TuttoBallo20 september2020- EnjoyArt

s e p t e m b e r 2 0 2 0 

F R E E P R E S S O N L I N E n o n r e g i s t r a t a D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t " 

TuttoBallo20 

LIUDMILA KONOVALOVA 

Wiener Staatsoper


TuttoBallo20 - September 2020 

In copertina :Liudmila Konovalova - Étoile Winer Staatsoper 

TuttoBallo20 - September 2020. 

Editore "Stefano Francia" EnjoyArt 

Direttore - Fabrizio Silvestri 

Vice direttore - Eugenia Galimi 

Segretaria di redazione - Pina delle Site 

Redazione - Marina Fabriani Querzè 

hanno collaborato: Ernesto Biagetti, Maria Luisa Bossone, 

Elena Botti, Marco Calogero, Antonio Desiderio Artist 

Management, Giovanni Fenu, Mauri Menga, Gianluca 

Nardulli Walter Garibaldi, Giovanni Battista Gangemi, Lara 

Gatto, Danilo Piccini. 

Foto: Danilo Piccini, Luca Bartolo, NYC DANCE PROJECT, 

Gennaro Guida., Veronica Napoleoni. 

Foto concesse da uffici stampa e/o scaricate dalle pagine 

sociale dei protagonisti. 

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direttore. I collaboratori cedono all'editore i loro elaborati a titolo gratuito. 

Testata giornastica non registrata di proprietà: ©ASS: Stefano Francia EnjoyArt 

per contattare la redazione Tuttoballo20@gmail.com 

Contro Copertina 

La contro copertina di Settembre è 

dedicata a due giovani artisti. 

Veronica Napoleoni, 

fotografa, che ha realizzato lo scatto della 

contro copertina. 

(www.veronicanapoleoni.com). 

Saverio Santangelo, (ritratto nella foto) 

Giovane ventenne siciliano, danzatore, 

attore di musical.

T U T T O B A L L O 2 0 | S E P T E M B E R 2 0 

E D I T O R I A L E 

F a b r i z i o S i l v e s t r i 

d i r e t t o r e r e s p o n s a b i l e 

Settembre è un mese dove tutto si rimette in moto. E’ il mese dei progetti e dei buoni propositi. 

L’importante, però, è che i buoni propositi si trasformino in azioni. Agli obiettivi fissati in vacanza, devono seguire 

le azioni, altrimenti restano sogni. Allora qual è il modo giusto di affrontare questo mese? 

Questo è il mese delle sfide con se stessi. Settembre è il mese delle nuove opportunità… Tu sei pronto a guidare 

la macchina della vita per raggiungere i tuoi obiettivi? La cosa migliore della fine di qualcosa (come la fine 

dell'estate), è un nuovo inizio. 

Fare tabula rasa, ricominciare, cambiare stagione e ruolo fa bene a tutti. E settembre potrebbe essere il mese 

dell'opportunità per migliorare se stessi e fare qualcosa per gli altri. Per raggiungere gli obiettivi bisogna 

rispettare alcune regole: 

Pensa positivo e sarai più felice 

I pensieri positivi sono una garanzia di felicità. Tutto ciò che pensi quasi sempre accade. Il cervello è un 

trasmettitore di emozioni. Il pensiero positivo produce endorfine, trasmettitori di energia vitale, da cui dipende il 

nostro umore, il sentirci bene o male. Attivando le endorfine riusciamo a ridurre stati emotivi negativi, 

producendo sensazioni di sollievo e benessere. Come svilupparle? Con il pensiero positivo, con la respirazione 

giusta, yoga e meditazione. Quindi, trovando il lato positivo in tutto quello che facciamo o sta per accadere, 

ritorna il buon umore. Un trucco per stare bene e cambiare modulazione del pensiero? Pensa a cosa divertenti, 

anche se ridi da solo, chi se ne frega… Guarda un film comico, oppure pensa che a breve potrai indossare di 

nuovo gli stivali che ti piacciono tanto. Sii sinceramente felice che torna settembre e trasmetti questa allegria a 

tutti… 

Non ti lamentare! 

Sapevi che ci lamentiamo in media 20 volte al giorno? (E generalmente senza motivi gravi...) Lamentarsi è come 

stare sulla sedia a dondolo, ti muovi ma non ti porta da nessuna parte. Più ti lamenti più darai importanza alla 

cosa che ti dà fastidio. Relativizza l'importanza delle cose facendoti la grande domanda: è davvero così grave 

da dargli tanta importanza? 

I cinesi dicono: Hai un problema e puoi risolverlo?… Perché ti preoccupi. 

Hai un problema e non puoi risolverlo?... Perché ti preoccupi. 

Saluta la pigrizia 

E’ finito il tempo della siesta. Togli il sombrero e inizia a muoverti. Sveglia presto la mattina, abbandona il 

malumore, programma la giornata con il sorriso. Piccolo trucchetto per superare la pigrizia. Tecnica del 

countdown spaziale … Quante volte in tv hai visto la partenza di un shuttle? Cosa fanno prima di lanciarlo nello 

spazio? Contano a rovescio 5, 4, 3, 2, 1, vai..alla fine del count down la navetta viene lanciata nello spazio … Ora, 

immagina anche tu di essere uno shuttle da lanciare ogni volta che devi fare qualcosa … Non rimandare più. Per 

ogni cosa che devi fare conta da 5 a zero e vedrai che al cervello darai la spinta giusta per fare quella cosa. 

Come alzarsi dal letto e non spegnere per 10 volte la sveglia … A proposito della sveglia, mettila distante dal 

letto, vedrai che quando suona sei obbligato ad alzarti … Io l’ho messa in bagno. E sai perché? Perché quando 

metti i piedi fuori dal letto, il corpo si sveglia automaticamente … 

Programma le tue giornate 

Rientrare a lavoro dopo un periodo di riposto, equivale a stressarsi ancora: leggere le e-mail, smaltire il lavoro 

accumulato, rimettere in ordine la casa, affrontare i problemi quotidiani e così via.. Per superare tutto in maniera 

allegra e brillante, prendi un quaderno, agenda o taccuino e scrivi le cose da fare nella giornata suddividendole 

in: cose da fare immediatamente, cose da fare in un secondo momento, cosa superflue, e cose che puoi 

delegare … 

Una volta stabilita la priorità delle cose da fare, inizi con una visione completa della giornata e sei anche 

contenta di fare le cose che hai stabilito tu e che nessuno ti ha imposto di fare … 

Fare Pulizie 

È dimostrato che pulire i luoghi in cui passiamo molto tempo ha effetti benefici per la salute mentale, quindi fai il 

primo passo mettendo a posto le tue cose in camera, in casa e in ufficio … 

Ascolta una bella playlist ballabile … balla mentre ascolti la musica, fai diventare il tuo cervello distributore 

automatico di endorfine e vedrai che il buon umore arriva …

A T T U A L I T Á B A L L O 

F I S C O E B A L L TuttoBallo20 

Anthony Mmesoma Madu 

La storia di un ballerino nigeriano 

Dopo una esibizione in mezzo al fango il giovane ballerino nigeriano 

ottiene una borsa di studio con l'American Ballet Theatre negli Stati Uniti. 

Dimostrando alla sua comunità che tutto è possibile. 

di Giovanni Fenu 

In questo periodo storico che stiamo vivendo, fatto di giornate concitate, di allarmi quotidiani sulla pandemia che minano le 

nostre fragili certezze quotidiane che inamovibili ritenevamo fino a qualche mese fa, la storia che proviene dalla Nigeria è 

come un raggio di luce nel buio tunnel che stiamo attraversando. Una goccia di speranza nel mare, agitato, del vivere 

quotidiano, un appiglio a cui aggrapparsi per tentare di risollevarsi fino quasi a toccare il cielo; tutto questo grazie alla 

fanciullesca leggiadria di un giovane ballerino nigeriano, Anthony Mmesoma che, con la sua performance ballerina sotto la 

pioggia, a piedi nudi nel fango, ripresa in un video che ha ben presto spopolato su YouTube, non solo ha commosso milioni di 

utenti nel mondo, ma ci ricorda anche come l’arte tersicorea può, con la sua leggerezza, esprimere al meglio il concetto di 

“sogno”. Il dodicenne Mmesoma, allievo della sede nigeriana “Leap of Dance Academy”, la quale intende raggiungere il 

miglioramento personale soprattutto attraverso il ballo, con la sua danza naturale, a piedi nudi nel fango con sullo sfondo le 

povere capanne del suo villaggio, ci ricorda – per citare Trilussa – che “tutto sommato la felicità è una piccola cosa”, anche – 

e soprattutto – una spontanea danza sotto la pioggia, in un povero, ricco villaggio della Nigeria. Il gesto di Mmesoma, che a 

me, spero di non essere impertinente, ricorda, per la sua spontaneità e leggiadria, la celebre danza sotto la pioggia di Gene 

Kelly in Singin’ in the Rain (1952), non è passato inosservato e ha destato l’attenzione di diversi “addetti ai lavori”. 

In particolare quella dell’ex ballerina nigeriana Fade Ogunro che, impressionata dalla grazia e dal talento di Anthony, non ha 

esitato a contattare la scuola di danza dove si allena il giovane, per garantire a lui e ad altri talenti nigeriani dell’arte 

tersicorea una borsa di studio che consentirà loro di studiare seriamente la danza classica almeno fino al compimento della 

maggiore età. Il genuino gesto di Anthony, a noi occidentali, soprattutto in questo momento così incerto e nebuloso, deve 

servire da sprone, da monito a non arrendersi, ad andare avanti con rinnovata speranza e fiducia. In fin dei conti tutti noi, così 

come il giovane danzatore africano, abbiamo quotidianamente il nostro “fango” sotto i piedi – chiamatelo come volete, che 

siano problemi economici, personali, esistenziali e quant’altro – che tenta di trattenerci a terra; e proprio in questi momenti, 

come ci insegna Anthony, che bisogna riscoprire tutta la nostra forza, la nostra fanciullesca leggiadria per librarci, come tanti 

ballerini, verso quel cielo che, se oggi è plumbeo, domani vedrà risplendere un meraviglioso arcobaleno. 

Parafrasando una celebre frase presente ne L’Idiota di Fiodor Dostoevskij, possiamo affermare che: 

“la bellezza (e la danza, nda) salverà il mondo”.

FC IO SM CP O E L E A NBN AI LE L OB A L L O 


La "Regina della danza" Carla Fracci il 20 agosto è stata festaggiata per i suoi 84 anni a 

Nepi, al Festival Internazionale della Danza e delle Danze diventando cittadina onoraria. 

Nella foto e tra le braccia dei ballerini: Giuseppe Picone Maurizio Nardi, Marlon Dino, 

Friedman Vogel, Oscar Chacon , Alexander Diablo, Ioaquin de la Luz. Fotografia storica e 

unica scattata nel 2013 dal maestro fotografo Alessio Buccafusca. Auguri!!! 

Il 25 agosto la "Fatina della Tv" Maria Giovanna Elmi ha festeggiato nella sua Tarvisio 

i suoi primi 80 anni. Annunciatrice, cantante di canzoni per bambini, conduttrice, Maria 

Giovanna Elmi è considerata il volto solare ed elegante di una televisione garbata. 

foto di Danilo Piccini. Auguri!

Salberg (Oslo 28/3/1952, Ariete), già campione di latin dance, icona della 

Espen 

internazionale, è diventato il coach di ballo più ricercato nel settore danza di 

danza 

è uno stilista di moda affermato nel 2004 crea 

Attualmente 

viola di Paulina (Jennifer Lopez) protagonista del film “ShallWe Dance”. 

l’abito 

un impegno e l’altro, mentre gira il mondo, siamo riusciti a fargli qualche 

Tra 

su danza e moda… 

domanda 

FP IE SR CS O N E A GBG AI LE L BO 

A L L O 


ESPEN SALBERG 

I L G U R U D E L L A D A N Z A S I R A C C O N T A 

coppia e non solo. 

di Pina Delle Site


A L L O 


Ciao Espen, dopo aver vissuto in ogni angolo della terra, attualmente, 

dove vivi? 

Io e il mio compagno Issy viviamo a Tokio. Quattro anni fa ci siamo trasferiti 

da Bali, Indonesia. 

Tu hai iniziato a ballare quando avevi 10 anni, come ti sei avvicinato 

alla danza? 

A 8 anni ho visto in televisione in Norvegia un team match di 10 balli tra 

Scandinavia e Inghilterra, e durante la pausa ci fu una gara di Team Macht 

Junior, quando ho visto ballare quei bambini mi sono innamorato 

immediatamente della danza. Dopo un pò ho iniziato a studiare danze di 

coppia in una scuola locale e da quel momento non ho più smesso… 

Tu hai ballato, Standard, Latino Americani, 10 Balli (titolato mondiale 

amatore e professionista). Cosa ti portò a scegliere definitivamente le 

Danze Latino Americane? 

Ho iniziato a ballare 10 balli perché quando si è bambini ti insegnano tutti e 

due, giustamente. A 10 anni ho iniziato a fare le gare vincendo vari titoli, 

europei, Mondiali. Quando ballavo con Kirsten il migliore risultato era 

sempre nei latino americani, così abbiamo scelto definitivamente quello 

stile, anche perché sono stato sempre attratto da 

dalle musiche latine. 

In rapporto ad oggi cosa ti manca della danza degli anni 70/80? 

In quegli anni, tutto sembrava più semplice. Avevamo un solo maestro, oggi 

le coppie ne hanno 8, 10. Io mi sentivo guidato, protetto dal mio 

insegnante. Abbiamo vissuto un ballo sano dove si pensava solo a ballare, 

migliorarsi e avere personalità. Oggi un ruolo importante lo gioca anche la 

“politica”. Il ballo di oggi qualitativamente è altissimo, quello che noto nelle 

coppie moderne è la mancanza di identità. 

I ballerini oggi sembrano tutti uguali, pochi danzano il proprio stile. 

Mancano di personalità. 

Tu oggi sei il modello al quale molti ballerini si ispirarono per 

diventare una star nella danza. E Espen Salber a chi si è ispirato? 

Quali erano i tuoi modelli quando ballavi? 

Ti ringrazio, mi fa piacere sapere che sono un modello, una guida per loro. 

Quando ballavo io, i modelli erano i campioni come Peter Eggleton e Brand 

Winslade, i pluricampioni Bille Bobbie Irvine. Nomi che non pronunciano i 

giovani di oggi, eppure sono loro che hanno fatto la storia del ballo. 

Espen Salberg e suo marito Issy 

nel giorno delle nozze, celebrate nel 2018 in Italia. 

Tu oggi sei un coach, coreografo affermato. La tue coreografie si 

distinguono da quelle dei tuoi colleghi soprattutto per la 

contaminazione tra i generi che tu hai introdotto. Come si crea una 

coreografia? 

Io provo sempre a essere me stesso. Anche quando avevo 16, 17 anni 

curavo io le mie coreografie. Quando ero competitore, io creavo le nostre 

coreografie, cercavo sempre di essere originale, e non avevo mai paura di 

non essere in linea con gli altri, anzi, volevo proprio creare il mio trend, il 

mio stile. Forse, questo è stato il modo migliore per cercare ispirazione. 

Quando crei una coreografia nel ballo, si cercano le giuste atmosfere; 

ascolto la musica latino americana e mi lascio trasportare dal ritmo, 

cercando di immaginare come i corpi dell’uomo e della donna possano 

ballare insieme, quale emozione sentano e quale debbano trasmettere al 

pubblico. Il corpo deve seguire il ritmo, mettere in gioco il carattere di quel 

ballo. Tutto questo produce ispirazione. 

Non esiste una ricetta giusta per fare una bella coreografia. Io ascolto la 

musica che scelgo o la coppia ha scelto, poi chiedo o mi domando perché 

l’ho scelta, e quale messaggio voglio veicolare. Poi studio la coppia, i 

protagonisti, le loro capacità, il loro potenziale. 

Entro nel loro territorio per capire se sono a loro agio e sono disposti ad 

imparare nuovi passi. C’è differenza tra coreografie da gara e quelle per 

uno show. Nel primo caso si guarda prima la tecnica, la personalità e poi si 

inizia a studiare i passi da eseguire in gare. Mentre nello show prediligo più 

lo spettacolo, la contaminazione di generi e stili. Ogni coreografia deve 

avere un forte appeal, che emozioni e catturi l’attenzione del pubblico. Mi 

piace coreografare, mi piace lavorare in team. La danza è arte e business, 

per questo bisogna sempre offrire una performance di alta qualità. Musica e 

mood sono assolutamente, per me, elementi importanti per creare una 

coreografia avvincente.


A L L O 

TuttoBallo20

P E R S O N A G G I E B A L L O 

F I C O E B A L L O 


Quando tu ballavi, c’era una sola federazione che organizzava i campionati, il vincitore era l’unico 

campione al mondo. 

Oggi, invece, con le varie federazioni che organizzano gare, campionati, ci sono due o tre campioni del 

mondo che rivendicano il titolo. Secondo te, tutto questo sta svalutando la danza? 

Il mondo del ballo si è sviluppato molto, rispetto a quando ballavo, oggi ci sono molte più coppie e credo per 

questo sia giusto offrire una scelta più ampia. D’altro canto, però bisogna anche dire che ogni federazione ha il 

proprio campione. E in giro per il mondo 

ci sono due, tre campioni del mondo. Questo, a mio avviso, abbassa il valore dei titoli vinti. Un titolo di oggi ha 

meno appeal per lo showbiz danza, rispetto a ieri, quando una sola coppia all’anno era campione. Secondo me, 

una coppia si può definire tale quando riesce a conquistare tutto il mondo per la sua bravura e poco importa a 

quale federazione appartiene. In teoria la tecnica, il carisma, l’appeal fanno di una coppia i campioni. Dico questo 

perché molte federazioni pensano che per diventare campione bisogna avere altre caratteristiche, penalizzando 

così un pò la tecnica. Se le federazioni promuovono ballerini che hanno tecnica scadente, tale concezione svaluta 

la danza… 

Dopo qualche anno dal tuo debutto, avvenuto nel 1973, tu lasci la Norvegia, per diventare cittadino del 

mondo. In tutti i traslochi che hai fatto (Londra, Roma, Bhali, Tokyo), Espen cosa cercava? 

Sono diventato cittadino del mondo perché volevo crescere, imparare da chi ne sapeva più di me… Nel 1973, io e 

Kirsten, ci siamo trasferititi a Londra perché volevamo entrare a pieno titolo nel circuito internazionale della danza, 

dal momento che nessun norvegese 

prima di noi era diventato campione mondiale. Noi ci siamo riusciti… Abbiamo vinto il titolo nazionale inglese e poi 

il titolo mondiale amatori Latini; quando siamo tornati in Norvegia abbiamo aperto la scuola di ballo. Poi siamo 

tornati in Inghilterra, nel 1979, abbiamo ballato come professionisti Latini fino al 1985, anno in cui abbiamo vinto 

proprio il Campionato Professionisti Latini. Da lì abbiamo iniziato a girare il mondo con lo show Latin Fantasy con 

Alan e Hazel Fletcher. In quello show ho imparato tanto, come coreografo e come stilista di abiti da ballo. Quando, 

nel 1993 ho deciso di smettere di ballare per dedicarmi di più sul mio sogno di diventare stilista, mi trasferisco a 

Roma dove inizio a studiare moda, poi nel 2007 mi trasferisco a Bali... 

Oxana Lebedew e Espen Salberg 

Ci racconti come ti sei avvicinato alla moda e come mai hai deciso di venire a vivere a Roma? 

Avevo 40 anni, come ti raccontavo prima, decisi di smettere di ballare per realizzare il mio sogno, quello di studiare 

moda… Mi trasferii a Roma per farlo. Mi iscrissi all’Accademia Europea di Moda di Franco Reale. Li è iniziato tutto. 

Mi ricordo che andavo tre giorni a settimana a scuola a San Lorenzo in Lucina, il resto dei giorni li passavo a 

studiare e insegnare. Una volta terminata la scuola, ho aperto il primo atelier di moda con Daniele Leonardi di 

Terni, come me, amico di Stefano Francia, poi con De Paolis e con varie ditte di produzione italiane fino al 2007, 

anno in cui sono andato a vivere a Bali anche per una situazione di salute, dovevo prendermi cura di me e 

prendermi un po' di pausa. Bali, invece, mi ha dato una forte opportunità, creando il mio brand “Firmato 

EspenSalberg”. 

Quando crei una collezione a cosa ti ispiri? 

L’ispirazione può arrivare da un profumo, da un colore, da un tessuto, da una donna stessa. Per me è importante 

rendere la donna, elegante e sensuale. Inizio sempre dalla visione di una silhouette e poi arriva il tema della 

collezione. Come l’ultima collezione, Profumo di Donna. Donna elegante, e sensuale, ricoperta di pizzo nero 

trasparente. 

Il tuo colore preferito? 

Il mio colore preferito è il nero. Ricordo che quando facevo il parrucchiere lessi in qualche rivista che i colori 

fondamentali della mo 

sono Nero, Bianco e Rosso. Quei colori li usavo anche per le clienti che ballavano e dovevano decidere il colore 

dei capelli; all’epoca, anche se azzardato, era importante farsi notare in pista, sono colori che in pista fanno 

ancora effetto. Oltre a questi tre colori base mi piace color champagne, color nudo nel tono giusto, verde smeraldo, 

pinkcerries, viola. 

Carolyn Smith 

Coco Chanel diceva: “Se una donna è malvestita si nota l’abito. Se è vestita impeccabilmente si nota la 

donna”, cosa rende unica una donna per “Firmato EspenSalberg”? 

La donna “Firmato EspenSalberg” è una donna unica, sensuale, elegante, fuori dagli schemi convenzionali. Amo 

molto curare la silhouette. Per il 95% lavoro su tessuti elasticizzati, perché è molto importante che l’abito sia 

comodo e questo rende la donna felice. 

Quali consigli puoi dare alle giovani ballerine per creare e tenere alto il loro personal brand, la loro immagine? 

Quando si parla di Personal brand è difficile dare consigli, soprattutto ai giovani di oggi che sono cresciuti con 

internet, e vanno alla ricerca del proprio stile copiando a destra e a sinistra, guardando su youtube i loro idoli. Per 

aiutarli veramente, bisogna assecondare la loro indole, cercando di tirare fuori la loro personalità, solo così 

possiamo guidarli. Bisogna rendere conto dell’inclinazione della coppia e lavorarci sodo. Poi, se si raggiunge 

l’obiettivo la soddisfazione è per tutti. 

I sogni del giovane Espen, si sono realizzati tutti? 

Espen ha realizzato tutti i sogni che aveva da bambino. Ora ci sono quelli da adulto, che non dirò mai a nessuno, li 

custodisco dentro di me e lavoro duro per realizzarli. Sono abituato a farcela da solo, qualora non ci riuscissi non 

mi vergogno a chiedere aiuto… 

Firmato Espen Salberg


A L L O 


"Fin da bambina mi è sempre piaciuto ballare"



Liudmila Konovalova è nata a Mosca (Russia). Si è diplomata alla Moscow Bolshoi Ballet Academy ed è entrata a far parte del Russian State Ballet nel 

2002. Nel 2004 è stata nominata prima solista e ha ballato i ruoli principali in "Giselle", "Don Chisciotte", "Schwanensee", "Dornröschen", "Der 

Nussknacker", "Danza delle ore" e "Paquita". Nel 2007 è entrata a far parte dello Staatsballett Berlin ed è stata nominata Solista nel 2009. A Berlino 

ha interpretato i ruoli principali in "Dornröschen" di Vladimir Malakhov, "Schwanensee" di Patrice Bart e "Der Nussknacker", "Scheherezade" (Fokin) 

e Pierre Lacotte. "La Vivandière" e "Concerto per violino" di Clark Tippet (Max Bruch Nr. 1), nonché altri ruoli principali in "Giselle" e "Das 

flammende Herz" di Patrice Bart, "Cenerentola" e "La Péri" di Vladimir Malakhov, "Paquita" "(Petipa), "Festa dei fiori a Genzano" (Bournonville) e 

"Sylvia" di Frederick Ashton. Nel 2010 è entrata a far parte della Wiener Staatsballett come solista ed è stata ì promossa a First Solist nel 2011. 

Premi e riconoscimenti: 3 ° posto al concorso "Young Russian Ballet" a Krasnodar (2004), Premio speciale dal Serge Lifar Ballet Competition a Kiev 

(2006), 2 ° posto al Concorso internazionale di balletto KIBC a Seoul, 1 ° posto all'ÖTR -Concorso a Vienna e nel Concorso di danza classica "Premio 

Roma" nel 2007, Premio Capri Danza International (2018). Nel giugno 2019 liudmila Konovalova è stata onorata dall'Ambasciata russa a Vienna per i 

suoi meriti del rapporto culturale tra Russia e Austria. 

I Tuoi esordi fino all'arrivo al Teatro dell'Opera di Vienna. 

Fin da bambina mi è sempre piaciuto ballare, quando ascoltavo la musica, in particolare la musica classica (Lo Schiaccianoci era mio preferito a quel 

tempo, 3-4 anni. In seguito, mi hanno iscirtto alla scuola di danza, dapprima privata, poi in quella professionale dell'Accademia Bolshoi. Il mio 

processo educativo non è stato facile ... Sono riuscita a malapena ad entrare in accademia, ma solo nella classe per "alunni poco talentuosi" e più tardi 

(2a classe dell'Accademia) sono stata buttata fuori dall'Accademia. Mia Madre ha dovuto scrivere una lettera per supplicare di tenermi in accademia 

e fortunatamente sono riuscita a finire tutto i corsi accademici. Il modo per diventare Ballerina e' stato molto arduo, pieno di ostacoli, ma credo 

proprio che questo mi abbia reso la Ballerina e la Persona che oggi sono. Ho imparato a superare qualsiasi difficoltà e a continuare sulla strada verso 

il mio sogno, il mio obiettivo! Uno dei momenti molto importanti della mia vita e soprattutto della mia carriera è successo in Italia a Roma! Ho vinto il 

Premio Roma Competition, dove il presidente della giuria era Maya Plisetskaya! 

E questo, e soprattutto Lei, mi ha aperto molte porte e ha fatto sì che le persone sentissero parlare di me, mi invitassero. È stato l'inizio della mia 

carriera internazionale. Più tardi, quando ero già prima ballerina della Wiener Staatsoper, sono stata invitata a ballare per il giubileo di M. Plisetskaya 

85 a Parigi ... Ma la nostra grande, anche straordinaria relazione stava iniziando in Italia, a Roma. A Roma ho incontrato per la prima volta anche 

Giuseppe Picone (Direttore del Balletto San Carlo) in occasione del mio Debutto al Lago dei cigni con il Teatro Dell'Opera di Roma, invitata dal 

manager Antonio Desiderio. E da quel momento abbiamo iniziato la nostra grande amicizia e collaborazione sul palco!



Cosa è importante per una ballerina? 

Molte cose… Ovviamente parto dalle mie esperienze. Il 

talento ovviamente è la base ma occorre anche un duro 

lavoro! 

Questa la grande combinazione. Se manca uno dei due,non 

si può avere successo. Inoltre, credere fortemente in cio 

che fai ed amare la tua professione! Un pizzico di fortuna 

serve sempre, ma devi essere pronto a cogliere quelle 

possibilità, e non puoi sederti, non fare nulla ad aspettare, 

quella fortuna ricadrà su di te come una Mela di Newton. 

Qual è il tuo ruolo preferito? 

Di sicuro Odette/Odile del Lago dei Cigni! L'ho ballato 

moltissime volte, ed è stato un ruolo importantissimo per la 

mia carriera, quindi sicuramento questo! Il mio debutto è 

avvenuto al Teatro La Fenice di Venezia. Era il mio sogno 

ballare lì! Ovviamente in parte perché Maria Callas cantava 

lì... .E io sono un grande fan di Maria Callas ... Un anno prima 

del mio debutto, ho visitato Venezia e in particolare La 

Fenice come turista, e quando sono entrato ho espresso un 

desiderio: “una volta nella mia vita, vorrei salire su questo 

palco e ballare qui”. Solo un anno dopo ero lì a ballare, 

invitata da Daniele Cipriani. 

Tornerai a Dicembre al Teatro San Carlo... 

Sarà la mia terza collaborazione con il Teatro San Carlo! 

E devo dire che mi sembra di tornare a casa. Ne sono 

enormemente felice! Quando sono entrato in questo 

teatro per la prima volta è stato un'emozione unica! Adoro 

gni angolo lì! È emplicemente incredibilmente bello e 

stimolante! 

Quando vai a scaldarti nella Sala Renata Tebaldi,e poi vedi 

gli omaggi impressi nel teatro a G.Rossini e G.Donizetti .....! 

Sono senza parole! E guardare dal palco il pubblico, con 

tutta questa bellezza, avere un pubblico italiano così 

caloroso, mi riempi il cuore di gioia! 

Cosa è la danza per te e quali sono i tuoi progetti futuri? 

Beh, è difficile descriverlo con le parole ... Penso che la 

danza sia la mia vita. Perché quando sono sul palco e mi 

esibisco, mi apro e porto dentro le mie esperienze di vita, 

porto tutto cio che è dentro di me, a volte anche qualcosa 

che non posso mostrare nella vita reale. Penso che il ballo, 

mi permetta di essere la vera me. Tra i prossimi progetti 

l'inizio della nuova stagione con il nostro nuovo direttore 

d'opera Bogdan Roščić e il nuovo direttore di balletto e 

coreografo Martin Schläpfer! 

Sono molto felice ed emozionato per questo nuovo capitolo 

della mia carriera! È stato uno dei miei grandi sogni 

lavorare con lui, per poter imparare e creare qualcosa di 

nuovo! Penso che niente possa essere più meraviglioso che 

essere un testimone o parte di un processo creativo 

quando sta per nascere qualcosa di bello!



Massimo & Alessia 

20 anni di passioni, danza e amore 

di Fabrizio Silvestri



Massimo e Alessia hanno avuto successo 

da oltre 20 anni. Insieme hanno ottenuto 

8 titoli mondiali, sono diventati campioni 

d'Europa e 18 volte campioni italiani, 

dilettanti e professionisti, oltre che 6 

volte campioni del mondo del Classi Show 

Dance. Il loro successo è basato su calore, 

musicalità ed espressione. 

La loro missione è creare una comunità 

che implichi un alto livello di 

insegnamento, attraverso studi di danza, 

materiali di coltivazione online ed eventi 

dal vivo, dando ai ballerini di tutto il 

mondo la possibilità di vivere 

un'esperienza straordinaria. 

L’obiettivo di Massimo e Alessia è quello 

di far evolvere il concetto di studio di 

danza, puntando sullo sviluppo personale. 

Nel millennio della comunicazione la 

coppia, sposata da 22 anni, ha elaborato 

un proprio modello, adattando gli 

insegnamenti della crescita personale alla 

danza, creando un “meta-dance” che si 

pone il fine di aiutare i danzatori ad 

esprimere le proprie potenzialità, la 

propria autenticità, utilizzando la danza 

come mezzo di crescita personale sulle tre 

intelligenze: mentale, fisica ed emotiva. 

Massimo e Alessia, cosa vi manca dei 20 

anni di agonismo? 

non ci manca la gara; abbiamo fatto 

agonismo per molti anni ed ad alto livello. 

Quando abbiamo deciso di smettere, nel 

2004, sentivamo che era il momento 

giusto, e da allora non abbiamo mai 

sentito la mancanza, certamente ballare e 

fare allenamento a volte ci crea 

nostalgia…. Tutto ha un tempo…un inizio 

ed una fine. Certamente sono stati anni di 

sacrifici , divertimento, fatica, crescita e 

soddisfazioni, ma crescendo i bisogni 

cambiano e gli obiettivi pure. La 

sensazione della preparazione e della 

performance è l’aspetto che ci manca 

maggiormente. 

Voi avete iniziato a ballare giovanissimi, 

siete rimasti sempre insieme, poi è 

arrivato il matrimonio e tre bellissimi figli. 

Qual è il segreto della vostra unione? 

Pazienza, perseveranza, complicità, 

rispetto e tanta voglia di mettersi in gioco 

per potersi migliorare, in modo da 

soddisfare il bisogno altrui e non solo il 

proprio. 

Massimo, Alessia: Come si gestiscono, 

famiglia, impegni personali e lavoro? 

I ballerini fin da giovani imparano a 

pianificare la propria vita…. 

Ora è tutto amplificato e non sempre 

semplice, avendo 3 figli molto impegnati 

nelle loro attività, i nostri impegni 

lavorativi e personali, il Franchising di 

scuole di ballo che gestiamo… Abbiamo 

capito che è importante una buona 

organizzazione; solo in questo modo si 

riescono a gestire più cose. 

Come vi siete accorti che la vita 

professionale doveva correre su un 

binario parallelo con la crescita 

personale? 

Tutto è iniziato grazie al ballo; abbiamo 

sempre creduto che l’aspetto umano 

fosse importante quanto il gesto tecnico. 

Il ballo è stato un mezzo per farci 

crescere come ballerini e come persone: 

da qui nasce l’unione fra il ballerino e 

l’essere umano; se non cresci come 

persona è difficile comprendere certi 

aspetti che il ballo richiede. Siamo 

entrambi appassionati di crescita 

personale, e abbiamo in piedi, da anni, un 

master in coaching personale. Molti dei 

libri che leggevamo già da amatori, erano 

quasi sempre incentrati su questa 

tematica, quindi il pensiero di poter 

esprimere se stessi al meglio, è ciò che da 

sempre ci ha appassionato. 

Nel corso della vostra carriera professionale 

avete sempre raggiunto tutti gli obiettivi? 

Massimo: la mia priorità nel ballo era 

quella di migliorarmi sempre, essendo un 

perfezionista, quindi difficilmente mi 

accontentavo di ciò che facevo e 

raggiungevo; appena raggiunto un 

obiettivo, ne formulavo altri. In realtà 

dopo aver smesso di competere ho 

realizzato che il vero scopo del ballo per 

me non erano i risultati anche se 

importanti, ma trasmettere delle 

sensazioni a chi ci guardava. 

Alessia: Penso che nella nostra carriera 

siamo stati, nonostante alcune difficoltà, 

caparbi nel credere in noi stessi a 

discapito dell’ambiente di allora che, 

nella maggior parte dei casi , apprezzava 

solo ballerini con una certa statura ed una 

tecnica classica. Noi abbiamo raggiunto 

l’obiettivo di sfatare queste credenze 

,sviluppando uno stile unico, innovativo e 

caloroso. Credo, quindi, che abbiamo 

raggiunto i nostri obiettivi, esprimendo 

cio’ che desideravamo .



Massimo tu sei un life coach, artist coach; hai scritto libri e creato corsi di formazione per ballerini e 

insegnanti di danza. Come hai scoperto la programmazione neuro linguistica? 

Quando ero ancora competitore lessi un libro sulla linguistica e, da qui è nata la curiosità di conoscere di più, 

non solo nella PNL ma anche di altre filosofie che hanno lo scopo di ampliare la conoscenza di se stessi e degli 

altri. Ho conseguito il master di PNL all’estero, master conseguito anche da Alessia. Dagli studi fatti e che 

continuiamo a fare abbiamo creato il modello Meta-Dance ( modello di eccellenza per ballerini); tale modello 

raggruppa le tecniche che negli anni abbiamo sperimentato, e che sono pensate unicamente per ballerini. 

Devo confessarti, comunque, che scrivere è attualmente una delle attività che faccio con più passione. Sto 

ultimando, infatti, un libro sulla comunicazione non verbale che sarà pubblicato a breve. Sia io che Alessia 

siamo appassionati di crescita personale, argomento che studiamo costantemente. Abbiamo comunque, 

come accennato, un master in PNL entrambi , acquisito circa 10 anni fa in Inghilterra . 

Massimo, come definiresti la PNL ad un ballerino che non l’ha mai sentita nominare? 

Come dicevo mi piacerebbe che i ballerini focalizzassero la loro attenzione sulla crescita personale. La PNL è 

una piccola parte di essa che si occupa di linguistica. Vorrei aggiungere che spesso molti usano in maniera 

non appropriata questo temine che va molto di moda, ma credo che solo chi abbia vissuto una propria 

esperienza, possa trasmettere autenticamente quello di cui necessita il ballerino-persona. 

Quali sono gli strumenti che deve avere nella propria borsa un ballerino? 

Puoi farci qualche esempio sui metodi che tu stesso hai usato e che un lettore di “TuttoBallo20” può applicare 

da subito. Ecco gli strumenti che abbiamo portato in borsa e che hanno fatto parte del nostro cammino: un 

libro, un asciugamano per il sudore, Pazienza, Ambizione, Credenza, Fanatismo, una spalla cui appoggiarsi nei 

momenti difficili, conoscenza dell’arte, pensieri sinceri, gratitudine ed un pizzico di stupore. 

Alessia, voi avete tre figli, sono ballerini anche loro? 

I nostri figli sono interessati al gioco del calcio, che io, da perfetta profana ed estranea all’’ambiente, sto 

imparando a conoscere ed ad amare per amore loro. Tutti e tre, inoltre, suonano uno strumento , questo per 

avvicinarli al mondo dell’arte 

Massimo, il Covid19, ha bloccato l’intera economia compreso la danza, molte scuole non riapriranno, 

altre riapriranno con difficoltà. Secondo te da dove bisognerebbe ripartire? 

Le scuole di ballo, a mio avviso, sono un potenziale enorme per soddisfare i bisogni dell’essere umano. 

Bisogna proiettare la propria attenzione su cosa è possibile fare nella situazione in cui ci troviamo; non 

possiamo cambiare il Covid , ma possiamo cambiare le nostre strategie a riguardo. Lamentarsi non aiuta, 

bisogna e ripeto bisogna, trovare strategie innovative. Il covid, a mio avviso, nella sua negatività sta dando 

l’opportunità di miglioramento, ci sta stimolando e, pur essendo un periodo incerto, oltre che difficile, bisogna 

diventare più creativi. Molte scuole hanno avuto problemi perché fanno attività di gruppo ; noi della 

Danceasfire, abbiamo una metodologia che focalizza la propria attenzione sull’individuo, e questo ci è stato di 

aiuto in quanto evitiamo gli assembramenti; inoltre abbiamo dato ai nostri allievi la possibilità di continuare il 

loro percorso facendo anche lezioni online. 

Come organizzatori voi avete rimandato la data dell’evento “Dance AsFireChampionships” che si terrà 

fine ottobre inizio novembre a Roma. Cosa ci puoi dire di più? 

In effetti il nostro evento "Danceasfire Championship" è stato rimandato al 16-17-18 di aprile 2021; l’edizione 

2020 era stata rinviata ad ottobre 2020, ma il manger dell’Hilton dei Cavalieri di Roma , ci ha palesato le sue 

perplessità a riguardo, vista la possibilità di aggregazione di più persone, e tenuto conto che nell’ultima 

edizione eravamo al completo sia in sala che negli spazi esterni. Contiamo, nell’edizione di aprile 2021, di 

avere la stessa qualità e servizio del 2019, con musica dal vivo, giudici internazionali, ed una partecipazione a 

livello mondiale. Avevamo, nel 2019, 15 nazioni partecipanti ed anche molti Italiani che ringraziamo per il 

supporto. Contiamo , pandemia permettendo , di organizzare al meglio la terza edizione ! 

Massimo e Alessia, quali sono i vostri obiettivi a breve, medio e lungo termine… 

Abbiamo molto progetti che stiamo passo dopo passo attuando e che, per scaramanzia, non vorremmo 

svelare ! A breve ci sarà la pubblicazione on line di Libri e materiale didattico disponibile sul sito danceasfire; 

il nuovo libro di Massimo su comunicazione e movimento sarà pubblicato a breve e stiamo lavorando per 

rendere il progetto studi Danceasfire, più conosciuto in Italia e all’estero 

Massimo come si fa a rimanere fedele ai propri obiettivi? 

Per prima cosa assicurarsi che si sappia cosa si vuole e non cosa non si vuole. Il cervello non comprende le 

negazioni; se, per esempio ti dico 

non pensare ad un elefante, la tua mente ti ha dato in questo momento l’immagine dell’elefante, ecco perché 

quando si formula un obiettivo bisogna formularlo proiettandolo su cosa si vuole raggiungere. Dopo aver 

compreso cosa si vuole, capire quali sono i piccoli passi da seguire dando loro una scadenza, deve essere 

misurabile, altrimenti diventa difficile. Una volta pianificato questo, bisogna darsi da fare, senza lasciare 

spazio alle abitudini che potrebbero ostacolare i programmi concepiti. I piccoli passi raggiunti danno energia, 

e questo crea una sensazione vincente nelle persona che è, quindi, motivata a fare il secondo passo. Quando 

lavoro con ballerini e persone “ comuni“, mi assicuro che essi, dopo aver raggiunto il mini obiettivo, si facciano 

un regalo, segnale importante dello scopo raggiunto. 

Volevamo ringraziare TuttoBallo20 e Fabrizio Silvestri per averci dato l’ opportunità di condividere un pò della 

nostra vita, sperando che la nostra esperienza sia di aiuto e motivazione al percorso di vita altrui. Buona vita a 

tutti, e come diciamo sempre...con la fiamma accesa.

PC EO RM SPO AN GA NG IGE I E E B AL L L O 


Matteo Sedda 

"GUERRIERO DELLA DANZA" CHE METTE 

IL 

SCENA TUTTO SE STESSO . 

IN 

di Giovanni Battista Gangemi



Questo progetto mi ha reso sicuramente 

più forte sul mio status e di conseguenza 

su chi sono. Sapere che questo spettacolo 

ha una valore non solo artistico ma anche 

politico mi rende fiero e mi fa venire voglia 

di continuare a creare. 

Hai avuto paura di diventare una persona 

vittima di scherno o di discriminazione? 

In verità no. Per fortuna ho sempre avuto, 

fin da piccolo, un carattere abbastanza 

forte. Durante l’adolescenza sono stato 

vittima di piccoli atti di bullismo, ma non mi 

hanno mai abbattuto, anzi sono riuscito a 

rispondere con determinazione. Un paio di 

anni fa mi è successo che alcune persone 

di mia conoscenza abbiano usato differenti 

luoghi comuni, non sapendo della mia 

sieropositività. Ma questo mi ha fatto capire 

che è la mancanza di informazione e la 

paura che ti porta all’errore. 

Una conversazione tra amici, inizia così l’intervista al danzatore Matteo 

Sedda, un giovane danzatore cagliaritano, residente in Belgio. 

Mi piace definirlo un “Guerriero della danza”, un danzatore che mette 

in scena tutto se stesso, facendo diventare la sua storia fatta di 

resistenza, resilienza e coraggio, una vera espressione poetica, 

utilizzando il suo corpo. Un ragazzo, semplice, vivo, alla ricerca della 

coscienza, delle emozioni, lui con i suoi modi di fare non parla alle 

persone, ma parla ai cuori, perché, in fondo, chiudersi in se stessi 

rende più fragili. Dire di se stessi e raccontare, come ha fatto Matteo, 

ci fa capire che non si è mai soli. 

Come è stato portare in scena se stessi e la propria esperienza di 

vita sul palcoscenico? 

Devo dire che è stata un’esperienza bellissima che mi ha fatto capire 

tanto. Ma più che il portare in scena lo spettacolo, quello che mi ha 

fatto crescere a livello artistico e umano è stato il processo creativo. 

Dover trasformare le tue insicurezze in qualcosa di costruttivo 

artisticamente è stata una bella sfida. Sapere che queste tue ferite 

sarebbero diventate oggetto di giudizio mi hanno fatto alle volte 

tentennare. Ho dovuto capire che per vincere sulle mie insicurezze le 

avrei dovute accettare e portare la mia vita personale in scena. Ho 

deciso di prendere il motto di Carol Hanish “Il personale è politico” e 

farlo mio, rendendolo pubblico attraverso le arti performative. Per 

fortuna lavoro con due ragazzi meravigliosi, Alessandra Ferreri e 

Joshua Vanhaverbeke, con cui abbiamo creato un collettivo chiamato 

Vitamina. Insieme siamo riusciti a portare e trasformare le mie paure in 

un prodotto artisticamente e politicamente valido e siamo molto 

contenti del risultato. 

Tu svolgi il tuo lavoro per lo più fuori dai 

territorio Italiano. Come è vivere la tua 

professione di danzatore all'estero e da 

ragazzo con Hiv? E come la vedresti la 

tua vita sul territorio Italiano? 

Vivo a Bruxelles e devo dire che mi trovo 

benissimo. Ogni anno ci sono tantissimi 

eventi culturali e festival di ogni genere 

che ti permettono di restare al passo con i 

tempi, per quanto riguarda, per esempio, il 

teatro. Hai la possibilità di incontrare 

tantissime persone di culture differenti e 

questo per un artista è importantissimo. 

Dialogare scambiandosi le idee sono la 

base per un ragazzo che vuole far parte 

cdel mondo dell’arte. E poi ormai si puòc 

dire che Bruxelles è la Mecca del mondo 

della danza contemporanea. Nel mondo 

del teatro non ho mai avuto problemi per 

la mia sieropositività, le persone sono 

molto aperte riguardo a questa tematica, 

ma questo non vuol dire che bisogna 

abbassare la guardia e che non ci sia un 

lavoro sociale e politico da fare. Anzi! 

Sto cercando di creare dei collegamenti 

con il territorio italiano ma non è semplice. 

Ci sono dei gusti che prediligo con il mio 

gruppo che non rispecchiano la scena 

italiana. Ma sono contento di aver trovato 

delle persone che credono nel nostro 

percorso. Come la Dancehaus più di 

Milano, Centro Nazionale di produzione 

della Danza e Moreno Solinas e Igor 

Urzelai della compagnia Igor and Moreno 

che hanno uno spazio meraviglioso a 

Sassari chiamato S’ALA / spazio per artist+.



Da quest’anno abbiamo iniziato una collaborazione insieme, inaugurata con “POZ!” per il festivalDANZA 

SassariDANZA. Sono molto contento di averli conosciuti e sono sicuro che sarà un percorso costruttivo per la mia 

crescita da performer e artista. Penso che sia difficile soprattutto al giorno d’oggi contare solo sulle proprie forze, 

bisogna saper farsi aiutare. Il concetto dell’artista autonomo, poliedrico e intoccabile degli anni passati sta finendo. Si 

sta tornando al concetto di collettività e aiuto reciproco. Un messaggio veramente importante per i giorni bui che 

stiamo affrontando. 

Secondo te ci sono tutte le dovute informazioni per quanto riguarda Hiv? 

Purtroppo no. Bisognerebbe inserire nelle scuole l’educazione sessuale e iniziare a non pensare più al sesso come 

un tabù ma come un elemento da affrontare in tranquillità e sicurezza. Sono convinto che molti problemi sociali di 

oggigiorno nascono perché ci sono dei grandi divieti sulla sessualità e di conseguenza il tema HIV/AIDS ne risente. 

Non parliamo poi di nazioni con una forte cultura religiosa, come l’Italia. Saper che i ragazzi d’oggi non usano o 

addirittura non sanno cosa sia il preservativo è veramente una piaga da debellare. E parlo soprattutto della comunità 

eterosessuale. La comunità LGBTQI+ è molto più informata su questo aspetto, abbiamo imparato dal passato per 

fortuna. 

Portando in scena "POZ!" quale è stato il messaggio che hai voluto trasmettere al tuo pubblico e cosa vorresti 

dire ai nostri lettori? 

Di essere liberi di poter dire ed essere ciò che si è. Da quando ho dichiarato al mondo la mia sieropositività mi sono 

levato un macigno dalle spalle. E devo dire che è una sensazione fantastica. HIV non vuol dire più morte, anzi... io sto 

bene e conduco una vita sana senza aver la paura di dover trasmettere il virus. I terribili anni 80 e 90 sono finiti. Siamo 

nel 2000 e la scienza grazie a Dio ha fatto dei passi da gigante. Quello che invece è rimasto indietro sono la stupidità 

e l’ignoranza umana che devo dire, guardandomi in giro sembra che stia aumentando a dismisura. C’è ancora 

tantissimo lavoro da fare a livello sociale e magari in futuro riusciremmo a debellare questo virus, ma saremmo 

veramente pronti ad avere un mondo senza pregiudizio? Pensando al nuovo virus Covid-19, che sta cambiando il 

mondo, sembra che la risposta sia ancora negativa. 

"Poz" photo © Paolo Ferri

INTERVISTA 

DOPPIA 



DI GIOVANNI BATTISTA GANGEMI

danza è vita, unione, talento ed emozione. Due ballerini della Compagnia "Semperor Ballet "of 

La 

, a confronto. Una vita per la danza e un amore in palcoscenico. 

Dresden 



Quando hai iniziato a studiare danza? 

Ho iniziato danza all’età di 3 anni , ovviamente per gioco ma già 

da così piccola sentivo sempre il bisogno di muovermi e avevo 

una connessione molto forte con la musica, presso il Centro 

Studio Danza di Gabriella Cutrupi a Reggio di Calabria . Ho 

iniziato il mio percorso professionale all’età di 12 anni studiando 

prima all’Accademia Nazionale di Danza a Roma per un anno, in 

seguito alla scuola del Teatro dell’Opera di Roma ed infine, all’età 

di 14 anni, ho continuato il mio percorso all’Accademia del 

Teatro alla Scala di Milano dove ho conseguito il diploma nel 

2011. 

Quando hai iniziato a studiare danza? 

Ho iniziato a studiare danza intorno ai 3 anni. Mia mamma è 

sempre stata molto affezionata al mondo della danza ed è stata 

lei a introdurmi in questo mondo.. 

Jon Vallejo 

Susanna Santoro 

Entrambi siete di Nazionalità diversa. E’ più facile fare 

carriera all’estero o nella propria Nazione? 

Premetto che dovunque si lavori, per fare carriera deve esserci 

un grande talento e tanta dedizione, a prescindere dal Paese. 

Detto questo, direi che la scelta del posto in cui si vorrebbe 

lavorare dipende anche da ciò che si desidera ballare. In Italia i 

Teatri che ti permettono di vivere facendo questo lavoro sono 

pochi e hanno basi per lo più classiche; all’estero, invece, il 

panorama della danza è più ampio e ti permette di spaziare di 

più e scoprire stili diversi. 

Come affronti la vita professionale con la vita 

sentimentale? 

Bene! Nonostante lavoriamo nello stesso teatro, abbiamo 

sempre orari diversi e raramente siamo nello stesso studio per 

una prova. Siamo entrambe persone a cui piace staccare la 

spina una volta usciti da Teatro, perciò quando torniamo a casa 

cerchiamo,per quanto possibile, di non parlare di lavoro e di 

goderci un po’ di relax. 

Come vedi la danza e la sua formazione della tua Nazione? 

L’Italia offre una qualità di insegnamento altissima invidiata da 

molti Paesi. Penso che se il nostro lavoro fosse valorizzato nello 

stesso modo in cui viene fatto all’estero, sarebbe un incentivo in 

più per spingere tanti nuovi talenti ad iniziare questo percorso e 

vedere un futuro aperto a nuove opportunità. 

Il tuo prossimo spettacolo? 

Il mio prossimo spettacolo è intitolato “We Will Dance”, si terrà al 

Semperoper Ballet Theatre e la premiere sarà il 18 Settembre. 

È insieme di Soli, passi a due e quartetti, tutti estratti da balletti 

diversi e scelti in modo da poter rispettare le regole e le misure 

sull’emergenza Corona Virus: massimo 10 persone 

contemporaneamente sul palco e minimo un metro di 

distanziamento . Un ottimo compromesso che permette di 

rimettere in moto il nostro lavoro e l’arte in generale. 

Cosa consigli ai ragazzi o alle ragazze che iniziano un 

percorso 

coreutico? 

Lavorate per voi stessi. Non aspettate che sia qualcun altro a 

dirvi cosa fare, siate affamati di informazioni e mettete in pratica 

tutto ciò che sentite. 

Raccontaci molto brevemente, come è Jon Vallejo? 

Jon è la persona più buona e generosa che conosca. 

Apparentemente molto calmo, è lui che mi calma nei momenti di 

stress, un porto sicuro dove rifugiarsi. Anche lui però ha dei 

momenti di agitazione ma è comunque molto bravo a gestirli ed 

a vivere sempre qualsiasi situazione in modo equilibrato, 

riuscendo sempre a sapere qual è la cosa giusta da fare. 

Entrambi siete di Nazionalità diversa. E’ più facile fare 

carriera all’estero o nella propria Nazione? 

Il talento che si trova tanto in Spagna quanto in Italia è di un 

valore incalcolabile; sfortunatamente non si può sempre 

sviluppare una carriera in tanti settori artistici come invece si 

può fare all’estero. 

Come affronti la vita professionale con la vita 

sentimentale? 

Specialmente nel nostro mestiere, emozionalmente altalenante, 

è necessario, almeno per me, avere una stabilità a livello 

personale. 

A prescindere dal mestiere, la vita privata è fondamentale per 

sostenere ciò che si vuole diventare. 

Come vedi la danza e la sua formazione della tua Nazione? 

Siamo molto lontani da un livello abbastanza alto di formazione. 

Molti talenti, poche opportunità . 

Il tuo prossimo spettacolo? 

Il prossimo spettacolo sarà il 18 settembre e si chiamerà “We Will 

Dance”. Sarà una serata di Gala dove balleremo diversi pezzi di 

diversi coreografi tenendo conto delle regole sull’emergenza 

Covid19. Una grande opportunità e fortuna per noi e per il 

pubblico. 

Cosa consigli ai ragazzi o alle ragazze che iniziano un 

percorso coreutico? 

Dedizione al cento per cento. Come tutto nella vita, date il 

massimo sempre e comunque. 

Raccontaci molto brevemente, come è Susanna Santoro? 

Mi rende ogni giorno una persona migliore. 

Ci compensiamo e ci completiamo.

F O R M A Z I O N E E B A L L O 


Inspiral Ballet: danzare appieno le emozioni 

di Chilian Estevez Heredia 

traduzione di laria Castanò 

Inspiral Ballet è un unico concetto, basato su nove materie tra loro correlate, responsabile di 

enfatizzare gli elementi interni ed esterni nell’educazione di un ballerino, da un punto di vista 

contemporaneamente fisico ed intellettuale. Riprendendo l’aneddoto per cui il miglior modo di 

imparare è fare, l’Inspiral Ballet va ancora più a fondo: il metodo più efficace per danzare è 

sentire il movimento dall’interno ed esprimere appieno le emozioni attraverso quest’ultimo. 

Analizzandosi internamente, i danzatori stabiliscono una relazione intrinseca con le varie 

parti del loro corpo e, considerando in aggiunta le dinamiche scientifiche più avanzate e 

complesse, riescono a comprendere e a rispondere ai “perché”, che si celano dietro ogni passo, 

oltre che all’aspetto tecnico ed artistico di ogni movimento. 

Il nostro obiettivo è preparare i ballerini attraverso una comprensione scientifica del loro 

corpo e lo sviluppo di una maggiore abilità nell’esecuzione e nella frammentazione di ogni 

gesto, affinché possano prendersi cura del loro corpo, in quanto strumento di lavoro, con 

saggezza ed intelligenza. Incoraggiandoli ad assumere alimenti ricchi di vitamine, minerali e 

proteine e fornendo consigli nutrizionali adeguati, promuoviamo la sicurezza e la longevità 

della loro carriera. La danza è un amalgama di scienze spiegate in un linguaggio silente, in cui 

il movimento è guidato dalle vibrazioni sonore, le quali si armonizzano nel sistema nervoso 

centrale e attraversano le cellule del corpo, utilizzando i neurotrasmettitori per replicare il 

suono; il cuore, invece, è responsabile di tradurre le sue pulsazioni esternamente, mediante i 

neuroni, nella forma di movimenti. 

I ballerini sono in grado di acquisire padronanza di loro stessi quando riescono ad utilizzare 

ogni atomo attivo del proprio corpo, e a dirigere tutte le energie verso lo stesso punto 

cardinale: le informazioni si trasmettono dal cervello alle ossa, ai muscoli e ai legamenti alla 

velocità della luce. Quando i danzatori raggiungeranno questo livello di consapevolezza 

corporea, acquisiranno un perfetto controllo del loro corpo, anche a livello cellulare, e i loro 

atomi saranno diretti verso un punto comune, come nella teoria quanto meccanica. 

Dal punto di vista microscopico, siamo circondati da una geometria perfetta, in cui i corpi che 

si spostano da un posto ad un altro, si muovono a spirale: dall’aria che entra nei nostri 

polmoni alle 320 paia di muscoli nel corpo, spiralizzati all’interno delle miofasce. 

Usiamo la sfera cinetica per definire il nostro spazio personale: il quadrato in cui decidiamo di 

posizionarci fisicamente in relazione agli altri corpi presenti (ad esempio, quando viene 

mantenuta la posizione “croice” o “en-face” sul palcoscenico). La matematica viene adoperata 

quando scandiamo il ritmo musicale a tempi di otto, quando calcoliamo la distanza tra ogni 

gamba durante gli spostamenti, i salti o i giri. Utilizziamo anche le leggi della fisica per 

stabilire i movimenti e i passi da eseguire durante le pirouettes ed i fouettes. 

L’ambiente che ci circonda ci forma, il mondo interno a noi ci definisce; ciò che consumiamo 

come cibo, infatti, ci nutre. Ciò significa che in un ambiente salutare e altruistico, dedito alla 

crescita fisica ed intellettuale, le nostre cellule sono in grado di svolgere funzioni metaboliche 

perfette e divisioni frattali. Se l’ambiente, d’altra parte, è contrastante, le cellule verranno 

inibite e saranno soggette a cambiamenti funzionali e distorsioni durante la divisione. Il cibo 

chiaramente riveste un ruolo predominante, proprio perché da esso dipende la nutrizione 

cellulare di ossa, legamenti e muscoli. 

Inspiral Ballet stabilirà presto diversi workshop per allievi, insegnanti ed educatori che 

vogliono cimentarsi nell’apprendimento di qualche nozione in più riguardo alle relazioni tra le 

suddette discipline e la danza, col fine di educare e fornire delucidazioni alle nuove 

generazioni. Per partecipare ai workshop, webinar e classi, visitate il sito: 

www.inspiralballet.com. oppure cercate il metodo su YouTube, FB, Twitter e LinkedIn. 

Gli insegnanti dell’Inspiral Ballet sono disponibili a prendere parte a commissioni, 

collaborazioni con artisti, progetti multimediali, riviste, gala, competizioni, eventi su misura, 

discussioni motivazionali. Ilaria Castanò



"DRAMMATURGIA E DANZA" 

RIFLESSIONI DI UN 

COREOGRAFO... 

Domenico Iannone 

coreografo per la compagnia di balletto “ALTRADANZA”.



Ho sempre pensato che la drammaturgia fosse parte integrante della danza. 

Danzatore classico, prima che coreografo, approfondendo la conoscenza della materia 

con studi di testi letterari, ed osservando numerosi spettacoli di danza contemporanea, 

ho potuto prendere atto di quanto sia importante la figura del drammaturgo nel 

contesto di un'opera coreografica e nel quadro complessivo di una compagnia tra 

coreografi e danzatori. 

Noti critici e professionisti della cultura coreografica, sottolineano quanto il ruolo di 

drammaturgo sia un fondamento che assume importanza interpretativa e autorevole 

nella danza per fa sì che nelle arti coreografiche e drammaturgiche coincidano acutezza 

di pensiero ed espressione, in un modello d’appropriazione della unicità artistica di un' 

opera. 

Questa visione tutt’oggi viene considerata da molti, che la applicano e la dispongono, 

espressione di quanto certe convinzioni possano essere comprese ma non 

necessariamente condivise totalmente, nonostante provi profonda stima artistica e 

culturale per i loro sostenitori. 

Scorgo in essi una carenza, ovviamente non per tutti, di una competenza della materia 

tecnica della danza accademica e delle sue evoluzioni storiche, notando nei lavori messi 

in scena, uno scollamento tra testo, coreografia e tecnica, discipline che è impossibile 

scindere, soprattutto quando inesistente è il testo. 

Non sono in assoluto, depositario di verità, ma nel corso della mia carriera artistica e 

creativa, il pensiero è stato sempre rivolto al pubblico, come fruitore dalle mia opera, del 

mio progetto artistico, legato al mio mondo interiore, al mio senso estetico e al voler 

sempre lasciare una traccia, un pensiero, un disegno emotivo ma soprattutto la 

sensazione a chi, seduto in platea, si sente partecipe del mio lavoro. 

Gran parte delle mie creazioni sono ispirate ai grandi della letteratura classica e 

contemporanea, ed al senso di lasciarsi trasportare dalla magnificenza della ricerca e 

delle esecuzioni musicali. Con la danza racconto storie, con la danza racconto emozioni, 

la danza è il mezzo con il quale trasmetto la mia spiritualità interiore.



Alessia Demofonti è una danzatrice. Ha scelto il flamenco come mezzo di 

espressione personale o come dice lei, “in realtà è stato il Flamenco a 

trovarmi”. Ha iniziato a danzare molto giovane (danza accademica, hip hop, 

danza orientale, afrocubana), ma l’incontro decisivo è stato proprio quello con il 

flamenco, che ha travolto e cambiato il corso di vita della giovane ballerina 

quando aveva 17 anni. 

"Il flamenco è un potente mezzo di espressione personale, permette di 

esplorarsi a fondo ed attraverso il linguaggio del corpo e la connessione con le 

emozioni più profonde può essere di grande aiuto per arrivare alla profondità 

spirituale e connetterci con la nostra forza interiore”- ci racconta Alessia - “è 

una possibilità per arrivare a sperimentare il cosiddetto Duende, termine 

intraducibile che sfugge da qualsiasi spiegazione di carattere razionale e 

definito da Lorca come: quel potere misterioso che tutti sentono e che nessun 

filosofo spiega”. 

Alessia che cos’è il Flamenco? 

E’ una bella domanda... la prima cosa che tengo a sottolineare è che si 

pronuncia con la C e non con la G (flamenCo e non flamenGo), come 

erroneamente si sente pronunciare troppo spesso. Il flamenco nasce in Spagna, 

precisamente in Andalusia, una terra ricca di cultura, contrasti ed influenze 

diverse, una terra in cui hanno vissuto, lottato, sofferto e gioito popoli che iì 

sono arrivati da tante regioni del mondo, dall’India alla Persia, dall’Europa 

dell’Est al nostro Mediterraneo e che lì hanno messo radici o lasciato tracce del 

loro passaggio. E' un’arte, una cultura vera e propria, unica, che nasce dal 

popolo e che si compone di mille sfaccettature derivanti dal vissuto personale e 

dall’esperienza dell’individuo. 

Il termine “flamenco”, etimologicamente parlando, è oggetto di diverse 

interpretazioni (alcune poco probabili in verità) tra le quali voglio citare quella 

del politico e scrittore spagnolo Blas Infante che fa derivare il termine dall’arabo 

“felah-mengu” (contadino che fugge); d’altronde l’Andalusia (Al Andalus così 

chiamata dai musulmani) ha avuto otto secoli di dominazione araba, diventando 

centro, potere ed espressione di quella cultura. 

E proprio dal potere espressivo del cante e dalla sua poetica nasce il flamenco, 

anche nella sua espressione musicale (“il toque” ovvero l’accompagnamento 

della chitarra) e naturalmente della danza (“il baile”). 

Il cante si divide in cante “jondo” (ovvero profondo, l’espressione più pura del 

flamenco, serio, malinconico ed appassionato), cante “medio” e cante “chico” 

(leggero, allegro). 

La sua nascita è datata verso la metà del 1800, quando era un’arte privata e 

riservata, condivisa solo all’interno del nucleo familiare: in seguito, con la scoperta di 

questa cultura e con un sempre maggior interesse nei suoi confronti, già all’inizio 

del Novecento hanno iniziato ad apparire i primi Cafè Cantantes, dove il flamenco è 

stato proposto in maniera commerciale, con una conseguente “caduta” della sua 

forma più pura. Dalla metà del secolo scorso il flamenco, fortunatamente, ha vissuto 

una fortissima ripresa riuscendo a divenire famoso nel mondo, senza però essere 

svilito come forma d’arte, e questo grazie anche ad artisti del calibro di Camaron de 

la Isla, Jose Merce, Enrique Morente, Carmen Linares (e moltissimi altri) per il 

“cante”, Paco de Lucia, Manolo Sanlucar, Tomatito, Gerardo Nunez, 

VicenteAmigoetc (per il “toque”) e Carmen Amaya, Antonio Gades, Manolete, 

Manuela Carrasco, Antonio Canales, etc (per il “Baile”) Il riconoscimento più grande 

arriva nel 2010, quando l’UNESCO inserisce il Flamenco nel Patrimonio Culturale 

Immateriale dell’Umanità perché è espressione di tutti i sentimenti dell’essere 

umano e quindi affine all’umanità intera. 

Il Flamenco, oggi, seguita ad essere un genere in continua evoluzione, 

assecondando quindi la sua stessa natura; e, se ancora c’è chi rimane fortemente 

legato alla sua forma più pura, possiamo affermare che attualmente il Flamenco è 

sempre più soggetto alla fusione, contaminazione ed integrazione con altre culture 

e forme d’arte. Io stessa collaboro ad un progetto interessantissimo che si chiama 

Flamenco Tango Neapolis (idea del musicista e compositore partenopeo Salvo 

Russo https://www.salvo-russo.com/flamenco-tango-neapolis/), un‘originale 

contaminazione di stili fra la canzone napoletana, il flamenco ed il tango argentino. 

Sempre parlando di contaminazione, insieme alla mia collega Nadia Slimani che 

insegna danza orientale, sto sperimentando una personale interpretazione del 

cosiddetto “flamenco arabo”, genere che non esiste codificato ma che appartiene ai 

moderni stili di fusione pur affondando le radici nella storia della Spagna araboandalusa. 

Il flamenco mi accompagna da quando ero una ragazzina quindi che 

dire... è proprio parte di me! 

Non potrei vivere senza, nonostante non sia la mia cultura d’origine, ma lo 

considero il mio modo di esprimere quello che sento e che provo e che, a parole, 

non sono affatto brava a mostrare. 

Chi può ballare il Flamenco? 

Beh direi che può ballare chiunque abbia qualcosa da dire... 

Il Flamenco non conosce barriere legate all'età o al fisico né tanto meno alla 

distinzione uomo-donna. Il Flamenco rappresenta lo stato dell’animo umano 

per cui se hai un’anima... puoi ballare flamenco. 

Link Utili 

https://www.youtube.com/watch?v=A_JlGbg6me0 Flamenco Tango 

Neapolis - 

https://www.youtube.com/watch?v=BT6MV0NcAFg Flamenco Arabo - 

https://www.youtube.com/watch?v=uIlaAg065h4&t=3s 

Alessia Demofonti 

www.corsoflamencoroma.com

FORTUNATO. TRATTO DA “I SENTIERI 

DELL’ARTE” ARTE E CULTURA IN MOVIMENTO 

S P E T T A C O L I E B A L L O 


AMANTI DI MAGRITTE DEL REGISTA 

GLI 

E DANZATORE LUIGI 

COREOGRAFO 

GLI AMANTI DI MAGRITTE 

LA DANZA E I GRANDI 

PITTORI



Luigi Fortunato (Coreografo e Regista) 

Talentuoso danzatore, inizia il uo percorso di studi 

della danza a Salerno per poi trasferirsi a Roma e 

continuare ed approfondire i suoi studi presso 

L’Accademia Nazionale Di Danza, dove incontra 

grandi maestri che completano la sua formazione 

tersicorea. Ma sono anche le esperienze professionali 

e lavorative a costruire la sua carriera, infatti vanta 

prestigiose collaborazioni con artisti del mondo dello 

spettacolo come André de La Roche, Ruben Celiberti, 

Renato Greco, Enrico Brignano, Edoardo Vianello, 

Maurizio Battista e partecipazioni a numerosi tour 

nazionali e produzioni Mediaset. E’ anche primo 

Ballerino nel Kolossal teatrale “La Divina Commedia”. 

Dal 2010 si dedica anche all’insegnamento della 

I sentieri dell’arte vuole essere un viaggio attraverso le più 

belle opere d’arte in cui la pittura prenderà vita attraverso i 

movimenti coreografici. L’idea nasce dall’esigenza di raccontare 

e far rivivere attraverso l’arte della danza le opere di grandi 

artisti quali: Picasso, Munch, Nesi, Matisse, Dalì, Van Gogh, 

Canova e Magritte. 

Le coreografie racconteranno la storia ed il contenuto dei 

quadri che rappresenteranno, sarà una fusione d’arte che 

immergerà lo spettatore in un mondo di colori di suoni e 

movimenti. Oltre all’interpretazione meramente storica, il 

coreografo ha voluto dare anche una sua visione delle varie 

opere scelte. 

Per quanto riguarda “Gli amanti di Magritte”, il coreografo è 

sempre stato affascinato dall’idea del pittore di raffigurare due 

soggetti che si nascondono attraverso un velo che cela mistero 

e inquietudine al tempo stesso. Pur essendo svariate le 

interpretazioni sul quadro degli “amanti” , il coreografo ha 

voluto mettere in risalto attraverso la gestualità del movimento 

due sentimenti in contrasto tra loro, la voglia di stare insieme 

ed il timore di essere scoperti ma, al tempo stesso, la passione 

che arde tra due soggetti che non possono far a meno di amarsi. 

Il duetto è sul brano musicale del Maestro Ezio Bosso “The 

skyseen from the moon” , in cui ci sono delle pause musicali che 

il coreografo ha sfruttato come momenti di unione e suspance, 

un continuo tira e molla in cui i danzatori sono avvolti dalla 

passione e non riescono a staccarsi l’uno dall’altro. 

scuole sul territorio nazionale, contribuendo 

numerose 

formazione di nuovi danzatori. 

alla 

2012 si dedica all'attività di coreografo e regista 

Dal 

riscuotendo consensi in 

Italia e all’ estero. Firma le 

coreografie per “Orfeo ed Euridice Amore immortale” 

con regia di Andrè de la Roche, 

per il concerto 

dedicato a Mia Martini "buon compleanno 

spettacolo 

E’ regista coreografo per i live show Floricienta 

Mimi". 

per “Masha e Orso Live Show”, e per I family show 

e 

Compleanno Topolino” di cui è anche autore e 

“Buon 

É Regista - coreografo- danzatore nello 

“Pegu”. 

"Intrecci D’Amore". 

spettacolo 

danza modern contemporary collaborando con

trentacinquesima edizione del Romaeuropa Festival rilancia la sua presenza con un 

La 

programma ricostruito in stretta aderenza alle direttive vigenti sul distanziamento in 

nuovo 

e in sala e nel pieno rispetto 

scena 

misure di sicurezza. Sono anticipate le date di apertura e chiusura del festival, in 

delle 

dal 18 settembre al 15 novembre per due mesi di programmazione 

programma 

in 14 spazi della capitale (due sale dell’Auditorium Parco della Musica, il 

internazionale 

Argentina e il Teatro India, sei spazi del Mattatoio, due spazi del MAXXI – Museo 

Teatro 

delle arti del XXI Secolo, il Teatro Vascello, il Teatro Quarticciolo e Villa Medici – 

nazionale 

di Francia) e con parte della programmazione en plein air, per 62 eventi e 141 

Accademia 

di spettacolo in linea e in continuità con i consueti standard del REf arricchiti con 

giornate 

nuove attività di EXTRACT, l’inedita sezione online con 40 eventi pensati in prima italiana 

le 

assoluta appositamente per il web, streaming live e un palinsesto settimanale di attività 

o 



curato dallo staff del festival.



1 8 - 2 0 s e t t e m b r e / P r i m a 

a s s o l u t a / O P E N I N G R E F 2 0 

A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a – C a v e a 

S a s h a W a l t z & G u e s t C r e a z i o n e s i t e s p e c i f i c ( d a n z a ) 

1 9 s e t t e m b r e 

M A X X I / P i a z z a . 

I n c o r e a l i z z a z i o n e c o n M A X X I – M u s e o N a z i o n a l e d e l l e A r t i d e l 

X X I S e c o l o - A n a g o o r M e p h i s t o p h e l e s ( d a n z a ) 

2 1 – 2 5 s e t t e m b r e 

V i l l a M e d i c i – A c c a d e m i a d i F r a n c i a S a n d r o V e r o n e s i , E d o a r d o 

A l b i n a t i , M e l a n i a M a z z u c c o , M i c h e l a M u r g i a e A l e s s a n d r o 

P i p e r n o . S u l l a p a u r a ( L e c t u r e s ) 


P r i m a N a z i o n a l e A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a - C a v e a W i m 

M e r t e n s I n e s c a p a b l e T o u r ( m u s i c a ) 


A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a C a v e a V a s c o B r o n d i - 

T a l i s m a n i p e r t e m p i i n c e r t i ( m u s i c a ) 

2 3 - 2 4 s e t t e m b r e 

P r i m a N a z i o n a l e - T e a t r o A r g e n t i n a B a s h a r M u r k u s | K h a s h a b i 

T h e a t r e T h e M u s e u m ( d a n z a ) 

2 6 – 2 7 s e t t e m b r e 

C o p r o d u z i o n e R E F T e a t r o A r g e n t i n a O H T - F i l i p p o A n d r e a t t a 

/ E n s e m b l e V o c a l e C o n t i n u u m 1 9 l u g l i o 1 9 8 5 , U n a T r a g e d i a 

A l p i n a m u s i c h e d i L i g e t i e a l t r i 


P r i m a E s e c u z i o n e N a z i o n a l e A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a – 

C a v e a B r y c e D e s s n e r , K a t i a & M a r i e l l e L a b è q u e , L u c a N o s t r o , 

P M C E - P a r c o d e l l a M u s i c a C o n t e m p o r a n e a E n s e m b l e – 

T o n i n o B a t t i s t a S t . C a r o l y n b y T h e S e a , C o n c e r t s f o r t w o 

P i a n o s , W i r e s , L a c h r i m a e , A h y e m , 

2 6 - 2 7 s e t t e m b r e 

P r i m a N a z i o n a l e - M a t t a t o i o – T e a t r o 1 B a s h a r M u r k u s , 

K h a s h a b i T h e a t r e - H a s h 


P r i m a N a z i o n a l e - A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a - C a v e a 

R o b e r t H e n k e C B M 8 0 3 2 A V ( m u s i c a ) 


P r i m a N a z i o n a l e - T e a t r o A r g e n t i n a K a t V a l a s t u r - R a s p Y o u r 

S o u l ( d a n z a ) 

2 9 – 3 0 s e t t e m b r e 

P r i m a A s s o l u t a N u o v a A u d i t o r i u m P a r c o d e l l a M u s i c a – C a v e a - 

A s c a n i o C e l e s t i n i . V e r s i o n e M u s i c a l e d i U n a l t r o P i e r i n o e 

i l L u p o e a n c o r a u n P u l c i n e l l a , 

I N F O / B O X O F F I C E 

0 6 – 4 5 5 5 3 0 5 0 / p r o m o z i o n e @ r o m a e u r o p a . n e t



RISE 

ATZEWI DANCE 

COMPANY




Interpreti di "RISE" 

ATZEWI DANCE COMPANY 

Ballerini ospiti: 

AMILCAR MORET GONZALEZ 

VIRGINIA TOMARCHIO 

ALEKSEJ CANEPA 

Se traduciamo la parola inglese rise abbiamo il seguente 

sostantivo: salita. Ebbene, questo momento che ha messo a 

dura prova tutti, soprattuto gli operatori del mondo dello 

spettacolo, è davvero un’ardua risalita. 

Ma Alex Atzewi non è certo un artista che si siede e quindi 

per lui questo momento è stato anzi un motivo di maggior 

stimolo creativo ed ecco che è nata una nuova produzione 

“Rise” che attraverso il movimento narra le difficoltà che 

abbiamo vissuto tutti. 

"Osservo che nella vita è come se ci fosse una continua 

montagna da scalare e dover superare e l’ascesa alle volte è 

talmente ripida da causare delle veloci scivolate le cui 

riprese sono inevitabilmente rallentate e pesanti” dice 

Atzewi. 

Il quadro coreografico si apre con un gruppo che, attraverso 

movimenti sospesi, alternati ad altrettanti che invece sono 

frenetici, rappresenta questa faticosa lotta per salire verso 

una meta. 

Alle azioni di gruppo si alternano figure singole anch’esse 

immerse nel continuo flusso dinamico dell’affannosa 

“scalata”. Non tutti riusciranno nell’intento. Alcuni, vinti dalle 

difficoltà dell’impresa, scenderanno rovinosamente lungo 

quella salita troppo ripida per loro. Ma questa è la vita. 

ALEX ATZEWI, direttore dell' ATZEWI DANCE 

COMPANY nata nel 1996 col nome New Dance Concept, il 

nuovo modo di concepire la danza di Atzewi ha subito un 

riscontro positivo ed entusiasmante sia sul pubblico che 

sugli addetti ai lavori tanto che nel 2001 la creazione 

"Communication" conferma Alex Atzewi come uno dei 

nuovi coreografi di spicco nel panorama ballettistico. 

Alex Atzewi, docente di danza contemporanea, coreografo 

e Direttore artistico della compagnia, ha creato molti 

lavori per personalità illustri: Corona Paone, Sabrina 

Brazzo, Amilcar Moret Gonzalez, Beatrice Carbone, Petra 

Conti e Marco Agostino. 

Le sue opere coreutiche sono rappresentate nei più 

importanti teatri e festival internazionali. Durante il 

lockdown ha creato l’idea della sua nuova produzione 

“RISE” che ha prodotto e portato in scena durante l’estate 

2020, artisti ospiti Alekseij Canepa, Virginia Tomarchio, 

Amilcar Moret Gonzalez, oltre la sua Atzewi Dance 

Company. Attualmente il corso Apad tenuto da Alex 

Atzewi vede la collaborazione con docenti e danzatori 

come Idan Sharabi, Fernando Troya, Loris Petrillo , 

Davide di Pretoro, Emilio Calcagno, Valerio Longo. 

atzewidancecompany@libero.it



CIRCO 

BIANCO 

Circo bianco gira tutta l'Italia da più di dieci anni, avvalendosi di artisti 

professionisti polivalenti e strutture acrobatiche ad alto impatto visivo. 

Le performance del Circo Bianco, sono un connubio circense 

tersicorèo. Gli artisti riescono a fondere le atmosfere ed emozioni che 

e discipline rappresentano, grazie all'integrazione di costumi e 

coreografie di alto livello che gli artisti esaltano in armonia, il tutto 

sotto la supervisione creativa di Francesca Ghini. Musiche, 

scenografie e coreografie sono studiate appositamente per ricreare il 

tema e la trama proposte dal Circo Bianco. Circo Bianco mette a 

disposizione una gamma di spettacoli già composti e, allo stesso 

tempo, fornisce la possibilità di creare spettacoli su richiesta, 

scegliendo un tema e una regia, o delle singole performance. Circo 

Bianco è seguito e supportato oramai da decenni da aziende partner 

che credono nel progetto , nell’arte e traggono profitto nel divulgare il 

proprio marchio grazie alle tantissime vetrine che il Circo bianco 

garantisce alle stesse. 

Francesca Ghini 

Attualmente da circa 6 anni, Francesca Ghini organizza, produce e dirige 

spettacoli di circo contemporaneo, ricrea ambientazioni e fiabe senza 

l’utilizzo di animali. Grazie ad uno spiccato talento artistico e organizzativo, 

Francesca riadatta ogni spettacolo in base ai contesti in cui viene 

proposto, da Teatri e Piazze , o singole attrazioni circensi per eventi privati, 

matrimoni, cerimonie o sfilate di moda, cene spettacolo o locali notturni. 

Francesca riesce ad adattare a qualsiasi circostanza gli spettacoli più in 

voga , grazie ad una vastissima scelta fra gli artisti acrobati da inserire a 

piacimento all'interno di ogni singolo show. Tutti i personaggi, dal corpo di 

ballo ai trampolieri e agli acrobati, interagiscono tra loro e con il pubblico 

dando vita a uno spettacolo di Circo Contemporaneo ad alto impatto 

visivo ! Francesca sceglie costumi e personaggi onirici e sorprendenti e li 

adatta magicamente al contesto scelto, alla location e al pubblico a cui si 

rivolge lo spettacolo. In contemporanea al lavoro di direzione artistica e 

produzione Francesca ha ideato diversi spettacoli portati poi in scena.

c a d e m y o f V i c t o r i a n D a n c e 

A 

w w . l i m p e r i a l e . i t 

w 

inviti, il comportamento e 

"Gli 

abiti." gli 

Viscardi e Gianna Menetti 

Vittorio 

Academy Of Victorian Dance 

Presidente 

sapiente conduzione del 

dalla 

di danze. 

maestro 

notevoli differenze 

Esistevano 

l’etichetta di un ballo 

tra 

ed un ballo privato 

pubblico 

comunque, ambedue 

ma, 

S T O R I A E B A L L O 


IL BALLO 

NELL’ EPOCA 

VITTORIANA 

S e c o n d a p a r t e 

serata dedicata al ballo, 

La 

un insieme di 

rappresentava 

bellezza, buon gusto, 

eleganza 

umore e vivacità, unite 

buon 

avevano una base comune.


Invito Orginale del 1861 

Invito Orginale del 1811 

Carnet (orginale) 


Gli inviti ad un ballo dovevano essere spediti come minimo dieci giorni prima 

dell’evento e dovevano essere scritti dalla mano dei padroni di casa che 

organizzavano la serata danzante. L’invito doveva avere un aspetto attraente e 

prezioso, con carta bianca oppure con un bel colore beige chiaro e riportare: il nome 

dell’invitato, il luogo della serata di danza, la data e l’ora dell’inizio del ballo. Esisteva 

anche un codice di comportamento preciso relativo all’invito: questo doveva essere 

inviato alla coppia principale della famiglia che si desidera invitare, poi uno ai figli e 

figlie e, se questa famiglia ospitava in quel momento qualcuno, anche costui doveva 

essere invitato ma solamente nel caso di un parente stretto. La risposta all’invito 

doveva essere spedita solo dalla coppia principale, mentre l’ospite della famiglia 

doveva rispondere in proprio. 

L’invito poteva anche essere rifiutato per cause particolari e il diniego realmente 

giustificato e spedito immediatamente. Casi del genere sono sicuramente accaduti 

ma, comunque, in casi rarissimi. In pratica, rifiutare un invito sarebbe stata una 

scortesia gravissima e in una società formale come quella dell’epoca, sarebbe stato 

preso come un insulto. Il rifiuto avrebbe certamente compromesso i successivi 

rapporti tra le persone, ed è per questo che si cercava di evitare che ciò accadesse. 

Un elemento importante da scegliere per la serata era quello della scelta della 

persona che avrebbe diretto il ballo. 

Il “Maestro delle danze” rappresentava un elemento chiave importantissimo. 

A lui si demandava la riuscita della serata che doveva essere, come detto sopra, 

elegante, divertente e da ricordare. Le danze venivano scelte su arie d’opera famose 

dell’epoca tant’è vero che molte musiche delle opere più in voga in quel periodo 

venivano “rimaneggiate” per permetterne l’esecuzione delle figure nelle quadriglie. 

In un manuale dell’epoca si legge: “Nessun gentiluomo deve avere la ventura di 

entrare in una sala da ballo e non conoscere le danze proposte, nonché le figure 

(delle quadriglie)”. Quando si conversava con una dama, il cavaliere si poneva 

in piedi davanti a lei (l’uomo in piedi a distanza “ragionevole”, e la dama poteva 

stare seduta). Era, naturalmente d’obbligo, parlare “Sotto voce”; mai parlare a voce 

alta, interrompere e sovrastare gli altri e mai ridere eccessivamente. Soprattutto non 

si doveva mai iniziare, e sottolineo MAI, una conversazione che avrebbe portato ad 

una sicura discussione con altri. In una serata di divertimento ciò sarebbe stato 

considerato molto fuori luogo. 

A tutti veniva fornito un “Carnet” con l’elenco delle danze, una piccola matita e 

accanto ad ogni danza c’era lo spazio per inserire il nome della persona con la quale 

si sarebbe danzato. Il “Carnet” era fornito con diversa forma e materiale per ogni 

ballo. Più il ballo era importante, più bello e realizzato con materiali preziosi, il 

“Carnet”. Queste “carte di danza” erano piccole; le dame le portavano al polso o nella 

piccola borsetta e i cavalieri nel taschino. Il “carnet” rappresentato in figura è a forma 

di ventaglio, con una mattina e una lente d’ingrandimento per leggere e scrivere i 

nomi. All’epoca le persone non portavano gli occhiali da vista che non erano un 

accessorio diffuso, come poi sarebbe diventato nei decenni successivi e, soprattutto, 

non piacevano. Gli abiti delle dame abbondavano in stoffa e avevano una forma a 

clessidra o campana (1850). 

Quali erano gli indumenti che riuscivano a dare questa forma gli abiti? 

Il primo era il “corsetto”, una specie di prigione per il busto. Era realizzato in stoffa 

con importanti inserimenti del materiale che allora si riteneva il più consono: le 

stecche di balena. Queste erano cucite all’interno, in apposite tasche lunghe e 

davano quell’effetto di vitino da “vespa” che si può riscontrare in tanti dipinti 

dell’epoca. Non era affatto comodo ma la sua funzione non era quella di essere tale, 

ma quella di dare una forma tipica ed elegante. Si allacciava principalmente sul 

retro, sulla schiena e riduceva la vita al massimo. Molto si è scritto su questo 

indumento che molti hanno definito “di tortura” ma la moda ha sempre il 

sopravvento e tale indumento continuò la sua corsa con modelli adattati ai tempi, 

fino ai primi del secolo successivo, il 900, quando a donna si liberò definitivamente 

da tale oggetto. Il secondo indumento che dava la forma a campana, era 

rappresentato dalla “crinolina” che era una gabbia che partiva dalla vita e si 

allargava gradualmente fino all’altezza della caviglia. Questa “gabbia” era formata da 

anelli di stecche di balena o metallo, sorretti da una rete o nastri che univano tutta la 

gabbia. 

Naturalmente sotto la “crinolina” la dama indossava gli indumenti intimi come i 

famosi “mutandoni” che arrivavano sopra la caviglia, e le calze al polpaccio. Sopra 

questi mutandoni venivano indossate le “sottogonne”, anche due e sopra la 

crinolina. Al di sopra della “crinolina” ancora “sopragonne” e infine la vera gonna 

finale lavorata. Questa ultima gonna era realizzata con una grande quantità di stoffa, 

prima di tutto per non far vedere i cerchi, poi per permettere all’insieme quella 

sofficità di movimenti tipici nella danza.



Le scarpe erano importanti e ben realizzate e avevano un tacco bassissimo, quasi inesistente; i guanti erano corti e arrivavano al polso. 

Gli abiti indossati dalle dame per il ballo, erano leggermente più corti di quelli indossati normalmente di modo che il movimento del 

piede non fosse ostacolato da impedimenti e quindi il piede potesse essere spostato agevolmente tra il pavimento e il vestito stesso. 

Sicuramente qualche incidente dovuto a qualche danza, tipo strappo della gonna, ci fu, ma rientrava nella normale statistica degli 

accadimenti. La parte superiore del vestito era scollata e scendeva sotto l’attacco della spalla. Piccole maniche scese ingraziosivano la 

parte superiore e avevano anche il compito di sorreggere il vestito che presentava un’abbondante scollatura. 

Attaccati alla piccola manica c’erano dei nastri e dei tulle adornati con guarnizioni di fiori che erano molto alla moda. Riguardo alla 

capigliatura la situazione si fa più complessa e precisiamo che le donne di allora portavano i capelli estremamente lunghi. 

A volte la lunghezza delle chiome sciolte arrivava fin sotto il ginocchio e oltre. Di notte, per dormire i capelli si portavano sciolti. Per una 

donna del 1800, avere i capelli lunghissimi e sopratutto belli e curati, era sinonimo di bellezza. Facile, quindi creare degli “chignon” 

voluminosi adornati anch’essi da nastri e fiori. Negli anni precedenti al 1850 il tipo di pettinatura era stata differente, con alte torri di 

capelli, riccioli portati anteriormente alle orecchie (le così dette “orecchie da cani”) e così via. Intorno al 1850 inizia a vedersi una 

acconciatura con la riga in mezzo che io chiamo “alla medusa”. 

Questo modo di aggiustarsi i capelli era già stato visto nei decenni precedenti ma sempre inserito all'interno di una acconciatura più 

complessa. Le ciocche laterali venivano raccolte e portate all’indietro in uno chignon posto sul retro della nuca. Nel dipinto che 

riportiamo qui di seguito si possono vedere le diverse acconciature in uso in quel periodo. Il dipinto di Franz Xaver Winterhalter 

intitolato “L’Imperatrice Eugenia in attesa è circondata dalle sue dame” rappresenta un balzo indietro nel tempo eccezionale e ci 

permette di ammirare non solo le acconciature ma anche gli accessori, i vestiti e la lunghezza delle chiome. Riportiamo per curiosità, 

l’elenco delle dame ritratte: L’Imperatrice Eugenia de Montijo, la baronessa de Pierres, la principessa d'Essling, la viscontessa di Lezay- 

Marnésia, la marchesa di Montebello, la duchessa di Bassano, la baronessa di Malaret, la marchesa di Las Marismas e la marchesa di 

Latour-Maubourg. Nel dipinto si può osservare che solo le ragazze più giovani portavano i capelli che toccavano le spalle, mentre le 

dame maritate li avevano più raccolti. … ed anche questo era un messaggio sociale. 

E finalmente si danzava...Fine della seconda parte. 

A c a d e m y o f V i c t o r i a n D a n c e 

w w w . l i m p e r i a l e . i t

T U T T O B A L L O 2 0 | S E P T E M B E R 2 0 2 0

Il Tango della vecchia guardia: 

la prima rivoluzione. 



di Federico Vessella 

foto © Pinterest:.it 

Szkola Tanca Bailando 

Krzysztof Owczarczak 

Taniec con Poznaniu 

https://milongandoblog.wordpress.com/



Esistono poche date determinanti nella storia del Tango, al 

punto da essere considerate pietre miliari nella ricostruzione 

storica di questo movimento; alcune di queste appartengono 

alla prima decade del Novecento ed hanno segnato una prima 

rivoluzione concettuale e musicale. 

Anno di grazia 1910. Uno strumento di origine tedesca, 

probabilmente brevettato nella prima metà del XIX secolo da 

Heinrich Band, per essere impiegato nella musica sacra come 

evoluzione dell’acordión, diventa il protagonista del Tango. 

Introdotto in Argentina da migranti europei tra il 1870 ed il 1880, il 

bandoneón viene integrato nelle orchestre, determinando la 

scomparsa di alcuni strumenti del tango primordiale dalle stesse 

formazioni (arpa e flauto). 

Lo stesso anno (alcuni sostengono l’anno successivo, il 1911), il 

bandoneonista Vicente Greco registra per la Casa Tagini, 

concessionaria della Columbia Records, i primi tanghi con una 

formazione dal nome “OrquestaTípica Criolla”, nella quale 

compare come violinista Francisco Canaro. A partire da questa 

esperienza, l’etichetta OrquestaTípica sarà indicativa proprio 

delle orchestre di tango, con l’aggettivo “tipica” ad indicare 

l’esecuzione esclusiva di musica popolare. 

Passano un paio di anni circa e nel 1913 un giovane Roberto Firpo 

porta all’interno dell’OrquestaTípica lo strumento che diverrà la 

locomotiva musicale del tango: il pianoforte. Pianisti avvezzi al 

tango, con esecuzioni da solisti, già esistevano a Buenos Aires, 

nei postriboli o nei locali che potevano permettersi uno 

strumento così costoso ed ingombrante. Firpo intuisce che può 

giocare un ruolo determinante insieme al bandoneón e al violino 

nel costruire una tessitura musicale distinta dal passato. Il 

pianoforte ha il vantaggio di essere uno strumento poliedrico, 

importante per la marcazione ritmica col suo registro grave, 

tanto quanto per la costruzione melodica col registro acuto. Ciò 

che lo differenzia da tutti gli altri strumenti utilizzati all’epoca 

dalle orchestre di tango è che non si può trasportare facilmente. 

Sembra un dettaglio, eppure, da quando si afferma il pianoforte 

nelle orchestre, queste cessano man mano di essere itineranti e 

si avviano verso un processo di stabilizzazione. Nel tempo, il 

pianoforte sostituisce la chitarra, che continuerà ad essere 

utilizzata come strumento di accompagnamento di altri generi 

popolari. Le partiture scritte per pianoforte costituiscono una 

sorta di scheletro armonico per l’esecuzione orchestrale ed il 

pianoforte, oggetto comunque di lusso all’inizio del XX secolo, 

avvicina al tango personaggi che appartengono alle fasce medio 

alte della società. 

Nello stesso decennio, questi cambiamenti nella formazione delle 

orchestre e negli strumenti causano una necessaria rivoluzione anche 

nello stile di suonare Tango. Si cristallizza una formazione standard per il 

Tango, che è il Sexteto: Pianoforte, due bandoneón, due violini e chitarra 

(sostituita poi dal contrabbasso nel 1920); 

il marcato in 2x4 tipico del ritmo habanera va scomparendo in favore del 

4x8, favorendo una linea estetica a vantaggio del fraseggio che 

accompagna lo sviluppo melodico e sfruttando appieno le potenzialità 

interpretative dei nuovi strumenti. 

Non sono passati molti anni dai quartetti o dalle rondallas di chitarre e 

mandolini, eppure il Tango esce da questa multi-rivoluzione totalmente 

rinnovato e più vicino a quello che oggi viene ballato in milonga. 

Tra le orchestre si vengono a creare due distinte correnti stilistiche, 

sempre frutto delle innovazioni della decade del ’10. La prima è capitanata 

dallo stile melodico ed ntellettuale di Roberto Firpo; la seconda, di 

matrice più ritmica ed energica, proposta da Francisco Canaro. Il Tango 

arricchisce il proprio guardaroba e comincia l’inevitabile competizione tra 

le case discografiche per il crescente business che sta+ maturando. 

Eppure, le novità non si limitano a quanto scritto finora, perché il 1917 

segna il sorgere di un altro grande fenomeno associato al Tango: siamo in 

piena Guardia vieja e nasce il Tango canción. Ma questa è un’altra storia. 

https://milongandoblog.wordpress.com/



T A N G O 

P A S S I D I P I A C E V O L I E M O Z I O N I 

Di Sandro Mallamacii 

Se il valzer viennese è il ballo romantico per eccellenza, che ti proietta in un mondo da 

sogno, di altri tempi, fatto di sentimenti puri, come nelle favole, il tango è il ballo 

sensuale che fa provare sensazioni fisiche, sensazioni forti, peccaminose, un ballo per 

gente vera, in tutti i sensi. 

Chi balla il tango lo fa perché vuole instaurare un rapporto fisico col partner, si 

concede senza inibizioni, senza censure, vuole toccare e farsi toccare, sentire il respiro 

sul viso, incrociare gli sguardi ammiccanti, insomma, veri e propri preliminari. 

Il tango non è per chi vuol mantenere le distanze. 

È trasportare e farsi trasportare. 

È il desiderio di sentire il corpo dell'altro scivolarti addosso. 

La quasi totalità delle frasi musicali del tango si eseguono in 8 tempi. 

La salida è la base composta da otto passi ed è la prima figura che si impara. Si svolge 

eseguendo una camminata nella giusta postura e seguendo il tempo della musica con 

le opportune pause. 

Se tutto è eseguito bene si ottiene la giusta espressività propria di questo ballo. 

Trattandosi di un ballo eseguito in costante contatto tra l'uomo e la donna è 

importante e fondamentale che ci sia un affiatamento ed una complicità tra i due. 

Bisogna sentire e trasmettere le emozioni l'uno all'altra. Oggi vedere ballare il tango 

argentino suscita piacevoli emozioni, ma non è sempre stato così. Alla fine XIX secolo, 

quando nacque nei quartieri portuali 

di Buenos Aires, era ballato da uomini di basso ceto, spesso appartenenti alla malavita, 

immigrati europei, soli, senza famiglia, che si accompagnavano con prostitute. La 

musica ed i testi erano ispirati dalla nostalgia per la patria lontana e dalle misere 

condizioni in cui vivevano. 

Il linguaggio utilizzato era il lunfardo, una vera e propria lingua nata dalla fusione di 

lingue europee ed il catalano parlato nella capitale argentina. La musica era composta 

per gli strumenti che gli immigrati europei avevano portato con sé, fisarmonica, 

chitarra, violino. 

Nei cortili dei conventillos si improvvisavano passi e ritmi per passare il tempo e non 

pensare agli affetti lontani, alla ricerca di qualche momento di svago, grazie alla 

disponibilità di quelle donnine, che per pochi soldi regalavano piaceri a quei diseredati. 

I primi tentativi di far conoscere il tango agli europei non furono positivi. Le modalità 

con cui si eseguiva erano considerate molto scandalose, a partire dai vertici della 

Chiesa Cattolica, che ritenevano più consoni e pudici balli più formali come il valzer, 

che non prevedevano il contatto fisico tra i ballerini. 

Maestri pionieri della diffusione del tango in Europa hanno dovuto trovare il modo per 

fare accettare questo ballo agli ambienti dell'aristocrazia e della Chiesa. E ci sono 

riusciti modificandolo, miscelando figure di altri balli e creando musiche più adatte ai 

nuovi passi. 

La società ipocrita e moralista alla fine sdoganò questa moda di ballare "sans courant 

d'air". Oggi il ballo di coppia, così inteso, è considerato una vera e propria terapia per 

rafforzare il legame di coppia, un vero elisir per il menage e per l'intesa fisica, come 

dimostrano studi scientifici in base ai quali i partner ballerini hanno rapporti sessuali 

più frequenti ed una migliore qualità di relazione di coppia. 

Il tango argentino è al top. 

Vederlo ballare da una coppia affiatata è come assistere ad un film erotico. 

Ti piace guardare, ma ti vien voglia di farlo!



La foto tagliata: fine di un amore 

di Rosella Simonari 

Come inizia una relazione? Come finisce, se finisce? E cosa 

accade se vi sono interessi professionali di mezzo? 

La relazione fra Josephine Baker e Alberto Spadolini 

invita a porci queste domande. 

Baker divenne famosa per la sua danza nella rivista a Revue 

Nègre (1925), mentre Spadolini raggiunse il successo 

assieme a Baker ne La Joie de Paris (1932). 

Nel 1932 Baker era divenuta un’artista raffinata che aveva 

iniziato a cimentarsi anche con il canto. Di Spadolini parlò in 

una recensione prima della prima de La Joie de Paris, 

definendolo atletico. 

Non è chiaro quando il loro rapporto iniziò, ma fu di una 

certa importanza, almeno per Spadolini, il quale invitò la 

madre, Ida Romagnoli, a raggiungerlo a Parigi per conoscere 

Baker. 

Nel 1935 Baker e Spadolini si esibirono a Londra, al Prince 

Edward Theatre, ma Baker venne fischiata, mentre Spadolini 

fu celebrato. 

È per questo che il loro rapporto terminò? 

Probabilmente sì. Gelosia professionale. 

Grazie al materiale raccolto da Marco Travaglini, nipote e 

studioso di Spadolini, abbiamo una foto enigmatica di questa 

fine, dono di Alex Wolfson, manager di Spadolini: Spadolini e 

Baker insieme con indosso costumi hawaiani, probabilmente 

per via del loro numero "Hawaï” ne La Joie de Paris, con il 

capo di Baker però tagliato fuori dall’inquadratura. 

Secondo Wolfson, quando la loro relazione finì, Spadolini 

distrusse tutti gli oggetti che gliela ricordavano e Wolfson 

riuscì a salvare solo parzialmente questa foto, in quanto 

Spadolini stracciò il viso di Baker dall’immagine. 

Eppure è una bella foto, Spadolini è in piedi e tiene in 

braccio Baker, il cui corpo si staglia sul piano orizzontale, con 

la schiena arcuata indietro. 

Una traccia, un’intensa traccia di una storia che fu.po del 

testo. 

Foto Atelier Spadolini, su gentile 

concessione di Marco Travaglini, 

nipote e studioso di Spadolini 

Joséphine vista da Condé Nast 

Spadolini balla avvinto a Joséphine Baker al Casinò de Paris 1932; Alberto Spadolini ritratto da Dora Maar, danzatore nudo con globo,Parigi 1935



di Susan Walker-Spence



Bill Irvine (1926-2008) MBE e Bobbie Irvine (1932-2004) MBE 

Bill, nato in Scozia e Bobbie in Sud Africa si conobbero a Johannesburg; Bill 

dopo aver servito la Royal Navy iniziò a lavorare in quella città per la famosa 

“British Champions” di John Wells e Renee Sissons. (John era il fratello di Elsa 

Wells primo organizzatore dell’International Championships alla Royal Albert 

Hall, Londra). 

Bill in Sud Africa gareggiava nei Professionisti con Aida Kruger, (lui era già un 

professionista a 16 anni avendo vinto 2 scellini in una gara Amatoriale 

Scozzese - quando era vietato agli amatori vincere soldi- e Bobbie era già 

Campionessa del Sud Africana insieme a Vernon Ballantyne. Le due coppie 

sono state invitate a Londra per ballare un Team Match dopodiché sia Aida 

che Vernon decisero di smettere di ballare, lasciando Bill e Bobbie soli a 

Londra. Tornando in Sud Africa, Bobbie studiava con Bill per diventare 

“Maestra di ballo,” si innamorarono e decisero, così, di ballare insieme 

(anche se, essendo Bobbie più alta di Bill, all’inizio a Bobbie l’idea non 

piaceva!). Sì sposarono nel 1957 e, dopo aver vinto il Campionato di Sud 

Africa diverse volte, decisero di trasferirsi a Londra per studiare con i più 

bravi insegnanti dell’epoca: Eric Hancox, LenScrivener, Charles Thiebault, 

Constance Grant e, poi, Sonny Binick. 

Il loro primo grande successo fu nel 1960 a Berlino quando vinsero il 

Campionato del Mondo Standard. Il loro primo “British Standard 

Championship” l’hanno vinto nel 1962. Il Mondiale Latine nel 1965, il “British” 

Standard e Latine nel 1966 e nel 1968, entrambi i Campionati del Mondo, 

Standard e Latine nello stesso giorno alla Royal Albert Hall. In totale 13 

volte Campioni del Mondo! Nella loro carriera hanno fatto stages e lezioni 

in ogni angolo della terra ed hanno ricevuto tutti gli onori che è possibile 

ricevere nel mondo della danza compreso, nel 1967, il Member British 

Empire, (MBE) della Regina Elisabetta 11. 

Bill è stato il Presidente del’ ISTD (Imperial Society of Teachers of Dancing) e 

del WDC (1980-82), al tempo conosciuto come ICBD ed era poi famoso per il 

suo ruolo di Presidente della giuria a Blackpool, come Bobbie che giudicava 

sempre dalla sua postazione preferita: a sinistra del palcoscenico! 

Sia Bill che Bobbie amavano l’Italia; Bill fu Presidente della giuria presso il 

FEINDA (Festival internazionale della Danza) organizzato da Adalberto e Lalla 

Dell’Orto nel 1984 a Marina di Carrara. Questo competizione divenne una 

delle più importanti del Mondo , conosciuta poi come il grande “Cervia” e Bill 

continuò come Presidente delle Standard ogni anno per più di 20 anni, 

compito che poi verrà diviso con Peter Maxwell (Latine) e Stefano Francia 

(Direttore di Gara) vista l’enormità dell’impegno che tale compito richiedeva. Il 

loro insegnamento e la collaborazione con molte delle più brave coppie 

Italiane divenne notevole; Augusto Schiavo, presentò il “Bill e Bobbie 

Irvine Awards” a Verona per diversi anni in loro onore. 

Bill e Bobbie divennero autori e protagonisti di molti cambiamenti ed 

evoluzioni nel Ballo “Standard”, ottenuti, - come loro fortemente credevano – 

partendo da una solida base tecnica. Negli ultimi anni della loro vita e 

carriera, iniziarono a notare una mancanza dei principi tecnici nel ballo - 

problemi di “Over Choreography”- per cui i passi eseguiti non erano più 

caratteristica delle danze di appartenenza. 

Secondo Bill, il “Tempo" (attuale non musicale) significa progresso e non si può 

stare fermi; bisogna avere nuove iniezioni di idee, e gli insegnanti devono avere un 

approccio intelligente verso i principi della coreografia; non si può tornare al 

vecchio perché la danza è progredita da molti punti di vista"... E ancora : “Il 

consiglio che do ai giovani ballerini é di fare allenamento in modo intelligente e 

apprendere i principi fondamentali di base di ogni danza e di applicarli al loro 

ballo. La coreografia non è sufficiente per farti diventare un Campione! Devi 

capire i principi basilari di Rise and Fall, lavoro di piedi e tecnica. Purtroppo ci 

sono troppi difetti tecnici basilari nella danza di oggi - che non saremmo stati in 

grado di fare e di lasciare andare anni fa. Il libro di tecnica é lì come una guida e 

quando lo capisci, la tua danza diventerà più facile e migliore.” 

E’ impossibile citare Bill senza ricordare gli insegnamenti di Bobbie, lei non me 

lo perdonerebbe mai! Il suo prezioso consiglio alle Dame - ad allenarsi era: 

“essere visto e non sentito (col rumore dei piedi), farsi sentire ma senza ostacolare, 

essere visto ma non mettersi in mostra, muoversi e non allontanarsi, essere attivo 

ma non attivato, avere tono ma non tensione, ricevere slancio ma non darlo, 

essere in equilibrio sui propri piedi, sentire la danza nel tuo corpo, seguire e non 

guidare, adattarsi e non essere adattato e permette alla musica di infiltrarsi nel 

tuo corpo”. 

C’è così tanto da scrivere su questi due danzatori, insegnanti e mentori 

ispiratori; spero che questo articolo abbia dato un idea di chi erano queste 

due leggende delle danze di coppia. Avendo avuto la fortuna di studiare con 

loro come giovane competitore e poi di averli conosciuti meglio come colleghi 

e amici - posso dire che oltre al successo ottenuto nel ballo grazie alla loro 

tenacia, tenevano fortemente anche ai valori più importanti della vita...due 

persone più gentili, umili e leali, credo, siano difficili oggi da trovare.

F O T O G R A F I A E B A L L O 


R E G U A : C O R P O | M A T E R I A | G E S T O 

T 

foto © Luca di Bartolo, Giulia Vacca

F O T O G R A F I A E B A L L O 


La fotografia e la danza, un passo a due per raccontare il movimento “danza”. Luca di Bartolo, fotografo, 

da qualche anno lavoro progetti che uniscono l’arte coreutica alle arti visive, foto e cinema. Il nuovo 

progetto si chiama Tregua. 

E' un progetto di video danza che vede la luce durante uno degli shooting per il progetto CORPO | 

MATERIA | GESTO di cui ci ha raccontato nel numero di Agosto. 

Nasce all'interno della torre del Nuraghe IsParas in Sardegna (Isili), su una grata di tondini di ferro a 

protezione di un pozzo, una oscura voragine. Vuole essere un lavoro personale e introspettivo sul 

periodo di difficoltà vissuto da Giulia durante il lockdown. 

La grata è un sostegno immaginario, inizialmente un punto di ancoraggio, ma potrebbe rivelarsi allo 

stesso tempo nemica e ostile. 

Rispecchia ciò che Giulia cercava in quei giorni di quarantena, trovare la luce ed il buono che poteva 

esserci in quell’immobilità apparente. 

Gli scatti fotografici e le brevi riprese eseguiti durante la nostra prima visita, ci hanno 

condotto alla decisione di tornare sul posto con un progetto coreografico definito, puntare ad 

una fotografia che giochi su profondi sfuocati, incentrata sul corpo e sui gesti, puntare ad una sonorità 

che raccolga i seppur minimi rumori: le mani che scivolano sul metallo arrugginito o i piccoli pezzi di pietra 

che cadono nel pozzo. 

Per dare vita a Tregua abbiamo deciso di attivare una campagna di raccolta fondi sul portale 

europeo di crowdfunding Ulule. 

Questa scelta nasce sia dalla necessità di acquistare dell'attrezzatura audio che ci permetta di raccogliere 

dettagli sonori quali lo stridio della polvere di pietra tra le mani, sia per sostenere economicamente la 

partecipazione ai festival di cinema. 

Per chi avrà il piacere di aiutarci abbiamo pensato ad alcune ricompense in parte simboliche 

(ringraziamenti nei titoli di coda, cartolina di ringraziamento ecc.), in parte reali (una copia del 

cortometraggio su supporto fisico, una stampa 40x60 a scelta tra i miei tanti scatti di danza) 

(https://it.ulule.com/tregua/)

C O R P O E B A L L O 


Sport a 50 anni: 

come scegliere le attività giuste per tonificare i muscoli, dimagrire e stare bene 

di Eugenia Galimi 

Dopo i 50 anni il metabolismo rallenta, ma allenandosi con regolarità e con le 

discipline ad hoc si può aumentare il dispendio energetico e mantenere il 

peso forma, oltre a conservare muscoli tonici e benessere a 360°. 

Mangio come una volta eppure ingrasso. Come mai?” 

Si tratta di una condizione comune alla maggior parte delle donne (ma anche 

degli uomini) over 50. Il responsabile di questo disagio è il rallentamento 

del metabolismo, ovvero la riduzione della velocità con la quale il nostro 

corpo brucia le calorie. Questo delicato meccanismo che regola l’equilibrio tra 

le calorie introdotte con gli alimenti e le calorie consumate dalle cellule per far 

fronte alle diverse richieste energetiche dell’organismo, con l’avanzare dell’età 

e con i cambiamenti ormonali legati alla pre-menopausa e alla menopausa, 

perde il suo bilanciamento. 

Per accelerare il metabolismo bisogna quindi aumentare il dispendio 

energetico quotidiano che è influenzato principalmente da tre fattori: 

dal metabolismo basale (quantità di energia impiegata da una persona 

sveglia ma rilassata, in condizioni termiche neutre e a digiuno da otto ore), 

dalla termogenesi indotta dalle attività digestive (la digestione delle 

proteine è la più vorace di energia, a seguire i glucidi e poi i grassi) 

dall’attività fisica. 

La strada migliore per accelerare il metabolismo è praticare regolarmente 

attività fisica, in questo modo si costruisce la massa muscolare magra, il 

tessuto che brucia più calorie, anche 10 volte in più della massa grassa. Non 

solo: potenziando la massa magra si incrementa anche il metabolismo basale. 

Ma quali sono le attività più indicate per accelerare il metabolismo a 

partire dai cinquant’anni? Perdere peso: meglio la palestra o la danza? 

Uno dei difetti del lavoro in palestra è che spesso si concentra su una sola 

area del corpo. 

Questo fa sì che il grado di allenamento delle varie zone del corpo, braccia, 

busto, gambe – sia disomogeneo. Va a finire, infatti, che si allenano solo le 

gambe, per esempio, mentre le braccia restano meno allenate e perciò ancora 

flaccide. Il lavoro in palestra spesso non promuove un buon allenamento di 

tutto il corpo, ma solo di alcune zone. Questo non capita con la danza che 

predispone un lavoro che interessa ogni zona del corpo. 

I movimenti coinvolgono sia le gambe che le braccia, nonché il busto, 

allenando tutti gli addominali, compresi i dorsali. 

La danza è un ottimo allenamento poiché aiuta ad allenare tutto il 

corpo. Già dopo un paio di lezioni, il fiato migliora e insieme a esso la 

resistenza, segno di aver già fatto un buon lavoro. 

Oltre ciò, per molti non è facile proseguire ed essere costanti negli 

allenamenti in palestra, anzi, molto spesso, si rinuncia dopo poche lezioni. 

La causa più frequente degli abbandoni pare sia la noia: ci si stanca presto di 

esercizi ripetitivi e se non ci si sente coinvolti e stimolati, non si accende la 

passione e la fuga dai corsi è inevitabile. 

Un altro motivo, invece, per cui faresti subito meglio a preferire un corso di 

danza alla palestra è il divertimento. La palestra è solo fatica mentre con la 

danza, la fatica un po’ si dimentica. La ragione è legata alla musica: non c’è 

danza che non utilizza la musica e questo è un vantaggio da non 

sottovalutare. Ballare è molto divertente e ti aiuta a non sentire la fatica che i 

muscoli del tuo corpo stanno facendo. È vero che la musica c’è anche in 

palestra ma non ci balli su, la ascolti e basta per distrarti un po’. 

Ballando a ritmo di musica, ti diverti molto di più e non senti la fatica cha fai. 

La danza, inoltre, è un’efficace terapia antidepressiva che aumenta l’autostima 

oltre a migliorare la salute del cuore e aumentare la resistenza fisica, 

favorendo l’equilibrio e la flessibilità corporea.

è entrare in mondo 

Creatività 

tuo sporcarti le mani, vestire 

tutto 

bambini formulano alcune 

I 

sulla base di un pensiero 

analogie 

tipico dell'infanzia, mentre 

magico 

mente di un adulto o di uno 

la 

produce analogie che 

scienziato 

poi passare al vaglio di 

dovranno 

pensiero logico che giudicherà 

un 

esse siano plausibili e utili: 

quanto 

il ricorso alle analogie è una 

ma 

fonte di nuove idee. 

continua 

un genitore o un insegnante 

Se 

creare un clima favorevole 

vuole 

creativa, dovrebbe 

all'espressione 

alcune semplici strategie. 

seguire 

i più piccoli essere spontanei 

Per 

più facile, quelli un più grandi 

è 

essere allenati a lasciar 

possono 

il pensiero in modo ch 

correre 

a porsi volontariamente 

riescano 

una situazione rilassata, senza 

n 

di un obiettivo 

l'esigenza 

per cui sia possibile 

prioritario, 

nascere un'idea dall'altra. 

far 

Cropley “la creatività, consta di tre 

Per 

l’aspetto intellettuale (la 

componenti: 

di produrre idee), l’aspetto 

capacità 

(la disposizione a farsi 

motivazionale 

in mente qualcosa e poi ad 

venire 

anche queste idee) e 

articolare 

emozionale (il coraggio di , 

l’aspetto 

si oppone alla pressione 

che 

la disponibilità al 

all’adattamento; 

ecc.)... è necessario favorire tutti 

rischio, 

tre gli elementi della creatività, 

e 

questa nasce dall’interazione 

poiché 

sue componenti”. 

delle 

lo studioso evidenzia 

Inoltre 

qualità essenziali dei creativi: 

7 

essere capaci di produrre molte 

1 

idee 

essere consapevoli dei problemi 

2 

avere abilità analitica e sintetica 

3 

essere originali 

4 

possedere elasticità di pensiero 

5 

per centrare il nocciolo delle 

6 

questioni 

porre questioni in modo nuovo. 

7 

Vygotskij parla della 

Anche 

Vygotskij pensa che la 

creatività. 

nasce in risposta al 

creatività 

che ogni uomo avverte di 

bisogno 

all’ambiente circostante. 

adattarsi 

psicologo russo sottolinea come 

Lo 

alla creatività, pur 

l’attitudine 

patrimonio di ognuno, si 

essendo 

in maniera e in misura 

manifesti 

nei vari soggetti, in quanto 

diversa 

di numerosi fattori, tra cui, un 

frutto 

di rilievo è occupato 

posto 

sociale e culturale in 

dall’ambiente 

l’individuo è inserito. 

cui 

possibile riconoscerne due forme 

E' 

creativa. 

l'attività 

riproduttrice è: “...legata in 

L’attività 

strettissimo alla nostra 

modo 

e consiste essenzialmente 

memoria, 

riprodurre o ripetere fogge di 

nel 

già da prima 

comportamento 

ed elaborate, o nel far vivere 

create 

d’impressione precedenti. 

tracce 

attività non crea nulla di 

Questa 

e, fondamentalmente, essa si 

nuovo, 

a una più o meno esatta 

riduce 

di ciò che già c’era”. 

ripetizione 

l'attività creativa ha a che 

Mentre 

con i sentimenti. Per Vygotskij 

fare 

il sentimento, non meno 

dunque 

pensiero, è un fondamento 

del 

all’atto della 

indispensabile 

tanto che, nella 

creazione, 

che l’immaginazione 

convinzione 

un processo di natura 

sia 

complessa, non 

estremamente 

dimenticare che ciò che 

bisogna 

creazione è “l’atto 

chiamiamo 

di un parto,il risultato di 

catastrofico 

M E N T E E B A L L O 


di Giovanni Battista Gangemi 

La creatività 

Penso che la creatività sia qualcosa 

di molto importante per il 

bambino e non solo. 

La creatività per me è libertà, 

libertà di esprimere in modo 

'diverso', 'anormale', 'insolito'. 

Creatività è fare qualcosa di 

particolare, qualcosa che nessuno 

fa, qualcosa che ti far stare meglio 

e in cui metti i tuoi stati d'animo. 

La creatività ti esonera delle 

stereotipie del mondo, dalle regole 

che il mondo ti obbliga, perché 

tutti dobbiamo essere uguali, 

burattini plagiati. 

vestitiì diversi, inusuali. E non 

importa se belli o brutti 

l'importante è essere liberi, liberi di 

volare, liberi di essere se stessi. 

oltre l'arte 

principali: l’attività riproduttrice e 

Anzitutto è necessario rispettare le 

domande insolite o divergenti. 

(Mediazione di reciprocità). In 

secondo luogo è fondamentale 

mostrare che le idee sono prese in 

considerazione. E inoltre è 

importante incoraggiare l'autoespressione 

in attività sia 

spontanee che pianificate. (Criterio 

di Mediazione intenzionalità e 

un’intima, lunghissima gestazione e 

Reciprocità). 

maturazione”. 

.



STRESS DA RIENTRO 

Rilassati, raccogliti, allontana 

da te ogni altro pensiero. 

Lascia che il mondo che ti 

circonda sfumi nell’indistinto. 

(Italo Calvino) 

Ciro Vinci 

pianista - compositore - musicoterapista



IMPARA A GESTIRE LO STRESS 

Secondo fonti Istat lo “stress da rientro” è una condizione molto comune che riguarderebbe un italiano su 

dieci. Si tratta di una risposta psicofisiologica dell’individuo alla reimmersione nello stress quotidiano; una 

condizione di malessere psicologico e fisico che si sperimenta a fine estate. Il rientro nel contesto 

lavorativo e nella routine abituale comportala conduzione di ritmi serrati che si sostituiscono a quelli più 

lenti dei periodi di vacanza. Ritornare alla quotidianità evitando lo stress non è un’impresa impossibile. Gli 

esperti, in diversi campi, sono concordi nel suggerire un valido accorgimento per fronteggiare questo tipo 

di malessere: . Prolungare il benessere goduto durante le ferie serve 

ad allentare la tensione, ad allontanarsi da pensieri negativi e riprendere la normalità con la giusta energia. 

Quante volte, per tirarsi su di morale, si ascolta un pò di musica o una canzone in 

particolare? 

In tutte le epoche e le culture, l’uso del suono è stato riconosciuto come strumento dalle potenzialità 

curative. 

Il ricorso alla musica, da anni, è diventato una vera e propria terapia, ormai il miglior farmaco emotivo. 

Perché? 

Perché la musica ci comprende, anticipa le nostre sensazioni, accompagna i nostri sentimenti, ci porta 

esattamente dove vorremmo essere. La musica è la compagna insostituibile della nostra vita. Ci segue 

sempre, da quando nasciamo a quando invecchiamo, ci aiuta ad esprimerci, ad interagire, a stare meglio, ci 

regala un tappeto emotivo per tutti i momenti più importanti della nostra vita: motivo valido per farsi 

trasportare dalle note di qualche brano a cui siamo particolarmente legati, sentendoci coinvolgere 

emotivamente. Triste o allegra che sia, la musica ed il suo effetto benefico sono indiscutibili. Attenzione, 

c’è bisogno di una guida all’ascolto. Un suono che tocca il cuore porta con sé un ventaglio di emozioni, 

immagini, ricordi e significati importanti per l’ascoltatore. Paradossalmente, ciò rende vano il tentativo di 

fruire di brani che fungano da “medicinali” facendo star bene chiunque l’ascolti, poiché una musica può 

essere emozionante e significativa per una persona o completamente neutra, se non addirittura fastidiosa, 

per un’altra. 

Allora come fare? 

Basta seguire poche regole di base, per raggiungere efficacemente il nostro scopo. Fortunatamente si può 

ascoltare musica anche mentre si pratica attività sportiva o semplicemente si riordina la scrivania. Per 

amplificare l’effetto benefico dell’ascolto ci si può concedere un momento di relax durante la giornata con 

una cadenza stabilita, individuando un piccolo spazio dedicato a questo scopo in cui creare un’atmosfera 

rilassante: con luci soffuse o addirittura sfruttando gli effetti magici della cromoterapia, preferendo colori 

freddi (toni del blu/verde/viola), che hanno una vibrazione più bassa e non eccitano le nostre cellule, per 

pareti, tendaggi o indumenti. 

Scegliere brani che prevedono musica solo strumentale, possibilmente niente canzoni o melodie 

conosciute. Per il relax non è la melodia a fare la differenza, ma altre caratteristiche musicali. Innanzitutto il 

“tempo”, che dovrebbe collocarsi tra i 60 e gli 80 impulsi al minuto (per seguire la frequenza regolare del 

cuore). Il ritmo dovrebbe essere costante, non sincopato (senza interruzioni improvvise), nessun 

rallentamento o aumento di frequenza. È da preferire un pattern melodico ripetitivo, senza improvvisi 

cambi di articolazione. La musica, inoltre, può variare sia di tono che di intensità a patto che queste 

variazioni avvengano gentilmente, senza stacchi troppo bruschi e, in ogni caso, senza percepire eccessi. 

Sarebbe preferibile evitare le musiche troppo malinconiche, dato che un suono che ci emoziona troppo 

non ci si rilassa. In generale, un brano musicale“soft”dovrebbe generare sensazioni positive ed evocare 

ricordi o situazioni serene e piacevoli, ma questo dipende dalla sensibilità e dall’emotività personale. 

Alcuni specialisti in musicoterapia compongono musiche ad hoc, ritagliate sulle specifiche esigenze dei 

fruitori/ascoltatori, che rappresentano l’optimum. Altrimenti, si trovano sul web raccolte di brani da 

ascoltare per “rilassarsi”. L’importante, durante l’ascolto, è praticare una respirazione lenta, regolare e 

profonda. Le musiche più utilizzate vengono selezionate di solito dal repertorio di alcuni autori di musica 

classica o del genere New Age. Un’intera sinfonia è da evitare, perché propone troppe variazioni; meglio 

optare per singoli movimenti, in particolare gli Adagio e l’Arioso. Ampio spazio va comunque dato alle 

preferenze personali, nel rispetto dei propri gusti musicali. Non c’è una ricetta precostituita, bisogna 

scoprirla. La musica è mistero, ne sappiamo ancora pochissimo, ma il potere del suono è indiscutibile. 

Seeing is believing!

E D U C A Z I O N E E B A L L O 


Regole fondamentali 

I bambini, in quanto persone, hanno bisogno di regole. Le regole fanno 

parte della vita, sia a livello sociale che naturale, e insegnare la capacità 

di limitarsi e gestire la frustrazione è parte integrante del percorso 

educativo. Non si tratta di reprimere o non permettere la libera 

espressione, ma di far si che l’individualità possa essere incanalata in 

modo corretto senza diventare per questo un limitazione per il prossimo. 

Vediamo come è giusto introdurre e gestire questo aspetto spesso 

delicato e complesso dell’educazione di un bambino. Credo, innanzitutto, 

che le regole debbano essere poche, ma comunicate in modo chiaro e 

sintetico e sempre concordate precedentemente dalla coppia genitoriale. 

Non è necessario un lungo elenco di divieti e norme, sarà preferibile 

avere poche e semplici indicazioni di comportamento. Inoltre, aspetto 

importantissimo, devono per forza di cose essere coerenti con i nostri 

comportamenti: ad esempio, non chiederemo a nostro figlio di mangiare 

seduto se siamo soliti mangiare in piedi o di fronte alla televisione, il 

nostro esempio rimane sempre l’aspetto più importante ed il fattore 

decisivo nel processo di imitazione e crescita. 

Ricordiamo che la creatività ed il gioco sono il linguaggio dei bambini, per 

cui sarà spesso più semplice per noi far comprendere alcuni concetti 

ricorrendo al linguaggio fantastico: ad esempio inventando una storia per 

spiegare l’importanza di lavarsi i denti dopo aver mangiato, piuttosto che 

imporlo senza troppi giri di parole. 

Eccedere in spiegazioni astratte e irrazionali non porta a nulla di positivo, 

il linguaggio deve essere adatto all’età del bambino senza forzature o 

desiderio di renderlo adulto precocemente. 

Cosa fare di fronte al così detto capriccio? 

Innanzi tutto dobbiamo sempre distinguere fra bisogno e desiderio e 

rimanere fermi e sicuri senza possibilmente alzare la voce. L’aspetto più 

importante che va considerato quando ci troviamo di fronte a 

comportamenti del genere è di non stigmatizzarli e di non esprimere 

pareri negativi, il rinforzo positivo è molto più efficace della punizione o 

del rimprovero. 

Dobbiamo sempre avere presenti quelle che sono le necessità ed i tempi 

soggettivi del fanciullo: se, ad esempio, ci troviamo di fronte ad un 

bambino molto agitato probabilmente sarà preferibil trascorrere molto 

tempo a giocare all’aria aperta per permettergli di sfogare le sue 

energie, piuttosto che guardare la televisione e pretendere calma e 

silenzio. 

I bambini hanno tempi diversi dall’adulto, la lentezza nel fare è associata 

al bisogno di sperimentare ed apprendere; avere routine giornaliere ben 

chiare che scandiscano la giornata potrà rivelarsi molto utile per la 

serenità di tutti. 

In conclusione: 

dobbiamo eliminare il più possibile i nostri sensi di colpa e le nostre 

proiezioni e stabilire un rapporto di fiducia volti all’attenzione del 

bambino. Rispettare i suoi tempi e del vivere in una società nella quale 

tutti hanno il diritto di essere se stessi. Però, rispettare il bambino non 

significa sottomettersi a lui, né depauperarlo dell’insegnamento e della 

trasmissione delle regole necessarie per il vivere civile. Non basta sancire 

e far rispettare le regole, lasciando che rimangano 

condizionamenti esterni. Bisogna che siano apprese e interiorizzate, 

perché il bambino impari a cavarsela. 

Dott.ssa Michela Mignano 

Pedagogista clinico Psicomotricista funzionale e formatrice 

In quell’assiduo, sistematico, immane processo di apprendimento, il 

bambino va sperimentando sia la realtà fisica, sia gli atteggiamenti e le 

risposte dei grandi, assumendo atteggiamenti provocatori per provocare, 

appunto, risposte chiarificatrici, sia fisiche, sia verbali, sia 

comportamentali. Per esempio, mentre fa il gesto di battere il martello sul 

tavolo o quando fa un capriccio, lancia uno sguardo agli adulti presenti, 

per vedere cosa pensano e cosa fanno, cioè per imparare cosa è 

raccomandabile, cosa è permesso e cosa è proibito. 

Bisogna cogliere quei gesti provocatori: è quello il momento in cui il 

bambino chiede che gli venga insegnata una regola. Sgridarlo e basta 

vuol dire perdere una preziosa occasione. 

Che cosa spinge i bambini ad intestardirsi e a fare capricci? 

La ragione principale è rappresentata dal voler prendere posizione nei 

confronti degli adulti. In altre parole, spesso è un modo per affermare se 

stessi come entità autonome rispetto agli adulti. 

Quali sono i contenuti dei capricci dei bambini? 

Frequentemente i piccoli piangono perché desiderano un oggetto che i 

genitori non possono o non vogliono acquistare. Altre volte oggetto delle 

loro dimostranze divengono le preferenze sul cibo, ovvero desiderano 

mangiare alcuni alimenti piuttosto che altri sicuramente più salutari. In 

talune circostanze il bambino fa i capricci perchè vuole indossare un 

particolare indumento, che è inidoneo per stagionalità o circostanza. 

I bambini più grandi si intestardiscono e piangono quando devono fare i 

compiti o perché non li vogliono fare oppure perché sostengono che 

bisogna usare certe procedure piuttosto che altre, caldeggiate dai 

genitori. In alcune occasioni i piccoli fanno capricci perché non vogliono 

uscire con i genitori o non desiderano andare in un posto proposto dai 

grandi. Oggetto di capriccio può diventare il non volersi lavare e 

approntare per andare a scuola. Come si vede, le occasioni che spingono 

i bambini a fare capricci sono diverse. 

Che cosa può fare l’adulto e come può intervenire in tali 

circostanze? 

É bene che la persona che si occupa del bambino, in qualità di genitore - 

educatore, rifletta sui seguenti punti. Il capriccio ha una funzione 

particolare per il bambino in quanto serve a fargli accettare la 

frustrazione. In altre parole, lo aiuta a transitare dal principio di piacere 

al principio di realtà. In pratica, lo supporta nel capire che non si può 

avere tutto e subito, ma bisogna saper attendere per raggiungere un 

obiettivo. Di questo l’adulto deve essere consapevole e questa 

consapevolezza deve orientare il suo intervento. Una prassi che l’adulto 

deve seguire quando affronta i capricci dei bambini è la coerenza. In 

altri termini, non si può negare oggi quello che si è concesso ieri. 

L’incoerenza destabilizza il piccolo e non lo aiuta a crescere. Non deve 

uno dei genitori concedere quello che l’'altro genitore nega. Lo stesso 

vale per i nonni.

T U T T O B A L L O 2 0 | S E P T E M B E R 2 0 


Un modo nuovo di 

vivere la natura 

Natusumba© 

è la vita nel benessere 

sia fisico che mentale 

un insieme di coreografie 

e meditazione per 

l'armonia psico-fisica 

https://www.facebook.com/groups/NatuSamba.net/


L I B R O E B A L L O 


U n ’ a n t o l o g i a d i r a c c o n t i i n e d i t i p e r r a g a z z i a s o s t e g n o d i A s r o o p e r i m a l a t i r a r i 

Fantasià 

La beneficenza non si ferma anche in tempi di Coronavirus. E così, in poco tempo, autori volontari si sono messi a 

disposizione per una antologia di racconti, Fantàsià - il cui ricavato andrà completamente a sostenere le attività di ASROO, 

Associazione Scientifica Retinoblastoma e Oncologia Oculare di Siena. 

Il progetto, nato da un’idea dello scrittore Stefano Labbia, intende unire le forze della parola per un obiettivo comune: 

sostenere le attività di ricerca sul Retinoblastoma, il tumore oculare più frequente in età pediatrica. 

Lo Staff di Siena, condotto dal medico oncologo di fama internazionale Prof.ssa Doris Hadjistilianou, segue dal 2011 un 

percorso di cura e diagnosi precoce di una malattia rara: il Retinoblastoma. Proprio a Siena ogni anno si celebra la Giornata di 

Oncologia Oculare che vede la partecipazione di massimi esperti sul tema. Siena è il terzo centro di Eccellenza in Europa per 

casi trattati. L’intero ricavato dell’antologia fantasy – disponibile su Amazon - sarà devoluto ad ASROO. Ecco il link per 

acquistare il libro: 

versione cartacea o e-book: https://www.amazon.it/dp/B086PMNDNR?ref_=pe_3052080_397514860. 

Nell’antologia si sperimenta il tema della fantasia con gli autori: Aharan Lee, Elena Panzera, Giorgia Sbuelz (già vincitrice del 

concorso “Una fiaba per Asroo"), Greta Guerrini, Maggie van der Toorn, Monica Serra, Silvia Bruni e Stefano Labbia che 

hanno dedicato gratuitamente il loro tempo e le loro competenze in beneficenza. La prefazione è di Mattia Albani. Un 

contributo speciale nella realizzazione del progetto va a Palma Caramia, interior design che ha intrapreso la strada da 

bookblogger per recensire e commentare i libri presenti nel catalogo Amazon e librerie fisiche e che attualmente collabora 

come grafica e illustratrice per autori emergenti e non. 

ASROO – Associazione Scientifica Retinoblastoma e Oncologia Oculare è nata il 27 aprile 2010 per iniziativa di medici e 

biologi del Centro di riferimento del Retinoblastoma, dell’Unità di Oftalmologia e della Sezione di Biochimica del 

Dipartimento di Medicina Interna Scienze Endocrino Metaboliche e Biochimica di Siena, che già da alcuni anni stanno 

collaborando per un progetto di ricerca sul retinoblastoma. 

L’Associazione si prefigge le seguenti finalità: 

migliorare le conoscenze medico-scientifiche nel vasto campo dei tumori oculari; 

migliorare la qualità dei servizi offerti ai pazienti; 

diffondere e divulgare le conoscenze scientifiche raggiunte nel settore attraverso opuscoli distribuiti negli ospedali, negli 

studi medici, nelle manifestazioni pubbliche quali seminari e convegni; 

sostenere tramite raccolta di fondi il miglioramento dei centri specialistici dedicati attraverso la donazione di 

apparecchiature scientifiche. 

www.asroo.org -segreteria@asroo.org

L I B R I E B A L L O 


PAOLO 

DI ORAZIO 

Il pioniere dello Splatterpunk presenta il Medical Show del dott.Branzini 

di Angela De Vito 

Non ho mai visto Shining. Conosco Dario Argento, ma di vista perché lo incontro a messa, frequentiamo la stessa parrocchia 

(!). Figuriamoci se mi metto a leggere robba de paura. Poi vado a cena dalla mia amica e vedo uno seduto in un angolo, 

quieto, occhiali tondi e sguardo angelico. Penso “ha dell’artista, ma magari è una persona perbene”. Me lo presentano come 

il più noto scrittore di horror italiano. Mi si congela il sorriso, porgo la gelida manina, battuta da manuale di conversazione 

e ciaone. Poi la vita fa giri strani e mi trovo qua, a scrivere invece che del solito libro di Woody Allen, dell’ultimo lavoro di 

Paolo Di Orazio (Speghetti Western Freak Show), quello degli occhiali tondi. Che per la cronaca, è socio fondatore e 

batterista di Latte e i suoi derivati, nasce come fumettista, dipinge, traduce romanzi dall’inglese, scrive di rock e non so che 

cosa faccia nel tempo libero, se ne ha. Immagino strangoli vecchiette. 

·Scusa Paolo, ma visto che il mondo è già 

orrendo e a tutti ogni tanto piacerebbe 

fare il vicino a pezzettini, non potevi 

scrivere che so, racconti erotici? O 

chicklit? 

In realtà provengo dalla scrittura porno 

hard-core (stesso background di Pedro 

Almodòvar) e stiamo parlando di un lontano 

e rutilante biennio di qualche decade fa. 

Dopo una denuncia per pubblicazioni 

oscene, ho ben pensato di dare fondo alla 

passione per l’horror, che più mi ha 

procurato in 30 anni soddisfazioni in termini 

di successo di pubblico (e n’interrogazione 

parlamentare per istigazione a delinquere – 

allora ditelo, ce l’avete con me), tra disegno 

e sceneggiatura di fumetto, racconti e 

romanzi sia in italiano che in inglese. La mia 

scrittura è proprio la metafora teatrale, se 

vuoi, amplificata di un’irriverente anima 

Grand-Guignol, proprio della bruttezza e 

della violenza della razza umana. La natura 

è sì cruenta (il prodigio, il mostro nella mia 

pantomima), ma solo l’uomo è crudele (il 

serial killer). Sicuro, quando passerò alla 

narrativa chiklit, e non lo escludo affatto, 

mi denuncerà l’ordine de dentisti italiani. 

Adoro giudicare un libro dalla copertina. 

Titolo furbo, grafica accattivante, 

segnalibro gattaro che acchiappa 

sempre, soprattutto le signore. Ma chi 

sono i freak del titolo? 

A scanso di ogni ruffiano buonismo e 

scomodo cinismo, i freak sono proprio esseri 

deformi, condan/nati da genitori 

consanguinei e/o folgorati da Madre 

Natura per arcane ragioni di entropia 

genetica. In realtà, ho solo preso in prestito 

l’approccio scientifico-umanista del noto 

neurologo Oliver Sacks,il quale vedeva 

nella malattia l’espressione di un endogeno 

prodigio e una condizione straordinaria per 

superare il concetto di sfortuna, sofferenza 

e inferiorità, e supportare i pazienti 

come persone e non come vittime sconfitte 

da un qualcosa di psico fisicamente 

estraneo. Per fare questo, ho dotato i 

pazienti del dottor Branzini, protagonista del 

romanzo, di super-poteri rendendoli una 

sorta di FrX-Men senza costumi pop. 

Esaltando la loro umanità, ed azzerando così 

ogni condannabile intolleranza. Per chi 

vorrà capirlo. 

Tra le Marche e New Orleans. Come mai 

queste ambientazioni così particolari 

e lontane tra loro? 

Avevo necessità di fare satira del tipico 

italiano razzista che odia chi arriva su un 

barcone e ignora che un tempo non molto 

lontano, ovvero vicino a quello in cui si 

svolge il mio Spaghetti Western Freak 

Show (Watson edizioni), molti connazionali 

partirono alla ricerca di fortuna solcando i 

mari. E anche noi ci siamo, sia civilmente che 

criminosamente, integrati nel mondo di 

approdo. Siamo tutti uguali. Basta studiare 

la storia (della mafia siculo americana, 

anche). Le Marche perché… luoghi a me 

cari, dove i cognomi sono più divertenti e 

musicali. Per intelaiare la metafora del 

razzismo legato alla migrazione, avevo 

bisogno di un mare. E di un luogo, New 

Orleans, sede di musica e magia, dove gli 

italiani, all'epoca del romanzo (anni '80 del 

XIX secolo) sono stati mal tollerati per il loro 

(nostro) temperamento. 

Hai tirato su i tuoi affezionatissimi fan 

con una dieta molto varia. Continuerai a 

nutrirli a Latte e suoi derivati? 

Una bipolarità che, per fortuna, solo pochi 

non hanno gradito. Perché se scrivi horror, 

che c’entra la comicità?... Così come, per 

molti profani, se scrivi horror devi essere 

per forza di cose sadico, disturbato, 

misogino, ateo, torturatore di gatti e 

calpestatore seriale di aiuole. La risposta è 

sì, finché avrò voglia di menare i tamburi. 

Una dieta variegata tra horror e humour è il 

trucco per essere sempre belli e stare bene 

aggirando le rughe fossili dei cliché. 

Ok, sei talented come Mr. Ripley, ma ci 

sarà qualcosa di artistico che non sai 

fare. Scusa, nella quale non ti sei ancora 

cimentato. Vuoi svelare ai nostri lettori 

una tua segretissima aspirazione artistica 

per il futuro? 

Voglio desidero devo farò cinema. Intanto, 

inizio col farmi la masterclass di Spike Lee e 

David Mamet, poi si vedrà. Lieto fine del 

segreto. 

https://www.paolodiorazio.com/

IL LATO 

SEGRETO 

DELL'ANIMA 

P I T T U R A E B A L L O 


Donatella 

Colasanti

P I T T O R A E B A L L O 


Donatella Colasanti ha iniziato a dipingere fin da bambina. Il suo incontro con la tavolozza ed il pennello è nato nei 

primi anni dell'infanzia, grazie al padre, valente pittore, che ha saputo trasmettere alla figlia l'amore e la passione per 

l'arte. Ed è stato sempre il padre ad introdurre Donatella nel mondo pittorico, a farle muovere i primi passi alla 

scoperta di sensazioni nuove ed inusuali. Una passione che nella creativa non è mai venuta meno. 

Donatella, già dotata di ottime capacità pittoriche, nel corso del tempo le ha sempre più approfondite ed affinate. Per 

lunghi anni ha frequentato gli studi dei più noti maestri ternani, da cui ha appreso la pulizia della forma e del colore. 

La pittrice è comunque riuscita ad intraprendere un cammino indipendente che l'ha portata a trovare una sua 

personale forma espressiva. 

La pittura in Donatella Colasanti nasce da una predisposizione particolare a cogliere il lato più recondito, segreto, 

dell’immagine per proporne il fascino e il mistero attraverso una non comune maturità compositiva rivelatrice di uno 

studio costante e approfondito nonché di una singolare capacità di rielaborazione. 

Nonostante un’indiscutibile venatura malinconica, l’artista non ama indulgere in un dolente ripiegamento ma, al 

contrario, s’addentra in armonie soffuse alla ricerca di continui spiragli attraverso cui l’evento più intimo diventa 

catartico e, con straordinaria levità, le forme si evolvono in preghiera, si fanno ascolto e testimonianza di una voce che 

celatamente detta. La scelta della figurazione non è affatto scontata o casuale ma risponde alla necessità di catturare 

attimi di vita sottraendoli al contingente. 

La sensualità quasi onirica, trasognata, che traspare da alcune pose modellate da un sapiente e sottile gioco 

chiaroscurale è indice di costante tensione ad una grazia permeata d’amore smisurato per un mondo che nella sua 

fuggevolezza ci avvince e sempre ci stupisce. (Francesca Pullia) 

Donatella Colasanti ama guardare il mondo con i propri occhi, in concordanza perfetta con il convincimento di Coubert 

secondo il quale l’artista deve trarre ispirazione da immagini della natura, squarci di verde intenso percorsi dal 

cortocircuito di colori che si dilatano a macchia, facendosi ora profilo di montagna, ora soffuso chiarore di batuffoli di 

nuvole, ora specchio d’acqua che riflette il sole o sequenze di alberi, contorti nel tronco e nell’intrico vivo di foglie, 

simili a guizzi di fiamma di vaga ascendenza rococò, cresciuti a dismisura a carezzare il cielo, davanti a scorci di un 

opalescente biancore, come fremiti d’aria su sudari di nebbia condensata. 

Donatella Colasanti dipinge anche frammenti di natura, raccolti in composizioni di chiara impronta surreale, conchiglie 

abbandonate sopra un tappeto gonfio di pieghe e vivo, quasi fosse mare e "caffettiere” liberate dall’immanenza delle 

cose inerti e cariche d’una dignità che conferisce ad esse aspetto di creature; cesti colmi di frutta e carichi di luce che 

promana dalle cose. 

Come se un fuoco le bruciasse dentro e si rivelasse all’esterno di riverberi. La pittura di Donatella Colasanti ha la 

naturalezza di un respiro: “Re nudo” dipinto nella semplicità potente delle cose che si vedono. (Paolo Cicchini) 

Valerio De Vita

V I A G G I O E B A L L O 


mon amour. 

Abidjan, 

Settembre 2007, sono le 21 ora locale quando l’aereo si posa ad Abidjan, 

6 

per i locali), capitale economica della Repubblica di Costa d’Avorio. 

(Babi 

piu’ di sei ore di volo ho solo una voglia, quella di scendere dal’aereo 

Dopo 

posare i miei piedi a terra. All’apertura del portellone, un caldo soffocante 

e 

bruciarmi i vestiti di dosso. Resto immobile, senza fiato. E’ questo il 

sembra 

AKWABA (benvenuto) in Costa d’Avorio… Da allora sono passati 13 anni 

mio 

puntualmente, in compagnia di mio marito e di mia figlia, torno in questo 

e, 

d’Africa che mi ha rapito il cuore. Abidjan, la «New York africana», 

lembo 

una metropoli brulicante di persone, mestieri, sorrisi, colori, odori, una 

è 

dove modernità e tradizione si intersecano in un groviglio misterioso e 

città 

La città è un alternarsi di lussuosi palazzi e baracche in 

affascinante. 

di moderni centri commerciali e miriadi di piccoli mercati 

lamiera, 

di grandi boulevard asfaltati e sentieri in terra battuta, di 

rionali, 

stellati e piccoli maquis dove la cucina locale fa da padrona. 

ristoranti 

diversi quartieri di Abidjan non fanno che confermare questo contrasto : gli 

I 

Marcory e Cocody sono in netta contrapposizione con i precari 

chic 

o Adjame; Yopougon la joie si anima la notte mentre Le Plateau 

Abobo 

di giorno. 

vive 

cosa dire degli abitanti? Gli ivoiriani sono inventivi, ospitali e sorridenti. 

E 

caciaroni, amano frequentare i maquis (ristorantini bar 

conviviali, 

parlare ad alta voce, gesticolare e discutere intorno ad una 

all’aperto), 

tavola ed una buona bottiglia. 

buona 

donne sono il fulcro della famiglia: laboriose ed infaticabili; oltre a 

Le 

gestire casa e bambini, trovano il tempo e la forza di inventarsi 

lavorare, 

secondarie per arrotondare i fine mese. 

attività 

preparazione e la vendita di cibi, bibite e merende è l’attività più 

La 

perché ad Abidjan si mangia a qualsiasi ora, in qualsiasi posto e 

praticata 

mio piatto preferito è il GARBA, tonno rosso fritto, servito con 

Il 

Eccellente è anche il MAFÉ, una salsa a base di pasta 

l’attieké. 

accompagnata da riso o foutou (una sorta di puré di 

d’arachide, 

o di igname bollito). La mia bibita del cuore è lo 

platano 

ghiacciato, del succo di zenzero misto ad ananas e 

GNAMAKOUDJI 

ma adoro anche il BANDJI, vino di palma, dolcissimo al 

limone, 

dell’estrazione, e frizzante una volta fermentato. Cosa 

momento 

ad Abidjan? Vista l’insicurezza di alcuni quartieri, bisogna 

visitare 

con prudenza, soprattutto la sera, e stare attenti ai 

muoversi 

spesso complici di malintenzionati. Da brava turista, ho 

tassisti, 

con le tappe classiche del nuovo arrivato: il Plateau, che è Il 

iniziato 

degli affari, popolato di giorno e deserto la notte, dove si 

quartiere 

futuristiche, progettate da architetti italiani) e la recente 

costruzioni 

Moschea. Il Musée des Civilisations de Cote d’Ivoire, 

Grande 

di reperti storici provenienti da tutte le regioni ed etnie della 

ricco 

d’Avorio. 

Costa 

foresta del Banco coni i suoi 600 ettari di alberi, dalle forme e 

La 

impressionanti, la sua riviera popolata da pesci siluri (che 

dimensioni 

tradizione considera sacri), ed i suoi lavatori di abiti, 

la 

Fanicos. 

soprannominati 

passeggiata in battello sulla laguna Ebrié, con visita dell’ Isola 

La 

e della ricca Baia dei miliardari, siti un po’ troppo 

Boulay 

per i miei gusti. Meritano una visita anche gli animali 

occidentalizzati 

zoo di Abidjan ed il mite Elefante Can, ghiotto di foglie e di 

dello 

che non esita a prendere direttamente dalle mani dei turisti. 

banane, 

prezzo d’ingresso è derisorio: 300 fcfa ad adulto, l’equivalente di 

Il 

centesimi d’euro, per un’esperienza veramente unica ! 

45 

mio angolo di paradiso si trova a 30 chilometri da Abidjan, 

Il 

da spiaggia, mare, Laguna ed alberi di cocco. Grand 

circondato 

prima capitale ivoriana alla fine del XIX secolo, possiede un 

Bassam, 

architettura le coloniale dal fascino indiscutibile. Che 

patrimonio 

girovagare in questi luoghi dove il tempo sembra essersi 

meraviglia 

fermato!!! 

sito è classificato come Patrimonio Mondiale dell’Unesco, ma 

Il 

parte delle sue vestigia stanno sparendo a causa dell’incuria e 

gran 

mancanza di manutenzione. Un veropeccato!!! 

della 



possono visitare la Piramyde, 

la Cattedrale Saint Paul (due 

Conosciuti per la loro «joie de vivre», 

sono un po’ come noi italiani: 

per tutte le tasche.



CIBO SCRITTO E CIBO DESIDERATO NELLA SENSIBILITÀ POETICA 

DI GABRIELE D’ANNUNZIO 

E r n e s t o D i R e n z o 

U n i v e r s i t à d i R o m a T o r V e r g a t a 

D i G a b r i e l e D ’ A n n u n z i o s o n o n o t e e c o n c l a m a t e t u t t e l e c o m p o n e n t i d e l s u o p o l i e d r i c o e s t r o 

a r t i s t i c o e c r e a t i v o . L a s u a c a r a t u r a d i p o e t a , r o m a n z i e r e e d r a m m a t u r g o , u n i t a m e n t e a 

q u e l l a d i o r a t o r e e d i u o m o d ’ a z i o n e , l o h a n n o r e s o u n o d e g l i e s p o n e n t i p i ù r a p p r e s e n t a t i v i 

d e l l a s c e n a i n t e l l e t t u a l e , l e t t e r a r i a e p o l i t i c a , c h e t r a O t t o c e n t o e N o v e c e n t o h a d o m i n a t o i l 

p a n o r a m a i t a l i a n o e i n t e r n a z i o n a l e . 

L a s u a i n c l i n a z i o n e e s t e t i c a e v i t a l i s t i c a a l l ’ e s p e r i e n z a d e l q u o t i d i a n o h a r i g u a r d a t o l a 

m u s i c a n o n m e n o c h e i l c i n e m a , i l c o l l e z i o n i s m o d ’ a r t e n o n m e n o c h e l a p i t t u r a , i l 

g i o r n a l i s m o n o n m e n o c h e l ’ a v v e n t u r a e r o i c a . 

T u t t a v i a e s i s t e a n c h e u n a l t r o D ’ A n n u n z i o p i ù d i s c o s t o , m a n o n p e r q u e s t o m e n o a p p r e z z a t o e 

s c o n o s c i u t o d a i c u l t o r i d e l s u o g e n i o a r t i s t i c o , c h e h a a c h e v e d e r e c o n i l m o n d o d e l c i b o e 

d e l l ’ e s p e r i e n z a g a s t r o n o m i c a . U n m o n d o c h e i l v a t e p e s c a r e s e h a c o s t a n t e m e n t e e s p l o r a t o e 

r i c e r c a t o t a n t o n e l l e s u e o p e r e l e t t e r a r i e q u a n t o n e l l e s u e a b i t u d i n i p e r s o n a l i e i n t e r i o r i d i 

v i t a . U n m o n d o v e r s o i l q u a l e s i è s p e s s o r a p p o r t a t o c o n q u e l l a b u l i m i a e f a m e l i c i t à s e n s i t i v a 

c h e h a c a r a t t e r i z z a t o i l s u o a p p r o c c i o a l l ’ e s i s t e n z a .

C I B O E B A L L O 


V i s t i i n q u e s t a o t t i c a c h e l o c o l l e g a n o a l m o n d o d e l l a c u c i n a e d e l l e t r a d i z i o n i 

c u l i n a r i e , i r o m a n z i e l e p o e s i e d ’ a n n u n z i a n e l a s c i a n o t r a s p a r i r e i n f i l i g r a n a u n a 

c o m p l e s s a t r a m a d i r i n v i i a l c i b o c h e s e d a u n a p a r t e r i v e l a n o l e p a s s i o n i 

a l i m e n t a r i d e l l ’ u o m o D ’ A n n u n z i o , d a l l ’ a l t r a i n f o r m a n o d i c o m e l ’ e p o c a n e l l a q u a l e 

e g l i h a v i s s u t o a b b i a p r o d o t t o , o s a l v a g u a r d a t o , r i c e t t a r i , p i a t t i o t i p i c i t à 

g a s t r o n o m i c h e c h e s o r p r e n d o n o p e r l a l o r o m i n u z i o s i t à d i r i f e r i m e n t i . T r a q u e s t e 

u l t i m e , o l t r e a l l e s p e c i a l i t à c h e m a g g i o r m e n t e a m a v a m a n g i a r e e s p e s s o 

c u c i n a r e i n p r i m a p e r s o n a , c o m e r i s o t t i , u o v a , m a r r o n s g l a c é s , g r i g l i a t e d i 

c a r n e , s p i c c a n o p e r i n t e r e s s e n a r r a t i v o q u e l l e r i f e r i t e a i s u o i l u o g h i d e l l ’ a n i m a , 

d i s s e m i n a t i t r a P e s c a r a , A b r u z z o e l a g o d i G a r d a . M a s e c ’ è u n c i b o c h e p i ù d i 

t u t t i D ’ a n n u n z i o h a d i c h i a r a t o d i a p p r e z z a r e i n c o n d i z i o n a t a m e n t e q u e s t o è i l 

“ p a r r o z z o ” , i l d o l c e a b r u z z e s e p e r a n t o n o m a s i a c h e h a l e g a t o t u t t a l a s u a 

p o s t e r i o r e , e a t t u a l e , n o t o r i e t à p r o p r i o a l l ’ e n d o r s e m e n t r i c e v u t o d a l p o e t a - e r o e 

i n d i v e r s i f r a m m e n t i d i s c r i t t u r a e p i s t o l a r e . A p a r t i r e d a q u e l l o d a l t o n o 

s o t t i l m e n t e i r o n i c o i n c u i , p a r a f r a s a n d o l a D i v i n a C o m m e d i a , a f f e r m a : « D i c e 

D a n t e c h e l à d a T a g l i a c o z z o , o v e s e n z ’ a r m e v i n s e i l v e c c h i o A l a r d o , C u r r a d i n o 

a v r ì e v i n t o q u e l l e c c a r d o s e a b b u t o a v e s s i u s b e r g o d i p a r r o z z o » . U n d o l c e 

p o r t e n t o s o , q u i n d i , i n g r a d o d i p o r s i c o m e p o z i o n e m a g i c a , c o m e e l i s i r , c o m e 

g r a a l m a a n c h e c o m e u n c o m f o r t f o o d n o s t a l g i c o e c o n s o l a t o r i o i n g r a d o d i 

a n c o r a r e l ’ a n i m a d e l p o e t a a i r i c o r d i d e l l a s u a t e r r a e a l “ n a t a l e d e l l a s u a 

i n f a n z i a ” . 

M a c o s ’ è , d o l c i a r i a m e n t e p a r l a n d o , q u e l p a r r o z z o d i c u i D ’ A n n u n z i o h a t e s s u t o 

a u l i c a m e n t e l e l o d i d e f i n e n d o l o c o m e u n “ p a n e a n g e l i c o ” e c o m e u n a 

p r e l i b a t e z z a d e l p a l a t o “ p i ù d o l c e d i q u a l s i a s i c o s a d o l c e ” ? 

S i t r a t t a d i u n p r o d o t t o d i p a s t i c c e r i a c r e a t o d a l p e s c a r e s e L u i g i D ’ A m i c o a g l i 

i n i z i d e g l i a n n i ’ 2 0 d e l 9 0 0 , r i e l a b o r a n d o l ’ o r i g i n a r i o p a n r o z z o c o n t a d i n o e 

m o d i f i c a n d o n e g l i i n g r e d i e n t i . U n a m o d i f i c a c h e g l i h a f a t t o a s s u m e r e l a 

t r a d i z i o n a l e f o r m a a s e m i c u p o l a e c h e l o h a r e s o u n d o l c e p r e v a l e n t e m e n t e 

n a t a l i z i o . T r a i s u o i n u m e r o s i i n g r e d i e n t i a n n o v e r a u o v a , z u c c h e r o , s e m o l i n o , 

m a n d o r l e t r i t a t e s i a d o l c i c h e a m a r e , A u r u m ( l i q u o r e t i p i c o d e l t e r r i t o r i o 

p e s c a r e s e ) , s c o r z a g r a t t u g i a t a d i a r a n c i a o d i l i m o n e , o l i o e x t r a v e r g i n e d i o l i v a . 

U n i d e a l t i p o d e l l a d i e t a m e d i t e r r a n e a , d u n q u e , s e n o n f o s s e p e r q u e l l a c o l a t a d i 

c i o c c o l a t o f o n d e n t e c h e n e i m p r e z i o s i s c e l ’ e s t e t i c a e n e e l e v a a p o t e n z a 

l ’ e s p e r i e n z a g u s t a t i v a . 

U n d o l c e i n g r a d o d i e s p r i m e r e l ’ e s s e n z a d e l l a m e d i t e r r a n e i t à g a s t r o n o m i c a , s i 

d i c e v a , m a i n g r a d o a n c h e e s o p r a t t u t t o d i r e n d e r e e v i d e n t e i l p r o c e s s o d i 

i d e a l i z z a z i o n e c o n i l q u a l e , n e l l e c o n c e z i o n i a r c a i c h e d e l m o n d o p r e - m o d e r n o , i l 

c i b o v e n i v a f a t t o o g g e t t o d i s a c r a l i z z a z i o n e e d i t e r r i t o r i a l i z z a z i o n e . L o n t a n o , 

c o m e è p o s s i b i l e e v i n c e r e d a l l e s o t t o s t a n t i p a r o l e d e l l o s t e s s o D ’ A n n u n z i o 

( 1 9 2 6 ) , d a q u a l u n q u e f o r m a d i c o n s u m i s m o , d i g l o b a l i z z a z i o n e p r o d u t t i v a e d i 

o m o l o g a z i o n e d e i g u s t i : 

E’ tante bbone ‘stu 

parrozze nóve 

Che pare na pazzíe de San Ciatté 

Chìavesse messe a ‘su gran forne tè 

La terre lòavurate da lu bbove, 

la terra grasse e luistre che se cóce, 

chiù tonne de ‘na provole, a ‘su foche 

gientile, e che duvente a poche a poche 

chiù doce de qualunquea cosa ddóce. 

Benedette D’Amiche e San Ciutté!… 

Gabbriele 

E’ tanto buono questo 

parrozzo nuovo 

che sembra una pazzia di San Cetteo 

che abbia messo in questo tuo gran forno 

la terra lavorata dal bue 

la terra grassa e lucente che si cuoce 

più tonda di una provola su questo fuoco 

gentile, e che diventa a poco a poco 

Più dolce di qualunque cosa dolce. 

Siano benedetti D’Amico e San Cetteo!…) 

Gabriele

' a n t i p a s t o c h e m e t t e a t a v o l a 

L 

n ' a n t i c a d a n z a r o m a n a 

u 

i c e t t a c o n s i g l i a t a d a l l o c h e f 

R 

n t o n i o B o r r e l l i 

A 



T R I P U D I U M 

R i s t o r a n t e A q u e r e l l o



Procedimento 

Per tagliatella di seppia: Pulire la seppia e cuocerla a bassa 

temperatura (65°) per 60 minuti aromatizzandola con l’assenzio. 

Farla raffreddare e tagliarla finemente (modo tagliatella). 

Per la salsa al curry: Soffriggere lo scalogno in un cucchiaio di olio 

evo, aggiungere le patate tagliate finemente; unire due mestoli di 

brodo vegetale e lasciar cuocere per circa 30 minuti. Alla fine 

frullare il tutto. 

Disidratazione dei lamponi: Si lasciano cuocere a 60 gradi in forno 

per circa 8 ore, in alternativa utilizzarli freschi. 

Aggiungere un filo d’olio per completare il piatto. 

Tripudium 

Le più antiche danze romane furono 

guerresche e religiose: ad esempio la 

"bellicrepa", danza armata che si fa 

risalire a Romolo, e il "tripudium", danza 

encomiastica di derivazione etrusca. 

Quest'ultima divenne una danza 

sacerdotale, legata alle scadenze della 

coltivazione delle terre. Consisteva nel 

battere tre volte il piede a terra, secondo 

un ritmo che si ispirava all'anapesto, 

piede della metrica classica, composto da 

due sillabe brevi ed una lunga. Antonio 

Borrelli, chef del ristorante "Acquerello" 

ubicato ad Ercolano, dove gli antichi 

romani vissero fino all'eruzione del 

Vesuvio, nel 79 d.C., propone la ricetta di 

un antipasto ispirata proprio a questa 

danza: una tagliatella di seppia 

aromatizzata all'assenzio, con salsa di 

patate al curry, brunoise di pesca gialla e 

polvere di lamponi disidratati. Un piatto 

elegante e raffinato, la cui piacevole 

mollezza ricorda quella della danza cui 

esso è dedicato. 

Ingredienti per due persone 

- 300 gr di seppia 

- 2 patate di pasta gialla 

- 20 gr di curry 

- 30 gr di pesca gialla, taglio brunoise 

- 10 ml di assenzio 

- 1 scalogno 

- Olio evo 

- 30 gr di lamponi essiccati 

Ristorante Acquerello 

"Acquerello" è stato il primo ristorante di alta cucina ad aprire in Italia 

dopo il lock down. La famiglia Irollo ha pensato ad "Acquerello" come 

un polo animato da una grande comunità, unita dalla cultura e dalla 

volontà di valorizzare la ricchezza delle eccellenze artigiane campane 

ed italiane. Stefano, Luigi e il loro papà, soci nell’impresa, hanno 

voluto trasferire la ricchezza della cultura artigianale campana e 

italiana sia nel décor, sia nella proposta gastronomica di fascia alta. 

"La cucina e l'ospitalità hanno il ruolo fondamentale di promotrici del 

buon vivere e della coesione sociale, temi più che mai attuali per la 

ripresa del nostro Paese - spiegano i fratelli Irollo -. Ci auguriamo che 

tra gli insegnamenti che possiamo trarre da questa delicata 

esperienza che stiamo vivendo, ci sia anche un nuovo approccio 

all'alimentazione, più consapevole e rispettoso del territorio e, in 

generale, della natura". A dirigere la brigata di cucina c’è lo chef 

Antonio Borrelli, che rende omaggio agli ingredienti italiani, 

soprattutto campani, declinandoli in decine di modi diversi e creando 

così piatti stagionali che sorprendono per la particolarità dell'estetica 

e del gusto. In essi si avverte una commistione tra materie prime più 

ataviche, risvegliate da cotture innovative dalle quali vengono fuori 

combinazioni extra-ordinarie.

B E V A N D E E B A L L O 


Una storia intrigante ed una magia non da 

illusionisti avvolgono i cocktails, a cominciare 

dall'etimologia del termine. 

Si racconta che nel 1840 una esilarant Betsy 

Floyagan (o Flanagan),durante la guerra di 

secessione, servisse su richiesta, ai soldati-stanchi, 

i soliti alcolici lisci,un “miscuglio” di distillati, 

ottenendone un notevole successo presso il 

reggimento. 

I militari avrebberochiamato tale miscela 

"cocktail", in quanto ricordava loro la variegata 

coda del gallo, cok's-tail appunto. Sempre sulle 

orme dell'amabile pennuto, altra versione vuole 

che in America centrale, alla fine dei 

combattimenti tra galli, il proprietario del gallo 

vincitore riportasse in premio la coda del povero 

animale sconfitto. Il tutto veniva annaffiato e 

mescolato con un brindisi "on the cock'stail”, a 

base di distillati, miscelati con succhi ed altri 

liquori. 

Diversa ancora la storia che ruota attorno al n. 437 

di Royal Street(New Orleans), abitazione e bottega 

di Antoine Peychaud, farmacista, massone, solito 

accogliere i clienti con una miscela tipica del suo 

paese d'origine, Santo Domingo. 

Per dosare gli ingredienti (cognac,zucchero e varie 

spezie) e servire il drink, sembra che il simpatico 

farmacista usasse un couquiter, termine francese 

che significa portauovo. La clientela avrebbe 

pertanto chiamato la bevanda stessa "couquieter", 

da cui sarebbe arrivato in seguito il termine 

cocktail. 

Emblema di quanto detto fin’ora è l’elegantissimo 

Old Fashioned, nato nella New York di fine 

Ottocento, base Whisky, appartenente agli 

Unforgettables, che prende il nome dal medesimo 

bicchiere dove è servito. 

Non è difficile da preparare ma è necessario 

bilanciare e diluire perfettamente gli ingredienti 

per ottenere un drink rotondo ed equilibrato. Il 

segreto sta nel diluire e mescolare sempre ad ogni 

passaggio, in modo che prenda vita la sua 

raffinatezza nel colore ambrato, e nel gusto deciso 

e speziato. 

Bevi 

con 

Cautela 

Bevi con 

con 

Cautela

M A K E - U P E B A L L O 


M A K E - U P E B A L L O 

La pelle è la migliore alleata di un buon trucco. A patto però di 

curarla, coccolarla. Una donna che si rispetti non dovrebbe uscire 

mai senza un filo di trucco, anche la ragazza più luminosa, anche il 

viso più giovane, non può trarre vantaggio da un velo di fondotinta, 

un tocco di mascara o di rossetto. Lo sguardo sarà sottolineato, la 

carnagione più uniforme e l'aspetto generale più piacevole. Non 

dobbiamo dimenticare, tuttavia, che il make-up viene eseguito sulla 

pelle e che se questo terreno viene curato e preparato, anche il 

trucco risulterà più luminoso e duraturo. Prima di parlare di gesti 

importanti per la preparazione al make-up è bene spendere qualche 

parola sulla pelle. Si tratta di un organo molto importante, che fino 

a non moltissimi anni fa era considerata una "barriera" che separa la 

pioggia dal sangue. 

Oggi, al contrario, il suo ruolo è molto più chiaro: un sistema 

biologico estremamente complesso, attraverso cui avvengono 

innumerevoli sostanze tra l'interno e l'esterno del corpo. 

La pelle è un vero e proprio organo di confine, elemento di 

comunicazione tra il mondo esterno ed il nostro organismo. Accade 

spesso, infatti, emergano in superficie problematiche più profonde: 

l'acne ad esempio, non è che il risultato dei disequilibri ormonali 

propri dell'adolescenza. 

Per capirne un pò di più, basta un approccio più consapevole e meno 

casuale, basta seguire qualche semplice indicazione. Regola numero 

1, riconoscere il nostro tipo di pelle. Ognuno di noi ha 

caratteristiche diversa, alcune congenite, come il colorito e lo 

spessore cutaneo, altre dovute al passare degli anni, come le linee 

d'espressione più marcate o la mancanza di compattezza. 

Nonostante le variabili siano infinite, la pelle si classifica 

generalmente in: normale, grassa, secca o disidratata, sensibile e 

matura. Pelle normale: equilibrata nel colorito, luminosità e 

consistenza, non ha particolari problemi di idratazione e si riscontra 

maggiormente nei giovani. 

Pelle grassa: è caratterizzata da una maggior parte di quantità di 

sebo, cioè il grasso naturale presente nella cute. Risulterà perciò 

lucida, a volte con impurità diffuse, anche se si può arrivare all'acne 

nei casi più seri. 

Pelle secca o disidratata: viene considerata un antico grande gruppo, 

ma in realtà ci sono molte sfumature e differenza: è disidratata 

quando è carente d'acqua e secca quando è carente di nutrimento. La 

pelle può essere solo disidratata, specie in giovane età, a causa di 

eccessiva esposizione al sole, fumo, alimentazione povera di vegetali 

o perché pelle non curata. Se le pelle è secca, al contrario sarà 

sempre disidratata perché la barriera più esterna, formata appunto 

da sostanze grasse di cui è carente, non è sufficiente a garantire 

un'idratazione profonda. L'acqua presente, in parole povere, 

evapora. 

Pelle sensibile: più diffusa a casa dell'aumento delle allergie normali, 

come quella al nichel o ai profumi. Si presenta con rossori diffusi ed 

è molto sottile, disidratata e reattiva alle aggressioni esterne. Pelle 

matura: colorito spento, presenza di rughe, mancanza di tono e 

compattezza cutanea. Bisogna però specificare che maturo non è 

riferito all'età, ma ad uno stile di vita disordinato, una scorretta 

alimentazione, un'esposizione al sole, una mancanza di cure che 

accellereranno il fisiologico processo di invecchiamento cutaneo, 

indipendentemente dall'età anagrafica. 

Stabilire il giusto tipo di pelle, eviterà di applicare prodotti sbagliati, 

ad esempio un fondotinta troppo pesante per una pelle grassa 

oppure uno troppo asciutto per una pelle secca o matura. Gli 

ombretti perlati o cremosi sono adatti per i giovani o comunque per 

pelle secche. Il make-up ipoallergenico è specifico per le pelli 

sensibili, che potrebbe mal tollerare prodotti profumati. 

La giusta cura della pelle in base alla proprio tipologia, è, in fine, 

indispensabile per una buona riuscita del trucco. Cominciamo dalla 

detersione, un'azione indispensabile che deve necessariamente 

essere quotidiana con prodotti adatti, facendo molta attenzione a 

non utilizzare quelli troppo aggressivi o sgrassanti. Un buon 

detergente infatti non deve alterare il film idrolipico che riveste la 

pelle e che agisce da protettivo. La corretta detersione da modulare 

in base al tipo di pelle è il primo passo per mantenere la cute in 

buona salute, serve a rimuovere il trucco e le impurità che si 

depositano ogni giorno sull'epidermide. Una o due volte a settimana 

è bene esfoliare la pelle per rimuovere le cellule morte che tolgono 

luminosità e impediscono di respirare. Questa operazione si esegue 

con un gommage o scrub che assottigliano la pelle rendendola più 

liscia ed omogenea. 


Il termine gommage e scrub sono sinonimi ed operano più o 

meno nel medesimo modo riducendo lo spessore stratocutaneo, 

parte superficie della pelle. 

Gli scrub sono a base di microgranuli di derivazione vegetale o 

sintesi, che attraverso un leggero massaggio grattano 

delicatamente la superficie cutanea. Sono adatti alle pelli 

giovani, comunque più spesse e resistenti. 

I gommage sono adatti invece ad ogni tipo di pelle, sono privi 

di granuli ed effettuano la loro azione esfoliante grazie ad 

alcune sostanze che dissolvono le cellule morte superficiali. 

Per l'altro aspetto fondamentale riguarda l'idratazione, che 

rappresenta anzi il comune denominatore di ogni tipo di pelle. 

Non esiste pelle che non abbia bisogno di acqua, il nutrimento 

essenziale di ogni cellula. 

Proviamo a pensare che una foglia che in primavera è florida e 

turgida e che al contrario in autunno si secca e cade perché ha 

perso la sua linfa vitale. 

Ciò accade anche alla pelle. 

A portare la corretta idratazione dopo aver eseguito una 

buona detersione ed un eventuale buon gommage, significa 

garantire un'ottima base per un make-up perfetto

M O D A E B A L L O 


Balletto a distanza di sicurezza 

con il tutù oversize: 

"Raw Denim" 

Mentre i coreografi pensano a nuove composizioni senza contatto fisico, dal Dutch National 

Ballet arriva una soluzione: Il tutù Oversize.. La ballerina, nella foto, indossa un costume in 

denim con una gonna del diametro di 3 metri, perfetto per rispettare il distanziamento sociale 

di 1.5 metri. "Raw Denim" tutù è stato cucito per una performance creata dal primo ballerino 

coreografo Remi Wörtmeye, e i ballerini del Ducth National Ballet: Kira Hilli (principale), 

Manu Kumar (principale), Sebia Plantefève, Giovanni Princic, Daniel Silva, Tess 

Sturmann, Elisabeth Tonev, Conor Walmsley. L'intero progetto è ora un video “Safe 

Distance Ballet”, nato dalla collaborazione tra il Dutch National Ballet e G-Star Raw.

O R O S C O P O E B A L L O 


Amore 

Si rafforzerà il vostro magnetismo e la forza di seduzione. Il vostro cuore potrà esultare di gioia 

perché col partner avrete un'intesa affettiva e sessuale perfetta. Per voi single si prevedono fortunati 

incontri con persone che ameranno la vostra vivacità e soprattutto il vostro carattere 

Lavoro 

La prudenza non è mai troppa e vi converrà averne ancora più del solito, Marte non vi consente di 

avere le idee chiarissime e potreste, quindi, prendere una strada sbagliata. Siate meno impulsivi . 

Cercate di non pretendere troppo, anche se lavorate alle dipendenze altrui. 

Amore 

É un buon periodo sotto il profilo sentimentale , si prevedono momenti di grande magia per tutti: vi 

sentirete al centro dell'attenzione, corteggiati e lusingati. Se siete nervosi, canalizzate la vostra 

energia facendo sesso. Ricordate che in molte occasioni la passione paga sempre. 

Lavoro 

L'attività professionale potrebbe cambiare direzione, qualunque sia la vostra condizione di lavoro. 

Dunque prendetevela comoda e aspettatevi risultati particolari. Urano potrebbe portare alla vostra 

vita grandi cambiamenti sia economici che sociali, con la Sua energia innovatrice 

Amore 

Il momento si presenta attivissimo, per quanto riguarda la dimensione affettiva della maggior parte di 

voi: rapida e scattante sarà l'intesa col partner, sia sul piano della comprensione intellettuale ch 

sessuale. Sappiate cogliere le avventure che si presenteranno in questa settimana. 

Lavoro 

E’ ora di mettersi all'opera e di raccogliere i frutti del vostro impegno, o di seminare nuovi terreni: 

genialità, energia non mancheranno. Avrete inventiva, idee originali e soluzioni avveniristiche da 

proporre! Con un lavoro autonomo, ci saranno importanti novità. 

Amore 

Vivrete momenti gioiosi che lasceranno un segno nella vostra memoria, lo spirito d'iniziativa 

favorirà gli incontri e le conquiste. Riuscirete a allargare la cerchia degli affetti senza alcuna 

difficoltà. Per Voi l’amicizia è tutto, e avrete il modo di ricevere e ricambiare questo sentimento. 

Lavoro 

Riuscite ad essere più disponibili del solito verso i collaboratori e questo è positivo: un ambiente di 

lavoro sereno e gradevole aiuta a produrre meglio. Tutto ciò gioverà ancora di più a quanti di voi 

sono impegnati nel lavoro di gruppo. L'umore sarà alto e l'entusiasmo non mancherà di certo. 

Amore 

Avete per caso qualcosa da rimproverare al partner. Se c'è qualcosa che non vi sta bene, sarà molto 

meglio affrontare la questione e cercare di risolverla di comune accordo. Venere segnala piccole 

ansie nella sfera affettiva, ma mi raccomando di mantenere sempre la calma. 

Lavoro 

Chi è libero e indipendente nella professione, dovrà badare al sodo e al lato pratico delle questioni. 

Chi lavora alle dipendenze altrui, dovrà rimboccarsi le maniche, perché saranno tanti gli impegni; ma 

ne varrà la pena per i risultati che riuscirete ad ottenere. Il lavoro non vi spaventa di certo.

O R O S C O P O E B A L L O 


Amore 

Sole e Mercurio garantiscono giornate eccitanti, qualunque sia la vostra personale condizione 

affettiva. Per i single ci saranno innumerevoli occasioni di avventura: non mancherà un'intraprendenza 

vincente, grazie alla quale conquisterete tutti. Qualche avventura all'orizzonte da prendere al volo. 

Lavoro 

La maggior parte di voi godrà, di un'insolita ampiezza di vedute, sicché riuscirete ad avere sempre una 

visione globale dei problemi o delle varie situazioni e potrete quindi individuare immediatamente gli 

ostacoli. Il vostro spirito sritico questa volta vi aiuterà tantissimo. 

Amore 

Il periodo sarà tumultuoso anche per chi ha un amore solido e felice in corso. Ancora più tempestoso 

sarà per chi vive una situazione difficile, i difetti del partner diventeranno insormontabili. Qualche 

fuga affettiva potrebbe paradossalmente aiutare il ménage affettivo. 

Lavoro 

Potrete realizzare alcuni vostri personalissimi progetti, soprattutto se operate nel settore della 

comunicazione . Si concluderà bene un progetto che promette notevoli guadagni, anche se per ora 

su altri fronti dovrete risparmiare. L'importante sarà pensare liberamente. 

Amore 

Se siete felici in coppia, vi sentirete ancora più felici, grazie ad un'intesa strepitosa da tutti i punti di 

vista: con il partner realizzerete una vera e propria comunione di intenti. Saprete manifestare il 

vostro fascino con delicatezza e sensualità. 

Lavoro 

Il lavoro sta marciando bene, specie se avete un'attività autonoma. Marte nel segno agevola i 

contatti , favorisce le comunicazioni, accresce la vostra simpatia e vi rende imbattibili nel 

commerciare. Non mancheranno ottimi guadagni ed entrate extra . 

Amore 

Il periodo non annuncia novità o cambiamenti turbinosi nella vostra sfera affettiva, segno chiaro che 

tutto andrà per il meglio, e che tutto sarà in perfetto equilibrio. Sensibili e ricettivi, saprete cogliere 

anche le sfumature e vivere una storia d’amore di straordinaria intensità 

Lavoro 

Dovrete mettere in preventivo qualche piccola battuta d'arresto e dovrete a volte frenare e riesaminare 

la validità dei vostri progetti, a volte vi concentrerete su altri problemi, distraendovi un po’. Cambiare 

aria ogni tanto non vi farà male. E non trascurate mai il trascurabile , soprattutto l’istinto 

Amore 

Giove e Plutone dispensano tenerezza, e riuscirete a comunicare con il partner con più forza. Inoltre 

questi Astri possono rendervi molto irrequieti, cercate di meditare non siate impulsivi nelle scelte 

affettive. Bellissime novità per chi è solo, avventure mordi e fuggi. 

Lavoro 

Il transito di Saturno accresce la vostra voglia di riuscire, di fare bene e di veder riconosciuti i vostri 

meriti. Saprete proporre idee e progetti con la dovuta energia! Sensibili e ricettivi, saprete cogliere 

anche le sfumature e vivere una storia d’amore di straordinaria intensità 

Amore 

Non mancheranno sorprese e situazioni diverse da quelle a cui siete abituati. Per quanto riguarda la 

vita sentimentale ci saranno un pò di imprevisti. Qualcun si innamorerà più profondamente di 

quanto mai avrebbe creduto. I sentimenti sono l'unico elemento che non riuscite a controllare. 

Lavoro 

Cercate di ascoltare per davvero le opinioni dei vostri collaboratori. Se lavorate in squadra con altri 

non fate di testa vostra! Un atteggiamento più conciliante e ragionevole gioverà non poco al lavoro 

La vostra mente cercherà nuovi stimoli culturali e creativi. 

Amore 

Potrete inventare un nuovo gioco con la persona amata. Se qualcuno di voi ha riscontrato un 

appiattimento nell'intesa, potrà ridare vigore al rapporto di coppia proprio ricostruendo le emozioni 

di un tempo. Usate sempre la vostra sconfinata immaginazione. 

Lavoro 

Il vostro spirito d’osservazione potrebbe risvegliarsi un po' troppo e andrà a finire che non ne 

lascerete passare nemmeno una: discuterete su tutto e con tutti! Vi piacerà polemizzare e non vi 

accontenterete delle vie di mezzo! Il periodo è ricco di soddisfazioni per chi ha un'attività autonoma

Pensiero del mese 

DI FRANCESCA MEUCCI - DIRETTRICE DI SOLOMENTE 

WWW.SOLOMENTE.IT 

S e t t e m b r e , m e s e d e l p o s t v a c a n z e p e r t a n t i 

d i n o i , m e s e d i r i p r e s e s c o l a s t i c h e e 

l a v o r a t i v e , m e s e d i r i c o r d i e s t i v i a n c o r a 

v i v i d i . I o r i c o r d e r ò s e r a t e c a s a l i n g h e , s o t t o 

u n a t e t t o i a i n t r i s a d i m u s i c a , r i s a t e e b a l l i 

d i c o p p i a . C o p p i a f o r m a t a d a g r a n d i e 

p i c c o l i . G i r a v o l t e s o t t o i l b r a c c i o d i m i o 

f i g l i o A l e s s a n d r o c h e è a l t o p e r l a s u a e t à 

m a s e m p r e n o v e a n n i h a . G i r a v o l t e e p a s s i 

s t r a n i c h e c e r c a d i i n s e g n a r m i m a p r o p r i o 

n o n r i e s c o a d i m i t a r l o . P o i r i c o r d e r ò l a 

d a n z e d e l l e l i b e l l u l e . N o n a v e n d o i l m a r e 

v i c i n o , d i s o l i t o a n d i a m o a f a r e i l b a g n o 

n e l l ' a c q u a g e l i d a d i u n f i u m e i n u n a l o c a l i t à 

c h e s i c h i a m a S a s s o . A c q u a l i m p i d a , b r e z z a 

l e g g e r a e t a n t e l i b e l l u l e c h e v o l a n o i n t o r n o , 

d i t u t t i i c o l o r i . V o l a n o d a n z a n d o . 

S e g u e n d o u n a m u s i c a c h e s e n t o n o s o l o 

l o r o . C o m e i p e s c i o l i n i n e l f i u m e , c h e 

n u o t a n o d a n z a n d o . C o m e m e e A l e s s a n d r o , 

e c o m e g l i a m i c i c h e f r e q u e n t a n o l a t e t t o i a . 

D a n z a n o . A v o l t e q u a l c u n o n o n a p p r e z z a , o 

s i l a m e n t a , o n o n c a p i s c e . M a n o n i m p o r t a 

p e r c h é c o m e r e c i t a l a f r a s e d i F r i e d r i c h 

N i e t z s c h e c h e è u n a d e l l e m i e p r e f e r i t e , 

" c o l o r o c h e f u r o n o v i s t i d a n z a r e f u r o n o 

g i u d i c a t i p a z z i d a q u e l l i c h e n o n p o t e v a n o 

s e n t i r e l a m u s i c a " . A n d a t e o l t r e , b a l l a t e 

c o m e v i p i a c e e c e r c a t e d i v e d e r e l a d a n z a 

a n c h e d o v e a p p a r e n t e m e n t e n o n c ' è ! 

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Saverio Santangelo 

ph©Veronica Napoleoni 

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