360 GRADI MAGAZINE - Gennaio/Febbraio 2021

360 GRADI 

Magazine 

ARTISTA 

CHERRY MANGA 

Cherry Manga è un’artista molto 

conosciuta nel mondo virtuale di SL. 

Crea opere che hanno uno straordinario 

impatto visivo ed emotivo. 

SADYCAT LITTLEPAWS: 

LO STILE VERSATILE 

DI UNA BLOGGER DI 

SUCCESSO 

Fotografia 

NEUROESTICA: CERVELLO, 

EMPATIA ED ESPERIENZA 

DEL BELLO 

Second Life VALENTINA E. 

Perchè le immagini attraggono così 

tanto lo spettatore? Una delle principali 

attività in SL è il fotografo: ci siamo 

mai chiesti cosa ci attira di più nelle 

fotografie? 

Un negozio di abiti dallo stile 

inconfondibile, che si caratterizza 

per classe, eleganza e originalità. 

Conosciamo Valentina in questa 

intervista esclusiva. 


GENNAIO/FEBBRAIO 2021 - N. 3 

1

SOMMARIO 

18 

Perchè 

NEUROESTETICA: 

CERVELLO, EMPATIA 

ED ESPERIENZA DEL 

BELLO 

le immagini 

attraggono così tanto lo 

spettatore? Una delle 

principali attività in SL è 

il fotografo: ci siamo mai 

chiesti che cosa ci attira 

di più nelle fotografie? 

54 

Una 

HAZELNUT’S 

KINGDOM 

location 

raffinata, dallo stile 

mediterraneo e 

dalle costruzioni 

d’epoca in stile 

francese. Sono 

tantissime le attività 

per intrattenere il 

visitatore. 

74 

Una 

SLICE OF 

HEAVEN 

destinazione 

invernale 

affascinante che 

presto cambierà 

nella sua versione 

primaverile. 

Conosciamola 

attraverso gli occhi di 

Serena Amato. 

92 

Cherry 

CHERRY 

MANGA 

Manga è 

un’artista molto 

conosciuta nel 

mondo virtuale 

di Sl.. Crea opere 

che hanno uno 

straordinario impatto 

visivo ed emotivo. 

126 

Una 

DORIAN KASH 

voce maschile 

importante nel 

panorama musicale 

italiano. Un artista 

che rende la 

serata musicale un 

successo in ogni 

occasione. 

142 

Stile, 

VALENTINA E. 

classe, originalità 

sono solo alcune 

delle caratteristiche 

di Valentina E., un 

marchio che brilla 

nello scenario del 

mondo della moda 

di SL. 

160 Fotografa, 

SADYCAT 

LITTLEPAWS 

blogger e 

blogger manager di 

successo, SadyCat 

ha uno stile versatile 

che si sa adattare 

alle molteplici 

esigenze del mondo 

della moda. 

172 

Immagini 

SCELTI SU 

FLICKR 

spettacolari trovate 

su Flickr. 

Esploriamo nuovi 

artisti. 

360 GRADI MAGAZINE è la rivista che tratta di Second Life a 360°. Destinazioni, Arte, Musica, Moda, Fotografia, Arredo e Decorazione tutto in 

un’unica rivista bimestrale. Puoi leggere la rivista sul web, visitando la nostra pagina YUMPU. 

2 360 GRADI

Benvenuti al numero 3 di 360 GRADI MAGAZINE. 

92 126 160 

CHERRY MANGA 

DORIAN KASH 

SADYCAT 

LITTLEPAWS 

Un’artista in grado di 

creare opere che hanno 

uno straordinario impatto 

visivo ed emotivo. 

Un artista musicale 

importante e di 

riferimento nello scenario 

musicale italiano. 

Fotografa, blogger e 

blogger manager di 

successo, si caratterizza 

per uno stile versatile. 

BENVENUTI 

Benvenuti al numero 3 della rivista. 

In questa terza uscita 360GRADI 

introduce Serena Amato, collaboratrice, 

per ora, solo occasionale nel settore 

“destinazioni” che ci permette di 

esplorare Luane’s World attraverso i suoi 

occhi. 

Faremo la conoscenza di Dorian Kash, 

un artista musicale importante nel 

panorama italiano. 

Esploreremo l’arte di Cherry Manga in 

grado di suscitare un grande impatto 

emotivo e visivo. 

Per il settore relativo alla mente umana, 

che riscuote grande interesse, Degoya 

ci parlerà di come la mente reagisce al 

bello e alle immagini. 

Infine conosceremo di persona Valentina 

Evangelista, una delle più raffinate 

designer in Second Life. 

Vi invito a essere parte attiva, 

comunicandoci le vostre impressioni e/o 

idee/suggerimenti. 

Buona lettura! 


3

TEAM 

LADMILLA VAN MISOINDITE 

SERENA 

RESPONSABILE 

SETTORE ARTE 

RESPONSABILE 

SETTORE 

MUSICA 

RESPONSABILE 

SETTORE MODA 

COLLABORATRICE 

SETTORE 

DESTINAZIONI 

Artista e Proprietaria 

della Galleria THE 

EDGE. 

Dj , Designer e 

Architect Planning. 

Modella e 

Responsabile di eventi 

fashion. 

Collaboratrice 

occasionale per il 

settore destinazioni. 


JARLA 

VIOLET 

DEGOYA 

RESPONSABILE 

SETTORE 

FOTOGRAFIA 

Fotografa. 

RESPONSABILE 

SETTORE 

MARKETING 

Esperta di Social 

Media Marketing. 

RESPONSABILE 

SETTORE 

CERVELLO, MENTE E 

REALTA’ VIRTUALE 

Psichiatra. 


5

NOTE DELL’ EDITRICE 

Siamo giunti alla terza uscita di 360GRADI Magazine. 

La prima novità che 

desidero introdurre 

è l’ingresso nel team, 

seppure in modo 

occasionale, di Serena 

Domenici. Si tratta di 

una collaborazione 

interessante in 

quanto Serena ama 

scrivere e lo fa con 

passione. Spero che 

decida di essere parte 

permanente del team, 

dando alla rivita 

un valore aggiunto 

significativo nel 

settore “destinazioni”. 

La prima novità che desidero introdurre è l’ingresso nel team, 

seppure in modo occasionale, di Serena Domenici. Si tratta di una 

collaborazione interessante in quanto Serena ama scrivere e lo fa 

con passione. Spero che decida di essere parte permanente del 

team, dando alla rivita un valore aggiunto significativo nel settore 

“destinazioni”. 

La rubrica “cervello, mente e realtà virtuale” sta riscuotendo un 

enorme successo, grazie alla professionalità di Degoya Galthie. 

Ricevo moltissimi feedback positivi e ne sono lieta. 

In questo numero parleremo sul fronte artistico di Cherry Manga, 

un’artista molto conosciuta nello scenario di Second Life. La sua 

straordinarietà è la capacità di suscitare emozioni e di avere un 

forte impatto visivo. In questo numero avremo la possibilità di 

conoscerla meglio. 

Sul fronte musicale, Dorian Kash è il protagonista di questo 

numero. Artista italiano molto conosciuto, ogni sua serata è un 

momento di relax per il pubblico e una performance di successo 

per Dorian. 

Sul fronte della moda, approfondiamo la conoscenza di Valentina 

E., un brand apprezzato e conosciuto per la sua originalità 

e qualità. Ho avuto il piacere di intervistare personalmente 

Valentina Evangelista che ha risposto puntualmente alle domande 

dando anche suggerimenti preziosi a tutti coloro che desiderano 

intraprendere la carriera di fashion designer. 

Sul fronte fotografico, Jarla ha intervistato SadyCat Littlepaws, 

fotografa, blogger e blogger manager molto apprezzata. E’ 

l’occasione per capire di più non solo di fotografia, ma anche di 

come funziona il mondo dei blogger e del loro reclutamento. 

Nell’augurarti buona lettura, ti invito sempre alla collaborazione: 

se riusciamo a migliorare è anche grazie ai suggerimenti dei 

lettori. 

Arrivederci al prossimo numero. 

BENVENUTO 

360GRADI è una rivista interattiva 

disponibile su YUMPU. Prendi la tua 

copia del kiosk in redazione. 


L’ emozione è la prova più evidente 

che qualcosa ci ha coinvolto 

profondamente. Tutti i talenti di 

cui parliamo in questo numero 

raggiungono il nostro cuore. 

- Oema 


7

ART PROMOTION ON FACEBOOK 



9

VIOLET BOA 

Le mie responsabilità comprendono la pianificazione, 

l’implementazione e la gestione di strategie di PR, nonché 

l’organizzazione e la gestione di varie attività di PR. 

Utilizzo diversi canali per ottimizzare la diffusione e il successo di 

una campagna, con un’attenzione orientata al cliente e una consegna 

sicura che rappresento in modo inequivocabile, e realizzo gli interessi, 

i desideri, le esigenze e le aspettative dei miei clienti. 

Violet Boa, 

Responsabile del Settore 

MARKETING 

Una parte naturale del mio lavoro consiste nell’organizzare interviste 

e coordinarmi, ricercare e raccogliere opportunità di partnership, 

stabilire e mantenere rapporti con giornalisti, influencer e blogger, 

oltre a supportare i membri del team del mio cliente nella 

comunicazione e nella gestione di una campagna. 

Attraverso anni di esperienza nella gestione dei social media, che 

richiede sempre ottime capacità di comunicazione, presentazione e 

leadership, oltre a eccellenti capacità organizzative e di gestione del 

tempo, sono diventata autocritica e sono sempre interessata a nuovi 

impulsi. 

L’apprendimento, sia esso auto-diretto o attraverso la conoscenza di 

fonti competenti, fa parte del processo quotidiano. 

Le osservazioni e le riflessioni (auto-riflessioni) sulla situazione 

esterna ed interna mi danno la possibilità di riconoscere i problemi e 

di cambiarli in una direzione positiva. 

Sono una pensatrice positiva ma anche critica e risolutrice di problemi 

analitici che - con molta empatia - accetta gli interessi contrastanti, 

la (in) tolleranza personale e le opinioni degli altri. Sono molto 

adattabile e disponibile al compromesso per accettare alternative 

positive che rendano tutti felici e portino al successo desiderato. 

Nella mia top ten degli interessi ci sono l’arte, la fotografia, il design, 

l’arte digitale, la musica, le arti dello spettacolo, la letteratura, la 

scienza, la consapevolezza e l’atteggiamento positivo. 

Mi sento molto onorata e orgogliosa della fiducia che Oema ha riposto 

in me invitandomi nel mio ruolo di PR a promuovere fin dalla prima 

pubblicazione 360 GRADI Magazine, una rivista raffinata, di classe, ed 

elegante. 

Ci aspetta un compito entusiasmante e meraviglioso, e non vedo l’ora 

di compierlo! 

Violet 



11

LUNDY ART GALLERY 

LA LUNDY ART GALLERY E’ UNA CREAZIONE DI LEE1 OLSEN E OSPITA 

PERIODICAMENTE NUOVI ARTISTI. 

LA GALLERIA VANTA UNO SPAZIO ESPOSITIVO MOLTO AMPIO, PERMETTENDO 

AL VISITATORE DI APPREZZARE NUMEROSE OPERE D’ARTE. 


ARTISTI ESPOSITORI 

Moya Patrick 

Etamae 

Ilyra Chardin 

Adwehe 

ZackHermann 

Sandi Benelli 

Jessamine2108 

Steele Wilder 

Adelina Lawrence 

Magda Schmidtzau 

Jos (mojosb5c) 

TELEPORT TO LUNDY ART GALLERY 


13

CAMP ITALIA 

CAMP ITALIA, EDUCAZIONE E INTRATTENIMENTO IN UN’UNICA 

DESTINAZIONE. 

VIENI A VISITARCI! 

Camp Italia è una sim educational in lingua italiana con vocazione internazionale, dove puoi 

trovare una calorosa accoglienza, eventi artistici e musicali, tante lezioni per imparare a usare 

Second Life e paesaggi mozzafiato per una meravigliosa esperienza della tua SL. 

Visit Camp Italia & Enjoy! 

Slurl 

https://maps.secondlife.com/secondlife/Camp%20Italia/127/64/23 

Official Website 

https://campitaliasecondlife.org 



15

DEGOYA GALTHIE 

Sin dall’inizio della sua apparizione nel mondo, l’uomo ha cercato 

di rappresentare e raccontare la propria esperienza con differenti 

strumenti quali il disegno, la fotografia e il cinema; alla base di questa 

incessante ricerca è il desiderio di descrivere il proprio mondo interiore 

con livelli di fedeltà sempre maggiori. Nella nostra società postmoderna 

la frontiera più evoluta di questa ricerca è rappresentata 

dalla realtà virtuale: questa tecnologia ci consente di “immergerci” in 

un ambiente generato dal computer, dentro cui è possibile muoversi e 

interagire come nel reale. 

Degoya Galthie, 


CERVELLO, MENTE E 

REALTA’ VIRTUALE 

La realtà virtuale sta avendo numerose applicazioni che spaziano in 

diversi ambiti e rappresenta anche un’interfaccia di comunicazione 

avanzata che consente alle persone di interagire in modo naturale 

a distanza. Ormai è una tecnologia che ha una crescente diffusione 

anche nell’industria dell’intrattenimento, dove trova applicazioni, 

oltre nel settore dei videogiochi, nella cinematografia, nei parchi 

tematici e nei musei. I social network, l’e-commerce, l’educazione, 

lo sport sono solo alcuni dei numerosi ambiti che i mondi virtuali 

promettono di rivoluzionare. In campo medico, la realtà virtuale sta 

dimostrando un eccellente potenziale con applicazioni nell’ambito 

delle neuroscienze e della psicoterapia. 

Alla luce di tali premesse, l’obiettivo che mi sono posto in questo 

settore della rivista è raccontare la “rivoluzione virtuale” attraverso 

una prospettiva che vuole evidenziare l’impatto trasformativo di 

questa tecnologia sul cervello e sull’esperienza umana. In particolare, 

cercherò di investigare sugli effetti delle esperienze virtuali sul 

proprio mondo reale e di mettere in luce le opportunità che le 

tecnologie virtuali possono offrire, ma anche di porre in evidenza i 

potenziali rischi che esse implicano, attraverso una ricognizione delle 

ricerche più avanzate in ambito psicologico e neuroscientifico. Infine, 

cercherò di spiegare come le tecnologie simulative stanno cambiando 

il modo di comunicare e interagire delle persone, analizzando le 

opportunità e le sfide implicate dall’emergere dei mondi virtuali. 

Degoya 



17

NEUROESTE 

IL CERVELLO, L’EMPATIA 

BELLO 

Scritto da DEGOYA GALTHIE. 

Immagini di JARLA CAPALINI. 


TICA 

E L’ESPERIENZA DEL 

Perchè le immagini ci piacciono così tanto? 

Che effetti suscitano sulla nostra mente? 

Approfondiamo questo tema affascinante. 


19

NEUROESTETICA 

IL CERVELLO, L’EMPATIA E 

L’ESPERIENZA DEL BELLO 

Se le neuroscienze cognitive studiano la cognizione e la mente umana, che cosa 

c’è di così unicamente umano come l’ossessione di creare immagini? Da un 

lato l’ossessione di creare immagini e dall’altro il potere che queste immagini 

esercitano su chi le guarda. 

Le parole che compongono il titolo 

di questo articolo: arte, empatia, 

esperienza estetica e neuroscienze, 

cioè lo studio del cervello, costituiscono 

argomenti che nello spazio a 

disposizione non riuscirò affrontare in 

modo serio ed esauriente. Come prima 

cosa cercherò di spiegare il fatto che 

un neuroscienziato applichi la propria 

metodologia di ricerca ad ambiti che, 

tradizionalmente ed apparentemente, 

sembrano così lontani; soprattutto negli 

ultimi 70 anni il campo della scienza è 

stato considerato altro rispetto a quello 

dell’estetica e dell’arte. Le scienze 

umane e le neuroscienze cognitive, 

però, condividono un fondamentale 

oggetto d’indagine: capire cosa ci 

rende umani. Ovviamente lo fanno 

con approcci molto diversi e con 

differenti linguaggi di descrizione. Se 

le neuroscienze cognitive studiano la 

cognizione e la mente umana, che cosa 

c’è di così unicamente umano come 

l’ossessione di creare immagini? Da un 

lato l’ossessione di creare immagini e 

dall’altro il potere che queste immagini 

esercitano su chi le guarda. All’interno 

di questi argomenti che ricorreranno 

spesso nel corso della mia esposizione, 

ho deciso di partire da un tema che 

ritengo centrale per approcciare la 

questione dell’esperienza estetica: il 

perché ci piacciono le immagini e che 

cosa proviamo di fronte a un’immagine, 

soprattutto quando questa immagine è 

stata creata dall’uomo. 

A tal fine, ritengo 

fondamentale trattare il 

tema dell’empatia; l’empatia 

è un concetto terribilmente 

complicato con numerosi 

sinonimi (identificazione, contagio 

emotivo, assunzione di prospettiva, 


Perchè le 

immagini ci 

piacciono così 

tanto? 

teoria della mente) o 

presunti tali. Tali concetti 

sono utilizzati da molti 

studiosi in modo 

intercambiabile 

sbagliando quando 

confondono l’empatia 

con la teoria della mente, 

cioè con una modalità 

cognitivamente molto 

sofisticata di entrare 

nella mente dell’altro e 

di assumerne la 

prospettiva. C’è chi ha 

sentito la necessità di 

parlare di un’empatia 

cognitiva da distinguere 

dalla vera empatia e c’è 

chi confonde l’empatia 

con la simpatia. Un modo 

semplicistico che ci aiuta 

a liberare il terreno dagli 

equivoci potrebbe essere 

questa definizione: 

empatia significa sentire 

con l’altro, mentre 

simpatia significa sentire 

per l’altro. Quindi è 

difficile 

essere 

simpatetici nei confronti 

di qualcuno senza essere 

in grado di provare 

empatia, ma non è 

necessariamente vero il 

contrario; noi possiamo 

empatizzare con l’altro 

senza che ci passi per 

l’anticamera del cervello 

di compatirlo o addirittura 

di aiutarlo. Esiste un lato 

oscuro dell’empatia, 

anche un torturatore e un 

sadico devono essere 

empatici se vogliono fare 

bene il loro lavoro; se io 

sevizio qualcuno, devo 

capire dove gli fa più 

male. In qualche modo mi 

devo mettere nei suoi 


21

panni immaginativamente ed 

emotivamente per ottenere l’effetto 

peggiore dell’intervento che gli sto 

applicando, come spesso accade nelle 

confessioni estorte con la tortura. 

Nel partire dal termine empatia, 

ovviamente non mi riferisco all’empatia 

classica dei greci, ma al termine che 

è nato e si è sviluppato in Germania 

alla fine dell’ottocento all’interno di 

un dibattito estetico. La discussione 

era su cosa fa la differenza quando mi 

metto di fronte a un’opera d’arte: sono 

le caratteristiche formali del quadro, 

della scultura o dell’affresco che 

fanno la differenza oppure è ciò che 

quell’oggetto particolare mi fa sentire, 

la capacità di quell’oggetto di evocare 

qualcosa in me che lo guardo. 

All’interno di questo 

confronto, il filosofo Tedesco 

Robert Vischer ha pubblicato 

un piccolo libro, destinato a 

esercitare un’influenza enorme sul 

dibattito estetico nei decenni a venire, 

dal titolo: Sul Sentimento Ottico della 

Forma (Über das optische Formgefühl, 

1873). L’autore dà il suo contributo 

all’estetica ponendo l’accento sulla 

centralità dell’Einfühlung che noi 

traduciamo empatia (Einfühlung 

significa letteralmente sentire dentro, 

immedesimazione); questa è una 

citazione dal suo libro: “io mi trasferisco 

nell’essenza interiore dell’oggetto che 

contemplo (l’oggetto è un’opera d’arte) 

e ne esploro le sue caratteristiche formali 

per così dire dall’interno”. Questo tipo di 

trasposizione può assumere forma 

motoria o sensoriale anche nel caso di 

forme prive di vita ed immobili, in 

pratica quando io mi metto di fronte a 

un quadro alcune delle caratteristiche 

di quelle immagini sono tali da suscitare 

in me una reazione di tipo empatico; 

una reazione che il più delle volte è solo 

interna e che in certe determinate 

situazioni può affiorare alla superficie 

del mio corpo con comportamenti e 

atteggiamenti che vedremo. 

In quest’opera Vischer distingue il 

mero processo percettivo del vedere 

da quello pragmaticamente attivo del 

guardare. Secondo Vischer, la fruizione 

estetica delle immagini, in generale, 

e dell’opera d’arte, in particolare, 

implica un coinvolgimento empatico 

che si configurerebbe in tutta una 

serie di reazioni fisiche nel corpo 

dell’osservatore. Particolari forme 

osservate susciterebbero emozioni 

reattive, a seconda della loro conformità 

al disegno e alla funzione dei muscoli 

corporei. Secondo Vischer la forma 

simbolica, lungi dall’essere pura in 

quanto kantianamente trascendentale, 

deriva la sua natura in prima istanza 

dal suo contenuto antropomorfo; è 

attraverso la proiezione inconsapevole 

dell’immagine sul proprio corpo che chi 

osserva riesce a stabilire una relazione 

estetica tra sé e l’immagine. Alcuni 

anni più tardi questa stessa logica 

dell’Einfühlung, grazie a Lipps, verrà 

trasferita al dominio della psicologia 

delle relazioni interpersonali, 

esercitando una notevole influenza 

anche su Freud. L’opera di Vischer 

esercitò una grande influenza, tra gli altri, 

anche su due figure importantissime 

per la storia dell’arte: lo scultore Adolf 

von Hildebrand e lo storico dell’arte 

Aby Warburg. 



23

Il tema dell’empatia 

è stato al centro 

della tesi di 

dottorato di Edith 

Stein un’allieva di Edmund Husserl, 

filosofo tedesco e fondatore della 

Fenomenologia; la Stein all’interno di 

questa tesi ha fatto delle affermazioni 

che non potrei non sottoscrivere con 

entusiasmo. È stata una monaca 

cristiana, filosofa e mistica tedesca 

dell’Ordine delle Carmelitane Scalze, 

vittima della Shoah. Di origine ebraica, 

si convertì al cattolicesimo dopo un 

periodo di ateismo che durava 

dall’adolescenza. Venne arrestata nei 

Paesi Bassi dai nazisti e rinchiusa nel 

campo di concentramento di Auschwitz- 

Birkenau dove, insieme alla sorella Rosa, 

nel 1942 venne trucidata. Nel 1998 

papa Giovanni Paolo II la proclamò santa 

e l’anno successivo la dichiarò patrona 

d’Europa. I fenomenologi quando 

parlano del corpo umano fanno una 

distinzione, o meglio sostengono che 

questo corpo ha una duplice natura. Noi 

abbiamo un corpo fisico fatto di ossa e 

di carne che ha un peso e che occupa 

uno spazio; se guardiamo al nostro 

corpo da questo punto di vista, i 

fenomenologi lo chiamano Körper. 

Questo Körper, però, (cervello, fegato, 

cuore, muscoli, ossa, articolazioni, tutti 

gli organi e la nostra struttura fisica 

corporea) è al contempo leib: è corpo 

vivo, cioè è la sorgente della nostra 

esperienza; tutto ciò che è psichico è 

coscienza legata al leib, il corpo vivente. 

Le neuroscienze oggi hanno la possibilità 

di fare luce sul Leib interrogando il 

Körper. Il punto non è quello di appiattire 

il Leib sul Körper, ma quello di 

comprendere che l’indagine empirica 

condotta sul Körper ci può dire cose 

nuove sul Leib. 

Spesso avrete sentito fare parallelismi 

tra la mente umana e il software di un 

computer nel modo in cui vengono 

descritte le modalità con cui si ritiene, 

a torto o a ragione, che avvengano 

alcuni processi mentali. Vengono 

utilizzate delle parole e un vocabolario 

preso dal linguaggio dei computer 

e dell’intelligenza artificiale, per cui 

molti parlando del cervello dicono 

che è una macchina biologica che fa 

cose non molto diverse da quelle che 

fa un processore: elabora informazioni 

ed è possibile riferirsi alle nostre 

attività mentali come all’elaborazione 

di informazioni. Se fosse solo questo, 

secondo me, si lascerebbe fuori 

l’aspetto più rilevante che ci descrive 

come esseri umani, cioè il dominio 

dell’esperienza. Noi conoscendo il 

mondo, aprendoci al mondo, entrando 

in relazione con il mondo proviamo 

qualcosa e facciamo un’esperienza. 

Una delle bussole che ha guidato 

e continua a guidare la ricerca e i 

miei studi è l’ambizione o forse solo 

l’illusione di cercare le origini corporee 

di questo aspetto così fondamentale 

della nostra vita, che è il fare esperienza 

di qualcosa. Nel caso specifico fare 

esperienza di immagini e, tra le 

migliaia di immagini di cui facciamo 

quotidianamente esperienza, di quelle 

particolari immagini che storicamente 

abbiamo iniziato a definire come opere 

d’arte. 

La Stein ha sostenuto che la nozione 

di empatia, quindi il sentire dentro 


l’altro, non deve essere limitata alla 

mera condivisione di emozioni e di 

sentimenti, visione parziale che spesso 

domina. La Stein e con lei Husserl hanno 

definito l’empatia come un qualche 

cosa di ancora più fondamentale di un 

meccanismo che mi consente di capire se 

la persona che ho di fronte è arrabbiata, 

allegra, triste, sorpresa o disgustata. 

Facciamo esperienza dell’altro, dice la 

Stein, come di un altro essere umano 

come noi, grazie alla percezione di una 

relazione di similarità. Quindi io non mi 

devo reinventare ogni volta la scoperta 

che la signora Rossi o il signor Bianchi 

che mi stanno di fronte sono esseri 

umani come me alla fine di un complicato 

percorso di inferenze logiche; l’empatia 

è alla base di questa detezione della 

similarità nell’alterità, è un altro non 

sono io, è un altro essere umano come 

me, se così non fosse entreremmo nel 

dominio della psicopatologia. Questa 

percezione di similarità, questo altro 

che mi parla in un linguaggio che 

più o meno mi è familiare, che mi è 

comprensibile, questa creatura in cui mi 

ritrovo, che non è aliena, sempre entro 

certi limiti e con un enorme variabilità 

interindividuale, è il prodotto di questo 

meccanismo di base che mi permette 

di rilevare questa somiglianza che, 

ripeto, non è solo una somiglianza di 

affetti, emozioni e sensazioni ma che 

è globale. La Stein ha posto l’accento 

specificamente anche sul dominio 

dell’azione, paragonando la mano del 

fanciullo, la mano della scimmia e la 

mano dell’anziano: anche se visivamente 

hanno dimensioni, diverse colori, diversi 

livelli di irsutezza sicuramente molto 

diversi ciò nondimeno per noi sono 

tutte mani; questa loro caratteristica di 

appartenere a questa stessa categoria 

semantica deriva proprio dal comune 

dominio del movimento, dell’azione 

che riconosciamo indipendentemente 

dall’età, dal genere o addirittura dalla 

specie. 

In Germania il 

personaggio che ha 

traghettato la nozione di 

empatia da un dibattito 

totalmente all’interno 

dell’estetica alla 

psicologia è Theodor Lipps. Theodor 

Lipps è un autore che Freud ha letto 

avidamente, per il quale ha provato una 

grande stima e che ha menzionato in 

molti passaggi nei suoi scritti. Per 

esempio, in Inibizione Sintomo e 

Angoscia, saggio che ha pubblicato nel 

1926, sostiene che è solo grazie 

all’empatia che conosciamo l’esistenza 

di una vita psichica diversa dalla nostra. 

Pertanto l’empatia è l’elemento 

fondamentale che ci consente di 

relazionarci con l’altro, sicuramente 

non l’unico ma, probabilmente da un 

punto di vista evolutivo, quello molto 

più antico e presente anche in specie 

animali che non sono ancora approdate 

al linguaggio. 

Ora vediamo come il tema dell’empatia, 

di questa risonanza diretta tra me e 

l’altro, diventa un aspetto cruciale 

della mia relazione con gli altri; 

permette di meglio comprendere 

la questione dell’intersoggettività, 

la possibilità, relazionandomi con 

l’altro, di riconoscere nell’altro una 

mente, qualcuno che pensa e che 

prova emozioni, qualcuno che se si 

ferisce verosimilmente proverà dolore 


25

come me. Esaminiamo perciò come 

questi aspetti si legano all’esperienza 

estetica; questa parola, la storia delle 

parole è sempre molto importante, 

viene dal greco aisthesis e si riferisce 

alla sensibilità corporea. Quindi questo 

termine ha uno stretto legame con 

la nostra natura corporea. La prima 

ipotesi che voglio discutere è questa: 

per espressione creativa intendo la 

capacità, sin dalle origini della specie 

umana, di realizzare degli oggetti, 

delle immagini, delle sculture e delle 

pitture che non avevano uno scopo 

utilitaristico, per cui i nostri antenati 

non costruivano solamente utensili 

per ammazzare un mammut o scuoiare 

animali solo per ricavarne le pelli per 

costruire una tenda. Questi manufatti, 

questi oggetti, queste sculture e queste 

pitture, che gli archeologi ci dicono 

verosimilmente rientravano già nelle 

competenze cognitive dei Neanderthal, 

ci permettono di retrodatare l’origine 

della nostra espressione simbolica e 

artistica. 

L’ipotesi è che questa espressività 

e questa creatività simbolica sono 

alcune delle marche caratteristiche 

e delle chiavi di lettura fondamentali 

che ci fa capire chi siamo e che cosa 

vuol dire essere esseri umani; sono 

peculiarità strettamente intrecciate 

alla performatività del corpo, cioè alla 

potenzialità di movimento del nostro 

corpo. Questo aspetto performativo 

non lo ritroviamo solo nella produzione 

delle immagini ma, qui sta la novità, lo 

ritroviamo anche nella loro ricezione. 

Anticipo quello che andrò a dire fra poco: 

quando noi ci poniamo di fronte a un 

corpo raffigurato bidimensionalmente 

sulla parete di una grotta, sull’affresco di 

una cattedrale o sulla tela di un quadro, 

nel momento in cui noi ci poniamo di 

fronte all’immagine di un corpo che 

qualcun altro ha realizzato con pennelli 

e colori, c’è una parte della nostra 

corporeità che risuona. 

Anche quando non ci muoviamo, c’è una 

parte sensorimotoria del nostro cervello 

che simula quello che stiamo vedendo 

sulla tela o sulla parete. Quindi la storia 

dell’uomo è una storia in cui natura e 

cultura si intrecciano, sono due termini 

che abbiamo cercato disperatamente 

di tenere distinti; tuttavia quello che ci 

dice la biologia ogni giorno di più è come 

siano due facce di una stessa medaglia. 

Al di là di questo discorso la storia della 

natura e della cultura umana è una storia 

che procede in un processo progressivo 

di allontanamento dal corpo, forse come 

strumento per esorcizzare, in qualche 

modo, la consapevolezza della nostra 

natura finita e la consapevolezza della 

morte; perciò il disperato tentativo di 

lasciare una traccia che non è l’orma 

impressa dall’animale sul terreno, ma 

una traccia intenzionale che noi lasciamo 

volontariamente, con la speranza che 

questo segno poi ci sopravviva e continui 

a parlare in qualche modo di noi. 

L’arte diventa il frutto maturo del modo 

nuovo e diverso con cui l’uomo, a un 

certo punto della propria evoluzione, si 

è rapportato con la «realtà» del mondo 

esterno. Il mondo materiale non è più 

considerato esclusivamente come un 

dominio da piegare utilitaristicamente 

ai propri bisogni. L’oggetto materiale 

perde l’esclusiva connotazione di 

strumento per divenire simbolo, 

pubblica rappresentazione, eidos 

capace di evocare la presentificazione 


di qualcosa che, apparentemente, non è 

presente se non nella mente dell’artista 

e in quella di chi guarda la sua opera. 

Questa «sintonizzazione mentale» tra 

creatore e fruitore ha radici profonde 

nell’esperienza condivisa che tutti 

facciamo dell’evidenza naturale 

del mondo, verosimilmente anche 

se non completamente, grazie ad 

alcuni meccanismi neurali. L’arte 

distilla e condensa quest’esperienza 

universalizzandola e, al tempo stesso, 

affermando un nuovo modo possibile 

di guardare alla realtà mettendola in 

scena. L’oggetto artistico, che non è 

mai oggetto in sé stesso, è il polo di 

una relazione intersoggettiva, quindi 

sociale, che emoziona in quanto evoca 

risonanze di natura sensorimotoria e 

affettiva in chi vi si mette in relazione. 

Pensate a quei templi della creatività 

umana che sono ambienti naturali come 

le Grotte di Lascaux, un complesso di 

caverne che si trova nella Francia sudoccidentale 

(Paleolitico Superiore, 

approssimativamente 17.500 anni fa) o, 

più vicino a noi, la grotta di Chauvet 

dove durante il paleolitico un 

personaggio a noi ignoto un uomo o una 

donna, non sappiamo chi fosse questo 

artista, improvvisamente disegna degli 

animali così come li vede nell’ambiente 

circostante; disegna delle figure che 

ancora oggi ci stupiscono per la loro 

bellezza e la loro efficacia espressiva. Il 

cervello di quell’Homo Sapiens era un 

cervello che aveva sentito il profondo 

bisogno 

di 

raffigurare un 

qualche cosa che 

vedeva col quale era 

in rapporto; ciò per 

dire come in fondo 

una manifestazione artistica sia 

espressione di una nostra funzione 

cerebrale. Questo processo passa 

attraverso le incisioni di blocchetti di 

ocra di 70 mila anni fa nella grotta di 

Blombos vicino a Città del Capo, le 

pitture paleolitiche nel sud della Francia 

o della Spagna che oggi retrodatiamo 

per alcuni aspetti anch’esse a 70 mila 

anni fa (quindi non erano sicuramente 

Sapiens non ancora arrivati in Europa, 

ma Neanderthal), fino ad arrivare 

all’invenzione dell’alfabeto, della 

scrittura, della stampa, della fotografia, 

del cinema, della televisione e di questo 

aggeggio elettronico che mi consente 

oggi di navigare nei mondi virtuali. 

Nonostante questo processo di 

allontanamento dal corpo, il legame con 

la nostra natura corporea anche in questi 

manufatti esterni al nostro corpo rimane 

intatto, questo è quello che la ricerca 

neuroscientifica sembra suggerire. 

Un famoso storico dell’arte, 

Heinrich Wölfflin, nel 1886 

ha pubblicato la sua tesi di 

dottorato dal titolo: 

“Prolegomeni a una psicologia 

dell’architettura”; l’autore ha fatto delle 

affermazioni ancora oggi 

straordinariamente moderne e che sono 

ancora più attuali se le rileggiamo alla 

luce di quello che, nel frattempo, 

abbiamo imparato a proposito del 

nostro corpo e del nostro cervello. Le 

forme fisiche, Wölfflin qui si riferiva alle 

colonne e alla struttura di un tempio 


27

greco, possono risultare caratteristiche 

per chi le guarda solo nella misura in cui 

noi stessi possediamo un corpo; se noi 

fossimo dell’entità puramente ottiche, il 

giudizio estetico del mondo fisico ci 

sarebbe precluso. È la nostra natura 

corporea e il nostro essere soggetti alle 

leggi fisiche che, governando la vita in 

questo particolare mondo che noi 

abitiamo, dettano alcune delle 

caratteristiche che contraddistinguono 

il modo con cui noi ci relazioniamo con 

queste immagini particolari che possono 

essere anche immagini architettoniche 

(la Cattedrale di Ferrara, il Castello 

Estense o qualsivoglia prodotto 

dell’ingegno architettonico umano). 

Un altro aspetto 

essenziale 

alla 

comprensione 

dell’esperienza artistica, 

a cui ho anticipato prima, 

è che il corpo non è solo 

lo strumento di 

produzione delle 

immagini, è anche lo strumento 

fondamentale della loro ricezione; 

queste cose sono già state dette, scritte 

e ripetute più volte nella storia della 

cultura umana. Adolf von Hildebrand è 

stato uno scultore tedesco, a mio modo 

di vedere non particolarmente eccitante 

come scultore e molto più interessante 

come teorico dell’arte. Come teorico 

dell’estetica ha pubblicato nel 1893 il 

libro “The Problem of Form in Figurative 

Art” (Il problema della forma nell’arte 

figurativa) dove ha sostenuto che la 

realtà delle immagini artistiche risiede 

nella loro efficacia, sia come la 

conseguenza delle azioni dell’artista 

che le ha prodotte sia alla luce 

dell’impatto che queste immagini 

esercitano su chi le guarda. Il valore 

estetico delle opere d’arte risiede nel 

potere che esse hanno di stabilire legami 

tra gli atti intenzionali creativi dell’artista 

e la loro ricostruzione da parte di chi si 

mette di fronte a queste immagini, 

quindi la loro ricostruzione nella mente 

di chi le guarda. Hildebrand in questo 

libro ha sostenuto che la percezione 

della spazialità dell’immagine è il 

risultato di un processo costruttivo 

sensorimotorio: lo spazio non 

costituirebbe un “a priori” 

dell’esperienza, come suggerito da Kant, 

ma ne sarebbe un prodotto. Ha affermato, 

inoltre, che la realtà dell’immagine 

artistica risiede nella sua effettualità, 

concepita duplicemente sia come 

risultato delle cause che l’hanno 

prodotta sia come effetto che provoca in 

chi l’osserva. Secondo la stessa logica 

«costruttivista», il valore di un’opera 

d’arte consisterebbe nella capacità di 

stabilire un rapporto tra la progettualità 

intenzionale dell’artista e la 

ricostruzione di tale progettualità da 

parte di chi dell’opera fruisce. In questo 

modo si viene a stabilire una relazione 

diretta tra creazione e fruizione artistica. 

Conoscere l’immagine equivale, 

secondo Hildebrand, a conoscere il 

processo che la realizza. 

Ancora più in linea con la mia prospettiva 

è l’idea di Hildebrand che l’esperienza 

estetica sia fondamentalmente 

connotata in termini motori. Ha 

sostenuto Andrea Pinotti nella 

presentazione all’edizione italiana 

dell’opera di Hildebrand, da lui curata 

con Fabrizio Scrivano: «Per Hildebrand 

tutto comincia con i movimenti delle 

mani e degli occhi; cioè quando il corpo 

si protende verso la costruzione dello 


spazio. [...] Il movimento è ciò che 

permette l’articolazione del senso, è ciò 

che permette di connettere gli elementi 

disponibili nello spazio, è ciò che permette 

di formare l’oggetto, è ciò che permette la 

rappresentazione e la raffigurazione. [...] 

Per questo l’opera d’arte contiene sempre 

le indicazioni della mobilità, perché essa 

stessa è un suo prodotto e nello stesso 

tempo chiede al fruitore di mettere in 

movimento la propria attività percettiva 

che gli consente di scomporre/ricomporre 

l’immagine». In estrema sintesi, per 

Hildebrand il corpo è l’insieme delle 

strutture che rendono possibile 

l’esperienza sensibile e la significatività 

dell’immagine. Nel VI capitolo, intitolato 

“La forma come espressione funzionale”, 

Hildebrand ha scritto: «In stato di quiete 

totale una mano tendinosa e dalle dita 

lunghe ricorda così tanto l’immagine 

della mano che si tende per afferrare da 

esprimere la tendenza dell’afferramento e 

la sensazione corporea che vi si connette. 

Essa reca per così dire l’impronta 

di un’attività allo stato latente. 

Mascelle fortemente sviluppate danno 

l’impressione di forza ed energia [...]. In 

tal modo determinate forme, anche se 

non sono pensate affatto in movimento, 

giungono ad esprimere processi interiori, 

perché ricordano forme in movimento. 

Sulla scorta di questa modalità di 

trasposizione, l’artista giunge a fissare e 

a configurare tipi formali che hanno una 

determinata espressione e che suscitano 

nell’osservatore determinate sensazioni 

corporee e psichiche». 

In Neuroscienze quando parliamo di arte, 

creatività, facoltà simbolica, estetica, 

empatia è come vedere il mondo 

guardando dal buco di una serratura, 

cioè limitando al massimo le variabili 

in un ambiente del tutto artificiale che 

è quello del laboratorio, prendendo un 

elemento alla volta perché altrimenti 

non riusciremmo a dominare queste 

variabili tutte in una volta. Sulla base 

dei risultati che otteniamo, con ogni 

piccolo mattoncino costruiamo qualcosa 

in modo incrementale; i risultati di 

ogni esperimento danno risposte 

parziali, suscitano nuove domande che 

ci stimolano a fare nuovi esperimenti, 

che ci danno altre risposte parziali le 

quali suscitano altre domande e nel 

farlo, vi assicuro, la paga è poca, ma il 

divertimento è massimo ed è un lavoro 

bellissimo. 

Per quanto detto in precedenza, 

l’esperienza estetica delle immagini la 

possiamo vedere come una forma 

mediata di intersoggettività; ogni volta 

che mi pongo di fronte a un quadro, a 

una scultura o a un affresco non mi 

relaziono esclusivamente con un 

oggetto del mondo fisico provvisto di 

alcune caratteristiche formali come 

colore, forma, fattezze, massa e volume, 

mi relaziono ogni volta anche con un 

altro essere umano, colui o colei che ha 

realizzato quelle immagini. L’opera 

d’arte diventa il mediatore di una 

relazione interpersonale tra me e quello 

che oggi, dal Rinascimento in poi, 

abbiamo imparato a chiamare come 

artista. Questa distinzione tra arte e 

artigianato è storicamente determinata; 

sono tanti gli aneddoti che lo 

testimoniano, Leonardo, 

per esempio, quando 

consegnò la prima versione 

della Vergine delle Rocce, 

quella esposta al Louvre, si 

arrabbiò moltissimo 

scoprendo che i frati di 


29

Milano lo pagarono poco di più di quanto 

diedero a colui che oggi chiameremmo 

l’artigiano a cui avevano commissionato 

la cornice che doveva racchiudere il suo 

dipinto. “Io sono chi ha creato l’opera”, 

probabilmente non avrà detto artista, 

però è qui che nasce l’idea che non tutte 

le attività manuali sono uguali e quindi 

anche questi termini (bellezza, artista, 

genio creativo o creatore) sono tutti 

termini che si sono venuti a determinare 

storicamente. Al di sotto di questa 

determinatezza storica c’è la carne, c’è 

questa nostra intima natura corporea 

che pur storicamente modulata, 

determinata e culturalmente educata, in 

un modo o in un altro, conserva delle 

radici comuni che sono quelle che ci 

interessa indagare. 

Per studiare i meccanismi sottesi 

all’esperienza estetica, rivolgiamo la 

nostra attenzione a questo oggetto che 

è appunto il cervello; però il cervello lo 

dobbiamo inquadrare legato al corpo, il 

cervello non si capisce se lo approcciamo 

come un computer realizzato su un 

substrato biologico. Il cervello fa le 

cose fantastiche che fa e ci permette di 

esistere, di fare esperienza del mondo 

solo nella misura in cui è interfacciato 

con il mondo attraverso il corpo. Non 

tutti condividono questa visione, 

quando molti miei colleghi decidono di 

occuparsi da neuroscienziati di arte e 

di estetica lo fanno da una prospettiva 

che, prendendo a prestito un termine 

della storia dell’arte, potremmo definire 

puro-visibilista; tra il serio e il faceto 

affermo che dobbiamo combattere 

l’imperialismo visivo. Voglio dire, più 

o meno esplicitamente, che molti 

miei colleghi affermano che quando 

ci mettiamo di fronte a un quadro 

stiamo osservando un’immagine, 

conseguentemente se volessimo capire 

che cosa succede nel nostro cervello 

quando guardiamo un’immagine, 

dovremmo studiare la parte del cervello 

cosiddetta visiva che è in gran parte 

collocata nella parte posteriore del 

cervello. 

Io sostengo e non lo affermo solo io, 

lo dicono ormai 30 anni di risultati 

ottenuti in tutte le salse e in tutto il 

mondo, questa è una visione errata del 

funzionamento del cervello. Osservare il 

mondo e quindi gli oggetti che troviamo 

nel mondo, in particolare quegli oggetti 

caratteristici che abbiamo imparato a 

riconoscere come manufatti artistici e 

opere d’arte, innesca processi molto più 

complessi della semplice attivazione 

della parte visiva del cervello. 

Osservare il mondo non attiva solo la 

parte visiva del cervello, attiva anche 

la parte emozionale, la parte tattile e 

la parte motoria; pertanto siamo tutti 

sinestesici quando ci mettiamo di fronte 

a un qualsivoglia oggetto. Mettendoci 

di fronte a un oggetto e guardandolo, 

non esercitiamo solo un unico canale 

sensoriale che è quello della visione; 

come vedremo si attivano le aree che 

mappano le sensazioni tattili, le parti del 

cervello che ci permettono di provare 

emozioni e le parti del cervello che ci 

permettono di muovere il nostro corpo, 

ovvero la parte motoria del cervello. 


In questi ultimi 30 anni, 

nonostante ne sappiamo 

ancora molto poco, 

qualche passo in avanti nella nostra 

conoscenza di come funziona il cervello 

l’abbiamo fatta; una delle cose che 

abbiamo capito è che il sistema motorio 

non è solo una macchina destinata a 

mandare gli impulsi ai muscoli per fare 

muovere le diverse parti del nostro 

corpo. Gli stessi neuroni che guidano la 

mia mano ad afferrare un bicchiere si 

attivano anche quando io sto fermo e mi 

limito a guardare quel bicchiere. Essi 

trasformano le caratteristiche 

tridimensionali dell’oggetto nello 

schema motorio che io normalmente 

impiego per interagire con quell’oggetto, 

ad esempio, se lo voglio afferrare per 

bere; questo lo fanno ogni volta che io 

guardo questo bicchiere anche quando 

non ho alcuna intenzione di prenderlo. 

Altri neuroni motori (ad esempio, quelli 

che comandano il mio movimento di 

raggiungimento col braccio che devo 

allungare per prendere degli oggetti 

che non sono direttamente a portata di 

mano) reagiscono a stimoli tattili portati 

sul mio braccio, rispondono a stimoli 

visivi che si muovono solo se si muovono 

attorno al mio braccio e a stimoli sonori 

che avvengono nella prossimità del mio 

braccio. Pertanto questi stimoli tattili, 

visivi e uditivi sono mappati da neuroni 

motori che li organizzano, in qualche 

modo, fornendo un collante. L’orizzonte 

del mio mondo, non dico unicamente, è 

anche costituito dalle potenzialità 

motorie che il mio corpo mi mette a 

disposizione; una modalità di conoscere 

il mondo che è quella che Merleau Ponty 

ha definito “practognosia”, cioè una 

conoscenza che deriva dalle potenzialità 

motorie del mio corpo. 

Tra questi neuroni 

motori, che non si 

accontentano di 

produrre movimenti e 

che rispondono anche a stimoli 

sensoriali, ci sono i neuroni specchio. 

Essi sono una classe di neuroni motori 

che si attiva involontariamente sia 

quando un individuo esegue un’azione 

finalizzata, sia quando lo stesso 

individuo osserva la medesima azione 

finalizzata compiuta da un altro soggetto 

qualunque. Sono stati scoperti nel 1992 

da un gruppo di ricercatori dell’Università 

di Parma (team coordinato da Giacomo 

Rizzolatti e composto da Luciano Fadiga, 

Leonardo Fogassi e Vittorio Gallese). Se 

dovessi condensare in una espressione 

quello che questo processo ci permette 

di fare, per usare una metafora cara a 

Vittorio Gallese, il meccanismo che 

questi neuroni realizzano non è molto 

dissimile da quello che Dante, nel 

Paradiso, attribuisce a un’anima beata. 

Nel rivolgersi a Folco da Marsiglia, siamo 

in Paradiso, pertanto egli è un’entità 

disincarnata, Dante gli dice: io sono una 

creatura terrena di passaggio, se io fossi 

un’anima beata come te e non gravato 

da questa corporeità terrena non avrei 

bisogno di aspettare che tu mi 

domandassi qualcosa per intuarmi come 

tu ti immii, “S’io mi intuassi come tu ti 

immii” (Cfr Paradiso IX,81). La creatività 


31

linguistica di Dante trasforma il tu e il 

me in due verbi. Intuarsi in un altro è 

empatizzare con l’altro, è in qualche 

modo avere contezza, entro certi limiti, 

di quello che sta passando per la mente 

di un altro e che l’altro sta sentendo. 

Il termine neuroni 

specchio 

è 

semplicemente una 

metafora: noi non 

abbiamo specchi nella 

testa, non c’è nessuna superficie 

riflettente in questi neuroni. Lo stesso 

neurone che mi consente di eseguire 

un’azione si attiva anche quando 

quell’azione la vedo eseguire da qualcun 

altro; in qualche modo stabilisce 

implicitamente una interazione senza 

che io debba concentrarmi o fare 

pensieri complicati, mi fa riconoscere in 

quel movimento qualcosa con cui 

risuono: è un prendere o mettere, è uno 

spostare, un tenere, un rompere, 

eccetera. Scoperto per la prima volta 

nelle scimmie, nell’uomo questo 

meccanismo di rispecchiamento è 

ancora più vasto; non è limitato ad azioni 

dotate di uno scopo e lo possiamo 

vedere attivarsi quando noi eseguiamo 

azioni su oggetti, azioni comunicative, 

ma anche movimenti apparentemente 

privi di qualsiasi 

scopo. Se adesso voi 

vedeste me alzare il 

braccio, mentre io 

alzo il braccio, nel 

vostro cervello 

motorio ci sono 

migliaia di neuroni che nello stesso 

momento si stanno attivando anche se 

il vostro braccio è fermo; voi state 

simulando o meglio i vostri neuroni si 

stanno comportando come quando il 

braccio lo alzate voi. Un dato ancora più 

interessante è che questo si realizza 

anche quando noi immaginiamo di 

eseguire un’azione pur rimanendo 

fermi; se voi immaginate di portare due 

cartoni, da sei bottiglie l’uno, di acqua 

minerale al settimo piano di un palazzo, 

salendo gradino per gradino, alla fine di 

questa attività immaginativa se vi 

misuro la pressione e la frequenza 

cardiaca avrete un aumento dei valori 

pressori e della frequenza cardiaca; ciò 

accade in modo simile a quando vediamo 

dei film particolarmente coinvolgenti. 

Di seguito, possiamo avere una 

dimostrazione del potere straordinario 

che hanno le immagini, non solo quando 

sono in movimento, ma anche quando 

sono immagini statiche. Osservando i 

dettagli incredibilmente espressivi 

tratti del Compianto sul Cristo Morto di 

Niccolò dell’Arca o del Ricordo di un 

dolore o Ritratto di Santina Negri di 

Giuseppe Pellizza da Volpedo, pur 

essendo immagini statiche chiunque 

guardi questo gesto, questa mano, il 

modo con cui questa mano afferra il 

bracciolo della sedia, non è 

semplicemente la registrazione di un 

oggetto tridimensionale con un certo 

colore, è un’immagine che ci trasmette 

senso di movimento; questo senso di 

movimento, a sua volta, ci trasmette 

delle emozioni e ci affeziona. 

Daniel Stern, purtroppo 

scomparso da qualche 

anno, è stato un famoso 

psichiatra americano, 

una di quelle persone 


che hanno rivoluzionato il 

modo di guardare ai 

bambini e un protagonista 

importante dell’Infant 

Research. Uno dei suoi 

libri più noti è “Il Mondo 

Interpersonale del 

Bambino”, pubblicato nel 

1985. “Le forme vitali. 

L’esperienza dinamica in psicologia, 

nell’arte, in psicoterapia e nello sviluppo” 

è il titolo dell’ultimo libro che ha scritto 

poco prima di morire ed è un libro che 

lui dedica a un concetto di cui parla già 

nel 1985, in quel suo primo 

fortunatissimo libro, che è il concetto di 

forma vitale. La forma vitale è il contorno 

emozionale di ogni movimento. Se mia 

moglie torna a casa e chiude la porta in 

un certo modo e lancia le chiavi sul 

comò nell’ingresso in un certo modo, io 

so già cosa mi aspetta; traggo queste 

conclusioni dal fatto che quel modo di 

muovere una parte del suo corpo, quel 

modo di camminare in corridoio, quella 

prosodia con cui mi chiede se sono in 

casa, mi comunica qualcosa della sua 

affettività e della sua emozionalità; mi 

dice qualcosa che non è traducibile 

forse con le parole, in quanto le parole 

vanno sempre strette in alcune 

situazioni. Stern ha sostenuto che c’è 

un contorno temporale o un profilo 

temporale del movimento che ne marca 

l’inizio, il suo fluire e la conclusione. 

Questo profilo temporale è stato 

magistralmente realizzato con la cera 

da Medardo Rosso, noi vediamo 

l’istantanea della risata che illumina il 

volto di questa bambina; se giriamo la 

testa quasi abbiamo l’impressione e 

siamo curiosi di vedere se ritroviamo 

quel sorriso in quel volto perché la 

dinamica della mimica facciale è tale 

per cui quel sorriso può apparire e 

scomparire. Ci giriamo ed è ancora lì, la 

sua staticità trasmette una ricchezza di 

contenuti affettivi; l’ipotesi è che gran 

parte di questi contenuti affettivi passi 

attraverso questa prosodia emozionale 

del movimento. 

Alcuni ricercatori 

hanno condotto un esperimento 

in risonanza magnetica funzionale 

realizzando dei filmati in cui i soggetti 

vedevano azioni comunicative senza 

sonoro, quindi gesti gentili, irritati o 

arrabbiati; la consegna data ai soggetti 

era semplicemente di osservare tali atti 

e in due condizioni diverse dire quale 

era lo scopo dell’azione oppure quale 

era la tonalità affettiva dell’azione. 

Quindi il cosa: che cos’è quel gesto lì? 

Verso il come: come quel gesto è stato 

realizzato, in modo gentile, in modo 

scontroso o in modo arrabbiato. Quello 

che è emerso è che si attiva una porzione 

di una struttura anatomica che sta nella 

profondità del nostro cervello che si 

chiama l’Insula di Reil. Essa ha preso 

il nome da un medico prussiano che è 

passato agli annali della storia della 

medicina per aver curato per i calcoli 

renali Goethe e che è morto di tifo nella 

battaglia di Lipsia (16-19 ottobre 1813), 

conosciuta anche come la battaglia delle 

nazioni. Reil era il sovrintendente degli 

ospedali da campo prussiani e ha dato 

il suo nome a questa struttura profonda 

per averla descritta per primo. L’insula 

che ha una struttura a ventaglio, molto 

bella anatomicamente da vedere, è una 

cerniera tra il nostro mondo interno e il 

mondo che sta fuori di noi; ossia tra il 


33

nostro sentirci dentro il battito cardiaco, 

il respiro, la motilità intestinale e 

tutto quello che si muove dentro di 

noi e il fuori di noi quando succedono 

alcune cose piuttosto che altre. Una 

parte specifica di questa struttura si 

attiva quando mettiamo a fattore il 

come dell’azione e questa stessa area 

si attiva indipendentemente che il 

come dell’azione lo osserviamo o lo 

eseguiamo; si attiva, inoltre, non solo se 

siamo noi a fare il gesto gentile o il gesto 

brusco, ma anche quando immaginiamo 

di eseguire quel gesto in modo gentile 

o brusco. Vedete come di nuovo questi 

meccanismi tengono assieme il fare, il 

veder fare, e l’immaginare di fare. 

Fin qui abbiamo parlato solo di azioni, 

però ciò rappresenta solo la punta, ce ne 

siamo accorti negli anni, di un iceberg 

molto più esteso: in parole povere questi 

stessi meccanismi di rispecchiamento li 

troviamo simili anche nel dominio delle 

emozioni e nel dominio delle sensazioni. 

Cercando di mettere insieme le tessere 

di questo mosaico, Vittorio Gallese ha 

proposto il modello della “Simulazione 

Incarnata” che è un modello di 

percezione e di immaginazione; parte 

dei nostri meccanismi cerebrali che 

adoperiamo normalmente per eseguire 

delle azioni o per provare delle emozioni 

e delle sensazioni, li riutilizziamo anche 

per mappare le azioni, le emozioni e 

le sensazioni altrui. La simulazione 

incarnata rappresenta un formato di 

rappresentazione: i neuroni in realtà non 

rappresentano nulla sono tutte metafore, 

i neuroni sparano solamente potenziali 

d’azione, i neuroni non sentono, non 

amano, non s’arrabbiano, non provano 

invidia o gelosia, non hanno il senso del 

bello, tutte queste sono caratteristiche 

che appartengono olisticamente al 

possessore di quei neuroni. Ci sono 

vari modi per rappresentare il mondo, 

tra questi uno è il linguaggio, ma non 

è il solo; il linguaggio verosimilmente 

è l’ultimo modo che ci siamo inventati 

per rappresentarci le cose. Se volete 

spiegare a qualcuno come andare 

dalla vostra casa alla fermata della 

metropolitana, questo è il contenuto, 

lo potete comunicare in vari modi; lo 

potete spiegare a gesti: “quando esci 

di qua gira a sinistra poi gira ancora a 

sinistra e quando arrivi al semaforo vai 

sempre dritto e troverai la fermata alla 

tua destra”. Oppure gli potete mandare 

una mappa di Google con un sms o lo 

potete spiegare al telefono impiegando 

solo parole senza fare gesti. Il contenuto 

è sempre lo stesso, il formato con cui 

avete rappresentato quel particolare 

contenuto, come andare da casa vostra 

alla fermata della metro, è variabile. La 

nostra mente ha una varietà di formati 

di rappresentazione, per molti esiste 

solo il linguaggio, per molti altri, me 

incluso, non è così. Ci sono formati di 

rappresentazione molto più antichi che 

sono i primi che si sviluppano quando 

siamo piccoli e sui quali, poi, il linguaggio 

esercita il suo potere di dominio e di 

condizionamento. Noi riutilizziamo i 

nostri stati o processi mentali in formato 

corporeo anche per attribuirli agli altri: 

agli altri in carne e ossa o alle immagini 

statiche. 

Il dialogo fra scienze umane 

e neuroscienze non è 

nuovo; senza andare troppo 


lontano nel tempo, nel periodo tra la 

fine del XIX secolo e l’inizio del XX, molti 

studiosi di quelle che oggi chiamiamo 

scienze umane hanno tratto spunti 

rilevanti per i loro studi e per le loro 

riflessioni confrontandosi con il 

contemporaneo pensiero scientifico, in 

particolare con la fisiologia e la biologia. 

Guillaume-Benjamin- 

Amand Duchenne de 

Boulogne è stato un 

neurologo francese che, 

attraverso la stimolazione 

elettrica del volto con 

degli elettrodi, costruì un 

atlante delle emozioni 

(1855), atlante che 

influenzò l’opera di Darwin. Il vero best 

seller di Darwin è stato “l’Espressione 

delle Emozioni nell’Uomo e negli Animali” 

che lui pubblicò nel 1872 dove tra l’altro 

ha scritto: “le espressioni facciali sono 

una componente essenziale del 

comportamento umano sociale ed 

emotivo”. È bene ricordare che l’idea 

che il volto sia lo specchio dell’anima è 

un concetto che si afferma storicamente 

solo a partire dal dall’umanesimo. 

Questo dialogo è 

risultato particolarmente 

importante in ambito 

estetico: sotto questo 

profilo la figura di Aby 

Warburg è paradigmatica. 

Aby Warburg, fondatore 

come diceva lui stesso di 

una scienza senza nome, da bravo 

tedesco per imparare la Storia dell’Arte 

andò a Firenze dove incontrò il libro di 

Darwin; dopo la lettura del libro 

“l’Espressione delle Emozioni nell’Uomo 

e negli Animali”, nel suo diario annotò: 

“finalmente un libro che mi aiuta”. In 

questo libro di Darwin, Warburg, che 

scrisse il celebre saggio sugli affreschi 

di Palazzo Schifanoia, vide la possibilità 

di ampliare gli orizzonti della Storia 

dell’Arte includendovi la trasmissione 

delle emozioni e il potere delle immagini 

vero e proprio. Secondo Warburg una 

teoria degli stili artistici deve essere 

concepita come una scienza pragmatica 

dell’espressione; l’etimologia stessa 

della parola stile è abbastanza 

significativa, stile deriva da stilus, cioè 

quel bastoncino di legno con cui si 

scriveva sulle tavolette rivestite di cera. 

Vedete come anche in un termine di cui 

si è dimenticata la sua origine 

performativa, questa performatività è 

sempre lì, basta andarla a cercare. 

L’empatia è una potenza formatrice di 

stile e quindi questi aspetti in Warburg 

sono pienamente connessi, talmente 

connessi da portarlo alla formulazione 

dell’idea delle formule del pathos 

(Pathosformeln), questo basso continuo, 

questi atteggiamenti posturali che 

riaffiorano più volte nella storia dell’arte, 

dall’arte classica a quella rinascimentale 

(per esempio, negli affreschi del 

Ghirlandaio a Santa Maria Novella). 

Queste formule del pathos sono una 

varietà di posture corporee, gesti e 

azioni che incarnano in modo esemplare 

il lato estetico della Einfühlung, 

dell’empatia come una delle più creative 

fonti dello stile artistico. Nel libro di 

Darwin trovò il ruolo del sistema nervoso 

centrale nel dirigere l’esecuzione 

inconsapevole di gesti corporei 

esprimenti una data emozione. Vi trovò 

anche il ruolo delle pratiche abituali 

nell’associare una data espressione 

corporea ad un dato stato emozionale, 

sottolineando l’utilità biologica di tale 

associazione. Infine, grazie a Darwin, 


35

Warburg scoperse la necessità evolutiva 

dell’espressione corporea delle 

emozioni, trasmessa sotto forma di 

memoria non conscia. La nozione 

d’impronta (Prägung) venne usata da 

Warburg per caratterizzare la 

sopravvivenza nella storia dell’arte di 

particolari gesti e posture corporee. I 

panneggi, i movimenti corporei, le 

chiome mosse dal vento che 

caratterizzano le figure di Botticelli non 

sono solo ed esclusivamente il risultato 

della consapevole riproduzione 

mimetica dei modelli classici, essi sono 

più significativamente l’evidenza della 

sopravvivenza delle umane impronte 

dell’espressione (Ausdrucksprägungen). 

Infatti Warburg, che non aveva paura di 

oltrepassare gli steccati che separano 

discipline diverse, concepiva la storia 

dell’arte come un mezzo per fare luce 

sul tipicamente umano potere di 

espressione. Così facendo, estese in 

modo del tutto nuovo le frontiere 

metodologiche dello studio dell’arte, 

aprendola ai contributi della scienza. 

Anche sotto questo profilo il contributo 

di Warburg andrebbe oggi attentamente 

rivalutato. Aby Warburg fu anche un 

acuto estimatore di Hildebrand, un 

lettore onnivoro quindi che ha spaziato 

da Darwin ai fisiologi suoi contemporanei 

come Helmoltz, Hering, e Semon, 

indifferente alle barriere disciplinari 

che, purtroppo ancora oggi, spesso 

impediscono un dialogo tra scienze 

della vita e scienze umane. Warburg ha 

concepito la storia dell’arte come uno 

strumento per chiarire la psicologia 

storica dell’espressione umana; secondo 

lui, bisogna estendere le frontiere 

metodologiche dello studio dell’arte 

così da mettere la storia dell’arte stessa 

al servizio «di una psicologia 

dell’espressione umana che è ancora da 

scrivere». La sua nozione di «forma 

patemica 

dell’espressione» 

(Pathosformel) mostra straordinarie 

assonanze con i tipi formali descritti da 

Hildebrand. Per Warburg, certi 

atteggiamenti corporei, gesti, azioni e 

posture riaffiorano più volte nel corso 

della storia dell’arte proprio perché 

incarnano in modo esemplare l’atto 

estetico dell’empatia come potenza 

creatrice di stile. Sulla scia di Hildebrand, 

Warburg ha elaborato una teoria dello 

stile come «scienza pragmatica 

dell’espressione» (pragmatische 

Ausdruckskunde). 

L’empatia gioca su due tavoli, sul 

tavolo dell’espressione della creazione 

dell’oggetto artistico e su quello della 

sua ricezione. Quando noi guardiamo 

un volto esprimere gioia, tristezza o 

paura se registriamo quello che succede 

sulla superficie del nostro volto, in 

particolare se andiamo a registrare con 

l’elettromiografia l’attività dei nostri 

muscoli, vediamo come tutti, chi più chi 

meno, rispondiamo inconsapevolmente 

in modo congruente; se vedo qualcuno 

ridere si contrae un po’ lo zigomatico, se 

vedo qualcuno esprimere un’emozione 

negativa si contrae un po’ il muscolo 

corrugatore delle sopracciglia. Più 

risulto empatico maggiore è l’entità 

di questo meccanismo e, rigirando il 

tutto, potremmo sostenere che tanto 

più forte è questo meccanismo tanto 

più io risulto empatico, applicando le 

scale di valutazione delle competenze 

empatiche delle persone. 

Negli ultimi decenni la ricerca 

neuroscientifica ha manifestato un 

crescente interesse nei confronti 


dell’arte e dell’estetica. Il punto 

cruciale non è usare l’arte per studiare 

il funzionamento del cervello, consiste 

nello studiare il sistema cervellocorpo 

per comprendere cosa ci rende 

umani e in che modo. Più che di 

neuroestetica si dovrebbe parlare di 

estetica sperimentale, dove la nozione 

di “estetica” è declinata secondo la sua 

originale etimologia: Aisthesis, cioè 

percezione multimodale del mondo 

attraverso il corpo. Grazie ai contributi 

delle neuroscienze cognitive abbiamo 

appreso che l’intelligenza umana anche 

al livello sub-personale di descrizione, 

cioè al livello di descrizione che 

attiene ai neuroni e alle aree cerebrali, 

è strettamente legata alla corporeità 

situata nel mondo degli individui. 

Tale corporeità non è esclusivamente 

riducibile ad un oggetto fisico dotato 

di estensione e si realizza pienamente 

nella sfera dell’esperienza. Il corpo è 

sempre un corpo vivo (Leib) che agisce 

e fa esperienza di un mondo che gli 

resiste. I concetti di essere, sentire, agire 

e conoscere descrivono modalità diverse 

delle nostre relazioni con il mondo. 

Queste modalità condividono tutte una 

radice corporea costitutiva, a sua volta 

mappata in distinte e specifiche modalità 

di funzionamento dei circuiti cerebrali 

e dei meccanismi neurali. A livello 

del sistema cervello-corpo, azione, 

percezione e cognizione condividono 

la stessa radice carnale, sebbene siano 

differentemente organizzate e connesse 

a livello funzionale. Queste recenti 

acquisizioni consentono di affrontare 

i temi dell’arte e dell’estetica da una 

prospettiva nuova, quella, appunto, di 

un’estetica sperimentale che indaghi 

insieme le risposte del cervello e del 

corpo. 

Le neuroscienze 

cognitive hanno 

e s t e s o 

progressivamente il 

proprio campo d’indagine al dominio 

della creazione artistica, sia sul versante 

della musica che su quello delle arti 

figurative. Per motivi di spazio, mi 

concentrerò qui solo su queste ultime. Il 

termine utilizzato per definire questo 

approccio è «neuroestetica». Tale 

termine è stato originariamente coniato 

dal neuroscienziato Semir Zeki, facendo 

riferimento allo studio delle basi neurali 

della capacità di apprezzare il bello e 

l’arte. Zeki ha focalizzato sinora tale 

approccio esclusivamente sul rapporto 

tra estetica e visione. In ogni esperienza 

estetica, secondo Zeki, il cervello, così 

come l’artista, deve eliminare ogni 

informazione inessenziale dal mondo 

visivo per potere rappresentare il 

carattere reale di un oggetto. Sarebbe in 

virtù di questa capacità che gli artisti, 

secondo Zeki, possono essere definiti 

come «scienziati naturali», capaci di 

evocare nel cervello creativo una 

risposta estetica. Nel 1994, il 

neuroscienziato britannico ha 

pubblicato un libro dal titolo “The 

neurology of kinetic art”, scritto in 

collaborazione con Matthew Lamb, 

dando il via ad una serie di studi 

finalizzati alla comprensione delle basi 

biologiche dell’esperienza estetica, che 

hanno di fatto gettato le basi della 

Neuroestetica. Gli studiosi di discipline 

umanistiche, da parte loro, hanno 

mostrato e, in gran parte, continuano a 

mostrare grande diffidenza, valutando 

la neuroestetica come un’indebita 

ingerenza o, nella migliore delle ipotesi, 


37

come un approccio dallo scarso o nullo 

valore euristico. Credo che questa 

reazione sia prematura e 

fondamentalmente errata, derivando da 

un lato da una scarsa conoscenza delle 

potenzialità e dei limiti dell’approccio 

neuroscientifico, talvolta unita a una 

difesa corporativa dei propri ambiti 

disciplinari. D’altro canto, l’eccessivo 

neurodeterminismo spesso mostrato 

dall’approccio neuroscientifico 

all’estetica e all’arte, pronto ad appiattire 

e ridurre i concetti di bello o di piacere 

estetico esclusivamente alla funzionalità 

dei neuroni contenuti in specifiche 

regioni cerebrali, non ha aiutato il 

dialogo. Tra molti cultori delle scienze 

umane purtroppo rimane, come una 

sorta di riflesso condizionato, la 

tendenza a connettere tutto ciò che ha a 

che vedere con la naturalizzazione a una 

prospettiva meccanicistica e innatistica. 

Le cose non stanno così. L’epigenetica 

mostra non solo come l’ambiente sia in 

grado di condizionare l’espressione dei 

geni, ma anche come questa modificata 

espressione genica possa essere 

trasmessa alla progenie. Ciò dimostra 

come le varie costruzioni sociali siano 

comunque riconducibili a prospettive 

biologiche di naturalizzazione. 

Dovremmo uscire da questa prospettiva 

dicotomica e accettare finalmente l’idea 

già sostenuta in passato, ad esempio da 

Helmuth Plessner, che l’uomo è al 

contempo naturalmente artificiale e 

artificialmente naturale. 

La Neuroestetica viene studiata 

soprattutto attraverso le tecniche 

di brain imaging, prevalentemente 

attraverso la Risonanza Magnetica 

Funzionale (fMRI, Functional Magnetic 

Resonance Imaging), per comprendere 

come il cervello risponde alla bellezza. 

Si possono applicare delle sequenze 

sensoriali particolari attraverso le 

quali è possibile vedere quali aree del 

cervello sono particolarmente sotto 

sforzo mentre si sottopone il soggetto 

ad una stimolazione (si presentano degli 

stimoli tattili, visivi e acustici oppure lo 

si sottopone a un compito specifico). 

Quando la persona esegue questi 

compiti il suo cervello utilizza in modo 

particolare alcune aree e noi, attraverso 

il consumo metabolico che richiede un 

aumento di ossigeno, riusciamo a vedere 

quali sono queste aree. La risonanza 

è una tecnica impiegata di frequente 

perché permette di osservare il cervello 

e le sue funzioni in vivo; non è invasiva, 

tanto è vero che viene utilizzata 

abitualmente anche nella clinica. In un 

tipico setting sperimentale, il soggetto 

viene posizionato sul lettino della 

risonanza, gli vengono fatte indossare 

delle cuffie per isolarlo dal rumore 

della risonanza e per trasmettergli degli 

stimoli acustici e gli viene fatto indossare 

un visore per inviargli, attraverso dei 

cavi in fibra ottica, delle immagini con 

tempistiche specifiche. Nella maggior 

parte dei casi, il soggetto è dotato di 

una pulsantiera che gli permette di 

esprimere un giudizio o di svolgere 

un compito, quando è all’interno della 

risonanza magnetica. Il soggetto, una 

volta preparato, viene inserito all’interno 

del tubo, dove vi è un campo magnetico. 

Prospiciente alla stanza della risonanza 

vi è una sala consolle, dove sono attivi 

diversi computer; in alcuni di essi viene 


egistrata l’attività cerebrale da altri, 

invece, viene inviata la stimolazione (per 

esempio, gli stimoli visivi, registrando 

contemporaneamente i tempi di invio 

degli stimoli). Ciò perché, conoscendo 

quando è stato stimolato il cervello, 

siamo in grado di allineare l’attività 

cerebrale con il tipo di stimolazione 

e quindi di isolare quegli effetti che ci 

interessano. 

Con questa metodologia sperimentale, 

il gruppo del prof. Rizzolatti ha condotto 

uno studio nel quale si è voluta generare 

una genuina esperienza di disgusto in 

soggetti, messi in risonanza magnetica, 

facendo loro inalare degli odoranti 

disgustosi attraverso una mascherina; 

successivamente sono state mostrate 

loro delle immagini video in cui, tra le 

varie cose, vedevano un signore che 

dopo aver inalato il contenuto di un 

bicchiere, faceva la tipica espressione 

del disgusto. In entrambe le situazioni 

si attivava la stessa parte dell’insula 

anteriore, si attivava per il mio disgusto 

e si attivava anche quando vedevo il 

disgusto altrui. Questo ha in qualche 

modo consolidato l’idea che l’emozione 

sia un qualche cosa che avviene come 

un motore a due tempi: prima c’è il 

sentimento interiore, quello che io 

provo che, poi, trova una traduzione 

corporea che si esternalizza. Quando 

nell’Umanesimo si affermò l’idea della 

soggettività, Petrarca fuggiva la folla 

perché non voleva che i suoi sentimenti 

interiori trasparissero, essendo visto 

dagli altri: “… Altro schermo non trovo 

che mi scampi, dal manifesto accorger 

de le genti, perché negli atti d’alegrezza 

spenti, di fuor si legge com’io dentro 

avampi …”. 

Recentemente, 

all’Ospedale Niguarda di 

Milano, a pazienti epilettici 

in attesa di subire un 

intervento chirurgico 

finalizzato all’ablazione 

della parte malata del 

cervello che non è curabile coi farmaci 

sono stati impiantati degli elettrodi; 

stimolando con questi elettrodi una 

particolare regione del cervello si 

produce riso e allegrezza e, registrando 

dagli stessi elettrodi, questa stessa 

regione si attiva anche quando queste 

stesse persone vedono qualcuno ridere. 

Questa è una 

dimostrazione 

empirica di quello 

che 

molti 

teoricamente 

avevano già intuito. 

Max Scheler, filosofo 

della corrente della fenomenologia, già 

all’inizio del 900 sosteneva che gli stati 

affettivi ed emozionali non sono 

semplici qualità dell’esperienza 

soggettiva, qualcosa che avviene 

esclusivamente nella mia interiorità, ma 

sono dati nei fenomeni espressivi cioè 

sono espressi in gesti e azioni corporee 

e in ragione di ciò divengono visibili agli 

altri. Nella seconda parte dell’Uomo 

senza Qualità di Robert Musil, potete 

leggere delle pagine che io trovo di una 

modernità straordinaria su che cosa 

siano le emozioni. Questo è il motivo 

per cui noi riconosciamo genuinamente 

l’emozione solo dopo che è stata 

plasmata dal mondo, non sappiamo ciò 

che proviamo prima che le nostre azioni 

abbiano preso una decisione. Questo ci 

porta anche a dire che i due aspetti 

verosimilmente sono due facce della 


39

stessa medaglia, le stesse strutture del 

cervello che si attivano quando io 

esprimo l’emozione sono anche quelle 

che si attivano quando io quell’emozione 

la provo o la vedo provare a qualcun 

altro. 

Noi abitiamo in un mondo popolato di 

immagini fatte da noi, verosimilmente 

dal tempo in cui il pianeta era calcato non 

ancora dai Sapiens, ma dai Neanderthal; 

per di più, oggi viviamo in un’epoca in 

cui siamo bombardati quotidianamente 

e massivamente da immagini. C’è chi 

parla di feticismo delle immagini e 

non è un caso che Freud ha parlato 

di scopofilia (da scopeo che significa 

guardare), lui parla di Schaulust, quindi 

voglia di guardare con curiosità, che lui 

ha attribuito a una perversione sessuale 

(Tre saggi sulla teoria sessuale, 1905) 

quando questa curiosità morbosa dello 

sguardo è prevalentemente concentrata 

sul corpo e in particolare su una parte 

del corpo, quella genitale. Sempre Freud 

ha sostenuto che la nostra curiosità di 

guardare altri oggetti, come le opere 

d’arte, è una sublimazione di questo 

istinto. Non solo e lui ha aggiunto: 

fino a un certo punto, il toccare è 

indispensabile per il raggiungimento 

dello scopo sessuale, la stessa cosa 

risulta vera per il vedere. Un’attività il 

vedere, in ultima analisi, che è derivata 

dal toccare, quindi vedete come già in 

Freud è radicata questa idea sinestesica 

di una visione tattile, di un occhio 

prensile; il linguaggio lo testimonia 

quotidianamente quando noi diciamo: 

“ho posato il mio sguardo su …”, 

attribuiamo all’occhio delle proprietà 

che non sono quelle dell’occhio, cioè 

di uno strumento ottico ma sono quelle 

della mano. 

Andiamo ai musei, facciamo la fila 

sotto il sole e paghiamo il biglietto 

per contemplare, come in questa foto 

di un artista tedesco contemporaneo 

Thomas Struth, oggetti artistici. La 

simulazione in qualche modo si libera 

dai freni inibitori e diventa imitazione 

di quello che l’immagine ci trasmette; 

oggi sempre più spesso nei musei 

vediamo scene come questa, qui siamo 

al Rijksmuseum di Amsterdam, questa 

è la Ronda di Notte e, sperabilmente, 

i visitatori si stanno documentando 

sull’opera prima, forse, di osservarla. 

Immaginate, però, cosa potrebbe capire 

un uomo dell’ottocento di un’immagine 

come questa in cui l’oggetto della 

Schaulust, della voglia, della curiosità 

e della bramosia non solo di guardare 

ma di catturare l’immagine è realizzata 

voltandogli le spalle; perché in realtà 

ognuna di queste signore non vuole 

un’immagine di Hillary Clinton ma 

vuole un’immagine di se stessa assieme 

a Hillary Clinton e, perciò, per fare il 

selfie le voltano le spalle. 

Nel 2007 Vittorio 

Gallese e David 

Freedberg, storico 

dell’arte della 

Columbia University, hanno pubblicato 


un saggio che ha dettato l’agenda degli 

studi che poi gli autori hanno sviluppato 

negli anni successivi (Motion, Emotion 

and Empathy in Aesthetic Experience; 

Movimento, emozione ed empatia 

nell’esperienza estetica). Si tratta di un 

discorso che riguarda la ricerca 

scientifica relativa al rapporto tra sfera 

delle funzioni cerebrali e fruizione 

dell’opera d’arte. Gli autori affermano 

che la ricerca sui neuroni specchio ha 

dimostrato che persino l’osservazione 

di immagini statiche di azioni stimola 

l’atto di simulazione nel cervello 

dell’osservatore. Questa interessante 

affermazione sposta la nostra attenzione 

verso un’altra questione. Anche di fronte 

a un’immagine statica (per esempio una 

fotografia o una qualunque opera 

d’arte), si innesca il processo di cui ho 

appena parlato producendo 

nell’osservatore una reazione di tipo 

empatico. Come dicono Freedberg e 

Gallese riferendosi all’opera di Goya 

“Disastri della Guerra” (è il titolo di una 

serie di 82 incisioni): “(…) le reazioni 

fisiche degli osservatori sembrano 

localizzarsi precisamente nelle parti del 

corpo minacciate, oppresse, bloccate o 

destabilizzate nella raffigurazione. 

Inoltre, l’empatia fisica si tramuta 

facilmente in sentimento di empatia 

emotiva per i modi in cui il corpo viene 

danneggiato o mutilato (…)”. Il fruitore 

dell’immagine (attraverso i neuroni 

specchio e la simulazione incarnata) 

quando, per esempio, è posto davanti a 

una immagine cruenta avrà una reazione 

empatica anche di tipo fisico che 

produrrà una reazione emotiva 

(emozione, dal latino emovēre, cioè 

portar fuori, smuovere). Alla luce delle 

ricerche di questi ultimi anni, le 

conseguenze percettive nell’ambito 

della fruizione delle opere d’arte e delle 

immagini sarebbero racchiuse tutte in 

questo sistema del cervello e 

causerebbero esiti sostanzialmente di 

tipo empatico ed emotivo (cioè 

dall’interiore all’esteriore). In tal senso, 

la percezione dell’immagine sarebbe 

legata a un meccanismo che potremmo 

considerare pre-linguistico, preculturale 

e, di fatto, totalmente 

automatico. La nostra esperienza 

estetica sarebbe il risultato di un preciso 

dispositivo fisiologico e biologico 

autonomo e, in parte, involontario. 

Sebbene ovviamente modulati socioculturalmente 

questi meccanismi sono 

universali. Un elemento cruciale della 

nostra esperienza estetica, pertanto, è 

l’attivazione di meccanismi embodied 

(incarnati) che comprendono la 

simulazione dei gesti, delle emozioni, 

delle sensazioni somatiche trasmesse 

dall’immagine e che costituiscono il 

contenuto dell’immagine. 

Un altro aspetto 

interessante e relativo alle 

immagini è stato osservato 

da von Hildebrand alla fine 

dell’ottocento. Tale 

aspetto, più legato allo 

stile dell’immagine e alla 

sua qualità artistica ossia 

all’inconsapevole simulazione nel 

fruitore, rappresenta la risonanza 

nell’osservatore del gesto artistico 

impiegato per realizzare l’opera d’arte. 

Uno studio, sempre di risonanza 

magnetica, ha dimostrato che la 

simulazione del movimento io la ottengo 

non solo quando mi fate vedere il filmato 

di una mano che afferra una bottiglia, 


41

ma anche quando io vedo una fotografia 

che staticamente mi mostra la 

conseguenza finale 

dell’azione. In un 

altro lavoro di Mado 

Proverbio di Bicocca 

a Milano, è stato 

dimostrato che 

quanto più dinamica 

è l’immagine statica che descrive 

l’azione, maggiore è l’attivazione nel 

cervello motorio dell’osservatore; più 

dinamica è l’azione ripresa in 

un’immagine statica, più forte è la 

sollecitazione della simulazione motoria 

in chi la guarda. 

Gallese e Freedberg hanno 

ipotizzato che, anche 

quando l’opera d’arte non 

ha alcun contenuto 

direttamente 

e 

analogicamente 

mappabile in termini di 

azioni, emozioni o sensazioni, in quanto 

priva di un riconoscibile contenuto 

formale (pensiamo a un’opera di Lucio 

Fontana o di Jackson Pollock), i gesti 

dell’artista nella produzione dell’opera 

d’arte inducono il coinvolgimento 

empatico dell’osservatore, attivando in 

modalità di simulazione il programma 

motorio che corrisponde al gesto 

evocato nel tratto o segno artistico. I 

segni sul dipinto o sulla scultura sono le 

tracce visibili, le conseguenze degli atti 

motori attuati dall’artista nella creazione 

dell’opera. Ed è in virtù di questo motivo 

che essi sono in grado di attivare le 

relative rappresentazioni motorie nel 

cervello dell’osservatore. Come ho 

affermato 

precedentemente, 

l’esperienza estetica è una forma 

mediata di intersoggettività. Il gruppo 

di Gallese ha condotto un interessante 

studio utilizzando il famoso servizio di 

Ugo Mulas che riprende 

Lucio Fontana nel 

suo atelier. Viene 

pertanto studiato il 

gesto e la 

conseguenza del 

gesto, ossia il 

concetto spaziale 

di uno dei suoi famosi tagli. Sono state 

mostrate le immagini delle opere di 

Fontana alternate a immagini in cui 

sono state ridotte le componenti 

dinamiche, sostituendo il taglio con 

una linea della stessa lunghezza e 

spessore, ma cancellando l’ombra che 

dà il senso della profondità. La 

registrazione dell’attività motoria del 

cervello dei partecipanti 

all’esperimento è stata effettuata con 

un elettroencefalografo ad alta densità 

a 128 canali. Solo quando erano visti i 

tagli di Fontana ma non quando erano 

mostrati gli stimoli 

di controllo, si 

attivava la parte 

motoria del loro 

cervello. Questo è 

stato visto in tutti i 

soggetti, sia in 

coloro che è 

risultato conoscessero Lucio Fontana e 

sapessero che quelle erano opere 

d’arte, sia in coloro che non lo avevano 

mai sentito nominare e che, spesso, 

prendevano lo stimolo di controllo per 

l’opera d’arte originale e l’opera d’arte 

originale per lo stimolo di controllo. 

Quindi un meccanismo di risonanza e 

di simulazione motoria è stato 

riscontrato in tutti al netto di quanto 

più o meno sapessero sulla qualità 


artistica delle immagini. 

Gli stessi ricercatori hanno replicato i 

medesimi risultati utilizzando i lavori di 

un esponente dell’espressionismo 

astratto, Franz Kline; in queste opere la 

dinamicità è data dalla matericità della 

pennellata, dalla colatura del colore, dal 

dripping, dalla traccia lasciata dal 

pennello. I lavori di Kline venivano 

mostrati alternati a stimoli di controllo 

in cui erano state 

rimosse tutte queste 

c a t e g o r i e 

d i n a m i c h e , 

mantenendo però la 

complessità 

gestaltica dello 

stimolo. Anche qui è stata rilevata la 

simulazione del gesto, ovviamente 

questo non è tutto in quanto quello che 

c’è nell’esperienza che noi proviamo di 

fronte a queste opere è un elemento 

comune che non possiamo fare finta che 

non esista se vogliamo parlare in modo 

olistico di che cos’è un’esperienza 

estetica di fronte a un’immagine. 

Concludo presentando uno studio, 

sempre del gruppo di Gallese, dove 

è stato messo a fattore, questa volta, 

l’espressione del volto che esprime 

dolore; sono state selezionate sei 

opere tra Rinascimento e Barocco 

che esprimevano dolore alternate, in 

sequenza casuale, con volti invece con 

un’espressione neutra. Ovviamente 

le vere opere d’arte non sono queste 

ma sono semplicemente il volto 

scontornato; quindi io non pretendo 

di sostenere che questi esperimenti 

spieghino completamente perché ci 

piace Caravaggio, in quanto il Caravaggio 

è l’opera intera. Come ho affermato 

precedentemente sembra letteralmente 

che guardiamo dal buco della serratura, 

qui noi ci concentriamo su un aspetto 

particolare dell’opera: il volto, la parte 

che comunica un’emozione, il dolore. 

Sono tutti volti di martiri alternati a un 

volto che non mostra alcuna emozione. 

Si è arrivati a questi 12 stimoli partendo 

da 100, fatti vedere a un campione 

numerosissimo di persone e sono stati 

scelti quelli che tutti riconoscevano o 

come esprimenti dolore o come non 

esprimere alcuna emozione: quindi 

dolore verso uno stimolo neutro. 

Mi interessa fare un passo in più rispetto 

a quello di cui vi ho parlato fino ad ora; 

fin qui ho descritto un meccanismo 

automatico probabilmente modulato 

da molti fattori culturali della mia 

storia personale che si attiva quando 

io mi metto di fronte a un’immagine, 

nel caso specifico che si attiva quando 

quell’immagine è un’immagine appesa 

alle pareti di un museo. Mi sono fatto 

un’altra domanda, quando dopo avere 

visto ed enfatizzato con quell’immagine 

qualcuno mi chiede di dare un’esplicita 

valutazione estetica; per esempio, 

la domanda può essere: quanto 

artisticamente bella mi sembra questa 

immagine e devo dare una valutazione 

su una scala da 0 a 10. 

Nel momento in cui io esprimo un 

giudizio estetico, secondo molti a 

partire da Kant, io devo in qualche modo 

silenziare tutti questi meccanismi di 

coinvolgimento emotivo ed empatico; 

questo perché non ho più a che 

vedere con quello che quell’immagine 

smuove nel mio corpo ma devo dare 

esclusivamente un giudizio estetico. 

Pertanto, per fare questo mi devo astrarre 

dalla dimensione corporea, utilizzando 


43

uno strumento molto più freddo da 

un punto di vista cognitivo e molto 

più astratto. Quando io do un giudizio 

astratto in termini di bellezza artistica 

di quell’immagine, questi meccanismi 

corporei giocano un ruolo oppure no? 

Per verificarlo, i ricercatori del gruppo 

di Vittorio Gallese hanno presentato 

queste immagini in modo alternato e i 

soggetti le vedevano in due condizioni 

sperimentali diverse: in un blocco le 

vedevano tenendo i muscoli del volto 

rilassati e in un altro blocco contraendo 

attivamente il muscolo corrugatore, 

quindi assumendo una postura facciale 

simile a quella raffigurata nel volto che 

esprime dolore. I risultati ottenuti hanno 

mostrato che la valutazione estetica dei 

volti osservati era significativamente 

più alta quando veniva data mentre i 

soggetti contraevano attivamente il 

muscolo corrugatore, ma questo valeva 

solo per i volti che esprimevano dolore 

e non per i volti neutri. Quando, invece, 

i soggetti hanno dato un giudizio 

estetico a volto rilassato, vedevano 

ugualmente artisticamente belli i volti 

che esprimevano dolore e i volti che 

non esprimevano alcuna emozione. 

Ovviamente sarebbe eccessivo sostenere 

che Kant ha sbagliato, ma questi dati 

suggeriscono che il giudizio estetico non 

è così distaccato come sembra, anche se 

dobbiamo contestualizzare il risultato a 

questa particolare categoria di stimoli. 

L’esperienza estetica è avvenuta in 

un laboratorio e non in un museo, 

soprattutto non è stata mostrata l’opera 

per intero ma solo il volto; fatte tutte 

queste debite precisazioni, il dato a me 

sembra però molto interessante. Ci dice 

come, anche quando siamo chiamati a 

deliberare un giudizio estetico esplicito, 

quel gioco della libera immaginazione 

di cui peraltro Kant parla nella Critica 

non è assente; dal momento che 

l’immaginazione è uno dei prodotti 

dell’attività di simulazione, queste 

due dimensioni della mia esperienza 

di fronte all’opera d’arte non sono 

così separate come la gran parte delle 

persone ancora oggi ritiene. Riprodurre 

l’espressione di dolore raffigurato 

nel volto dipinto osservato influenza 

in modo significativo la valutazione 

estetica esplicita dello stesso volto; 

in più è stata trovata una correlazione 

altrettanto interessante con l’ampiezza 

di questa correlazione. Le persone che 

davano un giudizio estetico più alto ai 

volti che esprimevano dolore quando 

contraevano i muscoli, erano quelle 

che avevano una maggiore familiarità 

con l’arte e avevano i tratti empatici 

maggiori. Qui lascio alla vostra fantasia di 

determinare se vedere l’arte e andare ai 

musei ci rende più empatici o se, quando 

siamo più empatici, siamo più portati 

ad avere una maggiore frequentazione 

dei musei. Quasi mai nella scienza è 

possibile stabilire un rapporto di causa 

effetto, ci riteniamo estremamente 

fortunati quando riusciamo stabilire 

una correlazione significativa come in 

questo caso. 

Conclusioni 

Spero di aver spiegato in modo 

comprensibile, ma la complessità del 

tema delle immagini, dell’estetica, dei 

sentimenti suscitati dalle immagini e 

del potere delle immagini richiede un 

approccio assai complesso certamente 

non riducibile a una semplicistica 

traduzione neuronale dei concetti in 

gioco; l’opera d’arte media la risonanza 


motoria ed affettiva che scaturisce 

tra l’artista e il fruitore, ne diventa 

il mediatore privilegiato. Gli aspetti 

sensorimotori dell’elaborazione 

dello stimolo artistico da parte 

dell’osservatore rappresentano il 

livello più diretto ed automatico di 

processazione che consente al fruitore 

di sentire l’opera in modo corporeo ed 

incarnato; ovviamente stiamo parlando 

di una delle molteplici dimensioni che 

raccogliamo sotto questa etichetta 

linguistica di esperienza estetica. 

Quello di cui ho scritto in questo articolo 

è solo un aspetto ovviamente ma è un 

aspetto ineludibile; il coinvolgimento 

sensorimotorio e affettivo 

dell’osservatore sembra influenzare 

anche il giudizio estetico esplicito. 

Pertanto la simulazione incarnata, in 

quanto modello della percezione e 

della immaginazione, genera secondo 

me questa caratteristica qualità del 

vedere “come se” che gioca un ruolo 

importante nella nostra esperienza 

estetica dell’immagine, in particolare 

delle immagini che oggi cataloghiamo 

come opere d’arte. Come tale è un 

importante ingrediente della nostra 

facoltà di apprezzare le immagini. 

Spero, inoltre, di avervi convinto 

dell’importanza di un altro punto: se 

a tutti gli angoli prospettici da cui 

affrontiamo il problema di cos’è l’arte, 

di cosa sono le immagini artistiche, del 

perché le guardiamo e del perché ci 

piacciono aggiungiamo anche l’angolo 

prospettico, il punto di vista, il buco 

della serratura del guardare queste 

tematiche dalla prospettiva del cervello, 

ciò ci può aiutare a riscoprire il ruolo 

del corpo in quella forma immediata 

di intersoggettività che è l’espressione 

creativa artistica. 

Al di là della specificità delle differenti 

forme estetiche, tuttavia, penso che la 

fruizione di tutte le forme di finzione 

condividano aspetti comuni che 

possono essere utilmente indagati 

facendo domande direttamente al 

sistema cervello-corpo. Il sentimento 

di coinvolgimento corporeo suscitato 

da dipinti, da sculture, da forme 

architettoniche, dalle finzioni narrative 

letterarie, dalle arti cinematiche o, 

anche, dalla frequentazione di mondi 

virtuali incrementa le nostre risposte 

emozionali a quei stessi media. Una 

forma di conoscenza emotiva costituisce 

un ingrediente fondamentale della 

nostra esperienza estetica. La teoria 

della Simulazione Incarnata mira 

appunto a cogliere questi aspetti ed 

è rilevante per definire l’esperienza 

estetica almeno in due modi: 

• Il primo, grazie ai sentimenti 

corporei suscitati dalle opere 

d’arte con cui ci relazioniamo 

per mezzo dei meccanismi 

di rispecchiamento che esse 

evocano. In questo modo la 

simulazione incarnata genera quel 

particolare vedere “come-se” che 

svolge un ruolo fondamentale 

nell’esperienza estetica. 

• Il secondo, in virtù delle memorie 

incarnate e delle associazioni 

immaginative che le opere d’arte 

risvegliano in chi le contempla. 

Vi è poi un ulteriore aspetto che 

caratterizza la simulazione incarnata 

quando è attivata dalla nostra 

immersione con il mondo di finzione 

dell’arte, rispetto a quando è suscitata da 


45

situazioni della vita quotidiana. Mentre, 

infatti, contempliamo un’opera d’arte 

o ci immergiamo in un mondo virtuale 

sospendiamo temporaneamente il 

nostro rapporto col mondo, liberando 

energie che, paradossalmente, 

possono essere vissute in modo più 

vivido rispetto alla più prosaica realtà 

quotidiana. Secondo questa prospettiva, 

l’esperienza estetica delle opere d’arte e 

l’esperienza dei mondi virtuali possono 

essere interpretate non solo o non tanto 

nei termini originalmente proposti da 

Coleridge di una cognitiva sospensione 

d’incredulità, ma come forma di 

“simulazione incarnata liberata”. 

Nel guardare un quadro, nel leggere 

un romanzo, nell’assistere ad uno 

spettacolo teatrale o a un film, oppure 

nell’immergerci un mondo virtuale la 

simulazione incarnata è sgravata dal 

fardello di modellare la nostra attuale 

presenza nel mondo “reale”. Guardiamo 

alle forme di espressione simbolicoartistiche 

da una distanza di sicurezza 

in virtù della quale la nostra apertura al 

mondo ne risulta amplificata. Quando 

dirigiamo la nostra attenzione al mondo 

dell’arte o ai mondi virtuali possiamo 

impiegare totalmente le nostre risorse 

simulative, disinnescando le nostre 

difese. Il nostro piacere per l’arte è, 

quindi, verosimilmente anche guidato 

dal senso di sicura intimità esperito 

durante la relazione empatica col mondo 

dell’arte. 

Creatività, esperienza estetica 

ed esperienza virtuale possono 

rappresentare il momento di 

sospensione, lo scarto tra attualità e 

potenzialità che innesca la possibilità 

di divenire ciò che si è e consente di 

concepire il mondo come un’infinita 

serie di possibilità che rinviano ad 

altre possibilità. Vedere l’invisibile, 

caratteristica che accomuna arte e 

scienza, significa riempire un vuoto, 

tendere a ciò che non è ma può essere, 

ciò che, in una parola, è desiderio. 

Questo suggerisce, come per altre vie ha 

intuito anche Girard, che l’arte affonda 

le proprie radici nella ritualità legata 

al senso del sacro, nell’insopprimibile 

tendenza umana a riempire quel 

vuoto che al contempo ci atterrisce e 

costituisce lo sfondo e l’obiettivo dei 

nostri slanci e delle nostre proiezioni. 

Attraverso lo scarto tra attualità e 

potenzialità prodotto dalla creazione 

artistica, sia quando si fa cosmogonica, 

producendo nuovi mondi riassortendo 

gli elementi che caratterizzano il 

«visibile», sia quando, grazie alla 

finzione narrativa o alla fruizione di 

mondi virtuali, crea degli apparenti 

doppioni del reale, l’uomo è costretto 

a sospendere la sua presa sul mondo, 

liberando energie fino a quel momento 

indisponibili, mettendole al servizio di 

una nuova ontologia che finalmente, 

forse, può rivelargli chi è. Più che una 

sospensione di incredulità, l’esperienza 

estetica suscitata dalla produzione 

artistica può essere letta come una 

«simulazione liberata». Perché un 

film, un romanzo o il mondo virtuale ci 

emozionano potenzialmente più di una 

scena della vita reale di cui possiamo 

analogamente essere spettatori? 

Forse anche perché nella «finzione» 

artistica e virtuale la nostra inerenza 

all’azione narrata è totalmente libera da 

coinvolgimenti personali diretti. Siamo 

liberi di amare, odiare, provare terrore, 

facendolo da una distanza di sicurezza. 

Questa distanza di sicurezza che rende 


la mimesi «catartica» può mettere in 

gioco in modo più totalizzante la nostra 

naturale apertura al mondo. Un ulteriore 

fattore di amplificazione di questa 

simulazione liberata è costituito in certe 

forme di espressione artistica, come il 

teatro, la danza, la musica, il cinema e 

i mondi virtuali, dalla condivisione con 

altri individui che come noi si liberano 

dagli obblighi di vigilare sull’intrusività 

potenzialmente esiziale del mondo 

esterno, abbandonandosi totalmente a 

una piena e incondizionata esperienza 

di aisthesis. Fruire dell’arte, in fondo, 

significa liberarsi del mondo per 

ritrovarlo più pienamente. 

Grazie all’espressione della creatività 

artistica, l’essere umano acquisisce la 

capacità di plasmare oggetti materiali 

conferendo loro un significato che non 

avrebbero in natura di per sé. Questo 

significato è il frutto dell’azione con 

cui l’artista stende colori su una tela 

o trasforma un blocco di marmo in un 

«David» o nel «Ratto di Proserpina». 

Oggi le neuroscienze hanno la 

potenzialità di illuminare, seppure da 

un diverso angolo prospettico, la natura 

estetica della condizione umana e la sua 

naturale propensione creatrice, prima 

ancora di affrontare il tema specifico 

dell’arte e divenire neuroestetica. 

Abbiamo così la possibilità di arricchire la 

nostra nozione della creatività artistica 

e della sua fruizione, moltiplicandone i 

livelli di descrizione, cercando di capire 

come gli oggetti artistici, più che essere 

un dono degli dei, sono effettivamente 

l’espressione paradigmatica della 

nostra natura umana. 

Da un certo punto di vista, l’arte è 

superiore alla scienza. Con strumenti 

meno onerosi da un punto di vista 

economico e con una capacità di sintesi 

probabilmente inarrivabile da parte 

della scienza, le intuizioni artistiche ci 

fanno comprendere molto della natura 

umana, spesso molto di più rispetto 

all’orientamento oggettivante tipico 

dell’approccio scientifico. Essere umani 

significa divenire capaci di interrogarsi 

su chi siamo. Da sempre la creatività 

artistica ha espresso nella forma più 

elevata questa capacità. Taluni temono 

che affrontare queste tematiche con 

l’armamentario prosaico della scienza 

possa in qualche modo sminuire, se 

non addirittura distruggere la magia 

che ci invade quando contempliamo 

un’opera d’arte. Se condividessi questa 

preoccupazione dedicherei il mio 

tempo ad altro. Al contrario, è proprio 

il convincimento che la prospettiva 

neuroscientifica consenta un’ulteriore 

valorizzazione della 

dimensione distintiva e straordinaria 

dell’arte e dell’esperienza estetica che 

mi convince che ci stiamo muovendo in 

una direzione potenzialmente gravida 

di risultati interessanti per chiunque 

sia interessato a meglio comprendere 

chi siamo. Concludo con una citazione 

di Georg Christoph Lichtenberg che 

scriveva queste parole che a me 

suonano ogni giorno sempre più 

profetiche, attuali e familiari: “il nostro 

corpo sta a metà tra la nostra anima e il 

mondo esterno rispecchiando gli effetti 

di entrambi”. 


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HAZELNUT 

KINGDOM 

Una location di nuovissima apertura, dallo stile 

mediterraneo. Elegante ritrovo con moltissime 

occasioni di socializzazione. 

Scritto da OEMA. 



’S 


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HAZELNUT’S 

KINGDOM 

Hazelnut’s Kingdom non é ancora in Second Life Destinations 

dal momento che vi sono alcune parti che devono essere 

ultimate. Tuttavia è un incanto già così. 

Si tratta di una 

destinazione 

articolata, realizzata 

con cura e meticolosità 

da un professionista 

indiscusso nel settore 

“landscaping”: Andy 

Warhol. 

Come spesso accade, vedendo le 

splendide fotografie che i viaggiatori 

virtuali di Second Life pubblicano su 

Flickr, mi sono imbattuta in una in 

particolare che ha catturato la mia 

attenzione. 

Si trattava di uno splendido paesaggio 

mediterraneo arroccato su una altura. 

Da italiana sono naturalmente attratta 

da questo tipo di vegetazione e stile 

architettonico, quindi non ho perso 

l’occasione per visitare la destinazione 

in questione. 

Uno splendido paesaggio mediterraneo arrocato 

su una altura che offre molteplici occasioni di 

intrattenimento e divertimento. 


Si può visitare 

a piedi, il 

volo non è 

consentito. 

Hazelnut’s Kingdom 

occupa 3 regioni, di 

cui una navigabile di 

acqua. Si tratta di una 

destinazione articolata, 

realizzata con cura 

e meticolosità da un 

professionista indiscusso 

nel settore “landscaping”: 

andy Warhlol (terry. 

fotherington). Chi non 

conosce Frogmore, ad 

esempio? andy Warhlol 

ha una grande esperienza 

nella realizzazione 

di destinazioni che 

sono diventate poi un 

importante punto di 

riferimento nello scenario 

delle regioni fotografiche 

più belle in Second Life. 

La particolarità di 

Hazelnut’s Kingdom 

è che, oltre a essere 

una destinazione 

incantevole, offre anche 

diverse occasioni di 

intrattenimento per tutti 

coloro che amano questo 

tipo di paesaggio. 

Va precisato che il 

creatore di Hazelnut’s 

non è anche il 

proprietario. Infatti, 

si tratta di un lavoro 

fatto su commissione 

di Noubeil (noubeil. 

alpha). La gestione 

della destinazione è, 

quindi, di competenza di 

quest’ultimo a cui occorre 

fare riferimento in caso di 

necessità. 

Hazelnut’s Kingdom ha 

un suo gruppo inworld, la 

cui adesione costa 1000 

L$. In descrizione del 

gruppo possiamo trovare 

preziose informazioni 


59

Consiglio di accettare le impostazioni di luce della 

regione per una esperienza ottimale. 

In diversi punti della regioni possiamo 

trovare cartelli che ci indicano le principali 

attrazioni. 

sullo scopo della destinazione e 

le attività proposte: 

“Welcome to Hazelnut’s Kingdom! 

a place of pleasure and nature. 

That’s why we thank you for your 

trust and we will do everything to 

satisfy your stay. 

Hazelnut’s Kingdom is an area 

located on the Noubeillane estate, 

which means in Occitan “the 

house of hazelnuts”. Occitan is still 

spoken in the south of France and 

our domain is inspired by the spirit 

of a mountainous region in the 

Ariegean Pyrenees.” 

L’aspetto che mi affascina 

maggiormente è che non si 

tratta di una destinazione 

pianeggiante: apprezzo molto i 

dislivelli, le montagne alternate 

a zone pianeggianti che rendono 

il paesaggio vario e più credibile. 

Inoltre il modo in cui gli oggetti 

decorativi sono stati posizionati 

denota comprensione delle 

regole di buon senso che 

permettono di conferire realismo 

a una destinazione. 

Il volo non è consentito, il che 

potrebbe essere un bene perché 

induce il visitatore a esplorare a 

piedi esattamente come farebbe 

nella realtà. Inoltre alcune case 

sono affittate, quindi il volo 

limitato trova la sua ragion 

d’essere anche nell’esigenza di 

non disturbare gli affittuari. 

Parlando con il proprietario, ho 

appreso che alcune zone devono 

ancora essere create, quindi 

avremo modo di apprezzare 



61

anche nuovi angoli paesaggistici 

nei prossimi mesi. 

Hazelnut’s Kingdom non si 

trova (ancora) in Second Life 

Destinations, quindi è uno scoop 

che riserviamo ai nostri lettori. 

Riferimenti 

Teleport 

Flickr Group 

Inworld Group 



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MEDITERRANEO-OC 

TELEPORT 



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SLICE OF H 

Un’ incantevole destinazione invernale 

che si rinnoverà a breve nella sua versione 

primaverile. 

IN S 

Scritto da SERENA DOMENICI. 



EAVEN 

ECOND LIFE 


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La creatrice è Luane (luane.meo) che ha dato vita a 

un’ambientazione invernale affascinante e curata nello 

stile naturalistico. 

SLICE OF HEAVEN 

IN SECOND LIFE 

Winter 


LA STAGIONALITA’ 

SLICE OF HEAVEN chiuderà in pochi giorni. Consigliamo al 

lettore di affrettarsi e godere ancora per un po’ del clima invernale 

che Luane ha voluto regalarci. Lo stile invernale verrà presto 

sostituito da quello primaverile. 

Luane Meo regala ai visitatori ormai da 

anni splendide località perfette per la 

fotografia e l’intrattenimento in genere. 

L’aspetto di Second 

Life che ho sempre 

trovato meraviglioso 

è la possibilità di 

viaggiare e di visitare 

luoghi mutuati 

dal mondo reale e 

virtualmente riprodotti 

in piccoli capolavori, 

capaci di coniugare 

magistralmente 

il concreto con 

l’immaginario: una 

stupefacente forma 

d’arte - questa - che 

meriterebbe di essere 

conosciuta da una 

platea più vasta dei 

fruitori del virtuale. 

Mancavo da tre anni 

da Second Life e devo 

dire che ho trovato 

intatta questa bellezza, 

questa costante 

ricerca di perfezione 

da parte di gente 

che dedica il proprio 

tempo per creare degli 

spazi davvero molto 

suggestivi. 

Il mio interesse verterà 

su questo aspetto che 

da questo punto di 

vista non smetterà 

mai di stupirmi 

piacevolmente, e 

parlerò solo di ciò che 

riuscirà a catturare 

la mia curiosità 

suscitandomi emozioni 


79

e appagando il mio senso 

estetico; sarà proprio 

questo che mi piacerà 

condividere con voi 

lettori. 

Il mio viaggio è 

cominciato in questa 

località da film: Slice of 

Heaven. 

Ci sono capitata per caso, 

ammesso possa esistere il 

caso, e ammesso che abbia 

senso parlare di caso in 

Second Life, dove tutto 

è random ma allo stesso 

tempo tutto è pilotato da 

un feroce determinismo. 

Mi sono ritrovata in 

un bianco paesaggio 

invernale, con tanta 

neve che cadeva 

copiosa e un piacevole 

sottofondo musicale che 

ne faceva da cornice. 

Non immaginatevi un 

posto carico di oggetti, 

e così via: era un luogo 

apparentemente scarno, 

solitario, ammantato 

di mistero, a suo modo 

desolato, e forse era 

proprio questo a renderlo 

particolare. 

Un lungo tragitto 

costeggiato da alberi 

carichi di neve, per 

via della stagione, 

case, ma anche negozi, 

ristori e in cima ad 

una collinetta una 

piccola Chiesa 

dove raccogliersi in 

preghiera o, cercare 

un po’ di pace… 

Anche un belvedere 

ghiacciato dove poter 

pattinare ammirando 

il paesaggio illuminato 

da tante piccole lucine 

che creavano una calda 

atmosfera, nonostante 

lo scenario fosse 

imbiancato dalla neve. 

Tutto qui? 

No, perché più che 

un luogo questo è un 

sentire, un luogo dove 

possono incrociarsi 

destini o solitudini. 

Il percorso che 

conduce alle casette, 

può essere vissuto 

come un luogo di vita 

o di “morte”: quante 

trame vi si potrebbero 

scrivere, quante storie 

narrare, come fa lo 

scrittore su un foglio 

bianco come la neve! 

Amori appaganti, 

amori mai sbocciati, 

amori finiti, amanti 

che si incontrano 

di nascosto, parole 

dette, sussurrate o 

solo immaginate, sogni, 

silenzi, suoni ovattati come 

la neve che scende muta 

sul villaggio e sui cuori... 

Ma potrebbe anche essere 

il luogo di una famiglia che 

ama condividere il proprio 

spazio con gli amici. 

Ed anch’io, trasportata 

dal vento della fantasia, 

mi sono ritrovata ad 

immaginarmi in una 

dimensione onirica, 

“vedendomi” raggiunta in 

quel luogo solitario da un 

mio antico amante, venuto 

a riscaldarmi le mani e il 

cuore. Ed a sussurrarmi 

che il tempo - almeno qui 

- si può anche fermare, 

riavvolgendo il film della 

vita per recuperare gli 

attimi perduti, sublimandoli 

in un presente immutabile 

ed eterno come 

l’inverno tutto intorno, 

perennemente in attesa 

di essere sconfitto dalla 

fiamma dell’amore. 

La proprietaria nonché 

creatrice di questo 

meraviglioso luogo è: 

LuaneMeo 

Riferimenti 

Teleportati a Slice of 

Heaven 



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LADMILLA MEDIER 

Ladmilla Medier, 


ARTE 

“L’Arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende 

visibile ciò che non sempre lo è.” 

(Paul Klee) 

Non ritengo che esista una definizione assoluta di 

Arte ma questa breve, famosa citazione, rappresenta il 

percorso che proporrò in questa sezione dedicata 

all’ Arte: insieme conosceremo gli artisti attivi in Second 

Life e le loro opere, scopriremo lo studio, l’elaborazione 

concettuale e la tecnica artistica che hanno dato origine 

alle creazioni; ognuno di noi potrà ascoltare le storie 

che sussurrano, risvegliare ricordi sopiti e dare la propria 

personale interpretazione, trovare l’essenza che va oltre 

il visibile. 

Sono certa che sarà un cammino affascinante! 

Ladmilla 



93

CHERRY M 

Artista molto conosciuta i cui lavori si 

caratterizzano per un forte impatto visivo ed 

emotivo. 

A 

Scritto da LADMILLA MEDIER 

Immagini di LADMILLA MEDIER 


ANGA 

RTISTA 


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CHERRY MANGA 

SENSIBILITA’, TORMENTO, OSCURI 

PERFEZIONISMO 

“Ho una v 

un po’ s 

Cherry Manga è un’artista 

ben nota che opera in 

Second Life da lungo 

tempo. Ha sempre creato 

e ancora crea straordinarie 

installazioni che hanno 

un forte impatto visivo 

e hanno il potere di 

colpire emotivamente 

l’osservatore. 

L’amore per la natura e 

per la cultura giapponese 

hanno determinato la 

scelta del suo grazioso 

nome virtuale: 

Quando mi iscrissi a Second 

Life era la stagione delle 

ciliegie, dato che io amo 

questi frutti e ne stavo 

mangiando mentre mi 

registravo, scelsi il 


TA’ E 

ita semplice, sono una persona 

elvaggia che ama più la natura 

che il genere umano” 

nome Cherry; il cognome 

doveva essere scelto da 

una lista, così decisi per 

Manga e pensai che Cherry 

Manga potesse essere un 

nome adatto per chi ama 

la cultura giapponese. 

L’artista è un’anima 

sensibile, tormentata, 

tenebrosa e perfezionista, 

come lei stessa ama 

definirsi, e le sue opere 

mostrano chiaramente il 

suo temperamento. 

Cherry ha avuto artistiche 

esperienze ed esibizioni 

anche nella vita reale, 

nonostante la timidezza 

del suo carattere che le 

fa preferire situazioni 

dove non deve incontrare 

personalmente il pubblico: 

Ho una vita semplice, 

sono una persona un po’ 

selvaggia che ama più la 

Natura che il genere umano, 

questa è la ragione per cui 

è più facile per me creare 

nei mondi virtuali dove non 

devo incontrare fisicamente 

il pubblico… tuttavia ho 

lavorato in teatro, ho 

prodotto varie creazioni 

nella vita reale, ho fatto 

LANDING POINT 

un’esibizione dal vivo nel 

2017 con “FrancoGrid” 

per “Le Hublot” in “Nice” 

ma tutto ciò non è stato 

molto confortevole per 

una persona timida come 

me. 

Cherry ha avuto 

abbastanza esperienze 

artistiche, sia nella vita 

reale che in Second 

Life, così da poter avere 

una chiara idea delle 


97

eventuali differenze 

che possono esistere 

nel creare in questi due 

mondi; ciò che pensa è 

molto interessante ed 

io sono completamente 

d’accordo con lei: 

Non c’è alcuna differenza, 

il computer è il mezzo, lo 

strumento: il cinema o la 

musica sono arti anche 

virtuali, non possiamo 

percepirle con il tatto, 

non dobbiamo porle in 

categorie, l’Arte è arte, 

dovunque essa sia. 

Come possiamo notare 

nelle creazioni di ogni 

vero artista, anche le 

sue opere sono libere 

da condizionamenti e 

standard, Cherry mette 

se stessa nei suoi lavori, 

la sua anima e le sue 

esperienze: 

Quasi tutto ciò che creo 

è autobiografico, talvolta 

questo aspetto è più o 

meno evidente, a volte è 

nascosto; nelle due mie 

passate installazioni 

ciò è molto evidente in 

quanto “Endometriosis” 

è un problema di cui 

soffro, “Monsters” è 

un’installazione che 

riguarda i “mostri” che 

ho incontrato nella mia 

vita, partendo dalle paure 

della mia infanzia fino 

ad arrivare alla pressione 

sociale che ancora 

sperimento ogni giorno. 

Anche il tema della 

condizione umana ha 

molta importanza nella 

maggior parte delle mie 

creazioni; per quanto 

riguarda l’attuale 

pandemia penso che sia 

una naturale risposta alla 

sovrappopolazione, non 

sono spaventata dalla 

possibilità di morire o 

perdere i miei parenti più 

stretti, sono spaventata 

dalla politica, dai potenti 

gruppi di pressione che 

ci stanno ingabbiando in 

una condizione distopica, 

il futuro sarà più nero di 

una pandemia. Per quanto 

riguarda la condizione 

delle donne in particolare, 

abbiamo molto lavoro 

da fare per cambiare il 

sistema patriarcale, ma 

devo ammettere che 

questa non è la mia lotta 

più importante ed io non 

ne parlo molto nelle mie 

creazioni. 

MONSTERS 

“Monsters” è 

un’interattiva 

installazione che Cherry 

ha realizzato in modo 

straordinario e molto 

interessante; quando 

siete al punto di arrivo del 

teleport non trascurate 

di attivare Advanced 

lightning model, di aprire 

l’ascolto dei suoni, di 

chiudere lo streaming e 

di accettare l’esperienza 

che vi verrà proposta 

con un pop-up, tutto 

ciò permetterà ai vostri 

avatar di animarsi e a voi 

di avere un’immersiva 

esperienza che non 

descriverò qui, così sarete 

sorpresi e apprezzerete 

al meglio; siate curiosi, 

toccate e cliccate ciò che 

avete intorno, leggete 

la chat locale, ascoltate 

i suoni e camminate, 

esplorate. 

Cosa sono questi mostri? 

Ognuno di noi può 

trovare il proprio che può 

vivere dentro di noi o 

tormentarci dall’esterno, 

possiamo scegliere se 

nutrirlo o lottare per 

fuggire; 

Cherry ci fornisce la 

migliore spiegazione a 

riguardo con le sue stesse 

parole: 

Sono i mostri che ho 

incontrato nella mia vita, 


c’è la paura primitiva: “il lupo 

nel bosco”, ci sono i fantasmi 

e le strane cose che abbiamo 

potuto sperimentare da 

bambini, ma anche i mostri 

che possiamo incontrare 

da adulti: stupro, suicidio, 

pressione sociale, violenza 

domestica… Perché questi 

mostri ci intrappolano? 

Perché occorre tempo per 

capire le nostre paure, 

la nostra debolezza, e 

trasformarle in forza; 

possiamo sperimentare le 

stesse cose molte volte prima 

di riconoscere gli schemi e 

sapere come migliorare noi 

stessi. 

Lasciatevi coinvolgere 

in questa esperienza: 

incontrate i mostri, 

affrontate le loro spinose 

o gigantesche forme, 

camminate su stretti ponti 

sospesi sul vuoto, correte 

nelle gallerie, entrate in 

stanze misteriose, perdetevi 

in acque turbolente e 

ammirate i giochi di luci ed 

ombre… rimarrete colpiti e 

affascinati, ma non occorre 

che io dica altro, basta 

andare e sperimentare. 

LA GALLERIA 

Cherry ha una fantastica 

Galleria in ADreNalin, una 

MONSTERS 

regione di Second 

Life; è un luogo 

molto suggestivo 

costruito con linee e 

cubi in movimento, 

principalmente in 

bianco e nero con 

alcuni delicatissimi 

toni di colore, questa 

interessante architettura 

si adatta perfettamente 

all’Arte di Cherry: le 

sue creazioni mesh 

ed animesh, infatti, 

appaiono molto vivide e 

vitali. 

È possibile acquistare 

lì le sue opere, alcune 

bellissime creazioni 

sono perfino gratis 

o vendute a un solo 

Linden, ciò dimostra la 

grande generosità di 

quest’artista. 

Lo stile di Cherry è 

in evoluzione, ama 

sperimentare sempre 


99

qualcosa di nuovo pur 

rimanendo focalizzata sui 

temi che preferisce e che 

caratterizzano la sua arte: 

Sto evolvendo e 

sperimentando, ma 

continuando a creare scenari 

quasi sempre cupi e/o poetici. 

Al momento sto lavorando 

con tecniche miste e modelli 

da stampa 3D per realizzare 

sculture a cupola di vetro. 

Non vediamo l’ora di 

apprezzare le sue future, 

nuove creazioni. 

Grazie Cherry per la tua Arte! 

Riferimenti 

Monsters 

Galleria 

ADreNalin 


MONSTERS 


101

MONSTERS 



103

MONSTERS 



105

MONSTERS 



107

MONSTERS 



109

MONSTERS 



111

ADRENALIN - LANDING 

POINT 



113

GALLERY - GLUED 



115

GALLERY - THE PLANT 



117

GALLERY - SISTERS 



119

GALLERY - ENDOMETRIOSIS 



121

GALLERY - VR WOMAN NO 

ESCAPE FROM THE GRID MAN 



123

GALLERY - AVOIR LA MAIN 

VERTE A FLEUR DE PEAU - 

PAPILLON... 



125

VAN LOOPEN 

Van Loopen, 


MUSICA 

Se nella vita non fossi un architetto, probabilmente sarei 

un musicista. 

Penso in musica. 

Vivo i miei sogni ad occhi aperti in musica. 

Vedo la mia vita in termini di musica. 

Dal 2009 in Second Life cerco di condividere questa 

emozione con gli altri. 

In veste di redattore e di consulente musicale per 360 

GRADI vorrei far luce su un mondo che spesso viene 

sottovalutato, ma che rappresenta invece una delle 

principali attività nella “seconda vita” . 

Infatti, il messaggio in musica arriva più facilmente a 

destinazione, toccando le corde più intime e personali, 

senza bisogno di altri intermediari nella comunicazione. 

Nel variegato mondo musicale di Second Life mi 

occuperò di artisti emergenti, ma anche di quelli ormai 

consolidati che spesso non si conoscono abbastanza. 

Approfitto di questo spazio per dare qualche punto 

di riferimento nel panorama musicale di Second Life, 

perchè “la gente consuma la musica come se fosse un 

fazzoletto per il naso”. 

(Zucchero) 

Van 



127

DORIAN KA 

CAN 

Dorian è un cantante 

italiano conosciuto e 

apprezzato da anni. 

Scritto da VAN LOOPEN. 

Immagini di JARLA CAPALINI 


SH 

TANTE LIVE 


129

DORIAN KASH 

CANTANTE 

Dorian Kash fa parte di quegli 

interpreti/cantanti che dove lo 

metti riesce ad essere una garanzia 

di successo con molta naturalezza, 

con un repertorio molto vasto. 

Cari amici di 360GRADI, in 

questo numero della rivista 

parlerò di un artista italiano. È 

venuto il momento e non posso 

più rimandare, perchè anche il 

bel paese offre il suo importante 

contributo, alla comunità 

esselliana, di interpreti e cantanti 

live sia maschili che femminili. 

La prima caratteristica che ho 

sempre notato è che però pochi 

rimangono attivi nel tempo nella 

fisiologica alternanza di voci 

nuove e quelle storiche, nuovi 

interpreti che però dopo un po’ 

scompaiono dalla scena. 

Ed è un vero peccato. 

Forse ciò è dovuto all’uso che noi 

italiani abitualmente facciamo 

di SL. Nel senso che anche nel 

settore musicale (escludendo i 

DJ che sono molto più costanti 

e presenti), ci prodighiamo 

non come vero lavoro ma 

come puro passatempo, 

tralasciando ovviamente 

l’aspetto dell’impegno e 

dell’appuntamento. 

Tra i cantanti uomini italiani, che 

hanno una presenza abbastanza 


Tecnicamente ha una 

voce dal tono deciso e 

caldo, con una intonazione 

innata, e nello stesso 

tempo riesce a creare 

intima introspezione in 

chi lo ascolta. 


131

costante, parlerò oggi di 

Dorian Kash. 

Ho scelto di inziare 

con lui perchè, dopo 

un periodo di fermo 

attività (il primo per lui), 

è ritornato da poco a 

calcare i palchi delle land 

di SL, più motivato di 

prima. 

Ed il suo ritorno è un 

valore aggiunto per tutti, 

italiani o non. 

Ciascun artista ha 

prerogative precise e ben 

definite. Alcuni scelgono 

di esibirsi esclusivamente 

in land italiane, altri 

escono anche dai propri 

confini, ma tutti hanno 

delle caratteristiche 

molto differenti tra loro 

che li distingue. 

Dorian Kash fa parte di 

quegli interpreti/cantanti 

che dove lo metti riesce 

ad essere una garanzia 

di successo con molta 

naturalezza, con un 

repertorio molto vasto. 

Tecnicamente ha voce dal 

tono deciso e caldo, con 

una intonazione innata, 

e nello stesso tempo 

riesce a creare intima 

introspezione in chi lo 

ascolta. 

Il canto per lui è un 

hobby, e come per tutti 

gli altri hobby che ha in 

RL, mette attenzione nei 

particolari e impegno 

nella preparazione. 

Questo parla della sua 

personalità e della sua 

sensibilità. Ma del resto 

da uno che ama stare tra 

le nuvole, pilotando aerei 

da turismo e praticando 

paracadutismo, cosa ci 

si può aspettare se non 

attenta preparazione 

nelle cose per gestire 

anche quel pizzico di 

follia? 

La sua impostazione 

vocale gli indica il 

suo repertorio e le 

sue preferenze musicali, 

in modo naturale: 

introspezione musicale delle 

canzoni d’autore italiane, 

interpretazioni di canzoni 

internazionli tra jazz e i 

spumeggianti musicals 

americani. 

Ogni sua serata è un viaggio 

musicale attraverso le più 

belle canzoni internazionali 

conosciute e, spesso, di 

nicchia italiane. 

Si diverte e fa divertire, non 

c’è che dire. 

Dalla intervista che ci ha 

concesso, apprendiamo 

cose interessanti sulla sua 

personalità. 

A voi scoprirle. 

Van: Dorian, come nostra 

prassi, chiediamo all’artista 

una descrizione di se stesso 

per farlo conoscere meglio 

anche nei suoi aspetti privati. 

Parlaci della tua origine 

anagrafica, dove vivi, hobby, 

lavoro... 

Dorian: Dunque, io sono di 

origini liguri vengo da Lerici 

un paesino incantevole 

sul mare inserito tra le 

insenature del golfo di La 

Spezia. Di fronte, Portovenere 

porta di accesso delle Cinque 

Terre: insomma uomo di 

mare, un retaggio al quale 

tengo molto. Come spesso 

accade però, per i vari casi 

della vita, mi sono ritrovato 


a vivere ormai da anni 

a Trento, tra montagne 

e neve, Circondato non 

più questa volta da 

salsedine e acciughe, 

ma da Dolomiti e stinco, 

altra mia passione! Rido! 

Neve quindi ora e tanto 

sci, quando si poteva, 

uno dei miei sport 

preferiti insieme alle arti 

marziali, il paracadutismo 

e il pilotaggio di aerei 

da turismo. Per quanto 

riguarda il mio lavoro, 

dopo aver smesso di fare 

il musicista, dopo venti 

anni, tra terzetti, duetti, 

gruppi e lavoro in sala e 

in studio, ora lavoro in 

un ufficio doganale di 

un’azienda del territorio, 

un lavoro interessante 

che mi lascia tempo per 

suonare la musica che 

da bimbo è entrata nella 

mia vita sottoforma di un 

pianoforte e non se n’è 

più andata. 

Van: Ricordi la prima volta 

che hai cantato in SL e 

come è successo? 

Dorian: Sì, certamente, 

è un ricordo molto bello. 

Feci la mia prima serata 

in una frequentatissima 

land italiana “Zero 

Moda” da Miss Erya: fu 

davvero particolare ed 

emozionante, anche se 

dopo tanti concerti e 

serate in RL non avrei mai 

pensato di emozionarmi 

cantando davanti ad uno 

schermo. Devo dire che 

l’emozione ci fu eccome, 

ed anche ora è sempre 

presente in tutti i miei 

set. Non smetterò mai 

di mettermi in gioco e 

di ricercare l’emozione 

di un pubblico anche su 

SL. Accadde che conobbi 

una persona che mi 

portò in un karaoke, 

non avrei mai pensato 

esistesse un karaoke 

su SL. Fui spronato a 

cantare e così, dopo aver 

cercato di capire quali 

fossero le necessità 

tecniche, cominciai a 

frequentare quella land. 

Avevo scoperto come 

divertirmi ancora con il 

canto. Fui poi convinto 

a fare la prima serata di 

cui raccontavo prima, da 

una ragazza, Stupenda 

Flux, che mise anima 

e corpo pur di farmi 

intraprendere la carriera 

di cantante in SL. Così 

lei si mise d’accordo con 

Erya e tutto nacque! 

Van: Nel panorama 

dei cantanti italiani in 

SL occupi uno spazio 

importante da molto 

tempo. Questo successo 

è per te un obiettivo, 

uno stimolo o non ti 

interessa ottenere il 

consenso? 

Dorian: Parliamoci 

chiaramente, ricevere 

consenso è bellissimo, 

gli applausi e i “bravo” 

sono lo stimolo e il 

nutrimento di quella 

parte fondamentale di 

un artista che è il suo 

narcisismo. La voglia 

di donarsi ed essere 

ascoltati dal pubblico 

è una droga più forte 

di qualunque altra MA, 

il consenso, quando è 

vero, non ha nulla a che 

fare con la sua affannosa 

ricerca. Più lo insegui 

più si allontana. L’unico 

modo di arrivare a essere 

accolto dalle persone, è 

essere me stesso, vero: 

certamente con la voglia 

di stupire, ma alla fine 

donandomi senza MAI 

cercare di compiacere, 

bensì aprendo l’anima e 

cercando di interpretare 

col cuore in mano, nudo. 

Allora ciò che provo 

cantando mi accorgo 

che arriva! E lì si crea la 

magia, che il pubblico sia 

fatto da 100 persone o 

3. Tutto questo vale per 

me, posso parlare solo a 

nome mio senza pensare 

di esprimere chissà quale 

verità se non la mia. 

Van: SL è un gioco per 

te, un’opportunità per 

esprimere il tuo talento o 

qualcos’altro? 

Dorian: SL per me è 

stato ed è un mondo 

davvero emotivamente 


133

periglioso. Non riesco a 

vederlo come un gioco, 

ma come un’occasione, 

per chi si vuole 

esprimere. Cantare in SL 

mi ha dato la possibilità 

di eseguire brani che ho 

sempre amato e che per 

una cosa o per l’altra in 

RL non ho mai potuto 

eseguire. Forse sì, da 

questo punto di vista è 

un’opportunità. 

Van: Quale messaggio 

vuoi trasmettere agli 

altri attraverso le tue 

interpretazioni? 

Dorian: Nessuno!! no, 

non ho la presunzione di 

lanciare un messaggio. 

Nulla di più di una 

piacevole oretta in 

compagnia. Unica 

eccezione quando canto 

per beneficienza in 

occasione della raccolta 

fondi in favore di IKSDP 

Harambee Project Gwassi 

Kenya di Lorella e Lotrec 

e per la ricerca contro la 

Sla dell’evento Harvey 

di Electra: questo credo 

sia davvero un modo 

non solo per mandare un 

messaggio di fratellanza 

e amore, di accoglienza 

e partecipazione ma 

riuscire, insieme ad 

altri svariati artisti, a 

modificare la vita reale 

di persone partendo da 

un progetto realizzato 

all’interno di un mondo 

virtuale è qualcosa che 

riempie il cuore che ti 

permette di realizzare 

qualcosa di veramente 

concreto e appagante. 

Van: Ti conosco da molti 

anni in SL e, per quanto io 

abbia potuto constatare, 

la tua interpretazione 

preferita, grazie alla 

tua voce calda, sempre 

intonata e decisa, 

sembra essere il genere 

dei Musicals americani, 

con riferimenti di Ella 

Fitzgerald e Frank Sinatra, 

anche se passi dalla 

Jazz music alla canzone 

d’autore italiana con 

estrema facilità. Quindi 

ti chiedo, quale è la tua 

influenza e conoscenza 

musicale in RL? Hai fatto 

studi specifici o hai 

iniziato per hobby? 

Dorian: Hai davvero 

colpito nel segno! il jazz 

e lo swing sono i miei 

amori musicalmente 

parlando. La musica 

americana dagli anni 

20 in poi mi ha sempre 

affascinato ancor prima 

il blues e lo spirituals. 

Cantare Sinatra è per me 

meraviglioso anche se 

inarrivabile, ma giocare 

con gli anticipi i rientri 

le sincopi e gli accenti 

dello swing con la voce è 

divertentissimo. Qui devo 

aprire una parentesi: i 

miei studi classici della 

musica, grazie allo studio 

del pianoforte, mi hanno 

fatto conoscere la grande 

musica dalla quale tutto 

deriva!! Lì c’è tutto! La 

melodia pucciniana la 

ritroviamo nella grande 

musica napoletana fino 

ad arrivare agli stili 

tradizionali della musica 

italiana, soprattutto 

cantautorale. Abbiamo 

dei capolavori nella 

musica così detta leggera 

incredibili, delle poesie 

meravigliose, penso a 

testi di cantautori come 

Fossati, Dalla, De Andrè, 

De Gregori, Venditti, 

quanti ce ne sarebbero da 

menzionare. Non ultimo 

il filone Jazz Italiano da 

Rossana Casale a Nicola 

Arigliano, passando 

da Sergio Cammarere 

e Fabio Concato dei 

geni assoluti che amo 

incondizionatamente. 

Van: Ti piacerebbe 

cantare insieme ad altri 

cantanti affermati in SL? 

Se sì, con chi? 

Dorian: Sì, mi piacerebbe 

moltissimo con chiunque 

ne avesse voglia! Mi 

piacerebbe anche un 

progetto tipo USA FOR 

AFRICA: sarebbe davvero 

bello e interessante. Così 

come portare in giro dei 

repertori di tre o quattro 

cantanti: so che esiste 



135

la possibilità di cantare 

insieme, ma sinceramente 

non ho mai capito 

come (tecnicamente in 

streaming intendo). 

Van: Quale è la tua 

canzone preferita e 

perché? 

Dorian: O Mamma mia, 

questa è la domanda 

del secolo! ci sono 

tantissimi capolavori 

della musica italiana 

che meriterebbero una 

menzione, ma se mi devo 

guardare dentro posso 

dirti che la canzone che 

avrei voluto scrivere è 

“quando sarò capace 

di amare” di Giorgio 

Gaber: il perché sta nella 

meravigliosa semplicità 

e capacità di sintesi di un 

testo che fa innamorare 

da subito! Come ha 

saputo spiegare l’amore 

in questa canzone è una 

perla rara. 

Van: Come già detto, ti 

esibisci prevalentemente 

nella comunità italiana. 

Hai mai pensato di 

farti conoscere ancora 

meglio anche dalle altre 

comunità di SL? Quale 

palcoscenico preferiresti? 

Dorian: Sì, mi attira 

cantare in altre comunità 

e per qualche tempo 

l’ho fatto sia in land 

americane che australiane 

e argentine, dove 

peraltro avevo costruito 

un repertorio di tango, 

un altro genere che mi 

affascina e che ancora 

mi accompagna nelle 

mie serate. Purtroppo 

il cantante italiano 

all’estero è legato a 

doppio filo a dei cliché 

che ne condizionano 

il repertorio, quindi mi 

ritrovavo ancora una volta 

a cantare pezzi che non 

sentivo miei e quindi 

a compiacere anziché 

emozionare e questo non 

fa per me. Mai comunque 

dire mai. 

Van: Dorian, nel 

ringraziarti per la tua 

disponibilità, adesso 

apro un piccolo siparietto 

personale. Ammiro 

molto il tuo eclettismo 

di interessi personali, 

tra cui pilotare in RL 

aerei da turismo e il 

paracadutismo. Sono 

curioso di sapere, quando 

sei al comando del 

tuo aereo canti felice 

nell’abitacolo, come io 

canterei sotto la doccia? 

Dorian: Assolutamente sì, 

quando sono solo però 

perché se porto qualcuno 

per diporto faccio il pilota 

serio e professionale… ma 

da solo…mi scateno!! e 

atterro senza voce! 



137

ASCOLTA DORIAN KASH 

MENTRE CANTA 



139

MISOINDITE ROMANO 

Misoindite Romano, 


MODA 

Una breve presentazione senza voler annoiare nessuno. 

Ringrazio Oema e Van per avermi dato questo spazio sul 

loro Magazine. 

Misoindite Romano, Miso per tutti (o quasi), modella 

credo da sempre, non ho mai fatto altro se non la 

modella e fashion show. 

In molti sorridono di questo lavoro in SL, inconsapevoli 

che gira un mondo di persone e di linden su questa 

attività. Stilisti e agenzie di varie nazionalità non 

esisterebbero se non ci fossero modelle o blogger. 

Ho alle spalle 12 anni di Second life, tanta passione, e un 

accurato lavoro sulla mia personalità e sul mio avatar, 

che cerco di rappresentare nel migliore dei modi. 

Fatta questa premessa, il mio compito sarà quello di 

tenervi informati, facendovi magari venire la voglia di 

accompagnarmi nel campo della moda in SL. 

Miso 



141

VALENTINA E 

DESIG 

Scritto da OEMA. 



. 

NER 


143

VALENTINA 

E. 

Valentina E, è un brand molto noto 

nello scenario della moda di Second 

Life. Il negozio è frequentato, tra le 

altre, dalla comunità italiana. 

Ho scoperto il negozio di 

Valentina E. solo qualche mese 

fa in occasione di un evento 

in cui i brand che aderivano 

mettevano in vendita un capo 

per il prezzo di 60 L$. Ricordo 

anche il capo che comprai 

e la sensazione di inusuale 

familiarità quando sono 

atterrata per la prima volta 

al negozio di Valentina. Sarà 

perché il nome è italiano, sarà 

perché lo stile del negozio e 

degli abiti proposti “veste come 

un guanto” le mie esigenze di 

classe e originalità, il negozio 

di Valentina Evangelista è 

sicuramente tra quelli che visito 

maggiormente. 

Ho pensato così di intervistarla 

in occasione dell’uscita di 

questo numero di 360GRADI 

e conoscerla meglio. Tra l’altro 

Valentina Evangelista è molto 

apprezzata anche da Jarla 

Capalini, la fotografa della 

rivista e responsabile del 

settore fotografia. 


Valentina E. è un brand 

originale, che sa presentare 

un suo stile unico. 


145

Ho notato che il negozio 

è molto conosciuto 

e apprezzato dalla 

comunità italiana, forse 

a causa del nome del 

brand. Tuttavia Valentina 

non è italiana, quindi se 

volete comunicare con 

lei, l’inglese è la lingua da 

preferire. 

Vediamo ora di fare la sua 

conoscenza. 

Oema: Da quanto tempo 

crei vestiti per Second 

Life, e come hai iniziato? 

(conoscevi già il software 

che usi per creare?) 

Valentina Evangelista: 

Creo vestiti mesh in 

Second Life da circa 

dieci anni. Avevo alcuni 

amici che lavoravano 

a tempo pieno come 

creatori di contenuti in SL 

e l’idea sembrava molto 

attraente. Ho trascorso la 

maggior parte della mia 

vita lavorativa nel campo 

della presentazione 

visiva, quindi il design 

non mi era nuovo. Tuttavia 

il mio set di abilità non 

includeva nessuno dei 

programmi richiesti per 

modellare, texturizzare e 

animare le mesh. Con un 

po’ di indicazioni da parte 

dei miei amici designer 

di cui sopra, ho iniziato 

a imparare da sola come 

creare abiti per Second 

Life. Questo è stato un 

processo dolorosamente 

lento e pieno di tentativi 

ed errori. Le mie prime 

creazioni sono piuttosto 

divertenti da guardare, 

ma sono orgogliosa di me 

stessa per aver continuato 

e per essere arrivata 

al punto che ora amo 

indossare i miei progetti. 

Detto questo,non si 

finisce mai di impararei 

con la creazione di 

contenuti. Ci sono sempre 

modi per migliorare e 

c’è ancora così tanto che 

voglio fare e imparare. 

Second Life è una 

piattaforma meravigliosa 

per il design. Se sei 

disposto a metterci il 

tempo e lo sforzo, le 

opportunità sono infinite. 

È una delle ragioni per cui 

molti di noi amano SL. 

Oema: Il tuo stile è unico, 

e come dicono diverse 

persone del tuo marchio, 

sei originale, e non 

copi da nessuno. Trovi 

ispirazione nelle riviste di 

RL o in altro? 

Valentina Evangelista: Ho 

cercato di trovare un po’ 

di nicchia nel mercato di 

SL e, soprattutto, di fare 

cose che voglio indossare. 

Sono sicuramente ispirata 

dagli stilisti della vita 

reale, dalla cultura pop, 

ecc, ma anche dai buchi 

nel mio guardaroba di SL. 

Se non riesci a trovare 

quello che vuoi indossare 

devi solo crearlo! 

Tutta la moda e l’arte è 

derivata e collaborativa 

in qualche modo, ma 

fai sempre qualcosa di 

tuo quando passi da 

un’idea nella tua testa al 

prodotto finale. A volte 

mi sorprendo quando 

inizio a fare una cosa e 

finisco con qualcosa di 

completamente diverso! 

Oema: Fai vestiti da sola o 

c’è qualcun altro che vuoi 

menzionare riguardo al 

tuo marchio? 


Valentina E. è gestito da 

me e questo è il motivo 

per cui non sono sempre 

in grado di offrire tutte 

le taglie e le opzioni 



147

che vorrei. Faccio tutto 

io, dall’ideazione del 

design, alla modellazione, 

al texturing, al rigging, 

al packaging, alla 

promozione e al servizio 

clienti. Sono molto 

fortunata ad avere una 

persona che aiuta il mio 

marchio in un modo 

molto importante. Lori 

Matthews sta scattando le 

mie pubblicità da un po’ 

di tempo e fa un lavoro 

meraviglioso nel mostrare 

i miei disegni. È una 

fotografa di talento e ha 

un incredibile senso dello 

stile. Posso mandarle 

qualsiasi cosa da 

fotografare e lei la porterà 

al livello successivo. 

Oema: Che suggerimenti 

daresti a qualcuno che 

vuole iniziare a fare 

vestiti in SL? Suggeriresti 

di iscriversi a qualche 

corso specifico, di 

imparare seguendo i 

video tutorial di YouTube, 

o altro? 


Se si è disposti a mettere 

il tempo e il lavoro si 

può imparare a creare 

contenuti di alta qualità 

per Second Life. Non è 

qualcosa che si può fare 

da un giorno all’altro, 

ma tutto è là fuori se è 

qualcosa che si vuole 

perseguire. 

Ci sono molti fantastici 

corsi a pagamento che 

vi insegneranno la 

creazione di personaggi, 

la modellazione di 

mesh, ecc. Pagare 

per un’istruzione 

probabilmente 

aumenterà la velocità 

di apprendimento, ma 

non è l’unica via. Io sono 

abbastanza autodidatta 

tramite YouTube e vari 

altri tutorial online 

gratuiti. Ci sono anche 

molti gruppi di creatori 

inworld e forum di 

discussione sul sito di 

Second Life che sono 

molto utili. 

Per quanto riguarda 

i programmi, puoi 

spendere migliaia di 

dollari comprando 

programmi incredibili 

per tutti gli aspetti della 

creazione di mesh, ma 

non ne hai bisogno. 

Blender è un programma 

gratuito che coprirà 

gran parte di ciò che è 

necessario fare e ci sono 

molti tutorial disponibili. 

Questo dovrebbe essere 

il punto di partenza per 

la maggior parte delle 

persone. 

Se decidi di tuffarti nella 

creazione di contenuti 

per Second Life, ti auguro 

il miglior successo nei 

tuoi sforzi. È un sacco di 

lavoro, ma è anche molto 

divertente. Il mondo 

è ai tuoi piedi e la tua 

immaginazione può 

portarti ovunque. 

Riferimenti 

Valentina E. Store 



149



151



153



155



157

JARLA CAPALINI 

Jarla Capalini, 


FOTOGRAFIA 

Scrittura con la luce, dal greco φῶς, φωτός, “luce” e γραϕία, 

“scrittura”, questo è la “fotografia”. 

Ora so che parlare di fotografia in Second Life farà 

sicuramente arricciare il naso ai puristi o sorridere i 

professionisti ed appassionati più benevoli; ma una 

volta c’erano pellicola ed esposimetro, poi sono arrivati 

macchine digitali e files, oggi usiamo anche i telefoni per 

fotografare e grazie (forse) a questi la fotografia è ormai 

alla portata di tutti. 

Ecco quindi che un “viewer”, con tutte le sue peculiarità 

tecniche, può diventare un mezzo perfetto per “scrivere” 

con la “luce” virtuale l’incontro tra soggetto e l’occhio del 

fotografo, da cui nasce una nuova possibile visione 

immaginifica della realtà, seppur virtuale. 

Questo faremo nel nostro viaggio tra i fotografi di Second 

Life: parleremo di tecnica, composizione, ispirazione e 

passione, sperando di convincere gli scettici che le nostre 

immagini, per quanto raffiguranti un mondo di pixels, 

possono essere considerate a buon diritto “fotografia”. 

Jarla 



159

SADYCAT 

LITTLEPAW 

SadyCat è blogger, blogger manager e fotografa di 

successo. 

Scritto da JARLA CAPALINI. 

Immagini di SADYCAT. 


S 


161

BLOGGER 

SADYCAT 

SadyCat Littlepaws lavora da diversi 

anni nell’industria della moda di 

Second Life ed è una delle blogger più 

accreditate del mondo virtuale. 

SadyCat Littlepaws lavora da 

diversi anni nell’industria della 

moda di Second Life ed è una 

delle blogger più accreditate del 

mondo virtuale. La fotografia per 

la moda è il suo pane quotidiano 

e noi vogliamo provare a 

strapparle qualche segreto. 

Ovviamente lei è molto più di 

questo, quindi incontriamola e 

facciamo due chiacchiere. 

Jarla: Come è stato il tuo inizio in 

Second Life? 

Sady: Un’amica in RL mi ha 

tormentato ogni giorno per 

2 settimane fino a quando 

una notte in cui non riuscivo 

a dormire, ho provato. Era il 

novembre 2006 e da allora sono 

qui. Lei non è durata sei mesi. 

(Ridacchia) 

Jarla: Quando ti sei appassionata 

alla fotografia e cosa ti ha 

attratto. 

Sady: Credo che il mio amore 

per la fotografia venga dalla vita 

reale. Scattavo tantissime foto 

in RL, persino servizi fotografici 

con i miei amici e questo molto 

prima dei giorni di Instagram e 


In qualità di blogger manager ha 

il difficile compito di selezionare i 

bloggers migliori. 


163

degli altri social media. 

Jarla: Ti sei occupata 

sul blog sia di 

arredamento che di moda, 

tecnicamente hanno 

punti in comune o sono 

due cose completamente 

diverse? 

Sady: Si, mi sono occupata 

sia di arredamento che 

di moda sul blog. Mi era 

stato detto che avrei 

dovuto concentrarmi su 

un unico genere per più 

tempo e invece io volevo 

dimostrare che potevo 

fare entrambe le cose. 

E le ho fatte, ma ad un 

certo punto non riuscivo a 

tenere il passo. Occuparsi 

di arredamento nel blog 

è molto diverso dalla 

moda e, secondo me, può 

essere più stimolante. Ci 

vuole molto più tempo, 

questo è certo. 

Jarla: Che cosa ti ha fatto 

scegliere di dedicarti solo 

alla moda... a parte la 

passione che ogni donna 

ha per gli abiti? 

Sady: Semplicemente 

non avevo più il tempo 

di preparare le scene 

per il decor. Mi piace 

ancora arredare e creerò 

sempre i set per le mie 

foto di moda, ma per 

dare all’arredamento 

l’attenzione che merita 

... beh, non ho proprio 

tempo. Inoltre, odio 

abbassare il livello 

“ Mi sono 

occupata sia di 

arredamento che 

di moda” 

SadyCat 

qualitativo delle mie 

scene. (sorride) 

Jarla: Sembra che il modo 

di fare il fashion blogger 

sia cambiato negli ultimi 

anni, ora è tutto più 

incentrato sulla fotografia, 

e non sullo scritto. Tu che 

ne pensi? 

Sady: Penso che la 

moda sia sempre stata 

più un’industria visiva. 

Quando i blogger 

scrivono, alcuni parlano 

della loro vita... altri 

parlano degli oggetti 

fotografati. Ad essere 

onesti, penso che parlare 

degli articoli e della 

moda sia davvero la 

strada da percorrere, 

ma faccio fatica a farlo. 

Onestamente non so se 

più che una manciata 

di persone legga 

effettivamente il mio 

blog. 

Jarla: Quando c’è una 

nuova release, come 

organizzi tutto il lavoro 

per arrivare allo scatto? 

Sady: Ogni scatto è 

diverso. Mi vengono delle 

idee quando vedo le 

nuove cose, ma a volte 

uno scatto assume una 

vita propria. Tendo ad 

annotare le idee che mi 

vengono sui post-it e ho 

tante bandierine fucsia 

che incorniciano il mio 

monitor. A volte rimugino 

su un’idea anche per 

mesi. 

Jarla: Dopo aver salvato 

lo scatto quanto lavori 

sulle tue foto? 

Sady: Dipende da cosa 

voglio fare, ma di solito 

mi piace giocare con le 

luci e avere un’immagine 

chiara di ciò che sto 

cercando di mostrare. 

Jarla: Sei sempre 

soddisfatta del risultato 

che ottieni? 

Sady: Vorrei dire che non 

pubblico mai una foto di 

cui non sono soddisfatto, 

ma ci sono volte in cui 

il tempo è essenziale e 

ho bisogno di pubblicare 

“qualcosa”. Mi piace la 

maggior parte delle mie 

foto, ma ogni tanto ne 

faccio una e sono tipo ... 

ugh, la odio. Certo, sono 

quelle foto che invece 

sembrano piacere a tutti. 

(ridacchia) 

Jarla: E’ importante un 

avatar ben fatto per la 

riuscita di una foto? 


Sady: A mio parere, è 

imperativo. Non sono una 

editor di foto abbastanza 

brava da rendere 

fantastico un avatar di 

sistema con Photoshop. 

Io non disegno niente. 

Il massimo che faccio è 

migliorare lo scatto per 

mettere in maggiore 

evidenza le cose. Non 

sono una maga. 

Jarla: Una foto di moda 

deve ovviamente mettere 

in luce la creazione per la 

quale viene realizzata, ma 

secondo te qual è la cosa 

o le cose che catturano 

l’attenzione del pubblico? 

Sady: Le scelte di 

illuminazione e colore 

fanno un’enorme 

differenza, poi la posa. 

Non puoi mostrare un 

top se le tue braccia sono 

piene di fiori e cibo. Non 

puoi mostrare una skin se 

sei coperto di tatuaggi e 

trucco pesante. Non puoi 

mostrare correttamente 

una gonna se sei seduta. 

Jarla: Quanto conta la 

componente artistica in 

una foto di moda? 

Sady: Migliore è la foto 

e più persone vorranno 

guardarla. Allo stesso 

tempo, penso che sia 

importante per i brand 

avere diversi tipi di 

blogger. Ad esempio, 

un brand come Vinyl o 

Blueberry... creano abiti 

che stanno benissimo su 

tutti, ma lo stile di ognuno 

darà suggerimenti agli 

spettatori. Quindi, è 

utile avere alcuni artisti 

dark/gotici nei team dei 

blogger per mostrare 

come le creazioni 

possono essere versatili. 

Hai le ragazze gattine, 

le tue ragazze urbane 

e le ragazze classiche 

(preciso che questo non 

è un insulto). Più versatile 

è la tua squadra, più 

versatilità viene messa in 

mostra e più si amplia il 

tipo di pubblico a cui ci si 

rivolge. 

Jarla: A proposito di 

brand… Oltre a essere un 

blogger, sei una blogger 

manager per importanti 

marchi in SL, immagino 

tu partecipi anche alla 

selezione dei blogger: 

quali sono i requisiti 

che devono avere come 

fotografi? 

Sady: La prima cosa che 

cerco è la visibilità. Le 

persone si arrabbiano 


165

tantissimo per questo, 

ma la verità è che... il 

punto centrale di avere 

blogger è mostrare i 

prodotti a quante più 

persone possibile. Il blog 

è pubblicità. Quindi, 

ovviamente, cerco sì dei 

fotografi raffinati ma 

con la massima visibilità 

possibile. Piaccia o no, 

il blog è un gioco di 

numeri. Non distribuiamo 

solo prodotti gratis. 

Accettiamo di darti i 

nostri articoli se accetti 

di promuoverli nel modo 

migliore. È così semplice. 

Jarla: Vorresti condividere 

con noi un tuo “segreto” 

riguardo alla fotografia su 

SL? Puoi dire anche no se 

preferisci 

Sady: Non so se ho un 

segreto. Mi ispiro agli altri 

e sperimento molto. Se 

guardi il mio stream su 

Flickr, vedrai che c’è una 

grande varietà di stili. 

Jarla: Il tuo “miglior” 

difetto? 

Sady: Uhm ... ne ho così 

tanti. Non saprei quale sia 

il “migliore”. Immagino di 

poter dire la mia voglia 

di sperimentare, che mi 

ha tenuto lontana da 

molti team, perché manco 

di uno stile coerente. 

Tuttavia, non smetterò 

mai di provare cose 

nuove. Non so se questo 

sia davvero un difetto. 

“Non so se ho un 

segreto. Mi ispiro agli 

altri e sperimento 

molto” 

Riferimenti 

Flickr 

Blog 

Instagram 

Facebook 

SadyCat 



167



169

Un grazie speciale a 

Un ringraziamento speciale ai nostri 

affezionati lettori che hanno messo il 

kiosk della rivista sulla loro land: 

Lee Olsen 

LUNDY ART GALLERY 

Tia Rungray 

STRUKTURO 

-Ñïéü- (nieuwenhove) 

NOIR’WEN CITY 

Dixmix source 

DixMix Art Gallery 

Anelie Abeyante 

La Maison d’Aneli 

Ilyra Chardin (ilyra.chardin) 

Emergent Gallery 

LIV (ragingbellls) 

Raging Graphix Gallery 

Michiel Bechir 

Michiel Bechir Gallery at Embrace 

Michiel Art Cafe 

Hermes Kondor 

Viktor Savior de Grataine (viktorsavior) 

SHINY (narayanraja) 

Bohemio Love 

Jaz (Jessamine2108) 

Art Promotion 

Camp Italia 



171

FOTOGR 

SCELTI SU F 

“inside me ” 

MIna Arcana 


LICKR 

AFI IN SL 

Scelti 

dall’editore. 

Splendide 

fotografie viste 

sul gruppo Flickr 

di 360 GRADI 

Magazine. 


173


Lilith 

Geordie 


175

Anto Haiku 



177


Santra 

Seranno 


179


Alba 

Silverfall 


181


Elaine 

Lectar 


183

ROXANNE 

MISS V 


ERROR 404 - 

NOT BOUND 


185


AshleyAlyson Yexil 


187


Lidiane 

Miller 


189


Santra 

Seranno 


191


Lilith 

Geordie 


193

ROXANNE 

MISS V. 



195


Lidiane 

Millerll 


197


Santra 

Seranno 


199

Lidiane 

Miller 



201


Santra 

Seranno 


203

Mina Arcana 



205

Grazie per la lettura. 

Speriamo che tu 

abbia gradito questo 

numero. 

360 GRADI Magazine 

Copyright. 

Non siamo affiliati a 

Linden Lab. 


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207

360 GRADI MAGAZINE - Gennaio/Febbraio 2021

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