è impreziosito dalla prefazione del leggendario
Monty Norman, pluripremiato compositore britannico e creatore del “James Bond Theme”, tema
orchestrale divenuto ‘firma’ delle imprese di 007, da “Licenza di Uccidere” del 1962 a “No Time to
Die” del 2021. Quella con Norman è un’amicizia incredibile, forse il più inatteso regalo di questo
mio libro: nel 2019 gli scrissi per chiedergli una testimonianza personale, una sorta di intervista.
Non mi sarei mai aspettato che questo compositore ultranovantenne avrebbe firmato la prefazione
del libro! Da allora siamo in costante contatto epistolare; ogni settimana ci scriviamo.

P E R S O N A G G I
Cosa sono POP Life e Michelangelo Comunicazione?
Pop Life è una sorta di laboratorio accademico e culturale, un luogo di incontro tra differenti Atenei universitari della Campania e differenti docenti
di questi Atenei. Faccio parte di questo gruppo di lavoro dal 2018 e insieme ad altri colleghi ho preso parte agli incontri di Pop Life, interamente
dedicati ai linguaggi della pop-culture, ambito del quale mi sono occupato molto spesso nell’arco degli ultimi venti anni. Dal 1999, infatti, sono
docente dell’Università degli Studi “Suor Orsola Benincasa” di Napoli, sia con i miei due insegnamenti presso la il Corso di Laurea in Scienze
della Comunicazione sia con il mio Laboratorio di Musicologia.
“Michelangelo Comunicazione” è il nome della mia agenzia di comunicazione: una press-agency nata nel 2013, ma attiva sin da qualche anno
prima: questa agenzia è nata immediatamente dopo la conclusione dell’attività professionale di “MFL Comunicazione”, l’ufficio stampa fondato
nel 1999 da Francesca Capriati, Lucia Nicodemo e me. Un bel laboratorio professionale e creativo che ha forgiato i nostri rispettivi percorsi
lavorativi.
C’era una volta a Torre Annunziata la pasta italiana più buona del mondo…
…e c’è anche un pezzetto di cuore in più in questa vicenda: mia nonna Filomena (per tutti era ‘Filina’) era, come anticipavo in questa intervista,
figlia di una grande famiglia di industriali di Torre Annunziata. Ho raccontato quel polo produttivo fiorito a cavallo tra l’Ottocento e il Novecento in
un mio recente reportage apparso sulle pagine di uno Speciale del Corriere della Sera – Corriere del Mezzogiorno.
In questo 2021 si celebra anche il ventennale di “Francesca e Nunziata”, film per la tv che venne presentato nel 2001 al festival del cinema di
Montréal. Diretta da Lina Wertmuller, la pellicola venne trasmessa l’anno seguente in Italia e in molti Paesi del mondo. Nel 1995, Avagliano
Editore aveva pubblicato l’omonimo romanzo di Maria Orsini Natale, scrittrice, giornalista e poetessa di Torre Annunziata. Finalista al Premio
Strega, quel libro si trasformò in uno dei titoli italiani più letti e tradotti degli anni Novanta.
Esattamente 140 anni fa, nel 1881, il quarantenne Domenico Orsini inaugurò il primo mulino a vapore di Torre Annunziata. La pronipote Maria
imprigionò quella vicenda e i suoi protagonisti nelle pagine di “Francesca e Nunziata”. La città vesuviana era epicentro mediterraneo della
cosiddetta “arte bianca”, quella speciale quality territoriale nel produrre le paste più buone del mondo.
Quello torrese fu un polo industriale di primissimo piano, mortificato da crisi economiche, aziendali o familiari, ma soprattutto dall’invasione dei
tedeschi, che utilizzarono diversi pastifici come depositi di armi e avamposti sul territorio vesuviano durante il secondo conflitto mondiale.
Etica dell’impresa, ricerca industriale e cultura generarono un’ideale sintesi che può far riflettere sulle strategie di marketing territoriale della
contemporaneità.
I prossimi artisti che vedranno la luce nelle tue opere.
In queste settimane sto terminando il mio nuovo libro, un volume monografico dedicato a Rino Gaetano, che vedrà la luce in primavera, a ridosso
del quarantesimo anniversario della scomparsa del cantautore di Crotone: non posso rivelare altro, naturalmente, ma poco importa perché tanto
“il cielo è sempre più blu”!

P E R S O N A G G I

P E R S O N A G G I
I tuoi esordi alla danza...
Ho iniziato a ballare relativamente tardi, avevo 14 anni.
Con un' esperienza teatrale e cinematografica alle spalle, ho partecipato come
protagonista al film di Leandro Castellani intitolato “il coraggio di parlare”, film
grazie al quale ho ricevuto un premio al festival di Giffoni Valle Piana come
miglior attore protagonista. Nonostante la possibilita' di continuare in questa
affascinante arte, la passione per la musica e la danza hanno preso il
sopravvento. Quindi, dopo gli inizi entusiasmanti al kiki urbani, un' ottima
scuola privata nella periferia della mia citta', Roma, diretta dal primo ballerino
del Teatro dell'Opera di Roma, Giuseppe Urbani e sua sorella, a seguito di uno
stage, mi viene data la possibilita' di entrare nell'Accademia del Teatro alla
Scala, all'epoca diretta dall'insuperabile Annamaria Prina. Un pensiero di
gratitudine speciale e grande stima vanno alle mie prime insegnanti Nadia
Calandra e Fausta Spada, che hanno accompagnato la mia crescita e
supportato la mia passione, come pure ai primi maestri scaligeri quali Oleg
Sokolov e Tiit Harm, entrambi ottimi danzatori e appassionati insegnanti.
Terminato, quindi, il percorso di studi, mi sono diplomato e sono entrato
direttamente a far parte del corpo di ballo del Teatro alla Scala. L'avventura è
iniziata. Sono stati anni intensi lontano da casa e dalla famiglia che, tuttavia, mi
ha sempre supportato in ogni modo e senza la quale tutto cio' non sarebbe
potuto accadere. Grazie mamma e papa' !!
Sei entrato giovanissimo nella compagnia del Teatro Alla Scala di Milano.
Quali ricordi conservi?
Sono entrato in compagnia a 22 anni, sotto la direzione di Elisabetta Tebarust.
E' stato un rapporto burrascoso, ma ho imparato tanto da lei e per questo
ancora oggi la ringrazio. Ricordo la grande attenzione e precisione dello staff da
lei scelto e la cura quasi maniacale dei particolari nelle prove in sala per il
montaggio di balletti del repertorio classico e contemporaneo. Come pure la
grande attenzione durante gli spettacoli al fine di raggiungere un'esecuzione
ineccepibile. Sicuramente uno dei ricordi piu' belli per me e' stata la
preparazione e l'esecuzione dello “zingaro”, ruolo di carattere nel balletto “ Don
Chisciotte” con la coreografia di R. Nureyev. Qualcosa che ho cercato,
fortemente voluto e che, alla fine, mi ha dato tanta gioia e soddisfazione.
Dopo tanto danzare, la tua vena coreografica è apparsa. Quale è stato il
tuo primo lavoro come coreografo?
Se sono diventato coreografo, come spesso amo ricordare, lo devo all'incontro
e alla partecipazione in una creazione contemporanea realizzata da Jacopo
Godani. Lavorando giorno dopo giorno a contatto con lui, ho scoperto che si
poteva, che si puo' attingere dalle nostre piu' profonde passioni, dal nostro
istinto e finalmente danzare, muoversi liberi e creare. Senza schemi, con
fiducia esplorare, scoprire, abbandonarsi alla musica. Non cedere
necessariamente a un banale spontaneismo ma neanche castrare cio' che
nasce dal profondo di noi stessi , anche se magari al momento, non riusciamo
a decifrarlo. Sull'onda di questa folgorazione nasce un breve trittico su musica
di P. Glass... E da li' non mi sono ancora fermato !
Tanti i nomi importanti della danza con cui hai lavorato, dando vita, per
loro, a tante creazioni. Cosa trai da esperienze come queste?
In primis che c'e' sempre da imparare da migliorarsi e crescere, Che a volte
basta ascoltare ed osservare per creare insieme qualcosa di interessante e
che, se qualche ostacolo sopraggiunge, fondamentale e' instaurare un rapporto
di fiducia, in un' atmosfera serena e giocosa. Non dico di esserci sempre
riuscito, ma cerco comunque di iniziare ogni nuovo lavoro seguendo questo
principio. Le cose si fanno insieme. Inevitabile incontrare momenti di stress e
tensione ma, come disse qualcuno che ora non ricordo : “ragazzi, alla fine e'
solo danza”.

P E R S O N A G G I
Parlaci di qualche tua creazioni a cui sei particolarmente legato e perché...
”Difficile dire a quale figlio vuoi piu' bene” tuttavia la mia prima creazione scaligera “l'Altro
Casanova”, Musica di Vivaldi, Boccherini, Bach, Malipiero, Schinittke, scene di Aurelio
Colombo, costumi di Erika Carretta, luci Marco Filibeck. E' stata per me un'esperienza tanto
scioccante quanto fondamentale per la mia carriera e la mia maturazione di uomo e artista.
Ho capito molte cose, alcune mio malgrado.
Ringrazio sempre il direttore di allora Makar Vaziev che ha creduto in me e mi ha concesso
una possiblità così grande, sfidando tutto e tutti. Ancora oggi, quando la rivedo,
nonostante riconosca inevitabili ingenuita' etc. etc., la ritengo una creazione
fondamentale. Infatti riesco a scorgere , a sentire come essa , sebbene in modo forse
primitivo o criptico, rappresenti la realizzazione e l'estrinsecazione di quel crogiuolo di
impulsi e forze che si sono rivelate fortemente dentro di me. Nasceva, forse balbettando,
tutto il mio alfabeto. Altro titolo a cui sono molto affezionato, e' una creazione realizzata
nel 2014 per l'Estonian National opera intitolata “Medea”. Musica di Stravinskij, Dead Can
Dance, Schnittke; scene di Andrea Tocchio, Maria Rossi Franchi; costumi della mia
fantastica e purtroppo prematuramente scomparsa amica Simona Morresi. Sono legato a
questo progetto perché rappresenta il mio esordio all'estero con un titolo che sembrava una
scommessa rischiosa per il pubblico locale, come mi diceva Thomas Edur, allora direttore
della compagnia, ma che invece si è rivelata vincente, tanto che ancora oggi il titolo è in
cartellone ed è sempre molto apprezzato. Altra avventura, che si discosta da quella che
potrebbe essere la mia poetica o il mio stile, e' la realizzazione di un progetto su
commissione del Teatro San Carlo di Napoli nel 2017, “Alice in Wonderland”. Musica
Tcaikovsky, Khachaturian, Nanetti; Scene Andrea Tocchio; costumi Simona Morresi,
Annamaria Ruocco; Proiezioni Sergio Metalli; luci Fiammetta Baldisserri, Valerio Tiberi.
Alice nasce come proposta fattami da Lienz Chang, maitre facente veci di direttore , che
mi suggeri' folgorato il titolo per la compagnia partenopea. Da principio io rimasi scettico
tuttavia, ripensadoci, ho creduto che potesse rappresentare una sfida interessante, quindi
accettai. Dopo varie vicissitudini , che vi risparmio, “Alice in wonderland” ando' in scena nel
2017. Balletto in due atti, che coinvolgeva anche l'Accademia del Teatro San Carlo e che ha
veramente smosso la critica ed il pubblico napoletano, tanto che, due anni dopo, abbiamo
debuttato in Estonia, nel Tahvuus Estonia Opera, riscuotendo un successo incredibile.
Ancora oggi il titolo e' in cartellone e le recite sono per la maggior parte sold out !
I tuoi prossimi progetti?
Il covid ha creato problemi enormi per tutti e quasi in ogni settore, ma siamo in italia e la
cultura, l'arte e la danza ne sono uscite, se ne sono uscite, stremate. Tuttavia, durante il
lockdown, ho avuto molto tempo per lavorare e nuovi progetti che, grazie anche alla
collaborazione instancabile del mio team, hanno preso vita. Abbiamo realizzato una nuova
“Carmen” ispirata al mondo del musical e del circo sul modello di Moulin Rouge o the
Greatest Showman, da proporre non appena sara' possibile in italia e all'estero. Un' altra
idea pronta a prendere vita e' un lavoro incentrato sul rapporto amoroso e tragico tra il
famoso scultore francese Rodin e la sua musa, amante e collega Camille Clodel, Intitolato
“Rodin+Camille la porte de l'Enfer”. Progetto che mi piacerebbe realizzare anche perche' la
musica scelta e' del compianto maestro Ezio Bosso, che ho conosciuto personalmente e
che ho sempre seguito e stimato moltissimo. Trovo che la sua opera sia eccezionale e
spero vivvamente di vederlo presto in scena. A breve, come tu ben sai, Ontheatretv,
piattaforma streaming, ha richiesto alcuni tra i miei lavori più interessanti da proporre su
internet. Siamo in fase di preparazione, dopo di che, il pubblico avra' la possibilita', se ha
piacere, di apprezzarli. Attualmente continua la collaborazione con Roberto Bolle che ha
inserito il passo a due tratto da “L'altro Casanova” nel suo tour in italia e all'estero, dopo
averlo danzato anche il 1° giugno al Quirinale per la festa della Repubblica, con la sensuale
Virna Toppi, cosa che mi ha riempito di gioia ed orgoglio. Il resto sono sogni che urlano dal
cassetto...
Cosa rappresenta per te la danza?
La danza, la musica sono come un salto nella tana del bianconiglio, la mia terapia, il
momento in cui non penso ma sono.

P E R S O N A G G I

P E R S O N A G G I
Spesso abbiamo parlato dell’arte della fotografia, e del
significato che la stessa ha per chi fotografa; poi ho
conosciuto Davide, un ragazzo che è nato e vive nel mio
stesso paese di origine; non lo conoscevo né ci avevo mai
parlato, in quanto molto più piccolo di me, dunque
appartenente ad un’altra generazione, ma ho iniziato ad
apprezzare le foto che pubblicava su Facebook e che
avevano qualcosa di diverso, “un di più” rispetto a quello che
avevo visto sino ad ora. L’ho contattato, chiedendogli di
rilasciarmi un’intervista, ma non ce n’è stato bisogno, in
quanto, gentilissimo e disponibilissimo, si è raccontato da
solo, esprimendo in modo esaudiente ciò che avrei voluto
chiedergli e sapere, attraverso le mie domande. Davide
spesso usa uno pseudonimo, Dave Warner - “Dave nasce da
un sentirmi in disaccordo con me stesso, come se avessi un
alter ego, ed è, ovviamente, l’abbreviazione inglese di Davide;
Warner è il cognome di Brian Warner, ovvero Marilyn Manson,
personaggio che mi colpì profondamente a 6 anni”- ci spiega
Davide. Vi propongo, dunque, la sua originale e
personalissima presentazione non solo della sua persona, ma
di come essa viva e conviva con la fotografia, dando vita a ciò
che Davide, (perché in questa circostanza chi si racconta “è
Davide e non Dave”), chiama il suo “Moto perpetuo”.
Pina DelleSite

P E R S O N A G G I
Sono Davide Bilancia, nato nel gelo dell'inverno 1993. Ho 28 anni e, come scoprirete, oggi siamo qui
per parlare di fotografia.
Sono un sostenitore attivo del progetto TheList, membro del FotoCineClub di Foggia e della FIAF.
Fotografia, letteralmente un metodo di comunicazione poiché l'inconscio e l'anima viaggiano e vivono
di immagini.
Creare una fotografia è l'atto più immediato per mettermi in relazione con la mia anima, trasmettere le
mie emozioni per poterle comprendere e manifestare.
Da quando ho memoria ho sempre avuto una macchina fotografica o uno strumento capace di
catturare fotografie con me, apparentemente per immortalare momenti di vita ma, in verità, servono a
me per comunicare.
Ho iniziato molto presto con i disagi esistenziali ed attualmente sono affetto da schizofrenia, o, come
la chiamo io, schizzofrenia. Così l'ho conosciuta ed ho fatto difficoltà a vedermi con una sola “zeta”.
Nel corso del tempo ho studiato, mi sono applicato e con il FotoCineClub, corsi esterni e TheList sono
molto attivo nel produrre immagini e progetti artistici.
Principalmente fotografo per i motivi detti poc'anzi ed, oltre quelli, riesco anche a vivere delle
esperienze propositive, come stagioni estive e momenti di unione con le uscite ed i progetti (mostre e
corsi) del FotoCineClub di Foggia.
Sento di esserci nato con questa dimensione fotografica nel mio essere.
Che sia uno still life o un ritratto, il mio pane quotidiano, l'importante per me è parlare con me stesso,
mettere in luce le mie ombre.
"Fotografia" è un termine elegante, racchiude in sé la leggerezza di ciò che rappresenta e la potenza di
ciò che cela. Faccio difficoltà ancora a definirmi un fotografo poiché l'aspettativa che avevo un tempo,
guardando i vecchi fotografi della zona, mi aveva dato un senso di lavoro estremamente inquadrato e
schematico. Crescendo e vivendola ho capito chi sono io quando fotografo.
È un momento di pura passione, connessione e ricerca della mia sostanza. Non m'importa se ho a
disposizione una reflex entry level, un cellulare o la macchina fotografica tecnologicamente più
avanzata. So quello che faccio, ciò che voglio e per me, che sono schizofrenico, mi fa sentire unito,
parlo a me stesso e dimostro agli altri cosa ho dentro.
Lavorare in fase di sviluppo è la chiave per naturalizzare il grezzo che viene fuori dal singolo scatto.
È un atto d'amore, amor proprio. È il mio “moto perpetuo”.
Non dedico una lettera, anche se so scrivere, non dedico un mazzo di fiori, anche se sono romantico.
Dono una fotografia, una mia creazione, parte della mia anima a chi sento di doverla dare.
Fotografo per me, per far parlare la mia anima e questa è in continua evoluzione.
Mio cognato, Luca, dice che tiro fuori l'anima delle persone coi miei ritratti.
Io non sono molto per i complimenti, anzi, mi fanno paura e quando merito qualcosa questo mi
spiazza ma sto imparando a cavarmela.
Immaginate la vostra compagna di viaggio, che sia una chitarra, un binocolo, uno scacciapensieri...
Per me è la macchina fotografica, la temo e la amo. Mi rapisce, mi consola, mi si addice e mi premia.
Rappresenta il mio centro, tocca l'anima ogni singola premuta di pulsante che rilascia l'otturatore.
Quando gli occhi della macchina si chiudono la mia anima si apre, emana un segnale.
Troppo amore ho soppresso, troppe anime ho guarito e colmo di comprensione cerco me stesso nei
fotogrammi di vita, che catturo senza timore.
Un'anima, uno sguardo, una goccia di pioggia, un soffio di vento che scuote i capelli di una dolce
fanciulla o le poderose fauci di un uomo che ti urla contro la propria rabbia… io vivo forte catturo
l'intangibile. Con tutta la mia fragilità trovo un pezzo di me in ogni persona che incontro e timidamente
mi inserisco nelle loro vicende con la mia macchina fotografica. Ho sete di me e ad ogni tocco prendo
un sorso di vita. Essa (la fotografia) non rappresenta né un momento passato né uno futuro.
La fotografia rappresenta il presente, l'attuale. I sentimenti. Fotografo l'irrisolto che c'è dentro di me e
con essa guarisco guardandomi dentro, pensando al prossimo tassello, pezzo di puzzle che compone
il mio essere. Sono in una fase di cambiamento, di ritrovamento dell'essere, della mia entità in questo
mondo. Sembra poco ma è la mia vita.
Il mio spirito mi guida attraverso le tempeste, rompe gli argini e supera le colline che portano al mare
dell'anima, assolato e determinato a credere e crescere.
Questa è la mia fotografia, il mio amore.
Davide.

F O T O G R A F I A

F O T O G R A F I A
Back Home nasce all’improvviso, nella primavera
del 2020, in piena pandemia. In quel periodo ero
studentessa del MADIS – Master di 1° livello in
Danza e Inclusione Sociale realizzato in Sardegna,
grazie all’impegno di soggetti ed istituzioni, tra i
quali l’Accademia Nazionale di Danza. Mi trovavo
in un momento di forte creatività fisica e mentale,
frutto sia dell’incontro con docenti di elevatissimo
spessore che di una mia spinta personale a
riscrivere questo periodo di immobilità e distanza
attraverso nuovi punti di riferimento, come gli spazi
domestici ed i sentimenti da essi evocati.
Da questo percorso è nato in me il desiderio di
produrre un contributo creativo per l’evento on line
"Danza e Distanza - azioni e riflessioni sulla danza
e drammaturgia in tempo di pandemia" -
organizzato dall'Accademia Nazionale di Danza in
occasione della Giornata Internazionale della
Danza 2020. Di questa videocreazione, realizzata
insieme a Luca, affascinava la sfida con l’elemento
tempo: realizzare una narrazione visiva efficace in
un solo minuto. Penso che di Back Home sia nata
rapidamente l’alternanza di opposti che lo
caratterizza: luce e buio, esterno e interno, pieno e
vuoto, silenzio e suono; elementi chiave del
quotidiano in quelle giornate difficili. Faticavo però
a focalizzarne il sentimento prevalente in base a cui
racchiuderne il significato in un titolo. Servivano
inoltre elementi chiave, da un incipit efficace ad una
chiusura rapida e chiara dal punto di vista visivo,
per dare un senso compiuto a quei sessanta
secondi. Back Home ha preso vita grazie alla
sensibilità e competenza di Luca, capace di
trasformare in immagini efficaci ciò che esprimevo.
Le inquadrature iniziali, completamente incentrate
sui gesti principali di ogni azione, non lasciano
spazio ad alcuna distrazione; la seconda parte si
sviluppa di fatto in un incubo, senza alcuna via di
fuga visiva.
Il titolo, nato alla fine, è frutto delle stesse
immagini: il nodo emozionale si è risolto nella
certezza interiore che le pareti tra cui accadeva
tutto questo erano pur sempre casa. Un nido da cui
spiccare il volo alla fine di un periodo così difficile
per tutti.
https://www.lucadibartolo.it/cinema-festival/backhome/
Giorgia Damasco

C I N E M A N E W S
AL VIA LE RIPRESE DI “MUTI” CON IL PREMIO OSCAR MORGAN FREEMAN
Iervolino and Lady Bacardi Entertainment (ILBE) – azienda specializzata nella
produzione di contenuti cinematografici, televisivi, web series e short content,
quotata sul mercato AIM Italia e precedentemente denominata Iervolino
Entertainment – comunica l’avvio della produzione di “Muti”, interpretato dal
Premio Oscar Morgan Freeman, Cole Hauser e Vernon Davis.
Il film sarà diretto da George Gallo, Francesco Cinquemani e Luca Giliberto.
Direttore della Fotografia sarà Andrzej Sekula (Le Iene, Pulp Fiction, American
Psycho). L’inizio delle riprese del film è previsto in Mississippi (USA), per
proseguire successivamente in Italia. Una sceneggiatura di Bob Bowersox,
Jennifer Lemmon, Francesco Cinquemani, Giorgia Iannone, Luca Giliberto e
Ferdinando Dell'Omo basata su un soggetto di Joe Lemmon, Francesco
Cinquemani e Giorgia Iannone. "Muti" è prodotto da Andrea Iervolino e Monika
Bacardi. Redbox ha acquisito i diritti di distribuzione USA e Canada, mentre
WWPS quelli worldwide, ad esclusione di Italia, USA e Canada.
SINOSSI:
Incapace di processare il lutto per la morte della figlia, il Detective Lukas (Cole
Hauser), a pochi giorni dalla pensione, si lancia nella drammatica caccia ad un
serial killer misterioso che uccide secondo un brutale rituale tribale: il Muti. Un
viaggio che lo porterà anche a Roma, dove cercherà l’aiuto dell’ispettore Lavazzi.
L’unico che, però, può aiutare Lukas è il Professor Mackles (Morgan Freeman),
antropologo di origine africana che nasconde un inconfessabile segreto.
www.ilbegroup.it/com
DAL 30 SETTEMBRE AL CINEMA “SULLA GIOSTRA”, DIVERTENTE COMMEDIA
AL FEMMINILE CON CLAUDIA GERINI E LUCIA SARDO
Irene è una donna bella e di successo. Appena finiti gli studi,
ha abbandonato la campagna salentina per trasferirsi nella
Capitale dove, contando solo sulle proprie forze, ha avviato
una casa di produzione. I suoi sono giorni indaffarati, tra
tanto lavoro, un figlio adolescente ed un ex marito assente.
Quando sua madre decide di vendere la villa di famiglia,
Irene pensa di utilizzare la sua parte di ricavato per superare
un momento di difficoltà economiche. Ma succede qualcosa
di inaspettato. Ada, la vecchia governante, si rifiuta di
lasciare la casa. Irene è costretta a tornare in quel paesino
che le è sempre stato stretto e confrontarsi con una
dimensione arcaica che ormai non le appartiene più. Ma è
una donna determinata e cacciare Ada non sarà un
problema… o almeno così crede.
Da qui parte “Sulla giostra”, divertente commedia al femminile diretta da Giorgia Cecere (Il primo incarico, In un posto
bellissimo), in cui due donne, molto diverse, saranno costrette a mettere a confronto tutte le loro differenze. Claudia Gerini e
Lucia Sardo, a completare il cast, Alessio Vassallo e Paolo Sassanelli. Prodotto da Gloria Giorgianni e Tore Sansonetti per
Anele con Rai Cinema il film, ambientato nella splendida cornice salentina di Alessano e dintorni e realizzato con il sostegno di
Apulia Film Commission, sarà presentato in anteprima in concorso al Bari International Film Festival il 26 settembre, per poi
uscire nelle sale cinematografiche dal 30 settembre, distribuito da Notorious Pictures.

M U S I C A
Dopo il successo internazionale di "Letters to Bach", NOA è tornata con un nuovo album, questa
volta in duo, insieme al suo storico chitarrista Gil Dor, dedicatoì ai più grandi standard del jazz :
"Afterallogy ». Da "Calling Home" di Pat Metheny, che ha anche prodotto il suo primo album, a
"Anything Goes" e alla ben nota "My Masquerade", che ha spesso interpretato sul palco con George
Benson, Noa supera i confini dei generi musicali. NOA è tornata a Roma, sul palco all'aperto
dell'Auditorium Parco della Musica "Ennio Morricone" per proporre i nuovi brani e una summa del
suo repertorio più significativo. Insieme a lei c’era il suo grande amico Gil Dor e Gadi Seri alle
percussioni. Un grande e sentito concerto, dopo mesi di chiusura… Noa ha presentato al pubblico
romano la musica jazz, quella classica rivisitata e le sonorità trasversali a cui ci ha abituati nelle sue
molteplici produzioni discografiche. Grazie all’addetto stampa Elisabetta Castiglione, siamo riusciti a
realizzare questa intervista.

M U S I C A
Cosa significa la parola Afterallogy?
Questo nome è stato inventato da Gil e questo album è la risposta del perché
stiamo facendo quello che stiamo facendo… dopo tutto, “after all”. È una specie di
titolo influenzato dal coronavirus, da questo isolamento che ci ha riuniti in una
stanza, io e lui, dopo così tante vicende artistiche passate insieme, per ripartire da
capo con un album registrato a casa mia, dal momento che era vietato uscire.
Questo ci ha permesso di fermarci a focalizzare e capire quello che veramente
entrambi amavamo musicalmente; ci ha permesso di selezionare dei brani a cui
eravamo particolarmente affezionati ed arrangiarli spontaneamente e senza fretta,
ottenendo particolarissimi risultati grazie proprio alla sorprendente abilità armonica
di Gil alla chitarra. “After all that’s been said and done”, ovvero dopo tutto ciò che è
stato detto e che abbiamo dato, questo adesso è quanto amiamo ed abbiamo da
offrire e che offriremo anche nel prossimo album, la seconda parte di un progetto
che andremo nei prossimi mesi a registrare con una intera band, sempre
improvvisando con lo stesso naturale amore ed entusiasmo.
E come nasce questo Afterallogy?
Abbiamo sentito provenire dalle nostre viscere la forte emozione musicale per
questo album: qualcosa che ha smosso allo stesso tempo e nello stesso modo il
cuore e la mente. Sono fortunata ad avere uno studio nel seminterrato di casa mia,
uno spazio meraviglioso con pareti blu, strumenti colorati, pavimenti in legno e luce
solare dal Giardino Inglese su entrambi i lati della xontrol room. Sono anche
fortunata che Gil, oltre a suonare, arrangiare ed essere generalmente brillante,
abbia imparato da solo a lavorare in studio come un ingegnere professionista. E
così, attraverso un blocco dopo l'altro, lentamente e amorevolmente, tra le sessioni
di zoom dei miei figli e i bollettini preoccupanti, di fronte alle forze tettoniche facendo
a pezzi il mondo, attraverso ondate di politica e potere che ci precipitano tutti in un
buco sconosciuto ... abbiamo registrato. Gil si è seduto vicino alla console, ha
premuto il tasto e ha iniziato a suonare quella sua splendida Gibson L5. Mi sono
seduta nell'altra stanza, a piedi nudi come sempre, in pantaloncini e maglietta, con il
mio bellissimo vecchio microfono Neumann, e mi sono arresa alla musica.
Come avvengono le scelte dei brani?
Abbiamo scelto le canzoni che sentivamo avere più bisogno di noi, ma per il resto
abbiamo pianificato molto poco. Dopo 30 anni, non abbiamo davvero bisogno di
parlare molto di accordi. La musica arriva. Lo capiamo reciprocamente. Quello che
ci colpisce può essere un testo, una melodia o la storia che c’è dietro ad una
canzone, ma l’importante è che lo faccia e gli autori che abbiamo omaggiato
attraverso questa selezione, come Cole Porter o Rogers & Hammerstein o Leonard
Bernstein, ci hanno sicuramente trasmesso questa magia. Abbiamo però cercato di
riportare certi standard alla loro essenza originaria, senza l’aura di entertainment
che li avvolgeva con arrangiamenti orchestrali o da ballroom. Riportarli alla loro
nudità integrale significava per noi metterne in risalto la storia e possiamo
totalmente asserire che il progetto che abbiamo concepito è totalmente centrato
sulla liricità dei testi, qualcosa che si è perso nel modo moderno di interpretare il
jazz, calpestando forse proprio il nucleo del brano nel suo atto compositivo a favore
di una ribalta delle proprie capacità vocali improvvisative sulla melodia musicale.
Questo ha provocato un senso di perdita dal baricentro che abbiamo cercato di
riportare, col nostro piccolo contributo, alla sua origine. La domanda non era
“Perché ho bisogno di questo brano?” ma “Perché questo brano ha bisogno di me?”
e la risposta era “probabilmente perché io posso raccontare e far emergere la storia
che si cela in esso”.

M U S I C A
Quando e come vi siete conosciuti tu e Gil?
Gil e io ci siamo conosciuti nell'ottobre 1989, alla Rimon School of Jazz and
Contemporary Music di Ramat HaSharon, in Israele. Ero una studentessa
appena uscita dall'esercito. Gil era il direttore accademico, un co-fondatore e
venerato insegnante. Era anche considerato uno dei migliori musicisti israeliani,
in grado di suonare tutto tranne che il jazz. Fin dal primo giorno a scuola,
venendo dagli Stati Uniti e avendo familiarità con il repertorio jazz / Broadway
standard, sono stata immediatamente etichettata come "cantante jazz", anche
se non mi sono mai considerata tale. Fin da giovane, ragazza israeliana
yemenita del Bronx, ho preferito evitare ogni etichettatura e ho sempre trovato
angosciante che le persone trovino così difficile relazionarsi con qualcosa che
non possono chiaramente catalogare. In questo senso, non sono cambiata
neanche un pò. Ma ovviamente, essendo cresciuta a New York, parlavo
correntemente l'inglese ed ero immersa in tutta la straordinaria cultura che la
grande città aveva da offrire. L'"American Songbook" degli standard jazz era
una mia radice musicale essenziale e immergermi in essi era naturale per me
quanto esplorare le mie radici ebraiche o yemenite. Il mio obiettivo era, allora
come oggi, solo quello di "fare bene" con questi straordinari pezzi di musica ...
Gil e io abbiamo suonato insieme il nostro primo concerto l'8 febbraio 1990, in
un festival jazz a Tel Aviv che si è svolto nella Cinemateque di recente
costruzione. Si chiamava "Jazz, Movies and Videotape" (un decollo dell'allora
popolare film "Sesso, bugie e Videotape"). Rimon aveva avuto un posto nel
festival e poiché l'anno accademico era appena iniziato, non c'erano gruppi
abbastanza preparati per esibirsi. A Gil è stato chiesto di "mettere insieme
qualcosa" e per questo scopo ha scelto quella ragazza yemenita scura, con gli
occhi spalancati e un accento americano, di cui parlavano tutti a scuola.
Cosa ricordi del tuo primo spettacolo?
Avevo 20 anni e questo è stato il mio primo vero concerto. Il nostro spettacolo,
per il quale abbiamo provato a fondo, consisteva in standard che avevamo
arrangiato in modi unici, inclusa musica originale e testi che abbiamo intrecciato
nelle canzoni, insieme ad alcune delle mie composizioni originali. Il pubblico
quella sera era estatico. Sembrava un'esplosione atomica di amore e
ammirazione, meraviglia e gioia. Siamo rimasti sbalorditi. Michael Handelzalts, il
venerato critico teatrale del quotidiano Ha'artez, che si è imbattuto nella nostra
performance, ha scritto una delle recensioni più incredibili, positive (e
decisamente insolite!) della sua carriera dopo quella notte scintillante. Sostiene
di esserne orgoglioso fino ad oggi!
E dopo cosa è successo?
Dopo quella notte, Gil chiamò Pat Metheny a New York, che aveva incontrato
alla Berklee School anni prima, quando era uno studente e Pat insegnava
(all'età di 19 anni!). Poi più tardi a Rimon, quando Pat era in tournée in Israele,
gli chiesi di incontrarmi (ero volata a casa per visitare i miei genitori che
vivevano ancora nel Bronx) e di ascoltare le mie canzoni. Pat ha finito per
produrre un album per me e Gil, due israeliani sconosciuti, con il quale ha
cambiato le nostre vite. Non era jazz, non so ancora cosa fosse (o sia)...
Chiunque sappia qualcosa sull'industria musicale, sa che è a dir poco
miracoloso. E dopo tanti anni oggi è nato Afterallogy. Spero che vi piacerà. Nel
frattempo… stiamo già programmando la prossima avventura ... :)

M U S I C A
“ATMOSPACE”
singolo che anticipa il nuovo album di inediti di PFM
“HO SOGNATO PECORE ELETTRICHE”/“I DREAMED OF ELECTRIC SHEEP”
“ATMOSPACE”, il primo singolo di PFM – Premiata Forneria Marconi, che anticipa il nuovo album di inediti, “Ho Sognato Pecore Elettriche”/“I Dreamed of
Electric Sheep” (Inside Out), presentato in una doppia versione in italiano e in inglese, in uscita il 22 ottobre. L’album è già disponibile in preorder su tutti gli
store digitali. “ATMOSPACE” racconta di Nedro, un drone intelligente innamorato della Terra. Il suo sogno è ritrovare un equilibrio fra l’Atmos del cielo e la
Sfera del Pianeta. PFM Premiata Forneria Marconi ha uno stile unico e inconfondibile che combina la potenza espressiva della musica rock, progressive e
classica in un'unica entità affascinante. Nata nel 1970 (discograficamente nel 1972), la band ha guadagnato rapidamente un posto di rilievo sulla scena
internazionale, che mantiene tutt’oggi.
Nel 2016 la prestigiosa rivista inglese “Classic Rock” UK ha posizionato PFM al 50esimo posto tra i 100 migliori artisti più importanti del mondo, mentre
“Rolling Stone” UK ha inserito l’album “Photos of ghost” al 19esimo posto tra i dischi più importanti della musica progressive.
Nel 2018 ha ricevuto a Londra il prestigioso riconoscimento come “International Band of the year” ai Prog Music Awards UK, mentre nel 2019 la rivista
inglese “PROG UK” nomina Franz Di Cioccio tra le 100 icone della “musica che hanno cambiato il nostro mondo” (unico musicista del mondo latino).
PFM-Premiata Forneria Marconi parte dalla citazione “Ma gli androidi sognano pecore elettriche?” del film Balde Runner, per sviluppare il concept di questo
nuovo album: parlare di come il mondo intorno a noi stia rapidamente cambiando e di come i computer stiano invadendo ogni aspetto della nostra vita.
“Sicuramente il Covid ha fatto molto per accelerare questo processo” raccontano Franz Di Cioccio e Patrick Djivas «Persone chiuse in loro stesse che
lavorano da casa e bambini che prendono lezioni virtuali, non potendo andare a scuola… sembra che tutti stiamo rapidamente diventando degli androidi. –
Noi crediamo nel potere delle persone di usare l’immaginazione e la fantasia. Questo è ciò che fa davvero la differenza fra gli umani e gli androidi. Essere in
grado di sognare influenza i nostri pensieri, la nostra creatività, la nostra vita».
E’ possibile ascoltare”Atmospace” su questo link:
https://premiataforneriamarconi.lnk.to/IDreamedOfElectricSheep
Il preorder di “Ho Sognato Pecore Elettriche”/“I Dreamed of Electric Sheep” è già disponibile a questo link:
https://premiataforneriamarconi.lnk.to/IDreamedOfElectricSheep

T A N G O
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T A N G O
La Cumparsita è in assoluto il brano più celebre di tutta la storia del Tango argentino, ascoltato almeno una volta anche da
chi non è un abituale frequentatore delle milonghe, così famoso da assurgere ad antonomasia con il genere musicale stesso
e da essere riconosciuto fin dalle prime note.
Come mai questa composizione divenne così celebre? Quali sono i caratteri che fecero de La Cumparsita il tema
identificatore del Tango in tutto il mondo? Per scoprirlo è necessario indagare sulla sua storia, iniziando dalle origini.
Il primo tratto curioso è che La Cumparsita non è argentina, bensì uruguayana. Fu composta a Montevideo da uno studente
di architettura, Gerardo Hernan Matos Rodríguez, privo di conoscenze musicali, ed annotata su uno spartito dalla sorella
maggiore. Il giovane Rodríguez inventò questo motivetto tra la fine del 1915 e l’inizio del 1916, come “marcetta” in occasione
della sfilata (Comparsa in spagnolo) della “Federación de los Estudiantes del Uruguay” per i festeggiamenti del carnevale.
Quindi La Cumparsita non nacque come tango, bensì come una marcia di carnevale del gruppo di studenti di architettura
dell’università di Montevideo.
Inizialmente il brano prevedeva due sezioni strumentali, ma è noto che l’autore lo presentò al maestro argentino Roberto
Firpo, il quale lo completò ed arrangiò in Tango, inserendo nella partitura alcuni motivi tratti da due suoi tanghi di poco
successo, La gaucha Manuela e Curda completa, più un riferimento al Miserere di Giuseppe Verdi. La Cumparsita venne
eseguita per la prima volta in pubblico il 19 aprile 1917 al Café La Giralda dal trio Firpo-Bachica-Roccatagliata. Dunque, la
versione che noi conosciamo è il risultato ibrido di uno studente uruguayano e di un compositore professionista argentino.
Tuttavia, Rodríguez rifiutò di firmare congiuntamente a Firpo la proprietà del brano e si riservò di pubblicarla solo a suo
nome, cedendo poi i diritti d’autore all’Editorial Breyes Hermanos.
Il brano rischiò presto di finire nel dimenticatoio, perché si trattava di un pezzo solo strumentale, in un'epoca che privilegiava
invece il tango in forma di canzone. Infatti, siamo negli anni del boom del Tango canción e di Carlos Gardel, la voce iconica
del genere. Solamente nel 1924, due parolieri argentini, Pascual Contursi ed Enrique Maroni, aggiunsero un testo
registrandolo sotto il titolo “Si supieras”. Quest’ultima versione venne poi interpretata dallo stesso Gardel, ricavandone un
successo enorme. Purtroppo, i due parolieri presero questa iniziativa senza il consenso di Rodríguez.
Rodríguez fu molto contrariato dall’iniziativa di Contursi e Maroni, al punto di scrivere e depositare anch’egli un testo
alternativo dal titolo “La cumparsa”. L’aspra contesa si risolse solo nel 1948 con una sentenza salomonica e,
sostanzialmente, oggi abbiamo un brano con due testi ufficiali. Inoltre, l’enorme popolarità raggiunta dal brano fece tornare
sui propri passi lo stesso Rodríguez circa la cessione dei diritti d’autore alla Breyes Hermanos, verso la quale l’uruguayano
intentò diverse cause legali per annullare tale cessione.
Tra tutti i brani associati al tango argentino, La Cumparsita è di sicuro il più popolare, ma anche quello con una storia
giudiziaria degna di un romanzo. Del resto, è facile intuire la portata economica dell’affare intorno ad un pezzo così di
successo; basti pensare che ad oggi sono più di 150 le versioni de La Cumparsita e che la stessa ha riscosso più introiti dai
diritti d’autore di qualsiasi altro brano di tango mai scritto.
Questa la storia raccontata dai documenti e dai personaggi coinvolti, tuttavia, sfugge ancora il motivo della fama di questo
brano. Sembra un paradosso che una composizione così semplice, dal valore artistico modesto, abbia avuto più popolarità
ed attrattiva di tanghi musicalmente più pregevoli.

T A N G O

T A N G O
Eppure, il segreto risiede proprio nella semplicità de La
Cumparsita. Astor Piazzolla ne parla come di un brano
spaventosamente povero, pur incidendone diverse versioni;
la povertà stava nell’uniformità armonica fondata su tre
accordi base, quando negli altri tanghi vi era sempre una
modulazione in tonalità parallele o vicine. Ma, se da un lato
La Cumparsità possiede una struttura semplice, dall’altro si
presta ad essere interpretata in modo originale da ciascun
esecutore. È un brano molto malleabile, che offre spazio
agli arrangiamenti e, quindi, alla personalità di ogni
interprete.
Rodríguez forse trovò inconsapevolmente il segreto del
successo, mettendo insieme un attacco subito orecchiabile
che le conferì massima popolarità, ed una partitura
musicale così essenziale che chiunque, al mutare anche
del gusto musicale, avrebbe potuto arrangiarla rendendola
sempre attuale. A riprova di quanto detto, basta ascoltare
le versioni delle più grandi orchestre di tango, da D’Arienzo
a Di Sarli, da Troilo a Pugliese, per comprenderne la
versatilità. Fu talmente sfruttato come brano, che radio,
televisione e cinema lo utilizzarono ampiamente in diversi
programmi e film. Le note de La Cumparsita risuonano, ad
esempio, nel film “Viale del tramonto” del 1950, “A
qualcuno piace caldo” del 1959 e “Ti va di ballare?” del
2006.
Oggi, nel mondo delle milonghe, ogni ballerino sa che sulle
note de La Cumparsita termina la serata e quindi, per
tradizione, sceglie di ballarlo con la propria compagna o
con la ballerina preferita. Questa usanza di chiudere la
notte danzante sulle note del più celebre dei tanghi risale
agli anni ’50, quando l’orchestra di Juan D’Arienzo incise
una versione che divenne molto popolare, a tal punto che
nelle sue esibizioni dal vivo si riservava sempre di lasciarla
come ciliegina sulla torta per il gran finale. Fu così che in
tutti i club di Buenos Aires prese piede l’abitudine di
imporre La Cumparsita come ultimo brano, una tradizione
che poi si estese in tutto il mondo e ancora oggi viene
rispettata in qualsiasi milonga.

P I T T U R A

P I T T U R A
Questa pittrice / illustratrice Calabrese, Monica Di
Lorenzo, studia presso l’istituto Europeo di Design a
Roma, con specializzazione in illustrazione. Terminati gli
studi lavora per le case editrici quali la De Agostini, L’isola
dei Ragazzi, Rubettino, Ardea, Editions Piccolia (Francia),
Calabria Letteraria Editrice, Ghiani Editore.
Uno dei sui elementi fondamentali è il colore. L’olio e
acrilico su tela, o su cartoncino per le sue illustrazioni, che
rende ancor di più rappresentativo il suo modo di
lavorare. Monica è attenta ai passaggi cromatici, alle
sfumature impercettibili, ai pazienti passaggi ed a quegli
accostamenti che solo un’attenta osservatrice e pittrice
del suo calibro può notare. Dalle mille sfumature del blu,
dell’ ocra, del verde, che permettono ancor di più quell’
iperrealismo che, senza uno studio attento, non
potrebbe esistere nel “ bel disegno”.
Questo permette al suo estro di essere competitiva con
se stessa, di mettere alla prova le sue abilità e capacità
artistiche creative. L’iperrealismo è uno stile in cui non
c’è molto spazio per essere originale, ciò permette che
ogni dipinto , disegno, sia unico . Le opere vivono la loro
vita, ingannando la persona e costringendola a credere
nell’illusione fotografica così che, solo in un secondo
momento, noti l’accuratezza della pennellata, di una
mano ferma e sicura di quello che sta facendo solo un
abile maestro.
La sua capacità di usare la “meccanica” riproduzione
della realtà, vengono usate per costruire l’illusione nelle
proprie tele, illusione che il nostro occhio ben accoglie
lasciandosi ingannare e stupire.

G L A S S A R T
di Assia Karaguiozova
Fluttuanti e leggere,
volteggiano sulla superficie
dell’acqua, come ballerine
graziose. Nymphaeae dalle
sfumature più delicate,
raccontano storie delle favole e
dei sogni. Fossero in vetro,
sarebbero ondeggianti e
trasparenti, dalle sfumature
misteriose, che mutano,
attraversate dalla luce. Un
movimento che si ferma e si
impronta sulla forma,
ciascuna con la propria
identità. Protagonista

L I B R I
Rubrica a cura del blog
"Il COLORE DEI LIBRI"
http://ilcoloredeilibri.blogspot.com/
GIALLO 238
di Paola Montorfano
Prezzo: € 6,99 | Ebook: € 0,00
Pagine: 124 | Genere: Giallo
Editore: Mille battute edizioni
TRAMA
La formula a cui lavorano Charlotte e il suo
assistente in una miniera abbandonata
potrebbe garantire all’umanità un futuro
energetico green, purché essa non cada
nelle mani sbagliate prima di essere
completata. Il passato della ricercatrice,
collegato ai movimenti sovversivi parigini e
alle miniere di uranio del Congo, è oscuro
quanto gli uomini di cui si circonda, primo
tra tutti il suo ambiguo e perverso amante,
agente dei servizi segreti o commerciante
libanese di diamanti. I personaggi di Giallo
238 svelano senza pudore le crudeli regole
su cui si fonda il mercato più sanguinario del
mondo: quello dell’energia.
GIALLO 238
Recensione di Valentina Sanzi
Si stima che negli ultimi decenni la temperatura media del Pianeta si aumentata di circa
0,98 gradi centigradi, che il giacchio marino artico sia diminuito del 12,85% e che il livello
del mare, come diretta conseguenza, abbia subito un innalzamento annuo di 3,3 millimetri
a partire dal 1870. Diversi studi hanno, inoltre, confermato che il decennio 2009 – 2019 sia
stato il più caldo mai registrato e che il 2020 sia stato secondo solo al 2016 in quanto a
temperature massime raggiunte. Gli eventi metereologici estremi, dal 1990 ad oggi, non
hanno fatto altro che intensificarsi, sia in relazione alla propria forza distruttrice, sia per quel
che riguarda la frequenza del loro verificarsi, spostando così nettamente l’attenzione del
mondo intero sulla gravità del cambiamento climatico. Nonostante qualcuno tenti ancora di
minimizzare o addirittura negare l’esistenza di una vera e propria crisi che sta portando la
Terra sempre più vicina al punto di non ritorno, sul piano internazionale si sta cercando di
guidare l’umanità verso scelte maggiormente consapevoli, capaci quindi di porsi a favore
del benessere ambientale, attraverso campagne di sensibilizzazione più o meni efficaci,
alle quali ognuno nel proprio piccolo può dare avvio. Inserire il macro-argomento all’interno
di una narrazione specifica destinata ad intrattenere e fruibile da un pubblico
potenzialmente molto vasto ne è un esempio e così ha deciso di fare Paola Montorfano.
Giallo 238 è, infatti, un breve viaggio che tenta di scavare a fondo nell’ambiguità dell’animo
umano, svelandone i più torbidi segreti e le più oscure pulsioni, all’interno di un contesto
fortemente problematico, di fronte al quale, però, né l’avidità né la brama di potere sono
mai stati disposti a sottomettersi: il valore di una vita nulla può contro il denaro, la fama e il
prestigio. Un futuro più sostenibile è davvero possibile? Intenzionata a lasciare alle future
generazioni un pianeta più prospero e accogliente, Charlotte, direttrice del più importante
laboratorio scientifico del Nord Europa, con l’aiuto del suo fidato collaboratore Giovanni, ha
messo a punto una formula che, se funzionasse, permetterebbe di ricavare energia pulita e
riutilizzabile dall’uranio. Contro ogni tipo di scetticismo. E purché essa non finisca nelle
mani sbagliate. La segretezza del progetto è, infatti, elemento fondamentale per la sua
riuscita: se si scoprisse la vera natura del lavoro di Charlotte la sua stessa vita sarebbe in
pericolo. E lei non è l’unica a volerlo vedere realizzato: il passato è un’incognita ancor più
insidiosa del presente. Forte di una struttura narrativa asciutta, solida e priva di orpelli
funzionali unicamente a loro stessi,
Giallo 238 si presenta al lettore come una storia fin da subito avvincente e coinvolgente. Il
mistero che insegue le vicende di Charlotte, infatti, non tarderà a svelare il suo potenziale
ricreando già dalle prime pagine quell’atmosfera tipicamente tesa e rarefatta che ogni
amante del giallo anela come fosse ossigeno puro in alta quota. Poco per volta, ma con un
ritmo tambureggiante, sostenuto da uno stile di scrittura immediato, quasi tagliante e
spezzato da una punteggiatura sempre ben calibrata, gli eventi si susseguono lasciando
sul proprio cammino tutta una serie di indizi capaci di monopolizzare totalmente
l’attenzione del lettore stesso, che nel breve tempo necessario a portare a termine il
romanzo non potrà fare a meno di sentirsi avvolto dal calore bruciante che solitamente solo
le parole sono in grado di emanare.
Caratteristica, quest’ultima, che sembrerebbe, in realtà, essere comune alla maggior parte
dei personaggi che colorano il bianco e il nero delle pagine e dell’inchiostro del libro.
Ognuno di essi, e la protagonista in modo particolare, pur non godendo di una
caratterizzazione attenta al minimo dettaglio, sfoggia una personalità ben precisa, a tutto
tondo, in grado di abbracciare in una sola anima forze e debolezze, luci e ombre,
esattamente come un qualsiasi errante essere umano.D’altronde l’irrealtà non fa certo
parte dell’opera di Paola Montorfano, che si radica, al contrario, fortemente, all’attualità.
Attraverso l’espediente narrativo del delitto, infatti, l’autrice affronta con coraggio e finezza
d’intuito una delle tematiche più importanti e critiche degli ultimi anni: quella ambientale.
Oltre a riportare informazioni scientifiche che lasciano trapelare il grande lavoro svolto dalla
stessa scrittrice in fase di studio del romanzo, che non appesantiscono affatto la lettura,
smuove anime e coscienze facendosi portatrice di un messaggio fondamentale per la
sopravvivenza dell’umanità tutta: invertire il corso apparentemente già segnato della storia,
fornire respiro alla nostra casa ed essere rispettosi della natura è tutto ciò che avremmo
dovuto fare in passato e cominciare seriamente ad attuare adesso. Intrighi, sotterfugi ed
enigmi oscuri del passato si intrecciano, così, in maniera incredibilmente soddisfacente ad
una denuncia sociale imponente consacrando l’autrice milanese come una delle scrittrici
emergenti più promettenti nel panorama letterario italiano.

L I B R I E V I D E O
ALESSIA Manfredini
"La parte migliore di te"
La Dafire , scuola di formazione per ballerini e insegnanti ,
nonché franchising fondato da Massimo Giorgianni & Alessia
Manfredini, ha pubblicato un nuovo lavoro di Alessia
Manfredini, un e-book, lo trovate in versione italiana e inglese,
dal intitola “La parte migliore di te”, è un viaggio attraverso
le esperienze di Alessia per aiutare i ballerini ad avere una
visione di se stessi , spronando lo stile personale e
l’individualità di ognuno!
Il libro, scritto con un linguaggio comprensibile ed immediato ,
contiene esperienze personali e esercitazioni immediate che
permettono l’uso del materiale formativo rendendolo pratico a
tutti ..
Il libro è in vendita on line direttamente dal sito
Danceasfire.com
“La parte migliore di te”, può essere considerato un alleato
per ballerini durante la pratica e la preparazione alle
performance, ed agli insegnanti che desiderano avere nuovi
elementi durante le lezioni ! Inoltre vi suggeriamo di guardare
anche il video:
RUOLO FEMMINILE DANZE STANDARD !
per comprendere quanto il ruolo femminile nelle danze
standard sia essenziale. Spesso la donna non sviluppa a
sufficienza la sua attività come individuo ed il suo contributo
alla coppia. In questo video, Alessia Manfredini condivide i
valori necessari per esprimere liberamente le proprie
emozioni in relazione al partner. Questo video ti darà una
chiara linea d'azione per migliorare il tuo ruolo di donna nel
ballo da sala attraverso i seguenti valori:
Fiducia
Pazienza
Partecipazione
Conoscere e dimenticare
Misura
Potere del silenzio
Ognuno di questi valori sarà chiaramente spiegato
singolarmente, in modo da permettervi di comprenderli e
metterli in pratica. Faranno la differenza nella vostra danza e
nella chiarezza del ruolo che avete per rendere al meglio. La
conoscenza è il primo passo, agire su questa conoscenza è il
secondo passo.

L I B R I
Silenzi sul mare
Silenzi stellati
Silenzi del cuore
Silenzi di paure
Silenzi di emozioni
Silenzi di noia
Silenzi di gioia
Silenzi vuoti e colmi di parole
Silenzi sul mare
Che ascoltano… la tua vita

V I A G G I
V I A G G I E N A T U R A
G I G A N T E S C O T R O N O R O S S O L A M P O N E S U L L A G O
ORTICOLARIO
D I C O M O D O V E S E D E R S I F I N O A L L ' A U T U N N O
di Delfina Capasso
Una delle installazioni presentate sulla piattaforma virtuale Orticolario
“The Origin” diventa realtà. Ed ecco "Delenimentum", la versione
titanica della mitica Adirondack Chair, a pochi passi dall’imbarcadero
sulla “punta” della riva di Cernobbio. Per lasciarsi sedurre dal paesaggio
in un modo unico.
Orticolario, la rassegna autunnale tutta dedicata alla natura ed ai nuovi
modi di vivere il giardino ed il giardinaggio, continua a (dis)seminare sul
territorio la sua visione di paesaggio, trasformando in realtà un altro dei
progetti presentati sulla piattaforma virtuale Orticolario “The Origin”. Ed
ecco un gigantesco trono rosso lampone, a pochi passi dall’elegante
imbarcadero in stile Liberty sulla “punta” della riva di Cernobbio, sul Lago
di Como, dove potersi ritrovare fino all’autunno.
Il trono si chiama "Delenimentum", ovvero attrazione, fascino, incanto,
ed è la versione titanica della mitica Adirondack Chair, creata nel 1903
dal progettista Thomas Lee durante un periodo di vacanza sui monti
Adirondack, nello stato di New York.
Quella voluta da Orticolario è realizzata artigianalmente con legno di
recupero dal laboratorio veneto Limperfetto (www.limperfetto.design), e
sarà contornata da un’aiuola allestita dal vivaio e studio di progettazione
giardini piemontese Fratelli Leonelli (www.fratellileonelli.com):
comodissima per tutti, ma ideale per due giardamanti – così come gli
organizzatori di Orticolario chiamano gli amanti della vita in giardino –
che si lasciano sedurre dal paesaggio. Nel simbolo di quel ritorno dello
stare insieme all’aria aperta.
Orticolario, giunto alla dodicesima edizione, è l'evento culturale dedicato
a chi vive la natura come stile di vita. Teatro della manifestazione è il
parco botanico di Villa Erba a Cernobbio (CO), dimora ottocentesca
affacciata sulle sponde del Lago di Como, residenza estiva dell’infanzia
del regista Luchino Visconti. Tratto distintivo dell’evento è la proposta di
giardini tematici e installazioni artistiche ispirati al tema dell'anno, tra i
quali spiccano le realizzazioni dei selezionati al concorso internazionale
“Spazi Creativi”. Titolo dell'edizione 2020 e 2021 è “Ipnotica”, il tema è la
“Seduzione”, mentre la pianta protagonista è l'Acero. La manifestazione,
che nel 2019 ha sfiorato la soglia dei 30.000 visitatori, è arricchita da
un'ampia offerta di piante rare, insolite e da collezione, artigianato
artistico e design con più di 290 espositori rigorosamente selezionati, da
un fitto calendario di incontri e da numerosi laboratori didattico-creativi
per i bambini, oltre a performance, proiezioni di film nelle segrete della
Villa Antica e show floreali. Al centro della rassegna, l'arte, capace di
andare oltre e di abbattere i confini tra interno ed esterno. Durante i tre
giorni di evento e per tutto il resto dell'anno vengono raccolti contributi
per il Fondo Amici di Orticolario, che sostiene progetti per la promozione
della cultura del paesaggio e per cinque associazioni benefiche del
territorio.
Orticolario 2022 si svolgerà dal 30 settembre-2 ottobre Villa Erba,
Cernobbio (CO),
sul Lago di Como.
ph Monica Irma Ricci
Photo LoRes_ASH
ph Monica Irma Ricci

V I A G G I

V I A G G I
LE TRE CIME DI LAVAREDO soprannominate “LE REGINE DELLE DOLOMITI” per la loro unica bellezza, fanno parte del
Patrimonio UNESCO. Si trovano nella regione Veneto. Simbolo delle Dolomiti, LE TRE CIME DI LAVAREDO sono tra le
montagne più suggestive, spettacolari ed imponenti delle Alpi, sono apprezzate, ammirate, fotografate e riprese dai turisti
del mondo intero. Sarebbe difficile trovare le parole appropriate per descrivere quanto sono straordinarie queste
montagne, quello che lo sguardo possa ammirare ed i sentimenti che si provano quando ci si trova accanto. Vanno vissute
personalmente, toccate con lo sguardo ed anche con le mani. Credo che sono nate proprio quando la forza divina ha
regalato agli esseri umani il Creato. Nessun altro, a parte Dio, sarebbe riuscito a fare meglio queste uniche, meravigliose
Cime. Sono un vero spettacolo visto ed ammirato anche da me in una splendida giornata d’estate in cui il sereno faceva da
padrone, rendendo molto piacevole l’escursione proposta. Per goderle pienamente e per ammirarle in tutta la loro
maestosità, si deve fare tutto il giro all’anello delle Tre Cime, fermarsi spesso per ammirarle e fotografarle, fare delle soste ai
Rifugi Auronzo, Lavaredo e Locattelli. Tutto questo rappresenta una impresa, non tanto impegnativa per chi è già allenato
ma, comunque, fattibile anche per chi, pur non essendo troppo allenato, si impegna perché possa raggiungere la meta
prescelta, facendo attenzione alla presenza di pietre per tutto il percorso. Prima di salire alle Tre Cime ci si può fermare al
Lago di Misurina, un bel lago dalle acque turchesi, sempre tremanti in cui si specchiano meravigliosamente le sagome
piramidali delle Tre Cime di Lavaredo. Incastonato tra le montagne maestose, il lago è circondato da alberghi eleganti, da
bar e dagli immancabili negozietti di souvenir, cartoline colorate messe in bella vista, parcheggi affollati a pagamento e tanta
gente. Lasciato indietro Il Lago di Misurina con il suo caos si prosegue verso il Lago Antorno, che non è altro che un piccolo
ma grazioso laghetto di montagna. Anche qui, come al Lago di Misurina Le Tre cime di Lavaredo si specchiano nelle sue
acque creando una splendida immagine. Da qui ci si può scegliere di salire con la propria auto o prendendo l’autobus di
linea che sale regolarmente alle Tre Cime. La strada è ben mantenuta ed asfaltata, ma abbastanza impegnativa, piena di
tornanti stretti, difficili; in compenso, il paesaggio, visto dal finestrino dell’autobus, si presenta sempre più bello, le
montagne, le vallate, gli strapiombi pericolosi che incutono paura. A valle si intravede il Lago di Misurina come uno
splendido occhio di acque turchesi e la città di Auronzo abbracciati dalle montagne circostanti.

V I A G G I
Scesi dall’autobus nel Parcheggio Auronzo si ha davanti una immensa parete rocciosa delle Tre Cime che già riesce ad
impressionare lo sguardo ed incantarlo. Il Rifugio Auronzo è a due passi dal parcheggio seguendo una strada in salita.
Proprio da qui comincia il giro delle Tre Cime di Lavaredo. A ridosso del Rifugio Auronzo, il paesaggio diventa spettacolare,
grandioso, unico. Le montagne svettano imponenti, orgogliose nel cielo, toccando le nuvole bianche, come se fossero di
cotone. Dei torrioni dominano il luogo con le loro pareti verticali, ostentando tutte le sfumature della dolomia. Mi sono
fermata ammaliata, con il fiato sospeso per la grande emozione che provavo. Avevo davanti al mio sguardo uno spettacolo
unico della natura, straordinario, mai visto, uno scorcio delle Dolomiti che andrebbe visto almeno una volta nella vita. Un
sentiero sterrato si snoda proprio ai piedi di queste montagne e dall’altro lato c’ è uno strapiombo e bisogna fare attenzione.
Viste dall’altezza del Rifugio Auronzo le persone camminavano come in una processione sul sentiero roccioso a tratti
polveroso; sembravano delle lunghe file di formiche in continuo movimento. Il tempo dava il meglio di sé ed era quello che
avevo desiderato per quel giorno. Nonostante il caldo si respirava un’aria frizzante, pura, salutare, di alta quota. Davanti a
tanta bellezza e grandiosità ci si sente piccoli, forse anche indifesi, ma comunque invasi da un inevitabile sentimento di
soddisfazione personale e di un benessere confortante per aver avuto il privilegio e l’opportunità di godere dei fantastici
momenti accanto alle Tre Cime. Questo può essere un modo piacevole di farti riconnettere con la natura circostante
incontaminata, di provare quel bel sentimento ancestrale di far parte di essa effettivamente. Dopo aver proseguito per un
tratto di strada sul sentiero roccioso, si arriva alla “Cappella degli Alpini”, una piccola chiesetta eretta in onore degli scalatori
precipitati. Dentro la chiesetta piccola e raccolta regna un’atmosfera tipicamente religiosa, piena di grande suggestione. Un
segno di spiritualità e di speranza. Un altare semplice ed alcune icone ti invitano a fare una breve preghiera, ricordando Dio.
Dalla chiesetta si prosegue verso Il Rifugio di Lavaredo e poi verso il Rifugio di Locatelli seguendo le pareti montuose delle
Tre Cime. Il percorso diventa spesso impegnativo, ma fattibile, i sentieri sono ben visibili, in piano, con qualche salita e sono
ben segnalati. Man mano che proseguivo la camminata mi fermavo spesso per assaporare la grandiosità delle Tre Cime. Dai
Rifugi Di Lavaredo e Di Locatelli si possono ammirare Le Tre cime da un altro angolo diverso, scattare le foto e riprenderle
tramite video in tutta la loro bellezza, cogliere ogni sfaccettatura. Perché sì, viste anche da qui Le Tre Cime si esibiscono
maestose, imponenti e riescono a rapire lo sguardo e ad incantare l’anima. Che fantastica sensazione camminare e
fermarsi davanti a questa “infinita bellezza” delle Dolomiti!... Fare il giro delle Tre Cime di Lavaredo per me è stata la più bella
esperienza vissuta tra le montagne. Ho trascorso una giornata indimenticabile, provando delle emozioni mai vissute; il
paesaggio ripaga di ogni fatica. Un’esperienza imperdibile e decisamente da ripetere. Questi straordinari posti rimangono
nel cuore per sempre.

V I A G G I E C U C I N A

V I A G G I E C U C I N A
Settembre, il mese del ricominciare. Mese di movimenti e di inizi, ma per molti ancora mese di vacanza, per chi
ama la tranquillità e vuole spendere un po' meno. Come dice una canzone di Neil Diamond, “ September
Morn”, cioè mattina di settembre, il risveglio al nuovo ed il ritorno alla vita quotidiana ripensando al tempo
trascorso. Ma per non addentrarci subito nello lo stress di tutti i giorni vi propongo un viaggio romantico in quel
di Monte Isola, comune della provincia di Brescia dell’omonima isola.
Monte Isola, uno dei borghi più belli d’Italia, è l’isola lacustre più grande della Penisola Italiana e
dell’Europa centrale e meridionale. Per raggiungerla bisogna prendere il traghetto da uno dei punti
d’imbarco, quali: Sulzano, Sale Marasino, Iseo, Pisogne, Lovere, Tavernola Bergamasca e Sarnico.
Una volta sbarcati, deciderete come spostarvi, perché gli unici mezzi di trasporto consentiti sono le biciclette (io,
vi consiglio il tandem) che potrete affittare in uno dei negozi vicino al porticciolo ma, se decidete di usare la
vostra privata, ricordatevi di caricarla sul traghetto. E’ disponibile il servizio di trasporto minibus comunale
acquistando il biglietto direttamente a bordo, che vi trasporterà nei luoghi più importanti dell’isola. Per gli amanti
delle passeggiate, armandovi di comode scarpe, potrete addentrarvi nei percorsi escursionistici tra viottoli e
mulattiere. La zona meridionale dell’isola è quella più nota e turistica. Questa zona ha tantissimo da offrire. E’
possibile sbizzarrirsi tra relax, passeggiate lungo il lago alla scoperta di bellissimi borghi abitati, percorsi di
trekking che portano alla Rocca Martinengo o fino al Santuario della Madonna della Ceriola o per fare un pic-nic
in una delle aree attrezzate. Ci si può rilassare su una delle spiagge attrezzate a prendere il sole e a fare un bel
bagno fresco nelle acque del lago.
Non dimenticatevi di assaggiare le specialità gastronomiche ed i prodotti tipici del luogo, scegliendo tra le
tante varietà di ristoranti, locali e negozi di alimentari dove potrete degustare un aperitivo tipico del posto. Non
avrete problemi a trovare tranquillamente dove soggiornare, potendo scegliere tra alberghi, case vacanza ed
alloggi in affitto che trovate sparsi sull’isola. Oltre alle passeggiate in bici ed alle escursioni di trekking si
possono visitare molti monumenti storici ed i borghi caratteristici dell’isola. Tra i più conosciuti ci sono la
Rocca Martinengo, la chiesa di San Michele Arcangelo, villa Oldofredi , la chiesa di San Giovanni Battista, il
borgo medioevale di Novale, la villa Ferrata ed il tour delle isole di San Paolo e di Loreto raggiungibili in battello.
A Monte Isola si trovano due musei degni di una visita: il museo della rete ed il museo della pesca. In
quest’ultimo si può ripercorrere la storia della pesca, l’attività commerciale principale dell’isola da anni e che
ancora oggi ricopre un ruolo fondamentale nella vita di tutti i giorni; si possono osservare le varie tecniche
usate ed i rispettivi strumenti utilizzati. Monte Isola è famosa in tutto il mondo per la fabbricazione delle reti da
pesca e di qualsiasi rete sportiva, che è stata per anni il settore più fiorente a livello commerciale ed economico
di tutto il territorio. Potrete, inoltre, fare visita ad uno dei due retifici presenti sull’isola e farvi raccontare la storia
e l’arte di questa antica professione.
Nel 2016 ospita una delle opere più caratteristiche dell’artista bulgaro-newyorkese, Chisto “The Floating
Piers” visitata da milioni di persone. Un piccolo territorio ricco di cultura, natura, arte, storia e prodotti tipici
locali, tra i quali non si può non menzionare il salame tipico monteisolano, che ha caratteristiche particolari,
come la salagione molto leggera, la leggera affumicatura naturale con ramoscelli di ulivo, alloro e bacche di
ginepro; l’uso di aromi naturali e spezie macinate al momento, tra cui la miscela di vino e aglio fresco che dona
sentori unici a questo salame, il taglio a punta di coltello, senza aggiunta di grasso; le carni impiegate (lonza,
coppa, filetto, coscia) che sono della migliore qualità, in quanto provenienti da suini nati, allevati e macellati in
Italia, con filiera garantita. Il lardo ubriaco, le salsicce e le salamelle, il culatello, il lonzino e la pancetta. Uno dei
prodotti che la fanno da padrona è la sardina essiccata tradizionale del lago d’Iseo presidio Slow Food. Il
coregone e la sua bottarga ottimi prodotti da assaggiare. Frutti di bosco e marmellate. Il microclima lacustre ha
favorito le coltivazioni di viti per la produzione di vini rossi, bianchi e bollicine che non hanno nulla da invidiare
alla vicina Franciacorta. Le coltivazioni di ulivi autoctoni per la produzione di un olio extravergine d’oliva di
ottima qualità con sentore di carciofo, mandorla ed erbe aromatiche, colore paglierino e un gusto dolce e appena
piccante, ottimo da gustare con il pesce di lago. Beh, che dire, vi invito a fare un salto a Monte Isola e farvi
trasportare dal territorio e dai suoi misteri…

V I A G G I E C U C I N A
Ingredienti x 4 p
Tagliolini freschi 400 gr
1 cipolla rossa
150gr di pomodorini
300 gr di filetti di salmerino
brodo di pesce di lago
sale, pepe, peperoncino(facoltativo e a piacere)
prezzemolo trito, mentuccia
aglio
olio evo monteisolano
Procedimento
Lavare e pulire il salmerino, prelevare i filetti ed eliminare la pelle. Tritare
la cipolla. Rosolare la cipolla con un spicchio di aglio in camicia.
Eliminare l’aglio e aggiungere i pomodorini tagliati a metà. Fare rosolare
ed insaporire. Nel frattempo cuocere per un minuto la pasta lasciandola
molto al dente in abbondante acqua salata.
Aggiungere il filetto di salmerino tagliato a pezzetti, sale e pepe al fondo
di pomodorini e fare insaporire molto velocemente. Scolare la pasta ed
aggiungerla alla salsa e finire la cottura risottando con poco brodo di
pesce fino a quando i tagliolini ed il pesce saranno cotti. Cospargere di
prezzemolo fresco e mentuccia fresca.
Servire con un filo di olio extravergine d’oliva monteisolano e del pepe
negro grattugiato fresco.

V I A G G I E B E N E S S E R E

V I A G G I E B E N E S S E R E
La città di Roma non ha eguali al mondo non solo per le bellezze storiche, archeologiche, paesaggistiche ed
architettoniche ma anche per l’incredibile estensione e varietà del verde che – tra ville storiche, aziende agricole e riserve
naturali - rappresenta il 63,8 % del territorio comunale ovvero 82mila ettari sui 128 mila totali. Troppo spesso ci
dimentichiamo di questo patrimonio unico, persi come siamo nella frenetica routine della vita metropolitana.
Qualche tempo fa, mentre ero incolonnato nel traffico automobilistico nel quale trascorrevo oltre un’ora al giorno per
andare verso il mio nuovo lavoro, iniziai ad esaminare alla mia destra una lunga e verdissima dorsale sopraelevata sulla
campagna, profilo dell’antica colata lavica su cui gli antichi Romani sapientemente costruirono le prime miglia della Via
Appia, sfruttando in questo modo il materiale lavico a disposizione e la posizione rialzata, nonché la pendenza costante e
mai troppo eccessiva.
Da lì iniziai a meditare su di un’alternativa alla “scatoletta di metallo”, dopodiché cominciai a studiare i percorsi più sicuri,
le altimetrie più favorevoli e la bicicletta giusta per me. Ah, già, la bicicletta: una passione nata ad Amsterdam durante
l’Erasmus e mai più abbandonata. Bicicletta intesa assolutamente non come sport od attività ludica bensì come passione
per un mezzo di trasporto urbano da usare tutti i giorni, puro, semplice, economico, sostenibile, che dà senso di libertà.
Una vecchissima mountain bike di quando avevo 9 anni faceva al caso mio e, quindi, dopo aver fatto sistemare gomme e
freni dal meccanico, sono partito per questo viaggio quotidiano che inizia all’alba di ogni giornata lavorativa.
Questo mio viaggio quotidiano casa-ufficio-casa si svolge lungo un percorso di circa 13 chilometri che va dal
quartiere Ostiense, dove abito, all’Aeroporto Internazionale di Ciampino, nei paraggi del quale lavoro. Quasi tutto
il tragitto si sviluppa sul tracciato originale della Via Appia, iniziata nel 312 a.C. e ritenuta una delle più grandi
opere di ingegneria civile del mondo antico.
Oggi l’antica Via Appia (da non confondere con la moderna SS 7 Appia che percorrevo in auto) rappresenta nelle sue
prime miglia un corridoio verde unico al mondo che connette il centro di Roma ad alcuni popolosi quartieri periferici o
comuni circostanti come Capannelle, Ciampino, Marino etc. Percorrerla per andare a lavoro significa attraversare ogni
giorno uno straordinario parco archeologico e naturalistico dove è normale scorgere il fagiano, l’upupa ed il falco, mentre,
con un po' di fortuna, si possono avvistare anche l’istrice ed il sorprendente picchio verde.
Sulla Via occorre fare attenzione non alle famose buche dell’asfalto romano ma ai basoli millenari che, in alcuni punti (in
verità molto limitati), possono risultare parecchio accidentati o scivolosi se bagnati; per questo motivo la bicicletta ideale è
la classica mountain bike, possibilmente con buoni ammortizzatori e, soprattutto, con un ottimo sellino, per il quale
soltanto suggerisco di non badare a spese! Sulla trazione elettrica credo che sia una grandissima opportunità per chi è
meno allenato o per chi ha più fretta e deve affrontare salite più ripide delle mie, ma che forse essa toglierebbe al viaggio
quotidiano quel minimo di sacrificio fisico che poi, con la pratica costante, diventa piacere puro ed adrenalina (oltre che
palestra gratis). Altro aspetto critico è la sicurezza o, almeno, il senso di essa. Sicuramente a tale fine aiutano le buone
dotazioni standard (casco protettivo, vestiti catarifrangenti, luci accese anche di giorno) ed una prudente condotta di
guida. Altri aspetti non secondari sono la possibilità di lasciare in un posto sicuro dai furti la bici e di potersi cambiare a
lavoro: nel mio ufficio non sono disponibili spogliatoi e quindi occorre cambiarsi nella poco agevole toilette e conservare i
vestiti di ricambio nel cassetto della scrivania.

V I A G G I E B E N E S S E R E
Tuttavia, nonostante la lentezza – apparente
– e la sensazione di poca sicurezza nei
percorsi non protetti, è ampiamente
dimostrato che la bicicletta risulta
competitiva come mezzo di trasporto urbano
e di ciò se ne sono accorte anche le
amministrazioni comunali di molte città:
anche Roma si è dotata da pochissimo di
una app gratuita “Roma corre in bici” che
promuove l’utilizzo della bicicletta e dei
monopattini elettrici negli spostamenti in città
e che “certifica” il numero di chilometri
effettivamente percorsi, così da fornire uno
strumento alle Aziende ed agli Enti pubblici
che intendono istituire meccanismi premiali
per i dipendenti che si muoveranno in bici.
Ma, al di là di qualsiasi vantaggio materiale,
il vero valore aggiunto per me, che voglio
comunicarvi ed invitarvi a sperimentare, in
qualsiasi città voi vi troviate, è altrove: il
viaggio quotidiano non è un semplice tragitto
da un punto geografico ad un altro, bensì è
uno spazio personale di meditazione, di
ricarica, di divertimento e di rilassamento
mentale, che consente, all’arrivo, di
affrontare con più energia e meno stress
tutte le attività e gli impegni, e perché no …
riflettere sulla propria vita, su ciò che si fa o
si potrebbe fare, sul conoscere meglio se
stessi e migliorarsi quotidianamente e
costantemente, alla stessa velocità e con lo
stesso sforzo e sfida che richiede una corsa
in bicicletta!

V I A G G I E C U C I N A

V I A G G I E C U C I N A
In una Pompei tanto affascinante da togliere il fiato, tanto “ricca” di storia,
arte e cultura che è praticamente impossibile visitarla in una sol volta, tutto
quello che fa da cornice alla città (alberghi, ristoranti, servizi) deve essere
all’altezza sia in termini contenutistici che estetici. Incastrato tra i famosi
scavi (ovvero il sito archeologico più noto al mondo) e l’imponente
santuario c’è HABITA79 MGallery, Hotel & Spa che combina
un’ospitalità contemporanea con gli elevati standard internazionali garantiti
dal gruppo Accor. Ospitato all’interno di un maestoso edificio del XX
secolo circondato da giardini e sovrastato da un bellissimo rooftop
panoramico, in questo boutique hotel si respira un’eleganza sobria e
raffinata che deriva dalla fusione tra un design moderno e tailor-made e
fonti di ispirazione provenienti dalle antiche domus pompeiane. Habita79 è
l’unico hotel in Europa a disporre di un sistema geotermico, di un impianto
di cogenerazione e di un sistema di accumulo di glicole, nonché di altri
sistemi avanzati di termoregolazione, in grado di garantire un notevole
risparmio energetico e di minimizzare l’impatto sull’ambiente.
Al suo interno due ristoranti: “Il Circolo”, un locale dal design anni ’50
circondato da incantevoli giardini, un moderno social club che offre ai propri
clienti il piacere di una full immersion nella tradizione eno-gastronomica
campana; il “The Roof”, situato sulla splendida terrazza dell’hotel, il luogo
ideale per socializzare e sorseggiare un cocktail assaporando il gusto di
una cucina fusion rivisitata e ammirando lo splendido panorama del
Vesuvio e degli Scavi archeologici di Pompei.
La firma della progettazione dei menù è dell’executive chef Roberto Lepre
che interpreta con maestria la tradizione enogastronomica campana (sia le
ricette che gli ingredienti locali) in chiave contemporanea grazie alle
tecniche innovative apprese lavorando con numerosi chef stellati. Si spazia
quindi dalle linguine alle vongole con peperoncino di fiume e tarallo
napoletano alla caponata di tonno. www.habita79.it

V I A G G I E C U C I N A
Ingredienti
300 gr di vongole
1 spicchio di aglio senza anima
60 gr di olio evo
140 gr di linguine
Tarallo napoletano
450 gr di farina 00
400 gr di farina integrale
190 gr di acqua
8 gr di lievito
14 gr di zucchero
18 gr di sale
8 gr di pepe
Procedimento Per il tarallo napoletano
Mischiare le farine e porle a fontanella su una
spianatoia; aggiungere tutti gli ingredienti ed infine
amalgamare con acqua fino a formare un panetto. Per
formare i taralli formare dei filoncini lunghi 20 cm.
Unire le due punte superiori, arrotolare facendo 4-5
giri e sigillare premendo leggermente anche l’altra
estremità. Unire i due lembi e formare delle ciambelle.
Adagiarle mano a mano che sono pronte su una teglia
rivestita con carta forno. Lasciare lievitare i taralli in
un luogo tiepido per 3 ore. Infornarli a 180°C per 55
minuti.
Per il primo piatto
Privare i peperoncini di fiume dei semi, tagliarli a
julienne e condirli con sale, pepe e olio evo.
Preparare il soffritto con aglio, peperoncino e un filo
d’olio e, solo alla fine, aggiungere le vongole. Scolare
la pasta ed impiattare guarnendo con vongole e
tarallo napoletano sbriciolato.

V I A G G I E C U C I N A
Ingredienti
Salsa di pomodorino corbarino (ottenuta da 300 gr di
corbarino)
400 gr di scarti di baccalà
1 becco di aglio senza anima
2 foglie di basilico
20 gr di prezzemolo
Morbido di patate
300 gr di patate
8 gr di sale
Olive essiccate q.b.
Pepe q.b.
Procedimento
Bollire le patate fino a cottura, sbucciarle, passarle e
condirle. Per la preparazione della salsa al
pomodorino corbarino preparare il soffritto con un filo
d’olio, aglio e scarti del baccalà; inserire i pomodorini,
le foglie di basilico e il prezzemolo; far cuocere il tutto
per circa 15 minuti. Eliminare gli scarti di baccalà e
passare il sugo ottenuto nel mixer.
Scottare il baccalà in padella facendo attenzione e
cuocere per il 70% il lato della pelle e per l’altro 30%
gli altri lati per ottenere una cottura perfetta.
Assemblare il piatto aiutandosi con uno stampino
posizionato al centro: creare un disco di patate,
togliere lo stampino, adagiare il baccalà scottato sul
disco e terminare il piatto con il sugo di pomodoro e le
olive essiccate.
Ingredienti
Salsa di pomodorino corbarino (ottenuta da 300 gr di
corbarino)
400 gr di scarti di baccalà
1 becco di aglio senza anima
2 foglie di basilico
20 gr di prezzemolo
Morbido di patate
300 gr di patate
8 gr di sale
Olive essiccate q.b.
Pepe q.b.
Procedimento
Bollire le patate fino a cottura, sbucciarle, passarle e
condirle. Per la preparazione della salsa al
pomodorino corbarino preparare il soffritto con un filo
d’olio, aglio e scarti del baccalà; inserire i pomodorini,
le foglie di basilico e il prezzemolo; far cuocere il tutto
per circa 15 minuti. Eliminare gli scarti di baccalà e
passare il sugo ottenuto nel mixer.
Scottare il baccalà in padella facendo attenzione e
cuocere per il 70% il lato della pelle e per l’altro 30%
gli altri lati per ottenere una cottura perfetta.
Assemblare il piatto aiutandosi con uno stampino
posizionato al centro: creare un disco di patate,
togliere lo stampino, adagiare il baccalà scottato sul
disco e terminare il piatto con il sugo di pomodoro e le
olive essiccate.

M A K E U P A R T I S T
Alcuni consigli per mantenere l’abbronzatura
dopo l’estate
Quando esponiamo la pelle al sole, si attiva un
meccanismo di difesa che stimola la
produzione di melanina, pigmento
responsabile dell’imbrunimento della cute. La
melanina agisce come un vero e proprio filtro
naturale, in grado di respingere l’azione
dannosa dei raggi ultravioletti, evitando danni
e lesioni cutanee. La quantità di melanina
varia da persona a persona ed è determinata
dal patrimonio genetico. In base alla quantità
ed alla qualità di melanina, è possibile
individuare il proprio tipo di pelle, ovvero il
proprio fototipo che è la capacità della pelle di
reagire all’esposizione solare. Per mantenere
più a lungo l'abbronzatura ci sono piccole
regole che possono essere utili per far si che il
nostro incarnato non perda la tintarella.
L’idratazione svolge un ruolo fondamentale
per mantenere l’abbronzatura a lungo. Infatti,
la pelle più è idratata meno tenderà a seccarsi
rischiando così di perdere il suo colorito.
L’idratazione va effettuata con creme a base di
grassi vegetali (oli, burri e ceramidi), che
nutrono in profondità, meglio se arricchite con
acido ialuronico, sostanza in grado di
trattenere l’acqua nella pelle, evitando che
evapori. In alternativa, è possibile utilizzare il
doposole due volte al giorno.
La regola della crema idratante è valida per
tutto l’anno e ancora di più quando si torna dal
mare, per mantenere l’abbronzatura più a
lungo. Al rientro in città si possono prediligere
prodotti dall’azione nutriente ed emolliente, a
base per esempio di aloe, burro di karitè, urea
o glicerina, evitando invece quelli troppo acidi,
come l’acido glicolico che rimuove i pigmenti
dalla nostra pelle. Anche gli oli cosmetici a
base di argan, avocado, semi di lino e altri
vegetali vanno benissimo. Hanno un’azione
emolliente, idratante, rigenerante e
contribuiscono a mantenere la pelle sana e
morbida. Per questi prodotti, l’applicazione
subito dopo la doccia ne faciliterà
l’assorbimento a livello cutaneo della pelle.
Per mantenere l’abbronzatura più a lungo è
molto utile approfittare degli ultimi raggi solari
in modo da stimolare la melanina prolungando
così la tintarella

M A K E U P A R T I S T
Bere molta acqua e assumere alimenti ricchi di betacarotene e antiossidanti come carote, melone, pomodoro, zucca.
Se pensate che esfoliare la vostra cute sia un errore perché cancella l’abbronzatura, vi sbagliate. Al rientro dalle vacanze, per
evitare la disidratazione della pelle, è necessario ridurre rapidamente lo spessore eccessivo dello strato corneo costituito da
cellule morte mediante detergenti granulari, scrub o trattamenti esfolianti a base di acido glicolico o salicilico. Questi
andrebbero fatti a giorni alterni o almeno due volte a settimana per tutto il mese successivo al rientro. Quando è esposta al
sole, infatti, l’epidermide si inspessisce per difendersi dai raggi solari: togliere lo strato superficiale rende la pelle più luminosa,
brillante e ossigenata. Ma non solo, l’esfoliazione stimola anche il rinnovamento
E’ bene evitare per due settimane bagni caldi e preferire invece docce veloci e tiepide. L’acqua calda, infatti, potrebbe
favorire la desquamazione della pelle, lasciando così delle macchie sul corpo. Inoltre, meglio privilegiare gel idratanti al posto
del classico bagnoschiuma che potrebbe aggredire il film idrolipidico della pelle. Infine, per asciugarsi, è bene non strofinarsi
con l’asciugamano ma tamponare la pelle con delicatezza.
I prodotti che contengono alcool, come ad esempio i profumi, possono rendere più arida la pelle e di conseguenza accelerare
la desquamazione. Meglio quindi utilizzare acque profumate e creme a base di oli essenziali, in modo da profumare e al tempo
stesso idratare la pelle senza seccarla.
Per prolungare l’abbronzatura del viso, zona che tende a perdere la tintarella più velocemente, è importante struccarsi
con prodotti delicati ed evitare di sciacquare il volto con acqua calda. Al termine della detersione, è bene applicare
sempre una crema viso idratante.
Insomma, bastano davvero pochi semplici accorgimenti per mantenere l’abbronzatura il più a lungo possibile. Seguire
un’alimentazione appropriata, apportare alla pelle una buona dose di idratazione ed effettuare un’esfoliazione settimanale sono
gli step fondamentali per una tintarella duratura e luminosa.

B E N E S S E R E
Tra le meravigliose sostanze pregiate che la terra ci dona, troviamo
gli olii essenziali, i quali rientrano nel largo consumo del benessere
della cosmesi…Da tempi remoti diverse etnie hanno capito il
beneficio delle essenze nell’abbigliamento e nei profumi e, con
l’invenzione della alambicco, gli Arabi sono riusciti a distillare i frutti
i fiori e le radici appena raccolti ricavandone l’essenza pura da
conservare in boccette di vetro scuro e da utilizzare in svariati
modi. Nel 1928, il termine “Aromaterapia” fu coniato ufficialmente
dal chimico francese Rene-Maurice Gattefossé, riconoscendo
questa disciplina olistica a tutti gli effetti.
L’aromaterapia è considerata una medicina alternativa, capace di
innescare un risveglio sensoriale grazie ai suffumigi o alle creme
ed agli olii da massaggio, ai quali vengono aggiunte 2-3 gocce di
essenza. Gli olii essenziali grazie alla loro versatilità hanno
molteplici azioni e si distinguono in 3 gruppi a seconda della zona
che si desidera stimolare: Note di testa: vi appartengono gli olii
essenziali estremamente volatili, la cui fragranza, in genere molto
fresca e spesso dai toni fruttati rimanda all’ arancio, al bergamotto,
al limone, al pompelmo, mandarino, eucalipto, menta … essi
agiscono rapidamente e in genere hanno un'azione stimolante.
Note di cuore: sono le note più forti . Vi appartengono gli olii
essenziali leggermente volatili, caratterizzati da una fragranza
delicata; essi sono: camomilla, lavanda, neroli, rosa, gelsomino,
geranio, ylang- ylang, melissa, mirto ed hanno effetti riequilibranti.
Note di base: vi appartengono gli olii essenziali , che permangono
a lungo, con una fragranza calda e penetrante; sonoi olii essenziali
estratti da legna, resine e spezie, quali legno di cedro, sandalo,
incenso, patchouly, mirra, cannella.
Il mio consiglio da massaggiatrice è di utilizzare sempre gli olii
essenziali associati al trattamento benessere svolto, in quanto il
trattamento da massaggio è il connubio perfetto che unisce i
benefici dei movimenti delle mani sul corpo all’azione terapeutica
specifica di ogni olio essenziale utilizzato, favorendone
l’assorbimento attraverso la pelle. Il tutto si svolge in un ambiente
con candele e diffusori di aromaterapia per usufruire al meglio del
beneficio delle essenze e, magari, concludere, se in inverno, con
un bel bagno caldo e gocce di essenza preferita per un relax
totale..

C O C K T A I L
Cosa può fare un barista per far sentire gli ospiti i benvenuti?
Avete mai sentito parlare di Hospitality? Cos'è la bar industry?
Fino ad un paio di anni fa sembrava che l'ospitalità e i cocktail bar artigianali fossero in contrasto tra loro però,
con il passare del tempo, tanti imprenditori nei bar, soprattutto quali frontman delle situazioni, si sono resi
conto e disponibili a superare questo modo di pensare, con l'aiuto della professionalità e la conoscenza di
ognuno.
Quindi un ospite varca la porta, contatto visivo quanto serve, saluto e sorrisi e.... Può darsi che si troverà il
miglior cliente per tutta le sera e nei prossimi giorni. L'importante è non cadere mai nel banale con discorsi
altezzos o arroganti.
Ma la verità è che deve esserci un certo livello di fiducia e bisogna sentirsi abbastanza abili nel preparare
bevande in modo da trasmettere il contatto al cliente.
Quindi, le persone si aspettano cose diverse e l’arte di un bravo barista sta nel saper riconosce le esigenze del
momento; non basta, infatti, servire bene un Gin&Tonic e salutare, poiché la professionalità è nel coccolare il
cliente dal benvenuto in poi.
Detto questo, la bar industry doveva attraversare questa fase come una linea spazio temporale per rivedere il
metodo dell’accoglienza del cliente in modo da ampliare il sistema di vendita al dettaglio: la troppa distanza dal
cliente va, infatti, a scapito del servizio.
Instagram: https://www.instagram.com/danilo_pentivolpe/
WEB SITE: www.bartendersclassheroes.com
Facebook: https://www.facebook.com/pentivolpe.danilo/
Danilo Pentivolpe

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A S T R O D A N C E R
M A K E U P A R T I S T
AMORE
Periodo positivo e romantico. Urano dominante vi offrirà dolcezza, disponibilità, aumenterà la complicità, la
voglia di corteggiare e di essere corteggiati. Questo è il momento giusto per girare pagina e fare qualche
dolce follia.
LAVORO
È un buon momento per migliorare la vostra posizione professionale o per capire dove avete sbagliato, con
lo scopo di correggere la rotta. Ogni iniziativa decollerà, portandovi successo e anche qualche bella entrata
economica. L’entusiasmo è ok e avrete voglia di fare tantissime cose; vi sentirete parecchio su di giri e
supererete i vostri limiti: fatevi aiutare da una Bilancia o uno Scorpione.
AMORE
La vita affettiva sarà frizzante, avrete una gran voglia di vivere, di conoscere, di viaggiare. Venere,
dominante, vi renderà dolci e disponibili, vi farà venire la voglia di corteggiare e di essere corteggiati.
Tenderete a strafare troppo e non vi riposerete per niente. Nelle pause, relazionatevi con un Capricorno o
Pesci, vi rilasserà.
LAVORO
Settembre sarà allettante e propizio per chi lavora in team o ha un'attività a contatto col pubblico. Riuscirete
a sbalordire i vostri interlocutori, sia per le idee geniali che sfornerete con grande facilità, sia per la vostra
memoria prodigiosa, che vi permetterà di ricordare le preferenze di tutti
AMORE
Da una parte avvertirete una vaga malinconia che vi impedisce di essere soddisfatti di come stanno
andando le cose nella vostra vita affettiva, dall'altra sentirete serpeggiare una sotterranea irrequietezza, che
vi spinge a guardarvi attorno per valutare la possibilità di nuove esperienze.
LAVORO
È un buon momento per capire dove avete sbagliato e, quindi, potrete aggiustare il tiro.
Finalmente prossimamente, i progetti andranno in porto ed otterrete il successo ed anche qualche bella
entrata economica. Concedetevi una passeggiata nel verde e regalatevi almeno dieci minuti di puro relax
ogni tanto. Contattate uno Scorpione, sarà importantissimo farlo.
AMORE
Settembre è tutto da dedicare alla persona amata, se tenete al partner de al rapporto. Forse la vostra
innata diffidenza una volta tanto ha ragione d'essere: qualcuno potrebbe cercare di creare situazioni
d'imbarazzo fra voi ed il partner.
LAVORO
Ottimo mese per lavoro e finanze, ma dovrete stare attenti a non essere frettolosi o superficiali: occhio agli
errori, alle distrazioni, verificate i contratti e non fidatevi delle parole. E mi raccomando: tenete da parte
qualche euro, potrebbe sempre servirvi. È un buon momento per smaltire qualche chiletto di troppo,
oppure per riprendervi dopo un periodo di duro lavoro. La consulenza di una Vergine o di un Leone sarà
fondamentale

A S T R O D A N C E R
TuttoBallo20
Amore
Avrete una marcata sensibilità, sarete vulnerabili e facilmente influenzabili da ciò che succede dentro ed
intorno a voi; spesso vi sentirete soli ed avvertirete un bisogno incredibile di un rapporto sentimentale. Uscite
e conoscete gente!!!
LAVORO
Nella vita professionale nessun altro è preparato quanto voi. Nessuno è temuto più di Voi per la preparazione
e la forza mentale. Se vi applicaste, il vostro futuro professionale potrebbe non conoscere limiti. Se vi sentite
affaticati, dalle innumerevoli attività che praticate, riuscirete ad essere i medici di voi stessi. Fatevi aiutare da
un Acquario o da un Ariete, vi sentirete più completi
AMORE
Nelle vostre relazioni di coppia siete sinceri e controllati. Nelle relazioni durature siete buoni amanti, anche
se, a volte, anteponete gli interessi professionali a quelli di coppia.
Amate sentirvi liberi, ed in una relazione d’amore cercherete più l’affetto che non il contatto fisico.
LAVORO
È da molto tempo che gli Astri vi incitano ad essere prudenti con denaro e impegni finanziari. Nel mirino delle
stelle ci saranno soprattutto i rapporti societari, le collaborazioni, i contratti, la burocrazia. Non agite mai
senza riflettere. Prendetevi delle soste, non stancatevi e regalatevi un momento di puro riposo ogni tanto.
Non sarebbe male incontrarsi con un bel Gemelli, vi aiuterà a dialogare. Parlare per voi è importante
Amore
Circolano molte energie positive, novità, creatività e amore. E' un buon momento: vivetelo alla grande e non
fatevi disanimare da nessuno. Avete dei sogni nel cassetto? Tirateli fuori perché potreste realizzarli in tempi
brevissimi. Mettete in atto i cambiamenti estetici che avete programmato, ed i risultati saranno certamente di
vostro gradimento. In questo modo sarà più facile l’approccio con un amico del Toro
LAVORO
Il cielo è estremamente chiaro: vi porterà fortuna e vi darà gioia. Se siete ancora in vacanza, ve la spasserete
senza alcun pensiero. Se dovete lavorare, lo farete con piacere ed entusiasmo ed otterrete non pochi
vantaggi, specie sotto il profilo economico.
Amore
Liti e tensioni andranno a sovvertire anche le relazioni più solide. Lasciate alle spalle tutto questo, le stelle
promettono un sostanziale ribaltamento della situazione. Mettete subito a fuoco quello che vi manca per stare
davvero bene e cominciate a lavorare con decisione
Ci sono molti Scorpione ed amici del Capricorno che aspettano una vostra iniziativa.
LAVORO
Un Mese caratterizzato da una serie di giornate zeppe di attività di routine: lavoro, casa, obblighi familiari. Per
questo è bene prepararsi da subito a gestire lo stress e la fatica derivanti dalla famiglia e dal consueto
ambiente di lavoro. Aspettare sarà la parola d'ordine. Vi sentirete in ottima forma e troverete d'istinto i ritmi di
vita più giusti per voi e le attività fisiche che vi sono congeniali.

A S T R O D A N C E R
TuttoBallo20
Amore
Vi attendono giorni piacevolissimi sia dal punto di vista relazionale che amoroso. Tutto va per il verso
giusto, con tante stelle che vi appoggiano e danno concretezza alle vostre azioni e vigore ai sentimenti. Un
Gemelli o lo stesso Sagittario, vi può far riflettere sul da farsi
Lavoro
LAVORO
Seminerete e raccoglierete nuovamente successi e gratifiche, sia al lavoro che a scuola.
Tutti i giorni saranno perfetti per firmare contratti, esporvi in prove di studio e parlare in pubblico, per chi
opera in proprio, è prevista una flessione e qualche intoppo.
Se tendete a mettere qualche chilo di troppo, controllate gli eccessi a tavola, specie se siete verso gli “anta”.
AMORE
Vi aspettano giornate piuttosto vivaci: a voi saper sfruttare al meglio gli appoggi cosmici, per ottenere quello
che volete, o per chiudere con le incertezze. Godetevi la vita e la spensieratezza della vostra giovinezza o
anche della vostra mezza età.
LAVORO
È un buon momento per pianificare i vostri passi successivi, capire chi o che cosa vi ha impedito di
raggiungere gli obiettivi, impostare strategie e progetti per il futuro.
L’aspetto positivo di Mercurio vi sosterrà soprattutto nelle questioni pratiche.
Non sempre riuscirete a governare esattamente le vostre forze. Organizzatevi meglio e vedrete che quando
volete riuscite a stupire voi stessi. Ci sono molti Leone e Acquario vicino a Voi.
Amore
Il vostro erotismo sarà in primissimo piano e le manifestazioni passionali saranno esaltate.
Come contorno, però, dovrete fare i conti con la gelosia, la vostra impulsività e un leggero sottofondo di
aggressività. Cercate di essere positivi. E mi raccomando, le cure estetiche sono ben viste. Fatevi
consigliare dalla bella Bilancia, sempre pronta a supporto.
LAVORO
Se siete indipendenti nella professione, settembre offrirà buone opportunità che vi entusiasmeranno,
tuttavia non dimenticate la prudenza: tenetevi alla larga da tutto ciò che non è sicuro, specialmente nelle
faccende di denaro, che potrebbero essere penalizzate da Saturno Siete in forma, ma se cercate di
rilassarvi, vi sentirete perfino meglio.
AMORE
Vi attende un mese caldo e luminoso; non solo l'amore sarà sempre in primo piano, nelle vostre giornate
riuscirete anche ad essere perfettamente in sintonia con chiunque, pronti a dimostrare solidarietà e
comprensione e figuriamoci con la persona che amate! Potreste essere avvicinati da un Gemelli o Vergine,
ascoltateli.
LAVORO
La forza di Mercurio unita all'intervento di persone importanti, vi aiuteranno ad evolvervi dal punto di vista
professionale oltre che personale. La partecipazione di colleghi e collaboratori sarà la chiave di volta che
consentirà di ottenere maggiori introiti in modo prestigioso. La forma fisica è giusta. Sarete impetuosi e
avrete voglia di fare tantissime cose, di godervi la vita e di realizzare i vostri progetti.

Pensiero del mese
DI FRANCESCA MEUCCI - DIRETTRICE DI SOLOMENTE
Settembre, il mese che rappresenta la fine della stagione
estiva e l'inizio della ripartenza. Si ricomincia con il lavoro,
la scuola e tutte le attività connesse. Lezioni di sport,
corsi di tutti i generi, mostre, concerti, spettacoli, arte e
cultura in fermento. Siamo pronti a ripartire? Orari e
impegni da rispettare, la vita di nuovo scandita dalla solita
routine. Città che ritornano caotiche, stadi aperti, traffico,
giornate più corte e foglie ingiallite che danzano intorno a
noi. Musica in sottofondo. Ecco. La musica. Settembre è
uno dei mesi che ha ispirato il maggior numero di canzoni.
Ovunque. Da Chet Baker con “September Song” a
“September morn” di Neil Diamond, passando per Barry
White con “September (When I First Met You)” a
“Wake Me Up When September Ends” dei Green Day e
"September" degli Earth, Wind & Fire" fino a “The Last
Day Of Summer” dei Cure.
Ma settembre è anche il titolo dei brani di Luca Carboni,
Antonello Venditti, Alberto Fortis e Peppino Gagliardi
mentre un giorno preciso del mese, il 29, da il titolo al
singolo degli Equipe 84.
Non so la vostra, ma la mia estate è stata scandita da
vecchie canzoni, lo stereo sempre acceso, a qualsiasi
ora, facendo qualsiasi cosa, e ogni tanto ci si metteva a
ballare seguendo un ritmo del passato ma sempre attuale.
Ora che è arrivato settembre ascolterò la musica ancora
più forte, e più spesso, ballando le note di questo mese.
Buona ripartenza a tutti!
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