1910-2010. Un secolo d'arte a Pistoia

Daniel Buren
Boulogne-Billancourt, Parigi, 1938; vive a Parigi
Ha studiato a Parigi. Lavora sempre, come dice, “in situ”, cioè secondo situazioni
e luoghi diversi, in rapporto alla sua intenzionalità rivolta all’analisi critica delle
strutture della società (quelle soprattutto coinvolte nel sistema borghese dell’arte,
secondo il suo intento di carattere socio-politico). Ha ridotto la sua tecnica
artistica a un minimalismo assoluto, tendendo ad interventi “anonimi” (e comunque
riconoscibilissimi, righe verticali parallele, in bianco e un colore su stoffa da
tende, tecnica che ha esteso anche ai suoi lavori a parete, interni ed esterni, come
nella Biennale del 1986). Dal 1980 lavora realizzando installazioni architettoniche
permanenti in spazi pubblici perché per lui l’architettura vuol dire “contesto
sociale, politico, economico” ed è supporto di qualsiasi opera, che ne qualifica o
ne accentua le qualità (Una ragnatela, Samanedizioni, Genova 1975). Per citarne
qualcuna, ad esempio, in una piazza di Lione, appesantita da una grande fontana
di carattere tardo-barocco, ha creato un ambiente vitale e attuale, spartendo in
quadrati la piazza, facendo uscire dal centro di ogni quadrato uno zampillo che di
notte si illumina e si colora, disponendo le sue “righe” lungo le pareti degli edifici,
modificando la qualità architettonica del luogo, trasformandolo in una zona di
sosta, di gioco per bambini e animali, percorso, comunque, come luogo pubblico.
Ha anche realizzato l’installazione Les deux plateaux presso il Palais Royal a Parigi.
Ha sempre cercato di rivelare i rapporti tra l’opera d’arte e l’ambiente, dal museo,
alla galleria, alla città. “L’opera, l’oggetto artistico” ha scritto “non esiste e non
può esser vista in funzione del Museo/Galleria che la contiene, Museo/Galleria
in vista dei quali è stata fatta e alla quale tuttavia non si presta nessuna attenzione
particolare […] Fuori di questo contesto, preteso neutro perché non ci si pensa,
(contesto) fuori tempo, fuori limiti, sia pure considerato puro e neutro (l’oggetto
d’arte) si affossa” (Limites critiques, Parigi 1970). Nel ’71 realizzava perciò una delle
sue più straordinarie installazioni nel Museo Guggenhein, a New York, spaccandone
praticamente lo spazio architettonico, tagliandolo, verticalmente, con
una sua enorme tela a righe verticali, una sorta di grande vessillo inteso a gridare
la sua idea di libertà. “Solo la conoscenza di questi quadri/limiti successivi e la
loro importanza può permettere all’opera/prodotto, così come noi la conosciamo,
di porsi in rapporto con questi limiti, e di seguito, svelarli”. “L’arte” aggiungeva
“qualunque cosa sia, è esclusivamente politica, Si impone dunque l’ analisi dei
diritti formali e culturali (e non l’ uno o l’ altro) all’interno dei quali l’arte esiste e
si agita. Questi limiti sono molteplici e di intensità diverse. Benché l’ideologia sia
dominante e gli artisti uniti insieme tentino in ogni modo di camuffarli, e benché
sia troppo presto per farli saltare – non concordando le condizioni, è giunto il
momento di svelarli... Una galleria non è solo sala espositiva, ma luogo di contrattazione
economica” (Una ragnatela, cit).
334 335