Tuttoballo20/August 2020 EnyojArt

F R E E P R E S S O N L I N E n o n r e g i s t r a t a D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t "
TuttoBallo20
A u g u s t | 2 0 2 0
Amilcar Moret Gonzalez
Camilla Mancuso
The Contrast
ph © Alessandro Risuleo
Coreografie di Gianmaria Piovano

TuttoBallo20 - August 2020
In copertina :i ballerini Amilcar Moret Gonzalez e Camilla
Mancuso - The Contrast progetto di Alessandro Risuleo -
TuttoBallo20 - August 2020.
Editore "Stefano Francia" EnjoyArt
Direttore - Fabrizio Silvestri
Vice direttore - Eugenia Galimi
Segretaria di redazione - Pina delle Site
Redazione - Marina Fabriani Querzè
hanno collaborato: Ernesto Biagetti, Maria Luisa
Bossone, Pietro Balsamo, Elena Botti, Marco Calogero,
Antonio Desiderio Artist Management, Giovanni Fenu,
Simonetta Festante, Mauri Menga, Michela Mignano,
Walter Garibaldi, Giovanni Battista Gangemi, Lara Gatto,
Danilo Piccini, Federico Vessella, Ciro Vinci.
Foto: Danilo Piccini, Luca Bartolo, Alessio Buccafusca,
Alessandro Risuleo, Veronica Napoleoni Studio. Foto
concesse da uffici stampa e/o scaricate dalle pagine sociale
dei protagonisti.
Le immagini e le fotografie qui presentate, nel rispetto del
diritto d’autore, vengono riprodotte per finalità di critica e
discussione ai sensi degli artt. 65 comma 2 e 70 comma
1bis della Lg. 633/1941.
É vietata la copia e la riproduzione dei contenuti e immagini in qualsiasi forma.
É vietata la redistribuzione e la pubblicazione dei contenuti e immagini non autorizzata espressamente dal
direttore. I collaboratori cedono all'editore i loro elaborati a titolo gratuito.
Testata giornastica non registrata di proprietà: ©ASS: Stefano Francia EnjoyArt
per contattare la redazione Tuttoballo20@gmail.com
BritishOpen Dance Championship e Junior Blackpool Dance Championship
riprogrammati al 2021
È con grande dispiacere che il British Council e il Blackpool Entertainment Company Limited
annuncia che il British Open Dance Festival e il Junior Blackpool Dance Festival 2020 sono stati
annullati e riprogrammati solo per nuova stagione 2021 causa la pandemia del Coronavirus
(COVID-19) e le sue ovvie conseguenze di dover preservare e proteggere innanzitutto la salute
e la sicurezza pubblica. Un comunicato da parte di Michael Williams, Managing Director dei
Blackpool Festivals, fa intendere che la decisione non è stata presa con leggerezza, ma
sentendo la responsabilità verso tutti i partecipanti, impiegati, partners e visitatori e dovendo
avere l’obbligo di seguire le linee guida del Governo Inglese riguardo alla sicurezza e alla
salute pubblica. Essendo sicuro di aver preso la decisione giusta, Mr. William si scusa e
ringrazia tutti per l’appoggio ricevuto in questa circostanza d’eccezione, invitando comunque a
tenersi pronti per gli anni futuri!
Le date ufficiali per l’anno 2021 sono:
Champions of Tomorrow: 8-10 gennaio 2021
Junior Blackpool Dance Festival: 5-11 aprile 2021
British Open Championships: 24 maggio - 4 giugno 2021
Per chiunque volesse trasferire i ticket riservati per il 2020 nelle date riprogrammate al 2021 o
per chi volesse essere rimborsato, troverà tutti i dettagli sul sito web:
www.blackpooldancefestival.com

T U T T O B A L L O 2 0 | A U G U S T 2 0 2 0
TuttoBallo20
Editoriale
E U G E N I A G A L I M I
V i c e D i r e t t o r e
L A D A N Z A S P O R T I V A T R A S P E R A N Z E E N U O V E R E G O L E
La danza sportiva è tra le discipline che stanno pagando il conto più salato per l’emergenza Coronavirus: le competizioni sono
state annullate o rimandate a data da destinarsi e, si spera, di riprenderle a gennaio o a marzo 2021. Gli atleti rischiano di
perdere la voglia di ballare, per loro è come una partita di calcio: hanno bisogno di scendere in pista.
Lunedì 25 maggio le scuole di danza hanno alzato nuovamente le serrande, una riapertura arrivata dopo quasi tre mesi
di stop, tra difficoltà e limitazioni. I più penalizzati sono stati i balli di coppia, dove spesso l’abbinamento non
corrisponde a quello della vita reale. “Riapriamo sapendo che ci perderemo economicamente, ma vogliamo dare il
messaggio che siamo fiduciosi che possa tornare tutto come prima”.
Queste, in linea di massima, le parole di chi ha deciso, a differenza di altri, di alzare le serrande non appena è stato possibile e
non rimandare a settembre il ritorno in sala. In Italia sono circa 24mila le scuole di danza, più difficile sapere il numero degli
insegnanti, dato che non c’è un albo al quale iscriversi. In media ci sono circa due docenti per scuola.
Non è stato sicuramente facile fare i conti con le nuove regole: il distanziamento, la cartellonistica, il gel sanificante, la
misurazione della temperatura, ecc... oltre alle spese di sanificazione ed ai mancati incassi dovuti alla diminuzione
delle presenze ai corsi ma, molti – specie nelle regioni in cui e' stato possibile farlo per il numero di contagi davvero
bassissimo e grazie all'arrivo della bella stagione – hanno organizzato sale di danza all'aperto dove svolgere le varie
attività dando a tutti un’opportunità per potersi allenare divertendosi in totale sicurezza.
Dopo i pesanti mesi di isolamento e di quarantena a casa, quello che ci serve è tornare a respirare aria pulita risvegliando il
nostro corpo e la nostra mente. Triste la realtà per il nostro settore, dispensatore di un farmaco naturale (spesso a due passi da
casa nostra), ovvero il benessere psico-fisico dato dallo sport e dalla sana socializzazione.
La Danza è un potente medicinale: da subito, al primo utilizzo il sistema immunitario ne risulta rafforzato. Infatti,
praticando danza sportiva la produzione delle beta endorfine può arrivare a un +500%, la serotonina aumenta
causando l'abbattimento del cortisolo, cioè l'ormone dello stress, producendo un aumento di felicità, che ci fa stare
bene; di conseguenza il benessere rafforza il sistema immunitario. Le ricerche scientifiche calcolano una riduzione di
1/3 del rischio di contrarre agenti patogeni, ovvero i virus, quando il nostro corpo produce endorfine.
Lo Stato Italiano ha da sempre incentivato e raccomandato la pratica dell'attività fisica e sociale nelle Associazioni Sportive,
proprio per i suoi benefici, considerato anche che l'attività fisica rappresenta uno dei principali strumenti per la prevenzione delle
malattie croniche non trasmissibili, per il mantenimento del benessere psico-fisico e per il miglioramento della qualità della vita,
in entrambi i sessi e a tutte le età, comprese le persone con disabilità.
Nel 1998 l'Organizzazione Mondiale della Sanità ha proposto la modifica della definizione originaria del concetto di
salute nei seguenti termini:"La salute è uno stato d'animo di completo benessere, fisico, mentale, sociale e spirituale,
non mera assenza di malattia."Detto ciò, la ripresa delle attività sportive dilettantistiche rappresenta un fattore di forte
significato in termini di promozione della salute.
Purtroppo i tre mesi del lockdown hanno causato una brusca interruzione nel periodo principale di attività e, purtroppo, la
ripresa nel periodo estivo non è una vera ripartenza: infatti, da sempre il periodo estivo vede la classica chiusura stagionale
delle Associazioni e perciò il lockdown durerà quasi il doppio per molti di noi.
Eppure le strutture, con il distanziamento minimo garantito dalle norme anti contagio obbligatorie per le società, possono essere
una valida e sicura distrazione per ragazzi e bambini, che invece vediamo questi giorni riversarsi nelle strade cittadine creando
assembramenti pericolosi per il contagio.
Inoltre, la dura resilienza di noi maestri deve scontrarsi con la nuova realtà della didattica a distanza, che sta tenendo e
probabilmente terrà impegnati i bambini e i ragazzi negli orari più diversificati, durante i quali frequentavano le nostre
strutture, complicando così all'ennesima potenza la già flebile ripartenza e dando il colpo di grazia al nostro settore.
Bisognerà cercare e trovare in breve tempo soluzioni atte ad aiutare le società e incentivare ragazzi, bambini e adulti nel
proseguire la loro passione: una soluzione potrebbe essere quella di organizzare spettacoli all'aperto, appena sarà possibile,
gestiti dalle amministrazioni locali e/o da enti di promozione sportiva, così da non fare affrontare le costosissime tasse comunali
alle Associazioni.
In ultimo, ma non meno importante, rivolgiamo un appello ai genitori, affinché non facciano abbandonare l'attività
sportiva in questo periodo ai propri figli, poiché è meglio avere un figlio con una passione e un obiettivo (nel nostro
caso sportivo), piuttosto che lasciarlo allo sbando per le vie insidiose della società dei tempi odierni.

A T T U A L I T Á B A L L O
F I S C O E B A L L TuttoBallo20
Morgan Bullock
La ballerina afroamericana accusata di appropriazione
culturale si difende: “l’unico colore è quello della passione”
Un video virale mette una giovane ballerina afroamericana
al centro di un contenzioso culturale tra l’Irlanda e la
giovane Morgan Bullock. La storia inizia quando la 20enne
ballerina afroamericana di Richmond in Virginia (Stati Uniti),
appassionata di danza irlandese, ha condiviso su TikTok un
video del suo ballo. Le immagini sono diventate virali sul
social network giovanile e, oltre al successo su Morgan,
sono piovute anche le accuse di appropriazione culturale da
parte della comunità irlandese di tutto il mondo. Tutta la
cultura delle danze celtiche hanno accusato la Bullock, di
non essere idonea a ballare lo Step Dancing, perché di
colore…
Morgan Bullock si ritrova sempre ad essere l’unica
del suo gruppo di ballo ad avere la pelle scura.
Questa peculiarità risalta in maniera evidente tra le
gambe dalla pelle chiara delle altre ragazze ed è
inevitabile non accorgersene. Lo StepDancing
ballato da Bullock, è una danza irlandese nata
intorno al 1750 sulla tradizione dei maestri itineranti
e prevede una coreografia basata su passi eseguiti
prima dal piede destro poi dal piede sinistro in
maniera speculare su un numero esatto di battute
musicali; l’enfasi della danza è quasi completamente
sul movimento dei piedi. «Ho visto questa danza per
la prima volta in uno spettacolo e mi ha
appassionata» ha raccontato Morgan in una
intervista alla Bbc. «Ho partecipato a dei corsi e poi
a gare e competizioni. Ero l’unica afroamericana, il
colore della mia pelle in gruppi di ballerine
prevalentemente bianche non passava inosservato»
spiega, raccontando il numero infinito di commenti
negativi e accuse che le sono pervenute quando ha
iniziato a postare i suoi video sui social network.
«Avrei capito se avessi cercato di appropriarmi di
quella cultura e farla passare come mia, ma non è
quello che faccio. Io riconosco da dove viene quella
danza. C’è una differenza netta tra appropriazione
ed apprezzamento»
Immagine estratta dal profilo TikTok della giovane ballerina
#redazionetuttoballo20

A T T U A L I T Á E B A L L O
F I S C O E B A L L O
TuttoBallo20
Sabrina e Andrea
" D A T R E A N N I P O R T I A M O A V A N T I U N P R O G E T T O
D E D I C A T O A I G I O V A N I , A S E T T E M B R E T O R N I A M O P E R
S E L E Z I O N A R E A L T R I T A L E N T I "
di Fabrizio Silvestri
S A B R I N A B R A Z Z O - A N D R E A V O L P I N T E S T A
P R O M O T O R I D E L P R O G E T T O " J A S A R T B A L L E T J U N I O R

FA IT ST UC AO L IE T Á B AE LBL AO
L L O
TuttoBallo20
Come nasce questo collettivo?
il Collettivo ITAWEBallet nasce durante il periodo del ock down, un
evento che ha paralizzato tutti, ed anche noi. Dopo le prime settimane
io e Sabrina ci siamo attrezzati ed a casa abbiamo allestito una piccola
sala danza, così abbiamo continuato un mini allenamento necessario a
mantenerci in attività come ballerini.
Durante quel periodo ci siamo domandati cosa si potesse fare per
poterci impegnare psicologicamente e allo stesso tempo aiutare gli altri.
Mentendo viva la nostraidentità di artisti ballerini, danzatori di teatro
abbiamo pensato ad un collettivo di danza per continuare a parlare e
scrivere di danza anche nel periodo di isolamento.
La risposta di altri ballerini colleghi è stata da subito positiva e così è
nato il Collettivo ITAWEBallet. Al collettivo oltre a me e Sabrina Brazzo,
hanno aderito Antonella Albano Prima Ballerina del Teatro alla Scala,
Francesco Costa, Ballerino Solista WienerStaatsballet, Jeshua Costa
Ballerino Solista Malandain Ballet Biarritz Lusymay Di Stefano, già
Ballerina del Teatro alla Scala e Direttrice Artistica, Accademia V Bellini
Catania, Ida Frau Ballerina Solista Jas Art Ballet Company / Ballerina
del MoravianSilesian Ballet (Rep. Ceca ), Alessio Di Stefano
Coreografo e Regista, Enrico Melozzi Compositore, Autore e Musicista,
Mirko Di Stefano VideoMaker, Giada Russo Responsabile Social
Media.
Il vostro primo progetto è "A MidApril Night’s Dream," in cosa
consiste?
Il progetto è stato realizzato con il giovane coreografo e regista siciliano
Alessio Di Stefano. Con Alessio abbiamo strutturato questo Corto
unendo una serie di coreografie diversificate per le varie situazioni che
vivevamo in quel momento. Abbiamo sperimentato la coreografia a
distanza, un lavoro nel quale ballerini e coreografo si interfacciano
,lasciando spazio alla creatività e sviluppando gestualità, movimento e
situazione. E’un documentario creato dalla prima compagnia Web, una
compagnia a distanza che interagisce tramite connessione virtuale.
Dopo settimane e settimane costretti in casa dall’emergenza sanitaria, la
ripresa graduale delle attività non è ancora una certezza per il settore
dello spettacolo dal vivo. Per chi vive di danza o di altre discipline
artistiche che si svolgono su un palcoscenico, questo sembra un terribile
incubo da cui è difficile riprendersi, senza voler negare i numerosi
problemi che questa situazione sta oggettivamente creando alla
sopravvivenza di diversi settori della società, ma lasciarsi andare allo
sconforto non porterebbe a nulla di buono. Del resto lo sanno bene i
ballerini: quando si cade, bisogna rialzarsi sempre e il prima possibile.
Con uno spirito molto propositivo si è formato il Collettivo ITAWEBallet.
Gli artisti che lo compongono, Nonostante la distanza, hanno creato un
progetto video dal nome “A MidApril Night’s Dream”, un sogno di
danza in Smart Working, su coreografia e regia di Alessio Di Stefano.
Le musiche sono state affidate ad Enrico Melozzi, compositore,
direttore d’orchestra, violoncellista e produttore discografico abituato a
spaziare fra vari generi.
Questo Ensamble composto da eccellenze della danza Italiana
provenienti da importanti realtà come il Teatro alla Scala, l’Opera di
Vienna ,Malandain Ballet Biarritz, ed anche giovani di talento, si è
riunito sotto il nome di ITAWEBallet, prima compagnia creata nel web
, con il preciso scopo di sostenere l’Arte e la Cultura in modalità
Smart Working. Nel periodo del lockdown, gli artisti erano dislocati in
varie regioni d’Italia, in Francia e in Austria, ma, nel pieno rispetto del
motto #iorestoacasa e dello smart working hanno maturato insieme la
scelta di fare qualcosa per essere più vicini, muniti di smartphone, tablet
e di tutti i supporti tecnologici che hanno riempito le giornate in
quarantena, creando ed eseguendo coreografiche e realizzando video.
“A MidApril Night’s Dream”, è un Corto-Danza creato per il web e si
sviluppa in maniera ironica ma con un messaggio chiaro, deciso e
riflessivo. Noi abbiamo contattato due protagonisti di questo lavoro,
(l’étoile internazionale Sabrina Brazzo, ed il primo ballerino Andrea
Volpintesta).
Questo documentario dove può essere visionato?
Questo video è visibile sul canale youtube ITAWEBallet e sul canale
Video Art Project per il progetto B-lockeddown una piattaforma dove
verranno inseriti anche altri lavori video, docufilm sulla danza.
Quali obiettivi vi siete prefissati?
Uno degli obiettivi di questo docufilm è raccogliere fondi per dare una
mano alle scuole di danza in difficoltà a causa del Covid 19. La danza
non può morire, la danza nel corso della storia è sopravvissuta a guerre
a pandemie e sono certo vincerà anche su questa pandemia. Tutte le
scuole di danza hanno dovuto chiudere e probabilmente molte non
riusciranno a riaprire a settembre. Altre hanno riaperto a fatica, ma
sicuramente ci vorrà del tempo per mettere a posto un po' le cose,
quindi il nostro scopo è di dare inizio ad una campagna solidale che
raccolga fondi a favore di scuole di danza in difficoltà. Siamo felici e fieri
di essere stati la scintilla che ha fatto accendere una luce importante a
tal proposito, ed essere stati di ispirazione per la creazione di una vera e
propria piattaforma .
Quali sono state le conseguenze del lockdown per voi e la
vostra compagnia?
Le conseguenze sono state sicuramente disastrose, oltre alle
cancellazioni di impegni e spettacoli, abbiamo dovuto fermare anche il
programma del “Jas Art Ballet Junior”, un progetto che portiamo
avanti con successo da tre anni e di cui siamo fondatori e direttori
artistici: il progetto è molto bello dedicato ai giovanissimi di età
compresa tra o 11 e 18 anni e che ha come fine l’inserimento nel mondo
del lavoro della professione della danza. Il nostro settore, a differenza
degli altri, ha sofferto molto di più e anche se qualche compagnia è
tornata sulla scena c’è ancora molto da organizzare e risolvere, ma è
comunque un inizio. Il mio punto di vista, che è anche quello di Sabrina,
è indirizzato alla massima collaborazione tra le diverse realtà del settore.
Io credo che sia finita l’epoca dell’individualismo e sia iniziata quella
della cooperazione e delle collaborazioni professionali serie.

FA IT ST UC AO L IE T Á B AE LBL AO
L L O
TuttoBallo20
Sabrina Brazzo, Andrea Volpintesta come vi state organizzando per ripartire a settembre?
Sicuramente riprendere in mano le nostre vite da danzatori professionisti e direttori artistici per rimettere in piedi tutti i nostri progetti.
L’intento è quello di riportarci in attività come compagnia Jas Art Ballet con produzioni importanti già in essere, riallacciando collaborazioni
proficue come quella con Francesco Ventriglia, ed una con Sabrina Massignani e, ovviamente, con i nostri ballerini. La prossima stagione
abbiamo degli impegni già presi con il Teatro Carcano di Milano ed altri in fase di definizione. Da settembre speriamo di ripartire al meglio,
nel rispetto delle norme stiamo studiando la strategia migliore, dalla nostra parte abbiamo la passione e l’amore che mettiamo e che da
sempre ci ha contraddistinto nel fare questo lavoro. Punteremo come sempre sui giovani, con il progetto Jas Art Ballet Junior, li seguiremo
nel percorso formativo per prepararli al meglio all’ingresso nel mondo professionale. Il nostro programma è centrato sulla formazione
artistica ed il perfezionamento tecnico in più discipline. Noi selezioniamo accuratamente i giovani talenti su tutto il territorio italiano e li
accompagniamo nella fase di crescita con una formazione adeguata .
Il programma è molto impegnativo i giovani studiano con docenti artisticamente e professionalmente qualificati e riconosciuti sia in Italia che
all’estero, il progetto JAB accompagna i giovani danzatori dai 12/16 anni fino ai 17/18, età dove con innesti mirati si inizia a calcare il
palcoscenico da professionista e con professionisti. Da settembre il programma ripartirà sicuramente da Milano sede principale in
collaborazione con AdD Accademia Danza Milano di Monica Martucci, dove si terrà una Audizione il 12 Settembre 2020 per chi supererà le
Pre-Selezioni, e Massafra ( Puglia ) in collaborazione con Russian Ballet di Milena di Nardo con audizione il 9 Settembre 2020 ; tutto questo
per dare possibilità anche a giovanissimi allievi del sud italia di partecipare e non rinunciare ad un percorso di questo tipo. Inoltre stiamo
lavorando, sono aperte le PreSelezioni Web, anche per una partenza del programma a Venezia in collaborazione con Venezia Balletto di
Sabrina Massignani dove si terrà l’Audizione il 5 Settembre 2020 e in Trentino dove invece le selezioni oltre che via Web saranno fatte
durante uno Stage ( Entolé ) a Ronzone in Val Di Non in collaborazione con KinoCentroDanza di Sabrina Borzaga dal 24 al 30 Agosto 2020
.Io e Sabrina ci auguriamo che i sogni dei ragazzi si realizzino… Per chi vuole farne una professione, la danza non deve essere un
passatempo, o un hobby. Per raggiungere i livelli di Sabrina e i miei bisogna lavorare duro ogni giorno…
P e r I n f o p r e s e l e z i o n i W e b J a s A r t B a l l e t J u n i o r
M i l a n o - M a s s a f r a - V e n e z i a - T r e n t i n o -
S c i v i u n a e m a i l a : a s s c u l t u r a l e j a s a r t b a l l e t @ g m a i l . c o m
F a c e B o o k - J a s A r t B a l l e t J u n i o r
I N S T A G R A M - j a s a r t b a l l e t j u n i o r

FP IE SR CS O N E A GBG AI LE L BO
A L L O
TuttoBallo20
NANCY BERTI
UN "CICLONE" LATINO

FP IE SR CS O N E A GBG AI LE L BO
A L L O
TuttoBallo20
#redazionetuttoballo20
Da qualche anno nel dance star system, si sta facendo strada
una giovane avvenente ballerina: Nancy Berti.
Già campionessa professionista di danze latino-americane,
insegnante di “Amici” e coreografa dell’ultima edizione di
"Amici Speciale", Nancy inizia a studiare da piccolissima
danza classica, per poi abbracciare la carriera da latinista
riscuotendo da subito successo dentro e fuori la pista, fino
ad essere medaglia di bronzo ai Campionati del Mondo di
South American Show Dance e semifinalista pro latin al
Blackpool Dance Festival. Dopo varie edizioni di “Amici”
come insegnante e coreografa per le danze latine, a lei si
deve la vincita del programma nella categoria danza di
Vincenzo Durevole (ndr primo latinista ad entrare nella
scuola di Maria De Filippi), la ballerina Trentina ha
compiuto un altro passo inedito. Da Roma, città in cui vive,
si è trasferita in Toscana sul set di “Ciclone”, chiamata da
Takagi e Ketra (casa di produzione Sony), già famosi per i
loro tormentoni estivi, per occuparsi delle coreografie del
nuovo videoclip hit dell’estate 2020, cantato da
Elodie.Insieme a Elodie, figurano Mariah e uno speciale
featuring dei Gipsy Kings. Sul set hanno ballato Lorella
Boccia, Giulia Pauselli e Federica Panzeri, che a passi di
flamenco hanno rievocato le iconiche scene del film
l’atmosfera della pellicola di culto degli anni ’90 “Il
Ciclone”, diretta e interpretata da Leonardo Pieraccioni,
regista che è anche protagonista di un cameo d’eccezione
nel finale del videoclip, diretto dagli YouNuts! (Antonio
Usbergo & Niccolò Celaia). Così un po' Natalia Estrada un
po' Lorena Forteza, Nancy Berti con le sue coreografie ha
tirato fuori l’anima spagnola e super femminile di Elodie.
Nancy, sei la ballerina con la valigia?
Sì lo sono.. e questa è una cosa positiva. Valigia è sinonimo
di viaggio, di andare alla scoperta, di esperienze accumulate,
di vita attiva, di energia che pulsa.
E tutto questo è necessario per essere riportato nel mio
lavoro di insegnante e coreografa e, soprattutto, per
arricchirmi personalmente come essere umano e ballerina.
Come hai conosciuto Takagi e Ketra?
Ho conosciuto Alessandro Merli (alias Takagi) nelle mie
prime edizioni di “Amici”, quando io ero coach per le danze
latino-americane e lui coach per i cantanti rapper nella
scuola. È subito nata una bella amicizia ancora ridiamo di
alcuni aneddoti passati. E quando, questa primavera, hanno
dovuto pensare ad una coreografa “latina”, Alessandro mi ha
detto che non ha avuto dubbi “Io conosco la più forte di
tutti” (risata contagiosa) Lo ringrazierò sempre per questa
superba esperienza.
L’ispirazione di Pieraccioni, come ti ha aiutato a creare
le coreografie per Elodie?
Pieraccioni è un genio della comunicazione diretta e
semplice. Elodie una voce pulita e molto femminile. Le
coreografie, o meglio il ritornello, doveva essere alla portata
di chiunque per essere riballato durante l’estate. Avendo
chiare queste caratteristiche.. la musica e il ritmo mi hanno
aiutata a fare il resto.
Settembre è vicino e Nancy cosa progetta di fare?
Nancy progetta tutto scrupolosamente, ma allo stesso tempo
rimane aperta a qualsiasi opportunità. Perché quello che
cerco di fare è, semplicemente, capire dove posso essere più
utile, dove posso portare progressi, positività, dove posso
avere un bello scambio di energia e poi via.. mi ci tuffo a
pieno, che sia nel mio campo agonistico, in quello della
televisione o in altri progetti artistici completamente nuovi.
Progetti che ultimamente, dalla sola Italia, stanno prendendo
anche il via europeo. Cosa questa, che mi ripaga della
costante dedizione alla mia arte e del provare sempre a
guardare un po’ più in là, senza limite alcuno.

P E R S O N A G G I E B A L L O
TuttoBallo20
Arianna Esposito:
"Ballo per amore
dipingo per passione"
DI PINA DELLE SITE

Arianna e Gianni sono una coppia di professionisti di Danze Standard. Il mondo della danza inizia a
nel 2008, quando insieme decidono di scendere in pista nelle danze di coppia.
conoscerli
aver maturato una forte esperienza come amatori, affermandosi a livello internazionale, 2° posto nel
Dopo
Nazionale WDC (Italia) 2009 e 2010, 4 ° posto al WDC European Championship 2010,
Campionato
nel WDC AL World Championship 2009 e 2010, La Coppia decide, nel 2011, di entrare nel
Semifinalista
continuando a consolidare il proprio successo. Nel 2017 ottengono risultati grandiosi,
professionismo
UK Championship Resing Star Ballroom, Runner Up a Blackpool Dance Festival Resing Star Ballroom,
vincono
internazionali. Il 2006 è l’anno d’oro per lui, ottiene grandi risultati, come semi-finalista in tutte le
competizioni
competizioni Under 21: Blackpool Dance Festival, German Open, International Championships.
principali
diversi anni, fino a quando non decide di cambiare scarpette lasciando sul tappeto le punte eì di indossare
per
tacco. Arianna inizia così a ballare con il fratello la disciplina del 10 Dance (Ballroom e Latin).
il
oltre ad essere una bravissima ballerina è anche una straordinaria pittrice, con un tratto deciso e colori
Arianna
racconta il mondo della danza…
caldi
mio primo veicolo di espressione è stato il disegno... trasformatosi negli anni anche in pittura ad olio. I miei
Il
ricordi risalgono alla scuola Materna dove passavo la maggior parte del tempo a disegnare, copiando le
primi
dai libri di fiabe, avevo meno di 3 anni. La danza è arrivata dopo, a 5 anni, essendo molto vivace,
immagini
bambina miei genitori decisero di mandarmi a danza classica, da lì mi sono innamorata subito perché
come
la più grande differenza è la tipologia del team, nella danza classica sei sola contro tutti, quindi non esiste
Sì,
team, nel ballo di coppia hai il Partner (fisso), questo è il motivo perché ho preferito le danze di coppia,
un
ero piccola avevo una forte sensibilità, riuscivo a sentire tanto l’energia negativa che veniva dalle
quando
di danza e molto spesso dalle mamme, soprattutto quando la maestra parlava bene di me. Questa
compagne
Gianni ci siamo conosciuti nel 2008 in un allenamento, mi ha colpito tanto la sua energia
Con
e il suo essere focalizzato.
nell’allenamento,
siamo coppia nella vita da quel lontano 2008, sembra ieri! Ci siamo sposati il 13 Luglio 2015, e proprio
Si
giorni fa abbiamo festeggiato 12 anni di convivenza e 5 anni di matrimonio.
pochi
più problematico, il compagno, perché dopo gli allenamenti dove si discute per migliorare il più
Sicuramente
devi tornare a casa e cercare di non portarti il lavoro a casa proprio per non compromettere la
possibile,
me il più faticoso è il Ballroom perché richiede più disciplina nell’esecuzione, nel Classic Show dance puoi
Per
più libero nell’esecuzione tecnica.
essere
P E R S O N A G G I E B A L L O
TuttoBallo20
e diventano Finalisti al Campionato del Mondo Classic Show Dance.
Gianni Caliandro ha iniziato la sua carriera a 7 anni. All'età di 15 anni, inizia a girare il mondo nelle varie
2008 incontra Arianna Esposito, ballerina di estrazione classica.
Nel
Esposito, all’età di 5 anni, per la prima volta indossa le scarpette da ballo, studia la tecnica classica
Arianna
Arianna, nasce prima la passione per la danza o per la pittura?
potevo mettere tutta la mia energia nei salti nelle spaccate.
Parliamo prima di danza: Tu hai iniziato con la danza classica, e poi sei passata alla danza di coppia.
Hai trovato delle differenze?
è la ragione per cui amo il ballo di coppia, la forza del Team.
Quanto ti è utile oggi aver studiato danza classica?
Tantissimo, con la danza classica ho imparato cos'è esprimere la bellezza muovendo il mio corpo.
Tu hai ballato prima con tuo fratello e poi Gianni Caliandro. Come vi siete conosciuti?
Oggi siete anche coppia nella Vita?
È più problematico ballare con un fratello o con il compagno?
relazione, non è per niente facile.
Voi siete una coppia specializzata in Ballroom e Classic Show Dance, quali sono più difficili o
quantomeno più faticosi?

P E R S O N A G G I E B A L L O
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Parliamo ora di pittura. Quando hai scoperto che eri brava
anche nel disegno?
Come dicevo all’inizio a meno di 3 anni.
Sei autodidatta oppure hai seguito un corso?
Avendo chiaro in me che ero portata per le arti figurative, non ho
avuto dubbi nella scelta delle scuole, sono andata al Liceo
Artistico, e dopo all’Accademia di Belle Arti di Lecce, corso
Pittura, dove mi sono laureata a
pieni voti.
Cosa ti piace dipingere?
Come ogni artista mi piace dipingere e raccontare la mia vita,
sono una ballerina e la danza mi ha portato
tante emozioni che mi piace descrivere attraverso la pittura.
I tuoi quadri cosa raccontano?
Raccontano la verità sulla danza, la danza che regala allo
spettatore tanta bellezza e leggerezza, ma la verità è
che dietro c'è tanto dolore e sacrificio.
Hai mai pensato di fare una mostra?
Si, quando il COVID ci lascerà vorrei esporre in qualche evento,
come per esempio ad una competizione di
danza.
Hai mai fatto un ritratto di Gianni, oppure un vostro
autoritratto?
Si certo, molti sono disegni che nessuno ha mai visto, e un olio su
tela che ci rappresenta e si intitola “Looking each other’s soul”
2012.
√

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Michal
Krcmar
"Non ho mai scelto di fare
danza, questa vita mi ha
scelto..."

Michal Krcmar è nato il 1990 a Praga, Repubblica Ceca, ha
conservatory of capital city Prague) la scuola di balletto migliore
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studiato e si è diplomato al conservatorio statale di Praga nel
2009. Ha cominciato la sua carriera al balletto di Bohemia
(Prague dance Conservatory Company) come solista. Nel 2010,
è stato assunto dal Balletto Nazionale di Praga come primo
ballerino e dal balletto Nazionale della Finlandia, come artista
ospite, stessa cosa per il balletto di Pilsen e Ostrava. Nel 2011 è
stato nominato primo ballerino del Balletto Nazionale della
Finlandia a Helsinki. Nel 2015 diventa Étoile dal Balletto
Nazionale della Finlandia. Nel 2016 ha ricevuto il premio Fazer
come miglior ballerino del Balletto Finlandese. Il suo repertorio
include tantissimi ruoli classici come il principe Desire e Blue
Bird nella "Bella Addormentata", Principe Siegfried nel "Lago dei
Cigni", principe in "Cenerentola", principe nello "Schiaccianoci",
principe nella "Sirenetta", Albrech in "Giselle", Solor nella
"Bayadere", Basilio in "Don Quixote", Franz in "Coppelia", Konrad
nel "Corsaro", Armand nella "Signoria delle Camelie", Oberon nel
"Sogno di Una Notte di Mezza Estate", Spartacus, Onegin, Romeo,
Des Grieux in Manon. Michal ha danzato e lavorato con i più
prestigiosi coreografi come Jiri Kylian, John Neumeier, Nacho
Duato, Carolyn Carlson. Michal si è esibito in molti eventi
internazionali come ad esempio al Gala delle Star mondiali del
Balletto a Sochi (Russia) durante i Giochi Olimpici
2014, al
Festival delle star mondiali del balletto in Seoul (Korea) 2015 e
al Ballet Festival in Colombia. Michal ha danzato in onore del Re
della Cambogia in Phnom Phen e in onore della regina Danese
in Copenhagen, Okamoto Ballet Festival in Fukuoka (Gappone).
Nel palmares personale ci sono direzione artisticche; al Gala di
Turku durante il Festival della Musica in Finlandia nel 2018, in
Portogallo, Italia, Germania, Bielorussia, Giappone, Russia,
Austria, Slovenia, Danimarca, Francia, Estonia, Slovacchia,
Polonia, Colombia, Cambogia, Ungheria, Cina,Hong Kong.
Come ti sei avvicinato alla danza?
Quando avevo otto anni, volevo sempre giocare a calcio e
hockey, All’epoca fare questi sport costava tanto invece fare
danza costava molto meno. Ora probabilmente la situazione é
cambiata. Mia mamma ha fatto danza da piccola, e ha notato che
avevo talento e anche sensibilità alla musica.
Lei voleva che Io provassi anche solo una lezione di danza, ma
Io non volevo andare. Alla fine ho fatto lo stesso questa mia
prima esperienza nel mondo della danza classica. Qundo alla
prima prova mi ha visto la maestra, lei ha riferito a mia mamma
che la danza poteva diventare la mi professione, ma Io non ne
volevo sapere. Nell'anno 2000 Io ho provato solo per curiositá la
selezione per poter entrare nel conservatorio di (Dance
in Czechia.
Quando sei entrato in una compagnia di balletto e i tuoi
ricordi?
Sono entrato nella mia prima compagnia di balletto nel 2009 al
(Prague State opera Ballet). Quando sono entrato in questa
compagnia il mio primo ruolo é stato il principe nel Lago dei
cigni. E in una compagnia di balletto questa situazione non é
normale. Devo dire che i miei colleghi erano persone fantastiche

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mi aiutavano tanto. Io avevo diciannove anni e avevo solo sei settimane per
poter preparare la coreografia. La prima miglior esperienza della mia carriera.
Sei una grande star del balletto finlandese. Come riesci a conciliare lavoro e
vita privata?
Allora per me il lavoro é lavoro, la vita privata è
un’altra cosa. Ad esempio
quando sono in vacanza non voglio parlare di lavoro é un momento per staccare
da tutto. Il mio lavoro é la mia grande passione , ma ci sono momenti dove
bisognia non pensare al lavoro per riposare sopratutto la testa e dedicarsi un po'
di più alla famiglia.
Parli molto bene italiano... svelaci il perché?
Una sera di tre anni fa con mia moglie cosi per gioco le ho chiesto di dirmi
qualcosa in Italiano. Ho iniziato con qualche verbo per provare e piano piano ho
imparato tanto.Non ho mai frequentato scuole o corsi di italiano. Con la famiglia
di mia moglie messaggiamo su WhatsApp e cosi ho imparato piú facilmente sia a
scrivere che a leggere. Voglio continuare ad apprendere sempre di più.
Un grande nome della danza con cui hai avuto l'onore di lavorare. i tuoi
ricordi?
É difficile dire solo uno nome. Ho lavorato con Natalia Makarova, John Neumeier,
Jiří Kylián sono tutti speciali. La scorsa primavera ho lavorato anche con Alexei
Ratmansky e devo dire che é stato qualcosa di incredibile. Un’esperienza molto
bella e sorprendente. Oltre ad essere un grande professionista, Ratmansky è un
brillante esecutore, con grande sensibilita musicale. Ratmansky segue in modo
straordinario e con rispetto i ballerini che
rappresentano le sue coreografie.
Grazie a questo suo atteggiamento lavorare diventa piú semplice piuttosto che
lavorare con una persona arrogante…
Tale lavoro mi soddisfa e mi motiva soprattutto!
Quali sono i tuoi prossimi progetti?
Io ho un programma, ma data la situazione ancora nulla é sicuro quindi si vedra
col tempo.Il primo ruolo sará Conrad nel balletto Le Corsaire, forse la versione
piú famosa coreografata da Anna-Marie Holmes. Quindi completamente una
nuova produzione Mr. Jekyll e Mr. Hyde, su cui ho iniziato a lavorare in
primavera come Mr. Hyde (diretto e coreografato da Val Caniparoli). Un altro
progetto sará premier mondiale del Lago dei cigni (diretto e coreografato da
David McAlister ex direttore del balletto australiano). Sto anche negoziando
come ospite in posti molto interessanti con produzioni straordinarie, ma per ora
terró i dettagli per me.
Cos'e per te la danza?
Per me la danza non é lavoro, ma é amore e solo cosi si puó fare bene. Questo
tipo di lavoro non é come gli altri, e si puó fare solo con passione e dedizione.
Non sono sicuro che cosa sia la danza per me. Io non ho mai scelto di fare danza,
questa vita mi ha scelto e adesso ha preso un gran posto nel mio cuore, come
una cosa vivente dentro di me, ma posso anche facilmente immaginare di vivere
senza danza un giorno in futuro. Quello che non riesco a immaginare è di vivere
senza musica. La musica è il vero miracolo. La musica rende la danza perfetta.
Quando la musica perfetta incontra I passi perfetti diventano una cosa sola allora
nasce una magia. Quindi posso dire che la musica è più importante della danza
per me. La musica può esistere senza danza ma la danza senza musica non può
esistere per me.

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Luana
&
Luka
The Dancers Made in Sardina
“Ero poco più che adolescente quando, durante una serata con la mia famiglia al Circo Orfei,
ammiravo il volteggiare degli acrobati. Il loro abbigliamento eccentrico che metteva in evidenza il
fisico scolpito, ed il sorriso rassicurante per chi li osservava, mi teneva letteralmente col fiato
sospeso. Un’arte, quella del circo, che affascina chiunque, soprattutto chi dentro di sé ha il fuoco
dell’arte.”
Un incipit suggestivo e curioso apre il nostro incontro con Luana, professionista star della coppia di
Luka e Luana Fanni.
I Fratelli di Cagliari hanno affascinato teatri e ballroom di tutto il mondo con il loro stile di danza
latino. Le loro carriere iniziano con le danze di coppia, come tutti i bambini degli anni 80, per poi
creare uno stile tutto loro, il Latin Cabaret Show. Hanno sempre ballato insieme, hanno sempre
condiviso tutto, come fossero due gemelli siamesi. Luka, lo show man, Luana la famme fatale, bella e
istrionica capace di trasformarsi in qualunque figura femminile Luka creava per i loro spettacoli.
Ricercati nella musica, nelle coreografie, nei costumi, i fratelli Fanni sono riusciti a trasformare ogni
show in evento esclusivo e irripetibile. Oltre a diventare coppia di punta del bel Paese, vari impresari
internazionali li scritturano per spettacoli teatrali da portare in giro per il mondo, uno tra tutti “Burn
The Floor” un live dance nato nel 1997 ed ancora in produzione.
Luana e Luka… Quanti anni avete ballato insieme?
Abbiamo ballato insieme tantissimi anni, quasi l’intera carriera. Abbiamo sempre avuto una complicità
ed un feeling indissolubile, magnetico, molto speciale.
Ti ricordi la prima volta che hai indossate le scarpette da ballo?
La prima volta che ho indossato Le scarpe da ballo avevo circa 10 anni. Ma, mi sono incamminata
verso l’ arte e lo sport sin dai primi anni d’età.
Quale metodo di studio avete adottato?
Non c’è un solo metodo di studio che abbiamo adottato. Per molti anni della nostra lunga carriera
abbiamo sempre cercato di raggiungere nuovi obbiettivi, e quindi siamo andati continuamente alla
ricerca dei dettagli che potevano aiutarci a far la differenza. Ma non solo, era ed è tutt’ora
importante la ricerca in primis di noi stessi e della nostra forte personalità.
di Fabrizio Silvestri

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Voi siete considerati i maestri precursori delle danze latino americane artistiche… Come
avete capito che il latin show era la vostra disciplina?
In realtà non l’abbiamo scoperto, era quel qualcosa che ci apparteneva dalla nascita. Sin da
bambini, pur per gioco, ci piaceva quel particolare intreccio tra l’essere attore e l’essere
ballerino. Dunque il latin-show era il giusto compromesso perché ci permetteva di raccontare,
recitare, trasmettere emozioni, all’interno di una coreografia, attraverso la musica.
Voi siete stati campioni italiani, europei, mondiali di latin show (meglio conosciuto come
south american show dance). Come si raggiungono questi obiettivi?
Gli obiettivi importanti si raggiungono lavorando sodo e con costanza. Non basta avere solo il
talento. Campioni si diventa passo dopo passo in un lungo processo che dura anni. Io e Luka
abbiamo sempre avuto una forte attrazione per quest’arte e arrivare a quegli obiettivi era il
nostro sogno quotidiano.
Voi avete danzato nei palazzetti, nei teatri (protagonisti di Born the Floor) e in
televisione come ospiti di trasmissioni e anche come coach coreografi di Baila il
programma di Barbara D’Urso su canale 5. Nei vari settori, come cambia la preparazione?
I metodi di preparazione cambiano in continuazione, considerando vari fattori. Nei palazzetti è
importante la competizione, in un teatro la scenografia. Bisogna considerare spazi e tempi a
disposizione. Ciò che non cambia mai é quello che si deve e si vuole trasmettere, storie ed
emozioni.
Luka vive da molti anni in Indonesia, cosa ti manca di più di tuo fratello?
Oltre la sua presenza fisica, mi manca la sua personalità che completa la mia e viceversa! Siamo
comunque a stretto contatto, comunichiamo continuamente e grazie alla tecnologia possiamo
tenere viva la nostra avventura insieme. Come dice Luka: "Le distanze allontanano i corpi , non
le anime, specialmente le nostre."
Ti piacerebbe tornare a ballare in teatro?
Assolutamente si.
Come si riconosce una coppia campione?
Una coppia di campioni si riconosce da tanti dettagli, perché riesce a darti quella scintilla che
non riescono a darti le altre coppie. Quando ne incontri una lo senti subito, quel tipo di ballerini
ti trasmettono la loro passione con disinvoltura, suscitando emozioni uniche energia e tanto
carisma.
Consigli per essere sempre una top dancer?
Per essere una top dancer bisogna sapersi prendere cura della danza e del proprio corpo,
individuare punti di forza ma anche accettare i punti deboli con umiltà. Il segreto non è essere
perfetti ma concentrarsi sulla ricerca della propria personalità bilanciando
tecnica e musicalità, mettendoci anima e corpo, non solo in pista, ma nella vita di tutti i giorni. È
necessario, anche, non dimenticare l’importanza che hanno l’allenamento costante e
l’esperienza che si acquisisce solo nel tempo.

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Luana Fanni (30 maggio - Gemelli)
Luana, insegnante, coregorafa, coach e giudice.
Nella sua carriera ha sempre ballato con il fratello
Luka entrando nell'olimpo mondiale delle
"Dancing Stars"

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MATTEO
Pastore
"Anima ribelle"
di Elena Botti
Matteo Pastore, nato a Salerno nel 1975, inizia gli studi di balletto classico di stile “Vaganova” e “Lecchetti”. Si forma
poi nella “scuola A.I.D (Associazione Italiana Danzatori)” studiando con maestri di fama mondiale. Ho conosciuto
Matteo Pastore durante una rassegna di danza, ossia quando siamo stati entrambi nel ruolo di giudici, e da lì abbiamo
avuto sùbito un affiatamento artistico. Aggiungo anche che lui è stato Primo Ballerino in Croazia, in Bulgaria, al
Teatro Nazionale in Slovenia ed ha lavorato alla Fondazione dell’Arena di Verona, al Teatro dell’Opera di Roma,
nella Compagnia Nazionale del Balletto Classico e in America, a Washington D.C., nel Teatro dell’ “House Italy”.
Partiamo dalle origini: Com’è nata la tua passione per la danza?
Premetto che io svolgo questo lavoro ma - per me - non è affatto un lavoro, è fare arte. Io ho l’idea che l’artista sia
come un angelo che non ha affatto a che fare con cose di poco valore come il denaro. Io vivo per lavorare, sì, ma lo
faccio con piacere perché ciò che faccio per vivere mi piace talmente tanto da non poterne fare a meno. La passione
per la danza me l’ha trasmessa mamma Nina: la mia musa, il mio amore, la mia vita.
Partiamo dalle origini: Com’è nata la tua passione per la danza?
Premetto che io svolgo questo lavoro ma - per me - non è affatto un lavoro, è fare arte. Io ho l’idea che l’artista sia
come un angelo che non ha affatto a che fare con cose di poco valore come il denaro. Io vivo per lavorare, sì, ma lo
faccio con piacere perché ciò che faccio per vivere mi piace talmente tanto da non poterne fare a meno. La passione
per la danza me l’ha trasmessa mamma Nina: la mia musa, il mio amore, la mia vita.

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A che età hai iniziato a fare danza?
A cinque anni mia madre Nina mi portò ad una scuola di danza. Ero bambino e lei mi portava spessissimo a vedere i balletti;
così mi innamorai della danza classica. Poi fu mia madre che si accorse dell’amore che io avevo per la musica e per la danza.
Ricordo l’imbarazzo che avvertii quando mi trovai in una classe di danza in mezzo a tutte ragazzine: una volta l’idea che un
uomo potesse intraprendere la carriera del danzatore classico era associata ad un certo tipo di sessualità. A scuola non ebbi
pochi problemi in fatto di appellativi e infatti mi davano della “femminuccia”. Anche a casa, in fondo, l’atmosfera non era affatto
positiva: gli amici di famiglia avevano da ridire circa la mia scelta di studiare la danza classica.
Che cosa è accaduto dopo la scuola?
I miei genitori volevano aprire una scuola di danza per me ma io volevo fare il danzatore classico. Un giorno, durante una
rassegna, mi notò il maestro Vinicio Mainini che mi portò a Roma, alla scuola dell’ “A.I.D.” (Associazione Italiana Danzatori),
facendomi vincere una borsa di studio. Lì incontrai, per mia grande fortuna, il maestro George Bodnarciuc. George mi
chiamava “Butterfly” e ciò è rimasto nel mio cuore. Diceva sempre che gli sembrava che io volassi quando danzavo. Lui era
amore e severità: mi dava la carica, accoglieva le mie fragilità (in quel periodo mi mancava molto la mia famiglia), ma, se
necessario, mi picchiava anche e con ciò intendo propriamente che mi dava degli schiaffoni in mezzo alla schiena. Una volta si
respirava più severità nelle classi di danza. Eppure ricordo un giorno in cui io e i miei compagni di allora eravamo a lezione,
durante una giornata di pioggia intensa, e George fece smettere di suonare il pianista e noi facemmo l’intero “Adagio” con
l’acqua che scrosciava in sottofondo. Fu proprio all’ora che il mio corpo fu pervaso da una emozione fortissima: piangevo ma
non sapevo affatto il perché, sentivo in me leggerezza e fuoco.
La danza è anche sacrificio, vero?
Sì, la danza è sacrificio. Si studia per tante ore al giorno ma sono stato fortunato a studiare con molti maestri come Vittorio
Biagi, Stefan Furijan, George Bodnarciuc e anche la “Carter”dell’ “American Ballet”.
Mi racconti di quando tu hai iniziato a lavorare?
Una delle prime compagnie in cui ho lavorato è stata il “Momino’s Dance Theater” diretto da Vinicio Mainini e da Giacomo
Molinari. Poi c’è stata un’altra esperienza artistica e lavorativa molto importante, quella con il maestro Tuccio Rigano, mio
mentore e grande amico. Le produzioni di Rigano in cui io ho lavorato sono: “Carmen”, “Sansone e Dalila”, “Boléro di Ravel”.
Bellissima fu anche l’esperienza al “Marrucino” di Chieti dove ho danzato accompagnato dall’orchestra sinfonica. Negli anni
successivi sono diventato il suo assistente e il suo coreografo. Siamo stati insieme in Bulgaria, a Pravec, dove ho danzato la
tarantella di Strauss nel ruolo di “Pulcinella” e poi sono stato Primo Ballerino al “Festival di Mozart” dove ho interpretato il
cavaliere ne “Il cavaliere della rosa”di Strauss.
Ci sono state altre personalità del mondo della danza che hanno segnato la tua vita?
Sì, ricordo con affetto l’incontro con Raffaele Paganini, allora già avanti con l’età, che mi paragonò a lui da giovane per forza,
tecnica e potenza.In più ricordo anche e con orgoglio Madame Soffronova, allieva“Vaganova”, la quale mi vide danzare e mi
disse “sei nato per fare il danzatore nobile”. Inoltre un altro incontro importante è stato quello con il maestro Stefan Furijan
(croato). Lo incontrai durante uno stage e incominciai a lavorare con lui. Poi mi chiese di presentarmi come Primo Ballerino al
“Festival delle Nazioni Unite” a Pompei dove rappresentai l’Italia. Ricordo anche un’altra esperienza lavorativa importante che
ebbi quando io feci un omaggio a Massimo Troisi danzando sulla musica della colonna sonora del film “Il postino”. In seguito
partiì per la Croazia allo scopo di lavorare stabilmente come Primo Ballerino.
Saresti stato disposto a vivere per sempre in Croazia?
No, anche se avevo lavorato già in varie compagnie, teatri dell’opera ed altri enti lirici con tutti grandi nomi della danza come
Stefan Furijan, Vittorio Biagi, Tuccio Rigano e tanti altri, sono poi tornato in Italia.
Quale personaggio del repertorio classico ti si addice di più sulla base del tuo carattere?
La Carmen, il Don Quixote e il principe nel lago dei cigni dove si esprime il lato romantico del mio carattere.
Per quanto tempo sei rimasto in Croazia?
Per due anni, poi mi chiamarono per andare all’Arena di Verona e tornai in Italia per fare “Cenerentola”. Collaborazioni
importanti furono anche con la maestra Maria Luisa Bossone e Bruno Fusco Alloro, direttore dell’ “American House Italian”, per
i quali ballai in occasione del centenario di Verdi.
Le tue aspettative corrispondono ai progetti che tu stai realizzando?
Nella mia vita sono riuscito a fare ciò che volevo, sono stato un danzatore, unì primo ballerino sia nel pubblico che nel privato.
Attualmente sono maestro di balletto classico e coreografo. Ringrazio tanto Nina, la mia mamma che dall’Alto mi guida.Ora ho
un nuovo progetto che è quello di mettere in scena un’opera tratta dal Vecchio Testamento e dal Nuovo Testamento: “The
Passion” -“La Passione di Cristo”. Per me questa produzione assume il significato di un omaggio simbolico a Dio. Ci rivedremo
presto quando avrò realizzato anche questo grande sogno. Tutti abbiamo bisogno di sognare e io sarò sempre un sognatore.

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Alito
Alessi
DanceAbility:
improvvisazione dei
movimenti
di Giovanni Battista Gangemi,
Ilaria Castanò.
Coreografo ed anche direttore artistico e fondatore
della Joint Forces Dance Company, con sede a Eugene,
Oregon, Stati Uniti d’America. Alessi, uno dei soli quattro
coreografi premiato con il Fellowship, appartiene ad un
gruppo di 186 artisti, studiosi, scienziati e selezionato per il
premio.
Ha ricevuto borse di studio dal National Endowment for the
Arts (NEA) nel 1992-1993 e 1995-1996, e dalla Commissione
Oregon Arti nel 1992. Sotto la sua guida, la Joint Froces Dance
Company ha ricevuto un esemplare NEA Grant nel 1991
DanceAbility per il progetto; è attualmente un pioniere del
metodo della danceability per integrare le persone con e
senza disabilità nella danza contemporanea.
Un ringraziamento speciale per la traduzione Inglese/italiano
Ilaria Castanò.
Quando ha iniziato a studiare danza?
Ho iniziato a danzare quando ero molto piccolo, quasi un
bambino; sono cresciuto tra le strade interne degli Stati Uniti,
dove tutti ballavano: era come un modo per evadere dalla
vita di tutti i un modo per evadere dalla vita di tutti i giorni.
Ma dopo pochi anni, attorno alla maggiore età, inizia a far
parte dell'"Eugene Dance Colletive" (dal nome della città in cui
vivevo): un gruppo di ballerini, tra cui professionisti e molti alle
prime armi, come me. Da allora intrapresi lentamente il mio
percorso fino al 1979, quando fondai la mia compagnia, Joint
Forces Dance, che esiste tutt’oggi. Agli inizi, gli stili di mio
interesse riguardavano la danza contemporanea e la postmodern;
più tardi, verso i primi anni ’70, inizia a sperimentare

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“contact improvisation” e fu quest’ultima ad avere una maggiore influenza nella direzione
del mio percorso professionale, poiché sembrava quasi un tipo di danza che mirava ad
essere accessibile a tutti (cosa che poi non si rivelò essere); ma fu una tale esperienza
ad ispirare il pensiero e la filosofia dietro ogni mio lavoro, secondo cui tutti dovrebbero
poter danzare e con questa convinzione, col tempo, cercai di capire come renderlo
possibile. Agli inizi della mia carriera, riscontrai molto successo per una coreografia
montata nel 1984, intitolata “Hoop Dance”, riguardante l’eguaglianza di genere e
riconosciuta a livello internazionale. Dopo qualche anno da allora, ero ancora alquanto
acclamato nel mondo della danza, ma non realmente felice, poiché non stavo
soddisfacendo i miei valori personali, i quali si sarebbero affermati, invece, se avessi
trattato l’uguaglianza e avessi reso la danza accessibile a tutti: da quel momento il
progetto DanceAbility ebbe il suo inizio.
Cosa è per Lei la danza?
Per me la danza è un modo di sperimentare, di fare ricerca nella propria vita, nelle proprie
relazioni e nel modo di integrarsi nella società. Ma, soprattutto, la danza è comunicazione,
anche con se stessi; è riuscire, tramite i movimenti, a fare in modo che il subconscio
serva ed educhi la tua persona, le persone attorno a te ed anche la società in merito a
temi molto importanti e profondi. Quindi, per me danzare significa sicuramente
trasmettere informazioni: a me stesso e al mondo che mi circonda.
Lei è il fondatore della metodologia di danza "Danceability " ci vuole spiegare di cosa si
tratta?
DanceAbility è un metodo di improvvisazione dei movimenti che può rientrare anche
nell’elaborazione di una coreografia. Non si concentra realmente sulla disabilità, ma
sull’eliminazione dell’isolamento, perché le caratteristiche uniche e le condizione fisiche di
ognuno non siano problemi. I problemi piuttosto derivano da persone separate ed isolate.
La società, per di più, non può evolvere se le persone non contribuiscono a darne una
direzione, comunicando e relazionandosi tra loro, col fine di comporre un “architectural
consciousness” che aiuti la dimensione sociale a migliorare in maniera equa sotto ogni
aspetto.
Dove vive e quali sono i prossimi suoi avvenimenti?
Ora vivo ad Eugene, in Oregon, dove ho un responsabile ed un’attività; abbiamo abilitato
più di 700 insegnanti in tutto il mondo, che ora lavorano in 50 diversi paesi, nello studio
del metodo di DanceAbility. Sicuramente uno dei miei progetti per il futuro è di riprendere
tutti i manuali ed i materiali e metterli per iscritto in un unico libro o in altre varie forme
facilmente accessibili per consentire di continuare ad educare le persone, cosicché
anche gli insegnanti possano diventare istruttori, dando origine ad un modello di
replicazione del metodo di DanceAbility in tutto il mondo, in grado di autosostenersi ed
autogestirsi, mantenendo ben saldo il punto di partenza e di riferimento; nel mentre io
potrei continuare a lavorare come consulente di questa organizzazione globale,
totalmente inclusiva.
Quando costruisce una coreografia a cosa da maggiore attenzione?
Quando preparo una coreografia, i primi aspetti che considero riguardano le possibilità di
movimento di ciascun corpo in scena e quali siano le possibilità di quegli stessi corpi di
comunicare e creare in maniera collaborativa; dopo ciò, è necessario stabilire un
argomento o un tema che vogliamo trasmettere. In più bisogna comprendere che
abbiamo l’abilità di mostrare la bellezza di “un’opera architettonica”, quale la coreografia,
in grado di sintetizzare una dimensione sociale dove tutti vivono e lavorano insieme,
fornendo un modello di riferimento per quelle concezioni di società che ambiscono alla
collaborazione delle singole parti, credendo che quanto più esse siano diverse tra loro,
tanto più ci sia da imparare. Per cui l’obiettivo di ogn coreografia è quello di stabilire la
possibilità delle persone con cui lavoro e dare origine ad un processo creativo che sia in
grado di validare una collaborazione tra diverse culture e popolazioni, creando un vero e
proprio esempio di democrazia.

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Cosa vuole dire alle persone disabili che iniziano a danzare?
Mi hai chiesto di fornirti suggerimenti o consigli su persone disabili che si iniziano a cimentare nel mondo della danza; in
realtà, preferisco non fare una distinzione tra le persone con o senza disabilità. Probabilmente parli in questi termini, perché
non c’è ancora un linguaggio che sia, appunto, inclusivo; quindi, mi rivolgerò a tutti coloro che vogliono iniziare a danzare,
anche se alcuni possono avere differenze fisiche o mentali, e mi piacerebbe dir loro di seguire i propri interessi, i propri
desideri per sviluppare movimenti che siano adatti ai loro corpi e per danzare in modo da coinvolgere le altre persone in
queste relazioni artistiche estemporanee.
Cosa vorrebbe dire ai suoi colleghi, quando parlano di corpi perfetti per poter danzare?
Il riferimento ai corpi perfetti, intesi come unici possibili corpi danzanti, è interessante, perché tale definizione deriva da
pensieri condizionanti di svariate forme di movimenti isolazionisti, non basati sull’uguaglianza e l’accettazione
incondizionata di ogni persona. Quindi, parlando di corpi perfetti, la mia opinione è che ciascuno sia perfetto per ciò che è
e l’obiettivo è accettarsi per quello che si è: ogni corpo, infatti, è già prezioso e perfetto. Tuttavia comprendo le prospettive
e filosofie di danza di separare i corpi in vari livelli e categorie, ma non è con ciò che il metodo di DanceAbility si rapporta.
Cosa dice ai suoi allievi che si formano nella sua metodologia?
Anche ai miei studenti suggerisco di seguire i loro interessi e i loro desideri nella ricerca dei movimenti, ma soprattutto
consiglio loro di avere in mente qualche obiettivo che vogliono estrapolare dalla loro danza, che vogliono perseguire,
trovando altre persone come loro che li supportino e li aiutino in questo percorso, perché lavorare da soli è difficile, ma lo
sarebbe ancor di più cercare di raggiungere un fine, confidando solo su se stessi; quindi, suggerisco di formare gruppi
comuni, team di supporto, che possano assistere ed educare voi e gli altri su come la danza possa effettivamente
facilitare una società che sta cambiando, perché è ciò che ha sempre fatto, fin dall’inizio dei tempi: il movimento è stato la
prima forma di linguaggio e prima di esso non vi era comprensione.
La sua metodologia ha avuto vari riconoscimenti esteri anche universitari.Come vede la situazione Italiana?
Mi piace affermare che abbia un forte legame con l’Italia anche nel progetto di DanceAbility, sviluppatosi negli anni. In più
essendo mio padre di origini siciliane, mi sento molto vicino al vostro paese. All’inizio la DanceAbility arrivò in Italia grazie a
Laura Banfi, quando mi fece intraprendere questo percorso educativo per rilasciare la certificazione di insegnante di
DanceAbility; successivamente nel 1997, Marina Giacometti iniziò il programma “Ottavo Giorno”, il quale riscontrò molto
successo, così come Susanna Odevain con l’ultima associazione “Choronde Progetto Educativo”. Queste ultime sono tre
organizzazioni che hanno lavorato in tutta Italia per creare un programma di DanceAbility su scala nazionale. Per cui vi
sono molti insegnanti nel vostro paese e sarebbe di portata straordinaria se loro potessero connettersi l’un l’altro, tanto da
riuscire ad ottenere dal governo il finanziamento di un programma totale, come già accaduto in molti altri paesi, e far
rientrare la DanceAbility nel budget nazionale. Penso che l’Italia possa essere uno dei capostipi nel mondo per la qualità
del lavoro svolto da numerosi insegnanti che sono impegnati nella pratica in continua evoluzione della DanceAbility.
Quali sono le basi per poter accedere alla sua formazione?
Con la DanceAbility cerchiamo di non insegnare nulla che possa lasciare qualcuno escluso e seguiamo un processo
pratico che ci permette di ovviare a ciò; ad esempio, ci sono solo quattro criteri che bisogna considerare per mettere a
punto un curriculum per ciascuno: cause ed effetti di esperienze personali; c’è qualche persona totalmente cieca? E’
presente qualcuno che non riesce a spostare il suo corpo da un punto ad un altro? O che non riesca a rispondere agli
stimoli attorno a sé? Se si capiscono questi quattro parametri, si può riuscire a tracciare ciò che definiamo “comune
denominatore”: lo spazio creato dall’insieme e che facilita ogni parte, seguendo uno schema di insegnamento che è al
100% inclusivo.

Marco
Messima
Salvo
Perdichizzi
Intervista Doppia
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Marco Messina, 39 anni, torinese e Salvo Perdichizzi, 47 anni, Palermitano. Da 18 anni
insieme, prima da colleghi al "Teatro alla Scala" e da 3 anni uniti civilmente. Un’intervista
doppia per sapere qualcosa in più di due danzatori professionisti della danza classica e
qualche “pettegolezzo” della loro vita di Coppia. Io mi permetto di aggiungere che sono due
persone straordinarie, sostegno l’uno per l’atro e che basta guardarli per capire cosa
significa amore.
di Giovanni Battista Gangemi

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Marco Messina
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Salvo Perdichizzi
Quando hai iniziato a studiare danza?
Sono ballerino professionista con un percorso
anomalo, ho cominciato molto tardi, avevo 16 anni
quando mi sono iscritto a Venaria in una scuola
privata di danza diretta da Laura Finicelli. Sono
riuscito a entrare poi all’Accademia Teatro Nuovo di
Torino, pur senza basi di danza classica, facevo solo
funky e hip hop prima di quel momento ma studiavo
moltissimo con ore e ore di lezione extra per colmare
le basi che mi mancavano. Dopo un anno sono
entrato nel corpo di ballo del Teatro Nuovo di Torino,
ero sempre impegnato, avevo giornate pienissime,
ma dopo 4 anni il direttore della Scala mi ha visto e
mi ha chiesto se volevo andare a ballare in uno dei
teatri più importanti del mondo.
Quando hai iniziato a studiare danza?
Ho cominciato a far danza a 11 anni a Palermo presso
scuola di Marisa Benassai, la stessa dove ha studiato
anche Eleonora Abbagnato, étoile di Parigi e direttrice
dell’opera di Roma; ho cominciato sotto la spinta di mio
nonno, mi vedeva muovere molto in casa e mi ha
consigliato di prendere quella strada. Studiavo
all’istituto d’arte al mattino, poi andavo a scuola di
danza ino alla sera. Ho cominciato a fare i primi
concorsi, “Nati per la danza” a 15 anni è stato il mio
trampolino di lancio. Sono arrivato terzo e ho
conosciuto il presidente Giuseppe Carbone ottenendo
una borsa di studio per l’Accademia di Montecarlo, sono
rimasto lì per due anni fino a che non sono entrato in
Accademia a Milano. Dopo il diploma ho fatto
l’audizione per il corpo di ballo: eravamo 13 ballerini
maschi, ci hanno presi in due.
Come vivete la vostra unione sentimentale e
come quella professionale?
È tutto molto bello e intenso. Il bello della coppia
è vivere tutto insieme e condividere. È servito a
rafforzare la nostra unione.
Un pregio e un difetto di Salvo?
Pregio: Salvo è una persona con un anima
generosa
Difetto: è un po’ testardo.
Esiste omofobia nel mondo della danza?
Sicuramente si. Anche se negli ultimi anni le cose
sono molto cambiate
Come è stato danzare con Simona Atzori per la
prima volta?
È stata un’esperienza indimenticabile , non facile.
Tu sei un danzatore principalmente di danza
classica. Cosa hai dovuto modificare nel tuo stile
e nella tua tecnica per comprendere al meglio lo
stile di Simona Atzori?
Ho riscoperto un nuovo equilibrio.
Come è cambiata la tua danza ?
Si è arricchita con l’esperienza in Scala e con
quella di Simona. Con Simona lavorando sul
corpo e sulla consapevolezza di quel che siamo.
Cosa vorresti dire ai nuovi danzatori che si
avvicinano a questo mondo?
Di studiare con costanza e apprendere il più
possibile.
Come vivete la vostra unione sentimentale e come
quella professionale?
Si vive molto bene. Uno sostegno dell’altro.
Un pregio e un difetto di Marco?
Pregio: Marco è una persona che cerca di aiutare
chiunque . è un animo buono.
Difetto: Non è molto testardo. Credo che la
testardaggine nel nostro mondo è una parte
caratteriale molto importante.
Esiste omofobia nel mondo della danza?
L’omofobia è sempre esistita. Per fortuna la nuova
generazione ha unamentalità molto più aperta.
Come è stato danzare con Simona Atzori per la
prima volta?
È stata un’esperienza fantastica. Ha delle ali
immaginarie.
Tu sei un danzatore principalmente di danza
classica. Cosa hai dovuto modificare nel tuo stile e
nella tua tecnica per comprendere al meglio lo stile
di Simona Atzori?
Non ho cambiato nulla.
Come è cambiata la tua danza ?
In positivo. Ho aperto delle nuove visioni, delle
nuove frontiere. Una crescita nella mimica
espressiva corporea.
Cosa vorresti dire ai nuovi danzatori che si
avvicinano a questo mondo?
Di puntare sempre agli obiettivi. Studiare con
costanza e passione.
Inseriresti nella formazione della danza
metodologie che si occupano di disabilità?
Si. Sarebbe un punto a favore per tutti i
danzatori.
Inseriresti nella formazione della danza
metodologie che si occupano di disabilità?
Si. Per far comprendere la diversità. Per una
comprensione maggiore del corpo e della sua
evoluzione.

2018 vede la luce il
Nell'agosto
Sardinia@Dance, con
progetto
Telaraña, coi quali avevo
dei
il primo progetto di
realizzato
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PROGETTO DI LUCA DI BARTOLO
SARDINA
@DANCE
di unire danza,
l'intento
e musica. Quattro
archeologia
danzatori: Danilo Palmieri, Odette
Marucci, Gaia Scuderi e Thomas
Johansen, in luoghi dal forte
visivo e storico,
carattere
dalla musica dal vivo
accompagnati
HTTPS://WWW.LUCADIBARTOLO.IT/ESPOSIZIONI/SARDINIA-JAPAN-EXHIBITION/
VIDEO RELATIVI AL PROGETTO
HTTPS://VIMEO.COM/SHOWCASE/5408733
videodanza 'Woody'.

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Siti del patrimonio ambientale e architettonico del territorio della Sardegna: il Tempio di Antas, la
Necropoli di Montessu, Pani Loriga e Dune di Piscinas. L’evento prevedeva la successiva
realizzazione di un'esposizione fotografica. Tale mostra avrebbe avuto la finalità di promuovere le arti
e il paesaggio naturale e archeologico della Sardegna. Una successiva riflessione mi ha portato al
desiderio di ampliare questo progetto visivo interpellando 20 danzatori sardi e dedicarlo unicamente
alla Sardegna, sul tema Corpo | Materia | Gesto. A loro ho chiesto di interpretare questo tema: un
dialogo personale e libero da ogni convenzione imposta. La mostra fotografica vuole arrivare nel
lontano Giappone in occasione del Sardina Week edizione 2021, evento organizzato dall’azienda
IsolaCara che si occupa di export di prodotti alimentari e della promozione della cucina sarda in
Giappone. Ho realizzato i primi scatti nell'agosto del 2019 e vorrei completare a settembre del 2020.
Durante le riprese ho anche realizzato dei brevi video per avere una traccia dinamica del lavoro fatto
nei luoghi..

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DANZATORI PARTECIPANTI AL PROGETTO
Chiara Aru, Silvia Bandini, Francesca Assiero Brà, Donatella Martina Cabras, Giulia Cannas, Giorgia Damasco,
Ludovica di Santo, Francesca La Cava, Luca Massidda, Sara Manca, Rachele Montis, Sara Perra, Emanuele
Piras, Theo Piu, Valentina Puddu, Alessio Rundeddu, Giulia Vacca, Davide Vallascas, Matteo Viola, Chiara
Mameli.

ARTE,
COMUNICAZIONE
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ALESSANDRO
RISULEO
Caruso Bodies and Words © Alessandro Risuleo
E FOTOGRAFIA.
Caruso Bodies and Words © Alessandro Risuleo, coreografie di Mvula Sungani

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di Pina Delle Site
L’amore per l’immagine e per l’arte è qualcosa di fortemente presente in Alessandro Risuleo, uno degli artisti italiani più apprezzati
nell’ambito della fotografia Fine-Art. Fa quasi parte del suo DNA, è un aspetto radicato nella sua personalità e nel suo percorso di
formazione, caratterizzato da un senso estetico costantemente attratto, da un lato, dalle contaminazioni dei linguaggi e, dall’altro, dalla
bellezza e dalla sensibilità verso l’arte. La sua famiglia è composta da persone da sempre impegnate nel mondo delle arti: una zia pittrice,
uno zio scultore, il padre che, pur non facendolo di mestiere, ha sempre avuto la passione per i lavori in legno o in ceramica. In maniera
più o meno diretta, queste figure lo indirizzano, con le loro passioni, verso la creazione di un immaginario visivo e di una sensibilità
particolarmente ricettiva verso tutto quello che può essere visione artistica, immagine, forma. Nei primi anni della sua vita, Alessandro,
classe 1971, si dedica anche allo studio del pianoforte, dando il via ad un precoce mescolamento dei linguaggi espressivi, ad un
atteggiamento di estrema apertura mentale e alla tanto indagata contaminazione tra le arti che diventerà̀ tema ricorrente e centrale in
tutta la sua produzione artistico-fotografica. A quindici anni con un amico acquista il suo primo Macintosh, una macchina che allora
sembrava più che all’avaguardia nell’orizzonte delle evoluzioni tecnologiche. All’interno di quel monitor piccolo e quadrato, Alessandro
scova uno dei primi software di disegno con il quale inizia a divertirsi e a sperimentare. Di lì a poco diventa Art Director e Grafico,
aprendo una sua agenzia a Roma. L’indagine e l’uso del linguaggio fotografico diventano piano piano strumenti a lui familiari,
soprattutto nel caso di campagne pubblicitarie per la moda; Alessandro è dietro la macchina fotografica a dirigere e a guidare chi
doveva effettivamente dare forma al lavoro: i suoi fotografi.
Quattro anni fa, un fotografo, un carissimo amico, gli propone, un po’ per gioco e un po’ per sfida, di mettersi in prima persona dietro la
macchina fotografica e di dare finalmente vita alle idee e alle visioni che ha nella mente in maniera del tutto autonoma.Dopo aver
ricevuto in regalo proprio da quell’amico una macchina fotografica, Alessandro Risuleo inizia a sviluppare da solo la sua passione per
l’immagine, cercando di allontanarsi il più possibile da quell’attitudine meramente commerciale che aveva praticato per tanto tempo,
per poter esprimere appieno la sua vena creativa. L’immaginario visivo al quale si rifà Alessandro Risuleo è molteplice, fortemente
influenzato da quel concetto di “contaminazione” tra le arti che da sempre lo ha coinvolto e affascinato. Il tema che Alessandro cerca
di studiare sin dall’inizio in tutti i suoi lavori, è l’indagine sul corpo e sulla figura umana.I suoi riferimenti partono dalle opere di artisti e
maestri dell’epoca classica, passando per l’Umanesimo, Rinascimento Caravaggio, Simbolismo francese,Pop Art, Minimal Art, fino alla
recente esplosione della Street Art. A questo linguaggio artistico metropolitano dedica addirittura un intero progetto di ricerca
fotografica “Human Frames” del 2013, dove si fondono opere di Street Art con l’immagine del corpo, in modo che il corpo diventi la
cornice dell’opera pittorica di strada.Ne emerge una fotografia più “costruita” che “scattata”, nel senso tradizionale del termine.
Caruso Bodies and Words © Alessandro Risuleo. coreografie di Mvula Sungani

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The Contrast © Alessandro Risuleo,
coreografie di Gianmaria Piovano
Caruso Bodies and Words © Alessandro Risuleo,
coreografie di Mvula Sungani
Gli scatti di Risuleo mostrano un’esplorazione del mondo e del concetto di immagine che ha un focus particolare sulla figura della
donna, raccontata in maniera unica e anticonvenzionale. Secondo il critico Carmine Flaminio, “Rays of Light”, del 2013, è il
manifesto dell’artista“... Rays of Light è il suo manifesto: tutto ciò che è nascosto dall’oscurità viene portato alla luce dal
fotografo...”, dove emergono tutti i tòpoi della sua fotografia, elementi come stoffe e cornici svelano un concetto, raccontano la
forma umana invitando, quasi, lo spettatore ad un gioco, quello della lettura dell’immagine offuscata dall’introduzione di oggetti
solo apparentemente fuori contesto ( “Moments of Being” del 2014, “FallingintoDarkness”, “Ban”, “The Sin”, “Outside the frames”
del 2015). I suoi lavori come “Body’sContamination”, sono presentati con successo all’edizione 2016 del MIA Photo Fair di Milano.
Le “Contaminazioni” di Risuleo - tra una forma d’arte e un’altra, tra un media e un altro, tra i tre elementi coinvolti nel processo di
percezione visiva (autore-opera-fruitore) - prendono il sopravvento su chi, in quel momento, sta osservando, portandolo ad
interagire “inconsapevolmente” con un oggetto, per definizione “inanimato”, come la fotografia, e rendendolo parte dell’opera
stessa. Risuleo, grazie alla realtà aumentata e ad un’applicazione da utilizzare con il proprio smartphone, chiamata ARTScan,
racconta molto di più di quello che si vede ad occhio nudo (https://vimeo.com/160339974).
La sfida più grande per Alessandro Risuleo sta nella capacità continua di immaginare. Per lui la fotografia non deve
rappresentare fedelmente la realtà, anzi, deve portare chi la crea e chi la guarda ad andare oltre. La fotografia per lui è il foglio
bianco dello scrittore, la tela intonsa del pittore, il rettangolo bianco e vergine che deve essere riempito. Nella creazione di ogni
progetto, la sfida di Risuleo riguarda l’andare oltre, il percorrere strade nuove, la capacità di individuare nuove contaminazioni
da utilizzare per dare corpo alle immagini che ha in testa, sia dal punto di vista tecnico sia dal punto di vista espressivo. Nel
processo creativo di Risuleo non esiste alcun limite dal punto di vista della produzione, perché per lui la tecnica è solo un mezzo
da manipolare e piegare per ottenere il massimo del risultato. Per questo motivo non ama la definizione di “Digital Artist”, proprio
per il fatto che potrebbe benissimo realizzare lo stesso tipo di immagini con qualsiasi mezzo a sua disposizione. Nei suoi sogni
Risuleo immagina una galleria che mantenga la dimensione umana e sociale di incontro e di confronto nel momento dell’evento
“mostra”, ma che sia composta solo ed esclusivamente da enormi monitor ad altissima risoluzione per la proiezione delle immagini
delle opere che devono essere esposte. I suoi ultimi progetti sono stati esposti all’interno delle ultime due edizioni del MIA Photo
Fair a Milano, ottenendo ottimi riscontri da parte di pubblico e critica. Grazie a questi buoni risultati il suo lavoro è stato ripreso
da diversi media dell’arte e della fotografia. Il concetto di “contaminazione tra le arti”, sta avvicinando Risuleo al mondo della
danza con lavori che vedono protagonisti ballerini di un corpo di ballo piuttosto noto in Italia con il quale vorrebbe portare avanti
un progetto capace di far esplodere e dare ulteriore risalto ai grandi temi della sua fotografia: corpo, contaminazioni, nuova
percezione. Le opere di Risuleo sono visibili il nel sito www.alessandrorisuleo.com, da lui progettato e creato, forte della sua
grande esperienza nel campo della comunicazione, per la prima volta cliente di se stesso.

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Elisabetta
Terabust
"La danza è una"
di Angela De Vito

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@Alessio Buccafusca
La luce di un’autentica stella resta per sempre nel
firmamento della danza. E’ così che vogliamo
ricordare Elisabetta Terabust, un’artista dalla
carriera lunghissima ed esemplare, che ha
attraversato ai più alti livelli mezzo secolo di danza
italiana ed internazionale.
Volto fiero, capelli corvini, già la fisionomia rivelava
la sua tempra di leader. Cresciuta all’epoca di
Attilia Radice alla scuola dell’Opera di Roma, vi
entra prima come parte del corpo di ballo, poi ne
diventa étoile nel ’72. Si aprono per lei subito
orizzonti internazionali: Roland Petit la sceglie
come prima ballerina nel Ballet de Marseille; per lei
creerà "Schiaccianoci" e poi la dirigerà in "Le Loup",
"Carmen", "Coppelia", "Notre Dame de Paris".
Nelle sue stesse parole, un incontro folgorante. Di
Petit condivideva il giudizio riguardo ai grandi
balletti classici “Non c’è niente di più bello che
raccontare una storia d’amore e di morte di una
eroina femminile” .
Poi Terabust si trasferisce a Londra dove avvia la
sua collaborazione con il London Festival Ballet,
oggi English National Ballet.
Di impostazione saldamente classico accademica,
Terabust stupisce sempre per la sua versatilità:
la danzatrice interpreta la romantica Giselle o la crudele
Svanilda in Coppelia con la stessa capacità interpretativa.
Protagonista eccellente degli anni d’oro del
balletto italiano, quando Carla Fracci aveva già
attirato le luci dei riflettori sulla danza classica
ma con un’immagine prettamente romantica,
Terabust ha una personalità unica che le
consente di attraversare generi ed epoche,
contribuendo in modo rilevante anche alla
scena contemporanea. Nelle parole del massimo
critico della danza italiana, il Maestro Alberto
Testa "sfaccettature moderne nascevano in
Notre-Dame de Paris e in Charlot danse avec
nous di Roland Petit: ora provocante, ora
remissiva, patetica e tenera. Così Glen Tetley,
coreografo uscito dalle rigide maglie
grahamiane, trovò in Elisabetta la sua interprete
ideale per Greening e Sphinx, opere
appartenenti a un periodo di favola che
vogliamo ricordare, quello dell’Aterballetto di
Amodio e degli anni Settanta”. ” La danza è una”,
diceva Terabust, ma una solida base classica è
fondamentale anche per affrontare il moderno,
in uno scambio continuo di competenze e
ispirazione che non può che arricchire il
danzatore. Una versatilità che l’ha vista partner
di Erik Bruhn, Peter Schaufuss, Rudolf Nureyev,
Patrice Bart, Michail Barysnikov, Fernando
Bujones, Patrick Dupond, Vladimir Derevianko,
Jay Jolley, Paolo Bortoluzzi: tutti i più grandi.

urale in una società industriale.
prettamente
TI
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IL BALLO NELL’EPOCA VITTORIANA
Academy of Victorian Dance ( 1 parte)
"Il Gattopardo" (1963) di Luchino Visconti
di Vittorio Viscardi e Gianna Menetti (presidente AVD)
Il periodo storico chiamato “Epoca Vittoriana” fu segnato dal lungo Regno Inglese della Regina Vittoria e durò dal
20 giugno 1837 alla sua morte, il 22 gennaio 1901. Questi 63 anni di regno ininterrotto caratterizzarono non solo la
vita politica dell’Inghilterra e dell’Europa ma anche la moda, i gioielli e tanti altri aspetti sociali.
Fu il tempo della Rivoluzione industriale, di Charles Darwin che pubblicò la sua teoria sull'evoluzione delle specie nel
libro “L'origine delle specie per selezione naturale”, di scrittori importanti, di navi a vapore, dello sviluppo delle
ferrovie. Tutte innovazioni che
portarono ad un cambiamento sociale radicale, trasformando una società

Italia la situazione era diversa, l’Italia non era una nazione ma un insieme di stati: Il Regno di
In
(Savoia), il Regno Lombardo Veneto (Austria), Ducato di Parma e Piacenza (Austria),
Sardegna
di Toscana (Leopoldo di Toscana), Stato Pontificio, Regno delle due Sicilie (Borboni).
Granducato
Stato Pontificio non era visto di buon occhio dal Papa il desiderio di fare feste e danzare,
Nello
lo Stato era dedito alla “spiritualità”. Comunque, grandi cambiamenti stavano per
perché
di lì a poco, sarebbero iniziate le guerre d’Indipendenza Italiane per il grande desiderio
avvenire;
unire lo stivale in una sola grande nazione. Nessun aspetto della vita sociale fu immune da
di
strana “malattia” del cambiamento.
questa
le danze subirono gli effetti di queste accelerazioni. Furono inventate tantissime nuove
Anche
e tante danze del secolo passato finirono per essere dimenticate perché ormai
danze
Come succede anche con quelle di oggi, alcune continuarono ad essere danzate,
inadeguate.
relegate per lo più ad una situazione di nostalgia per il tempo passato.
ma
incontri sociali mondani non potevano che essere occasioni di incontro, quali serate in teatro,
Gli
private, serate o pomeriggi di beneficenza, celebrazioni di ogni tipo e anche gli anniversari.
cene
in molte di queste situazioni… si danzava.
E
bisogna considerare il ballo come una sorta di linguaggio trasversale perché serviva come
Quindi
per i due ceti molto importanti dell’epoca: quello antico dei nobili e quello più
comunicazione
della borghesia.
moderno
come linguaggio attraverso le classi? Si, il ballo era anche questo, un linguaggio necessario
Ballo
accomunare le due classi notevolmente diverse. Il tipo di evento mondano che descriveremo
per
era quello classico durante il quale ci si potevano scambiare opinioni, creare
successivamente
di interesse commerciale ma anche tessere creazioni amorose e, naturalmente
situazioni
matrimoni.
,combinare
nuovi arrivati, che si erano arricchiti con l’avvento dell’industrializzazione, aspiravano a diventare
I
o perlomeno ad avere in casa una traccia di nobiltà e, quindi, un bel matrimonio con un
nobili
di una casata nobile avrebbe portato ad una elevazione sociale rispetto agli altri borghesi.
figlio
operazione di travaso fu effettuata spesso, attraverso una delle possibilità che queste
Questa
classi avevano per incontrarsi: il ballo.
due
volta solo appannaggio dei nobili, la danza fu estesa anche a questa nuova classe. Le
Una
blasonate, molto spesso impoverite dalle enormi spese che sostenevano per mantenere il
famiglie
necessitavano di nuovi capitali.
rango,
loro volta, i borghesi rampanti, desideravano fortemente di porsi allo stesso livello delle classi
A
precedenti e avevano un solo modo per farlo. Occorre ricordare che nel secolo
dirigenti
e agli inizi dell’800, le famiglie nobili avevano un loro maestro di danza che veniva in
precedente
e insegnava con molta costanza e attenzione, i passi e le danze ai giovani che
casa
sarebbero intervenuti ai balli.Per le classi borghesi, forse perché più prese nel
successivamente
affari, la situazione si sviluppò diversamente ed i rampolli, nonché i loro genitori,
cercare
nelle scuole di danza che gli stessi maestri avevano creato. Quindi la loro preparazione
andavano
inferiore, a parte una naturale predisposizione alla danza degli allievi.
era
volta imparate le danze base, che normalmente consistevano nel valzer, nelle quadriglie più
Una
(La Francese e i Lancieri), polka, galop e polka mazurka, il destino di questi futuri
comuni
era legato alla loro simpatia, alla loro educazione e al saper star bene in società.
danzatori
invitati ad un ballo era molto importante perché le persone venivano “scelte”. parte gli
Essere
che si dovevano per forza fare, quelli obbligati, per il resto le persone venivano invitate
inviti
conto del loro comportamento in società.
tenendo
persona con poco garbo, veniva sistematicamente messa da parte.Una volta imparate le
Una
base, che normalmente consistevano nel valzer, nelle quadriglie più comuni (La Francese e
danze
Lancieri), polka, galop e polka mazurka, il destino di questi futuri danzatori era legato alla loro
i
alla loro educazione e al saper star bene in società.
simpatia,
invitati ad un ballo era molto importante perché le persone venivano “scelte”. A parte gli
Essere
che si dovevano per forza fare, quelli obbligati, per il resto le persone venivano invitate
inviti
conto del loro comportamento in società.
tenendo
persona con poco garbo, veniva sistematicamente messa da parte. E questo accadeva
Una
con le persone di dubbia moralità. A tal proposito vale la pena di ricordare la scena del
anche
del film: “Il Gattopardo”, nel quale Luchino Visconti, noto per la sua intransigenza per le
ballo
storiche e sceniche, osserva la decadenza della nobiltà e l’arrivo dei “nuovi”.
riproduzioni
figura di Don Calogero Sedara, il nuovo ricco è perfettamente in linea con quello che
La
allora; era una persona priva di gusto, priva di stile ma ricco e intenzionato a dare alla
succedeva
Angelica una dote favolosa. Tancredi è innamorato di Angelica ma al principe di Salina,
figlia
Fabrizio, questa unione non serve.
Don
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scena del ballo sancisce l’entrata in società non solo di Angelica, ma di tutta
La
nuova borghesia. L’abito delle dame e quello di Angelica, sono stati realizzati
la
partnership tra Piero Tosi, grande costumista e Umberto Tirelli un genio della
in
cinematografica.
sartoria
sito della Tirelli Costumi, così viene presentato l’abito: “Abito da ballo in
Sul
avorio a righini lucidi e opachi, montato su base di seta verde
organza
Scollo con berta e fiocco in faille di seta verde acqua. Le ruches,
chiarissimo.
guarniscono l'intero abito, sono anch'esse di organza avorio a righe.
che
grande traine conferisce all'abito una maestosità che sicuramente ha reso
La
in tutto il mondo la scena del ballo di Angelica Sedara. Epoca: 1865”.
nota
balli il padrone o la padrona di casa ed il maestro di danza, erano gli unici
Nei
avevano il privilegio di “presentare” le persone. Difatti l’incontro diretto era
che
perché sconveniente, non ci si presentava da soli. Non si parlava di
vietato
che avrebbero dato il via a contrasti, non ci si poneva con maniere
argomenti
e non si faceva vedere quanto si era bravi a danzare.Un bravo ballerino
sfottenti
ed è, il cavaliere che aiuta la dama e la mette in condizione di stare bene
era
le danze. Ma che tipo di abiti venivano usati per i balli? In un giornale
durante
moda del 1846 si legge:
di
delle toilettes indossate in occasione delle feste dell'ambasciatore
“Molte
avevano un carattere brillante, e offrivano un bel colpo d’occhio. Le
inglese,
sono generalmente corti, drappeggiati e tagliati in alto su ogni lato e
corsetti
ma disposti in modo da avere una rientranza leggera nel centro. Gli
davanti,
con due le gonne sono solitamente rifiniti con nastri di raso; e quando sono
abiti
da tulle, sono rifilate con quattro volan di medie dimensioni dello
composte
materiale, bordato con un nastro di garza, che aggiunge molto
stesso
della toilette. Gli abiti composti da raso bianco hanno tre gonne
allabellezza
lamee al di sopra di loro, allacciate a la Pompadour, con pizzo d'oro con
con
frangiate, che nel complesso sono molto ammirate. Il girovita di tutti i
estremità
di toilette rimane lungo”.
tipi
guanti delle dame, elemento irrinunciabile, erano corti al polso. Per gli uomini
I
moda prevedeva poche cose ma raffinate. Una camicia ben pulita e stirata,
la
colletti alti e chiusi al collo con grandi papillon, gilet e pantaloni abbinati,
con
acconciature caratterizzate da ampie basette e baffi. Molto di moda erano
con
i cappotti a tubino con chiusura alta e aderenti, anche se stava
anche
popolare un nuovo stile: il cappotto a sacco, giacca lunga fino alle
diventando
e poco aderente e per cappello il cilindro.
cosce
standardizzazione, quella dell’uomo, che sarà sempre più accentuata e nei
Una
che seguiranno, nessun cavaliere potrà sottrarsi ad essa.
decenni
dame, invece, utilizzarono sempre di più i colori che saranno messi a loro
Le
Prima dell’avvento dell’industrializzazione il tipo di colore che le
disposizione.
potevano indossare erano i “colori pastello”, toni lievi e non decisi. Con
donne
dei nuovi prodotti chimici i tessuti iniziarono ad essere tinti con colori
l’avvento
più forti ma in una sala da ballo la persona troppo vistosa non era
sempre
E’ da ricordare anche che il colore della pelle delle signore “da
accettata.
era un pallore o candore decisamente “lunare”. L’abbronzatura era
bene”,
vietata e chiaramente riservata alle donne che lavoravano nei
assolutamente
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stoffe erano molto leggere, con pizzi d'oro e d'argento, merletti e crespi;
I
campi o all’aperto. E finalmente si arriva alla festa da ballo.

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DI ELENA BOTTI E PIERO BALSAMO
L a m a g i a d e l l a
TAMMURIATA
t r a l e g g e n d a ,
p a g a n e s i m o e s i b i l l e

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Negli ultimi 20 anni si è avuta la riscoperta e valorizzazione della
danza popolare o tradizionale, da non confondere con la danza
folkloristica. La danza popolare o tradizionale è una danza nata
ed eseguita dal popolo; la danza folkloristica ha le sue origini
nella danza popolare, ma mette in scena una danza/tradizione
ormai morta .
Le danze popolari vengono accompagnate da strumenti musicali
tradizionali tipici delle aree di appartenenza. Il sud Italia ha un
ricco patrimonio di danze popolari che affondano le radici in
antichi culti pagani risalenti alla Magna Grecia. L’antico regno di
Napoli aveva come sua colonna sonora la Tarantella , che in un
certo qual modo racchiudeva e raccoglieva tutte le danze
popolari tradizionali del regno . Nello specifico ogni regione ,
provincia ed area aveva una propria danza, cosi come succede
per i dialetti. Il nostro viaggio ci porta in Campania con la sua
“Tammurriata “tra usi e costumi, leggenda , sacralità e sibille
pagane. Quando si parla di Napoli si pensa subito alla tarantella ,
ma la vera e antica danza tradizionale popolare è la
“TAMMURRIATA”, ovvero “ballo n’gopp o tammurro” (tarantella
dei cafoni) . Le origini della tammurriata si perdono nella notte
dei tempi , ma affondano le proprie radici nelle arcaiche danze
greche e in quelle dei Sanniti, antiche popolazioni campane.
Al tempo dei greci il ballo veniva ritenuto un dono degli dei che
poteva portare gli uomini anche ad essere ì immortali. Per i
Sanniti era un rito propiziatorio legato alle stagioni e al ciclo
riproduttivo della terra.
La tammurriata è la danza dei contadini campani per eccellenza;
ancora oggi, nel ballo, la gestualità è fondamentale . I gesti
impiegati hanno un significato altamente simbolico e traggono
ispirazione dal lavoro domestico e dei campi: possono riprodurre
le azioni di setacciare la farina o spezzare i maccheroni oppure
possono essere imitazioni dei movimenti degli uccelli, in
particolare dei gallinacei. Questa danza ha ancora oggi una
valenza sacra, non a caso si esegue in occasione di feste legate
alla Vergine Maria ; come gran parte dei culti mariani vede le sue
origini in riti pagani legati alla venerazione della Madre Terra; la
Madonna altro non è che la cristianizzazione della Dea Madre
Terra. Nella tradizione di questo popolo si è sempre creduto
nelle figure di 7 sorelle a cui votarsi per aver grazie. “Beata
quella bella Sant’Anna! Sette figlie, tutt’e sette Madonne!”, così
recita un canto napoletano sulle sette Madonne/Sorelle, figlie di
Sant’Anna e San Gioacchino (genitori della Vergine Maria). Le
sette Madonne sono : Madonna dell’Arco di Sant’Anastasia,
Madonna Pacchiana di Castello di Somma Vesuviana, la
Madonna delle Galline, la Madonna dei Bagni , la Madonna
Avvocata , la Madonna di Materdomini, la Madonna di
Montevergine . secondo alcuni studiosi il culto delle sette
sorelle si collega all’iconografia delle Sibille, che rientravano nel
culto cristiano almeno fino al quattrocento, ma anche nel mito
di Attis e Cibele. Il mito racconta che la Dea, pur essendo
vergine, partorì un figlio, Attis.
Il giovane decise di diventare sacerdote della divinità, ma si rese
conto di amare sua madre e, pur di non commettere incesto, si
evirò. Il culto della tammurriata e delle sette madonne, sorelle
tra di loro, è la continuazione di un sapere custodito fra i campi e
tramandato intorno ai focolari da contadini e pastori: una
tradizione che muta nelle forme esteriori, ma resta sempre
fedele a se stessa nella sostanza.
Da sempre queste danze “sacre “ si eseguono dal mese di aprile fino a
settembre. Strumento fondamentale per la Tammurriata è la
Tammorra insieme alle castagnette. La tammorra, uno strumento
musicale a percussione, è un tamburo a cornice costituito da una
membrana di pelle d'animale (capra o pecora) tesa su telaio circolare di
legno, quello dei setacci per la farina, al quale sono fissati, a coppie,
dischetti di latta detti ciceri o cimbali (dalla Dea Cibele). La
testimonianza del carattere rituale di questa danza sono le
castagnette(nacchere italiane), fatte in legno di castagno o limone.
Legate a coppia con dei laccetti e battute una contro l’altra, producono
un suono secco che scandiscono il ritmo della musica. Secondo gli
storici le castagnette accompagnavano già le danze popolari nell’antica
Roma, durante i riti in onore di Cibele, madre di uomini e dei. Ma come
si svolge la danza?
Inizialmente si formano le coppie attraverso una scelta basata su un
gioco di sguardi: i danzatori stabiliscono un' intesa tra di loro e con lo
spazio. Poi si formano dei cerchi, al cui interno si trovano suonatori,
danzatori, cantatori e spettatori.
Attenzione: anche gli spettatori sono attori, in quanto chiunque può
partecipare alla danza. Ad un certo punto, uno dei due danzatori
assume un ruolo di corteggiamento o di sfida e l'altro può assecondarlo
o respingerlo: questa fase del ballo è detta “vutata o rotella”.
Se c'è il rifiuto, la coppia si scioglie e può entrare in gioco un altro
personaggio: si forma così una nuova coppia. E’ un racconto danzato nel
quale morte e vita, sesso e sfida, amore e lotta sono indissolubili:
ciascun binomio forma una unità narrativa. Le forme di “ballo sul
tamburo “ che ancora oggi sono vive si trovano: a Scafati con La
Tammurriata dell’agro nocerino: una vera e propria danza di
corteggiamento; a Somma Vesuviana la “ Sommese “caratterizzata da
uno stile e ritmo serrato; a Terzigno la “Terzignese” ballata in una
pineta ai piedi del Vesuvio; a Casal di Principe la“Giuglianese”, al
tamburo viene affiancato uno strumento a fiato chiamato «’o Sisco» che
ricorda i liuti suonati dai satiri. Danza sensuale, ma allo stesso tempo
irruente che mette in luce un’ affascinante sfida fra uomini; a Maiori
(Costiera Amalfitana) ” l’ Avvocata", tammurriata di sfida , suonata a più
tamburi; a Pimonte(Na), il canto e il ballo dei Monti Lattari, uno stile con
poche variazioni nei passi, ma ostico nel ritmo, a causa del particolare
suono della tammorra; a Marcianise (Ce) ’O ball’ ’e l’urzo, canto e un
ballo che si credeva dimenticato e che, invece, è prepotentemente
tornato fra i giovani .
Il fascino della tammurriata è dato non solo dall’incalzare serrato del
tamburo, ma soprattutto dal canto di derivazione araba che con le sue
“fioriture e melismi”rende ipnotico il tutto. La Tammurriata
rappresenta l’evasione del quotidiano ed il cerchio simboleggia il
fermare il tempo: “OMNIA CUM TEMPORE” (ogni cosa a suo tempo).

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P O P O L I D E L M O N D O :
L E O R I G I N I D E L T A N G O
A R G E N T I N O
Federico Vessella
@lamilongadialvin
https://milongandoblog.wordpress.com
Il tango è l’incarnazione della diversità e del dialogo culturale tra le genti, confluite in una
specifica regione del mondo, il Rio de La Plata, dal XVI secolo fino alla seconda metà del
Novecento.
Buenos Aires e Montevideo sono state la culla di un meltingpot di popoli indigeni, africani
ed europei, questi ultimi arrivati in massa con le grandi migrazioni di fine Ottocento. Il
risultato fu un’espressione artistica e musicale talmente unica nel suo genere da essere
dichiarata Patrimonio Immateriale Unesco dell’Umanità nel 2009.
Sebbene non sia possibile stabilire una data, un luogo o uno specifico autore ai quali far
risalire le origini del tango, si può tuttavia sostenere che la seconda metà dell’Ottocento,
ed i primi anni del Novecento, rappresentarono il primo grande periodo di sviluppo del
tango nella forma e concezione che ne abbiamo oggi.
Espressioni culturali come a habanera cubana, il candombe africano, la contradanza
spagnola, il tango andaluso, la payada della Pampa, il sainete criollo e la canzone popolare
italiana, in particolare quella napoletana, nutrirono il tango argentino delle origini.
Alla fine dell’Ottocento, in una Buenos Aires cosmopolita era frequente ascoltare e
danzare tango nei quartieri popolari, agli angoli delle strade lluminati da fiochi
lampioncini, nei cafè o nei parchi.
Ciò che inizialmente nacque tra gli strati bassi della società, nei luoghi malfamati dei
quartieri più poveri, divenne presto un fenomeno di massa, coinvolgendo anche le classi
più abbienti.
A questo periodo si fa risalire la nascita della Guardia vieja, ossia quel movimento artistico
primitivo che generò gli elementi specifici del tango moderno.
Gli interpreti di questo tango ancestrale erano musicisti non professionisti, che
suonavano senza partitura e recitavano testi improvvisati, accompagnandosi con chitarre,
flauti, violini, arpe, mandolini e fisarmoniche. In genere formavano trii o quartetti che si
esibivano nei cortili dei conventillos (costruzione urbana dei quartieri più poveri, formata
da aggregati di camere concesse in affitto, con servizi in comune ed un cortile centrale),
nei postriboli e nei locali più malfamati della città.

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I temi narrati da queste prime formazioni erano
legati alle speranze, sofferenze e nostalgie per la
patria lontana, lasciata per cercare una vita
migliore, ma anche al mondo dissoluto dei quartieri
poveri della città e dei loro frequentatori.
Questi tanghi ci parlano di marinai, prostitute,
guappi e compadres (uomini spavaldi ed insolenti
dalla facile litigiosità), in un modo licenzioso e privo
di tabù, spesso conditi da metafore più o meno
esplicite al mondo della sessualità.
Pilastri della Guardia viejafino alla prima decade del
Novecento furono: Rosendo Mendizábal, Ernesto
Ponzio, Angel Villoldo, Alfredo Eusebio Gobbi,
Juan Maglio, Vicente Greco.
Molti brani, ballati ancora oggi, furono scritti
durante questo periodo, nel quale il tango assunse il
nome di Tango criollo, adottando una propria
identità musicale originale, eseguita sul tempo
binario del 2x4 ereditato dalla habanera.
Negli ultimi anni dell’ Ottocento iniziarono a
comparire le prime partiture e tra le opere più
famose si distaccarono Conchasucia (1884),
Elentrerriano (1897/8 – il primo tango propriamente
detto e con autore registrato), Don Juan (1898),
Ataniche (1900), Elchoclo (1903), La morocha
(1905), Elporteñito (1906).
Agli inizi del Novecento comparvero anche i primi
cantanti di tango, soprattutto le prime voci
femminili: Lola Membrives, Andrée Vivianne, e
Linda Thelma, (foto sx) così come le prime
registrazioni acustiche, ad esempio quelle dei
coniugi Gobbi, Alfredo Eusebio e Flora, conosciuti
come “I re del grammofono”. La formalizzazione di
questo movimento massivo di artisti, che formarono
il primo vasto repertorio musicale di tango, si ebbe a
partire dal 1910; questa data rappresentò un primo
momento chiave nella storia del genere musicale.
Cosa avvenne in quegli anni sarà l’oggetto del
prossimo articolo.
Federico Vessella - La Milonga di Alvin
@lamilongadialvin
https://milongandoblog.wordpress.com
alvin077@gmail.com

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B E N E S S E R E I N
E Q U I L I B R I O
La salute è anche legata alla capacità di
mantenere la mente libera dalle
preoccupazioni e dallo stress e, allo stesso
tempo, flessibile davanti ai cambiamenti
inevitabili della vita.
a cura della Dott.ssa Michela Mignano
Pedagogista clinico Psicomotricista funzionale e formatrice

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IL CONCETTO DI “BENESSERE” IN AMBITO
PEDAGOGICO CLINICO
Il nostro benessere sta nell'equilibrio!
Avere una larga visione e identificare quali siano gli squilibri che turbano la nostra vita, ci consente di cominciare
piccole azioni quotidiane in grado di farci stare sicuramente meglio al fine di raggiungere un bilanciamento
essenziale per un benessere reale. Ma per farlo bisogna essere capaci di ascoltare, controllare e prendersi
cura dei “propri corpi”... il corpo fisico, che è quello che possiamo percepire, il corpo energetico, che non si può
vedere ma che sicuramente nominiamo spesso ad esempio quando diciamo “sono esausta, senza energia”, il corpo
emozionale, riusciamo a notarlo a partire dall'adolescenza, quando siamo improvvisamente catturati da forti
emozioni e impulsi e il corpo mentale, strettamente connesso a tutti gli altri e unico per la sua capacità di renderci
“animali razionali”. È importante che possiamo stimolarlo puntualmente con attività intellettuali, relazioni sociali,
meditazione e tutto quello che possa aiutare a mantenere “giovane” ed elastico questo corpo.
La salute quindi è anche legata alla capacità di mantenere la mente libera dalle preoccupazioni e dallo stress e,
allo stesso tempo, flessibile davanti ai cambiamenti inevitabili della vita.
L' equilibrio psicofisico è essenzialmente l'armonia tra corpo e mente che può essere raggiunta da tutti, a patto di
adottare delle pratiche per vivere serenamente. Il benessere passa prima di tutto dalla salute; allo stesso modo, il
pensiero positivo, ha la capacità di influenzare in modo davvero importante quello che siamo e come stiamo.
COME RAGGIUNGERE IL BENESSERE CON LA
PEDAGOGIA CLINICA
Tra i vari metodi a disposizione del Pedagogista Clinico® figurano l'Edumovement® e la Musicopedagogia®,
metodi che assicurano situazioni di scambio al fine di sviluppare sentimenti di fiducia e sicurezza, sviluppare la
consapevolezza del sé, la costruzione della propria identità e la capacità di instaurare rapporti soddisfacenti con gli
altri e quindi benessere individuale e sociale.
Il primo è realizzato attraverso esperienze di movimento dei vari segmenti corporei e la sua specificità sta
nell'essere applicabile a tutti i livelli di educazione e formazione ed è rivolto a tutte le fasce d'età, in quanto
l'evoluzione dell'individuo non si ferma ad una certa età né tantomeno è accertato che esista un'età nella quale
l'organizzazione del cervello subisce un blocco dello sviluppo delle sinapsi. Al contrario oggi tutti affermano che la
persona è sempre pronta ad imparare qualcosa di uovo che ne impedisca l'invecchiamento prematuro.
Il secondo metodo, aggiunge alla corporeità e al movimento anche forme espressive ritmo-musicali, che
consentono all'individuo l'occasione di integrazione e potenziamento di risvegli positivi e stimoli al cambiamento.
La particolarità del metodo consiste nel fatto che non utilizza musica prodotta dagli strumenti musicali, ma si affida
ai suoni ambientali e naturali, a corpi e oggetti, alla voce e al canto, capaci di produrrre suoni e rumori, il tutto
accompagnato da cinestesie e dinamismi corporei che si differenziano in durata, sequenza e intensità. L'obiettivo è
quello di creare uno stato di benessere emotivo e sviluppare una migliore stabilità e flessibilità fisica e psichica,
aprendo canali di comunicazione, attivare processi di socializzazione, facilitare la relazione e lo scambio
comunicativo.
“BENESSERE”
PSICOFISICO DELLE PERSONE
La Pedagogia Clinica si rivolge ai soggetti di tutte le età.
A tal proposito posso parlarvi del progetto che ho realizzato all'interno di un Centro Incontro Anziani diurno, dal
titolo “Anziani in movimento”, un progetto integrato di prevenzione e promozione della salute che considera il
movimento come stile di vita nell'età senile. Il progetto è stato realizzato a favore di anziani di ambo i sessi, con più
di 65 anni di età, autosufficienti o parzialmente autosufficienti.
È nato con l'obiettivo di promuovere una nuova cultura del corpo in età senile, perché sappiamo che il movimento è
la parola chiave del benessere psicofisico a tutte le età e uno strumento efficace di prevenzione delle malattie
nell'invecchiamento, promuovere nuovi stili di vita per invecchiare al meglio, considerando la senilità come età delle
opportunità e, infine, non per importanza, combattere la solitudine degli anziani con nuovi processi di
socializzazione incentrati sul recupero della corporeità. Il progetto ha avuto la durata di 6 mesi e i risultati sono
stati positivi, non soltando dal punto di vista socio-psicologico, in quanto i partecipanti sono riusciti a riappropriarsi
delle proprie abilità psicofisiche, incrementando la sensazione di benessere e riducendo il rischio di depressione;
hanno acquisito maggiore autonomia nella vita di tutti i giorni e sono stati stimolati alla socializzazione, come
dimostrato dalla formazione di gruppi amicali anche nel quartiere di appartenenza; risultati si sono ottenuti anche
dal punto di vista socio-sanitario in quanto, migliorando l'equlibrio, la forza e la coordinazione si è consentito loro di
mantenere l'autonomia; e infine dal punto di vista socio-culturale si è riusciti a combattere la solitudine e contrastari
l'isolamento affettivo degli stessi.
Insomma un'azione di benessere globale che ha restituito serenità e sorrisi.

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DANZATERAPIA:
ARMONIA
TRA CORPO E MENTE
a cura della dott.ssa Simonetta Festante
Musicoterapeuta
La danza è armoniosa integrazione tra il corpo e la mente: il corpo manifesta la propria individualità, in completa adesione al proprio io,
contemporaneamente l’anima è protesa verso la felicità in conseguenza al movimento corporeo liberato da ogni peso.
così la descrive Curt Sachs, un etnomusicologo tedesco, nel suo libro “La storia della danza” (Berlino 1933), in cui si legge - . Non sorprende che Śiva, divinità induista, crei il mondo danzando,
che i cinesi con la danza rituale di Yu rappresentino il cammino dell’Uomo, il mandato divino, come espressione dell’ordine che attua equilibrio tra Cielo
e Terra, che nella cultura ebraica, dove non c'è rappresentazione di immagini, i gesti della danza diventano immagini del sacro in movimento.
Carl Gustav Jung fu tra i primi studiosi, in Occidente, a rivendicare l’inscindibilità del rapporto mente-corpo.
Già nel 1916, egli suggeriva come le modalità espressive del corpo siano una tra le molteplici possibilità per dare forma all’inconscio. Jung era in anticipo
sui tempi, sotto tantissimi aspetti, sostenendo l’utilizzo delle arti all’interno del processo terapeutico. Scriveva nel 1936: «La vita non può essere riparata.
Può solo essere ricreata. In analisi la creatività attiva è quel processo ricreativo nel quale la danza non è che una delle sue espressioni».
Questi sono i fondamenti della danzaterapia intesa come forma di arteterapia che utilizza la musica e il movimento come cura e mezzo terapeutico.
Corpo e psiche, inscindibili, si incamminano verso la guarigione grazie ad un percorso in cui, proprio attraverso la danza, si può accedere al proprio
mondo interiore per oterlo esprimere liberamente. Dopo queste premesse, le curiosità sull’argomento Danza Movimento Terapia sorgono spontanee.
L A N A S C I T A D E L L A D M T
La DMT, (Danza MusicoTerapia) comincia a svilupparsi in America intorno agli anni ’40, ad opera di alcune danzatrici, tra le quali Marian Chace e
Trudy Schoop, come modalità di approccio relazionale alla persona. Un ruolo centrale per l’affermazione recente della danzaterapia a livello mondiale è
ricoperto dall’ADTA (American Dance-Therapy Association), un’associazione fondata nel 1965 a New York, che definisce questa attività come l’uso
psicoterapeutico delmovimento. Sul territorio nazionale, nel 1997 è stata istituita l’Associazione Professionale Italiana Danzamovimentoterapia (APID).
In assenza di una legislazione, è l’APID che regolamenta i criteri per la formazione e la pratica professionale dei danzamovimentoterapeuti.
C A M P I D I A P P L I C A Z I O N E
Gli incontri di danzaterapia possono essere rivolti a singoli individui, a coppie oppure a gruppi. La scelta del contesto, in genere, viene effettuata in
relazione ai metodi e alle necessità relativi alla problematica specifica che si sta trattando. La danzaterapia è una disciplina consigliata a persone di ogni
età e condizione, nello specifico può essere utilizzata per minori, adulti o anziani per interventi di carattere socio-educativo-riabilitativo, volti alla
promozione del benessere della persona.
C A M P I D I A P P L I C A Z I O N E
Gli incontri di danzaterapia possono essere rivolti a singoli individui, a coppie oppure a gruppi. La scelta del contesto, in genere, viene effettuata in
relazione ai metodi e alle necessità relativi alla problematica specifica che si sta trattando. La danzaterapia è una disciplina consigliata a persone di ogni
età e condizione, nello specifico può essere utilizzata per minori, adulti o anziani per interventi di carattere socio-educativo-riabilitativo, volti alla
promozione del benessere della persona.

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C O M E S I P R A T I C A
Presupposto fondamentale è lo spazio rassicurante in cui la seduta si svolge. Gli elementi determinanti degli incontri sono: il calore del gruppo che,
solitamente, si dispone in cerchio, almeno all’inizio ed al termine della seduta, l’accoglienza del danzaterapeuta conduttore, lo stimolo sonoro-musicale.
Q U A L I S O N O I M O D E L L I
Non è semplice fornire un’esposizione esauriente dei possibili modelli di conduzione di un incontro di danzaterapia, anche per la scarsità della
letteratura disponibile in Italia. I principali riferimenti teorici e metodologici si riconducono a tre diversi orientamenti: l’approccio analitico di
impostazione junghiana, il metodo di Maria Fux e quello francese dell'Expression Primitive. Queste tre metodologie possono essere utilizzate con
differenti finalità e in contesti diversi tra loro.
C A M P I D I A P P L I C A Z I O N E
Gli incontri di danzaterapia possono essere rivolti a singoli individui, a coppie oppure a gruppi. La scelta del contesto, in genere, viene effettuata in
relazione ai metodi e alle necessità relativi alla problematica specifica che si sta trattando. La danzaterapia è una disciplina consigliata a persone di ogni
età e condizione, nello specifico può essere utilizzata per minori, adulti o anziani per interventi di carattere socio-educativo-riabilitativo, volti alla
promozione del benessere della persona.
L A T E C N I C A A N A L I T I C A
Una delle prime studiose a lavorare in questo ambito, in California,è Mary Whitehouse che, oltre ad aver studiato danza con insegnanti come la Graham
e la Wigman, ha una formazione psicoanalitica di tipo junghiano. La Whitehouse, a partire dall’osservazione dei suoi allievi e dalla conoscenza
del’orientamento junghiano, sviluppa il concetto di «movimento autentico»: un movimento spontaneo e intrinsecamente legato alla persona, che si
manifesta durante un momento di improvvisazione, in cui si entra in contatto con i contenuti più nascosti del proprio inconscio. In questo tipo di lavoro è
necessaria la presenza di un Witness «colui che è testimone» e di un Mover «colui che si muove» che sono in relazione tra loro. Il Mover con gli occhi
chiusi si muove nello spazio abbandonandosi liberamente alle proprie emozioni ed immagini, mentre il Witness lo osserva attentamente e in seguito può
verbalizzare il vissuto di questa esperienza (Escobar, Monteleone, Sorti, 1995). In una seconda fase di ricerca sulla danzaterapia, avviatasi a partire dal
1950, un’altra figura di grande rilievo è Anna Halprin, sempre in America, che nel suo metodo, denominato «Life Art», unisce alla sua esperienza nella
danza moderna e alla crescita artistica l’utilizzo del mito e del rituale in chiave junghiana.
L A T E C N I C A A N A L I T I C A
Maria Fux, danzatrice e coreografa argentina, nata intorno agli anni ’20, dopo essersi accostata alla danza classica, studia danza moderna con la Graham e,
in seguito, si dedica ad una rielaborazione molto personale del senso della danza, intesa come forma creativa ed espressiva che appartiene intrinsecamente
all’essere umano. La Fux scopre il valore terapeutico della sua danza a partire dai benefici da lei stessa ottenuti durante una fase di forte depressione e,
successivamente, sperimenta l’efficacia del proprio metodo, lavorando in modo integrato con gruppi di persone normodotate e persone affette da
handicap. Maria Fux ha portato, e porta tutt’oggi, in diversi paesi del mondo (Brasile, Cuba, Stati Uniti, gran parte dei paesi europei e Israele) il suo metodo,
dedicandosi sia al lavoro di operatrice, sia di formatrice nel campo della danzaterapia.
E X P R E S S I O N P R I M I T I V E
Il ruolo di iniziatore di questo metodo va attribuito indubbiamente a Herns Duplan, un danzatore haitiano, che durante la sua esperienza di
artista ha lavorato a New York nella compagnia di Katherin Dunham, una coreografa ed etnologa americana che si è ispirata profondamente
ai rituali delle società tribali, in particolare a quelli africani. Attraverso questi riti si scopre nel suono del tamburo, nel ritmo, nel contatto con
il suolo, nella «pulsazione» dei passi, il senso della danza che dona un’energia speciale, in qualche modo magica. Duplan, trasferitosi in
Francia nel 1970, ispirandosi a questa visione della danza, ha rielaborato queste esperienze in un approccio da lui denominato «Expression
Primitive».
In conclusione, dopo aver passato in rassegna le proposte ed i contributi, frutto di anni di ricerche, di riflessione e di esperienze, dei diversi
esperti, nell’ampio campo binario della musicoterapia e della danzaterapia, si rendono palesi due convinzioni: la ricchezza inesauribile delle
due discipline espressive che per la loro complementarità non possono essere analizzate separatamente e la incompiutezza, allo stato attuale,
della loro esplorazione, nonostante siano artefici dell’indiscusso apporto benefico alla persona . Chissà se i loro campi di applicazione non
possano ampliarsi ed orientarsi anche verso la formazione di artisti, geni creatori o ispirati ideatori, sempre meno legati alla produzione
pratica e materiale della loro arte, elevando la loro anima attraverso percorsi che incrementino l’espressività e la consapevolezza psicocorporea.
“Mens sana in corpore sano” eterna sentenza di Giovenale (Sat. X, 356).
"Imparare a camminare ti rende libero. Imparare a danzare ti dà la libertà
più grande di tutte: esprimere con tutto il tuo essere la persona che sei."
(Melissa Hayden)

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ASCOLTO
ATTIVO
GIOVANNI BATTISTA GANGEMI
Il tema che dobbiamo affrontare oggi insieme è quello dell’ascolto. E’ un tema immenso perché l’ascolto è la base di ogni processo di relazione, non solo nelle
professioni di aiuto, ma in ogni rapporto umano. Ognuno di noi ha avuto l’esperienza di sentirsi più o meno compreso, più o meno “accolto” quando ha aperto
il proprio sé ad un’altra persona… un amico... una compagna… da cosa è derivata l’esperienza di essere stato o meno ascoltato? Io sono convinto che il tema
dell’ascolto rappresenti in realtà una questione che implica delle considerazioni a vari livelli sia di ordine…diciamo così…più teorico per esempio sulla natura e
sulla struttura della psiche o dei processi di relazione, sia di ordine pratico…”cosa” si ascolta in realtà?, quali comportamenti facilitano e quali invece inibiscono
la comunicazione?
Tali considerazioni sono spesso implicite nel nostro comportamento, le agiamo senza renderci conto che alla base del nostro operare sussistono degli assunti,
impliciti appunto, sia di ordine rappresentazionale sia di ordine emotivo. Dicevo di come ci troviamo a confrontarci con problemi sia di ordine teorico che
pratico…oggi cercherò di ragionare insieme a voi su entrambi questi livelli…inutile dire che spero che non sia questa una comunicazione ad una via ma vi invito
a interrompermi in ogni momento per esprimere le vostre considerazioni e ogni perplessità su quello che si dirà. Sapete tutti come ormai da più di un secolo…
dopo la pubblicazione dell’ “Interpretazione dei sogni” di Sigmund Freud…
L’idea che avevamo della psiche e dell’uomo stesso ha subito una radicale revisione. Si dice che Freud ha scoperto l’inconscio…in realtà non è così ma con la
sua opera questo concetto è entrato a pieno titolo nella cultura europea dei primi del ‘900. Non voglio certo ora approfondire in questa sede il discorso sulla
natura dell’inconscio ma soltanto sollecitare in voi l’idea di quanto tale idea abbia avuto profonde implicazioni sul modo di rappresentarci l’uomo. Da Freud in
poi sappiamo che l’uomo non è solo ciò che crede di essere ma che nel suo intimo agiscono pulsioni, desideri, bisogni di cui lui non è consapevole, che spesso
nasconde non solo agli altri ma a se stesso. Pensate a quanto questa considerazione abbia profonde implicazioni sul tema dell’ascolto. Quando l’altro mi sta
parlando mi sta comunicando con le parole un universo di significati cui io devo prestare attenzione certamente, ma che di sicuro esprime solo in parte il suo
vissuto esperienziale, sia in senso cognitivo che in senso emotivo.
Quando l’altro mi sta parlando mi sta comunicando con le parole un universo di significati cui io devo prestare attenzione certamente, ma che di sicuro
esprime solo in parte il suo vissuto esperienziale, sia in senso cognitivo che in senso emotivo. Dobbiamo sempre essere consapevoli di questo quando
entriamo in relazione con un’altra persona. Attenzione, però, questo non vuol dire che dobbiamo andare alla ricerca dei significati nascosti dietro le parole o i
comportamenti dell’altro…anzi, vedremo come questo sia un errore che spesso finisce con l’inibire e bloccare la comunicazione stessa tra due persone.
Dobbiamo però essere consapevoli che ciò che l’altro dice non solo esprime parzialmente il suo vissuto, ma che la relazione con l’altro suscita anche in noi
stessi sentimenti, emozioni, reazioni di cui spesso non siamo del tutto consapevoli. Io credo che essere realmente consapevoli di ciò…nel nostro intimo…
induce in noi un atteggiamento di umiltà e di rispetto che è alla base di ogni vera relazione umana. Bene…spero di essere riuscito a suscitare in voi l’idea di
come…se realmente ci poniamo il problema dell’ascolto…il primo nostro compito è mettere in discussione noi stessi…solo così possiamo dare all’altro la
sensazione che egli si può affidare a noi…che ciò che esprimerà sarà rispettato, non giudicato e quindi accolto…
Ma andiamo con ordine e cerchiamo ora di definire il campo, quello della relazione, nel quale il tema che dobbiamo affrontare…l’ascolto appunto…si colloca.
Vari esponenti della scuola di Paolo Alto in California hanno, nei decenni passati, studiato la dinamica relazionale , e, già ormai quasi 50 anni fa, enunciato
alcuni assiomi della comunicazione che ancora oggi non solo restano validi ma costituiscono pietre fondamentali nello studio dei processi relazionali. Il primo
assioma fondamentale è il seguente: “NON SI PUO’ NON COMUNICARE” Cosa vuol dire ciò nella pratica?... …se una persona accanto a noi per esempio sta
zitta…non partecipa ad una discussione in un gruppo di amici…non risponde alle nostre domande su una determinata questione…o come nel caso di una
seduta psicoterapeutica viene da noi e magari per l’intera ora non parla…siamo sicuri che non sta comunicando? Anche il silenzio comunque dice qualcosa ad
un ascoltatore attento…sta esprimendo disagio?...rabbia?...paura?... Possiamo dare al nostro interlocutore ugualmente, anche in questa situazione estrema, la
sensazione di essere comunque accolto…rispettato?... E’ evidente che io penso che ciò sia possibile…ne riparleremo tra un po’ però… Teniamo quindi presente
che ogni persona che entra in un campo relazionale è implicato in una comunicazione, non si può sottrarre alla relazione in nessun modo…anche, all’estremo,
l’andare via ha precisi significati… Come dobbiamo quindi rispondere ad una persona che non vuole, per un qualunque motivo, comunicare a noi determinati
aspetti del suo vissuto personale? Alcuni, in queste situazioni, sono indotti a sollecitare l’altro a parlare: “dai sfogati…vedrai ti sentirai meglio…”.

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Ma siamo sicuri davvero che è sempre così? E se invece la persona , dopo essersi aperta in base alle sollecitazioni, si sentisse
più vulnerabile, provasse magari vergogna? O, ancora, se nonostante le sollecitazioni le inibizioni interne siano tali da impedire
comunque alla persona di aprirsi alla relazione, egli non potrebbe poi sentirsi maggiormente inadeguato o, addirittura, in
colpa? Potremmo invece offrire la nostra disponibilità all’ascolto senza forzare l’espressione da parte della persona? E’ evidente
come ogni nostra risposta alla comunicazione di un altro avrà conseguenze diverse. Ciò introduce ad un altro assioma
fondamentale e cioè: “LA COMUNICAZIONE E’ SEMPRE UN PROCESSO A DUE VIE” Cosa significa questo? In questo momento io
sto parlando a voi, ma in realtà sto anche ascoltando voi…c’è tutta una serie di reazioni che le mie parole sollecitano in voi e
che quindi ritornano a me determinando a loro volta continui aggiustamenti del mio comportamento…a volte coscientemente
a volte no… In questo momento potrei accorgermi che vi sto annoiando per esempio e ciò indurrebbe in me delle reazioni…
prima di tutto emotive e poi, di conseguenza, la messa in atto di diverse strategie comportamentali per recuperare la vostra
attenzione…potrei cambiare il tono della voce…potrei cercare di scegliere tra le cose che ho da dire alcune cose e altre no…
potrei accelerare il mio discorso etc etc… Nello stesso modo, chi viene da noi per chiedere aiuto, nel momento stesso in cui si
apre a noi, riceve una serie di messaggi di ritorno (si dice feedback in termini tecnici) che gli consentiranno di comprendere a
vari livelli sino a che punto può esprimersi, sino a che punto può fidarsi, sino a che punto può affidarsi a noi… Se tutto andrà
bene la comunicazione procederà in un clima di sempre maggiore partecipazione…in caso contrario evidentemente la
relazione diverrà sempre più fredda… Attenzione, la cosa che voglio sottolineare ancora però è che questo processo di
continua verifica che le nostre comunicazioni hanno sull’altro e, quindi di modificazione della relazione, in un continuo
processo circolare, non si svolge per lo più ad un livello cosciente, bensì a livelli di vissuto emotivo e comportamentale che
sfuggono ad un controllo da parte dell’Io cosciente appunto.
Ed ecco che quanto appena detto introduce al terzo assioma della comunicazione che volevo sottoporvi: “ACCANTO ALLA
COMUNICAZIONE VERBALE ESISTE SEMPRE UN LIVELLO NON VERBALE DELLA STESSA COMUNICAZIONE” Accanto alle cose
che vi sto dicendo verbalmente e che spero abbiano un senso per voi il modo in cui sono vestito…la postura del mio corpo…i
miei movimenti…il tono della mia voce…vi stanno trasmettendo tutta un’altra serie di messaggi su di me e sul senso che le cose
che sto dicendo hanno per me…bene tutto ciò connota la relazione forse più delle parole…e soprattutto ciò è vero in una
relazione di aiuto…tutto il campo del “non verbale” ci dice tantissimo di ciò che la persona in quel momento davanti a noi sta
vivendo…ci dice delle sue emozioni…del senso di quanto esprime…spesso più di quanto lo dicano le parole…ugualmente l’altro
percepirà attraverso il nostro comportamento ciò che quanto ci dice genera in noi. Guardate…questo è importante…anche
questo sfugge ad ogni tentativo di controllo volontario da parte dell’Io. Allora non possiamo fingere…se ciò accade il messaggio
verbale sarà comunque disconfermato da tutta un’altra serie di messaggi che invieremo al nostro interlocutore…se per
esempio ciò che dice la persona che viene chiedere aiuto ci impaurisce o ci angoscia magari perché ci ricorda una nostra
esperienza penosa non possiamo pensare di rassicurarla svalutando la portata dell’evento…non solo la persona non si sentirà
ascoltata ma comprenderà il nostro livello di falsità e non si fiderà più di noi… Ed eccoci all’ascolto.
Quanto detto sino ad ora…un pò sommariamente, per la verità,…è la premessa indispensabile per affrontare con più
compiutezza le problematiche che l’ascolto ci pone. Cominciamo con una definizione…per il valore che hanno le definizioni…
“L’ASCOLTO E’ IL MOMENTO RECETTIVO DELLA COMUNICAZIONE” La comunicazione nelle professioni di aiuto, ma credo in
ogni relazione significativa, può essere considerata anche come uno strumento per innescare processi che aiutino l’individuo a
comprendersi meglio e ad avere una visione più completa dei suoi problemi e delle sue risorse per affrontare tali problemi.
L’ascolto è quindi un momento decisivo…è il momento nel quale le informazioni arrivano a noi ed è ciò che di queste
informazioni noi facciamo e in tale accezione è ascolto attivo. Bene…vediamo cosa garantisce il corretto ascolto. Comprendere
l’altro è davvero un’arte.
Quando parliamo di comprensione ci riferiamo a due tipologie diverse… due livelli diversi: COMPRENSIONE INTELLETTUALE: -
focalizzata sui fatti, sui dati di realtà oggettiva e sulla ricostruzione della loro dinamica; - linguaggio verbale; COMPRENSIONE
EMPATICA: - focalizzata sul mondo interiore dell’interlocutore; - linguaggio non verbale (tono della voce, gesti, mimica, postura
etc); Ho introdotto così il concetto di EMPATIA. Penso che tutti voi abbiate un’idea di cosa sia l’empatia…di come si connoti…di
cosa effettivamente sia la comprensione basata sull’empatia…è un concetto questo che è entrato nell’uso comune dagli anni
’50 e cioè da quando Carl Rogers ha sviluppato questo concetto ponendolo alla base di ogni relazione di aiuto. Egli individua
tre elementi costitutivi dell’empatia: - comprensione empatica - accettazione incondizionata - trasparenza COMPRENSIONE
EMPATICA La comprensione empatica può essere definita come “LA CAPACITÀ DI RIUSCIRE A VEDERE, SENTIRE, ASCOLTARE
PONENDOSI DAL PUNTO DI VISTA DELL’ALTRO SENZA ASSUMERLO COME PROPRIO”. Si potrebbe dire che la comprensione
empatica si basa sulla capacità di assumere un punto di vista “come se” e cioè sulla capacità di essere fuori e dentro l’altro
silenziando temporaneamente e consapevolmente ciò che ci appartiene per vedere il mondo “come se” si fosse l’altro…”come
se”…quindi. E’ importante capire che non si tratta di annullarsi nel punto di vista dell’altro identificandosi totalmente con il suo
stato emotivo… ACCETTAZIONE INCONDIZIONATA “SOSPENSIONE TOTALE DEI GIUDIZI, ASTENSIONE DELLE VALUTAZIONI, DA
APPROVAZIONI E DISAPPROVAZIONI”
L’accettazione incondizionata è una capacità che si può acquisire solo se si abbandona il proprio mondo valoriale, si
comprende interiormente come ogni uomo sia diverso da ogni altro…portatore di una realtà che non può e non deve essere
giudicata sia nel senso dell’approvazione che della disapprovazione…Riuscire ad accettare realmente l’altro senza giudicarlo è
sicuramente l’opera più difficile con la quale dobbiamo fare i conti ma possiamo fare ciò solo se riconosciamo e accettiamo
dentro noi anche le nostre debolezze, i nostri lati bui…TRASPARENZA “CAPACITA’ DI CONTATTO, CONSAPEVOLEZZA E DI
CONGRUENZA DEI VARI LIVELLI DEL SE’ ”
E’ questo un altro punto decisivo… ma per essere davvero consapevoli delle proprie reazioni emotive, dei propri sentimenti
delle proprie convinzioni, per poter mantenere un accordo tra ciò che si prova e ciò che si manifesta bisogna sapersi mettere
in discussione con onestà e umiltà…fare un lavoro di analisi su di sé…(per questo per esempio a chi fa un lavoro come il mio è
richiesto un lungo training in cui l’analisi personale costituisce il momento qualificante. Intanto solo questa consapevolezza di
sé può generare un clima di autenticità e quindi di fiducia nel quale la persona che si rivolge a noi può rischiare di affidarsi, di
aprirsi nella relazione e di abbassare i le difese non solo nei confronti degli altri ma anche e soprattutto di se stesso.
Per chiudere voglio ora velocemente elencare alcune modalità di risposta alle comunicazioni che ci vengono da una persona
che abbisogna di aiuto e che, piuttosto che favorire la comunicazione stessa finiscono con l’inibirla e con bloccarla: -
interpretare - giudicare - svalutare - sminuire - consigliare - sollecitare - domandare. Ognuna di queste risposte andrebbe ben
analizzata e dovremmo comprendere come di fatto blocca lo sviluppo della relazione…ma ci riserviamo il compito per un
prossimo incontro.

B E N E S S E R E E B A L L O
TuttoBallo20
La Cura della Voce
di Alessandra Onano
vocal trainer
Vorrei approfittare di questo
articolo per indirizzare il mio messaggio a tutti coloro che hanno
fatto della voce il loro strumento di lavoro più grande, perché amo
definirmi un’allenatrice vocale (vocal trainer).
In questo periodo di distanziamento sociale, tutti abbiamo dovuto
osservare nuove regole, abbiamo modificato veramente tante
cose e abbiamo limitato molto anche l’utilizzo della nostra voce. In
pubblico l’ausilio della mascherina medica ci sta permettendo di
attenuare il diffondersi dell’epidemia Covid-19, quindi, senza
volerlo, abbiamo messo a riposo il nostro strumento vocale.
Molti artisti utilizzano il silenzio di un giorno intero, prima di un
concerto. Io, invece, vorrei suggerire che sarebbe più opportuno
prendersi cura della nostra voce sempre, innanzitutto educando la
parola:spesso è da educare il nostro parlato, tenendolo in
allenamento con sani esercizi vocali, magari in movimento
utilizzando metodi salutari di respirazione e d’idratazione, usando
rimedi naturali, educando anche l’alimentazione. Pensate che nella
preistoria i nostri antenati emettevano suoni, in modo naturale,
utilizzando il diaframma. Anche per i neonati è lo stesso: nel
crescere, dal vagito siamo passati alla parola, la spontaneità da
bambini ci ha permesso di gridare, addirittura emettendo dei suoni
a fischio che terrorizzavano i nostri genitori, i nostri educatori, che
senza volerlo hanno inibito i nostri istinti, sgridandoci perché non
era buona educazione ed il galateo non lo permetteva. Non si sono
resi conto che hanno compromesso il futuro di un professionista! Mi
definisco anche un’ allenatrice d’anima una “soultrainer “,ma il
tempo a mia disposizione purtroppo è finito, ne parleremo chissà,
forse, una prossima volta.

A R T E E B A L L O
TuttoBallo20
MARISTELLA
GULISANO
I l V o l o ,
I l S o g n o ,
e l a F a n t a s i a
Chakra
Maristella Gulisano
@ r e d a z i o n e t u t t o b a l l o 2 0

A R T E E B A L L O
TuttoBallo20
U n a l i n e a s e n z a f i n e c h e c i a c c o m p a g n a d a g l i a r b o r i d e l l a v i t a f i n o a s p e z z a r s i n e l
m o m e n t o d e l l a m o r t e , t r a s f o r m a n d o s i i n q u a l c o s a d i e t e r e o e i n f i n i t o c o m e s o l o
l ’ a n i m o u m a n o s a e s s e r e .
E ’ q u e s t o i l l e g a m e i n d i s s o l u b i l e c h e a c c o m p a g n a o g n i c r e a z i o n e a r t i s t i c a d i M a r i s t e l l a
G u l i s a n o , c h e n e l l a s u a c a r r i e r a s i è s e m p r e i s p i r a t a a q u a n t o d i p i ù f o r t e e
s i g n i f i c a t i v o c i s i a .
N a t a a C a t a n i a n e l l ’ a g o s t o d e l ’ 5 6 . V i v e e l a v o r a a R o m a d a l 1 9 7 0 , d o v e s i è d i p l o m a t a
a l I I L i c e o a r t i s t i c o n e l l a s e z i o n e a r c h i t e t t u r a , p r i v a t a m e n t e s i è d i p l o m a t a a l l ’ i s t i t u t o
d ’ a r t e n e l l a s e z i o n e c e r a m i c a . D o p o u n ’ e s p e r i e n z a d a " i n t e r i o r d e s i g n " , h a s e g u i t o
c o m p a g n i e t e a t r a l i d i s e g n a n d o e r e a l i z z a n d o s c e n o g r a f i e e a b i t i d i s c e n a . A l l e s t i t r i c e e
c u r a t r i c e d e l l a M o s t r a a n t o l o g i c a d e l M a e s t r o U m b e r t o M a s t r o i a n n i , v i n c i t o r e d e l
“ P R A E M I U M I M P E R I A L E 1 9 9 7 ” n e l m u s e o d i H a k o n e a T o k y o n e l 1 9 9 0 . L ’ a t t i v i t à a r t i s t i c a
h a i n i z i o n e l 1 9 7 3 , p a r t e c i p a n d o a d u n c o n c o r s o i n d e t t o d a l l ’ E . N . P . I . d o v e v i n c e i l
s e c o n d o p r e m i o . N e l 1 9 7 5 c o n i l g r u p p o “ A l f a ” d e l M a e s t r o c e r a m i s t a E m a n u e l e
A s t e n g o , e s p o n e o p e r e i n c e r a m i c a a l B r i t i s c h C o u n c i l a P a l a z z o D r a g o n e . S e m p r e c o n
i l M a e s t r o c e r a m i s t a A s t e n g o , p a r t e c i p a a d “ A r t e i n F i e r a ” d i B o l o g n a . C o m e s t u d e n t e
d e l l ’ I S I A p a r t e c i p a a l “ C o m p a s s o D ’ O r o ” p r e s e n t a n d o a r r e d i i n c a r t o n e l a v o r a t o e
p i e g a t o p e r c a m e r e d i b a m b i n i . N e l 1 9 8 3 p a r t e c i p a , c o m e s c u l t r i c e , a l c o n c o r s o
i n t e r n a z i o n a l e “ L a T e l a c c i a d ’ o r o ” d i T o r i n o d o v e r i c e v e i l s e c o n d o p r e m i o . H a
r e a l i z z a t o i d i s e g n i p e r l e v e t r a t e a r t i s t i c h e , d i g r a n d i d i m e n s i o n i , s i t u a t e n e l l a C h i e s a
“ C a s a d ’ A n g e l a ” ( w w w . c a s a d a n g e l a . c o m ) a Y o k o h a m a e n e l C r y s t a l H o t e l d i F u j i s a w a ,
e n t r a m b e i n G i a p p o n e . N e l 2 0 0 7 s f i l a c o n i s u o i a b i t i a l “ C a s t e l l o d e l l a C a s t e l l u c c i a ”
c o n a m p i o c o n s e n s o . D a l 2 0 0 8 d a l l a c o l l a b o r a z i o n e c o n u n ’ a r t i s t a f o t o g r a f a I s a b e l l a
C a v a l l a r o n a s c e F U S I O N S A R T , d o v e f o t o g r a f i a e p i t t u r a s i u n i s c o n o e m e s c o l a n o d a n d o
v i t a a o p e r e d i g i t a l i .
“ I l V o l o , I l S o g n o E L a F a n t a s i a ” . C o n q u e s t e t r e p a r o l e i l M a e s t r o U m b e r t o
M a s t r o i a n n i h a i n d i v i d u a t o i n m o d o i n e q u i v o c a b i l e l ’ e s p r e s s i o n e a r t i s t i c a d i M a r i s t e l l a
G u l i s a n o . D a s e m p r e i m m e r s a n e l m o n d o d e l l ’ a r t e , c h e s e n z a d u b b i o è i l s u o m o n d o
n a t u r a l e , M a r i s t e l l a i m p r i m e a l l e s u e o p e r e u n a f o r z a e s p r e s s i v a d i f f i c i l m e n t e
c o n f o n d i b i l e .
I s u o i v o l i s o n o l i b e r i e d e n e r g i c i c o m e i n a s t r i c h e a v v o l g o n o l e f o r m e s p r i g i o n a n d o i l
c o l o r e d a l q u a l e s o n o s t a t i g e n e r a t i ; e q u a n d o i l c o l o r e n o n b a s t a p i ù i n a s t r i
d i v e n t a n o e l e m e n t o p r i n c i p a l e d i u n a r a p p r e s e n t a z i o n e a n c o r a p i ù e s s e n z i a l e c h e
c o m b i n a t a c o n f o r m e r i g i d e e q u i l i b r a n o l a f l e s s u o s i t à c h e e s s i e s p r i m o n o . I l c o l o r e è
u s a t o p e r e s p r i m e r e e n o n p e r a c c o m p a g n a r e , è u n e l e m e n t o d i r o t t u r a e n o n
u n ’ a m b i e n t a z i o n e p e r c h é q u e s t ’ u l t i m a n o n h a r a g i o n e d i e s i s t e r e p e r i l s e m p l i c e f a t t o
c h e n o n a v r e b b e m o t i v o s e n o n q u e l l o d i u n o s t e r i l e m a n i e r i s m o p i t t o r i c o . I l r i s a l t o d i
c e r t i p a r t i c o l a r i t r a t t a t i m i n u z i o s a m e n t e a t t i r a m o m e n t a n e a m e n t e l ’ a t t e n z i o n e e , d o p o
u n a b r e v s o s t a , r i c o m i n c i a i l v o l o . T u t t e l e e s p r e s s i o n i a r t i s t i c h e d i M a r i s t e l l a n o n
h a n n o u n i n i z i o e n o n h a n n o u n a f i n e ; u n q u a d r o p o t r e b b e e s s e r e d i m e n s i o n a t o i l p i ù
g r a n d e p o s s i b i l e m a n o n a v r e b b e m a i u n l i m i t e
f i n i t o . È p r o p r i o q u e s t a s e n s a z i o n e , u n i t a a l l a c o n t i n u i t à c o m p o s i t i v a , c h e p e r m e t t e d i
e n t r a r e n e l l e f o r m e e n e l c o l o r e c o n l a l i b e r t à c h e s o l o u n s o g n o p u ò d a r e .
S i p u ò s p a z i a r e i n o g n i d i r e z i o n e , a n d a r e d e n t r o i l d i p i n t o e v i a g g i a r e i n e s s o c o m e i n
u n m a c r o c o s m o o p p u r e v o l a r e a l l ’ e s t e r n o m a c i a c c o r g e r e m m o c h e i l v o l o c o n t i n u a
a n c o r a s e n z a l i m i t i . I l s o g n o p e r ò è t a l m e n t e f o r t e e v i g o r o s o c h e s e m b r a u n ’ i r r e a l t à
r e a l e a l l a q u a l e n o n s i d e v e n é c h i e d e r e n é d a r e u n ’ i n t e r p r e t a z i o n e e t a n t o m e n o
c e r c a r n e u n a s p i e g a z i o n e : è g i à t u t t o e l o q u e n t e .
L ’ A r t e d i M a r i s t e l l a è d a s e m p r e s t a t a f a n t a s t i c a , f i n d a l p e r i o d o f i g u r a t i v o d a l q u a l e
m a n m a n o l a f a n t a s i a s i è s e m p r e p i ù s v i l u p p a t a f i n o a r a g g i u n g e r e l ’ e s p r e s s i o n e
a t t u a l e .
L a f a n t a s i a n o n è s o l t a n t o q u e l l a c h e l e o p e r e e s p r i m o n o m a è a n c h e e f o r s e
s o p r a t t u t t o q u e l l a c h e c i s t i m o l a e c o i n v o l g e m e n t r e o s s e r v i a m o , e f o r s e a n c h e l a
d o m a n d a “ d o v e n a s c e l ’ a r c o b a l e n o ? ” n o n c i s e m b r a p i ù c o s ì a s s u r d a .
7 Chakra
acrilico su 7 tele 80x80
Maristella Gulisano

A R T E E B A L L O
TuttoBallo20
LA CASA DANZANTE DI PRAGA DEDICATA A
FRED ASTAIRE E
GINGER ROGER
"Fred & Ginger" - Casa Danzante -Praga

ALLA CREAZIONE, DAL PROGETTO ALLA
DALL'IDEA
DALLA FANTASIA ALLA REALTÀ
REALIZZAZIONE,
A R T E E B A L L O
TuttoBallo20
di Sandro Mallamaci
Attraverso le diverse forme espressive artistiche l'uomo ha da sempre tradotto la sua
immaginazione in qualcosa di concreto, per poter comunicare il suo pensiero.
La musica, la danza, l'architettura, tutti linguaggi universali, comprensibili da tutti che,
pur partendo da qualcosa di astratto, la trasformano in qualcosa di concreto e di
leggibile. Noi viviamo in un mondo regolato dalle leggi della fisica ed elaborare le
informazioni percepite attraverso i sensi è innanzitutto un'operazione logica, che ha a
che fare con i numeri e quindi con la matematica. E così la musica, la danza,
'architettura, sono il risultato di elaborazioni matematiche.
Se poi si cerca di definire anche il concetto di bellezza, che spesso coincide con il
concetto di ordine, di armonia. Una composizione musicale risulta gradevole se è
conforme a regole precise, così come una coreografia, che con la musica ha un diretto
legame. Anche una composizione architettonica, oltre ad essere un risultato di precisi
calcoli statici, per essere giudicata bella deve trasmettere sensazioni di armonia e di
ordine. L'accostamento dei diversi elementi, delle singole parti, determina il risultato
finale e quindi il messaggio che viene trasmesso, in altre parole, la corrispondenza tra
l'idea del pensiero iniziale e l'idea che prende forma in chi elabora il messaggio.
In sostanza, si concretizza il trasferimento di un'informazione da un individuo ad un
altro, da una memoria ad un'altra, trasformandosi da sensazione personale a
patrimonio della memoria dei singoli.
Le nuove tecnologie, i nuovi materiali, e soprattutto i computer consentono agli
architetti di fare andare la loro fantasia spingendola a pensare e quindi creare edifici
dalle forme più svariate, senza porre limiti che fino a qualche tempo fa erano
insuperabili.
Frank Gehry è l'architetto che è considerato il pioniere del linguaggio informale
attraverso il quale è riuscito ad esprimere le sue idee, tese al cambiamento ed al
superamento delle divisioni e alla libertà che, da ebreo laico ed amante della musica,
hanno caratterizzato tutte le sue creazioni con il desiderio di fare del bene nel mondo.
Una delle sue creazioni più famose è la Casa Danzante di Praga costruita lungo il fiume
Moldava conosciuta in tutto il mondo anche informalmente come Ginger e Fred, una
struttura moderna che si erge tra i palazzi liberty del lungofiume interrompendo
volutamente l'armonia architettonica dell'intorno, utilizzata proprio come un simbolo di
un linguaggio per comunicare l'idea del cambiamento della società cieca al termine
della Rivoluzione di Velluto, che, nuova e moderna, si staccava dal vecchio stagnante
regime comunista, proiettando la città verso un futuro più libero e prospero. n effetti,
come qualunque opera artistica, si presta a diverse letture a seconda dello stato
d'animo e della fantasia di chi si trova ad ammirarla.
Ma certamente il senso di contrapposizione del pensiero originario è trasmesso:
passato e futuro, vecchio e nuovo, forza e grazia, staticità e dinamicità, uomo e donna.
La lettura romantica che ha reso famoso l'edificio associa le due strutture a forma
cilindrica ad una coppia di ballerini che si abbracciano eseguendo un passo di danza; la
torre di vetro che si restringe al centro è la ballerina Ginger che si piega all’indietro
come afferrata sui fianchi dal ballerino Fred, rappresentato invece dalla torre di
cemento.
Oggi la Casa Danzante è un hotel a 4 stelle con 21 camere Superior e Deluxe dislocate
sugli ultimi piani delle torri con in cima un ristorante lussuoso e una caffetteria.
Le suite più richieste sono quelle che richiamano i famosi ballerini, la Ginger Suite e la
Ginger Royal Suite, nella torre di vetro e la camera vip nella torre in cemento che però
non porta il nome di Fred ma si chiama River Royal Suite.
Vivere questi luoghi è qualcosa di unico, soprattutto per chi possiede uno spirito
artistico, per chi sa sognare ed immaginare, tuffandosi in un mondo in cui godere della
bellezza che solo la fantasia di un'anima sensibile riesce a percepire.
Casa Batlló (Barcellona)
Piano House (Cina)
Chiesa di Vetro (Taiwan)
Biblioteca (Kansas City)

S P E T T A C O L I E B A L L O
TuttoBallo20
Il corpo di Ballo del Teatro dell’Opera di Roma torna
in scena con una creazione di Giuliano Peparini
Rebecca Bianchi
prima ballerina Opera di Roma
“Le quattro stagioni”
di Vivaldi
di Maria Luisa Bossone

S P E T T A C O L I E B A L L O
TuttoBallo20
Le quattro stagioni firmato da Giuliano Peparini (ndr alla sua terza creazione per il Teatro dell’Opera di
Roma) su musica di Antonio Vivaldi, racconta le naturali “stagioni” della coppia. Intorno alle coppie
principali, Corpo di Ballo, che Peparini fa danzare rispettando le norme di sicurezza obbligatorie. Il
coreografo romano, ha affidato ad Alessandro Preziosi il forte impatto emotivo della narrazione,
intermezzo tra una stagione e l’altra.
Le celebri Quattro stagioni di Vivaldi, su base registrata, sono eseguite dall’Orchestra del Teatro
dell’Opera con Vincenzo Bolognese, violino solista. Tra i brani musicali registrati anche la Sonata in fa
minore K. 466 di Domenico Scarlatti, eseguita al pianoforte da Antonio Maria Pergolizzi. Completano la
creazione, scene e costumi improntati ad un’essenziale linearità, rispettivamente firmati da Andrea Miglio e
Anna Biagiotti. Fondamentale l’apporto delle luci di Marco Vignanelli e dei video di Edmondo Angelelli e
Giuliano Peparini. A raccontare le quattro stagioni e superare la sfida che questo momento impone all’arte
della danza, sono stati chiamati a rappresentare le quattro stagioni i migliori ballerini. I primi sguardi
incrociati con il pudore tipici della Primavera interpretati da Rebecca Bianchi e Claudio Cocino (vincitore
premio Stefano Francia 2018), anticipano i fuochi della passione dell’Estate animata dai giovanissimi
Marianna Suriano e Giacomo Castellana, mentre è in agguato il loro progressivo spegnimento con
l’Autunno raccontato da Susanna Salvi (vincitrice premio Stefano Francia 2018) e Michele Satriano fino al
gelo dei rapporti simboleggiati dall’Inverno animato da Sara Loro e Alessio Rezza. Un balletto speciale
ripensato in base alle esigenze del post emergenza Covid, che punta non solo sul distanziamento, ma anche
sulla semplicità e linearità dei costumi creati da Anna Biagiotti e dalle scene firmate da Andrea Miglio. La
prima de Le quattro stagioni si anima anche del racconto della Community Igers di Matteo Molle e Giulio
Pugliese che, attraverso i propri scatti, racconterà in una versione assolutamente inedita quello che
avviene durante il balletto, ricondividendo il tutto sui propri canali social e rendendo partecipe il pubblico di
uno spettacolo nello spettacolo, di rara suggestione, mai visto prima.
Per il Teatro dell’Opera di Roma, durante il lockdown, veicolo importante di comunicazione con il pubblico
è stato YouTube. Il successo del canale dell’ente lirico, è stato confermato dalla lezione di danza della
direttrice del Corpo di Ballo Eleonora Abbagnato, trasmessa in streaming dal palcoscenico del Costanzi
nella mattinata di venerdì 24 luglio (disponibile sul canale) che si è trasformato in sala ballo. Il pubblico ha
seguito un momento della ripresa dell’attività artistica in Teatro, dopo la brusca interruzione del 5 marzo,
proprio durante le repliche del balletto Il Corsaro. “Questo periodo ci ha uniti più che mai, non ci siamo mai
lasciati; – racconta Eleonora Abbagnato – sentivo i danzatori spesso, preoccupati soprattutto di come
rimanere in forma. Per questo ho proposto di tagliare un linoleum che avevamo nei nostri magazzini.
Ognuno di loro ne ha ricevuto un pezzo per allenarsi in modo migliore da casa, senza scivolare”. I vincoli
della sicurezza sono diventati opportunità per trovare nuove soluzioni.
Il palcoscenico del Costanzi si è trasformato in sala ballo, a disposizione delle classi di un numero massimo
di dieci persone distanziate, a lezione sotto l’occhio attento della Direttrice. “Dei cinque anni di lavoro qui –
prosegue Eleonora Abbagnato – questo è stato forse il momento più importante per me, avere il corpo di
ballo in forma e ripartire con una nuova creazione che certamente rimarrà nella storia. È un grande segnale
e un onore per tutti noi”.
Le ultime repliche dello spettacolo sono previste il 2 e 3 agosto, mentre fino al 13 agosto il cartellone di
Opera al circo Massimo mette in scena le opere: Il Barbiere di Siviglia, La Vedova Allegra, Anna Netrebko
e Yusif Eyvazov Omaggio a Roma. Il cartellone è consultabile sul sito https://www.operaroma.it/
(foto di Yasuko Kageyama - Teatro dell’Opera di Roma)

S P E T T A C O L I E B A L L O
TuttoBallo20
Il 28 agosto 2020 al 63 Spoleto Festival dei 2 mondi
LE CREATURE DI PROMETEO
LE CREATURE DI CAPUCCI
di Fabrizio Silvestri
Beethoven e alta moda, chi l’avrebbe detto?
In un’estate in cui i grandi festival all’aperto italiani stanno dando il la alla ripresa teatrale europea in
modalità di distanziamento sociale, e quindi principalmente con lavori improntati ad una stilizzata
essenzialità, questo spettacolo, a cura di Daniele Cipriani, si distingue per il suo sfarzo. Non poteva essere
altrimenti trattandosi di un’eccitante combinazione tra l’estro di due geni: la partitura di Ludwig van
Beethoven, nell’anno in cui ricorre il 250° anniversario della nascita del titano della musica sinfonica, e le
sculture viventi del titano dell’alta moda Roberto Capucci, creature animate da vita propria. “Movimenti
coreografici” di Simona Bucci per la Compagnia Daniele Cipriani accompagneranno la rara esecuzione
integrale, da parte dell’ Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova diretta da Andrea Battistoni,
dell’unico balletto del compositore tedesco. L’inaspettato connubio che viene celebrato ne Le Creature di
Prometeo / Le creature di Capucci, concerto in forma scenica, è una nuova coproduzione realizzata dalla
Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova e il Festival dei Due Mondi.

S P E T T A C O L I E B A L L O
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Il Debutto in prima mondiale avviene al Festival dei Due Mondi di Spoleto il 28
agosto 2020 (Piazza del Duomo, ore 20:30) con anteprima il 1° agosto al Festival
Internazionale della Musica e del Balletto di Nervi.
Composta da Beethoven nel 1801 per le coreografie dell’italiano Salvatore
Viganò, Die Geschöpfedes Prometheus, Op. 43 era popolato da Dei dell’Olimpo e
Muse del Parnaso con un libretto ispirato chiaramente al mito di Prometeo, il
titano che ruba il fuoco agli Dei per darlo alle sue “creature”, gli uomini della terra.
Ed è proprio il fuoco il filo che conduce dalle “Creature di Prometeo” alle “Creature
di Capucci”; perché se vogliamo considerare il fuoco non solo come elemento
generatore di calore, bensì come simbolo di intelligenza e ingegno, e se vogliamo
considerare Prometeo come un (buon) portatore di luce affinché, grazie alla scintilla
dell’Io, gli esseri umani si svincolino dalla tirannia degli Dei, ecco che da questo
medesimo fuoco emerge il genio di Capucci la cui illimitata fantasia si esprime in
assoluta libertà. E mentre le creature del Prometeo beethoveniano sono uomini e
donne in carne e ossa, una luminosa e apollinea umanità in costruzione, destinata alla
civiltà e al progresso attraverso i doni divini dell’amore, della bellezza e, soprattutto,
della libertà, quelle di Capucci sono esseri onirici, dionisiaci, dagli artigli di bizzarri
rapaci e sinuose spire serpentine “immagini di follia”, li definisce lo stesso Capucci. Si
tratta dell’eccezionale realizzazione sartoriale, seguita personalmente dal maestro, di
15 costumi da bozzetti originali.
Di questi, 3 erano stati esposti nel 2018 a Palazzo Pitti di Firenze “Capucci
Dionisiaco” e a Palazzo Scarpetta di Napoli “Spettacolo onirico. Disegni per il teatro";
gli altri 12 invece sono assolutamente inediti. Solo di recente, quando Daniele Cipriani
chiese al Maestro di creare due costumi in occasione del gala Les Étoiles (gennaio
2020), Capucci si è avvicinato alla danza, arte che tuttavia lo aveva sempre
affascinato. La felice esperienza, salutata da grande successo di critica e di
pubblico, ha portato a questa nuova collaborazione e a costumi che ricordano la
spettacolarità delle feste rinascimentali a corte.
Con processi artistici assolutamente distanti, musica e moda si uniscono in un duplice
ed originale omaggio al genio creativo e alla potenza immaginativa dell’arte. A loro si
accosta Simona Bucci, coreografa, che ha concepito, per corpi atletici e flessuosi di
un disinibito cast interamente al maschile, movimenti coreografici grazie ai quali i
personaggi metamorfici di Capucci si presentano come un corteo di creature “altre”;
come effluvi, essi appaiono da tutte le parti (anche dall’alto) della piazza, visioni che
scompaiono per poi riunirsi in palcoscenico solo nel finale.
Qui la “distanza sociale” è assicurata dagli sbuffi, girandole, nastri, piume, maschere
e carapaci degli immaginifici costumi. In parallelo alla potenza musicale ispirata a
personaggi mitologici, e in corrispondenza con quanto espresso dalle sue sonorità,
con una leggerezza di tratto e una lineare eleganza di movimento che vanno ad
intrecciarsi con l’esuberanza dei costumi e la magnificenza della musica, la
coreografa Bucci trasforma i personaggi di Beethoven/Viganò in rappresentazione
degli archetipi che plasmano la psiche umana.
Ai danzatori della Compagnia Daniele Cipriani si uniscono anche artisti di varia
provenienza, tra cui il danzatore Damiano Ottavio Bigi del TanztheaterWupperthal e
alcuni danzatori della Compagnia Simona Bucci, nonché Hal Yamanouchi, mimo attore
dalla enigmatica presenza, misterioso maestro di cerimonie di questa fantasmagorica
sfilata. Le Creature di Prometeo / Le creature di Capucci si avvale di video
proiezioni firmate da Maxim Derevianko e di un disegno luci di Luciano Novelli.
R o b e r t o C a p p u c c i - D a n i e l e C i p r i a n i

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M A N É G A R R I N C H A
UN “BALLO” FATTO
DI DRIBBLING
d i G i o v a n n i F e n u

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Quanti di voi vedendo un giocatore di
calcio dribblare un avversario, disorientarlo
con finte e controfinte, per poi lasciarlo sul
posto dopo una elegante “veronica”, non
ha pensato almeno una volta: “quel
giocatore danza in campo e col pallone”?
Bene, oggi vogliamo parlare della danza di
Manoel Francisco dos Santos, per tutti più
semplicemente “Garrincha”, formidabile ala
destra brasiliana, campione del Mondo con
la Seleçao nel 1958 e nel 1962.
Ho detto danza, sì, perché quella che
l’asso brasiliano metteva spesso in scena
sulla sua pista di ballo, quella fascia destra
divenuta ben presto una “seconda casa”,
era un soave ballo, un “passo a due” col
pallone che lasciava di stucco anche il
proprio avversario di turno.
Vederlo scattare sulla fascia, fermarsi,
tornare indietro e nuovamente avanzare,
puntare l’uomo e sfuggirgli, palla al piede,
con quella sua finta dinoccolata – favorita
da quella gamba più corta di sei centimetri,
“eredità” della poliomielite sofferta da
bambino – giungere sul fondo e crossare
per qualche compagno o tirare una
rasoiata in fondo al sacco, tutto questo era
una gioia per gli occhi.
E l’Alegria do Povo (“Gioia del Popolo”,
nda) ben presto inizia a dare sfoggio dei
suoi “balletti”, una danza dalle leggiadre
movenze che incanta non solo i tifosi, ma
gli avversari di turno che il più delle volte
non possono far altro che ammirare
estasiati quel ritmo ammaliante che sa di
tango ballato con la sfera di cuoio.
Ne sa qualcosa lo storico terzino brasiliano
Nilton Santos che si trova di fronte, nel
1953, il ventenne Garrincha, durante un
provino per il Santos. La giovane stella
brasiliana sfodera un “ballo” fatto di
dribbling, finte e cross che finiscono col
ridicolizzare il “monumento” Santos.
Ricorda il terzino brasiliano: «Come gli passano la
palla gli vado incontro cercando di portarlo verso il
fallo laterale per prendergliela con il sinistro, lui
invece mi fa una finta, mi sbilancia e se ne va. La
seconda volta mi fa passare la palla in mezzo alle
gambe[...]»; il malcapitato terzino diviene “partner”
inconsapevole della danza di Mané Garrincha, un
ballo destinato a concludersi col cross o con un tiro
rasoterra in porta.
Una danza, quella dell’ala brasiliana, spesso al
limite dell’irriverenza, come quella volta a Firenze,
siamo nel 1958, quando in un’amichevole contro i
viola il nostro “ballerino” regala generosi passi a due
con la sfera e gli avversari: dribbling e finte che
estasiano i presenti.
Una leggiadria presente anche in quell’animo
guascone e fanciullesco che al pallone dà del
tu e sulla fascia esibisce la propria arte
calcistica e... tersicorea, come nella
medesima gara di Firenze quando punta Enzo
Robotti (capitano viola, nda), lo scarta, evita
anche il portiere e, invece di mettere in rete,
aspetta il malcapitato Robotti: nuovo dribbling
che manda a terra il difensore, e gol, alla
faccia della sportività.
La favola del “ballerino della fascia destra”
Garrincha non ha purtroppo il lieto fine; tra alti e
bassi la stella del campione sudamericano, dopo il
mondiale inglese del 1966, comincia sempre più ad
offuscarsi...
La sua vita si trascina tra matrimoni falliti, figli, ben
11 – legittimi e non – e un avversario, l’alcolismo,
che non riesce a dribblare... La stella di Garrincha e
la sua danza si chiudono il 21 gennaio 1983 quando
muore per cause legate all’abuso di alcolici...
Non ha ancora cinquanta anni, la danza di Mané
finisce lì, ma non il suo ricordo...
Le sue danze su quella fascia, la sua fanciullesca
allegria nel giocare, infatti, rimarranno indelebili; a
tal proposito un epitaffio sulla sua tomba, presso il
cimitero di Raiz da Serra presso Magé nei dintorni
di Rio de Janeiro, recita significativamente così:
«Qui riposa in pace colui che fu la Gioia del popolo,
Mané Garrincha».

Rajasthan
terra dei maharaja
la
diario di Alessandra Venditti, viaggiatrice del mondo
dal
di Antonio Pistore, compagno di viaggio.
foto
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www.viaggiavventurenelmondo.it

pensavo al Rajasthan, e giuro che prima di andarci non ho fatto neppure
Quando
ricerca su Google, immaginavo un regno fatato, pieno di castelli e di palazzi di
una
e principesse, i Maharaja e le Maharani, che vivevano in un mondo
principi
Per varie coincidenze, sono partita per l’India con pochissimo preavviso,
incantato.
le rare frequentazioni dei ristoranti indiani, mi avevano sempre lasciato
d’altronde,
stomaco in subbuglio. Non capivo bene se fosse il cumino o il coriandolo, ma
lo
era solo il cardamomo, o comunque il mix di tutto.
forse
ogni volta che sceglievo una destinazione, l’India restava sempre all’ultimo
Quindi,
e non comprendevo l’amore sproporzionato che varie persone sentono per
posto,
paese: chi è andato una volta ci torna, e ci torna, e ci torna ancora.
questo
nostro viaggio inizia a Delhi, dove restiamo solo poche ore, il tempo però per
Il
due siti protetti dall’Unesco: la Humayun Tomb, un grande mausoleo fatto
visitare
per l’Imperatore Humayun, con bellissimi giardini; il secondo, che ci
costruire
moltissimo, un imponente minareto di mattoni del XIII secolo, il Qutb, di
sorprende
metri e con un diametro alla base di oltre 14 metri. Mastodontico e splendido
72,5
di arte islamica e arte indù fuse insieme. Sinceramente una grande
esempio
forse perché non ne avevo mai sentito parlare e non sapevo esistesse un
sorpresa,
di questo tipo: l’arte di due civiltà che si incontrano, dando luogo ad un
monumento
bellissimo. Dopo questa breve visita a Delhi, passiamo qualche ora a
monumento
città sacra e che ha da o i natali a Krishna. Arriviamo ad Agra, e
Mathura,
visitiamo ben 3 siti patrimonio UNESCO.
l’indomani
il giorno all’alba con il mega fotografato e conosciuto Taj Mahal: una
Cominciamo
7 meraviglie del mondo moderno, il monumento dedicato all’amore per
delle
quell’amore di un imperatore Mughal per la sua defunta moglie
antonomasia,
Bello? Senza dubbio.
preferita.
No.
Sorprendente?
sito UNESCO del giorno è Fathepur Sikri, una intera cittadella del 1500,
Ultimo
per circa 10 anni dell’impero Mughal e poi in fretta abbandonata,
capitale
per mancanza di acqua.
sembrerebbe
anche detta la città fantasma dell’India. Finita la visita ci rimettiamo in
E’
me, è la fortezza più bella del Rajasthan: il Forte Amber (per non perdere
secondo
un altro monumento patrimonio UNESCO). E’ una struttura incredibile,
l’abitudine,
maestosa, costruita in arenaria gialla ed in marmo bianco e che fonde lo
imponente,
arabo ed indu': intagli, arabeschi, ghirigori, specchi, dipinti, sculture soprattutto
stile
parte degli appartamenti reali. Non si passa dal Rajasthan senza visitare
nella
Fort, nome che deriva dal colore dell’arenaria color ambra. Ci buttiamo poi
l’Amber
città di Jaipur, privilegiando innanzi tutto il secondo monumento
nell’agitata
del giorno: l’osservatorio Jantar Mantar, di cui io mi innamoro
UNESCO
Sono 19 costruzioni-strumento astronomici, realizzati con mattoni e
pazzamente.
nel 1700. E’ assolutamente consigliato avere una guida, che possa spiegare
cemento,
funzione di ogni strumento, e che ti faccia capire come in questo posto
la
e l’astrologia si confondano. Passiamo al Palazzo Reale di Jaipur, in
l’astronomia
in una ala ancora vive la Famiglia Reale: la storica famiglia del Maharajah di
cui
E’ un palazzo superbo, pieno di storia, dove i cortili e le aree esterne
Jaipur.
me sono di gran lunga più interessanti delle aree interne. Finalmente viene
secondo
del primo shopping. Ci catapultiamo nei vari bazar della città. Inutile dirlo,
l’ora
totale, come poi sarà lungo tutto il viaggio: shopping continuo e costante!
delirio
stop per ammirare l’iconico Palazzo del Vento: superbo.
Uno
si va a Pushkar. In effetti le date di questo viaggio sono state scelte
L’indomani
in coincidenza della Fiera dei Cammelli di Pushkar, una delle feste piu'
propri
di tutta l’Asia. La festa si tiene a novembre e dura una settimana.
affascinanti
pastori con le loro mandrie di cammelli e cavalli soprattutto, ma anche di
Arrivano
e pecore, e oltre alla compravendita di animali, si può assistere a gare fra
capre
e a parate degli stessi. Tutto intorno deserto.
cammelli
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a parte il super famoso Taj Mahal, non sapevo bene cosa aspettarmi.
così,
tanto tempo che volevo andare in India, ma ho sempre avuto una sorta di
Era
legato alle scarse condizioni igieniche ed agli odori delle spezie…
timore,
l’effetto sorpresa, visto, rivisto e riproposto in mille salse diverse. Passiamo
Manca
al Forte di Agra, un forte che ti lascia senza parole per l’imponenza, per la
poi
per il cominciare a sentire il sapore dell’avvicinarsi al Rajasthan…
grandezza,
Finalmente lasciamo l’Uttar Pradesh ed entriamo nel Rajasthan.
cammino.
tappa: Jaipur capitale caotica dello Stato.
Prima
detta città rosa, per il colore predominante delle case, è una città
Jaipur,
Facciamo la prima visita fuori città. A pochi km si trova quella che,
affascinante.

cammelli sono riccamente decorati e abbelliti con campanelli, ponpon, selle lavorate coperte, di tessuti multicolori e mille
I
di ogni tipo: uno spettacolo! C’è anche il luna park, gli incantatori di serpenti, gli equilibristi, i clown, gli asceti. E’ una
lustrini
essenzialmente rurale, che riveste una importanza economica e culturale notevole, e che coincide con una festa religiosa, il
fiera
Il lago di Pushkar è uno dei laghi sacri dell’induismo, circondato da 52 gradinate, chiamate Ghat, e la tradizione
Kartik.
che Brahma (il creatore del cosmo per l’induismo), fece un bagno in queste acque e dove Shiva (la divinità della
racconta
apparve sotto forma di cinghiale. C’è una atmosfera particolare in città in questi giorni: tanti colori, degli abiti
distruzione)
Pushkar passiamo a visitare Bundi, ancora non inserita nelle mete oggetto di turismo di massa. E’ uma città piccola,
Da
con un castello purtroppo in semi decadenza (dovuta all’eccesso di risorse necessario per la ristrutturazione), ma
raccolta,
interamente visitabile. Ci sono stanze chiuse ma i custodi locali sono disposti ad aprirle e a raccontare con orgoglio
affascinante,
storia di questo principato molto importante nell’epoca Rajput. La vista è sul bel lago. Famosi a Bundi sono anche i baori,
la
enormi, spesso di marmo intagliato, che servivano come riserva di acqua. Abbiamo qui visitato il più bello dell’intero
cisterne
il Raniji ki. BUNDI quanto ci sei piaciuta!
viaggio,
per circa tre ore da un edificio all’altro e poi ci dirigiamo verso Udaipur. Per me una delle sorprese del
Gironzoliamo
è stata la presenza di vari laghi. Udaipur, per esempio, ne ha due, uno dei quali è al lato dello splendido Palazzo
Rajasthan
Nel lago Pachula, di fronte al palazzo, ci sono due isole; in una c’è la residenza estiva della famiglia del Maharaja
incanto!
nell’altra c’è un modernissimo hotel a 5 stelle. Visitiamo il Palazzo Reale, che è un insieme di strutture aggiunte a
mentre
che era il nucleo originario; gli interni e gli esterni sono ugualmente belli, e si alternano continuamente, una torre e poi
quello
camera, e poi un cortile, un salone, un balcone… tutto riccamente decorato. Visitiamo poi due bellissime haveli che oggi
una
ricchi negozi di artigianato; e poi il Saheliyon-ki-bari, giardino settecentesco fatto costruire dal Maharaja per la sua
ospitano
Infine ci rilassiamo alla vista di un indimenticabile tramonto sul lago.
consorte.
giorno seguente ci dirigiamo verso Kumbhalgarh, neppure a dirlo, un altro monumento UNESCO; non ho mai visto tanti
Il
UNESCO in cosi poco tempo, sono estasiata. Anche questa è una fortezza che ha una muraglia lunga 38 km spessa
monumenti
e dalla stessa invaso, rimasto coperto per buona parte della sua esistenza, e' stato, solo abbastanza recentemente
giungla
e riportato all’antico splendore. Magnetico! Formato da 29 sale, non tutte visitabili, da 80 cupole e 1444 colonne è di
riscattato
bianco abbagliante. Un marmo intagliato un maniera impeccabile, sembra a tratti un merletto; non esistono due pilastri
un
ognuno è scolpito in maniera diversa. La luce, che arriva dalle numerose aperture, forma giochi di chiaroscuri che
uguali,
ad ogni angolo. Il tempio è imperdibile e indimenticabile: oserei dire perfetto. Purtroppo il tempo non gioca a favore
cambiano
arriva l’ora di chiusura. Io esco…ma poi torno indietro correndo ed entro di nuovo, giusto per gli ultimi 5 minuti prima della
ed
Sono quasi sola, è per me l’ora della meditazione, 5 brevi minuti da ricordare per tutta la vita.
chiusura.
giorno seguente è dedicato a Jodhpur, la città blu. Le case, nel centro storico, sono in maggioranza dipinte di blu; ed il forte
Il
di Mehrangarh che domina la citta' e' anch’esso splendido. Ogni fortezza/casa reale del Rajasthan e' diversadall’altra
reale
non meno bella; alcune più conservate, altre meno; alcune ancora abitate dalle famiglie dei Maharaja, altre abbandonate,
ma
tutte indimenticabili, tutte da sogno, tutte che raccontano le storie di quella che un tempo era una regione divisa fra i
ma
dei raja o Marajà, sempre in guerra fra loro; terra di antiche tradizioni, che solo nel 1949 fu annessa ai domini
principati
Regione grande poco piu' dell’Italia, confina a ovest con il Pakistan, dal quale è divisa da un immenso deserto: il
indiani.
di Thar, che domani finalmente raggiungeremo.
deserto
con i vecchi cannoni! Solo la parte reale è riservata, a pagamento, ai turisti. Ci sono sette bellissimi templi giainisti,
convivono
cui il più bello è Chandraprabhu e due haveli che ospitano negozi di arte e artigianato: Nathmal ki e la Patwon ki. Il forte
fra
è mai stato attaccato, per questo è cosi ben conservato. Io vorrei restare ancora giorni in questo posto, ma non è possibile.
non
la visita al lago della città, fatto costruire dalla famiglia reale nel 1400 e dedicato a Vishnu, con templi sull’acqua e
Bella
il tramonto nel giardino reale Bada Bagh, che ha i cenotafi dei vari reali succedutisi nelle generazioni.
suggestivo+
giro in 4x4 sulle dune del deserto del Thar, e l’incontro con nomadi che suonano e cantano, nei loro vestiti
Immancabile
Siamo ai confini con il Pakistan…giusto li, dietro quelle dune, in fondo… L’indomani ci dirigiamo alla volta di
colorati.
Facciamo una breve sosta a Kitchan per visitare una bellissima riserva ecologica delle gru, migrate dal freddo nord:
Bikaner.
migliaia, al di la di uno specchio d’acqua, quindi ad una distanza di pochi metri; è uno spettacolo della natura unico.
sono
non ci entusiasma particolarmente; la fortezza non ha niente di particolare e la città è piuttosto sporca. Inoltre quelle
Bikaner
dovrebbero essere due haveli eccezionali, sono abbandonate e chiuse. Ci dirigiamo quindi verso Fatehpur, nella regione di
che
regione amosa per le sue splendide haveli. Alcune sono in ristrutturazione, altre chiuse ma ne visitiamo una
Shekawati,
recuperata da una artista francese, Nadine (per chiamata Haveli di Nadine) del 1800, piena di oggetti antichi e
splendidamente
dipinti, poi trasformata in un hotel. La visitamo con piacere e facciamo 4 chiacchere con i gestori francesi. Ci dirigiamo poi
di
Mandawa. Il viaggio volge al termine.
verso
una visita a Mandawa, molto piacevole, ci aspetta un lungo viaggio per ritornare a Delhi, da cui poi ci imbarcheremo per
Dopo
l’Italia!
si, si ama. Io la sto amando molto più adesso, a mesi dal rientro. E’ stato il mio ultimo viaggio prima della pandemia, e
L’India
leggo, la mangio, la penso, la ascolto. Il cumino non mi fa più paura, ne ho portato tanto in valigia e lo uso in cucina. Anche
la
curry ho portato, e mi ritrovo, quasi senza pensarci a cucinare un pollo con il curry ed il latte di cocco o altri piatti. Insomma
il
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indiani, degli addobbi dei cammelli, dei fiori e delle luci che galleggiano su foglie nel lago, dell’artigianato e della frutta
degli
vendita ovunque…
in
ci aspetta un altro monumento UNESCO: Chittorgarh. Non so cosa aspettarmi, so che e' una cittadella fortificata o
L’indomani
più. Troviamo invece una area di 300 ettari, con edifici, templi, torri, cisterne di acqua. E’ enorme e ci muoviamo con i
poco
all’interno della stessa. Tutti gli edifici sono bellissimi, soprattutto la Torre della Vittoria, scolpita in marmo bianco, con
risciò
indu' e di altri culti, simbolo del pluralismo religioso del regno Rajput.
divinità
in cui, in un’ala vive ancora la famiglia reale, la quale, negli ultimi anni, ha reso Udaipur una destinazione ricercata
Reale,
circuito internazionale. Un’altra ala del palazzo è stata trasformata in hotel, e questa è una caratteristica del Rajasthan: si
nel
dormire in palazzi reali, dimore nobiliari e castelli…e la sensazione di vivere in un mondo magico si accentua come per
può
metri, seconda solo alla muraglia cinese. Sorge nel mezzo delle montagne dell’Aravalli e lo scenario è fantastico! Dalla
4,5
alta si vedono montagne per chilometri e nelle giornate limpide si riesce a vedere il deserto del Thar. L’area è vastissima,
parte
dire che contiene più di 360 templi, induisti e ainisti. Ovviamente visitiamo una piccolissima parte dell’area, perché
basti
arrivare a quello che poi scopro essere il tempio più bello del viaggio: il tempio jainista Chaumukha di Ranakpur, il
dobbiamo
grande e bel tempio nel mondo, del 1450, che fa parte di un complesso formato da 3 templi. Immerso nel bel mezzo della
più
si, la prossima tappa è Jaisalmer, quella che è si è rivelata la mia città preferita nel Rajasthan, detta anche la Città d’Oro!
Eh
peculiarità della città vecchia è, a parte essere tutta color ocra, in quanto costruita in basalto giallo (appunto chiamata
La
d’oro), quella di avere la cittadella dentro le mura ancora abitata e pulsante! Bazar, ristoranti, abitazioni, templi che
città
l’india mi ha colpito e la sto assorbendo, pian pianino.

R N E S T O D I R E N Z O
E
N I V E R S I T À D I R O M A T O R V E R G A T A
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I A G G I A R E V I C I N O A I T E M P I D E L
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O R O N A V I R U S
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Tra cibo, culture e paesaggi rurali
C’è un luogo, poco distante da Roma, dove l’aria è più fresca, e il tempo scorre più pigramente che altrove. In
questo luogo gli uomini e la natura hanno sigillato un’alleanza: quella di convivere in armonia a vantaggio dello
stare bene e della felicità. Non quella utopistica e irraggiungibile, bensì quella semplice ed autentica, da viversi
nell’esperienza del momento. La stessa esperienza di cui scrive Goethe, confessandosi con l’amico Herder: “là
dov’io per la prima volta in vita mia, sono stato completamente felice.“
E il là di cui parla lo scrittore tedesco per situarvi il suo essere felice è un luogo che ne nclude diversi altri, di
più piccola fattezza, che ai forestieri è noto come Castelli Romani, ma che a chi li conosce e li frequenta da
vicino è più familiarmente conosciuto come Castelli.
A vederli con una inquadratura grandangolare, i Castelli non sono solo il comprensorio a oriente di Roma nel
cui territorio ricadono 17 borghi e risiedono oltre 100.000 abitanti. Non sono solo l’area geografica
corrispondente a quello che un tempo è stato un antico vulcano e nei cui ex-crateri sono oggi accolti due
piccoli laghi dalle “acque immote”.
Al contrario, i Castelli sono molte cose unite assieme: paesaggio e cultura, sono passato e presente, tradizione
e modernità che lasciano coesistere la classicità dei monumenti berniniani con la suntuosità aristocratica delle
ville Tuscolane; gli antichi resti della celebre Tusculum con le avveniristiche strutture degli istituti di ricerca; la
lussureggiante vegetazione dell’edifico vulcanico con il rustico selciato delle vie borghigiane; l’andirivieni
chiassoso dello struscio giovanile, con i composti silenzi delle sponde lacustri. Le stesse sponde dove James
Frazer ha ambientato l’incipit della monumentale opera Il ramo d’oro; dove lo scrittore russo Nikolaj Gogol ha
tratto ispirazione per le pagine del romanzo Anime morte e dove il padre della psicoanalisi Sigmund Freud ha
ricavato lo stimolo per la stesura di Totem e Tabù.

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Dalla seduzione dei luoghi ai godimenti del mangiare, i Castelli sanno essere
anche altro. Sanno essere cibo, gusto, tipicità, arte della tavola. Guardando
infatti all’interno del patrimonio gastronomico locale è possibile scorgervi
ricette e pietanze assai variegate e ad alta efficienza alimentare. patrimonio
gastronomico dove i cibi hanno attinto la loro prelibatezza dai saperi e dalle
materie prime espresse dal terroir e dove i menù hanno definito la propria
originalità strutturandosi attorno ai cicli della vita e del calendario agrario.
Battesimi, compleanni, matrimoni, natali, pasque, carnevali, feste patronali,
vendemmie, hanno rappresentano i momenti salienti della vita castellana che
hanno favorito l‘adozione di cibi e di piatti simbolicamente appropriati. Gli
stessi cibi e gli stessi piatti che la storia ha provveduto a codificare,
tramandandoli alla nostra esperienza del mangiare. Un’esperienza che il
trascorrere degli anni e i ripensamenti culturali in atto hanno permesso di
modificarsi da gusto della necessità a gusto del lusso o, se si vuole, da
semplicità a gourmandise: fritti, panpepati, pupazze, maritozzi, cellitti,
pincinelle, serpette, fragoline, trebbiani e malvasie. Ebbene tutto il “ben di
dio” che il tempo e gli uomini ci hanno tramandato, rappresenta l’arca
perduta di una riproposta gastronomica che situa alla base del suo trionfo
un’arte del cucinare capace di collegare l’antico con il moderno, l’innovazione
con la tradizione, la provocazione dell’huate cousine con l’ossequio delle
coerenze storiche del cibo. Un’arte del cucinare dove identità, località e
stagionalità costituiscono i capisaldi di un mangiare gourmet che connette il
palato con la sostenibilità, le ricette con le stagioni, gli appetiti con la salute,
secondo consuetudini sedimentatesi nella storia culinaria di ciascun paese
dell’area castellana. Un’arte del cucinare, inoltre, dove la molteplicità degli
ingredienti, la qualità delle materie prime e le proprietà nutraceutiche delle
ricette rappresentano la più attendibile garanzia per un mangiare corretto e
attento ai principi del benessere della persona. Ma non di solo cibo
sovrabbondano i Castelli. A rivelarcelo sono gli ornati paesaggi collinari che
intervallano le vigne agli alberi, l’uva alle olive e, come conseguenza
dell’agire dell’uomo, il vino all’olio. Il vino, in modo particolare. Al punto che,
fino a tempi non molto distanti, dire Castelli ha significato dire tout court vino.
E al punto che il “buon sangue della terra” ha improntato della sua essenza i
suoli, i sottosuoli, la toponomastica, l’arte, l’economia, nonché le pratiche
commerciali implicate nella preparazione e nel consumo dei mosti. Pratiche
da cui è scaturita quell’esclusiva e originale istituzione castellana nota come
“fraschette” e la cui attuale seconda vita è capace di richiamare giovani e
meno giovani alla gioia del vivere e all’allegria del bene in moderazione.
Insomma, visitare i Castelli Romani è assai più che fare una gita pittoresca
nei dintorni di Roma. Al contrario è accedere all’interno di una macchina del
tempo dove “altri” hanno già avuto l’occasione di “essere felici”. È uno
sprofondare nella storia dei luoghi dove arte, paesaggio e cultura
rappresentano le trame di un territorio dove la natura è manifesta, le
tradizioni vive e il quotidiano ancora capace di elargire momenti di autenticità
da vivere in compagnia della sua gente, del suo cibo, delle sue atmosfere e
dei suoi scorci di ruralità.

C I B O E B A L L O
TuttoBallo20
GAZPACHO
DI POMODORO E ANGURIA,
SCAMPI E MENTA
PIATTO A PASSO DI FLAMENCO
ricetta dello
chef Nunzio Spagnuolo

C I B O E B A L L O
TuttoBallo20
Un tempo praticato solo nella zona dell’Andalusia, oggi il flamenco fa
parte della cultura e della tradizione musicale dell'intera Spagna.
Questa nobile arte, che sa essere allegra e solare, ma anche
passionale o romantica e malinconica, nasce dalla seduttiva
mescolanza delle culture mediterranee tradizionali, da dure
condizioni di vita, come l’emarginazione, e dalla dolorosa
consapevolezza dell’esistenza: per questo conserva intatto un
indiscutibile fascino.
I primi cenni di quest’arte vengono fatti risalire al XVIII secolo,
periodo in cui questa danza rappresenta la purezza del sentimento e
della passione, legati ad uno stile di vita estremament libero: nasce
infatti come canto senza musica, che sarà aggiunta solo in seguito.
Verso la metà dell’Ottocento infatti il musicista gitano El Fillo porta
alla ribalta il Flamenco cantando e musicando le gesta dell’eroico
torero Paquito. Nasce così l’epoca d’oro del Flamenco, che si amplia,
fino a contenere – a tutt’oggi – ben 40 ritmi diversi. Da allora i gitani
iniziarono ad esibirsi nei locali di tutta la Spagna. All’inizio del
Novecento, il Flamenco approda finalmente anche a teatro e viene
esportato in tutto il mondo. In Spagna ci sono tanti locali in cui è
possibile apprezzare questa danza mentre si cena mangiando un
piatto intrigante accompagnato da un ottimo drink. Ad esempio il
gazpacho andaluso, uno di quei piatti freddi estivi che fanno subito
venire in mente la Spagna. Si tratta di una zuppa fredda originaria
proprio dell’Andalusia che, grazie al turismo di massa, ha
oltrepassato la fama regionale e superato i confini nazionali. Il
gazpacho conta molteplici varianti, tra queste c'è quella dello
chef Nunzio Spagnuolo - patron delle cucine del ristorante "Rada" di
Positano - che lo ha italianizzato attraverso l'utilizzo dei pomodori
datterini del Vesuvio. Ecco la ricetta!
Un Flamenco
Gazpacho di pomodoro e anguria, scampi e menta
Ingredienti per 4 persone
12 scampi seconda misura
10O gr di anguria
200 gr di pomodori datterini
Sale, pepe e olio evo q. b.
4 foglie di menta
Procedimento
Tagliare anguria e pomodori e fare un centrifugato.
Pulire e tagliare gli scampi (a modo di tartare) a parte.
Condirli con olio, sale e pepe Adagiare sul fondo del
piatto il succo di pomodoro e anguria, poi la tartare di
scampi, e decorare con anguria e menta.
chef Nunzio Spagnuolo

C O C K T A I L E B A L L O
TuttoBallo20
Mai Tai
storia di un cocktail della "Tiki culture"
Se fatto bene, il Mai-Tai è il cocktail perfetto dell’estate.
Insieme a grandi classici come Margarita, Zombie, Daiquiri, Pina
Colada, Mojito. Per molti appassionati di cocktail e professionisti
del settore e’ il drink biglietto da visita nei cocktail bar tiki.
Espressione poco conosciuta nella nostra cultura odierna, però
comunemente definita come “tiki culture” la quale alla base vede
un tema di servizio di drink esotici elaborati dall’idea romantica e
primitiva della cultura polynesiana.
Gli interni ed esterni dei bar sono addobbati di statue
rappresentanti le divinità tiki, tetti e rifiniture di bamboo, piante
esotiche, pietre laviche, alberi di palma, murales a tema tipico di
decorazione del sud del pacifico e ovviamente le “hula-girls” ad
intrattenere il pubblico con spettacoli dal vivo e servizio
impeccabile.
Il tiki bar, e’ stato fondato da Ernest Gantt, conosciuto come “don
beach” storico di tiki e fondatore del “don the beachcomber” a Los
Angeles nel 1933.
Altro padre fondatore per il suo tiki bar fu Victor Bergeron,
conosciuto come “trader vic” e inventore, nel 1944 al trader vic’s
del mai-tai.
Entrambi ci hanno lasciato una eredità così complessa, ancora
oggi con sfumature poco chiare ad alcuni, sulla ricetta originale,
tuttora mal interpretata. Nel 1944, mentre trader vic si trovava
nel suo locale al lavoro, decise di preparare un drink per due suoi
amici di Tahiti. Si trovò sotto banco una bottiglia di rum j. wray
& nephew 17 anni. Combinò quest’ultimo con dello sciroppo di
zucchero, orzata (mandorle), orange curacao e il succo di un
lime.
Il risultato fu incredibile, in quanto una delle clienti esclamò
“maita’i roe a’e” che in lingua tahitiana significa; fuori da questo
mondo, il meglio! Da lì, nacque il cocktail leggendario ancora oggi,
ciò che crea complessità e stimolo, nel creare questo drink tra i
baristi, è nella miscela di varietà di rum, esaltata dagli ingredienti
sopracitati, dando vita a un drink dal gusto, floreale e anche un
po' marcato per i più temerari.
di Danilo Pentivolpe
Bevi con prudenza

pettiniamo trucchiamo come se non ci fosse
accessoriamo
domani?! Questi per me gli insegnamenti di questa
un
- viviamo con stile oggi, ché del doman non v’è certezza – e
tute, mai più, nemmeno in palestra. Basta un semplice
le
come questo di Oysho .
legging,
of life, da ciascuna secondo il suo portafoglio. Sono
way
iniziati i saldi, nessunasi tiri indietro!
anche
sole catene che io possa sopportare: le catene per
Le
occhiali. Fino a ieri facevano molto vice preside,
gli
automaticamente a chi le portasse
conferendo
di irrimediabile zitellaggine. Oggi sono
un’aura
propone già in passerella insieme a occhiali da
le
dalle montature magniloquenti. 300 € le catene
sole
resina coordinate ai vari modelli di occhiale da
in
su gucci.com. Per uno stile più understated ma
sole
di carattere, le catene glam della griffe
sempre
Rafida Bijoux. Per un twist meno milanese
capitolina
più ibizenco, di gran voga le collane etniche in
e
di vetro, legno o cristalli, da abbinare a
perline
tipo di occhiale, ma che io vedo al top con
qualsiasi
classico RayBan Wayfarer. Guardate quelle di
un
Deny Jewelry, online o in vendita da Anais a
Victoria
Formentera
M O D A E B A L L O
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di Angela De Vito
ACCESSORI… O NECESSARI?
I MAGNIFICI 4 ACQUISTI
DA NON PERDERE PRIMA DI
FERRAGOSTO!!!
è arrivata l’ora di scendere in spiaggia! Che
Donne,
dopo 4 mesi di “reclusione”, non ci abbigliamo
facciamo,
esperienza:
se non compriamo, l’economia si ferma. Facciamo un
-
di altruismo, aggiungerei a ciascuna secondo la sua
gesto
E soprattutto, divertiamoci!
a dignità di vero accessorio.
assurte
pensare alle catene massimaliste di Gucci, che
Basti

da avvolgere attorno alla caviglia e al polpaccio – li
lacci
cadono sempre o ti fanno diventare le gambe blu
odio,
stringi… sempre che tu abbia delle gambe adatte a
se
quindi perfette quindi… addio – adottiamo
indossarli,
una versione più easy, con i lacci fino alla
quest’anno
Mettiamoci anche una nappina, come fa l’Autre
caviglia.
con il sandaletto nudo rosso. O Red di Valentino
Chose
sua proposta in nero.
nella
borse di paglia. Non solo da spiaggia, sono la
Le
updated delle shopper da città. Viste
versione
in inverno, pre Covid, al braccio di qualche
addirittura
che ha ben ricordato la lezione di Jane Birkin –
furbona
vediamo i cestini declinati in ogni misura e con
Oggi
tipo di finitura: Celine e Prada accostano la paglia
ogni
cuoio marrone in secchielli pratici da portare a
al
Fendi propone una shopper con maxi logo;
tracolla;
e Yves Saint Laurent le propongono anche in
Gucci
borsetta a mano. Ce n’è per tutti i gusti e tutte
versione
tasche, con accenti più o meno urbani. Io perdo la
le
per Le Petit Baci di Jacquemus, perché va bene la
testa
microborse. La malattia delle borse – sotto gli occhi o nell’armadio – si
Le
è incurabile. Adoro la soluzione dei designer per farci sentire meno in
sa,
anni ’70, adorniamocene come di un bracciale come da Dolce
degli
o portiamone due/tre a tracolla, come suggerisce Tory Burch per
&Gabbana
sue coloratissime Miller Nano o Tod’s. una o più al polso o a bandoliera
le
rigorosamente nei colori dei gelati!!!! E nessuno più vi dirà “amore, mi
ma
canto mio, è indecoroso uscire con un cappello più piccolo di un ombrellone e non metto
Dal
sui capelli, io indosso turbanti. Non darei mai consigli di moda “universali”, neanche
fasce
li da’; ciascuna ha il suo fisico i suoi gusti, le sue abitudini e non esistono leggi. Il bello
Armani
donne è la varietà: però col piffero che scrivo di scarpe a punta quadrata o maxi blazer,
delle
aborro con il disgusto che può avere soltanto chi simili orrori l ha già indossati. Ma magari
che
voi piacciono, e allora metteteli!!!
a
M O D A E B A L L O
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Hermes dedicò nell’84 l’omonima celeberrima borsa,
cui
di toglierle il canestrello di mano!
pur
naturalezza, ma per me fa un po’ troppo fienile. E poi:
“Troppo buon gusto può essere noioso” (Diana Vreeland)
sandali alla schiava. ANCORAAAA?
I
ancora. Magari, invece della versione più classica con
Sì,
le hanno fatte piccole, ma talmente piccole da sembrare dei
colpa:
Evitare please di portarle a mano come le massaie dei paesi
portaspicci.
tieni le chiavi/le sigarette/gli occhiali nella tua borsa?”
La moda non esiste solo negli abiti. La moda è nel cielo, nella strada. La
moda ha a che fare con le idee, con il nostro modo di vivere, con quello
che succede. (Coco Chanel)

M O D A E B A L L O
TuttoBallo20
Lecce, Dior Cruise 2021.
La maison francese ha investito a vario titolo 5 milioni di euro nella città di
Lecce e nel Salento per presentare la sua collezione Cruise Collectionan 2021
sulla passerella illuminat a festa di piazza Duomo

mitici anni 80 Fiordaliso cantava “non voglio
Nei
la luna” interpretando il brano in una
mica
testa riccia e voluminosa, sì è vero torna
fantastica
a gran voce il capello riccio!!!
prepotentemente
teste sono tornite da boccoli sinuosi e naturali
Le
la parola di quest’estate è mosso natural.
perché
teste in questo momento stanno ritrovando la
Le
naturalezza avvolte da riccioli creati
loro
dalle sapienti mani dei bravi
appositamente
per rendere la donna ancora più
parrucchieri
e unica , image1.jpegattenzione però no
frizzante
riccio afro o a “pecorella” ( quello lasciamolo a
al
non sa usare certe prodotti e misure...) ma si a
chi
sinuose e riccioli naturali. Avete notato che
onde
questo momento storico soprattutto con l’arrivo
in
caldo siamo tornati ai mitici anni 80?
del
chiome ricercate tipo trecce ma
da
daonde fluenti?
anche
iniziate ad asciugare le vostre teste con
Quindi
prodotti per lo styling che ridaranno la
diffusori,
naturalezza alla vostra chioma e non
giusta
di proteggere quello che è per
dimentichiamoci
fondamentale: la salute del capello !
noi
dal caldo , dalla salsedine, dal
proteggiamoci
OLI protettivi,
con
maschere che attenueranno gli
Shampoo,
erosivi da essi.
attacchi
è il momento di proteggere! La moltitudine di
Ora
presenti nel mercato per del settore
aziende
mettono a nostra disposizione
dell’haire-care
sempre più performanti con all’interno
prodotti
estratti vegetali , acido ialuronico per
aminoacidi,
mentre proteggono, ebbene sì avete
ristrutturare
bene “ l’acido jaluronico “ ; esso serve non
letto
per la pelle ma anche per i capelli dandogli
solo
forza e vitalità nuova , dal capello dei bambini
una
quello più stressato decolorato e torturato!
a
scegliete sempre un prodotto che dia una
Quindi
garanzia sia per marca che per qualità
certa
altrimenti ci ritroveremo al ritorno
all’interno,
ferie a ricolorare o nei peggiori casi tagliare
delle
nostra bellissima chioma che avrà acquistato un
la
e una secchezza terribile al tatto e alla
colore
. visione
H A I R E B A L L O
TuttoBallo20
di Ernesto Biagetti
Capelli estate 2020: le star li portano al naturale
Stampe, collane, orecchini , jeans ,gonne e vestiti
ma sempre
cloro e soprattutto dal SOLE

M A K E - U P E B A L L O
TuttoBallo20
Come essere perfette anche a
ferragosto, i 10 consigli di
Mauri Menga
Tonalità brune e labbra traslucide, guance pesca e sguardo profondo e intenso… a metà
stagione, ecco a voi un make-up pensato per donare alla pelle toni caldi e riflessi di
velluto, e fare in modo che la luce d' estate continui a brillare sul vostro viso.
Sono moltissime le donne che in estate amano mantenere un look perfetto; possiamo
dare qualche suggerimento per donare al viso un incarnato bronzeo , armonizzando nel
giusto modo le tonalità del trucco scelto per gli occhi, e per la bocca e zigomi: l'accordo
delle nuance di questi tre elementi è fondamentale senza un adeguato equilibrio,infatti, il
risultato sarebbe troppo scuro e indurirebbe,invecchiandovi, i lineamenti. In questa
proposta di make-up troverete dei semplici suggerimenti per ottenere il risultato sperato
con la massima facilità. Una sola raccomandazione: nel caso utilizziate un fondotinta,
esso non deve essere mai più scuro del colore del vostro incarnato, proprio per evitare
demarcazioni tra viso e décolleté

M A K E - U P E B A L L O
TuttoBallo20
con l'aiuto di una spugnetta o un pennello per fondotinta,
applicheremo il fondotinta miscelato a un pò di crema idratante
per renderlo più emolliente e fluido , inoltre il fondotinta, unito
alla crema idratante, avrà un effetto più trasparente.
con l'aiuto di un pennellino e un correttore per le occhiaie andate
dove cade l'ombra scura dell’ occhio; in questo modo si creerà
un effetto luce che farà scomparire l'ombreggiatura scura.
con un Fard scuro o una Terra andate a delineare lo zigomo
partendo dalla fine dell’ occhio verso l' attaccatura dei capelli;
sopra lo zigomo potete utilizzare un altro Fard o un illuminate
color pesca o dorato.
le sopracciglia delineate esprimono sempre sensazione di cura
e sofisticazione; nel caso, potete utilizzare o una matita o un
ombretto adatto per sopracciglia per riempire gli spazi mancanti
o per renderle più delineate
Utilizzate un ombretto di tonalità pesca, oro, arancio, bronzo,
rame... Comunque tonalità calde o a vostro piacimento, che
andrete ad applicare sulla parte mobile dell’ occhio; l'aiuto
di un pennellino sarà utilissimo, se inumidito con un pò di
acqua, poiché resisterà più a lungo sulla vostra palpebra
mobile.
Con un ombretto marrone andrete a delineare l'incavo della palpebra
Con un eyeliner andremo a delineare occhio, e saremo noi a
deciderne lo spessore in base al nostro occhio
Utilizzeremo un kejal dentro l'occhio per dargli profondità,
creando uno sguardo profondo e intenso
Un buon mascara sicuramente sarà indispensabile per completare
il look del vostro occhio
Per la bocca potremo utilizzare o un lucida labbra colorato
oppure un rossetto sempre in abbinamento ai colori scelti per
i vostri occhi e zigomi

B E L L E Z Z A E B A L L O
TuttoBallo20
Come esaltare la bellezza mediterranea
Punto di forza di ogni donna è sentirsi bella
ogni giorno. La bellezza, non solo accresce la
propria autostima, ma è l’unico modo per
trasmettere armonia, fascino ed eleganza per
stare meglio anche con gli altri!
La particolare bellezza, delle donne
mediterranee, naturale e sublime, come il mare
ed il sole che le circonda, si è contraddistinta da
sempre. Quindi si parla di “Fenotipo
Mediterraneo”, che, generalmente ci fa
pensare ai classici tratti somatici dei popoli
“scuri di pigmentazione”.
Una carnagione scura, occhi e capelli scuri sono
le caratteristiche che più distinguono una
donna mediterranea, quindi, il primo
accorgimento per avere un make-up a regola
d’arte è utilizzare un fondotinta adatto al nostro
tipo di pelle, ispirandosi magari ai colori della
terra ed il mare. Per gli occhi invece, un
mascara nero ed un ombretto dalla tonalità
scura come le caldi notti d’estate, il marrone ed
il grigio come gli strapiombi affaccianti sul mare.
di Alessia Pentivolpe
E non bisogna trascurare un gloss naturale per
le labbra avvalendosi di un rossetto rosa,
oppure, rosso.
Per un look mediterraneo completo bisogna
anche scegliere la giusta pettinatura che più si
intoni al vostro viso.
Se avete i capelli lunghi lasciateli sciolti, in
quanto una chioma liscia e fluente che cade
sulle spalle doni femminilità e seduzione.
Con l’esplodere dell’estate optate per un taglio
scalato per renderli più voluminosi, senza
cambiare il vostro colore naturale, oppure
tenerli semi raccolti, una coda alta, una treccia,
uno chignon, o raccolti di lato, magari
aggiungendo qualche accessorio per rendere il
proprio look più allegro, colorato e
caratteristico.
Non dimenticate di indossare l’accessorio più
bello, il sorriso!
Completa e migliora il segreto della bellezza.
Modella: Ilaria Pentivolpe
Make-up: Alessia Pentivolpe

O R O S C O P O E B A L L O
TuttoBallo20
Astrodancer Agosto 2020
Amore
Le stelle vi regalano luce e calore a piene mani; trascorrerete giornate con toni assolutamente
vincenti. Se siete felicemente in coppia, vi sentirete sempre su di giri: sarete insolitamente espansivi
e saprete comunicare al partner tutto l'ardore dei sentimenti, senza bisogno di parlare.
Lavoro
L'entusiasmo, con cui affronterete gli impegni lavorativi, sarà sempre determinante in qualunque
attività professionale voi operiate . Avete tutte le carte giuste per vincere ogni partita, anche la più
difficile. Non mancheranno quindi le occasioni per mettervi in luce.
Amore
C'è tanta energia nell'aria e per questo farete un sereno esame di coscienza: esaminerete il vostro
comportamento nei rapporti col partner in particolare. E riconoscerete di aver peccato di
egocentrismo; ed è proprio per questo che ci sono alcune difficoltà da superare.
Lavoro
Fatevi valere, reclamate maggior visibilità operativa. Mettete in atto scrupolose strategie protettive.
Se avete una professione autonoma: qualcuno sta cercando di intralciare i vostri progetti o di
allontanare la stima di chi
conta.
Amore
Non dormite sugli allori. Dovete prendere saldamente in pugno la situazione e agire in prima
persona. Se avete una bella storia in corso e ci tenete a rendere felice il partner, non accontentatevi
della stabilità, portate una ventata di freschezza nella vostra relazione di coppia.
Lavoro
I pianeti sono favorevoli soprattutto sul piano della capacità di elaborare progetti, di prendere
iniziative e di farvi avanti. Avrete anche energie eccellenti, che vi torneranno comode nei momenti
di maggior attività. Saprete prendere decisioni rapide ed improvvise: vi basterà un'occhiata per
afferrare al volo tutto.
Amore
Il periodo risulta caldissimo, per quanto vi riguarda. Le Stelle garantiscono ottime cose. Giornate
eccellenti si profilano per chi è innamorato e felicemente ricambiato: l'accordo col partner sarà
quanto di meglio abbiate mai desiderato. Stare con la persona amata sarà una necessità fisica.
Lavoro
Periodo un po’ critico a causa del vostro temperamento eccessivamente reattivo, che potrebbe
provocare difficoltà, in particolare se avete un'attività autonoma o lavorate in squadra con altri.
Anche la distrazione potrebbe creare qualche problema. La situazione è lievemente migliore per chi
opera alle dipendenze altrui.
Amore
Sarete irrequieti, alla ricerca di qualche cosa. Vorrete stimoli nuovi e sentirete il cuore che accelera i
suoi battiti. Il rapporto di coppia, per quanto felice sia, in certi momenti vi fa sentire intrappolati,
senza vie d'uscita. Flirt e avventure erotiche sono dietro l’angolo.
Lavoro
Siete solerti, entusiasti e pronti ad impegnarvi fino all'ultimo e i risultati non mancheranno! Con
tutte le forze che vi ritrovate vi getterete nel lavoro senza risparmiarvi. Premete pure sul pedale
dell'acceleratore del successo, se avete un'attività o un progetto importante

O R O S C O P O E B A L L O
TuttoBallo20
Amore
Per tutto il mese non avrete occhi che per la persona amata e non riuscirete a pensare ad altro che al
partner! Non sottovalutate l’occasione di preparare un bel viaggio felice . Questo periodo porterà
fortuna anche ai single, che potranno fare incontri avvincenti.
Lavoro
Lavorerete molto e vi impegnerete allo stremo delle forze, ma non sarete contenti dei risultati. A
volte, si rivelano deludenti. Del resto, questo è un periodo non facile: qualche intoppo ci può stare.
Comunque i risultati che otterrete saranno migliori di quelli sperati.
Amore
Vi sentirete bene, perché tutto andrà per il verso giusto, avrete la netta percezione che la vita
sentimentale poggi su basi solidissime, tanto che nessuno potrà sottrarvela! Sarà molto piacevole
potersi sentire assolutamente sicuri, sia del partner, sia dell'intensità del legame.
Lavoro
Periodo positivo per tutti coloro che hanno un'attività impiegatizia o che lavorano alle dipendenze
altrui: la vostra capacità di programmare e di sistemare tutto vi renderà pressoché indispensabili.
Sarà la vostra affidabilità ad essere notata e tenuta in considerazione.
Amore
Non prestate orecchio ai pettegolezzi e non badate a certe osservazioni che altri potrebbero fare sul
partner o sulla vostra vita affettiva; nella maggior parte dei casi si tratterà di chiacchiere inutili
dettate dall'invidia o dal gusto di seminare malcontento. Piuttosto dedicate più tempo al partner
Lavoro
Non è un gran periodo, le tensioni e le difficoltà non mancheranno. Se avete un'attività autonoma,
dovrete misurare bene le vostre forze per evitare di imbarcarvi in imprese più grandi di voi che, alla
fine, potrebbero mettervi in difficoltà. Se operate alle dipendenze altrui, ci saranno novità
interessanti.
Amore
Non è certo un periodo tranquillo, per l’opposizione di Venere che porta gelosie e imprevisti affettivi
di ogni genere, tanto da avere la sensazione di correre sulle montagne russe e di alternare momenti
di grande esaltazione ad altri di tristezza! Tutto passerà.
Lavoro
Organizzatevi, applicatevi al massimo, non fatevi coinvolgere in affari discutibili, agite e parlate con
prudenza. Occorrerà tenere alta la guardia ed evitare di concedere fiducia un po' troppo facilmente
o compiere imprese con superficialità
Amore
Senza dubbio alcuno, l'amore sarà una cosa meravigliosa . La dimensione affettiva sarà al centro
della vostra attenzione, in cima a tutti i vostri pensieri! Fidanzatevi e sposatevi. Per i single tutto sarà
assolutamente perfetto, così come avete sempre desiderato nelle vostre fantasie ad occhi aperti.
Lavoro
E' un periodo intenso, ricco di belle occasioni e proposte positive. Idee e progetti non vi
mancheranno, anzi, per certi versi sarete una vera e propria sorgente sempre in fermento per
produrre qualcosa di nuovo; tuttavia non illudevi di non avere nessun ostacolo da affrontare, perché
non sarà così.
Amore
L'amore per voi sarà importante e, se sarete appagati sentimentalmente, troverete anche le energie
per affrontare tutti gli altri aspetti della vita. Tutto andrà esattamente come avevate desiderato.
Ottimo per Voi
Lavoro
Riuscirete ad avere sempre una visione globale e positiva dei problemi o delle varie situazioni.
E potrete, individuare immediatamente gli ostacoli, siano essi creati da persone o da fatti
contingenti. Il vostro intuito e la vostra sensibilità vi aiuterà.
Amore
Vi attendono momenti di grande intensità sotto il profilo affettivo, ma soprattutto erotico. La fase è
magnifica per chi è stabilmente in coppia, grazie alla sensualità scatenata, che vi accompagnerà e
che porterà alle stelle la risposta erotica di coppia.
Lavoro
Sarete molto ambiziosi e vorrete crescere, ma tra ciò che si desidera e ciò che si può ottenere, c'è
sempre una bella differenza e bisogna, pianificare sempre attentamente le proprie mosse per non
commettere errori e andare sul sicuro.

TuttoBallo20
Pensiero del mese
DI FRANCESCA MEUCCI - DIRETTRICE DI SOLOMENTE
WWW.SOLOMENTE.IT
È A g o s t o . D i s o l i t o l o t r a s c o r r o n e l l a m i a c a s a
d i c a m p a g n a i n U m b r i a . E i l p r i m o d e l m e s e
o r g a n i z z o c o n g l i a m i c i l a ' F e s t a d ' e s t a t e ' ,
o g n u n o p o r t a q u a l c o s a d a c o n d i v i d e r e , s i
m a n g i a , s i b e v e , s i c a n t a e , s o p r a t t u t t o , s i b a l l a .
O v v i a m e n t e i l p r i m o a g o s t o 2 0 2 0 n o n c i s a r à
n e s s u n f e s t e g g i a m e n t o . È u n p e c c a t o p e r t u t t i
n o i , g r a n d i e p i c c i n i , c h e c i d i v e r t i a m o t a n t o a
p r e p a r a r e d e c o r a z i o n i , t a v o l i , i l l u m i n a z i o n e e
p l a y l i s t . . .
O g n i v o l t a s c e g l i a m o u n c o l o r e o u n t e m a
d i v e r s o . C ' è s t a t o i l b l a c k & w h i t e , i l r o s s o , i
p o i s . E t u t t i g l i i n v i t a t i d e v o n o s e g u i r e i l d r e s s
c o d e , o v v e r o i n d o s s a r e q u a l c o s a c h e r i c o r d i i l
t e m a s c e l t o .
L a f e s t a n o n h a l i m i t i d i e t à , e d i s o l i t o t u t t i i
p a r t e c i p a n t i ( c h e h a n n o d a 0 a o l t r e 8 0 a n n i ) s i
s c a t e n a n o i n c o r i , d a n z e e p e r f o r m a n c e v a r i e .
N o n m a n c a n o m a i a m i c i a r t i s t i c h e m e t t o n o a
d i s p o s i z i o n e i l o r o t a l e n t i .
C e r t o , q u e s t ' a n n o s a r à u n a r i c o r r e n z a t r i s t e m a
c i t e r r a n n o c o m p a g n i a i r i c o r d i e c i
c a r i c h e r e m o d i e n e r g i a p e r o r g a n i z z a r e
l ' e d i z i o n e 2 0 2 1 , c h e s a r à s i c u r a m e n t e u n a s e r a t a
m a g i c a e d e m o z i o n a n t e , d a v i v e r e i n s i e m e c o n
m a g g i o r e e n t u s i a s m o .
U n a f e s t a c o s ì è u n i n n o a l l a c o n d i v i s i o n e , d o v e
o g n u n o c o n t r i b u i s c e c o n q u e l l o c h e p u ò , d o v e
l ' i m p o r t a n t e è d i v e r t i r s i i n a r m o n i a , d o v e l a
m u s i c a è l a v e r a p r o t a g o n i s t a p e r c a n t a r e e
b a l l a r e , b a l l a r e , b a l l a r e . . .
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Un modo nuovo di vivere la natura
TuttoBallo20
Natusumba©
è la vita nel benessere
sia fisico che mentale
un insieme di coreografie
e meditazione per
l'armonia psico-fisica
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F R E E P R E S S O N L I N E n o n r e g i s t r a t a D I R E T T A D A F A B R I Z I O S I L V E S T R I - S E G R E T E R I A D I R E D A Z I O N E P I N A D E L L E S I T E - T U T T O B A L L O 2 0 @ G M A I L . C O M - e d i z i o n e " S t e f a n o F r a n c i a E n j o y A r t "
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