SUONO n° 540

N. XXX
Editoriale
di Paolo Corciulo
Anche i coccodrilli piangono
Nel suo editoriale pubblicato da “La Repubblica” il 18 novembre
di quest’anno, Eugenio Scalfari affronta l’argomento dei valori
e degli ideali (e di come essi mutino in virtù delle prospettive)
dalla prospettiva che gli è oggi più consona, quella di un vecchio
saggio che sa bene come distinguere quelli più fallaci da quelli
duraturi. Tra questi ultimi, un po’ a sorpresa, trova ampio spazio
la musica: ascoltando ad esempio la Sonata a Kreutzer (musica di
Beethoven, testo di Tolstoj) Scalfari afferma che “...non ci sono
sentimenti più commoventi che mi sono capitati di riascoltare
e rileggere”. Più avanti Scalfari ricorda anche come a lui, uno
che piange di rado, questo sia accaduto per un perfetto estraneo
alla notizia della morte di Louis Armstrong...
La musica è il vero valore
che ci aiuta a campare,
afferma in sostanza Eugenio
Scalfari, e molti come
noi, spero tutti quelli che
leggono questa rivista,
possono comprendere
come questo sia vero e
condividerlo. Il potere
evocativo della musica,
non a caso Scalfari continua
il suo editoriale parlando
della melanconia, è
una forza potentissima,
un valore che può manifestarsi
tanto in ambito
pubblico quanto nel proprio
privato.
Quelle sette note e i mille
modi di metterle insieme
potrebbero essere il collante
per edificare uno
splendido percorso intimo
e personale, plasmato
nel tempo dalle proprie
esperienze, dalle conoscenze e le emozioni; un ritratto di noi
attraverso la nostra musica e il percorso con cui la proponiamo,
condivisibile con gli altri.
Eppure, quella musica, quel percorso, quell’edificio, alcuni di
noi lo bistrattano ogni giorno rendendolo subalterno all’ultima
trovata tecnologica ideata dagli uffici marketing e riproposta
pedissequamente da certa stampa ossequiosa; quel portato culturale
lo umiliamo rendendolo onanistica reiterazione (il cannone
di Ouverture 1812) giustificata da un fine, scegliere il modo più
perfetto di riproporlo, che confonde il ruolo del fine stesso e del
mezzo per raggiungerlo. Spesso non cogliamo le opportunità di
apparecchi che dovrebbero moltiplicare l’effetto di quel potere
evocativo, relegando macchine meravigliose a pure icone del
nostro approccio affetto da nozionismo tecnologico, rendendole
strumenti intercambiabili o, al contrario, cambiati parossisticamente
sempre in ossequio di un approccio distorto: qual è il
mezzo e quale il fine? Non sorprende che così facendo si allontani
la gente, i cittadini (visto che il termine è assai in voga di questi
tempi), insomma quelle persone fatte di carne, sangue e anima,
a cui preferiamo gli zombie, le anime in pena che non trovano
pace né potranno trovarla, che cercano Godot ma se lo incontrano,
insoddisfatti, ripartono con un altro Godot. E così da felice koinè,
ruolo a cui la musica è destinata almeno secondo Pietro Ingrao
(altro grande vecchio che lo raccontò a una rivista che dirigevo
in un’altra vita), ci siamo ridotti a un piccolo enclave rinchiuso o
prigioniero, nessuno lo sa, in un castello che ha forse le sembianze
di una reggia ma di cui
percepisco maggiormente
il freddo delle mura, alte e
irsute così come le abbiamo
edificate.
In una quotidianità dove
molte ore sono dedicate
all’Hi-Fi (perché finito il
lavoro magari un po’ di
musica continuo a “spararmela”)
mi sento mio
malgrado sempre più
simile a Hiroo Onoda, il
militare giapponese ritrovato
nella giungla filippina
dopo quasi 30 anni dalla
fine della seconda guerra
mondiale ma ancora convinto
che il conflitto non
fosse finito! Da altezzosi
depositari di una verità
che non riusciamo a trasmettere,
non riusciamo
a cogliere le occasioni che
numerose fioriscono attorno
a noi e dove la musica è ormai la colonna sonora della vita,
anche se in forme diverse da quelle in cui idealmente l’abbiamo
incanalata. Dobbiamo assolutamente farlo...
Così, complice il tempo libero che il Natale e il fine anno ci metteranno
a disposizione, il mio augurio a tutti voi è che possiate
dedicarne parte alla musica; quella che aiuta a campare, quella
che da koinè può trasmette un messaggio universale ai vostri cari.
E poi questo numero di SUONO è l’ultimo numero dell’anno e
precede l’arrivo del 2020 (doppio due e doppio zero, interessante
per la cabala e per di più bisestile). Per primo arriverà l’ANNUA-
RIO poi il SUONO del nuovo anno, ricco delle buone intenzioni
e della consapevolezza delle difficoltà di questo mercato, da
arginare, da superare...
Che sia un buon anno per tutti noi!
SUONO dicembre 2019 3

Sommario
N. 540
DICEMBRE 2019
EDITORIALE di Paolo Corciulo
Anche i coccodrilli piangono? Pare di si ma non sposta la
questione: la musica pervade la società, l’Hi-Fi si avvita in
una nicchia. Propositi per un nuovo anno....
3
ANTENNA Prodotti, News, Storie
Scouting tra le proposte del mercato: in un mare di offerta
occorre orientarsi con una bussola!
6
SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO
INSIDE DENTRO LA MUSICA
IN PROVA
GIRADISCHI
Pro-Ject
The Classic Evo
a cura della redazione
42
SCOUTING: BRUNO PUTZEYS
Il nuovo che avanza secondo Bruno
di Paolo Corciulo
“L’audio non dovrebbe essere considerato un’arte;
fare musica lo è mentre portare la musica dal CD
all’ascoltatore è solo un compito. Non dovrebbe
essere questo il punto dell’alta fedeltà?”
Parola di Bruno Putzey enfant prodige del
digitale. Giovane, molto tecnico, molto
innovativo, è il protagonista della seconda
puntata del nostro scouting sui
personaggi che hanno cambiato o
possono cambiare l’alta fedeltà.20
SUL CAMPO
UNITÀ PHONO
Audio Consulting
Silver Rock
di Paolo Corciulo
46
I BRACCI DI FIDELITY RESEARCH
Il mondo magico di Ikeda San
di Roberto Salafia
In questo “nuovo mondo” di mp3, smartphone,
globalizzazione e ascolto in cuffia, l’analogista
convinto non può che rifugiarsi nel passato…
E cosa può esserci di più classico di una ditta che
ha costruito bracci analogici tra i più ricercati per il
loro buon suono come la Fidelity Research?
24
IN PROVA
CONVERTITORE
Vincent DAC-7
a cura della redazione
50
IN PROVA
AMPLIFICATORE
INTEGRATO
Carot One Ernestolone Phono
a cura della redazione
54
MATTEO MACCHIONI
Una, nessuna, centomila
di Francesco Bonerba
Sono le voci di Matteo Macchioni, giovane
tenore italiano che da quasi dieci anni interpreta
i personaggi delle più celebri opere liriche, da
Ernesto del Don Pasquale al Conte di Almaviva
de Il Barbiere di Siviglia, da Don Ramiro in La
Cenerentola a Don Ottavio nel Don Giovanni.
Una carriera in divenire tra Italia e l’estero fatta di
passione, sacrifici, soddisfazioni e l’Opera,
raccontata da un punto di vista inedito. Ci
ha raccontato questo e molto altro.28

VISITA ALLA PMC
Cantano più degli uccellini
di Paolo Corciulo
Holme Court, Biggleswade SG18 9ST, United Kingdom:
l’indirizzo si riferisce al paese di Biggleswade
(15.383 abitanti) nella contea di Bedfordshire, a
poco più di 30 km di distanza dall’aeroporto di
Luton e a circa 60 da Londra. Nei dintorni della
cittadina, nella campagna circostante, preceduto
da un “invito” costituito da un lungo viale all’interno
di un bosco, si apre l’ampia area di verde,
oltre 20.000 mq, che costituisce Holme
Court, una costruzione in stile georgiano del
1860. Qui c’è la nuova sede di PMC.32
Sommario
MILES OKAZAKI
Il suono della sorpresa
di Vittorio Pio
Se è vero che molti si possono cimentare con un
brano di Thelonious Monk ma pochi possono
arrivare in fondo con rispetto e originalità, Miles
Okazaki, autorevolissima voce fuori dal coro del
chitarrismo jazz mondiale per la sua narrativa
melodica virtuosa e imprevedibile, ha sorpreso
ulteriormente con un’impresa davvero temeraria,
visto che ne ha registrato l’intero canzoniere
con un ambizioso progetto che cullava fin
ragazzo. Ne abbiamo parlato con lui...
36da
PER
TUTTI
I GUSTI
VELOCE COME UN
CLICK, PIACEVOLE
COME IL FRUSCIO
DELLA CARTA
IN THE COURT OF THE CRIMSON KING
Rivisitando il Re cremisi
di Marco Fullone
In The Court Of The Crimson King non è album
che necessita di troppe presentazioni ma nel
tempo ho compreso che si tratta di un lavoro
straordinariamente ricco di spunti
innovativi, ancora oggi in grado di suscitare
stupore e, soprattutto, di non stancare mai.38
12 MESI
62
a
70 di
IN PROVA
PREAMPLIFICATORE
PS Audio Stellar Gain Cell DAC
AMPLIFICATORE FINALE
PS Audio Stellar S300
cura della redazione
SUL CAMPO
AMPLIFICATORE INTEGRATO
McIntosh MA252
Nicola Candelli
58
IN
74
76
80
82
PROVA
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Elac DS-A101
a cura della redazione
AMATO MIO LP
di Carlo D’Ottavi
LE COVER AL TEMPO DEL ROCK
di Antonio Gaudino
BACH IN MY MIND
de Il Tremila
LE RECENSIONI
Classica - Rock - Jazz
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di Terrazza Martini, palcoscenico dei grandi della musica - Convergenze e divergenze
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ANTENNA
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Con Kii non ti annoi mai
Fondata ufficialmente nell’ottobre del 2014 ma operativa
dal lancio al Monaco Hi-End del 2015, Kii Audio arriva ora
in Italia: i visitatori del Milano Hi-End 2019 hanno potuto
ascoltare per la prima volta il progetto rivoluzionario di
Bruno Putzeys (vedi in altra parte di questo numero di
SUONO) che insieme a Chris Reichardt, Bart van der Laan,
Wim Weijers e Thomas Jansen ha dato vita a una start-up
originale a partire dal nome. Che vuol dire, infatti, Kii? Lo
abbiamo chiesto a Wim Weijers, il responsabile delle vedite
per l’Europa: “Kii? Un buon nome se tutti chiedono che cosa
vuol dire! E per questo non si dimentica… Kii proveniva
da Key, inteso come “La chiave della buona musica” ma
se scrivi “Key” non importa a nessuno, se scrivi “Kii” tutti
se ne chiedono il significato!”...
Per ora un unico prodotto Kii Three (già: chiamarlo One
sarebbe stato banale…), un sistema di diffusori che accoppiato
con una fonte diventa sistema: incorpora infatti l’amplificazione
sviluppata da Putzey sulla base del suo modulo
in Classe D e un DSP per il matching; la sezione digitale è
stata disegnata da Bart van der Laan.
A bordo anche la tecnologia Active Wave Focusing Technology
sviluppata da Putzey per ottimizzare la direttività (controllata
dal DSP) che è il frutto anche della precedente
esperienza di Putzey con i diffusori attivi con Grimm Audio
dove, appunto, il problema della direttività alle basse
6 SUONO dicembre 2019

frequenze veniva risolto per via acustica.
Compito dell’Active Wave Focusing Technology
è ricercare un maggiore allineamento nel
tempo anche intorno al diffusore in modo che
l’emissione verso la parete posteriore minimizzi
il suo impatto. Un suono maggiormente
monitor, tant’è che un “clone” destinato al
mercato del professionale si affianca a una
unità separata per le basse frequenze nel
catalogo della casa che pronette due ulteriori
prodottti nel 2020. Di che si tratterà? Difficile
stabilirlo anche alla luce delle dichiarazioni
in merito rilasciateci da Wim Weijers: “Un
pre? Perchè mai? Nel Kii Three c’è già tutto,
manca solo una sorgente”.
E, allora, cosa?
Paolo Corciulo
Diffusori Kii Three
Prezzo: € 14.760,00
Dimensioni: 20 x 40 x 40 cm (lxaxp)
Peso: 15 Kg
Distributore: Audio Graffiti S.r.l.
Via degli Artigiani, 5 - 26025 Pandino (CR)
Tel.0373-970485 - Fax 0373 1992044
www.audiograffiti.com
Tipo: da supporto N. vie: 3 Potenza (W):
Diffusore attivo con 6 x 250 W Ncore per pilotare
individualmente ogni altoparlante. Frequenze
di crossover (Hz): filtro crossover
(con messa a fuoco ad onda attiva) Risp. in
freq (Hz): 30Hz a 25kHz +/- 0,5dB Altoparlanti:
1 tweeter con guida d’onda da 2,54
cm, 1 midrange da 12,7 cm , 4 woofer da 16
cm. Note: DSP a bordo. Ingressi: analogico,
AES / EBU, digitale XLR, ottico (24 bit/192
kHz), coassiale (24 bit/192 kHz) e USB (24
bit/384 kHz e DSD128). Collegamento CAT 5
tra i due diffusori. Stand dedicati 1.000 euro.
7

ANTENNA
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MOON CON FORZA
Punta forte sull’Europa il produttore
canadese Moon che annuncia,
quasi contemporaneamente,
la nuova distribuzione in Italia
(esordio al Milano Hi-End) e la
creazione di una struttura, Moon
International (operativa dai primi
di gennaio 2020 in concomitanza
con il quarantennale dell’azienda)
con uffici in Francia e nel Regno
Unito e un centro di distribuzione
nei Paesi Bassi che si occuperà di
promuovere e fornire la logistica in
tutta Europa e in Asia. Una buona
notizia visto le altalenanti strategie
e disponibilità dei prodotti
manifestata in precedenza. Moon,
infatti, venne fondata nel 1980
a St. Hubert nel Quebec dal tecnico
del suono Victor Sima, sotto
i tipi della Sima Electronique. Dieci
anni dopo la prima riorganizzazione
aziendale con il passaggio
a Simaudio che qualche anno più
tardi (1997) dà vita al marchio
Moon caratterizzato da contenuti
e aspetto espressamente tecnologici.
Nel 2013, l’azienda viene
ceduta agli ex dipendenti e dopo
una attenta riorganizzazione (che
punta soprattutto su affidabilità e
funzionalità: ogni prodotto MOON
è ingegnerizzato e costruito interamente
in Canada e offre fino a
dieci anni di garanzia) presenta
oggi un catalogo di elettronica
quasi sterminato (oltre 30 prodotti!)
che comprende anche una
ampia gamma di streamer, ben 6
modelli, a partire dal primogenito
180 Mind sviluppato nel 2013. Il
390 è invece uno dei più recenti
prodotti della gamma: si tratta
di un pre-dac-network player,
compatibile Roon, Tidal, Deezer
e UPnP con architettura digitale a
32/384 in grado di decodificare file
PCM. L’apparecchio è anche dotato
di connessioni HDMI e ingressi
bilanciati e display OLED. Presto in
prova su SUONO.
Agostino Bistarelli
Streaming Player Moon 390
Prezzo: € 6.250,00
Dimensioni: 42,90 x 8,90 x 33,30 cm (lxaxp)
Peso: 10 Kg
Distributore: LP Audio - www.lpaudio.it
Formati audio compatibili: PCM, AIFF, WAV,
FLAC Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido
Risp. in freq. (Hz): 10 - 200.000 -0.5 dB/-3
dB THD (%): 0.0004 S/N (dB): 125 Ingressi
analogici: 1 RCA 1 XLR Uscite analogiche:
2 RCA 1 XLR Ingressi digitali: Ottico (1), Coassiale
(1), USB High resolution (1), Ethernet
(2) Ingresso Phono: MM ( mV/ KOhm) MC (
mV/ Ohm) Convertitore D/A: ESS DAC PRO
Sistema di conversione D/A: 32 bit - 384
kHz Accessori e funzionalità aggiuntive:
Ingresso cuffia Note: volume regolabile, PCM
32/384 e DSD 256, circuitazione bilanciata, ingresso
fono configurabile, 4+1 HDMI, 1 uscita
variabile MQA e Roon ready. Bluetooth aptX.
8 SUONO dicembre 2019

ANTENNA
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New entry analogica
Sempesonus TE2 è il giradischi con cui la
ditta portoghese (che ha sede a Lisbona)
ha esordito sul mercato (2017). Si tratta
di un giradischi con trazione “epiciclica”:
il motore (BLDC), attiva una puleggia in
poliuretano fissata a una culla telescopica
tramite anelli in sorbothane (per il disaccoppiamento
delle vibrazioni) che ruota
a contatto con il bordo interno del piatto.
L’azienda sostiene che questa soluzione
consenta performance simili a quelle di
un giradischi a trazione diretta ma che
la maggiore velocità del motore riduce il
potenziale trasferimento delle vibrazioni al
piatto. Per combattere le risonanze vengono
utilizzare inoltre tecniche di costruzione
composita: in particolare la base utilizza
acrilico e MDF con un inserto a croce in
acciaio. Tutti gli altri elementi - basetta
del braccio, contenitore, elettronica - sono
avvitati su punti di montaggio scelti in
modo specifico. Anche il piatto, di peso
medio (3,4 Kg), è costruito in modo particolare:
è in alluminio con la massa maggiore
posizionata sulla circonferenza per
garantire un maggior momento d’inerzia; il
lato inferiore è rivestito in gomma butilica.
Il perno (cromato, temprato a induzione,
da 16 mm) utilizza un disegno a cuscinetti
invertiti, dove il peso è sostenuto da due
sfere ceramiche gemelle. Il tappetino, infine,
è in gomma/sughero a due strati,
per un ulteriore isolamento. Disponibile
come opzional il coperchio in acrilico trasparente
mentre le fasce laterali realizzate
in alcantara sono di serie nel colore nero
e su richiesta è possibile personalizzarle
con qualsiasi tipo di colore, con un sovrapprezzo
di 150 euro.
Il TE2 viene venduto privo di braccio e
testina; in dotazione viene fornita una
basetta adatta per ospitare un braccio a
scelta dell’acquirente. Sempre su richiesta
può essere fornito con qualsiasi braccio e
testina in commercio. Un libretto di istruzioni
in italiano, corredato di specifiche,
foto e chiare istruzioni di montaggio, viene
consegnato all’acquirente. La garanzia, 24
mesi, avviene con assistenza diretta presso
il laboratorio di Musica & Video.
Agostino Bistarelli
Giradischi Sempersonus TE2
Prezzo: € 5.500,00
Dimensioni: 52 x 12 x 41 cm (lxaxp)
Peso: 17 Kg
Distributore: Musica & Video - Vecchi Maurizio
Via Piangipane, 311 - 48124 Piangipane (RA)
Tel.3398794905 - Fax
www.musicandvideo.it
Tipo: senza braccio Telaio: composito acrilico MDF con inserto
a croce in acciaio Trasmissione: epiciclica a puleggia Piatto: in
alluminio da 3,4 kg Velocità (RPM): 33/45/78 Note: top rivestito
in alluminio spazzolato, accetta bracci da 9” - 12”. Perno con doppio
cuscinetto ceramico invertito, piedini regolabili in altezza. Coperchio
opzionale euro 150.
CAVI PER TUTTI
Ricable, il produttore italiano di cavi realizzati artigianalmente, annuncia la nuova linea Primus che sostituisce
Ultimate e Hi-End, con l’eccezione dei cavi HDMI. La nuova serie (segnale, potenza alimentazione, coassiale
e cavo specifico per il sub) è una sintesi delle precedenti con un occhio a coloro che vogliono entrare nel
mondo dell’Hi-Fi. I cavi Primus sono progettati e realizzati a mano in Italia e sono calibrati specificatamente
per i sistemi entry level. Ricable offre la garanzia totale a vita su tutti i suoi prodotti per chi acquista direttamente
dal sito e dà la possibilità di restituire gratuitamente ogni articolo che non soddisfa le aspettative,
entro sessanta giorni. Se il cliente decide di tenere il prodotto, si attiva la speciale Garanzia Ricable su tutti i
difetti di fabbricazione (il servizio di ritiro e riconsegna gratuito è a carico di Ricable).
Il Tremila
Distributore: Ricable - www.ricable.com
10 SUONO dicembre 2019

ANTENNA
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Un Chord
popolare
Con il nuovo stadio fono, comune nel form factor con il DAC Qutest, Chord immette
sul mercato un prodotto economico ma versatile. Si chiama Huei (alla casa inglese
l’immaginazione non manca), ed è il primo fono controllato da microprocessore che
ne ottimizza le performance e garantisce la possibilità di memorizzare alcune funzioni.
L’apparecchio (MM/MC) consente più opzioni per la regolazione dell’impedenza e
del guadagno in funzione della testina utilizzata (7 differenti regolazioni); è realizzato
in alluminio dal pieno con lo stesso form factor del DAC Qutest caratterizzato dalle
sfere policromatiche che fungono da tasti - comando e l’ampia finestratura, sempre
a sfera, da cui si accede per il settaggio dell’apparecchio. Dopo un primo tentativo di
qualche anno fa, la casa inglese torna dunque convintamente a offrire una linea entry
level e di dimensioni molto contenute che si arricchisce via via di nuovi elementi…
Il Tremila
Unità phono Chord Electronics Huei
Prezzo: € 1.200,00
Dimensioni: 16 x 7,2 x 4,3 cm (lxaxp)
Peso: 0,77 Kg
Distributore: GTO S.r.l.
Via Petrarca 43/A - 40136 Bologna (BO)
Tel. 051 6271447 - Fax 051 0337294
www.gto.it
Tipo: MM/MC Tecnologia: stato solido
controllato da microprocessore Risp.
in freq. (Hz): 12 - 25.000 Impedenza
MM (kOhm): 47 Impedenza MC
(Ohm): 30 – 47K
TUTTO IN UNA MANO
È in grado di riprodurre file nativi fino a PCM 384/32 PCM e DSD 11,2 grazie a S-master HX che permette anche di
eseguire l’upscaling dei brani esistenti. È il Sony NW-ZX507, un DAP (digital audio player) di piccole dimensioni ma
realizzato con criteri audiophile: il telaio è in alluminio con inserti di rame fresato; l’uscita cuffia è bilanciata. L’apparecchio
dispone di un display FTP da 3,6” a touch controll, USB tipo CTM e slot per scheda micro SD (la memoria
interna è di 64 GB), oltre a un serie di pulsanti fisici laterali, che semplificano l’utilizzo del dispositivo. La durata della
batteria assicura una autonomia fino a 20 ore.
Agostino Bistarelli
Lettore digitale portatile Sony NW-ZX507
Prezzo: € 830,00
Dimensioni: 5,70 x 12,20 x 1,40 cm (lxaxp)
Peso: 0,16 g
Distributore: Sony Europe Limited - www.sony.it
Tipo: lettore audio portatile Memoria: Flash Formati
audio supportati: PCM 384/32 PCM e DSD 11,2 Tipo
display: TFT 3,6 USB: si Note: Wireless, Tidal e AirPlay.
Uscita cuffia bilanciata
12 SUONO dicembre 2019

ANTENNA
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Il più piccolo
al mondo
CON I BEATLES SEMPRE IN MENTE
Sono state da poco archiviate le celebrazioni per
il cinquantennario di Abey Road (vedi SUONO
539) e si torna a parlare di Beatles, né mai si
smetterà. A farlo nel nostro settore è la Pro-Ject
che nell’ambito della sua linea di giradischi Artist
Collection propone con il “Single Turntable” un
nuovo omaggio al gruppo di Liverpool. Si tratta
di una versione del Debut III con alcuni aggiornamenti
(il piatto è in acrilico pesante mentre il
cambio elettronico di velocità è a 33/45/78 e
il braccio è da 8,6” a forma di S in alluminio)
con alcune importanti novità: l’apparecchio,
infatti, viene fornito con due testine, una Ortofon
realizzata appositamente per l’iniziativa
per la riproduzione mono e una Ortofon 2M
Red per la riproduzione stereo-record, più due
portatestina SME, ciascuno con il proprio tridge
pre-calibrato (è possibile cambiare facilmente i
portatestina per passare dalla riproduzione con
registrazione mono e stereo). La ragione è il fatto
che il “Single Turntable” è stato introdotto in concomitanza
con il lancio da parte di Apple Corps
Ltd./Capitol/UMe del cofanetto da collezione
dedicato ai singoli realizzati da John Lennon,
Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr.
I Beatles dal 1962 al 1970 pubblicarono infatti
22 singoli inglesi; di questi 44 brani (A e B-side)
29 non erano inclusi negli album britannici del
gruppo all’epoca. Questi brani, più le versioni
esclusive dei brani di metà degli anni ‘90 Free As
A Bird e Real Love, sono stati recentemente realizzati
in vinile partendo dai master tape originali
mono e stereo da Sean Magee agli Abbey Road
Studios. Il cofanetto in edizione limitata contiene
46 tracce su 23 singoli in vinile da 7” e 180
grammi i immagini internazionali fedelmente
riprodotte, accompagnati da un libretto di 40
pagine con foto e saggi dello storico di Beatles
Kevin Howlett.
Il Tremila
Per info: Audiogamma – www.audiogamma.it
Dimensioni davvero ridotte, che ne fanno il
preamplificatore fono valvolare più piccolo al
mondo per Augustolo, stadio fono di Carot-One
sia MM che MC, caratterizzato dall’immancabile
colore arancio metallescente, cifra stilistica del
produttore che proprio della miniturizzazione
ha una delle caratteristiche salienti (vedi in altra
parte di questo numero di SUONO). Sul pannello
posteriore l’ingresso fono e l’uscita linea.
Il Tremila
Unità phono Carot One Augustolo Tube
Prezzo: € 269,00
Dimensioni: 7,5 x 3,5 x 11 cm (lxaxp)
Peso: 0.75 Kg
Distributore: Openitem - www.openitem.it
Tipo: MM/MC Tecnologia: a valvole Sensibilità
(mV): 0,35 per 350mV out Impedenza
MM (kOhm): 47 Note: alimentatore
esterno a 12VDC
NUOVA SERIE
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Vieni ad ascoltarle a Torino da:
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Show room in Corso San Maurizio 79, Torino
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14 SUONO dicembre 2019

ANTENNA
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Si vive solo due volte?
Fuori catalogo già da diversi anni, il DAC QB-9 a suo tempo destò
molto scalpore nel settore, vendendo migliaia di pezzi in tutto il
mondo. Giunge così a sorpresa l’upgrade chiamato Twenty, dedicato
a questo apparecchio dalla Ayre. Un aggiornamento che non sarà
indolore (si parla di oltre 1.500 euro) ma che potrebbe rappresentare
un nuovo approccio di fidelizzazione dei clienti da parte del
costruttore; qualcosa di non molto diverso da quanto fatto, da molti
anni, da Linn, con il suo noto giradischi Sondek LP12, aggiornabile
all’attuale versione partendo anche dei modelli più antichi risalenti
agli anni Settanta. D’altronde anche il DAC QB-9, presentato nel 2009
dalla casa americana di Boulder in Colorado, ha rappresentato un
approccio insolito sul tema della conversione digitale-analogica, a
partire dalla disponibilità di un unico ingresso digitale, del tipo USB
asincrono. Due anni dopo l’apparecchio si è evoluto per raggiungere
la risoluzione 24/192, diventando il prodotto di maggior successo
di Ayre. Nel 2014 è arrivata la versione che oltre al PCM elaborava
anche i segnali in DSD, a un costo decisamente superiore. Con
l’upgrade il QB-9 può tornare in prima linea: si basa sul know-how
che Ayre ha, nel frattempo, acquisito con lo sviluppo della serie 8.
I miglioramenti includono il circuito d’uscita proprietario Diamond,
uno stadio differenziale a JFET per ridurre il rumore, la regolazione
del circuito AyreLock, un filtro per ridurre il rumore sulla linea AC,
una USB asincrona personalizzata con uno stadio per eliminare lo
jitter della USB stessa, il chip DAC della ESS per segnali in PCM fino
a 384 kHz, in DSD 256 (4 fs) e con la codifica HDCD.
Carlo D’Ottavi
Per info: info@audionatali.com
NON C’È DUE…
Terzo modello di cuffia per Erzetich, noto per i
suoi amplificatori per cuffia ma che annovera a
catalogo anche due modelli di cuffia che hanno
ottenuto il riconoscimento di artisti quali Bill
Gould di Faith No More e Imogen Heap o il produttore
Nile Rodgers. A questi si aggiunge ora Thalia,
una cuffia che per design e peso è particolarmente
indicata per la musica in movimento. Caratterizzata
da un disegno originale dei padiglioni
ottogonali realizzati in legno, disponibile in Tilla
(un legno scuro pregiato) e Salvage (abete rosso
chiaro e riciclato), la cuffia adotta alcune soluzioni
di pregio come il cavo staccabile di buona qualità
abbinato ad attacchi dorati.
Agostino Bistarelli
Cuffia Erzetich Thalia
Prezzo: € 599,00
Peso: 270 g
Distributore: Erzetich - www.erzetich-audio.com
Tipo: aperta Trasduttori: dinamici Impedenza
(Ohm): 32 Cavo: rame argentato
McIntosh sempre più Roon
Sono ormai 14 i prodotti della casa americana compatibili con questo gestore di contenuti.
Ecco l’elenco completo che include anche alcune new entry: preamplificatori C47, C49,
C52, C53, C2600, C2700 e D1100; amplificatori integrati MA5300, MA7200, MA8900 e
MA9000; sintoamplificatore MAC7200; amplificatore per cuffie MHA150; sistema
completo MXA80.
Il Tremila
16 SUONO dicembre 2019

17

ANTENNA
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Taga Harmony
arricchisce la serie Platinum
Il costruttore ha in catalogo un buon numero di diffusori raggruppati in due serie: la linea top Diamond e la
Platinum, più affollata di modelli e meno costosa. Proprio quest’ultima è oggetto di un pesante aggiornamento:
l’F-90 SLV V.2 ne preannuncia la svolta. Si tratta di un diffusore da pavimento alto e più stretto dei precedenti,
grazie all’impiego di 4 woofer, dei quali uno passivo, di soli 13,3 cm di diametro; il tweeter è ora inglobato interamente
nel frontale con una nuova flangia studiata per una più ampia dispersione orizzontale. Il sistema bass
reflex utilizza, oltre al radiatore passivo anteriore, anche un’ampia porta posteriore e il cabinet è stato rinnovato
con maggiori rinforzi interni, un deflettore inclinato e diverso materiale smorzante. Alla base del diffusore viene
avvitata una piastra metallica, più ampia della sua pianta, per meglio stabilizzare la sottile torre con, agli angoli
sporgenti, quattro piedini regolabili in altezza. Prezzo non dichiarato.
Carlo D’Ottavi
Diffusori Taga Harmony Platinum F-90 SL V.2
Prezzo: € 1.580,00
Dimensioni: 17 x 101,1 x 31 cm (lxaxp)
Peso: 16 Kg
Distributore: Suono e Comunicazione
www.suonoecomunicazione.com
Tipo: da pavimento Caricamento: bass reflex passivo
e posteriore N. vie: 3 Potenza (W): 20-240
Impedenza (Ohm): 4 Frequenze di crossover
(Hz): 620 e 3.700 Risp. in freq (Hz): 31-40.000
Sensibilità (dB): 91 Altoparlanti: 2 Wf 13,3cm
TPACD-I, TRCS, 1 passivo 13,3cm TPAPR-I, TRCS,
1 Tw 25 mm, TPTTD-I, TWG-I Rifinitura: vinile
nero, wengè, rovere o noce Griglia: Metallica, magnetica
Note: sistema reflex doppio con radiatore
passivo frontale e porta posteriore. Morsetti doppi
per bi wire o bi amp. Base metallica con piedini
conici metallici regolabili in altezza.
SEDUZIONI IN SCALA
Heritage Groove è un wireless speaker portatile di ridottissime dimensioni (15 x
12 x 6,7 cm per 1 kg di peso) che ripropone in scala lo spirito estetico della linea
Heritage del marchio Klipsch. Un full range da 3” ad alta escursione viene controllato
da DSP e amplificato con una potenza di 20W di pico. Tramite il Bluetooth può
essere collegato a uno smartphone o al computer. Nel primo caso un microfono
interno consente il vivavoce. L’autonomia è di 8 ore e la ricarica avviene tramite
USB. È disponibile nei colori Walnut e Black Matte al prezzo di 199,00 €.
Il Tremila
Per info: Exhibo - www.exhibo.it
NUOVA SERIE
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Vieni ad ascoltarle a Cassano d’Adda da:
Visconti Alta Fedeltà
Se amate la musica,
noi, possiamo fare molto per Voi.
Piazzale Gobetti 20062 Cassano d’Adda (MI)
Tel: +39 0363 361120
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18 SUONO dicembre 2019

INSIDE DENTRO LA MUSICA
di Paolo Corciulo
CAP. 2:
Il nuovo che avanza
secondo Bruno
Forse in omaggio a una ideale legge del contrappasso, forse semplicemente per non ripetere cliché simili, dopo
aver reso omaggio a una delle figure storiche dell’Hi-Fi (italiana e non) mi è sembrato naturale focalizzarmi
su una figura dalle caratteristiche diametralmente opposte. Giovane, molto tecnica, molto innovativa...
Bruno Putzeys è del 1973, quasi un bambino dal mio punto di vista
ormai distorto dalle molte primavere (nel 1973 mi apprestavo a
scegliere la facoltà universitaria nella quale non mi sarei poi laureato!).
Laureatosi con lode presso lo stesso istituto frequentato dal
padre (Scuola Tecnica Nazionale belga per la Radio e il Cinema) con
una tesi sugli stadi di potenza per il cambio di amplificatori audio,
Putzeys ha lavorato dal 1995 per dieci anni presso il Philips Applied
Technologies Lab di Leuven, in Belgio, dove ha sviluppato diversi
amplificatori digitali e analogici in classe D, modulatori di rumore e
metodi di modulazione. La svolta avviene quanto sviluppa il circuito
“UcD” in classe D, “pensata” che lo induce, nel 2005, a mettersi in
proprio cominciando una collaborazione con Hypex e, al contempo,
dando vita a Grimm Audio; si tratta di una delle realtà più interessanti
del tempo, a cavallo tra professionale e consumer, con il suo
sistema di diffusori amplificati controllati da DSP e con convertitori
A/D e D/A a bordo, oggi affiancato da uno streamer a completamento
di un sistema Hi-Fi moderno ed essenziale.
In gioventù il suo percorso nel mondo della riproduzione musicale
è quello tipico degli appassionati: sotto l’impulso del genitore (che
avrà larga parte anche nella decisione degli studi da intraprendere
e che è un auto-costruttore) entra in contatto con l’Hi-Fi e all’età di
16 anni, quando un amico del padre Raymond gli fa ascoltare un
ampli valvolare basato sulle EL 84, comincia anche lui a progettare
amplificatori. In quella permanente ricerca della perfezione che è il
tarlo dell’audiofilo, si converte rapidamente allo stato solido: “Alla
scuola di ingegneria si impara a usare i chip; non si imparano,
però, le basi della progettazione. Anche se ora non considero più
le valvole una seria alternativa per la riproduzione audio di alta
qualità, conoscerle è stato per me uno stimolo importante...”. Ma
è il periodo in Philips che lo formerà mettendone in luce la deter-
20 SUONO dicembre 2019

SCOUTING: BRUNO PUTZEYS
minazione: “Nel laboratorio Philips di Leuven ho realizzato la mia
tesi di laurea sulla Classe D ma il compito che mi venne affidato
consisteva nell’ottimizzare i costi per uno di quei brutti e neri sistemi
stereo micro che tutti volevano realizzare negli anni ’90 e per i quali
tutti usavano i moduli ibridi Sanyo in Classe B. Un lavoro che mi
ha spezzato l’anima ma ho cercato di cogliere ogni occasione per
parlare con il management della Classe D fino a quando finalmente
qualcuno mi ha dato la possibilità di fare un progetto di questo
tipo per i televisori!”. Al tempo il reparto TV di Philips non aveva
ottenuto grandi risultati con i moduli in classe D su cui il laboratorio
di ricerca di Eindhoven aveva lavorato per anni e accoglie Putzeys,
che nel frattempo è riuscito a “infastidire tutti i manager” della real
casa, tra lo scetticismo e quella ben conosciuta strategia per cui in
risposta all’entusiasmo dei giovani gli si fornisce abbastanza corda
per impiccarsi da soli! Una sfida, certamente: Putzeys ne parla
come di “una pistola carica puntata alla mia tempia” ma Bruno ci
mette tutto il suo impegno e a distanza di un mese dall’inizio del
suo incarico presenta un piccolo amplificatore auto-oscillante da
25 watt che poteva essere realizzato al costo di circa 5 dollari. I suoi
primi progetti finirono in un televisore al plasma Philips e in altri
prodotti a cui Philips fornisce tecnologia su base OEM: un sistema di
altoparlanti attivi di Microsoft, un home theater di Marantz. I buoni
risultati inducono i responsabili della ricerca Philips a non liberarsi
di quel giovane nonostante rappresenti un osso di traverso nei modi
e nei metodi: gli danno più tempo, nasce una versione in Classe D da
100 watt e il tempo a sua disposizione aumenta notevolmente così
come gli incarichi per realizzare qualcosa di nuovo. I suoi supervisori
rimangono abbastanza impressionati da permettergli di continuare
a lavorare su amplificatori in classe D.
L’anno chiave è il 2001 quando George Aerts, un dirigente Philips,
gli garantisce un budget significativo per la ricerca in modo da perfezionare
ulteriormente il suo progetto di amplificatori in classe D,
con l’obiettivo di realizzare un modulo che fosse facile da produrre
e adatto a un’ampia varietà di applicazioni audio (dal mercato di
massa all’Hi-end). Il sistema doveva inoltre essere compatto e avere
la stessa impedenza d’uscita e gli stessi requisiti di alimentazione di
un amplificatore convenzionale. Infine doveva essere molto economico
e suonare bene per vincere le ritrosie del mercato, “Così non
ci sarebbero state scuse per non usarlo!”. Ci vogliono otto mesi di
lavoro e quattro generazioni di circuiti prima di arrivare a quella
soddisfacente (la quinta); la cosa curiosa è che per le prime quattro
Putzeys si limita ad analizzarne strumentalmente le performance
senza raggiungere quello che voleva. La quinta è diversa, lo convince
e assembla una coppia di amplificatori, se li porta a casa a ridosso
del Natale e li collega ai diffusori del suo salotto. Per la cronaca il
brano che lo convincerà di essere “andato in buca” è una canzone
del compositore Juan Francés de Iribarren, Viendo que Jil, Hizo
Rayo. Il risultato è che Putzeys progetta l’UcD (Universal classe-
D), un modulo amplificatore in classe D compatto e versatile. Pur
ottemperando ai vincoli di progetto - come accade sovente a progetti
anche ingegnosi sviluppati in una grande azienda - l’UdC cade
nel dimenticatoio tra mille altri (ho visitato il Nat Lab di Philips e
posso garantire di persona che tantissima della ricerca pura svolta
da Philips rimane... ricerca pura!). Lo “ripesca” da limbo il dinamico
fondatore di Hypex, Jan-Peter van Amerongen, nel 2003; van
Amerongen aveva fondato la Hypex Electronics nel 1996 per fornire
amplificatori e altre apparecchiature ai produttori di diffusori attivi
e agli studi di registrazione.
La Hypex acquista la licenza dell’UdC e successivamente Putzeys,
memore della sorte del padre (che da progettista si è trasformato
senza soddisfazione in un venditore), segue van Amerongen con il
ruolo di consulente e ampio margine d’azione. Negli anni successivi
l’Universal classe-D evolverà in svariate versioni assimilabili a due
grandi famiglie, quella dei sistemi economici e quella di quelli co-
SUONO dicembre 2019 21

INSIDE
stosi, equipaggiando decine di amplificatori,
dai più economici (come quelli
prodotti da Channel Islands Audio,
un’azienda che si ispira a quanto
fatto da Audio Alchemy) a quelli
molto costosi come i Mola Mola, di
cui si è sempre detto un gran bene
e che utilizzano la più recente serie
del sistema, la Ncore. I moduli
di Putzeys, in seguito prodotti su
licenza dalla Hypex Electronics, andranno
a ruba mentre gli amplificatori
che li utilizzano riceveranno per lo
più recensioni entusiastiche. Putzeys comincia
così ad apparire un Re Mida (l’augurio è che non
faccia la stessa fine!) sebbene il suo approccio alla vita
più che regale sia quello del genietto freak! A meno di 30 anni
Putzeys gode della massima libertà nelle sue scelte; così, coerente
con la figura di guru del digitale, decide di diventare libero battitore
ma anche imprenditore. Accanto alla consulenza per Hypex, infatti,
è il co-fondatore, come accennato in precedenza, della start-up
Grimm Audio. Tutto accade con grande semplicità: alla fine di un
suo intervento sulla conversione A/D e D/A a una delle conferenze
dell’Audio Engineering Society attira l’attenzione di “un paio di
olandesi” che stavano cercando qualcosa di simile al suo progetto. Si
tratta ancora di poco più di un’idea ma Eelco Grimm e Guido Tent
vogliono utilizzare l’UdC per realizzare prodotti da studio. È l’inizio
della Grimm Audio: “Abbiamo scelto quel nome perché suonava
bene” e il loro primo prodotto sarà l’AD1, un convertitore analogicodigitale
DSD completamente discreto basato su quel circuito a cui
seguirà una coppa di diffusori attivi. Poi arriverà l’esperienza con
Mola Mola (2012) e due anni più tardi Putzeys fonda con Bart van
der Laan (esperto di software soprattutto in relazione all’utilizzo
del DSP) e Chris Reichardt (commerciale)
Kii Audio (il Kii Three,
un diffusore attivo e controllato
da DSP, è il primo risultato di
questa joint venture). E non è
ancora finita perché mentre il
successo dei suoi moduli fornito
in conto terzi continua (Bel
Canto, Jeff Rowland...), è recente
l’ultimo atto (almeno per ora) della
sua epopea: si tratta di Purifi, una
holding di brevetti audio (lo slogan è
“Costruire un filo diretto verso l’anima
della musica”) che ha riunito alcune delle
menti più brillanti e titolari di brevetti dell’industria
audio europea “con l’obiettivo di sviluppare
e verificare accurati modelli matematici per risolvere i
problemi di riproduzione del suono analogico e digitale, rimovendo
le limitazioni tecniche nel godimento della musica riprodotta”.
In realtà la società è stata fondata già nel 2014 da Peter Lyngdorf,
Lars Risbo e Bruno Putzeys ma ha svolto un ruolo dormiente fino
al recente Monaco Hi-End dove in maniera semi-ufficiale sono stati
presentati i primi frutti del suo lavoro.
Perennemente in movimento come capita alle anime libere, Bruno
Putzeys è il principale fautore di una rivoluzione che solo in futuro
manifesterà appieno le sue potenzialità; la classe D, una volta risolti
i suoi principali limiti, le difficoltà di interfacciamento con il carico,
rappresenta una soluzione ricca di vantaggi (applicabile con profitto
in svariate soluzioni: multi-amplificazione, sistemi attivi, anche
solo catene Hi-Fi dal costo contenuto) e non è improbabile che chi
racconterà in futuro la storia dell’Hi-Fi più recente lo debba inserire
tra gli elementi di maggior spicco di questo terzo millennio.
Credo che Putzeys non se ne curi più di tanto; oggi vive e lavora
con la massima libertà di movimento in un edificio a due piani nel
pittoresco sobborgo di Lovanio nelle vicinanze di Bruxelles. Al primo
piano il suo laboratorio che, a giudicare dalle foto, è molto simile
al sogno di ogni audiofilo: disseminati qua e là i materiali su cui
lavora (trasformatori toroidali, schede di alimentazione) e gli strumenti
con cui lavora (multimetri, generatori di segnale, oscilloscopi
e analizzatori di spettro...) abbondano. Poi, conservata sotto vetro,
una collezione di valvole e qua e là prototipi e pezzi unici che utilizza
per i confronti. Al piano di sopra lo spazio dove vive, relativamente
frugale: una camera da letto, una piccola cucina e un ampio soggiorno
con l’impianto audio principale e nessuna traccia di un televisore!
Il tutto condito da una buona dose di autocritica: “L’audio non dovrebbe
essere considerato un’arte; fare musica lo è mentre portare
la musica dal CD all’ascoltatore è solo un compito”, racconta, “Non
dovrebbe essere questo il punto dell’alta fedeltà? Capisco che una
delle gioie della scrittura audio sia quella di usare una prosa barocca
per descrivere i capricci sonori (o i piaceri) di prodotti progettati
espressamente in modo che i recensori possano avere qualcosa di
interessante da scrivere su di loro, ma come ingegnere non posso
fare a meno di preferire un buon lavoro”.
Un monito a noi che scriviamo ma anche a voi che ci leggete…
22 SUONO dicembre 2019

INSIDE
di Roberto Salafia
Il mondo magico
di Ikeda San
In questo “nuovo mondo” di mp3, smartphone, globalizzazione e ascolto in cuffia, l’analogista convinto
non può che rifugiarsi nel passato… E cosa può esserci di più classico di una ditta che ha costruito bracci
analogici tra i più ricercati per il loro buon suono come la Fidelity Research?
La Fidelity Research, la cui produzione nel tempo spazierà dalle
testine ai bracci e ai trasformatori per testine MC a bassa uscita,
nasce in Giappone nel 1964 a opera di alcuni tecnici tra cui Isamu
Ikeda (Ikeda San). Il primo braccio prodotto è il modello FR.24 (nato nel
1967), un ottimo braccio con attacco a giroscopio, lunghezza di 10,5” e
massa media (ca. 17 gr.), quindi adattabile a una moltitudine di testine.
Viene infatti fornito con tre differenti contrappesi intercambiabili (gr.
10, 22, 40). Questo primo braccio attira l’attenzione nientemeno che dai
tempi dell’Imperatore Hirohito, padre di Achihito, che recentemente
ha abdicato per motivi di salute in favore del figlio. Fu Hirohito, nel
1946, dopo la disfatta del Giappone, a dichiarare pubblicamente alla
radio che la sua famiglia e la sua dinastia avevano origini umane. Amante
della buona musica, l’imperatore era interessato ai bracci FR al punto
da far diventare la Fidelity Research fornitore ufficiale della casa reale:
d’altronde l’FR 24, abbinato alla testina MC FR1 mkII, suonava in modo
divino malgrado non avesse il regolatore della forza centripeta (antiskating)
che Ikeda considerava superfluo; probabilmente a causa delle
insistenze dei clienti, Ikeda deciderà comunque di uscire nel 1970/71
con una versione aggiornata del 24, il 24 mkII, identico al 24 ma con
l’anti-skating.
Il secondo braccio prodotto dalla FR (1968) è il 34: come il 24
è un braccio bilanciato staticamente e viene creato per fare
concorrenza allo SME 3009; prezzato moderatamente in
Giappone, con uguale lunghezza di 9” ma sempre privo di antiskating
(in questo caso non fu mai aggiornato, almeno stando
alle informazioni disponibili). Sempre nel 1968, non sappiamo
se su richiesta o in base a un’offerta di Ikeda, la
24 SUONO dicembre 2019
Teac esce con due giradischi leggendari e oggi abbastanza introvabili, il
Magnefloat Teac TS.80 e il TS.85. Si trattava di giradischi all’avanguardia
per l’epoca in quanto il loro piatto molto pesante era sospeso per
mezzo di due campi magnetici contrapposti che avevano la funzione
di tenere sollevato il piatto quel tanto che bastava per evitarne l’attrito.
Invece del solito cavo inserito nella base avevano gli attacchi RCA
esterni e questo dava la possibilità di usare cavi a scelta dell’utente e,
pensate, due alloggiamenti sul piano per due testine da poter cambiare
velocemente. Il primo era venduto con il braccio FR.34S corredato di
cartuccia Supex 700A; il secondo era completato dal braccio FR.24S
mkII e con cartuccia FR.1 mkII. Essendo entrambe a bobina mobile, i
bracci venivano forniti da FR montati su una vaschetta base che aveva
sotto due piccoli trasformatori racchiusi in un involucro di spesso metallo
- in alcuni casi la Teac li faceva marchiare come di sua produzione
ma in realtà erano nientemeno che trasformatori Tamura. La vaschetta
contemplava un interruttore che inseriva o escludeva i trasformatori e
questo permetteva all’utente il cambiamento delle testine sia a bobina
mobile (MC) che a magnete mobile (MM) adattandosi così all’entrata
standard del Pre (47 kOhm).
Nel mercato dell’usato si possono trovare
Il Fidelity Research FR 24.

I BRACCI DI FIDELITY RESEARCH
Lo snodo del braccio FR 24 nella versione MK II, dotata di antiskating.
con notevole difficoltà i citati bracci 24 e 34 completi di trasformatori Tamura,
non sappiamo se smontati da giradischi Teac non più operativi
o se Fidelity Research li fornisse anche separatamente. Sembrerebbe
comunque che la Teac fu obbligata a interrompere la produzione di detti
giradischi in quanto il sistema a due campi magnetici era copiato dalla
Magna Float senza permesso né per il sistema che per il nome. Magna
Float portò la Teac in tribunale e vinse; la Teac dovette quindi ritirare
i pezzi prodotti. In verità c’erano stati dei contatti tra Teac e Magna
Float per l’uso del sistema ma senza arrivare a una conclusione. Questo
spiegherebbe l’uso prematuro del nome...
Nel 1971 la Fidelity Research introduce sul mercato un braccio economico
da 10” ma di grandi caratteristiche: l’FR.54. In rete si dice che il 54 fosse
la versione leggera del 64 ma non può essere vero in quanto il 54 è del ’71
mentre il 64 è stato introdotto nel 1980! È vero probabilmente il contrario,
cioè che il 64 è la versione sofisticata del 54. Molte delle misure sono
uguali all’FR.64, compresa la distanza dal fulcro, ma la massa è molto
diversa: 16 grammi per il 54, 35 per il 64. La differenza principale sta nel
materiale usato, alluminio invece dell’acciaio. Il 54 ha l’antiskating ma
senza regolazione fine, veniva infatti fornito con un pesino fisso di gr. 1,5
non regolabile. Sapientemente Ikeda lo produce, come farà nel FR.14,
con l’asta del braccio deviato (offset) subito dopo il fulcro, che dovrebbe
sopperire alla mancanza di un’asta più lunga. Qualcuno suggerisce che
questa soluzione serva a correggere la deriva dell’anti-skating ma è tutto
da dimostrare.
Passano svariati anni, siamo giunti al 1978, e vengono introdotti l’FR.12
e il 14; sono bracci molto ben costruiti e molto difficili da trovare al di
fuori del Giappone. Si tratta di uno sviluppo più moderno del 24 e 34
ma sempre staticamente bilanciati. Il 12 è un 9” con una massa di gr.
12 (il peso crea il modello) e una lunghezza di 230 mm; Il 14 è un 9.5”
con una massa di gr. 14 e una lunghezza di 245 mm. Entrambi hanno
l’anti-skating e vengono forniti anche con i fili interni in argento (segnato
sulla scatola, come per i 64/66). Per permettere l’uso di testine
pesanti, veniva inoltre fornito un contrappeso addizionale. Due anni più
tardi (1980) Ikeda San mette sul mercato il suo gioiello più prestigioso
l’FR.64, un 10” massiccio, con massa da 35 gr., creato per far suonare la
Ortofon SPU. Per la prima volta il bilanciamento è dinamico. La forza
di tracciamento viene comandata da una molla in tungsteno (o meglio:
lega di acciaio e tungsteno) che ne aumenta notevolmente la durezza e
la mancanza di ossidazione. Tale soluzione si è dimostrata di lunga durata
nel tempo, tanto è vero che i bracci 64/66 venduti oggi nel mercato
dell’usato non necessitano di sostituzione della molla.
Per chi non conosce le caratteristiche di un braccio statico rispetto a uno
IKEDA SAN
Isamu Ikeda nasce nel 1929 nel
distretto Koto di Tokyo. La sua
leggenda ha inizio nel dopoguerra
ma è nel 1964, mosso
dall’insoddisfazione verso la
produzione audio di allora, che
decide di mettersi in proprio e
fondare la Fidelity Research.
La prima testina a bobina mobile
giapponese è stata uno dei
suoi sviluppi e molti dei produttori
di testine giapponesi hanno
fatto tesoro della sua guida. Dalla
metà degli anni Sessanta ai
primi anni Ottanta testine come
la FR 1 e la MC 201 e bracci come
l’FR 12, l’FR 14, l’FR 64 e l’FR 66
della Fidelity Research hanno
ottenuto successo internazionale. Isamu Ikeda è stato inoltre il pioniere dell’uso
del filo d’argento, degli stili con peso ridotto, dell’attacco a giroscopio e dei
magneti ad alta efficienza che rendono possibili bobine con un minor numero
di avvolgimenti. Il suo spirito innovativo è continuato anche dopo la fine della
Fidelity Research e con la società che porta il suo nome svilupperà la prima
testina al mondo a bobina mobile senza cantilever, proprio come le testine a
ferro mobile della londinese Decca. Una delle sue richieste nel momento in cui
ha affidato i suoi prodotti alla IT Industries è stata che questi continuassero a
essere prodotti a mano in Giappone.
dinamico la spiegazione è la seguente e riguarda il modo di applicare
la forza di tracciamento: nei bracci statici il bilanciamento e la forza
di tracciamento sono comandati dal contrappeso; in quelli dinamici,
invece, potrebbe esserci un contrappeso
per il bilanciamento iniziale ma
la forza di tracciamento è raggiunta attraverso
una molla o un motore servo
che imprime una deportanza, cioè una
maggiore aderenza al braccio stesso,
aumentando così la tracciabilità, specie
nel caso di dischi ondulati. La preferenza
per un sistema o l’altro è molto
dibattuta in campo audio. Il vantaggio
Il Fidelity Research FR 64.
SUONO dicembre 2019 25

INSIDE
I morsetti di collegamento dei bracci Fidelity research.
I trasformatori Tamura posizionati nella vaschetta sottostante i bracci 24 e 34.
avanzato da Ikeda verso i bracci bilanciati dinamicamente è che si sposano
meglio con testine MC a bassa cedevolezza dove il cantilever è
solitamente rigido e il braccio dinamico aiuta a seguire il solco nei punti
più difficili. Un braccio bilanciato staticamente lavora invece meglio
con testine ad alta cedevolezza e quindi bracci a bassa massa e cantilever
conformi. Per entrambi i sistemi ci sono pro e contro: i pro del
sistema dinamico sono molti mentre come contro vorrei citare la Trio/
Kenwood che negli anni ’80 introdusse (probabilmente con l’aiuto di
Micro Seiki) il famoso giradischi L-07D che può essere considerato assieme
a pochi altri la quintessenza del giradischi, dotato di un braccio
bilanciato staticamente. Altra caratteristica che diverge è il fatto che
nei bracci statici la massa equivalente varia con il peso (anche se marginalmente)
mentre questo non accade con i bracci dinamici (la massa
non varia) e quindi la tracciabilità rimane influenzata dai cambiamenti
delle forze gravitazionali. Torniamo però all’FR.64 per segnalarne le
diverse versioni. In quella originale è in alluminio per poi cambiare in
acciaio, entrambi con filo interno in argento. Poi viene l’FR. 64s (sempre
1980), in acciaio inossidabile e creato per testine che richiedono bracci
smorzati come la Ortofon SPU, la London Decca, la Fidelity Research
Musa e le Koetsu. In contemporanea esce anche l’FR.64s silver, con
filo interno in argento (etichetta sul braccio e sulla scatola); il materiale
è sempre acciaio inossidabile e in alcuni Paesi il braccio viene fornito con
cavo esterno in argento. Quarta release è l’FR.64fx (1981), realizzato in
alluminio dipinto di nero, con massa di gr. 20 per testine più leggere. A
seguire l’FR.64fx silver, come il precedente ma con filo interno in argento;
anche questa versione subisce alcuni cambiamenti e miglioramenti
prima con l’FR.64fc (35 gr. - 1982), poi con l’fxMK2 (1984 - 20 gr.) e
infine con l’fxPRO (1985 - 20 gr.). A parte va considerato l’FR.66 (in
alluminio) e l’FR.66s (in acciaio inossidabile), entrambi del 1981 e con
braccio, non più da 10” ma da 12” e con una massa rispettivamente di
24 e 38 gr. Furono realizzati per fare concorrenza allo SME 3012 (1970),
allora molto apprezzato in Giappone. Per la serie 64/66 esistono due
accessori degni di considerazione: l’N-60 Heavy fixing nut (un dado
pesante di tenuta che aumenta la stabilità del braccio) e il B-60 Heavy
VTA lifter, un sollevatore pesante per variare l’altezza del braccio (VTA)
anche durante l’utilizzo (on the fly). In rete si trovano diversi commenti
sulla serie 64/66; uno di questi riguarda la possibilità di risonanza da
parte della molla del bilanciamento dinamico di questi bracci ma tutti i
possessori, me compreso, non hanno riscontrato questo difetto. Un’altra
caratteristica dei bracci Giapponesi in generale è che quasi tutti hanno la
forma a doppia curvatura della canna. Questa preferenza racchiude in sé
motivi teorici importanti. Nei bracci diritti o a una sola curvatura l’asse
della testina-fulcro-contrappeso non è ottimale in quanto il peso della
testina risulta abbastanza spostato rispetto all’asse del braccio. Questo
non allineamento provoca una forza torcente sollecitante il vincolo del
braccio, in particolare nei bracci unipivot (ma anche a quelli a lame
di coltello o a cuscinetti) con conseguenti possibili problemi. L’unico
braccio che evita questo inconveniente è quello a doppia curvatura che
ripristina il baricentro dell’insieme testina-fulcro-contrappeso. Tutto
questo è facilmente comprensibile ma nella pratica, date le basse forze
in gioco, risulta sostanzialmente non udibile nella riproduzione né meccanicamente
riscontrabile, con buona pace degli amanti degli unipivot
e delle altre soluzioni in merito!
Dopo un periodo di ampi successi (tanto che la società verrà quotata al
Tokyo Stock Market), l’avvento del CD comporterà un ridimensionamento
di tutto il comparto dedicato al vinile fino al momento in cui la
Fidelity Reasearch dovrà chiudere i battenti nel 1985. Non si sa in che
misura l’evento sia stato condizionato anche dal fatto che Ikeda San
considerasse ormai eccessivamente consumer la società da lui creata ed
era alla ricerca “di un luogo dove poter fare cose impossibili con una società
di produzione di massa come era diventata la Fidelity Research”.
Sta di fatto che nel 1986 fonda la Ikeda Sound Lab e con questo nuovo
marchio comincia la produzione di due bracci sulla scia dell’FR.64 e 66:
l’IT.345 e l’IT.407 che come prestazioni sono molto simili agli FR ma
dove Ikeda ha cercato di diminuire le risonanze (se mai ce ne fossero) od
ogni influenza esterna adottando forme rotonde (meno sensibili agli
spostamenti d’aria) e utilizzando leghe di acciaio, ottone, bronzo, zinco,
alluminio e rodio (per i contatti). Altra differenza è data dal fatto che
in questi “nuovi” bracci il fulcro è supportato da entrambi i lati mentre
negli FR il supporto era in un solo lato. Benché la progettazione fosse di
Ikeda, la fabbricazione era eseguita da IT Industry Co. Ltd. che a partire
dal 2011 rileva l’intera produzione Ikeda.
Con l’occasione vorrei anche ricordare che il mitico Yoshiaki Sugano
(fondatore della Koetsu) nelle prove delle Supex e delle Koetsu che lui
produceva utilizzava bracci Fidelity Research (ad eccezione di quando
utilizzava il suo braccio Koetsu SA 1100, che non aveva nella sua forma
iniziale l’antiskating, poi aggiunto nelle versioni aggiornate MKII,
MKIII). Originariamente Sugano produceva affilatissime spade usate
nella tradizione Giapponese ma fu anche musicista e pittore. È morto
a 95 anni nel 2002 ma fortunatamente il figlio Fumihiko continua la
produzione di Koetsu. Isamu Ikeda è invece attualmente in pensione,
avendo raggiunto la veneranda età di 90 anni…
26 SUONO dicembre 2019

INSIDE
di Francesco Bonerba
Una,
nessuna,
centomila
Sono le voci di Matteo Macchioni, giovane tenore italiano che da quasi dieci anni interpreta i personaggi
delle più celebri opere liriche, da Ernesto del Don Pasquale al Conte di Almaviva de Il Barbiere di Siviglia, da
Don Ramiro in La Cenerentola a Don Ottavio nel Don Giovanni. Una carriera in divenire tra Italia e l’estero
fatta di passione, sacrifici, soddisfazioni e l’Opera, raccontata da un punto di vista inedito.
Da quel periodo di confusione e incertezza che solitamente
segue la laurea Matteo Macchioni, un passato da
pianista, un’esperienza televisiva ad “Amici”, un lungo e
prestigioso curriculum, ha tirato fuori, un po’ per scelta un po’
per i casi della vita, la passione per il canto, senza riuscire più a
separarsene. Ne è nato un sodalizio artistico che in dieci anni ha
mietuto consensi in tutto il mondo e che quest’autunno stiamo
avendo modo di apprezzare (anche) in Italia.
Il tuo percorso artistico prende il via dai tasti del pianoforte
con la laurea conseguita nel 2007 e solo in seconda
battuta imbocca la diramazione del canto. Come hai coltivato
questo talento?
Già durante gli anni di conservatorio, quando studiavo pianoforte,
mi era stato fatto notare che avevo una voce squillante. Lo studio
e l’idea di dedicarmi seriamente al canto lirico sono arrivati,
però, qualche anno dopo, a partire dal 2010, con le prime esperienze
in teatro. A queste sono seguiti tanti concorsi, audizioni,
fino al 2014, quando ho frequentato l’Opera Studio al teatro Carlo
Felice di Genova. Il passaggio da un percorso all’altro è stato
piuttosto lento perché di solito chi inizia una strada prosegue con
quella. Le esperienze, gli eventi e la passione mi hanno portato a
questo cambio di rotta, sebbene conservi ancora un grande amore
per il pianoforte, al quale ho dedicato dieci anni della mia vita.
L’esperienza con “Amici” di Maria De Filippi è stata determinante
per l’inizio della tua carriera da tenore. Secondo
te, ci saresti arrivato comunque attraverso altre vie o no?
Ci sarei sicuramente arrivato anche se l’incontro con Daniel
Oren, che mi notò grazie alla trasmissione e mi offrì un debutto a
Palermo proprio nel 2010, è stato fondamentale. Mentre facevo la
trasmissione non sapevo che strada avrei preso, ero un neolaureato
in pianoforte con la passione per il canto; penso sia stata un’esperienza
molto positiva proprio perché giunta in un momento
in cui non avevo ancora le idee chiare su cosa fare nella mia vita.
Come ti prepari all’interpretazione di un personaggio? E
quali sono i ruoli che hai sentito nel corso degli anni più
28 SUONO dicembre 2019

INTERVISTA MATTEO MACCHIONI
e non perché abbia passato una notte brava ma semplicemente
perché ho cambiato appartamento o camera d’albergo talmente
velocemente da non rendermene neanche conto. È una brutta
sensazione. Poi sono molto legato alla mia terra e alla mia città,
Sassuolo, dove ho la mia famiglia, mentre la mia fidanzata è a sua
volta cantante e quindi spesso in viaggio. Conciliare tutto è abbastanza
difficile e stressante, specie per uno del segno del Toro!
Quando posso cerco di farmi raggiungere da amici e familiari e
non far passare troppo tempo senza vederli. Essere lontano da
casa, a volte anche per cinque settimane, è un po’ il grande svantaggio
di questo lavoro.
vicini (o lontani) alla tua personalità?
Il mio approccio alla preparazione è molto serio e il fatto di essere
pianista mi aiuta molto: posso suonare tutto lo spartito nella riduzione
per canto e pianoforte facilitandomi il lavoro. Poi ci vuole
molta umiltà, bisogna mettersi in gioco per rimanere elastici e
adattarsi di volta in volta alla visione del personaggio e dell’Opera
proposta dal regista. Lo spartito e la musica sono sempre uguali
ma di un ruolo si possono delineare infinite sfumature, emozioni,
movimenti: si fa sempre la stessa cosa senza che sia mai identica,
e questo significa una crescita continua per l’interprete. Ogni personaggio
che ho interpretato e per il quale ho studiato mi ha dato
grandi soddisfazioni, non ne ho mai vissuto qualcuno “male”. Sicuramente
c’è un rapporto particolare con i ruoli che ho interpretato
di più: il Conte di Almaviva dal Barbiere di Siviglia e Don
Ramiro dalla Cenerentola, entrambe opere di Rossini.
Nel mondo interconnesso di oggi, dove la comunicazione
è spesso quasi più rilevante dei contenuti, pensi ci
siano i presupposti per far tornare la musica lirica alla
sua originale vocazione popolare, magari riavvicinandola
ai giovani?
Assolutamente si, deve essere così. L’Opera vive del pubblico, è
un genere popolare, è un errore considerarla una nicchia, è uno
stereotipo. Rinnovare gli spettatori, accendere l’interesse delle
nuove generazioni affinché vivano il teatro come una forma di intrattenimento
anche divertente è indispensabile per la sopravvi-
Un regista che ti ha particolarmente colpito?
Pur non avendoci lavorato tantissimo – anzi mi piacerebbe ci
fossero nuove opportunità di collaborazione in futuro – ti direi
Davide Livermore; con lui ho lavorato nel Billy Budd di Britten al
Carlo Felice di Genova e mi ha colpito molto la sua grandissima
energia.
Messico, Germania, Austria, Danimarca, Inghilterra e
Russia sono alcuni dei paesi nei quali ti sei esibito. Che
differenze noti tra il pubblico straniero e quello italiano?
Senza retorica, in tutti i Paesi nei quali ho portato la mia voce
ho sempre trovato un pubblico molto caloroso, che ha grande rispetto
e attenzione per ciò che vede. Quello che ho potuto notare
è che all’estero, mediamente, gli spettatori sono più giovani. L’Opera
lirica, poi, gode di grande rispetto ovunque e se ci pensiamo
è uno dei pochi modi che fa parlare italiano nel mondo: nel dietro
le quinte ti trovi a collaborare in inglese con persone di ogni nazionalità
ma quando si è sul palco tutti cantano in italiano. È una
cosa che mi rende molto orgoglioso.
Come vivi il doverti continuamente spostare tra estero e
Italia? È facile coniugare lavoro e vita privata?
Qui tocchi un tasto dolente… È difficile per tanti motivi. Mi capita
spesso di svegliarmi, guardare il soffitto e non sapere dove sono
SUONO dicembre 2019 29

INSIDE
venza dell’Opera. All’estero mi è capitato di cantare in teatri sempre
pieni, anche durante la settimana, magari grazie a biglietti
proposti a prezzi abbordabili. Ben vengano anche altri contesti o
supporti di riproduzione – festival all’aperto, ad esempio, o la televisione
con dirette e registrazioni proposte in orari mainstream
e non di notte – tutto può aiutare per far conoscere l’Opera a una
platea più vasta e generare interesse.
Quanto sono importanti lo studio e la determinazione in
un percorso del genere?
Per me fondamentali. Il perfezionamento, lo studio, la ricerca
dell’eccellenza ti aiutano a essere competitivo sul mercato: ci si
confronta sempre con cantanti di tutto il mondo ed essere italiani
non significa avere un vantaggio sugli altri, il contesto è molto
meritocratico per cui occorre studiare tanto. Essere tenaci è
altrettanto importante, non mollare, non pensare mai di essere
arrivati e se lo si pensa, forse è arrivato il momento di appendere
l’ugola al chiodo! Personalmente continuo a mantenere il giusto
timore reverenziale nei confronti del palcoscenico: non è paura
ma rispetto, e penso che nel momento in cui manchi questo brivido,
l’esibizione cessi di essere viva.
Come ami ascoltare musica? Quali sono i tuoi ascolti ricorrenti
e quali quelli imprescindibili?
Ascolto assolutamente di tutto, amo il rock, in casa ascoltavamo i
Queen, i Toto, i Dire Straits, mi piacciono il cantautorato italiano,
la musica internazionale, gli esperimenti. Mi sono piaciuti molto
diversi dischi dei Muse. I miei ascolti non sono legati solo al
mio lavoro e non ho alcuno steccato culturale; questo mi consente
di arricchire il mio approccio al canto e, laddove richiesto, di
portare modernità nella partitura; essere cantante d’Opera non
significa essere un fossile! Ascolto musica come la ascolta un Millennial,
spesso in movimento, con cuffie Bluetooth e smartphone
attraverso i canali a disposizione.
Stai trascorrendo un autunno particolarmente “caldo”:
a ottobre in Germania con il Don Giovanni, a novembre
in Danimarca con Così fan tutte; a inizio dicembre, poi,
di nuovo in Italia con Concerti di Natale, tour di musica
sacra. Parlaci di questi progetti e del tuo più grande sogno
nel cassetto.
Fortunatamente le opere nelle quali ho lavorato a Friburgo e Copenaghen
sono entrambe di Mozart, così non sono stato costretto
a passare da un autore all’altro nel giro di qualche giorno! Dopo
due mesi lontano dall’Italia, non vedo l’ora di tornare per questo
bellissimo tour, una bella occasione per proporre musica sacra in
diverse città italiane.
Parlando con molta onestà, il mio sogno lo vivo tutti i giorni, potrei
dirti un titolo piuttosto che un altro che mi piacerebbe interpretare
in futuro ma si tratta in realtà di desideri non troppo
lontani dall’essere realizzati. Mi piacerebbe semplicemente proseguire
con la mia carriera internazionale e confrontarmi sempre
con nuove esperienze, mi ritengo già molto fortunato nel poter
fare ciò che mi piace, non è affatto scontato al giorno d’oggi!
30 SUONO dicembre 2019

INSIDE
di Paolo Corciulo
Cantano più
degli uccellini
PMB è un’azienda che negli anni ha ottenuto un largo successo anche nell’ambito consumer ma non ha
mutato il suo approccio produttivo, a cavallo tra artigianato e industria. Siamo andati a far visita alla nuova
sede che si affianca a quella visitata sempre da SUONO nel 2014.
Holme Court, Biggleswade SG18 9ST, United Kingdom: l’indirizzo
si riferisce al paese di Biggleswade (15.383 abitanti)
nella contea di Bedfordshire, a poco più di 30 km
di distanza dall’aeroporto di Luton e a circa 60 da Londra. Nei
dintorni della cittadina, nella campagna circostante, preceduto da
un “invito” costituito da un lungo viale all’interno di un bosco, si
apre l’ampia area di verde, oltre 20.000 mq, che costituisce Holme
Court, una costruzione in stile georgiano del 1860. Se non bastasse
il panorama mozzafiato che vi accoglie prima dell’ultima curva, è
lo stesso palazzo che si erge “dopo” l’ultima curva quando si arriva,
a lasciare senza fiato, con la sua maestosità, la tipica costruzione
in mattoni a vista e il fatto che il fabbricato abbia conservato molte
delle sue caratteristiche originali. È un luogo di pace dove si sentono
cantare gli uccellini e nulla lascia trapelare quanto accade all’interno
dell’edificio, anche perché in passato è stato utilizzato come scuola
per ciechi e men che meno, immaginiamo, l’architetto avrebbe mai
potuto immaginarne, tre secoli fa, l’uso odierno. Né avrebbe potuto
immaginare che gli ampi spazi sul tetto sarebbero stati utilizzati
per generare elettricità solare, scelta che invece è stata perorata nel
corso della ristrutturazione effettuata da Peter Thomas, fondatore
e proprietario dell’azienda.
“Era mia intenzione fare di PMC un’azienda il più verde possibile”,
racconta Thomas, “e così, date le questioni dei gas serra e del
riscaldamento globale che circonda l’uso di combustibili fossili,
l’installazione di un impianto solare è sembrato il primo passo
logico”. A tal fine sono stati installati ben 36 pannelli solari sul
tetto del magazzino e ogni pannello fornisce energia per 9,36 kW,
sufficiente a ridurre significativamente la dipendenza dell’azienda
dall’energia elettrica (prodotta da combustibili fossili) per gli uffici
amministrativi, di ricerca e sviluppo e di marketing che trovano
posto in questa antica magione…
Per snaturarla il meno possibile, la presenza di PMC appare per il
resto particolarmente discreta: solo una piccola targa all’ingresso
chiarisce cosa ci si appresta a visitare. All’interno l’uso senza eccessive
ridondanze del legno naturale mette in risalto quel che c’è,
disposto con rigore quasi scandinavo: l’imponente scala centrale,
la vezzosa pendola e le varie sale con soffitti alti. Una di queste,
vicina all’entrata e particolarmente ampia, è stata riadattata a sala
d’ascolto con un trattamento acustico discreto ma efficace: è qui
che ho ascoltato in anteprima Fenestria (vedi SUONO 538) ed è
qui che trova posto una parte, piccolissima, della collezione vintage
di Peter Thomas, quella dedicata all’elettronica, mentre i numerosissimi
modelli di diffusori (raccolti sia per diletto ma anche come
riferimenti con i quali confrontare le proprie realizzazione) sono
stati spostati dalla sede originaria (ancora attiva) in un ampio magazzino
al piano superiore, in attesa di essere catalogati ed esposti.
Le altre stanze al piano terreno vengono utilizzate per le varie fasi
di assemblaggio dei Fenestria e per la realizzazione del complesso
filtro di crossover (quello del crossover è una vera mania di Peter
Thomas dove investe ingenti risorse). Trova posto una mini sala
semi-anecoica dove sono stati effettuati in fase disviluppo i test
sui Fenestria che hanno richiesto ampi esperimenti sulla scelta
32 SUONO dicembre 2019

I BRACCI DI FIDELITY RESEARCH
SUONO dicembre 2019 33

INSIDE
dei materiali. Al piano di sopra, invece, i vari uffici amministrativi,
quelli di Peter Thomas e di Tim Ireland, il nuovo CEO di PMC che
si è aggregato alla società dopo aver svolto lo stesso ruolo in Meridian
e, precedentemente, quello di capo del product managment in
B&W, dove l’ho incontrato per la prima volta. Ireland ha il compito
di razionalizzare soprattutto il settore della distribuzione e delle
vendite. È un tipo alla mano ma tosto, chiamato a mettere ordine
nella gestione geniale ma naïve della famiglia Thomas dove Peter
assume la carica di presidente e il figlio Oliver prende in mano la
ricerca e lo sviluppo, soprattutto in merito alla scelta di nuovi materiali.
Insomma Fenestria sembra solo la sintesi di una nuova fase
di sviluppo di PMC da cui siamo autorizzati ad aspettarci ancora
molti capitoli. Senza dimenticare il senso di pace e l’armonia con la
mente che trasmette un posto come Holme Court...
34 SUONO dicembre 2019

INSIDE
di Vittorio Pio
Il suono
della sorpresa
Se è vero che molti si possono cimentare con un brano di Thelonious Monk ma pochi possono arrivare in fondo
con rispetto e originalità, Miles Okazaki, autorevolissima voce fuori dal coro del chitarrismo jazz mondiale
per la sua narrativa melodica virtuosa e imprevedibile, ha sorpreso ulteriormente con un’impresa davvero
temeraria, visto che ne ha registrato l’intero canzoniere con un ambizioso progetto che cullava fin da ragazzo.
Il risultato è semplicemente Work, una testimonianza di una passione
che consta di ben 300 minuti in un ipnotico solo in solitario che,
viste le frequenti richieste di addetti ai lavori, cultori e appassionati,
è stato stampato anche in un box autoprodotto di 6 CD dopo una prima
diffusione “liquida”. Un lavoro certosino, simile quasi a quello dei cercatori
d’oro, condotto costantemente sui temi ma senza effetti aggiunti,
proprio per fare rilucere l’inesauribile bellezza di queste note scaturita
dal genio monkiano. “La sua musica è come un cristallo”, ribadisce
cordialmente, “possiede molti spigoli e angolazioni al suo interno: non
è lineare, semmai tridimensionale, possiede anche il contrappunto ma
dal punto di vista ritmico puoi sentire il battito dell’Africa”.
Classe 1974, originario di Port Washington da una famiglia che lo ha
costantemente stimolato verso la musica, Okazaki è stato al fianco della
cantante Jane Monheit e poi (per circa dieci anni) membro dei portentosi
Five Elements di Steve Coleman, documentando al contempo un interessante
percorso solista con la Pi Recordings, nota per la sua predilezione
avanguardista che la accomuna alla Auand di Marco Valente, per cui ha
anche inciso un paio di dischi.
Perché fare un altro album di tributo a Monk? O meglio, che
senso ha avuto per te realizzarlo?
Ho iniziato a suonare la chitarra da bambino con brani classici e canzoni
popolari ma le cose sono cambiate nei primi anni dell’adolescenza,
quando ho iniziato a esplorare i grandi improvvisatori della Black American
Music: in quel momento sono rimasto affascinato dalla figura di
Thelonious Monk. Tutto ciò che ha fatto mi ha influenzato a un livello
così profondo da instradarmi in maniera irreversibile nella musica che
suono o che mi interessa approfondire e Monk continua a essere una
magnifica ossessione.
Quando hai capito che era il momento giusto per farlo e che
tipo di approccio hai usato?
Penso a questo progetto da quando ero adolescente. Ci è voluto un bel
po’ di tempo per avere l’esperienza e la fiducia per metterlo in pratica. Da
giovane ho raccolto una dozzina di brani o giù di lì, ma a quel tempo non
possedevo certamente il linguaggio necessario per approcciare questo
tipo di materiale con autorità. A vent’anni ho acquisito più vocabolario
ma la mia tecnica non era ancora all’altezza del compito. Ai 30 ero certamente
più sicuro ma mi mancava una visione personale del progetto
che andasse oltre la mera esecuzione e imitazione. Ora gli sto dando
un’idea anche se forse, più in là, penserò che avrei dovuto aspettare fino
ad avere sufficiente esperienza e maturità. Intanto l’ho fatto ed è una
sfida, d’accordo; ma sono interessato a sfidare il materiale in generale:
per quanto ne so, l’intero libro non era stato registrato su un singolo
strumento solista, e questa cosa mi è sembrata una sfida interessante;
la parte più difficile è di farlo in un modo che rispetti il materiale e il
compositore. Mi sono approcciato cercando la giusta dose di umiltà e
sperimentalismo. Per rispetto del materiale, ci sono alcune cose che non
mi sono permesso di cambiare: la melodia, l’armonia, la forma. Invece
ho agito molto sul ritmo proprio perché Monk è stato un Maestro di
imprevedibilità, nel suo continuo rimescolamento di angoli e possibilità
ritmiche. Alcuni brani hanno tempi molto diversi rispetto all’originale,
perché mi sono posto come obiettivo quello di variare gli approcci ritmici
a beneficio dell’ascoltatore.
Hai anche tenuto a mente il famoso diktat che lo stesso Monk
diede a Steve Lacy, ovvero: “Smettila di suonare tutte quelle
note sballate: sono stronzate! Concentrati piuttosto sulla
melodia...”?
36 SUONO dicembre 2019

INTERVISTA MILES OKAZAKI
Che strumentazione hai usato?
Su ogni traccia usa lo stesso set-up minimalista, ovvero una Gibson
ES 175 archtop modello Charlie Christian, amplificata da un Fender
Twin senza effetti per lasciare il suono nudo in evidenza: trovare continuamente
nuovi approcci è stata di gran lunga la sfida più grande di
questo progetto. Fondamentale è stato il supporto del brillante chitarrista
e ingegnere Liberty Ellman, che ha mixato e masterizzato i 70 brani,
prestando la sua abilità nel fare emergere un bel tono di chitarra. Ho
chiesto a Liberty di farla suonare come se ci fosse stato qualcuno nel
salotto di casa pronto per un concerto solista: la sensazione riportata è
stata esattamente quella.
È più importante la teoria o il linguaggio nel jazz?
Non sono molto a favore della teoria nel jazz, direi che l’approccio corretto
in musica è lo stesso che si usa quando si impara una lingua. Credo che
per imparare l’italiano, il giapponese o qualsiasi altra cosa sia necessario
interiorizzarla facendo molto ascolto. Se non è precisamente nelle tue
orecchie, o meglio se non l’hai assorbita a dovere, allora non suonerà
bene. La teoria è utile, ma non è la fonte: in altre parole, la mappa non
è il territorio.
Si ,certo, ha rappresentato la chiave di accesso: ho avuto la possibilità di
suonare con Lacy una volta nel 1994 e lui mi ha dato un suggerimento
simile: “Basta attenersi a queste note, sono sufficienti”. Nelle composizioni
di Monk c’è davvero molto materiale su cui lavorare: io ho cercato
di svolgere un’improvvisazione dopo averne distillato la struttura. Detto
questo, l’ascoltatore può sentire un sacco di “note strane” ma a volte
l’ardire del momento porta su strade sconosciute, sono stato molto aiutato
da alcune conversazioni che ho avuto con Steve Cardenas, amico
chitarrista e profondo conoscitore dell’opera monkiana e di successivi
confronti con Jerome Harris, Julian Lage, Rez Abbasi e Nels Cline, che
mi hanno fatto pensare di più a quella che poteva essere una trasposizione
chitarristica della sua musica che poi con pazienza, perseveranza,
concentrazione e ricerca del suono giusto ho cercato di onorare.
Adesso, invece, cosa stai ascoltando?
Mi sono piaciute alcune cose recenti di Kris Davis, Bill Frisell, Darius
Jones, Steve Lehman, Linda Oh. Ascolto ancora dischi che sono molto
più vecchi. In questo momento sto ascoltando un disco di Jimmy
Smith, The Boss.
Prova a definire il suono che stai ancora cercando...
È il suono della sorpresa, del mistero, dell’anima.
E quando si è trattato di registrare, come hai fatto?
Il mio processo è stato quello di lavorare su una canzone alla volta, trascorrendo
il tempo necessario per arrivarne al cuore prima di registrarla.
Questo ha comportato una prima revisione approfondita dei pezzi originali.
Ho scoperto via via che avevo molte melodie ancora da imparare
e che quelle che conoscevo avevano bisogno di molte correzioni. Quindi
ho iniziato a fare dei piccoli concerti in trio per elaborare il materiale in
pubblico. Altre contingenze mi hanno dato il tempo di sedermi e iniziare
a lavorare: così mi sono immerso, e come per tutte le cose Monk la cosa
si è fatta sempre più profonda. Ho registrato diverse takes, scegliendo la
migliore: usando questo approccio c’è voluto circa un anno per arrivare
a traguardo. Nelle registrazioni c’è tutto, esattamente come è successo,
non ho tagliato alcuna frequenza né eliminato interferenze; a volumi più
alti l’ascoltatore mi sentirà respirare o grugnire, ci saranno sedie cigolanti
mentre batto i piedi, oppure passeranno le ambulanze di Brooklyn, e si
sentirà sferragliare la mia vecchia chitarra attraverso l’amplificatore. La
priorità era quella di portare a compimento una performance improvvisativa
naturale e realistica, non un documento eccessivamente levigato.
SUONO dicembre 2019
37

INSIDE
di Marco Fullone
Rivisitando
il Re cremisi
Quando ascoltai per la prima vota questo capolavoro del prog frequentavo ancora le scuole elementari,
parliamo dei primi anni Settanta, e in quel periodo anche un ragazzino come me poteva assorbire un
mondo di musica in uno dei periodi più ricchi ed eclettici sul piano artistico. Nonostante l’età io e i
miei compagni di allora ascoltavamo questo disco apprezzandone l’originalità ma solo molti anni dopo
abbiamo colto realmente la strepitosa complessità della produzione, le coraggiose soluzioni sperimentali
tra rock, free jazz, folk e lo spessore dei testi.
In The Court Of The Crimson King non è album che necessita
di troppe presentazioni ma nel tempo ho compreso che si tratta
di un lavoro straordinariamente ricco di spunti innovativi,
ancora oggi è in grado di suscitare stupore e - soprattutto - di
non stancare mai. Scandagliando la mia cospicua collezione di dischi ho
scoperto di possedere 13 release di In The Court Of The Crimson King,
un vero record da accumulatore seriale, ma a ben guardare quando
un vero classico entra nel DNA della tua vita musicale difficilmente
te ne separi, ne segui l’evoluzione e sei disposto a tutto pur di poterlo
riascoltare con la speranza di cogliere qualche dettaglio in precedenza
sconosciuto, magari nascosto da master di dubbia qualità o dall’usura
del tempo che si insinua nei solchi di un vinile riprodotto chissà quante
volte su un glorioso giradischi Lenco L 75/S. Però, diciamoci la verità,
noi appassionati alla fine ci ricompriamo sempre gli stessi album, siamo
il bancomat di tanti artisti che fortunatamente possono contare su
uno zoccolo duro di pazzi che comprano e ricomprano nuove edizioni
sempre più ricche, espanse, riviste e rielaborate parallelamente alle più
sofisticare tecniche di remastering. Alla fine, per capire un po’ l’evoluzione
discografica di In The Court Of The Crimson King, ho rispolverato
le quattro copie in vinile (una rovinatissima stampa italiana originale
dell’epoca con copertina apribile, una stampa inglese degli anni Ottanta
con copertina a busta orrenda, non apribile), un picture disc degli anni
2000 e la ristampa inglese del 2010 con l’original stereo mix del 1969
rimasterizzato nel 2009 su vinile 200 grammi. Le copie CD sono di varie
epoche ma le più belle sono giapponesi, soprattutto quattro edizioni
splendidamente ristampate emulando la copertina in gatefold apribile
come l’LP originale, compresa la versione del 2009 che conteneva due
dischi, il CD con il mix stereo di Steven Wilson e il DVD Audio con il
mix 5.1 e stereo di Wilson con risoluzione 24/96 (ovviamente fa parte
della collezione anche la versione europea dello stesso prodotto ma non
stampata in maniera maniacale come fanno i giapponesi). Tutte queste
ristampe mi fanno ricordare che un numero simile di riedizioni le ho
comprate anche per altri capolavori come Aqualung dei Jethro Tull, The
Dark Side Of The Moon dei Pink Floyd, Songs In The Key Of Life di
Stevie Wonder oppure per gli album dei Genesis periodo Gabriel. Può
sembrare maniacale agli occhi di qualcuno: davvero ha senso spendere
tanti soldi per ricomprare essenzialmente le stesse canzoni? In effetti
per i più pragmatici la musica nella sua essenza non cambia (In The
Court Of The Crimson King per tanti rimane sempre lo stesso disco
di cinquanta anni fa, come dar loro torto?) e questo atteggiamento
38 SUONO dicembre 2019

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING - 50TH ANNIVERSARY EDITION
album alternativo completo comprendente mix del 2019 di Steven Wilson, inclusa
una versione in duo molto estesa di I Talk to The Wind, una versione del 19
giugno di In The Court of the Crimson King dell’ultimo giorno della band presso
Morgan Studios nel giugno 1969, un versione di Epitaph dominante e una versione
di Schizoid Man del 21° secolo che combina gli strumentali di Morgan con la
voce di Greg Lake degli studi Wessex e sovraincisioni di agosto 2019 di Mel
Collins e Jakko Jakszyk - questi ultimi due mixati da David Singleton. Un ulteriore
album contiene materiale aggiuntivo tratto dallo studio e in gran parte mixato
da Steven Wilson, inclusi estratti della cosiddetta “sessione del vento”. Il Blu-ray è
completato da una serie di mix strumentali del 2019 e dal frammento video live
finora inedito di riprese in bianco e nero di Hyde Park nel 1969. Tutto il materiale
di questo set apparirà anche nelle prossime Complete 1969 Sessions (l’ottavo
boxset della serie che documenta lo studio di King Crimson e le registrazioni dal
vivo dal 1969 in poi, che uscirà presumibilmente nel 2020).
King Crimson
IN THE COURT OF THE CRIMSON KING - 50TH ANNIVERSARY EDITION
Steven Wilson 2019 Remix, stereo e 5.1
Edizione 3CD / Blu-ray: presentato in 2 gatefold apribili sul genere dei Mini LP
Replica giapponesi contenenti i singoli CD più il libretto con le note redatte
da Sid Smith.
CD1: 2019 Steven Wilson stereo mix (approvato da Robert Fripp ) più la versione
2019 mix strumentali (con Moonchild modificato per la lunghezza della canzone).
CD2: Un’edizione estesa dell’album alternativo.
CD3: L’edizione originale del mix del 1969 più tracce aggiuntive.
Contenuti Blu-ray: Mix stereo e 5.1 2019 di Steven Wilson con risoluzione 24/96
in DTS HD Master Audio e LPCM. Edizione originale del 1969 in stereo 24/96. Un
Versione su vinile: doppio LP.
LP1: remix 2019 di Steven Wilson (a suo debutto su vinile).
LP2: selezione delle bonus track descritte in precedenza per il Blu-ray.
Chi segue i King Crimson sa bene che nel 2009 Robert Fripp iniziò la sua collaborazione
con Steven Wilson dei Porcupine Tree proprio con il box set di In
The Court Of The Crimson King contenente 5 CD e il primo DVD Audio della serie
di remaster. Si trattava del primissimo approccio a una massiva operazione
discografica che nel decennio successivo ha portato Fripp a ristampare una mole
enorme di album (molti nella versione CD + DVD Audio con il mix 5.1 e stereo in
alta risoluzione), senza contare i mastodontici box set Sailors’ Tales (1970-1972)
(contenente 27 dischi), Larks’ Tongues In Aspic - 40th Anniversary Edition (15
dischi), On and Off The Road (19 dischi), Starless (27 dischi), The Road to Red (24
dischi), Thrak (12 dischi), tutti in bellissime confezioni con memorabilia, CD e
versioni HD sia su Blu-ray Audio che DVD Audio più un’infinità di registrazioni
live inedite del periodo.
potrebbe generare una più ampia riflessione sugli aspetti legati allo
sfruttamento commerciale del repertorio musicale, cosa che voglio
evitare più della peste. Diciamoci chiaramente, però, che molti lettori
di SUONO saranno vittima come me delle riedizioni, ed è lecito immaginare
che nella loro vita avranno cambiato/aggiornato/modificato il
sistema Hi-Fi chissà quante volte, con l’intento di migliorare la propria
esperienza di ascolto. Questo giro di parole per contestualizzare questa
ennesima ristampa, soprattutto in considerazione del fatto che l’edizione
del 2009 per il quarantennale sembrava realmente la versione definitiva.
Qualche anno fa ebbi la fortuna di conoscere Steven Wilson nel backstage
dell’Alcatraz a Milano dove si esibì in uno dei suoi ormai memorabili
concerti. In quell’occasione chiesi a Wilson cosa si provasse a manipolare
i nastri di album che fanno parte della storia della musica e lui mi disse
che provava sempre un grande rispetto per questi lavori leggendari.
“Avere il privilegio di lavorare su tali capolavori”, mi disse, “è qualcosa
che ti responsabilizza, è richiesta umiltà di fronte a tanta bellezza. Poi
subentra la tua capacità di dare, con la tecnologia a disposizione, una
nuova veste sonora a qualcosa di unico”. Grazie all’esperienza accumulata
per le rielaborazioni in 5.1 dei Porcupine Tree, Wilson ha aperto una
nuova fase di grande importanza sul tema dei remaster partendo dai
nastri originali multi traccia, un’esperienza che lo ha portato a diventare
il guru dei remaster surround del mondo prog e rock grazie ai remix
per Yes, Gentle Giant, Jethro Tull, Emerson Lake And Palmer, Caravan,
Hakwind, XTC, Chicago e altri. A proposito di EL&P, per i quali Wilson
SUONO dicembre 2019 39

INSIDE
ha prodotto il remix solo del loro primo album, gli chiesi come mai si
fermò la collaborazione: “Diciamo che ci sono state vedute differenti
su come rielaborare la loro musica per i nuovi formati in alta definizione”,
ammise Stevan, “non voglio esprimermi più di tanto su questo,
rispetto il loro punto di vista, il mio metodo lavoro evidentemente
non andava bene”. Wilson in questo caso non si allargò più di tanto
ma tra le righe ammise che dovette combattere con lo smisurato ego di
musicisti leggendari. Ma quando parlai di Robert Fripp capii che era
in completa sintonia con lui e che grazie ai King Crimson la sua reputazione
nel settore dei remix era ormai diventata globale. “Con Fripp ci
siamo trovati subito”, mi raccontò, “e poter rielaborare un capolavoro
come In The Court Of The Crimson King e la straordinaria discografia
dei King Crimson ha avuto per me un’importanza fondamentale, ho
scoperto un mondo sensazionale di musica, musicisti incredibilmente
dotati, tutte cose che hanno profondamente influenzato anche la mia
produzione musicale”. Sicuramente in quell’occasione non immaginavo
minimamente che qualche anno dopo Wilson avrebbe riaperto
le sessioni di In The Court Of The Crimson King per una riedizione
dedicata al cinquantennale dell’album. Nell’annunciare su Facebook,
a ottobre 2019, l’uscita della nuova edizione, Fripp disse che avrebbe
sistemato alcune imperfezioni presenti in quella del 2009, prodotta in
un momento in cui non avevano ancora maturato l’esperienza che lui
e Wilson hanno oggi, dopo dieci anni di remaster.
Quando ascoltai per la prima volta il DVD Audio nel 2009, utilizzando
il mio lettore SACD/DVD Esoteric DVD UX-1, ricordo che rimasi
sconvolto: pur conoscendo a memoria il disco, non lo avevo mai sentito
suonare così. Personalmente sono stato un fan del multicanale sin
da subito; all’alba della diatriba tra Super Audio CD e DVD Audio ho
amato indistintamente questi due sistemi ma per certi versi il DVD mi
ha sempre convinto di più regalandomi un suono più caldo, quasi analogico,
mentre il SACD ha una definizione notevolmente superiore. Può
sembrare una sciocchezza ma anche gli stessi dischi ascoltati in stereo
o nel mix 5.1 su SACD e DVD Audio suonano in maniera differente:
posso portare molti esempi come Gaucho degli Steely Dan, Rumours dei
Fleetwood Mac, così anche per altri lavori di Diana Krall, Elton John,
etc. La versione DVD Audio ha un non so che di caldo, avvolgente, che
il SACD non possiede, almeno per le mie orecchie. Per In The Court
Of The Crimson King il confronto si può fare su due aspetti, quello
dei due mix elaborati a distanza di dieci anni e sul piano tecnico tra il
DVD Audio del 2009 e il Blu-ray Audio del 2019. All’epoca le macchine
multiformato con SACD e DVD Audio erano molte e di grande qualità,
oggi trovare un lettore Blu-ray con ambizioni audiofile è decisamente
più difficile, soprattutto se dotato di uscite analogiche. Per questa prova
ho usato un Oppo 105D che ritengo ancora un lettore di ottima qualità
mentre per il DVD Audio ho ricollegato l’Esoteric DVD UX-1. Messo
su il Blu-ray ho provato prima la traccia PCM 5.1 e poi quella DTS HD
MA. Tra le due codifiche ho notato forse un po’ più di volume e impatto
in quella DTS ma il PCM è a mio avviso più neutro. La mia curiosità,
però, riguarda più scoprire cosa ci sia di diverso rispetto all’edizione
di dieci anni fa. Ho dovuto ascoltare parecchie volte per essere sicuro
delle differenze. Probabilmente in questa ultima (e speriamo definitiva)
edizione c’è un’aria e una spazialità che forse manca al mix del 2009,
tutto è più limpido, nitido. Alterno con il DVD Audio e nella “vecchia”
edizione apprezzo comunque un punch che non ha il Blu-ray 2019;
non so, la sensazione è che qui ci sia più calore, ad esempio la voce
di Greg Lake esce dal Blu-ray straordinariamente presente, sul DVD
Audio più corposa, profonda e calda. Sono dettagli ma il concept è abbastanza
diverso, evidentemente l’approccio al remix digitale ha subìto
modifiche sostanziali rispetto a dieci anni fa, sebbene il master multi
traccia a 8 canali sia chiaramente lo stesso. Passando alla versione LP
con il mix 2019 rimango piacevolmente colpito rispetto ai vecchi vinili
della mia collezione, siamo su un altro mondo! Tutto è più intellegibile,
perfettamente definito, senza distorsioni e suoni confusi. Non ho mai
ascolto su LP la versione di Wilson del 2009 ma questa nuova, per chi
volesse passare dalle vecchie stampe al nuovo millennio, qui avrà un
bellissimo upgrade dei suoni.
In definitiva, se la nuova versione non aggiunge forse nulla di eclatante
sul piano sonoro rispetto al mix 2009, chi in questi anni ha fatto lo schizzinoso
evitando di ascoltare In The Court Of The Crimson King in 5.1
dovrebbe ricredersi perché l’esperienza sonora in surround è qualcosa
di unico, coinvolgente, e questa nuova edizione su Blu-ray può essere
una buona occasione per rimediare allo scetticismo. D’altronde quasi
tutte le più grandi band del prog come Genesis, Jethro Tull, EL&P, Yes,
Moody Blues, Pink Floyd e altre hanno ripubblicato gran parte della
loro discografia in surround, un’occasione per riscoprire capolavori
immortali.
40 SUONO dicembre 2019

SELECTOR TUTTO IL MEGLIO IN ARRIVO SUL MERCATO
a cura della redazione
GIRADISCHI
Pro-Ject The Classic Evo
È possibile che Heinz
Lichtenegger sia affetto da
bulimia monotematica con
indirizzo riferito al mondo
dell’audio analogico? Di
certo fin dalla tenera età
si rivelò un ambasciatore
del vinile, vendendoli alla
pompa di benzina della
madre. Risultato? In un
paesino di circa duemila
anime riuscì a piazzarne
cinquanta con una invidiabile
percentuale (2,5%)
tra gli abitanti!
Si trattava dei Thorens
TD166 MkII e se è vero
che “il primo amore non
si scorda mai” non è così balzano
il fatto che Lichtenegger,
in occasione del 25mo anniversario
della Pro-Ject, l’azienda
da lui creata e condotta fin nei
rassicuranti lidi in cui si trova
(una fabbrica di proprietà in Cecoslovacchia,
una sede modello
in Austria), abbia voluto festeggiare
con un omaggio alle antiche
passioni. A vederlo, infatti,
il Classic, presentato nel 2016, è
un giradischi che esteticamente
si allinea ai grandi classici degli
anni ’60 e ’70: Linn, Ariston e,
appunto, Thorens... Se ne è discusso
tanto dalla presentazione
ad oggi ma ben più dirompente
è il fatto che questo omaggio
rappresenti anche una sorta di
rottura con la tradizionale immagine
del marchio austriaco
legata alla soluzione a telaio
rigido, laddove invece il Classic
abbraccia quella del telaio flottante,
in linea, anche questa, con
le soluzioni che andavano per la
maggiore proprio negli anni ’70:
Linn e Thorens, ancora, o anche
Acoustic Research...
Più prosaicamente è invece probabile
che Lichtenegger, affetto
per l’appunto da bulimia Hi-Fi,
abbia semplicemente lo scopo di
scandagliare e conqui- stare
ogni aspetto
del rinnovato
mercato
sull’analogico, mercato del cui
rilancio per primo ha intuito le
potenzialità e che oggi presidia
in ogni aspetto. D’altronde
sembrano reperti archeologici
le controversie e le guerre sante
di un tempo. Trazione diretta
o trazione a cinghia? Valvole o
transistor? Perché doversi necessariamente
schierare su una
bazzecola come il tipo di isolamento
del corpo del giradischi,
posto che ormai quasi sempre
il motore viene comunque sospeso?
Per l’appunto l’atteggiamento
moderno delle aziende è
quello di partire dalle necessità
dell’utenza (a volte anche solo
indotte dalla pubblicistica...) e
se un costruttore può oggi superare
il concetto di family sound
proponendo modelli della
stessa gamma che
suonano palesemente
in modo differente
(a noi è capitato)
perché non far
convivere giradischi
con telaio
rigido e quelli
che lo hanno
flottante?
In realtà il
The Classic
e le sue evoluzioni,
il
175 Wiener
Philharmonic
Recordplayer
Prezzo: € 1.299,00
Dimensioni: 46,2 x 13,1 x 35,1 cm (lxaxp)
Peso: 10,5 kg
Distributore: Audiogamma S.p.A.
Via Pietro Calvi, 16 - 20129 Milano (MI)
Tel.02.55.181.610 - Fax 02.55.181.961
www.audiogamma.it
GIRADISCHI PRO-JECT THE CLASSIC EVO
Tipo: con braccio Telaio: subtelaio sospeso elasticamente dal
telaio principale da elementi in TPE Trasmissione: a cinghia
Piatto: alluminio e TPE Velocità (RPM): 33 1/3 e 45 Braccio:
dritto da 9 Alzabraccio: si Wow & Flutter (%): ±0.1 % Rumble
(dB): 70 Note: mobile in MDF con finitura noce e eucalipto, regolazione
di azimuth e VTA
42 SUONO dicembre 2019

TEST
(VPR - un omaggio alla Vienna
Philharmonic) e in seguito il The
Classic Evo introdotto recentemente,
oggetto di questo test e
“sunto delle esperienze precedenti”,
sembrano fare storia a
sé all’interno di un catalogo che
conta, per difetto, 13 linee ognuna
con almeno due varianti... Il
punto focale è costituito dal sistema
di disaccoppiamento basato
su sei palline in materiale
gommoso (TPE - thermo plastic
elastomers), l’equivalente delle
molle utilizzate negli altolocati
“apparecchi – riferimento” citati
in precedenza e che trovano posto
in altrettante sedi del telaio
separandolo dal controtelaio.
Questa soluzione, salvo errori
o smentite, viene utilizzata solo
nella linea The Classic e permane
inalterata nelle varie versioni,
inclusa quella recentemente
implementata.
Le variazioni fondamentali introdotte
con la versione Evo
dell’apparecchio sono di varia
natura. Nuovo è il sistema di
controllo elettronico della velocità
che permette di passare da
33 a 45 giri/min (e viceversa)
tramite un pulsante invece che
con la complicata operazione di
passaggio della cinghia di trasmissione
da una puleggia all’altra;
è stata inoltre decisamente
migliorata la qualità del contropiatto
che nella versione precedente
dell’apparecchio
era in plastica
(eccessivamente
Il telaio poggia su quattro piedi in
gomma fissati ad un elemento in
alluminio che si avvita al fondo, su
un giunto anch’esso in alluminio.
L’ampia filettatura consente anche di
regolare l’altezza e la messa in bolla
del giradischi.
economica, in verità) e ora, ereditando
la soluzione utilizzata
dal Wiener Philharmonic Record
Player, è in alluminio lavorato
con un taglio di precisione
molto accurato. Anche il braccio
ha subìto dei cambiamenti:
il tubo è costituito da un sandwich
di carbonio e alluminio,
il cuscinetto è stato aggiornato e
il contrappeso cambia di forma
e incorpora il materiale smorzatore
TPE utilizzato in altre parti
del prodotto. Anche il sistema di
compensazione dell’antiskating
è stato modificato nel braccio
che eredita sempre l’appellativo
Evo: il contrappeso scorre su
un perno in ottone solidale con
il supporto di sostegno, abbandonando
il vecchio sistema del
filo in acciaio fissato alla base,
dall’aria posticcia e provvisoria.
La regolazione dell’azimut e del
VTA, inoltre, sono state rese di
facile accesso anche se nel The
Classic la posizione della ghiera
di sostegno in cui scorre il supporto
del braccio è collocata in
posizione leggermente incassata
rispetto al piano, quindi è fornita
una chiave esagonale a brugola
con il braccio molto corto. La
regolazione, una volta inserita la
chiave apposita, è semplice in
quanto basta allentare leggermente
le due viti e il braccio
scorre in verticale con un movimento
sicuro e frizionato. Si
tratta comunque di un’operazione
da fare raramente e in fase di
tuning della testina. Nell’ambito
dell’approccio filosofico della
casa austriaca alle problematiche
connesse allo sviluppo del
piatto (Pro-Ject non considera
validi i piatti realizzati in fusione
che sono molto pesanti, il che è
un bene per la costanza di velocità
e i bassi tassi di wow e flutter,
ma se di metallo massiccio,
soffrono degli effetti di ringing),
quello utilizzato già sulla precedente
versione è in una lega di
alluminio tornita dal pieno, con
una massa importante ma con
una corona circolare esterna
completamente riempita con un
elemento viscolelastico TPE che
ricorda molto le caratteristiche
dello stesso TPE impiegato per
il contrappeso del braccio. Nel
The Classic Evo il cuscinetto
utilizzato trae spunto da quanto
messo a punto nel Vienna
Philharmonic Recordplayer.
Ulteriori upgrading, apparentemente
di minore impatto, sono
stati effettuati sullo chassis, reso
maggiormente pesante e rigido e
nell’isolamento della basetta del
braccio dalle vibrazioni.
La messa in opera del giradischi
I cavi di segnale collegati alla testina
sono saldati su due connettori RCA
fissati su una basetta in metallo solidale
al fondo del giradischi. Sul lato opposto,
l’ingresso di alimentazione a 15VDC. Le
cerniere di sostegno del coperchio sono
le tipiche di Pro-Ject utilizzate in gran
parte della produzione in cui si innesta
la copertura trasparente.
SUONO dicembre 2019 43

SELECTOR
DATI RILEVATI
BRACCIO
lunghezza (“): 9.17
ETL (mm): 233
PTS (mm): 214,5
OvH (mm): 18.5
Peso sulla puntina senza contrappeso (gr): 26
Contrappeso (gr): 125
Il controllo elettronico della
velocità è collocato al di sotto
dei pulsanti di selezione fra 33
e 45 giri, mentre il circuito di
potenza che alimenta il motore è
collegato a ridosso del connettore
di alimentazione.
PIATTO
Diametro (mm): 300
Massa totale rotante (gr): 2581
Diametro perno (mm): 6
Legenda
ETL = effective tonearm lenght PTS = distanza
tra gli assi OvH = overhang
Il sistema di accoppiamento viscoelastico fra telaio e
controtelaio impiega sei sfere in gomma posizionate
in sedi cilindriche del telaio sule quali poggia il
controtelaio. In prossimità della sede del perno è
collocato un disco in neoprene che, aderendo alla
sede del perno, attua una sorta di dissipatore per
smorzare le seppur lievi oscillazioni del controtelaio.
Il contropiatto è realizzato dalla tornitura di un
elemento pieno di alluminio in cui è inserito a
pressione l’asse.
Il piatto è ottenuto dalla tornitura di un elemento in lega
che poggia direttamente sulla corona circolare esterna del
contropiatto. Nella parte interna sulla circonferenza è stata
ricavata una gola che ha la funzione di aumentare il momento
angolare con una massa ridotta del piatto e di smorzare le
vibrazioni grazie all’utilizzo di un elastomero che riempie la gola.
44 SUONO dicembre 2019

TEST PRO-JECT THE CLASSIC EVO
PRO & CONTRO
Il sistema di bloccaggio del braccio nella
sede di riposto impiega due piccoli
magneti in neodimio incassati nella
sede e nel braccio: quando il braccio è
vicino alla sede, la tenuta magnetica
è molto potente.
Fuori classe di nome e di fatto rispetto alla
normale produzione della casa, il Classic Evo si
differenzia non solo per essere l’unico con telaio
flottante ma anche per il desiderio di scatenare
un effetto iconico li dove, in generale, l’immagine
del marchio è più legata all’idea di value for
money. Si ripercorrono temi del passato senza
scimmiottarli ma con un melange che fa tesoro
delle cifre stilistiche proprie ma aggiunge un po
di polvere di stelle al prodotto
Lo shell è ricavato
direttamente
dalla formatura
del tessuto in
carbonio che
costituisce la parte
esterna della canna
del braccio.
La canna in alluminio rivestita in fibra di carbonio, si innesta nella sede
del cuscinetto in cui è inserito anche il perno di sostegno del contrappeso,
disassato verso il basso. L’antiskating, attutato dal peso, agisce su un perno
in ottone e scorre su un altro solidale al sostegno del giunto. Il contrappeso
è cavo e ingloba un materiale viscoelastico che lo isola dal braccio.
è molto veloce: basta rimuovere
le tre viti per il trasporto e l’apparecchio
è pronto per l’uso. Si
apprezza immediatamente la
differente risposta del sistema
alle sollecitazioni: il controtelaio,
anche se non flottante, si
rivela disaccoppiato dal resto
del telaio con spostamenti
minimi ma con marcato isolamento.
Anche il telaio, o meglio
tutto il sistema, continua a
“flottare” sul piano di appoggio
in quanto i piedi di appoggio
sono gli stessi utilizzati in tutti
L’alimentatore da 15VDC è del tipo
universale a parete con le spine
intercambiabili che accetta tensioni
in ingresso da 100 a 240 VAC.
gli altri sistemi, costituiti dal
giunto in gomma che tende a
far muovere il sistema in tutte
le direzioni ammortizzando le
vibrazioni sui tre piano ortogonali.
In definitiva, siamo di
fronte a un telaio flottante e un
controtelaio anch’esso flottante.
Se ne ammira il buon livello
costruttivo - con l’eccezione del
controtelaio che poteva essere
rifinito in modo più raffinato
- ma soprattutto è facile constatare
fin da subito le qualità
del The Classic Evo: il giradischi
è abbastanza sordo e
insensibile alle vibrazioni e la
rotazione del piatto avviene
con pochissimo se non alcun
rumore e il minimo di inerzia.
Anche il braccio appare molto
ben fatto, con un movimento
fluido, e si apprezza l’inusuale
sistema di messa a riposo che
utilizza un doppio magnete,
adoperato in luogo del tipico
sistema a clip. Semmai va notato
che il contrappeso, pur di
diametro abbastanza grande, è
piuttosto leggero e nel caso di
testine che richiedono una forza
d’appoggio particolarmente
elevata occorre utilizzarne uno
più pesante offerto da Pro-Ject
come accessorio.
Tenendo a mente questo limite,
la pletora di fonorivelatori
utilizzati, ovviamente vari per
prezzo e prestazioni, sembra
trovare un tratto comune
nell’esaltazione del dettaglio
delle performance sonore
indipendentemente
dalla porzione di frequenze
prese in esame. Caratteristica
abbinata a una velocità negli
attacchi e nei rilasci che appare
migliore rispetto a giradischi
competitor. In assoluto il Classic
Evo contribuisce a performance
sonore di grande gradimento,
in omaggio alla classe
media (e a una parvenza di microlusso
nell’aspetto e nelle modalità
d’uso) di appartenenza.
Certo la versione evo costa
sensibilmente di più del precedente
Classic ma va anche
detto, limitando la concorrenza
a quanto offerto “in casa”,
che quel gap risulta ben speso
rispetto ad altri modelli della
casa austriaca sotto i mille
euro e, in assoluto, nella fascia
di appartenenza ben pochi
concorrenti, vuoi per una
o per l’altra caratteristica (difficilmente
per tutte insieme),
possono effettivamente considerarsi
un competitor.
SUONO dicembre 2019 45

SELECTOR
di Paolo Corciulo
Dalle finestre la vista si perde sulle tranquille acque del lago Lemàno, anche conosciuto come lago
di Ginevra (si tratta del maggiore lago della Svizzera), sulle cui sponde sorge la cittadina di Coppet.
Non dovete addentrarvi nello splendido centro medioevale o nel maestoso castello per assaporare il
profumo di Hi-Fi ma avvicinarvi alle case unifamiliari grandi e piccole sulla riva del lago, dove ricchi
possidenti della zona e pendolari godono di momenti di pace e intimità...
di Serge Schmidlin
(villa con
L’antro
piscina), uno degli
ultimi fautori in salute del tayloring
in Hi-Fi, si trova proprio
in questa zona; una dimensione
tranquilla e quasi trascendentale
che contribuisce all’immagine
zen del produttore, anche
se Schmidlin la coltiva dall’alta
di una sicurezza finanziaria
raggiunta con un incarico dirigenziale
particolarmente redditizio
in tutt’altro campo (ha
un dottorato in biochimica e ha
acquisito una vasta conoscenza
della biofisica e della fisica).
Solo “da grande” ha deciso di
dedicarsi all’alta fedeltà con il
desiderio di creare soluzioni
non convenzionali, a cominciare
dal dotare le sue creature
di alimentazione a batterie per
non dipendere direttamente
dalla corrente di rete. Dal
2009 Schmidlin ha cominciato
a collaborare con Jean Hiraga
e con la cinese Hanss Acoustics
(costruisce giradischi) trasformando
in professione la sua
passione e creando la Audio
Consulting con cui ha realizzato
una serie di progetti eterogenei
ma fedeli a una precisa filosofia
(ampiamente illustrata sul
sito della società): si tratta di
UNITÀ PHONO
Audio Consulting Silver Rock
SUL CAMPO
Prezzo: € 32.500,00
Dimensioni: 42 x 28 x 25 cm (lxaxp)
Peso: 20 Kg
Distributore: Musica & Video - www.musicandvideo.it
Tipo: MC Tecnologia: a stato solido Note: Trasformatori
di ingresso Toroidal Silver Rock MC con cavo Cryo Silver,
RIAA con resistenze e induttanze toroidali Silver Wire,
trasformatori di uscita Toroidal Silver Rock tutti costruiti a mano.
Guadagno: 70 dB, alimentazione a batteria interna.
46 SUONO dicembre 2019

TEST
produzioni in serie limitata,
personalizzabili, caratterizzate
dalla particolare cura sia
nella progettazione che nella
realizzazione artigianale, scelte
attuate con lo scopo di raggiungere
un suono “live” in grado
di emozionare l’ascoltatore.
Il legno è il materiale preferito
da Schmidlin che assicura al
suo potenziale utente prodotti
esclusivi anche in termini di
costi spesso fuori di testa ma
che offrono prestazioni soniche
davvero impressionanti così
come, nel caso di chi scrive,
è stato possibile verificare in
occasione del Monaco Hi-End
2015 quando si rivelò (perlomeno
a noi); lo giudicammo
il miglior impianto della fiera
(vedi SUONO 498)!
Sull’onda emotiva di quell’ascolto
non mi è sfuggita tra le
tante notizie di questo genere
quella che annunciava la distribuzione
in Italia dello stadio
fono di Audio Consulting (un
progetto che “regge” dal 2003)
da parte di Musica & Video di
Maurizio Vecchi, persona che
stimo assai nel disarmante
panorama offerto dall’Hi-Fi.
In realtà per Audio Consulting
si dovrebbe parlare di un
ritorno, vista una precedente
sfortunata esperienza distributiva
nel 2007. E la curiosità
è stata lo stimolo per recarmi,
armi e bagagli, nel ravennate,
dove Vecchi ha la sua sede/
negozio, interpretazione di del
binomio negozio-distributore
o distributore-negozio fattasi
strada nel recente passato. Una
caratteristica di questo nuovo
elemento lungo la filiera distributiva
è quella, in genere,
di distinguersi per la capacità
di pescare nel panorama mondiale
le eccellenze tra i marchi
per così dire minori o dove la
normale filiera distributiva
risulterebbe troppo onerosa;
un compito assai in linea con
quell’attività di scouting di cui
SUONO è fautore: proprio Vecchi,
infatti, sarà nel breve futuro
oggetto di un ritratto dedicato
sulle pagine della rivista.
Nella sede di Musica&Video ci
sono un paio di classiche sale
con esposizione statica e funzionante
dei prodotti Hi-Fi e
una sala d’ascolto che, invece,
di classico non ha pressoché
nulla: è di grandi dimensioni
e, cosa che non guasta, ospita
la collezione di registratori a
bobine e i titoli su nastro di cui
Vecchi è un fautore: si possono
ascoltare o, come nel caso in
oggetto, utilizzare come brani
di riferimento. Due buone ragioni
per ipotizzare che quanto
verrà scritto da qui in avanti
abbia un carattere abbastanza
oggettivo: il fatto che in quella
sala il livello qualitativo sia
talmente discriminante da
consentire l’identificazione di
qualsiasi cosa non sia di pari
livello e la possibilità, per qualsiasi
appassionato, di concordare
un test d’ascolto
che Vecchi organizzerà
volentieri.
In altre
parole: potete
toccare con mano
quando volete quel
che proverò a descrivere
e condividerlo o
meno!
Cominciamo dall’estetica
dell’Audio Consulting
Silver Rock che è tanto originale
quanto discutibile e
non può che essere
catalogata con il
classico “de gustibus”.
In funzione
delle richieste
del cliente i frontali
possono essere comunque
personalizzati e presentano
in genere una lastra di metallo
su cui trovano posto i
comandi, mentre un ulteriore
inserto sul pannello superiore
porta il logo del produttore.
Che si tratti di un apparecchio
estremo (un unico ingresso e
un’unica uscita, nessun tipo di
regolazione) appare chiaro fin
dall’esame del frontale, dove
svetta un unico pomello di
grandi dimensioni (sviluppato
soprattutto in lunghezza) e
realizzato in legno di Cocoba:
accende e spegne il dispositivo
mentre un doppio diodo a
emissione di luce visualizza lo
stato di carica per ogni singolo
canale. Niente Mute o altri comandi:
guadagno e carico sono
impostati automaticamente e
anche la RIAA non è regolabile.
Il mobile è realizzato in MDF,
con la superficie colorata in
un marrone molto scuro, frutto
di un trattamento ad hoc:
Schmidlin evita per scelta la
lacca a favore di oli da passare
a mano (sette strati, dicono);
all’interno tutto lo chassis è
rivestito in rame (compreso
il coperchio) con una lamina
sottile in modo che, alla fine,
la struttura appaia ancora
abbastanza leggera. Uno dei
“credo” di Schmidlin, infatti,
è la riduzione (perseguita a un
livello quasi parossistico) dei
disturbi generati dall’alimentazione
(CA, EMI/RFI) ma anche
A livello circuitale agli step-up segue un dispositivo attivo con crossover RIAA induttivo
e il trasformatore di uscita. Nella metà di destra vengono ospitate due batterie da
12V che possono alimentare il sistema per oltre una settimana visto che l’apparecchio
è stato studiato in fase di progetto per consumare il meno possibile (in genere per
arrivare con precisione alle tensioni richieste, Schmidlin realizza in proprio banchi
di batterie al litio). Sulla sinistra i due trasformatori MC in argento: sono anch’essi
personalizzati e avvolti a mano. L’elettronica, per quel che si vede, è limitata a una
motherboard con quattro amplificatori operazionali e alcuni componenti con cablaggio
in aria.
SUONO settembre 2019 47

SELECTOR
IL SISTEMA UTILIZZATO
Registratore a bobine Studer A
812, Giradischi TW Acoustic Raven
AC, Braccio Graham 2.2 Supreme 9
pollici, Testina Lyra Etna, Pre Fono
Audio Consulting Silver Rock Preamplificatore
Spectral 30 SW Finale di
potenza Alieno 250 LTD Diffusori
Avalon Acoustic Saga Cavi Lyra Phono
Pipe 5 pol per collegamento della
testina - De Antoni Dotto per segnale
e potenza Studer A 812.
Sul retro una coppia RCA per ingresso e una per l’uscita, oltre a due prese per gli alimentatori che non sono studiati per alimentare
il dispositivo, ma caricare solo le batterie integrate.
quelli relativi al comportamento
ferromagnetico e paramagnetico
dei materiali.
Disponendo di un guadagno
di medio livello, l’apparecchio
può essere interfacciato con
una vasta pletora di testine
MC anche se, per esperienza,
di Vecchi il miglior matching è
quello con la Lyra Etna ed è in
questa configurazione che ho
ascoltato l’apparecchio (vedi
il box sulla catena d’ascolto
utilizzata). Nelle intenzioni di
Schmidlin questa potrebbe e
dovrebbe essere l’unica deroga
al concetto di integrazione
verticale di un sistema, concetto
che porta avanti avendo
sviluppato sia un giradischi
che un amplificatore e dei diffusori;
credo, comunque, che
non avrebbe da obiettare sulla
catena Hi-Fi scelta e ascoltata
in alternativa!
Utilizzando come riferimento
mnemonico i precedenti
ascolti effettuati nella sala di
Musica&Video (nella opinabile
opera di stabilire con un minimo
di dettaglio lo specifico
contributo dell’Audio Consulting
Silver Rock al risultato
complessivo) mi ha colpito in
maniera molto chiara la sua capacità
nel riproporre un suono
dalle caratteristiche spiccatamente
live, dove il livello di trasparenza
e la capacità dinamica
sono evidenti, pur tenendo
conto del fatto che la maggior
parte del software utilizzato (le
take su nastro a bobina di vari
artisti) hanno dell’immediatezza
una delle caratteristiche
pregnanti. Questa sensazione
di veridicità è contestualizzata
in un quadro sonico generale
che non rinuncia per questo
a una raffinatezza inusuale e
a quelle armonie che addolciscono
il suono di norma (anche
se in minima parte) a discapito
del suo realismo. Ecco: qui
questo scotto non si avverte, la
coperta non appare mai corta e
via via prende corpo un ascolto
godibilissimo, davvero di assoluto
livello, che si vorrebbe
continuasse all’infinito!
Al tempo stesso è chiaro che
un prodotto come l’Audio Consulting
Silver Rock non solo
non è per tutti (e il prezzo,
elevato, è solo una delle ragioni)
ma risulta decisamente
“per pochi iniziati” ai quali, in
certa misura, viene suggerito
di aderire alla filosofia di Schmidlin
e cominciare un percorso
oneroso (sia dal punto
di vista economico che nelle
aspettative e nelle abitudini
assimilate nella qualità d’ascolto,
dove è poi difficile fare
marcia indietro). Attualmente
ho sviluppato qualche anticorpo
in merito ma la malattia è lì
alla finestra in attesa del momento
giusto…
48 SUONO dicembre 2019

SELECTOR
a cura della redazione
CONVERTITORE
Vincent DAC-7
Sembra ad un punto di
svolta la storia del marchio
Vincent soprattutto se
il potenziale utente saprà
avvicinarsi al prodotto e
al marchio con occhi scevri
dai pregiudizi e dall’immagine,
frutto dell’impostazione
originaria delle
politiche di marketing che
oggi non è più quella di un
tempo...
Che esista un peccato
originale, nel caso di
Vincent, è cosa nota,
ma la storia dell’azienda formalmente
si potrebbe anche
rileggere cosi: Vincent, marchio
del gruppo internazionale
Sintron (specializzato nella
progettazione, produzione e
commercializzazione di prodotti
elettronici di varia natura,
dalla video sorveglianza
alle autoradio ai miscelatori)
è stata la prima o tra le prime
(1995) aziende a intuire le potenzialità
della formula “progettazione
occidentale e produzione
orientale” alla quale
andrebbe aggiunta la fondamentale
postilla “sotto controllo”
riferita alla scelta e alla
verifica qualitativa di quanto
offerto sotto un marchio la cui
scelta del nome rimane un mistero,
se non un’assonanza con
il latino e
la fiera convinzione (vincere,
vicisse, victurum esse) di
poter conquistare
un mercato,
quello
d e l
v a -
lue for
money,
dove
gli inglesi, chi più chi
meno, hanno fatto nel tempo
harakiri. In questa luce Vincent
è tra le prime testimonianze
della new economy Hi-Fi,
apripista di un trend che ancora
oggi è in piena evoluzione.
Così l’azienda, pur non avendo
azzeccato al primo colpo la linea
di prodotti (ma d’altronde
solo chi non fa non sbaglia)
caratterizzati in origine da un
design che, per essere gentili,
prendeva a spunto dai classici
allora sul mercato, ha nel
tempo ribaltato l’approccio: da
cloni a clonati,
visto che
oggi sul mercato
esistono, corum
popoli, dei Vincent con
qualcosa in meno (Cattylink
e Shengya) e non il contrario!
Elemento comune di molte se
non tutte le realizzazioni, la
scelta della soluzione ibrida
che nel tempo è diventata il
marchio di fabbrica di Vincent
che si affida a una autorità
in materia, il tedesco Frank
Blöhbaum, già agli onori delle
cronache specialistiche per lo
sviluppo di un brevetto di amplificatore
flottante bilanciato
per Thorens (il preamplificatore
TEP 3800 e il finaleTEM
3200).
Punto di svolta di una gamma
che almeno in parte ancora si
porta dietro la confusione stilistica
degli inizi e, in generale,
si impronta a un
sano conservatorismo
dove prevale
la robustezza
alla novità,
il DAC-7
più che un
“personaggio
in cerca d’autore”
appare
una delle prime
Prezzo: € 1.780,00
Dimensioni: 43 x 9,5 x 36 cm (lxaxp)
Peso: 6,5 kg
Distributore: Audio Living Design
Via Pantanelli, 119 - 61025 Montelabbate (PU)
Tel.0721.472.899 - Fax
www.audiolivingdesign.it
CONVERTITORE VINCENT DAC-7
Sistema di conversione: AKM AK4490 Risp. in freq. (Hz): 20 -
50.000 +/-2 dB THD (%): < 0.0004 Ingressi digitali: USB Hi-res,
IIs, 2 coassiale, 2 ottica, 1 AES/EBU Uscite analogiche: 1 RCA,
1 XLR, 1 cuffia S/N (dB): > 95 Note: USB a 32 / 384 e DSD 256.
Uscita selezionabile a valvole con 1 x 6Z4, 2 x 12AU7
50 SUONO dicembre 2019

TEST
sorgenti con una identità ben
definita in un catalogo che spazia
fra molte di natura digitale,
prevalentemente lettori CD,
caratterizzate da meccaniche
e impostazione ancora molto
tradizionali ma con l’aggiornamento
della sezione digitale
attraverso la quale il lettore
si è via via trasformato in hub
digitale grazie all’inserimento
anche di una connessione USB
ad alta risoluzione.
Il DAC-7 ha molto in comune
dal punto di vista dell’amplificazione
e delle soluzioni
analogiche con il lettore CD
CD-S7 anche se la sezione di
conversione è fra le più aggiornate
del catalogo e abbandona
Burr Brown per AKM, anche
in considerazione del fatto che
il DAC, non più legato a filo
stretto con il lettore CD, deve
supportare formati al di sopra
dei 44.100 kHz / 16 bit e anche
DSD. In effetti, finora nessun
prodotto della casa supportava
il DSD e formati PCM al disopra
dei 192 kHz, un po’ come
se il tempo si fosse fermato al
disco ottico solo CD al massimo
HDCD su cui Vincent ha
investito sfoggiando il supporto
a tale variante del Red Book.
In altri termini il DAC-7, nella
sua totale abnegazione a una
filosofia aziendale schierata
nella tradizione e nelle soluzioni
a tubi, fa comunque un
passo avanti e abbraccia i formati
ad alta risoluzione! L’impostazione
tradizionalista del
DAC-7 si apprezza anche per la
realizzazione di altri tempi in
cui i circuiti utilizzano componenti
tradizionali, non SMD,
ma con i reofori saldati direttamente
sul PCB con piste di
grandi dimensione e fori metallizzati.
Il circuito dedicato al
digitale, invece, utilizza componenti
SMD e layout specializzato
in quanto presenti oltre
al chip DAC anche i circuiti di
controllo e di elaborazione del
segnale. A notare l’adozione
di clock di precisione differenziati
per i segnali con base
44.1 kHz e 48 kHz e linee di
alimentazione dedicate e stabilizzate
per ognuno dei blocchi
funzionali; insomma, una
realizzazione che appartiene a
ben pochi prodotti “moderni” e
soprattutto appartenenti a una
fascia ben al di sopra di quelle
di appartenenza. Si aggiunga
una versatilità fuori dal comune
per un DAC e, come accennato,
molto simile al concetto
di hub digitale (senza regolazione
del volume, però!).
A dispetto della natura digitale
dell’apparecchio, l’utilizzo e le
impostazioni sono analogici e
molto “manuali” in quanto il
telecomando assolve esclusivamente
alla funzione di selettore
degli ingressi. Questo
accade invero in modo molto
comodo, potendo scegliere
le sorgenti direttamente che,
nel caso di sei scelte, diventa
un’ottima opportunità, come
per la selezione del mute,
La valvola 6Z4 utilizzata nella liena di
alimentazione dello stadio a valvole
è collocata sul pannello anteriore
visibile attraverso un oblò. Nella
parte posteriore è stato inserito
uno schermo in metallo lucido
che ha anche la funzione di
riflettere la debole luce emessa
dal filamento di riscaldamento.
Per accentuare il debole effetto
luminoso, sono stati inseriti sei LED
che emettono lo stesso colore del
filamento incandescente. È possibile
sceglie fra tre intensità luminose: quella
più debole simula perfettamente l’effetto.
funzione anch’essa spesso
sottovalutata. Dal pannello
frontale, invece, il tasto
di accensione è meccanico e
interrompe l’alimentazione
dell’apparecchio e non è prevista
una funzione di stand-by.
Anche il tasto per la scelta della
modalità di amplificazione
a stato solido o a tubi è di tipo
meccanico con commutatore
interno. La selezione degli
ingressi, invece, ha un unico
tasto e dal pannello frontale
avviene in modo sequenziale,
il che potrebbe essere fastidioso
soprattutto quando si
vuole passare da una sorgente
a un’altra disposte lontane fra
loro. Infine, l’ultimo comando
totalmente meccanico e analogico
è quello relativo alla
regolazione del volume della
cuffia tramite un potenziometro
a fianco del connettore jack
da 6.3 mm. In effetti tramite il
telecomando si accede a quelle
che sono le funzioni primarie
dell’apparecchio e quelle
più utili quando si ascolta la
sorgente dal punto di ascolto
senza distrazioni e senza un
approccio compulsivo. Forse
sarebbe stata utile la regolazione
del livello della cuffia
anche se, nella maggioranza
delle installazioni, il DAC risulterebbe
troppo lontano dal
punto di ascolto tanto che per
quel tipo di utilizzo si opta per
disposizioni ad hoc che alla
fine non rendono necessario
l’utilizzo di un telecomando in
quanto l’apparecchio si trova a
“tiro di braccio”.
La possibilità di passare dalla
modalità a stato solido a
quella a tubi tramite telecomando
avrebbe potuto essere
un’opportunità: è piacevole
poter scegliere tra le due ma
La dotazione di ingressi rende
l’apparecchio un Hub digitale a tutti gli
effetti, soddisfacendo la maggior parte dei
bisogni dell’utente: doppio collegamento
coassiale, doppio collegamento ottico
un ingresso AES/EBU tutti in grado di
supportare PCM a 192/24 e la connessione
USB che si spinge a 384/32 2 DSD 256.
Le uscite analogiche sono disponibili sia
nel formato single ended che bilanciato.
È presente un selettore a quattro stadi
per la regolazione dell’illuminazione della
valvola frontale.
SUONO dicembre 2019 51

SELECTOR
Il segnale
viene
prelevato
all’uscita
del selettore
stato solido/Tubi e inviato al buffer di
amplificazione per la cuffia, realizzato
su un PCB a ridosso del connettore jack
da 6,3mm.
A capo della
elaborazione del
segnale c’è un
FPGA Altera
Cyclone IV
Il DAC è un Asahi Kasei
AKM AK4490EQ che accetta
segnali in ingresso PCM fino
a 768kHz e DSD 11,2MHz.
Lo stadio a valvole impiega due
tubi ECC82 a doppio triodo, uno
per ogni canale e una valvola
6Z4 come rettificatrice nella
linea di alimentazione.
Il ricevitore
USB è un XMOS
U30870C10 che
comunica direttamente
con il DSP, mentre i segnali spdif
passano per il ricevitore AK4118AEQ.
Il filtro in uscita al DAC
adotta amplificatori
operazionali Burr
Brown OPA2604
che successivamente
giunge ai due stadi di
uscita, uno a valvole e
l’altro a stato solido.
la funzione sul telecomando
potrebbe essere una tentazione
molto forte, tale da scadere
nel compulsivo e quindi
sposiamo in pieno la scelta
fatta, qualunque sia stata la
motivazione di Vincent nel
non fornire in remoto questa
opzione. Dal pannello posteriore
è possibile selezionare il
livello di retro-illuminazione
della valvola anteriore fra tre
livelli e la posizione off. L’effetto
di “realtà aumentata”
della luce della valvola, sebbene
artificioso, è abbastanza
plausibile e, rispetto all’oblò
totalmente spento, la prima
posizione è d’effetto e richiama
molto da vicino il filo rovente
che affiora dalla griglia della
valvola. Anche in questo caso
si tratta di una scelta da fare
un volta in quanto il selettore
è poco accessibile dietro
all’apparecchio.
L’elemento che spicca maggiormente
all’ascolto è la
grande spazialità presente
anche se a discapito, in certi
casi, di un’accurata scansione
dei piani sonori in termini
52 SUONO dicembre 2019

TEST VINCENT DASC-7
al banco di misura
PRO & CONTRO
Apparecchio molto valido dal punto di vista
costruttivo con soluzioni mirate, ben realizzate
e dimensionate. Anche i componenti utilizzati
sono di livello e di qualità, con riscontri in certa
misura anche dal punto di vista strumentale. La
versatilità è ottima se non addirittura esuberante:
l’uscita tubi, quella a stato solido e l’uscita
cuffia abbinati alla possibilità di accettare in
ingresso DSD e PCM ad alta risoluzione fanno
del Vincent una macchina strategica. In più c’è
la dotazione degli ingressi digitali: due ottici e
due coassiali soddisfano gran parte delle possibili
necessità.
La risposta in frequenza dello stadio di uscita a tubi e di quello
a stato solido mostrano un andamento pressoché sovrapponibile
ma con un livello di uscita con una differenza di circa
1dB; una tendenza controcorrente in quanto molto spesso si
verifica il contrario. Si nota un filtro in uscita con una elevata
pendenza che taglia a circa 50 Khz la banda, comune a tutti
i formati riprodotti, sia PCM che DSD. L’alimentazione è realizzata
con gran cura come anche le filtrature sulla sezione
analogica di uscita. Il tappeto di rumore è bassissimo e non
di profondità. La prospettiva
scenica tende a migliorare (e
ad allinearsi alle performance
top di categoria) con i formati
ad alta definizione. Tutto sommato
modeste, più di quanto
ci si sarebbe potuto aspettare,
le differenze utilizzando i due
differenti stadi di uscita: si può
cambiare dall’uno all’altro con
grande rapidità ma le differenze
sono limitate a una leggera
si apprezzano componenti spurie in banda e fuori banda.
La distorsione in uscita dello stadio a tubi, seppur presente,
mostra un decadimento armonico molto rapido con la prevalenza
della seconda armonica e delle componenti simmetriche
nell’intermodulazione, mentre nello stadio di uscita a stato
solido, i valori di distorsioni non raggiungono livelli significativi.
Lo spettro risulta molto più pulito e privo di interferenze per
segnali che provengono dal collegamento USB rispetto a
quelli spdif, con un effetti comunque di lieve entità.
prevalenza di una maggiore
dolcezza con i tubi e una percepibile
maggior velocità nel
caso dello stato solido, mentre
gli altri parametri indice della
qualità sonora rimangono
sostanzialmente identici. In
questo secondo caso si assiste
anche a una sorta di “compattamento”
delle atmosfere
che appaiono da un lato maggiormente
a fuoco, dall’altro
più coese ma anche in qualche
misura maggiormente
compresse.
Più che un chiaro indice gerarchico
nella qualità una delle
due modalità è preferibile in
base al gusto dell’ascoltatore.
In assoluto la performance
sonora è abbastanza neutra
sulla tavolozza sonora e coerente
lungo l’intera gamma
delle frequenze dal punto di
vista tonale.
Nel complesso, se si osserva il
panorama offerto dal mercato
in questo segmento di prezzo
si noterà la presenza di una
pletora di concorrenti che non
supera la ventina di esemplari
e che scende molto di più se si
eliminano i prodotti residuali
o a bassa concretezza. Tra quel
che resta il Vincent DAC-7 si
inserisce offrendo ingredienti
non sempre condivisi dai concorrenti
e che proiettano il
prodotto in una classe di ben
altro livello dove l’eventuale
limite rispetto ad altolocate
alternative sta proprio nella
storia del marchio e nei suoi
peccati originali. Basta, però,
saper resistere alle bugiarde
lusinghe del serpente...
SUONO dicembre 2019 53

SELECTOR
a cura della redazione
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Carot One Ernestolone Phono
Va riconosciuto al costruttore
senso della trasgressione
e buona dose
di ironia tali da irrompere
nel paludato mondo degli
audiofili con prodotti che
portano nomi come Augustolo,
Diegolo, Ernestolo
ed Ernestolone (con piccola
digressione alcolica
per Doppio Rum e Titta),
con un marchio, Carot
One, che si legge carot uan
in inglese ma carotone in
italiano e, per giunta, che
si ammanta di una livrea
color... carota, se pur nobilitata
dalla definizione
di “arancio metallescente”.
Qualora non bastasse
un tasso provocatorio
(almeno nei confronti
dell’audiofilo tradizionale), si
aggiunga che l’intera linea Carot
One si sviluppa alla luce di un
criterio ispiratore votato alla miniaturizzazione
(altra bestia nera
per l’audiofilo) e, così, come non
convenire con il costruttore che
definisce il marchio “un innovativo
brand molto particolare, più
unico che raro”? Eppure,
seriamente,
va
dato atto
a Openitem
di aver
sdoganato
trami-
te
la formula “pro- gettati
in Italia prodotti in Oriente”
una nuova alchimia che ha fatto
proseliti e cloni. Cloni si, perché
i prodotti Carot One non mancano
di originalità, per quanto è
concesso pescando tra le proposte
di qualche grande fabbrica
cinese. L’intraprendenza italica,
ha fatto il resto visto che i prodotti
evidenziano soluzioni ad hoc
con una scelta delle funzionalità
e dell’usabilità abbastanza unica,
come se il prodotto sia tutto frutto
del committente e non delle
proposte in genere “pre assemblate”
che i fornitori orientali
hanno a disposizione in catalogo
e tendono a propinare la cliente.
Anche in conseguenza di questa
politica oggi di Carot One si parla
non solo nel ristretto agone italiano
ma nel mondo e proprio il
mercato internazionale sembra
aver dato un credito oltre
misura all’impresa:
così la solidità, il fattore
di concretezza, è
proprio l’elemento che
differenzia il marchio
da altri simili, clonati
o clonatori...
In particolare l’avventura
di Ernestolo ha
inizio al TopAudio 2010
con un prodotto già di color
arancione caratterizzato
in fatto di originalità dal doppio
telaio (frontale e retro tengono
assemblati i due mobili separati)
che contengono uno il pre a
valvole e l’altro il finale in classe
D. Lo stadio di amplificazione al
tempo era un derivato del Tripath
(il T-Amp per chi lo avesse
dimenticato!) con pregi e difetti e
soprattutto una potenza di uscita
relativamente modesta. Nel 2015
una sorta di revisione dà vita a
una versione “energizzata” e di
maggiori dimensioni del concetto,
Ernestolone. Gli integrati
Carot One classe Ernestolone in
realtà sono due e si differenziano
esclusivamente per una sezione
all’interno del pre, una dedicata
all’universo dell’analogico con
il Phono MM a bordo e l’altra a
quello del digitale, che integra un
DAC; in sostanza manca un integrato
Ernestolone con ingressi
solo linea. In entrambi sono
presenti comunque due ingressi
linea, uno sul pannello posteriore
e l’altro su quello anteriore che
si commuta automaticamente
all’introduzione di un mini jack
da 3,5 mm. Nella versione DAC
l’ingresso linea posteriore impiega
una coppia di connettori RCA
mentre nella versione analogica
la coppia RCA è dedicata al giradischi
e quella linea è solo mini
jack: sicuramente poco audiophile
ma più che sufficiente per
godersi la musica.
Come accennato questo piccolo
integrato è in realtà costituito da
due unità distinte e indipendenti
fra loro: solo di profilo si apprezzano
i due involucri del pre e del
finale stereo accoppiati fra loro
Prezzo: € 499,00
Dimensioni: 7,50 x 13 x 14 cm (lxaxp)
Peso: 0,45 kg
Distributore: Openitem
Viale Maria Cristina di Savoia, 19 - 80122 Napoli (NA)
Tel.081-667086 - Fax
www.openitem.it
AMPLIFICATORE INTEGRATO CAROT ONE ERNESTOLONE PHONO
Tipo: stereo Tecnologia: ibrida Potenza: 2 x 12 W su 8 Ohm (25
W su 4 Ohm) in classe D Texas TPA 3106 Accessori e funzionalità
aggiuntive: Ingresso cuffia Phono: MM ( mV/ KOhm) Ingressi
analogici: 1 RCA Uscite analogiche: 1 RCA Note: stadio pre
con 1x 6922, alimentazione esterna a 12 VDC
54 SUONO dicembre 2019

TEST
Lo stadio di potenza
utilizza due integrati
Texas TPA3106, uno
per ogni canale in
configurazione dual
mono, con una potenza
di uscita proporzionale
alla tensione di
alimentazione che va da
10 VDC a 26 VDC e capace
di 40 Wrms su 8 Ohm con
una alimentazione di 25
VDC.
Le alimentazioni sono
filtrate e stabilizzate a
seconda dei punti in
cui vengono utilizzate,
sia per lo stadio di
amplificazione ma anche
per l’alimentazione
del filamento del
triodo a riscaldamento
diretto, tramite circuiti
integrati stabilizzatori e
condensatori di filtro.
L’apparecchio è suddiviso in due
unità distinte e abbinate insieme
tramite il pannello frontale e
quello posteriore. Fra i due è stato
realizzato un elemento di unione in
cui passano i cavi di alimentazione
e segnale che può essere
bypassato con le connessioni
esterne in ingresso sia dello stadio
di potenza che dell’uscita del pre.
La sezione pre adotta una serie di timer
di accensione ritardata anti bump e per la
commutazione degli ingressi. Un Texas NE5532
è dedicato all’amplificazione del segnale fono
e dell’equalizzazione RIAA, mentre un altro, in
abbinamento al doppio triodo 6922, fa parte del
circuito di preamplificazione linea.
con quasi un centimetro di aria
che li separa, a rimarcare la totale
separazione fra i due dispositivi.
In altre parole un doppio
telaio con un solo ingresso per
l’alimentazione. In realtà anche
il segnale passa all’interno ma
solo per comodità, in quanto è
presente sia l’uscita preamplificata
che l’ingresso per il finale,
solo con connettori jack da 3,5
che, appena inseriti, scollegano
la connessione fra i due e si possono
utilizzare separatamente
e addirittura anche con più di
un finale collegato in cascata,
tramite opportuni adattatori.
Anche il prodotto a se stante,
però, offre un’opportunità decisamente
unica sia per dimensioni
e compattezza che per il fattore di
forma, uno dei più azzeccati fra i
mini componenti in commercio.
Il piccolo pomello del volume,
peraltro, a dispetto delle dimensioni
ridotte offre una buona
presa e un’ottima sensazione,
con un movimento frizionato e
molto fluido. L’accensione e lo
spegnimento avvengono con il
potenziometro a fine corsa. La
commutazione fra fono e ingresso
linea con una levetta piccola
ma robusta.
Dopo un breve periodo di warm
up in cui un timer interno si occupa
del mute, dell’accensione e
del collegamento sequenziale antibump
di pre e finali, l’apparecchio
va “alla grande” anche dal
punto di vista sonoro: Ernestolo
si rivela una gradita sorpresa
manifestando un equilibrio sonoro
invidiabile in questo segmento
di mercato e, soprattutto,
una godibilità davvero elevata.
La porzione delle alte frequenze
risulta particolarmente gradevole
pur mantenendo un elevato
dettaglio mentre all’altro estremo
della gamma le frequenze vengono
riproposte appena arrotondate
ma piacevoli e senza alcun
accenno di gommosità. Buona la
capacità dinamica, magari non
esplosiva ma in grado, insieme
SUONO dicembre 2019 55

SELECTOR
al banco di misura
PRO & CONTRO
Molti gli aspetti intriganti di questo progetto
che individuano le aspettative del cliente appassionato
e soddisfano in larga parte molte
necessità “funzionali”. Ad esempio, l’impostazione
a doppio telaio è un argomento forte
e anche potenzialmente utile se si volesse
espandere il sistema. L’ingresso fono è molto
buono e fa presa, oltre a essere realizzato con
buona componentistica. I circuiti sono disegnati
ad hoc. Un evidente effetto di diafonia fra gli
ingressi è probabilmente dovuto al guadagno
del pre fono e alcune scelte che avrebbero potuto
ancor di più magnificare lo stadio finale
penalizzano in parte il prodotto. Le lavorazioni
meccaniche e “l’orange style” sono comunque
molto valide. L’illuminazione della valvolina è
leggermente grossolana ma fa il suo effetto!
La risposta in frequenza dell’apparecchio è caratterizzata
sia dall’impostazione dello stadio di preamplificazione
che da quello finale con alcuni effetti tipici delle due
tecnologie utilizzate: l’estremo superiore della risposta
mostra un andamento che è soggetto all’impedenza di
carico, con variazioni di un certa rilevanza all’interno della
banda audio. Tuttavia, anche in considerazione delle
dimensioni modeste dello stadio di potenza, le variazioni,
seppur evidenti, sono abbastanza contenute in rapporto
ad altri prodotti della stessa categoria e che utilizzano uno
stadio di uscita con la stessa tecnologia. La distorsione
di seconda armonica invece è la diretta conseguenza
delle scelte effettuate sullo stadio di preamplificazione.
alla riproposizione di un palcoscenico
sonoro appena compresso
ma credibile e con i vari
piani ben definiti, di offrire una
rappresentazione credibile dell’evento
sonoro. In buona sostanza
Al centro si trovano i morsetti di
potenza che accettano cavi terminati
a banana o forcella ma anche spellati
di piccolo diametro. Nella parte
superiore i due ingressi RCA per il
fono e l’ingresso linea, tramite jack
stereo da 3,5mm. Anche l’uscita pre
è disponibile con jack da 3,5mm. In
basso è presente il l’ingresso linea per
il finale e l’alimentazione generale
a 12VDC.
Prevale la componente di seconda armonica con un livello
crescente in funzione della potenza di uscita, un livello
che tuttavia mostra un decadimento armonico con una
rapida riduzione delle armoniche superiori che tende
a non avere un impatto prevalente sulla riproduzione.
Considerata la THD molto alta e crescente, abbinata ad
una leggera flessione della tensione di uscita in funzione
del livello di ingresso, la potenza di uscita non si può
calcolare con i parametri tradizionale, tuttavia si apprezza
un clipping molto morbido e graduale che adotta una
sorta di compressione progressiva del segnale in uscita,
con una potenza crescente anche se con tassi di THD
importanti.
proprio l’ascolto è uno dei punti
forti del piccoletto a prescindere
da cavi, orpelli e spesso troppi
dettagli di contorno. La stessa
originalità delle forme potrebbe
trarre in inganno: circuiti e
scelte non sono poi così distanti
dall’abituale seminato! L’unica
vera critica che si può muovere
all’apparecchio è riferita al fatto
che lo stadio di potenza può essere
alimentato ben oltre i 12 volt
utilizzati dal costruttore. Certo
gli alimentatori a 12V sono più
diffusi di quelli a 24V e oltre ma,
con uno sforzo in più, si sarebbe
potuta raddoppiare la potenza
di uscita, probabilmente senza
aggravio ulteriore del circuito e
con un effetto dirompente. Una
ipotesi non così distante dal reale
visto che nella coppia di finali
monofonici Doppio Rum 70
della stessa casa viene utilizzato
un chip simile a quello dell’Ernestolone,
dove l’alimentazione
può essere da 12V a 24V...
Rimane il fatto che se si ha in
cantiere l’ipotesi di mettere in
piedi un giradischi, la scelta
dell’Ernestolone Phono garantisce
una resistenza nel tempo
elevata (quella di un pre fono è
assolutamente imparagonabile
a quella di un DAC). La dignità
dell’ingresso fono non ha nulla
da invidiare a quelli presenti in
integrati di classe. Una catena costituita
con un giradischi economico
ma di razza e una coppia di
diffusori della stessa natura consente
con poco più di 1.000 euro
di mettere in piedi una magnifica
soluzione Hi-Fi analogica entry
level. Al di là delle compatibilità
estetiche, l’abbinamento poi con
DAC esterno (anche qui abbiamo
scelto un partner economico ma
di qualità e con una scelta filosofica
“dirompente”come lo Schiit
Modi Multibit) apre orizzonti
veramente ampi di connettività
e versatilità.
56 SUONO dicembre 2019

SELECTOR
a cura della redazione
AMPLIFICATORE INTEGRATO
Elac DS-A101
Per certi versi sul marchio
Elac sembra appeso
un perenne cartello con su
scritto “lavori in corso”.
Una proprietà orientale
che rifulge gli onori della
cronaca; un “mediatore”
americano che detesta
ancor più le luci della ribalta
(ma ha il merito di
aver trascinato nell’impresa
Andrew Jones); un
catalogo che è in perenne
in divenire... Eppure, ciò
malgrado o forse proprio
per questo (taci e lavora!)
il marchio di Kiel continua
a sondare settori noti
e quelli meno!
A
fronte di una significativa
espansione del
proprio catalogo di
prodotti, Elac paga pegno con
un affastellamento dell’offerta
che spesso si sovrappone o nega
oggi - è il caso del prodotto qui
in prova - la direzione intrapresa
ieri, che si associa a un atavico
e “criminoso” utilizzo di sigle e
nomi nel disegnare un universo
ampio ma fin troppo variegato.
Per far fronte all’accelerazione
impressa negli ultimi anni, sostenuta
anche con ampi investimenti,
il marchio nella sua
espansione si è affidato a consulenti,
Andrew Jones certamente
ma anche Peter
Madnick (con
la sua Audio Alchemy,
oggi semplicemente Alchemy,
rappresenta ancora una nebulosa
nell’universo Elac) e fornitori
terzi, in particolare per
lo sviluppo del delicato settore
dei new media, dove in molti
hanno rischiato di bruciarsi
le penne. Così anche Elac, che
originalmente aveva annunciato
uno streamer poi ritirato, ha
ribadito il concetto con l’ampli
integrato EA101-EQ (SUONO
513 - febbraio 2017) che non
aveva collegamento di rete per
lo streaming della musica per
poi reintrodurlo nella serie
Discovery (abbinati
a diffusori
amplificati
con un
sistema proprietario
ma fornito da terza parte,
specializzata nella progettazione
e produzione di cosi del
genere) e ribadire il concetto di
streamer e media server con l’integrato
DS-A101G qui in prova
che adotta lo stesso modulo di
comunicazione impiegato nella
serie Discovery di cui fa parte
nonostante la livrea e buona
parte della circuitazione rimangano
quelli dell’EA101-EQ (vedi
sopra), che fa parte di una serie
(EA Line) costituita da un solo
elemento, questo, presumibilmente
destinata all’oblio...
Un attimo, tiriamo il fiato e ripartiamo.
In Elac, a circa tre
anni dalla sua introduzione,
hanno ritenuto di dover/voler
aggiornare un prodotto (EA101-
EQ) che presumibilmente per il
suo form factor e per il coacervo
di funzioni offerte ha ottenuto
un buon riscontro di mercato.
La nuova versione (di versione
parliamo perché parte dell’architettura
rimane la stessa) utilizza
lo stesso cabinet del precedente
ma cambiano aspetti
sostanziali, in linea con una
tendenza che tra i new media
destinati alla riproduzione della
musica sta prendendo sempre
più piede: viene implementata
una sezione per lo streaming,
scompare la USB e, un po’ a
Prezzo: € 890,00
Dimensioni: 21,26 x 5,38 x 29,51 cm (lxaxp)
Peso: 2,18 kg
Distributore: LP Audio
www.lpaudio.it
AMPLIFICATORE INTEGRATO ELAC DS-A101
Tipo: stereo Tecnologia: a stato solido Potenza: 2 x 40 W su 8
Ohm (80 W su 8 Ohm) in classe D Bash Accessori e funzionalità
aggiuntive: Controlli di tono Risp. in freq. (Hz): 20 - 40.000 +/-
1.8dB S/N (dB): 101 Ingressi analogici: 2 RCA Ingressi digitali:
Ottico / RCA / Ethernet Note: Controllabile da app, Bluetooth
e Wi-Fi, compatibile Roon, DNLA, AirPlay, Spotify. 1 uscita pre e 1
subwoofer. Dolby Digital a bordo
58 SUONO dicembre 2019

TEST
ROON AL PRIMO COLPO
La sezione di gestione e controllo
dell’apparecchio consente di sfruttare
le potenzialità del DSP a bordo (un
Cirrus Logic CS47048C-CQZ più potente
di quello utilizzato nel modello
precedente EA101-EQ) e sopratutto
di sfruttare l’apparecchio in rete con
il supporto al DLNA. Inoltre, anche
grazie al modulo di comunicazione
prodotto dalla Variscite, è presente il
supporto a Roon con una integrazione
molto ben fatta e che consente
la trasmissione in rete di formati ad
alta risoluzione PCM fino a 192kHz
anche se l’apparecchio, internamente,
effettua un downsalmpling
a 48kHz dei segnali digitali e una
digitalizzazione di quelli analogici
alla stessa frequenza di campionamento.
La piattaforma Roon individua
direttamente l’apparecchio e
la configurazione avviene in modo
quasi immediato anche con l’icona
di identificazione del prodotto molto
chiara e intuitiva. Tramite l’app
fornita da ELAC invece è possibile
effettuare i settaggi dell’apparecchio
e utilizzarla come un telecomando
sia per la scelta degli ingressi che per
la configurazione iniziale.
È presente il sistema di calibrazione
automatico, ma in modalità ridotta
rispetto al modello precedente,
attivabile solo in presenza di un
subwoofer collegato. Per l’utilizzo
come DLNA renderer è necessario
utilizzare app di terze parti quale
player oppure trasmettere il segnale
in Bluetooth direttamente dallo
smartphone.
sorpresa, l’uscita cuffia! La cuffia
sta vivendo un momento di
incredibile sviluppo e diffusione
un po’ in tutti gli ambiti e forse
un apparecchio dedicato o una
soluzione ad hoc molto performante
prevale su quelle che invece
potrebbero essere proposte
di genere. Chissà!
Permane, invece, quella sensazione
di apparente anonimato
determinata dal layout del
frontale basato su un piccolo ma
molto valido display, due tasti a
sfioramento, uno per l’accensione
e l’altro per la selezione degli
ingressi e da una manopola,
sulla sinistra, che assolve esclusivamente
alla funzione della regolazione
del volume che viene
visualizzata nel display in modo
molto chiaro e visibile anche da
lontano (o dai “vecchietti”, categoria
a cui appartiene gran parte
degli audiofili).
Se con i prodotti della serie Discovery
abbiamo potuto apprezzare
le potenzialità di un sistema
intrinsecamente connesso alla
rete, per giunta beneficiando anche
delle potenzialità di un sistema
di altoparlanti amplificato, è
un vero piacere poter disporre
di un prodotto collegato in rete,
addirittura con Roon e immediatamente
pronto all’uso. In
effetti, il sistema di gestione
tramite app attraverso il collegamento
Bluetooth BLE è ancora
disponibile ma è sempre più
frequente raggiungere in rete i
prodotti che lo sono in quanto
oggi smartphone e rete domestica
viaggiano sempre più a
braccetto ed è sempre più raro
incontrare casi in cui non sia
presente una rete locale. Ovvio
che il tipo di collegamento
BLE è molto utile e per certi
versi un valore aggiunto da non
sottovalutare ma nella nuova
versione dell’ELAC DS A101G
avviene un balzo in avanti per
quanto riguarda l’usabilità e la
piacevolezza.
L’usabilità del DS A101 rimane
comunque a livelli altissimi e di
grande impatto, soprattutto ora
che il sistema, sotto l’egida di
Roon, aggiunge una semplicità
di utilizzo unica nel suo genere.
L’interfaccia di comunicazione,
sostanzialmente inalterata rispetto
alla precedente versione,
risulta particolarmente amichevole:
mentre tramite il pannello
frontale la selezione degli
ingressi avviene solo in modo
Due ingressi analogici e due ingressi
digitali, uno ottico e l’altro coassiale. È
presente l’uscita pre linea e quello per
la connessione di un subwoofer esterno
con cui si può applicare il metodo di
equalizzazione e di integrazione con i
satelliti. L’ingresso USB cede il posto a
quello di rete, sia wireless che con RJ-
45. I morsetti di potenza accettano cavi
terminata a banana o forcella e spellati
di piccole dimensioni.
SUONO dicembre 2019 59

SELECTOR
Le sezioni attive di amplificazione e controllo sono
realizzate dalla Canadese Sonavox che detiene il
brevetto della tecnologia BASH per l’amplificazione.
L’unità di comunicazione di rete e Bluetooth
4.1/BLE, la stessa introdotta nella serie
Discovery: è un modulo con processore Cortex
A9 da 900Mhz realizzato da Variscite, partner
di NXP Semiconductors, specializzata nella
progettazione di SOM (System on Module).
sequenziale (visto che è disponibile
un solo pulsante!) tramite
telecomando è possibile passare
da un ingresso all’altro anche se
non sono contigui, ognuno da un
suo tasto, e l’operazione avviene
con immediatezza mentre sul
pannello si riscontra una certa
latenza dell’intervento (anche
nella regolazione del livello del
volume). La comunicazione avviene
in maniera bidirezionale:
quando si regola il volume dalla
manopola sul frontale si sposta
all’unisono anche il cursore di
regolazione dell’app e viceversa!
Il nuovo integrato adotta lo stesso
modulo di comunicazione
impiegato nella serie Discovery,
abbandonando alcune funzionalità
come l’equalizzazione
ambientale: non si sa se sarà
mai implementata in futuro o
rimarrà un add-on come adesso
da usare in abbinamento ad alcuni
subwoofer di una non ben
specificata serie! Da sottolineare
che il manuale di istruzioni non
fa riferimento a tale “necessità”
e la brochure recita nelle caratteristiche
dichiarate: Room
correction… ABC (Auto Blend
& Calibrate).
Dal punto di vista sonoro le performance
risultano sostanzialmente
inalterate e, in termini
generali, l’apparecchio propone
una rappresentazione sonora
in certa misura esuberante in
gamma medio-bassa anche se
questa caratteristica non sembra
condizionare l’ascolto che,
in termini di ricostruzione della
scena sonora e di correttezza tonale
lungo l’arco delle frequenze,
non presenta particolari con
una particolare vocazione alla
riproduzione delle voci.
60 SUONO dicembre 2019

TEST ELAC DS-A101
al banco di misura
PRO & CONTRO
L’architettura, sebbene oggi disponga del supporto
allo streamer di rete e Roon end point,
di fatto non è particolarmente evoluta rispetto
al modello precedente e per certi versi si è
perso qualcosina. Gli aspetti “compromettenti”
riguardo ad accettazione e downsampling
del segnale sono rimasti mentre controverso
appare l’abbandono dell’uscita cuffia: nel modello
passato sembrava un inutile oggetto in
aggravio all’economica del prodotto ma oggi,
che il settore appare in rilancio? L’esame dell’eventuale
concorrenza è controverso: parliamo di
Sonos che è un fuoriclasse ma, appunto, parliamo
“solo” di Sonos!.
La risposta in frequenza mostra una leggera attenuazione
agli estremi banda, in particolar modo quello superiore icon
il ricampionamento del segnale a 48kHz sia dei formati
digitale che di quelli analogici in ingresso: la risposta si
ferma poco prima dei 24kHz. La filtratura delle immagini
fuori banda è ad alta pendenza tuttavia ma si apprezzano
prodotti importanti di intermodulazione, dovuti alle caratteristiche
dello stadio finale di potenza e all’innalzamento
del rumore di fondo al di sopra della frequenza limite di
campionamento. La risposta dello stadio d potenza non
Bisogna anche considerare
che, a differenza del predecessore,
la sorgente con la qualità
di riproduzione più tangibile è
proprio quella di rete con un miglioramento
costante di un po’
tutti i parametri caratteristici,
compresa la ricostruzione dello
stage e la ricchezza timbrica. È
come se il sistema abbia fatto
un piccolo balzo evolutivo che
mette in secondo piano le altre
risente della presenza del carico mostrando curve praticamente
sovrapposte per impedenza da 4 a 16 Ohm. La
distorsione da intermodulazione mostra delle componenti
simmetrica e un basso livello di quelle asimmetriche, mentre
sono presenti componenti di una certa entità distribuite in
tutta la banda utile con una prevalenza di quelle di ordine
dispari che innalzano il valore complessivo della THD. La
potenza raggiunge i 45 Wrms su 8R per un livello di THD+N
fissato all1%, valore oltre il quale interviene il circuito di
limitazione che fissa a 19V la tensione di uscita.
soluzioni e soprattutto quella
Bluetooth che, in precedenza,
era l’unica per lo streaming di
musica, ora marginale in quanto
con Roon o con qualsiasi altro
sistema di gestione dei contenuti
DLNA la qualità e fruibilità è altra
storia. In sintesi, l’Elac DS
A101G appare come un sistema
equilibrato, nel solco della media
di categoria per la riproduzione
della musica “normale”,
mentre acquista diversi punti in
più (anche in ragione della fascia
di prezzo di appartenenza)
nella riproduzione di file Hi-res.
Durante il test non si sono verificate
specifiche idiosincrasie e
data l’apprezzabile insensibilità
al carico è possibile collegare
l’apparecchio con molte tipologie
di diffusori determinando
così una versatilità, intesa a tutto
tondo, piuttosto elevata del
DS A101G, a conferma di quanto
citato e qui riportato tra virgolette
per il predecessore che
“apre un nuovo corso all’interno
del quale l’EA 101EQ-G appare
come un frutto ancora acerbo,
le cui caratteristiche varieranno
con gli aggiornamenti software
e la consapevolezza di un potenziale
notevolissimo”. Al netto di
qualche confusione nel posizionamento
di gamma, di nomi e
sigle, di un aumento risibile del
prezzo (100 euro in più del precedente,
c’è Roon ma mancano
l’uscita cuffia e il DSP per l’equalizzazione
ambientale) un altro
passettino verso il futuro è stato
fatto, anche se attorno il resto
dell’universo corre alla velocità
della luce.
La sfida sta tutta qui!
SUONO dicembre 2019 61

SELECTOR
a cura della redazione
PREAMPLIFICATORE & AMPLIFICATORE FINALE
PS Audio Stellar
L’ultima svolta di PS Audio
è indirizzata “all’audio
dal prezzo ragionevole”
ma nella lunga e intricata
storia di Paul McGowan
si tratta di un ritorno più
che una novità visto che
proprio a partire dai primi
passi professionali di
questo personaggio il desiderio
e la necessità di costruire
anche qualcosa di
economico è ben radicata..
Poco meno di 60 dollari: tanto
costava al pubblico lo stadio fono
che nel 1974 segna l’ingresso sul
mercato di Paul McGowan e Stan
Warren che con le iniziali dei loro
nomi, PS, determinano parte del
logo di una azienda nata mettendo
mano al portafoglio (500
dollari ciascuno) per un’esigenza
specifica: l’emittente radio
dove lavorava McGowan aveva
bisogno di un pre fono visto che
al tempo si trasmetteva musica
dai dischi in vinile. Da allora Paul
McGowan ha attraversato tempi
belli e brutti, ha collaborato con
personaggi di ogni risma (Arnie
Nudell, uno su tutti). Ha lasciato
e poi ripreso PS Audio che, nel
frattempo (considerate che il
lasso di tempo intercorso è notevole)
è cambiata di mano, ha
fallito, è risorta...
Si aggiunga l’iperattivismo di
McGowan, che tuttora anima
DISTRIBUTORE: MPI ELECTRONIC SRL
Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI)
Tel.02.936.11.01 - Fax 02.93.56.23.36
www.mpielectronic.com
il suo
blog
quotidianamente,
re-
alizza
podcast, video e ha trovato
il tempo, oltre che per dirigere
un’azienda insieme alla moglie,
anche di fondare Copper, una
e-zine. Poiché in questo settore,
sebbene nessuno sia indispensabile,
molto spesso le aziende
riflettono la personalità del loro
mentore, non è sbagliato definire
PS Audio come una società particolarmente
dinamica e mutevole,
cosa questa forse poco gradita a
una larga fetta del pubblico di settore,
adulta, oltre gli “anta” e per
ciò desiderosa di una certa stabilità
che non è propria della casa
di Boulder in Colorado, che potremmo
definire “inquieta”. Così
PS Audio nel tempo ha mostrato
più facce predominanti di sé:
prima
quella dei lettori CD (con soluzioni
proprietarie), poi quella
dei condizionatori di rete, quella,
recente, della conversione di rete
e un ritorno alle unità di lettura
con lo straordinario “lettore
di tutto” Perfect Wave,
ora abbandonato. E se
la serie Stellar si propone, per
prezzi e soluzioni intraprese,
quale alfiere di una categoria di
prodotti abbordabili, non è la
prima volta visto che c’è il precedente,
ben più radicalmente
economico, dello Sprout (ampli
integrato on DAC a bordo),
progetto affidato interamente
al figlio di McGowan, Scott. E
se per ottenere questi risultati si
ricorre all’amplificazione in Classe
D, anche qui esiste un lontano
precedente (PCA-2 e HCA-2 provati
su SUONO, settembre 2003)
che torneremo a citare in quanto
inerenti il percorso di PS Audio
e, per certi versi, lontani progenitori
della serie Stellar. Serie al
momento composta da quattro
elementi: il pre con DAC a bordo
e il finale oggetto di questa prova,
una versione mono più potente e,
new entry, uno stadio fono che
almeno metaforicamente rappresenta
una sorta di
chiusura del cerchio
con il ritorno
agli esordi.
La serie Stellar,
d’altro canto,
sembra proprio
un ritorno alle
origini, quando il
prezzo aggressivo
dei prodotti era
una peculiarità
che ha reso famoso
il marchio e che
poi ha dato la spinta
per la produzione dei prodotti
al vertice. Un po’ la vecchia
storia in cui gli estremi, in quanto
estremi, hanno bisogno gli
uni degli altri per “esistere”! Più
in generale il catalogo ha subìto
un avvicendamento importante
62 SUONO dicembre 2019

TEST
dei prodotti e colpisce anche la
scomparsa prematura del DirectStreamer
Junior, che ha lasciato
sguarnita la sezione deificata
ai DAC, soprattutto quelli di
fascia media. Lo Stellar sembra
pertanto arrivare proprio per
IN MERITO ALLA GUI
Tramite il telecomando è possibile
accedere alle funzioni di controllo diretto
dell’apparecchio invero molto
utili sopratutto quando si sceglie fra
più di una sorgente specifica agendo
direttamente sui tasti invece di
impiegare un commutatore sequenziale.
Attraverso il selettore posto sul
pannello frontale è possibile acceder
al menù di set up necessario
per effettuare le selezioni di start
up e l’aggiornamento software. Il
display è molto leggibile anche da
lontano ed è possibile scegliere fra
vari livelli di intensità luminosa e la
permanenza del display prima dello
spegnimento automatico. Fra
le funzioni più utili che c’è, quella
di regolare il livello di ingresso in
modalità fissa per abbinare il prodotto
ad un sistema multicanale e
audio video in modo da scegliere
il miglior rapporto fra guadagno di
ingresso e livello di uscita del preamplificatore
multicanale a monte.
Anche i settaggi sul livello di uscita
della sezione cuffia personalizzabile
è un plusvalore veramente raro che
consente al preamplificatore di avere
una regolazione del livello di uscita
che non mostra eccessivi dislivelli fra
modalità cuffia e quella con il finale
di potenza.
colmare questo vuoto e per ribadire
che, soprattutto oggi, nella
classe media non si può ragionare
a componenti separati ma
bisogna avere un obiettivo di scalabilità
e sostenibilità efficiente,
anche in funzione dell’evoluzione
tecnologica dei prodotti. Ed ecco
che il prodotto “chiave di volta”
diventa il centro dell’impianto,
costituito da un preamplificatore
con DAC a bordo e ingressi analogici
e digitali. Colpisce, però,
l’assenza di un modulo di rete o
altro tipo di sezione di trasmissione
wireless; se in certi casi la
cosa potrebbe essere considerata
una grave mancanza, quando si
tratta di PS Audio bisogna cercare
di interpretare al meglio le
intenzioni di chi ha dimostrato
un occhio allenato per capire
dove va la corrente. In effetti, la
rincorsa delle tecnologie e delle
mere prestazioni dei DAC ha portato
a un rapidissimo collasso di
settore che ha determinato da
qualche tempo l’abbandono della
connessione USB nelle sorgenti
digitali multiple, demandando
la riproduzione dei contenuti ad
alta risoluzione alla trasmissione
di rete. Ciò ha senso prevalentemente
nei prodotti di fascia media
e per un pubblico non incline
all’utilizzo di un computer nella
catena di riproduzione, anche se
la riproduzione dei formati ad
alta risoluzione avviene tramite
USB oltre che da un modulo di
rete opportunamente collegato
al DAC (e per opportunamente
si intende con un collegamento
digitale “proprietario”, quindi
raro, oppure tramite USB!).
Per tornare sul McGowan pensiero,
secondo lui, quindi, il cuore di
un impianto diventa oggi il preamplificatore
analogico, dotato
di DAC interno e di connessione
USB ad alta risoluzione alla quale
ci si può collegare un computer
o un altro streamer di rete come
ce ne sono tanti in commercio,
anche di costo molto basso. Da
non sottovalutare, poi, che i formati
ad alta risoluzione nello
Stellar DAC possono transitare
anche attraverso le connessioni
standard e la I2S che, però, al
momento, è orfana di una sorgente,
visto che il DMP, anche se
totalmente fuori target di prezzo,
non è più in produzione: per
poter usufruire di contenuti ad
alta risoluzione con lo Stellar bisognerà
aspettare le nuove “svolte”
di PS Audio (già annunciate
ma il timing in merito non è stato
Ampia dotazione di ingressi digitali con
due spdif coassiali, un toslink ottico,
una USB e un I2S tramite connettore
HDMI. Tre gli ingressi analogici Single
ended e uno bilanciato XLR. Le uscite
sono disponibili sia in SE che XLR,
replicate sul finale nelle due modalità.
Le connessioni di potenza impiegano
due coppie di morsetti per canale per
facilitare una eventuale soluzione in
bi-wiring.
SUONO dicembre 2019 63

SELECTOR
Lo stadio di amplificazione impiega
una coppia di transistor della ON
Semiconductor, un BCP53-16T1G
e il suo complementare BCP56-
16T1, progettati espressamente
per applicazioni audio e
per dissipare alte correnti
utilizzando come dissipatore
il PCB sfruttando il montaggio
superficiale.
Sono presenti numerosi interventi
di filtratura e isolamento galvanico
implementato con trasformatori di
isolamento considerando l’ampia
eterogeneità delle connessioni e dei
formati supportati.
La regolazione del guadagno sfrutta
dei commutatori a stato solido gestiti
da un microcoltroller che agiscono
su gruppi di resistori selezionati.
L’alimentazione e del tipo
lineare con un toridale
ad alta potenza e basso
profilo realizzato
dalla inglese Noratel,
dotato di uscita duale
a tensione elevata dalla
quale poi derivano tutte
le altre per le varie sezioni
sul PCB.
Il DAC è un ESS Sabre ES9010K2M che,
abbinato al FPGA Lattice LCMX02-256HC
è in grado di gestire i segnali in ingresso
sia DSD che PCM ed applicare le filtrature
opportune, definite dal costruttore I clock
di precisione sono dei TCXO dedicati alla
conversione dei formati multipli interi
delle classi a 44.1Khx e 48kHx e uno
dedicato al sistema di ricezione
USB..
Prezzo: € 2.800,00
Dimensioni: 43,2 x 7,7 x 30,5 cm (lxaxp)
Peso: 6,2 kg
PREAMPLIFICATORE PS AUDIO STELLAR GAIN CELL DAC
Tecnologia: a stato solido Ingressi: digitali: I2S, USB, 2 coax S/PDIF RCA, Opt TosLink;
analogici: 1 bilanciato XLR e 3 sbilan Uscite: analogiche RCA e bilanciate XLR fisse
e variabili Controlli: volume analogico Gain Cell, bilanciamento, fase, telecomando
Note: completamente bilanciato con supporto nativo DSD 2.8 e 5.6 MHz e PCM
32/384, DAC 32 bit Sabre Hyperstream. Stadio d’ingresso Digital Lens. Stadio d’ingresso
analogico con regolatori di tensione separati. HT mode con livelli regolabili
64 SUONO dicembre 2019

TEST ELAC DS-A101
al banco di misura
rispettato), oppure occorre rivolgersi
altrove!
A prescindere da questa scelta
aziendale, l’impostazione
completamente analogica di un
preamplificatore con uno stadio
di uscita a guadagno regolabile
sembra, almeno nella narrativa
evocativa, un argomento che fa
una certa presa nell’immaginario
collettivo e, considerato che
la missione del DAC è proprio
quella di trasformare una segnale
digitale in uno analogico,
allora l’analogico la fa da padrone!
A questa considerazione va
aggiunto il lascito dell’esperienza
che nel caso di McGowan si riallaccia
al già citato pre PCA-2. In
occasione di quel test o nei giorni
immediatamente successivi capitò
di incontrare il patron di PS
Audio al quale esponemmo qualche
remora proprio per la natura
completamente digitale dell’apparecchio,
in relazione alle avvertibili
differenze di equilibrio sonoro
ottenibili a differenti livelli
del segnale. Sorprendentemente
McGowan si dichiarò assolutamente
concorde con la critica,
dichiarando che non avrebbe
La risposta in frequenza dello stadio analogico è molto
estesa e senza alcuna variazione in funzione del livello
di regolazione del volume e del carico offerto. Si apprezzano
alcune componenti di distorsione armonica e da
intermodulazione a livelli molto bassi considerando che
il circuito è del tipo no feedback e senza compensazioni.
Dal punto di vista digitale è presente una attenuazione
comune a tutti i formati riprodotti che riduce di 3dB il
livello a 50kHz. Sono apprezzabili componenti spurie in
banda e fuori banda anche se il livello i rumore dell’apparecchio
è molto basso ed è anche per questo motivo
che si apprezzano le componenti spurie di basso livello.
mai più utilizzato un “volume
digitale”, e così è stato! Non a
caso nello Stellar Gain Cell DAC
viene ampiamente sottolineata
l’implementazione per la gestione
del volume della soluzione
“Gain Cell”, da cui prende addirittura
nome il prodotto in luogo
di più abituali soluzioni utilizzate
in special modo nei combinati
DAC/preamplificatore, dove il
controllo del volume è basato su
tradizionale potenziometro, economico
e facile da installare ma
che interrompe il segnale audio
e, secondo McGowan, aggiunge
una certa colorazione al suono
e causa un certo squilibrio tra i
canali. Come altre “altisonanti
tecnologie” di McGowan (Digital
Lens, DirectStreamer...) Gain
Cell si può definire perlomeno
controversa: da un lato presenta
aspetti più promozionali che di
vera innovazione tecnologica;
dall’altro... funziona e, quindi,
chapeau! Tanto clamore mediatico,
belle idee e un buono slancio
imprenditoriale fanno parte del
mélange offerto da McGowan e si
sono associate in passato con una
scarsa robustezza al contorno che
in determinati casi ha deteriorato
la concretezza del marchio e, soprattutto,
della produzione.
Colpisce, invece, come il finale
abbracci una filosofia molto
conservatrice nell’ambito delle
soluzioni di potenza in quanto
il modulo di amplificazione è un
ICEPower al quale, però, è stato
aggiunto uno stadio di amplificazione
di ingresso che si interfaccia
al meglio con quello di uscita
del preamplificatore. Una sorta
di fine tuning e better matching
fra tecnologie molto differenti fra
loro che hanno però bisogno delle
contromisure più opportune per
esprimere il meglio. In sostanza
si tratta di un buffer a mosfet con
ingresso differenziale alimentato
con una sezione di tutto rispetto
che filtra la tensione continua che
proviene da ognuno dei due moduli
ICEPower 300ASC.
Nel complesso, va comunque
rilevato come la dotazione degli
ingressi e l’utilizzabilità dello
Stellar Gain DAC collochino
l’apparecchio fra i più versatili
e immediati da utilizzare: tre
ingressi analogici Single ended,
una coppia XLR nel dominio
analogico, mentre in quello digitale
a fianco della USB ad alta
risoluzione e di una I2S proprietaria
si dispongono i due ingressi
spdif coassiali e un solo ottico
toslink. L’unica critica è che
SUONO dicembre 2019 65

SELECTOR
I due moduli di potenza 300ASC sono
realizzati da ICEPower. I moduli sono
alimentati direttamente dalla rete e il circuito
di livellamento fornisce anche tensioni di
alimentazioni esterne a +/-12VDC, +5VDC e
+54,5Vdc.
Lo stadio di ingresso è realizzato con un
circuito in classe A a Mosfet differenziale
con componenti discreti e transistor con
involucro TO-92. I due amplificatori sono
implementati su un PCB ma con una
configurazione totalmente Dual mono
e le alimentazioni
dirette
dal modulo
IcePower
ulteriormente
livellate e
filtrate.
Prezzo: € 2.450,00
Dimensioni: 43,2 x 7,7 x 33,3 cm (lxaxp)
Peso: 5,9 kg
AMPLIFICATORE FINALE PS AUDIO STELLAR S300
Tipo: stereo Tecnologia: stato solido dual mono con alimentazioni
separate Potenza (W): 2 x 140 su 8, 2 x300 su 4 Fattore di smorzamento:
>1100 su 8 Ohm e >550 su 4 Ohm Ingressi: bilanciato XLR e sbilanciato
RCA Note: stadio d’ingresso Analog Cell a Mosfet completamente in bilanciato,
in classe e zero FB, stadio finale in classe D basato su moduli Ice Power.
66 SUONO dicembre 2019

TEST ELAC DS-A101
al banco di misura
Le prestazioni strumentale riflettono ampiamente le
caratteristiche dei moduli di amplificazione IcePower
300ASC. La risposta in frequenza è molto ampia e leggermente
condizionata all’estremo superiore dal carico
offerto che comporta una variazione del livello di lieve
entità e comunque al di fuori della banda udibile. Il
sarebbe utile disporre di più di
un ingresso ottico per venire incontro
alla gran varietà di uscite
dei dispositivi di “seconda scelta”
come potrebbero essere i decoder
o le “macchine da gioco” che, anche
se non puramente Hi-Fi nel
pedigree, non sono sorgenti da
sottovalutare per principio, anzi,
a parità di contenuto riprodotto,
sono una valida alternativa
da prendere in considerazione.
Sempre in termini di esperienza
d’uso va rilevato come il display
sul frontale sia molto ben organizzato
e, soprattutto, leggibile
anche da molto lontano. L’uso
della manopola è immediato
mentre l’accesso e la navigazione
nei menu risultano un po’ più
difficoltosi attraverso il pannello
anteriore, meno utilizzando il
telecomando. È presente anche
l’ingresso HT che consente
di bloccare il livello a un valore
prestabilito per poter utilizzare
la catena all’interno di un sistema
multicanale in cui il volume
master è regolato a monte. Tra le
altre utility c’è una notevole uscita
cuffia che si attiva quando si
inserisce il connettore jack da 6,3
mm sul pannello frontale e regola
il volume a livelli di sicurezza
sia dell’uscita cuffia che, quando
rimosso il jack, dell’uscita pre,
per evitare un eccessivo divario
e danneggiare udito e/o diffusori.
Lo Stellar Gain DAC si può configurare
anche con l’uscita fissa
per essere utilizzato come DAC
stand alone ma, considerato che
clipping giunge in modo repentino con una potenza di
uscita di 130Wrms su 8R in linea con quanto dichiarato dal
costruttore, raggiunto con un livello di ingresso intorno
a 1Vrms. La distorsione armonica e da intermodulazione
raggiungono livelli molto bassi e sono assenti spurie in
banda e fuori banda.
il volume non è di tipo digitale e
che la regolazione avviene con un
sistema che non ha impatto sulle
prestazioni dello stadio di uscita
linea, ci sembra un vero peccato
non sfruttare al massimo le
peculiarità di quello che più che
un DAC è un convogliatore di
contenuti analogici e digitali da
collegare a un amplificatore.
L’impostazione sonora della coppia
riflette appieno la filosofia del
costruttore con una impostazione
del pre-DAC molto precisa,
dettagliata e con una capacità di
riproporre il ritmo delle partiture
molto coinvolgente, comune
a tutti gli ingressi sia analogici
che digitali, come se non ci fosse
distinzione fra gli universi; anche
passando da un formato all’altro
oppure scegliendo fra i quattro
filtri digitali disponibili, il suono
sembra beneficiare di una matrice
comune molto piacevole
che prevale su tutto il resto. Una
impostazione che si mantiene costante
ai vari livelli del segnale in
modo che l’equilibrio tonale e le
dimensioni dello stage vengano
riproposte in maniera costante
a prescindere del volume a cui si
ascolta. Il finale di potenza, invece,
ha un’impostazione caratterizzata
dalla presenza dei moduli
ICEPower con un punch notevole
ma con un timbro molto armonico
pur al tempo stesso un po’
esile, come se mancasse il sustain
nel tempo. Si tratta di una sensazione
tipica di molti classe D e in
particolare dei moduli ICEPower
che nell’ampli S300 caratterizzano
il suono, a differenza del pre
che invece ha una sua anima.
Anche l’uscita cuffia è molto godibile
e particolarmente scevra
di idiosincrasie di accoppiamenti
o di livelli sostenibili: abbiamo
collegato cuffie da 32 Ohm a 600
Ohm senza alcun problema con
livelli di pressione anche molto
elevati.
In sostanza, ancora una volta Paul
McGowan propone con i suoi prodotti
un punto di vista inedito che
nel caso del “ritorno alla classe
media” è bene sintetizzato dal design
prescelto per questa linea di
apparecchi, che appare improntato
a regole di contenimento di
prezzo ma che fa l’occhiolino ad
archetipi comuni nell’Hi-end, in
primo luogo il minimalismo estetico
che la caratterizza. La serie
Stellar, infatti, esibisce un design
tutto nuovo, molto semplificato
nelle linee e nei processi produttivi
che però ricalcano una certa
filosofia aziendale che ha sempre
dato ampio respiro all’innovazione
e all’eleganza delle soluzioni
costruttive, anche per quanto
concerne l’imballaggio degli
apparecchi.
SUONO dicembre 2019 67

SELECTOR
PRO & CONTRO
Se è discutibile il fatto che non ci sia una connessione
di rete e che in catalogo non si possa
collegare al momento nulla del genere, risulta
interessante il concetto di “collettore di contenuti
analogici e digitali”, abbastanza flessibile
sebbene l’utilizzabilità sia in parte penalizzata
dal fatto che la regolazione del trim dei vari ingressi
e il loro editing avvenga da telecomando
o con i pulsanti sul display. Molto indovinato il
posizionamento merceologico nella fascia attorno
ai 5.000 euro dove la coppa pre + DAC e
finale si attesta in maniera vantaggiosa rispetto
a gran parte della concorrenza, con il beneficio
psicologico, a livello di marchio, di una ricaduta
di immagine e di valore dalla provenienza dalla
fascia alta, in generale, degli altri prodotti
dell’azienda.
GAIN CELL?
Il progetto che prevede la realizzazione
di un sistema completo composto
però da componenti separati,
evidenzia la necessità di affrontare un
aspetto molto delicato legato principalmente
al concetto di intercambiabilità
dei vari componenti con apparecchi
anche di altri marchi oppure di
effettuare scelte molto specifiche per
l’abbinamento dei vari componenti
che pur ottimizzando le prestazioni
reciproche, diminuirebbero però l’abbinabilità
ad altri prodotto analoghi
ma di altri marchi. Un dilemma dal
quale è complesso oggi uscire in
modo elegante anche in seguito al
fatto che non son stati aggiornati
quelli che erano gli standard dei parametri
operativi degli apparecchi
che un tempo erano più definiti e
rispettati anche se con limiti importanti
e oggi sono invece in gran parte
disattesi. Inoltre diventa più complesso
cercare soluzioni ad hoc in quanto
si utilizzano sempre più frequentemente
componenti integrati, oppure
blocchi circuitali quasi del tutto stand
alone. Molti chip DAC sono dotati già
di un amplificatore in uscita che non
avrebbe bisogno di altri componenti
per funzionare; i moduli ICEPwer di
potenza ad esempio, sono già dotati
di buffer in ingresso per accettare
segnali con livelli standard. Tuttavia,
è proprio nella realizzazione degli
stadi di uscita e nella trasmissione e
ricezione del segnale analogico che
si verificano una serie di fenomeni
di disadattamento che peggiorano
la qualità del suono ed è anche per
questo motivo che molti costruttori
scelgono di realizzare soluzioni ad
hoc per l’elettronica tradizionale al
contorno di quelle soluzioni “standard”.
La serie Stellar Gain Cell di PS
Audio adotta una soluzione proprio
in questa direzione a partire dalla necessita
di usare uno stadio di uscita
nel pre dotato di un regolatore del
livello con un approccio molto differente
da quello di un attenutatore di
Dice McGowan che lo sviluppo
del design ha assorbito più di un
anno di tempo per ottenere lo
chassis base dello Stellar e, soprattutto,
per rientrare nel budget
stabilito. In effetti l’impostazione
è molto lineare, elegante e
robusta ma al contempo poco dispendiosa
nella realizzazione: si
tratta di una cornice di sostegno
realizzata con lamiera ferrosa ripiegata
e due coperchi in spessa
lamiera di alluminio sagomata
e piegata sul pannello frontale.
Il pannello inferiore ha anche la
funzione di sostegno dei componenti
più pesanti e ingombranti
livello inserito prima o dopo l’amplificazione
linea, e di un amplificatore di
buffer nel finale che segua la stesso
approccio di quello impiegato nel pre.
Infatti, lo scopo nel pre è stato quello
di realizzare uno stadio di uscita con
guadagno variabile agendo sui componenti
esterni al circuiti di amplificazione
tramite un complesso sistema
di commutazione controllato da un
microprocessore. In questo modo è
stato possibile utilizzare uno stadio
con pochi commenti nella sezione attiva
e con un circuito molto semplice
sul percorso del segnale. Inoltre, lo
stadio di uscita raggiunge un livello
del segnale molto alto, otre i 20Volt,
anche perché lo stadio è alimentato
a tensione molto più alta di quello
relativo al massimo segnale in uscita.
Anche lo stadio finale è pensato con
la stessa impostazione ma con guadagno
fisso, pertanto senza le complicazioni
inerenti alla regolazione
assistita del guadagno. Lo schema di
amplificazione è del tipo no feedback,
il che introduce anche dei valori di
distorsione visibili alle misure ma
che non sono cancellati dai circuiti di
compensazione. La sensibilità invece
del finale è di 1V in ingresso, simile a
quella del modulo ICEPower e molto
più alta rispetto al livello massimo di
uscita del pre. Tuttavia, lo stadio di
uscita del pre si rivela di conseguenza
un eccellente amplificatore per cuffia
anche in merito di una impedenza in
uscita particolarmente bassa abbinata
all’elevato livello del segnale in uscita.
mentre quello superiore assolve
la funzione di semplice copertura.
I due coperchi sono avvitati
sulla cornice in ferro con viti di
grande diametro a vista sulla parte
superiore e nessun segno sul
pannello frontale. Ne consegue
una linea molto pulita a tratti essenziale
ma con una robustezza
invidiabile e una accessibilità ai
componenti interni immediata,
con tempi di lavorazione per assemblaggio
e controllo di qualità
molto ridotti, in assoluto e in
particolar modo se rapportati al
DirectStreamer in cui crescono
esponenzialmente. L’effetto
estetico, inoltre, è molto gradevole
anche in considerazione
dello spessore contenuto e del
sottile filo che separa ulteriormente
la linea del frontale,
effetto più marcato con la versione
silver rispetto a quella
nera anche se con il silver sono
più evidenti le lavorazioni poco
raffiniate di finitura dei pennelli
in alluminio. Anche la scelta di
proporre un sistema separato
piuttosto che un amplificatore
integrato è sintomatica del caratteristico
operare di PS Audio
che ha sempre preferito partire
dal top della fascia di mercato
prescelta per determinare un
credito di alto livello nell’utenza
di quel segmento perché, con
le parole di McGowan, “È una
formula che stabilisce uno standard
a cui le persone possono
fidarsi e quindi avere qualcosa
per confrontare le versioni successive
più convenienti quando
arrivano”. D’altronde McGowan
è tra i pochi costruttori Hi-Fi al
mondo che, nel tempo, ha saputo
anticipare e interpretare le grandi
aspettative dell’appassionato,
ed è forse per questo motivo che
da oltre un ventennio sforna
prodotti e soluzioni che se non
di tendenza immediata lo diventano
poco dopo. Affabulatore?
Certamente ha il bisogno di comunicare
ma le idee sono chiare
e a volte un po’ troppo in anticipo
sui tempi, tant’è che nel passato
ha affrontato imprese forse troppo
impegnative che non sono riuscite
a decollare. E oggi, se Paul
propone, anzi, si dedica alla realizzazione
di una linea economica,
cosa vorrà mai dire di nuovo o
anticipare? È difficile essere nella
testa di chi osserva la realtà a
suo modo ma i fatti, in casi come
questo, si raccontano da soli: il
ritorno a una classe media di eccellenza
e di gran soddisfazione
sembra un bisogno da non sottovalutare
anche per Paul!
68 SUONO dicembre 2019

FORTE III
THE GREAT VOICE OF KLIPSCH

SELECTOR
di Nicola Candelli
Primo integrato ibrido
della casa, quando fu
presentato nel 2017 il
McIntosh MA252 fece pensare a
una boutade della casa americana,
senonché proprio il recente
ingresso dell’MA352 conferma
l’intenzione di sviluppare anche
una linea di prodotti ibridi,
con preamplificazione a valvole
e finale a stato solido. Non si
tratta delle uniche novità associate
a questa linea di prodotti
che, infatti, non utilizzano né il
trasformatore d’uscita (quasi un
marchio di fabbrica!) né i tradizionali
“occhioni blu” (i VuMeter)
mentre sono presenti il circuito
di controllo Power-Guard
e la specifica soluzione studiata
dalla casa per l’uscita cuffia
(Sentry Monitor) mutuati dalla
recente produzione a stato solido.
L’appartenenza alla famiglia
McIntosh con il suo stile retrò
è garantita da un telaio simile
all’amplificatore a vuoto MC-275
dove si sono integrate valvole e
transistor con un effetto finale
che ha soddisfatto la mia vista,
anzi, più lo osservo e più mi piace!
L’MA252 è telecomandabile
nelle sue funzioni primarie, dispone
di bilanciamento, controlli
di tono e di una dotazione di
ingressi più che sufficiente per
un normale utilizzo. Sulla parte
frontale un display Oled indica
la percentuale del volume oltre
allo stato del bilanciamento dei
controlli dei toni e l’ingresso
AMPLIFICATORE INTEGRATO
McIntosh MA252
SUL CAMPO
Prezzo: € 6.000,00
Dimensioni: 30,50 x 19,40 x 45,70 cm (lxaxp)
Peso: 12,7 Kg
Distributore: MPI Electronic SRL
Via De Amicis, 10/12 - 20010 Cornaredo (MI)
Tel. 02 9361101 - Fax 02 93562336
www.mpielectronic.com
Tipo: stereo Tecnologia: ibrido Potenza: 2 x 100 W su 8
Ohm Accessori e funzionalità aggiuntive: Ingresso cuffia
Phono: MM ( mV/ KOhm) Ingressi analogici: 2 RCA 1 XLR
Note: valvole 12AX7 (2) e 12AT7 (2).
70 SUONO dicembre 2019

TEST
selezionato; l’ingombro è abbastanza
contenuto, il peso discreto
a causa del trasformatore, il
famoso Power-Guard, che nonostante
le pressioni elevate a
cui è stato sottoposto l’amplificatore
durante l’utilizzo non è
mai intervenuto, cosa che invece
mi capitava tanti anni addietro
con il finale MC2205 che pilotava
una poco efficiente coppia di
Dahlquist DQ 10: quando esageravo
con il volume, il sovraccarico
veniva prontamente corretto
e segnalato con l’accensione
delle due spie del power guard
poste sul frontale dell’apparecchio,
che si spegnevano quando
l’amplificatore ripristinava le
condizioni ottimali, sollevando
i diffusori dal riprodurre segnali
distorti causati dal clipping.
Nell’MA252 l’intervento del
power guard viene evidenziato
attraverso il lampeggiare arancione
dei led posti alla base delle
valvole preamplificatrici che
ritornano al loro colore verde
quando il clipping è terminato.
È ancora presente il Sentry Monitor,
altro brevetto McIntosh
che disattiva immediatamente
l’alimentazione quando viene
rilevato un cortocircuito sulle
uscite degli altoparlanti. In sostanza,
nonostante un prezzo
da entry level per gli standard
McIntosh (si tratta del più economico
degli integrati della
casa...) e a parte l’assenza dei
VuMeter e degli autotrasformatori,
l’apparecchio possiede
tutte le soluzioni che hanno reso
famoso questo marchio...
Certo queste scelte potrebbero
riverberarsi sulle qualità sonore
e, dunque, il quesito più importante
in merito all’apparecchio
non può che essere: com’è il
suono? La prima caratteristica
percepibile durante l’utilizzo è
che finalmente siamo di fronte
a un amplificatore e che non ha
bisogno di un lungo warm-up
per andare a regime. Bastano
infatti pochi minuti perché la
macchina si stabilizzi sonicamente,
aspetto molto positivo
che rende da subito fruibile il
MA252, che riesce a esprimere
con prontezza il meglio delle
sue prestazioni. Il basso è precisissimo,
solido e potente con
un grande controllo, forse non
profondissimo ma sicuramente
in grado di trasmettere emozioni.
Poi una lieve sottolineatura
della zona media consegna ai
diffusori un tono caldo di buon
spessore, mentre una notevole
tridimensionalità e una grande
fluidità avvantaggiano soprattutto
le voci sia maschili che
femminili, rendendole sicuramente
più naturali e credibili.
E non solo queste ne traggono
giovamento, poiché anche nel
jazz e soprattutto nella musica
da camera e classica in generale,
complice un estremo alto arioso
e preciso ma leggermente calante,
si viene a creare quel mix
molto adatto a questa tipologia
di musica, riuscendo sicuramente
a soddisfare appieno
l’ascoltatore. Non c’è traccia di
fatica d’ascolto e anche dopo ore
i brani si susseguono senza soluzione
di continuità regalando
all’ascolto piacevoli sensazioni.
Alla fine della seduta ci si alza
soddisfatti e il nostro orecchio
ci ringrazia per non essere stato
sottoposto a stress uditivo! Un
elemento importante è che si
può ascoltare a un certo livello
qualitativo qualsiasi tipo di
musica (anche in virtù di una
buona riserva di potenza che
questa macchina possiede) ma
il suo carattere un po’ romantico
e poco aggressivo rende l’apparecchio
più vicino a queste tipologie
di musica. Molto buono il
fronte sonoro, abbastanza ampio
e profondo, ottima soprattutto
la capacità dell’MA252 di
essere estremamente silenzioso
riuscendo a ricreare quel buio
necessario a collocare al meglio
gli strumenti nel palcoscenico
virtuale. Particolarmente
coinvolgente la registrazione
ad alta definizione “Sonate fur
flote und basso continuo” di
J.S. Bach effettuata nella chiesa
di san Martino a Basilea.
Gli strumenti, flauto, fagotto e
clavicembalo danno spazio al
252 di evidenziare le sue doti
prima menzionate restituendo
inoltre a ogni brano una credibile
ricostruzione e grande senso
di spazio ricreato dal luogo
dove la registrazione è stata
effettuata. E ancora: una brava
Jannifer Warnes interpreta
Ampia la superficie radiante necessaria agli otto transistor bipolari che, a ben vedere,
sembrano gli stessi montati sull’MA 5300, un notevole trasformatore R-core, il
famoso Power Guard, brevetto del produttore che protegge i diffusori da qualsiasi
forma di distorsione.
SUONO settembre 2019 71

SELECTOR
le musiche di Leonard Cohen
nell’album Famous Blue Raincoat
restituendo le atmosfere
intimiste create dall’artista,
anche grazie al fatto che si tratta
di un’ottima edizione dal punto
di vista artistico e dell’incisione.
Con una voce splendida e una
ottima focalizzazione il risultato
all’ascolto non si fa attendere.
Il nostro ibrido interpreta in
modo accurato ciò che gli viene
trasmesso dalla sorgente,
la voce è calda e coinvolgente
e nessun accenno a qualsiasi
sorta di asprezza, ottima la resa
del basso e dei violini che la accompagnano
nel brano Ballads
of Runaway Horse. Perché non
variare ulteriormente, ascoltando
il bellissimo Shade of Chet,
omaggio a Chet Baker da parte
degli italianissimi Rava-Fresu e
compagni? Le Sonorità vellutate
emesse dalle trombe di Rava e
Fresu risultano perfettamente
controllate anche nei momenti
di massima intensità e incontrano
precisione e corpo nel pianoforte
di Bollani e nel basso di
Pietropaoli. Ancora un’ottima
I tradizionali VuMeter vengono abbandonati a favore di un display OLED facilmente leggibile
interpretazione riproposta da
questa macchina...
Da non dimenticare che
l’MA252 possiede un ingresso
fono MM che ho avuto modo
di provare con un Rega Planar
Tre ingressi linea di cui uno XLR, un ingresso fono MM, presenza gradita, oltre a una uscita
(testina Exact) con risultati
decisamente interessanti. Sicuramente
non è stato inserito
l’ingresso fono solo per soddisfare
la moda del momento; lo
stadio fono è indubbiamente
in linea con la qualità della
macchina e lo stesso dicasi
dell’ingresso cuffia. Una nota
a parte merita il telecomando
in dotazione, piccolo ma con
tutte le funzioni necessarie a
comandare l’amplificatore.
Simpatico, bello, lucido e finalmente
non attaccaticcio come
alcuni telecomandi di vecchia
memoria! Non vi è dubbio che
dal punto di vista sonoro questo
apparecchio sia diverso dal
mio MC-275 ma, si potrebbe
obiettare: perché scimmiottare
un suono che già esiste? L’importante
è la qualità ottenibile
e questo apparecchio mi soddisfa
perché riesce a coniugare
velocità dei transistor e dolcezza
delle valvole. È un amplificatore
fresco e veloce, al
passo con i tempi e credo che i
possessori di questa macchina
ne saranno davvero soddisfatti,
tenendo presente che se si
riesce a strappare uno streetprice
ci si porta a casa davvero
un buon affare...
72 SUONO dicembre 2019

SELECTOR
di Carlo D’Ottavi
ITraffic sono stati una band
inglese tra le più innovative
nell’epoca d’oro del rock,
specie inglese a cavallo degli anni
’60/’70 del secolo scorso. The Studio
Albums 1967-1974 è il primo
cofanetto in vinile che celebra
il loro lavoro e include opere
d’arte originali e un raro poster
promozionale in fac-simile per
ogni LP. Questa edizione serve
a ricordare a fondo l’eclettismo
singolare dei Traffic, la capacità
di creare senza paura di incorrere
in flop in un’epoca irripetibile
dove gli artisti rischiavano anche
grazie a produttori discografici a
caccia di nuovi talenti capaci di
creare nuovi spazi e, specie nel
loro caso, di ottenere anche un
grande successo commerciale.
Il gruppo era formato da Steve
Winwood alla voce, tastiere chitarre,
il batterista Jim Capaldi,
Chris Wood ai fiati e il polistrumentista
Dave Mason, che si
spartisce con Winwood tutto il
resto, canto compreso. La collezione
inizia con Mr. Fantasy,
il disco di debutto della band
uscito nel dicembre 1967 sulla
scia del loro formidabile avvio
con tre singoli, tutti tra i primi
dieci delle classifiche britanniche:
Paper Sun, Hole In My Shoe
e Here We Go Round The Mulberry
Bush. Nessuno di questi
era incluso nell’LP, che apparve
in America col titolo Heaven Is
In Your Mind, ma presentava i
successivi 45 giri dei Traffic, No
Face, No Name, No Number.
Il loro secondo album, Traffic,
seguì nell’ottobre 1968, quando
Dave Mason era tornato all’ovile
dopo la sua partenza all’inizio di
quell’anno stesso. Ha scritto o coscritto
metà delle sue dieci canzoni,
inclusa la celebre Feelin ‘Alright;
anche gli altri componenti
del gruppo, Steve Winwood, Jim
Capaldi e Chris Wood scrissero
testi e musiche degli altri pezzi
e, in particolare, Forty Thousand
Headmen di Winwood e Capaldi
mise in mostra un giovanissimo
Steve particolarmente ispirato
alla voce. Erano gli anni della
riscoperta del blues e della
psichedelia nella cosiddetta
swinging London, tra luci
stroboscopiche, LSD e ribellione
giovanile. John Barleycorn
Must Die del luglio
Traffic
THE STUDIO ALBUM
BOX SET 1967-1974
Island Records - LDT49246
6 LP 180 gr
1970 è stato uno spostamento
audace verso un suono più
chiaramente influenzato dal
progressive e il folk, molto
ammirato in particolare per
la sua canzone omonima, così
come Glad e Empty Pages, dal
pubblico statunitense. Alla fine
del 1971 creano quello che rappresenta
il loro punto più alto nel
rock progressivo: The Low Spark
Of High Heeled Boys, diventato
un disco certificato platino in
America, grazie al quale i Traffic
diventarono uno dei gruppi preferiti
della radio FM. Shoot Out
At The Fantasy Factory lo ha
seguito nella top ten statunitense
nel 1973, prodotto esclusivamente
come il suo predecessore
da Winwood. I Traffic hanno
completato la loro storia con l’album
When The Eagle Flies del
1974, prodotto questa volta dal
fondatore dell’etichetta Island,
Chris Blackwell, e risultato un
altro successo tra i primi dieci
negli Stati Uniti. I Traffic
hanno traghettato il rock
britannico dalla psichedelia al
prog, fino a sviluppare un soft-
-rock jazzato particolarmente
efficace sul mercato americano
e in grado di pubblicare pietre
miliari del rock psichedelico e
del rock progressivo. È curioso
notare come la loro influenza,
più che avere echi sul progressive
britannico, abbia coinvolto
gruppi emergenti americani
nella seconda metà degli anni
Settanta come Steely Dan,
Doobie Brothers e molti altri
esponenti della West Coast di
quegli anni. Rimasterizzato dai
nastri originali e presentato
nella collezione “First” Island
Pressing Form altamente fedele
alle stampe originali.
www.musicdirect.com/box-
sets/Traffic-The-Studio-
Albums-1967-74
74 SUONO dicembre 2019

Amato mio LP
Primo album del formidabile
bassista della
Florida, uscito nel 1976,
è considerato il migliore, al pari
del successivo Word of Mouth del
1981. In mezzo c’è la straordinaria
collaborazione con i Weather Report
a segnare e allargare in modo
enorme le possibilità di uno strumento
come il basso elettrico,
spesso confinato al ruolo di mero
strumento d’accompagnamento,
che diventa invece un protagonista,
ricco di soluzioni tecniche
e creative mai ascoltate prima e
in tal misura. Fin da giovanissimo
(classe 1951), John Francis
“Jaco” Pastorius si appassiona a
questo strumento del quale, ben
presto, utilizza la versione senza
tasti, detta fretless. Non è il primo
in assoluto ad adottare questa
soluzione, basti pensare a John
Entwistle degli Who e John Paul
Jones dei Led Zeppelin, quindi
già negli anni Sessanta. Ma la
sua fame di apprendere le varie
tecniche per suonare il basso lo
portarono a fine anni Sessanta a
sentirsi ormai pronto per formare
una band e cominciare a suonare
per i jazz club in giro per gli Stati
Uniti. Se i consensi furono mutevoli,
nonostante gli alti e bassi,
queste prime esperienze lo portarono
in contatto con straordinari
artisti come Pat Metheny e Herbie
Hancock. L’album di debutto che
porta il suo nome vede la collaborazione
e la presenza in molte
Jaco Pastorius
JACO PASTORIUS
Epic Records AL33949 1 LP
tracce di Hancock insieme ad altri
grandi musicisti. A venticinque
anni Jaco si sente ormai maturo e
in grado di osare, tanto da affermare
che lui è il miglior bassista
del mondo! Superbia, consapevolezza,
sparata grossa per fare
effetto? Forse un po’ tutto ma c’è
di più, perché questo disco è uno
di quelli fondamentali nella storia
del genere Fusion, che metteva in
contatto generi che prima si sfioravano
soltanto ma mai si erano
mischiati al punto da creare un
nuovo genere. La, anzi le, tecniche
utilizzate da Jaco sul suo basso ma
anche le sue capacità compositive,
per esempio nell’ultimo brano da
lui scritto ma non suonato Forgotten
Love, dimostrano un talento
davvero fuori dal comune.
L’album si apre con Donna Lee,
di Miles Davis, e già è una sorpresa
per come Pastorius in duetto
con Don Alias alle congas affronta
con un ritmo tribale e raffinato
questo classico. Come On, Come
Over è un brano funk nel quale
compaiono le voci Sam & Dave,
duo protagonista della prima
scena disco, dove Jaco sostiene e
trascina la band con i suoi pirotecnici
virtuosismi. In Continuum,
un brano frenetico, Pastorius
è perfettamente a suo agio tra
raffiche di note e momenti più
delicati. Nel lungo pezzo Kuro/
Speak Like a Child, compare alle
tastiere Hancock, coautore del
pezzo. È un momento spettacolare
con tanto di orchestra d’archi,
che lungi da coprire di melassa il
pezzo, insegue i vorticosi virtuosismi
di Jaco e Herbie, ricordando
le atmosfere di certi polizieschi
metropolitani e neri dei primi anni
Settanta. La successiva Portrait
of Tracy è una oasi di pace dopo
tanta frenesia. Pastorius mette in
mostra tutta la sua sapienza musicale
tra armonici delicati, quasi
pre ambient, in un pezzo dedicato
alla sua prima moglie. Opus Pocus
è un po’ misterioso e sembra
preannunciare la prossima avventura
con i Weather Report.
Sulla stessa linea d’onda si muove
Onkoko Y Trompa. Rientra nel
jazz canonico la successiva (Used
To Be A) Cha-cha, dove tra illustri
ospiti agli archi ascoltiamo le
pirotecniche soluzioni del basso,
esplosivo ma anche soffice. Ancora
gli archi protagonisti, questa
volta in modo più rilassato, nella
conclusiva Forgotten Love a
chiudere questo fantastico album.
Le successive ristampe, anche in
CD, con due outtakes, hanno ricordato
la grandezza di questo artista,
scomparso prematuramente
e in modo assurdo nel 1987. Il suo
passaggio ha fortemente influenzato
gli artisti che l’hanno seguito,
vedi Marcus Miller o Stanley
Clark, persino in ambiti inaspettati
- si pensi alla grande ammirazione
dichiarata da Robert Trujillo,
bassista dei Metallica! Cercatelo
nella rete.
PILLOLE
Genesis
TRESPASS
LP9021 1 LP 180 gr.
L’album con il quale
iniziò la favola dei
Genesis con Peter
Gabriel, fece la sua
comparsa all’alba
degli anni Settanta, tra le
avanguardie del Prog inglese.
Probabilmente è il successivo Nursery
Crime il loro vero capolavoro
ma Looking fo Someone e The
Knife sono pezzi da conoscere per gli
amanti del genere.
www.soundandmusic.com
Dire Straits
LOVE OVER GOLD
Dir. Bruno Walter CSO
Warner – 1 LP 180 gr.
Rimasterizzato da
Bernie Grundman a
partire dal nastro
analogico originale,
questo album
allargò gli orizzonti e le ambizioni
musicali del gruppo guidato da Mark
Knopfler. I pezzi si dilatano, ci sono
solo cinque tracce e il pop lascia
sempre più spazio a un rock maturo,
sempre gradevole e affascinante.
www.soundandmusic.com
Vladimir Horowitz
THE STUDIO RECORDINGS
NEW YORK 1985
DG LDH75905 – 1 LP 180 gr.
Definito il Liszt del
ventesimo secolo,
Horowitz è
tutt’oggi
considerato uno
dei migliori interpreti della
letteratura pianistica classica e
romantica. In commemorazione del
30° anniversario della sua morte (5
novembre 2019), Deutsche
Grammophon sta ristampando
alcune delle leggendarie
registrazioni di Horowitz su vinile da
180 g, incluso il suo tre volte vincitore
del Grammy Award, The Studio
Recordings New York 1985.
www.musicdirect.com/vinyl/Vladimir-
Horowitz-The-Studio-Recordings-
New-York-1985-%28180g-Vinyl-
LP%29
SUONO dicembre 2019 75

SELECTOR
di Antonio Gaudino
PARTE I
Le cover
al tempo del rock
Il vinile è stato il grande ritorno della seconda decade del terzo millennio ma è impossibile dimenticare le
copertine che hanno contraddistinto i dischi anni ’60 e dei primi ’70, probabilmente il momento di massimo
splendore di questa forma di illustrazione. Senza malinconie e nostalgie sdolcinate abbiamo quindi scelto
alcune storie di quel periodo partendo dagli artwork, i designer e i fotografi di cover immortali.
Bob Dylan
HIGHWAY 61 REVISITED
Sundazed Music Inc. (1965)
Foto: Daniel Kramer
Quando il fotografo Daniel Kramer
disse a Bob Dylan che avrebbe
voluto fotografarlo mentre il
cantautore faceva le cose che era
solito fare – scrivere, suonare la
chitarra, etc. – Dylan disse che
non avrebbe funzionato, perché
non gli sarebbe piaciuta una
foto di copertina che lo ritraeva
alla macchina da scrivere.
Stessa cosa vale per la chitarra:
l’artista, infatti, non suonava
quasi mai fuori dal palco o agli
studi d’incisione. Kramer non
voleva assolutamente alterare
l’immagine di Dylan. Per la
foto che è finita sulla copertina
di Highway 61 Revisitated ci è
voluto un giorno di lavoro e un
centinaio di scatti. Le gambe
dell’uomo che si possono vedere
dietro al cantautore sono quelle
di Bobby Neuwirth, e servivano
a riempire uno spazio vuoto; la
macchina fotografica che l’uomo
tiene in mano, invece, è ovviamente
di Kramer e serviva per
dare il giusto equilibrio all’immagine.
Fu lo stesso Dylan a
scegliere questa foto tra le tante
scattate.
The Rolling Stones
OUT OF OUR HEADS
ABKCO (1965)
Foto: Gered Mankowitz
Se gli appassionati di musica
e i musicisti stessi hanno un’ideale
immaginario dei Rolling
Stones come “guerrieri da strada”
dall’aspetto dandy è anche
grazie alla foto realizzata
dall’inglese Gered Mankowitz
per l’album Ou Of Our Heads.
Mankowitz aveva appena 18
anni quando venne contattato
dal manager della band per
fare lo scatto. In realtà qualche
mese prima lo aveva chiamato
Marianne Faithful per commissionargli
la copertina di The
Salisbury Pub. Probabilmente,
vedendo la bellissima foto della
Faithful, Andrew Oldham gli
chiese di occuparsi della copertina
dell’album degli Stones.
Il risultato fu una foto in bianco
e nero “ritoccata” attraverso un
verde leggero che ritrae i nostri
in uno spazio strettissimo che
sembra essere un sottile passaggio
fra due palazzi, un vicolo.
Tutto questo nella versione
UK mentre per quella USA,
riprodotta a sinistra, Gered
Mankowitz realizzò qualcosa di
più diretto, scuro e con i volti in
primo piano dove, stranamente,
il frontman Mick Jagger è l’ultimo
in fondo, quasi “disperso”
fra gli altri esponenti della band.
Mankowitz continuò a collaborare
con i Rolling Stones fino al
1967, quado la band ruppe con
il manager Oldham. Negli anni
’60, però, lavorò con altri grandissimi
artisti come Jimi Hendrix,
Traffic, The Yardbirds, Soft
Machine e negli anni ’70 con
Elton John, Kate Bush, Eurythmics,
Duran Duran e altri ancora.
Recentemente ha collaborato
regolarmente con la rivista di
musica Mojo e ha fotografato,
fra gli altri, Oasis, Verve, Catatonia
e Kula Shaker.
The Rolling Stones
AFTERMATH
ABKCO (1966)
Foto: David P. Bailey e Jerry
Schatzberg
Due immagini completamente
diverse fra loro fanno da supporto
visivo alle due uscite, statunitense
e britannica, dell’album
Aftermath. Per un titolo
che significa letteralmente “periodo
immediatamente seguente
ad un avvenimento” la copertina
pubblicata in America è quella
che coglie meglio questo concetto.
I Rolling Stones sono immortalati
in una foto che li mostra
sfumati, fuori fuoco, come se si
fossero mossi durante lo scatto.
E l’immagine potrebbe giusto
esserne l’“aftermath”, il risultato.
Tutti i componenti della band
sono seduti in posa ma è come
se non sapessero che il fotografo
è pronto a scattare la foto, perché
sembra che Keith Richards
si stia addirittura grattando la
guancia. Mentre la versione che
vediamo sopra (UK) è quella più
famosa e nota al pubblico: volti
in primo piano e chiaroscuri
giocati sul violetto. È forse un
effetto creato in seguito durante
la stampa ma di certo questa
luce che contorna le sagome del-
76 SUONO dicembre 2019

la band dà un effetto piacevole
e caldo alla foto. La copertina
virata sul viola è volutamente
molto più scura e fa sembrare
Mick Jagger e compagni dei
veri ragazzi cattivi. Due mercati
diversi, due copertine diverse.
Una cosa che all’epoca si usava
molto, anche per il piacere dei
fan di possedere tutte e due le
versioni.
The Beatles
SGT. PEPPER’S LONELY
HEARTS CLUB BAND
EMI (1967)
Foto: Peter Blake
Ovviamente Sgt. Pepper’s è finita
tra le copertine più controverse
di sempre ma è anche una delle
immagini più famose della storia
del rock. La foto è una matassa
piena di riferimenti enigmatici e
non: dietro ai Beatles appaiono
personaggi – voluti dalla stessa
band – che in una maniera o
nell’altra avevano segnato il loro
percorso musicale e personale.
Tra questi il teorico dell’LSD Timoty
Leary (tra l’altro l’album
contiene la canzone Lucy In The
Sky Of Diamond, una sorta di
anagramma di LSD) e il padre
del satanismo Aleister Crowley
oltre a Marilyn Monroe, Marlon
Brando e Marx. Vennero
scartati dalla lista “ospiti” Gesù
Cristo, Hitler e Ghandi: figure
di uomini fortemente contrastanti
l’uno con l’altro, nel
“bene” (Cristo e Ghandi) e nel
“male” (Hitler). Sgt. Pepper’s ha
anche portato delle novità nella
storia delle copertine: la stessa
versione è uscita contemporaneamente
in tutto il mondo (cosa
rara per quei tempi) e il termine
“album” nasce con questo disco
visto che aveva la particolarità
di aprirsi come un album fotografico.
È stato anche il primo
disco a mettere i testi sul retro
della copertina.
The Doors
THE DOORS
Wea (1967)
Foto di copertina: Guy Webster
Foto del retro copertina: Joel
Brodsky
Design e direzione artistica:
William S. Harvey
“Odio la copertina del nostro
primo album, le nostre facce
sono odiose ed inutili”, disse
nel 1968 Jim Morrison a un
quotidiano di Los Angeles. Effettivamente
la foto che appare
su The Doors raffigura il primo
piano di Morrison in grande e
gli altri componenti della band
in piccolo, sovrapposti in parte
sul viso del leader dei Doors.
Lo sfondo scuro della fotografia
scattata da Guy Webster rende
ancora più luminoso il volto del
cantante che, grazie a queste immagini
che girarono per il mondo,
divenne nel giro di breve tempo
un sex symbol a tutti gli effetti.
La particolarità di questa copertina,
però, sta nel logo che avrebbe
campeggiato da quel momento in
poi su tutti i dischi dei Doors. Fu
William S. Harvey a disegnarlo
nel 1966, utilizzando per “Doors”
un carattere arrotondato, con le
“O” a “chicco di caffè” e la “S” a
“farfalla”, e un carattere completamente
diverso per “The”, dal
sapore decisamente psichedelico.
Big Brother & The Holding Company
(feat. Janis Joplin)
CHEAP THRILLS
Columbia (1968)
Copertina: Robert Crumb
Tra i personaggi creati che hanno
reso popolare il fumettista Robert
Crumb ce ne sono tre in particolare:
Mr. Natural, Devil Girl e Fritz
The Cat. E poi c’è il disegno di copertina
di Cheap Thrills. Crumb
venne chiamato da Janis Joplin
in persona, che gli commissionò
questo lavoro da realizzare
nell’arco di una notte. L’idea era
quella di rappresentare i Big Brother
and The Holding Company, e
naturalmente Janis Joplin, in un
fumetto. Il tutto condito con lo stile
fantasioso dell’artista che cancella
le inibizioni per dare spazio
a movimento, ricerca del piacere,
religiosità orientale e sarcasmo.
Un esempio: la raffigurazione
del chitarrista James Gurley (in
basso a sinistra nella copertina)
è quella di un santo, hippie, con
un occhio da ciclope, che fuma.
Un’idea straordinaria trasformata
in una copertina audace, che nella
versione giapponese riporta i
dialoghi delle “nuvolette” nella
lingua nipponica.
Jimi Hendrix
AXIS: BOLD AS LOVE
MCA (1968)
Disegno di copertina: David
King e Roger Law
Questa immagine che ritrae Jimi
e i suoi compagni Noel Redding
e Mitch Mitchell, realizzata da
David King e Roger Law (che
insieme hanno anche collaborato
alla famosa copertina dei
Who The Who Sell Out) contiene
riferimenti specifici alla cultura
religiosa indiana. I volti dei tre
“Experience” sono disegnati sopra
un poster religioso indiano.
Hendrix non sembrò molto contento
di questa particolare scelta
stilistica, con la quale lui e la sua
band non avevano niente a che
fare. In un’intervista a una rivista
britannica, l’artista disse: “Quando
per la prima volta vidi il disegno
pensai che fosse grandioso
che avessero fatto un’illustrazione
indiana di noi, ma forse
sarebbe stato più indicato che si
trattasse di indiani d’America”.
Questo perché Hendrix aveva
fatto un album decisamente “indiano
d’America” ispirandosi alla
cultura degli indiani d’America.
Per quella particolare illustrazione,
che non piaceva a Hendrix,
vennero spese 3.000 sterline.
The Jimi Hendrix Experience
ELECTRIC LADYLAND
MCA (1968)
Foto: David MontgomeryDesign:
David King
Prevedibilmente la prima versione
di questa ardita coperti-
SUONO dicembre 2019 77

SELECTOR
na, che includeva donne nude,
venne censurata negli Stati
Uniti all’uscita dell’album.
Fu quindi ristampata con un’altra
immagine (quella raffigurata)
e la versione originale fu
disponibile solamente nell’assai
più tollerante Vecchio
Continente. In realtà pare che
prima dell’uscita di Electric
Ladyland Jimi Hendrix avesse
dato disposizioni alla sua casa
discografica sulla copertina in
questione, mandando una foto
(in cui compaiono lui e la band
seduti in un parco circondati
da bambini) e delle bozze,
chiedendo che la frase “Letter
to the room full of mirrors” venisse
messa in copertina. Queste
disposizioni non vennero
prese in considerazione – il suo
manager optò per la controversa
copertina per preservare
l’immagine dell’artista – ma
che questo episodio sia vero
è indicato anche dal fatto che
all’interno di una riedizione
di Electric Ladyland del 1997
si trovi la scritta “Letter to the
room full of mirrors”. Ad ogni
modo, la copertina censurata
fu un successo e fu copiata da
molti: più recentemente da
Kid Loco per un suo album di
remix (Jesus Life for Children
Under 12 Inches), fino a un
celebrato servizio fotografico
per Q fatto a Moby dopo l’uscita
di 18.
The Beatles
ABBEY ROAD
The Apple/Parlophone (1969)
Foto: Iain Macmillan
Design: Peter Blake
Una “normale” foto che ha
reso celebre una bella e alberata
via a nord di Londra, per
l’appunto “Abbey Road”. Alle
spalle dei Beatles sorgono gli
studi di registrazione omonimi
alla via e all’album, dove i fab
four escono per attraversare
le famose strisce pedonali (da
tempo ci sono due poltroncine
in legno, alla fine del passaggio,
per far sedere gli innumerevoli
visitatori quotidiani che
contemplano quel passaggio
“cult”). La forza della copertina
è nella “semplicità” stessa:
quel loro stare in fila indiana
rompe gli schemi, consente
d’immaginare qualsiasi cosa,
una volta attraversata la strada.
Ritratti ognuno nel proprio
abbigliamento, sottolinea bene
le personalità normali o stravaganti
dei quattro. Lennon in
completo bianco e mani in tasca
guida la coda, McCartney,
in mezzo, attraversa scalzo
e con una sigaretta in mano
(particolare recentemente rimosso
dalla compagnia dei
poster americana per la gioia
delle associazioni anti-fumo).
Harrison e Star appaiono più
sobri e distaccati. Lo scatto fu
scelto da McCartney (tra le sei
che fece il fotografo, il quale
ebbe a disposizione solo dieci
minuti). In seguito girò la voce
che McCartney fosse morto in
un incidente stradale prima di
fare lo scatto e che nella foto
fosse stato rimpiazzato da
una persona che gli assomigliava.
Questa diceria voleva
che Lennon, nella sua veste
bianca, simbolizzasse il sacerdote
a capo della processione
del funerale e che McCartney
scalzo fosse la salma. Il fatto
che tenesse la sigaretta nella
mano destra, benché fosse
mancino, dava adito a questa
teoria. Abbey Road rimane ad
oggi la copertina più “plagiata”
di tutti tempi.
Tim Buckley
BLUE AFTERNOON
Straight (1969)
Foto: John Williams e Frank Bez
Design: John Williams
Guardando attentamente questa
copertina, nel formato originale,
si ha come la sensazione
di udire quel senso di dolore
intenso, forte e al tempo stesso
“irrimediabile”, che l’artista
“emana” nella sua espressione.
Il volto di Tim Buckley, sfumato
in un verde lattiginoso, viene
colto di profilo, rivolto verso
l’alto, mentre ad occhi chiusi
sussurra versi durante una delle
sue grandiose performance,
o forse si “ricarica” attraverso
un raggio di sole accecante.
Frank Bez (noto fotografo di
cantanti degli anni ’60, come
Johnny Cash e i Byrds) e John
Williams riescono a catturare
“l’anima” inquieta di Tim Buckley,
nel momento più alto e
creativo della sua carriera. Bellissime
anche le foto all’interno
dell’album che presentano un
Buckley più sereno mentre è appoggiato
a un albero, o cammina
sistemandosi il colletto della
camicia, o mentre sorride alla
camera in uno scatto in bianco
e nero.
The Doors
STRANGE DAYS
Wea (1969)
Foto: Joel Brodsky
Design, concetto, artwork e
direzione artistica: William S.
Harvey
Per il secondo album dei
Doors Jim Morrison voleva
un’immagine che non contenesse
affatto il suo viso,
una richiesta decisamente in
controtendenza con ciò che
erano le regole del mercato
discografico all’epoca. La
band, piuttosto, voleva qualcosa
che si ispirasse al film La
strada di Federico Fellini,
con personaggi caratteristici
che dessero la sensazione di
un’ambientazione totalmente
surreale. Furono scelti un
energumeno che lavorava in
un circo e che per arrotondare
lo stipendio faceva il buttafuori,
un guidatore di taxi
che nella foto veste i panni del
trombettista, un nano scovato
in un hotel residenziale di
New York e dei giocolieri, tra
cui Frank Kollegy, l’assistente
del fotografo Joel Brodsky.
Il gruppo si può vedere solo facendo
molta attenzione, visto
che compare su un manifesto
attaccato al muro, con sotto un
adesivo con la scritta “Strange
Days”. La foto fu scattata
a Sniffen Court, un quartiere
di New York, e i Doors furono
felicissimi di come Brodsky e
Harvey interpretarono la loro
richiesta, e di come riuscirono
a dare l’impressione di un circo
di strada e Ray Manzarek
disse che era la copertina più
bella di tutta la discografia dei
Doors.
78 SUONO dicembre 2019

SELECTOR
de il Tremila
Andrea Sartini
BACH IN
MY MIND
SUONOrecords
ANDREA SARTINI
BACH ON MY MIND
Odi Bach, visto da un’altra
prospettiva… La parola
“contaminazione” ben
si attaglia all’operato di
Andrea Sartini, musicista
e soprattutto uomo
di ampie vedute, poco fossilizzato su stilemi
che, pure nel suo excursus professionale,
avrebbero potuto prendere il sopravvento.
Se così non fosse mai sarebbe potuto nascere
Bach on My mind, rivisitazione delle arie
di Bach in chiave jazzistica, l’ultimo nato della
collana musicale SUONOmusica.
Pur provenendo dalla musica classica, Sartini
si è poi avvicinato al jazz a metà dei suoi
studi affascinato dal fatto che in questo genere
di musica “si improvvisa, si rielabora,
ogni volta che si suona si lascia una parte
di sé nel brano”. Sintesi di questa visione
della musica quanto accaduto poco dopo il
diploma: “stavo preparando un concerto di
musica classica e in tale occasione proposi
di inserire qualche brano di Bach in versione
moderna. Da lì fondai il gruppo, a cui si aggiunse
un fidato contrabbasso e, di seguito,
una lunga serie di irrequieti batteristi, molti
di loro semplici mercenari...”. Perché Bach,
per Sartini (e non solo per lui), è una sorta
di Stella Polare: “La musica di Bach è un’enorme
fonte di ispirazione per diversi motivi:
innanzitutto lo spirito con cui si faceva
musica nell’epoca barocca, sempre in parte
improvvisata, pensata al momento con alcune
tracce guida (si veda, ad esempio, il principio
del basso continuo); tale libertà non
era presente solo nella melodia, che poteva
(anzi doveva) essere variata con l’aggiunta
di abbellimenti, ma anche nell’assenza di
segni di interpretazione: Bach scrive solo
le note, non il modo in cui esse vanno suonate;
era consuetudine, infine, utilizzare delle
sigle numeriche per il basso continuo, come
indicazioni armoniche, allo stesso modo in
cui oggi nel jazz si suggeriscono le armonie
sopra il tema principale”. Tutto ciò fa sì che
vi sia un ponte storico-estetico tra Bach e il
jazz dei giorni nostri, unico nel suo genere.
Al tempo stesso, quasi in omaggio a una sorta
di legge del contrappasso, in passato Sartini
ha “investigato” il suo orizzonte musicale
risciacquando la lingua… nel grande mainstream
della canzone leggera, anche se di
un certo spessore, con l’operazione “Battisti
Jazzisti”, di cui SUONO curò i natali. Sulla
base di questo esperimento è nata l’idea di
trasporre la musica di Bach in un contesto
differente, quello del jazz, appunto.
Bach in My Mind è nato su Logic X ed è stato
finalizzato con lo stesso software. Le potenzialità
che offre il mondo attuale delle DAW
e in generale del sound engineering sono talmente
tante che a volte si corre il rischio di
esagerare con la postproduzione e finire con
lo snaturare il sound originale: si è quindi
cercato di approcciarsi al lavoro di missaggio
con molto rispetto non solo dei brani originali
di Bach ma anche della nuova veste che
gli era stata data dal musicista. La prima cosa
da fare è stata valorizzare le personalità timbriche
degli strumenti; per farlo sono state
utilizzate emulazioni di equalizzatori vintage
come il Pultec EQP 1-a, famoso per aggiungere
calore e brillantezza al suono. Sono stati
utilizzati anche equalizzatori dall’approccio
decisamente più moderno come il FabFilter
Pro-Q2, così preciso e intuitivo da consentire
quasi di disegnare il suono. In una seconda
fase ogni strumento o gruppo di strumenti
(se pensiamo alla batteria o agli archi) è stato
sottoposto a un lavoro di modesta compressione
della dinamica utilizzando, anche in
questo caso, le migliori emulazioni di compressori
vintage per garantire a ogni parte
di essere presente e corposa nella maniera
più coerente con gli arrangiamenti. Infine è
stato scelto un ambiente unico nel quale far
suonare gli strumenti in modo da restituire
all’ascoltatore la sensazione di una band che
suona i brani dal vivo. I moderni reverberi
a convoluzione permettono di scegliere tra
centinaia di ambienti diversi, dalle sale da
concerto ai teatri, dagli spazi aperti ai locali
di qualunque dimensione. Così si è potuto
intervenire ascoltando i brani in ambienti
80 SUONO dicembre 2019

Classica
diversi per poi trovare quello più consono.
In definitiva sono stati effettuati degli interventi
mirati in maniera piuttosto classica: la
bellezza di questo progetto è nella musica
scritta, non c’era bisogno di stupire con effetti
speciali anche se lavorare con un mixer analogico
come l’SSL4000G+ è stata la ciliegina
sulla torta che ha dato quell’uniformità di
suono necessaria, senza smarrire i dettagli.
BACH ON MY MIND:
Istruzioni per l’uso
Allemanda
L’Allemanda fa parte della più ampia Partita
BWV 1013 che Bach. Il manoscritto è
stato datato intorno al 1722 ma sembra che
Bach lo scrisse quattro anni prima. Primo
brano della raccolta, fu composto in stile
francese, una tendenza musicale nei confronti
della quale il compositore si sentiva
particolarmente sensibile. La Partita è simile
alla forma della Suite e nel nostro caso prevedeva
un unico strumento solista: il flauto
traverso. Il traversiere non va considerato
una semplice evoluzione del flauto traverso
odierno, basti solo pensare che il primo utilizza
il complesso sistema di suoni naturali,
complesso per i moderni ascoltatori, mentre
il secondo adotta il sistema temperato, di
cui il Clavicembalo “ben temperato” è uno
straordinario esempio.
Clavicembalo ben temperato
Il temperamento equabile è una teoria matematico-musicale
per la realizzazione di una
scala musicale. Il principio del buon temperamento
è quello di prendere un intervallo
di 8ª, una distanza che rende i due suoni che
la compongono molto simili, a tal punto che
siamo portati a dare loro lo stesso nome: ad
esempio Do grave e Do acuto. Tutti gli altri
suoni rimanenti vengono distribuiti suddividendo
in 12 parti uguali tale intervallo, facendo
così coincidere i suoni alterati: il Do
diesis con il Re bemolle, ecc. Il Clavicembalo
ben temperato è una raccolta di preludi e
fughe divisa in due libri, il primo fu scritto
nel 1722 e il secondo vent’anni dopo, in tarda
età, nel 1744. Raccoglie dunque 24 preludi
e fughe, ciascuno in una tonalità diversa: 12
tonalità maggiori, 12 tonalità minori. Poiché
i libri sono due, parliamo di un totale di 48
preludi associati a 48 fughe.
Concerto per due violini e orchestra
Il termine “concerto” nacque dall’uso di far
contrapporre, e nello stesso tempo, legare
insieme più strumenti diversi. Non più
pochi, non più un unico timbro omogeneo,
ma diverse voci, di cui alcuni addirittura in
evidenza. La forma del concerto prevede
tre brani separati, tre tempi che alternano
andamenti e carattere contrastanti: Allegro,
Adagio, Allegro. Nel caso specifico del
concerto BWV 1043 ho elaborato esclusivamente
il tema iniziale del primo tempo, il
Vivace, un motivo esposto dai due strumenti
solisti, i violini, e articolato quanto mai sul
principio del dialogo tipico della forma del
concerto. Bach, che studiò molto lo stile italiano,
scrisse il concerto probabilmente tra
il 1717 e il 1723.
Concerto Brandeburghese
Bach compose il Quinto Concerto Brandeburgo,
donandolo al margravio del Brandeburgo,
da cui il nome dell’intera raccolta.
Questo concerto è tra i più importanti dei
sei, per l’originalità delle scelte fatte dal compositore.
Si tratta di un concerto grosso, per
cui è un brano per orchestra, in cui spicca un
piccolo gruppo di strumenti (detto concertino)
che si alterna continuamente con l’intero
organico; l’esigenza di alternare i due gruppi,
il concertino e il tutti, era dovuta ovviamente
a una necessità estetico-compositiva, tuttavia
giustificata anche dal fatto che all’interno
del piccolo gruppo v’erano i musicisti più
bravi. Nel nostro caso gli strumenti solisti
sono flauto e violino, accompagnati dal clavicembalo,
anche se il ruolo di quest’ultimo
strumento non era certo di tradizionale sostegno
armonico, e qui infatti troviamo la
prima grande intuizione di Bach, utilizzata
in questo brano: il clavicembalo ha un largo
spazio in cui è utilizzato come uno strumento
solista, addirittura alla metà circa del primo
tempo l’intera orchestra si ferma, lasciandogli
tutta la scena.
Siciliana
La Siciliana è il secondo tempo della Sonata
BWV 1031, per flauto e clavicembalo. Lo
strumento a corde pizzicate non si limita ad
accompagnare con un basso continuo semplice,
al contrario l’autore ha voluto indicare
dettagliatamente le note nella partitura, definendo
oltretutto il ruolo del clavicembalo
come “concertante”.
Suite
Bach scrisse le sue 4 suite per orchestra
intorno tra il 1721 e il 1730. La suite n. 3
è famosa per contenere l’Aria sulla quarta
corda ma la n. 2 è probabilmente la più
celebre; il suo organico prevede un flauto,
trattato quasi da strumento solista, e un’orchestra
d’archi, con l’aggiunta chiaramente
di un clavicembalo per il basso continuo.
Nel Cinquecento venne via via formandosi
l’abitudine di accostare due danze di carattere
piuttosto contrastante: lenta la
prima, veloce la seconda, ritmo binario la
prima, ternario la seconda. Tale struttura
prevedeva 4 brani, tutti della medesima tonalità,
tutti di origine geografica diversa e,
come detto poc’anzi, di carattere e velocità
contrastanti: allemanda (moderata, binaria,
tedesca), corrente (brillante, ternaria,
francese), sarabanda (molto lenta, ternaria,
spagnola), giga (molto veloce, ternaria, italiana).
Inoltre alcuni autori introducevano
il tutto con un brano iniziale che poteva
esser chiamato ouverture, preludio o sinfonia.
La successione dei brani della nostra
suite è la seguente: preludio, rondeau, sarabanda.
SUONO dicembre 2019 81

SELECTOR
di Paolo Corciulo
Leonard Cohen
THANKS
FOR THE
DANCE
Sony
Un pianeta di
nome Leonard
Cohen: nove
canzoni inedite
per far risuonare
la voce di Leonard
Cohen.
È di qualche
giorno fa (22 novembre), infatti, l’uscita
di Thanks for the Dance, album postumo
che magari non aggiunge (e davvero non potrebbe,
visto la smisurata produzione quasi
tutta di altissimo livello dell’artista) molto
alla sua vita di artista ma colma, almeno in
minima parte, il peso della perdita di uno dei
maggiori cantautori di ogni tempo incollandoti
brano dopo brano all’ascolto. Un timbro
che è un marchio di fabbrica come per Van
Morrison, Dylan, Jagger e pochi altri eletti
ma come loro e più di loro Cohen andrebbe
catalogato alla voce generica (ma per
questo omnicomprensiva) di poeta: Cohen
è stato musicista, scrittore e poeta, prima
di tutto poeta e non solo cronologicamente
(nel 1957 con il titolo di Six Montreal Poets,
otto poesie da lui recitate) ma per quella
sua straordinaria capacità di regalare un
punto di vista romantico e al tempo stesso
scettico e critico. A cominciare da quell’inno
all’amore, troppo veloce, troppo fugace,
consumato nella splendida cornice dell’isola
di Idra con Susanne e celebrato nell’omonima
canzone. Poi, tutti gli altri capitoli (libri
compresi) di una saga lunga quasi 50 anni
(il debutto musicale con The Songs of Leonard
Cohen nel 1967) interrotta dalla sua
scomparsa nel novembre del 2016. I tre anni
che separano dall’oggi non hanno scalfito
la memoria della sua figura: un grande
concerto evocativo, il riconoscimento del
Canada al suo artista (non è da tutti apparire
in una serie di francobolli commemorativi
emessi in occasione di quello che
sarebbe stato il suo 85mo compleanno) e
ora questo Thanks for the Dance che ce ne
ripropone vivida la voce, come se Cohen
fosse ancora lì a scrutarci, con quella sua
aria da crooner ironico e raffinato. Happens
To The Heart apre l’album infatti in piena
atmosfera “da Cohen”, quasi che il sottile
trait d’union tra l’artista e il pubblico non si
sia mai spezzato malgrado gli eventi. Dolce
e struggente The Night Of Santiago, persino
più essenziale grazie al solo accompagnamento
alla chitarra (non ci sono note
in merito ma suppongo sia a cura di Javier
Mas, che ha assistito Cohen sul palco negli
ultimi tour) e che sollecita pienamente
le corde dell’emozione. Leggermente più
“ricco” il brano che dà il nome all’album
e che sembra (consapevolmente o meno)
il suo vero testamento musicale, dove “la
notte è appena iniziata” ma parte (l’ultima)
ballata sotto un cielo dove “il blu è
così blu”. E così via, con andamento lento e
l’aurea teatrale che più di ogni altro Cohen
saprebbe evocare, anche semplicemente
leggendo l’elenco degli accessori disponibili
per un’auto commerciale!
D’altronde è la stessa genesi del disco ad aver
suggerito una dimensione intimistica. Dalla
precedente collaborazione per You Want
82 SUONO dicembre 2019

Rock
It Darker Adam Cohen aveva conservato
alcuni materiali grezzi: poco più che bozzetti
o, a volte, semplici tracce con la sola voce
del padre. Lavorandoci su, cercando di
aggiungere il meno possibile per mantenerne
lo spirito originario, Adam Cohen ha chiamato
a riempire rispettosamente i silenzi amici
e colleghi suoi e del carismatico genitore: il
canto di Damien Rice e Leslie Feist, Richard
Reed Parry degli Arcade Fire al basso, Bryce
Dessner dei The National alla chitarra, il compositore
Dustin O’Halloran al piano. All’interno
di una produzione globale (Montreal, Los
Angeles, Berlino) hanno trovato posto anche
le collaborazioni di Daniel Lanois con i suoi
raffinati arrangiamenti e di Jennifer Warnes
che ha registrato le secondi voci o di Beck che
ha contribuito alla chitarra e all’arpa ebraica.
Un ideale abbraccio sincero e probabilmente
definitivo (solo momentaneamente
allontanato) che nulla ha a che vedere
con l’ipotesi e il rischio che Thanks for the
Dance possa apparire come una raccolta
di B-sides: ne traspare la forza, l’amore e
l’energia in ogni brano, ognuno a ricordarci
quanto sedimentato in noi ci sia di
Leonard Cohen, un artista che ha ispirato
oltre 3.000 cover version e la cui musica
è stata utilizzata nelle colonne sonore di
centinaia di film e serie televisive con un
gradimento nemmeno tanto piccolo anche
nel nostro Paese (I cento passi, La Meglio
gioventù, Mia Madre…), primo nel
rendergli omaggio (“Istruzioni per sopravvivere
alla sconfitta - Una serata per
Leonard Cohen” - Venerdì 4 ottobre 2019).
Chansonnier universale Cohen, il più grande
di tutti o (perlomeno) il più originale, visto il
sedimentato intreccio tra produzione letteraria
e composizione musicale. Così Thanks for
the Dance è semplicemente indispensabile
e non solo per la pochezza delle alternative
sfornate attualmente. Un giudizio di parte,
certo, ma non potrebbe essere che così da
chi considera The Favourite Game uno dei
principali romanzi formativi, Beautiful Losers
come uno dei titoli più belli in assoluto
(insieme a Chiedi alla polvere di John Fante)
e Bird on the Wire l’inno più bello che si
ricordi alla pace e alla libertà.
Hasta siempre Leonard!
SUONO dicembre 2019 83

SELECTOR
di Vittorio Pio
È
davvero un colpo al cuore
quello che ufficialmente
è stato presentato come
l’ultimo brano della
carriera di Franco Battiato,
forse l’unico fra i nostri
cantautori che possa fregiarsi per davvero
del titolo di Maestro. Il titolo, Torneremo
ancora, è eloquente, profetico,
già malinconico, e dà il titolo alla raccolta
dal vivo che comprende anche quattordici
tra le vette assolute di una carriera che
non teme confronti (da Povera Patria a
La cura, da E ti vengo a cercare a I treni
di Tozeur, tutte interpretate con una rapinosa
e struggente carica emotiva). I brani
sono stati registrati nel 2017, durante le
prove di quello che sarebbe dovuto essere
un tour, immediatamente sospeso per
motivi di salute; tutto acquista un nuovo
respiro grazie all’apporto della Royal
Philharmonic Concert Orchestra, diretta
da Carlo Guaitoli, fidatissimo sodale di
Battiato. Al netto di speculazioni e sciacallaggi,
visto che l’artista non appare pubblicamente
per dei problemi che restano
seri, alcuni dei quali riportati fedelmente
dalle cronache di quello stesso periodo:
c’è da fare i conti con una doppia frattura
Franco Battiato
TORNEREMO
ANCORA
Sony Legacy
a femore e bacino, circostanza che all’età
di 74 anni gli impedisce un completo recupero
fisico. Quell’inedito che ti incenerisce
il cuore, invece, è stato scritto e composto
insieme a Juri Camisasca e Battiato,
84 SUONO dicembre 2019

sebbene con una voce largamente compromessa,
è ancora capace di inchiodarci
al muro con parte dei nostri interrogativi
sul tempo che abbiamo davanti: “La vita
non finisce, è come il sonno; la nascita
è come il risveglio, finché non saremo
liberi”. “Sicuramente è un brano piuttosto
intenso ma è nato discutendo sul
problema dell’immigrazione”, sottolinea
Camisasca, “Inizialmente si chiamava I
migranti di Ganden; lo avevamo iniziato
con l’intenzione di affrontare la questione
ma poi ci siamo resi conto che sviluppare
il concetto in forma politica non risuonava
col nostro percorso artistico. Così
lo abbiamo trasformato in un discorso
sull’universalità della migrazione, delle
anime e delle persone, del resto siamo
tutti migranti fin quando non torneremo
a casa alla nostra dimora ultima, come
ci insegnano diverse religioni e discipline,
a partire da quelle orientali. Testo e
musica sono scritti in parti uguali, come
sempre è successo quando io e Franco abbiamo
lavorato insieme”. Pino “Pinaxa”
Pischetola, da parecchi anni insostituibile
sound-engineer di Battiato, ha cercato di
delineare una situazione ingarbugliata in
sede di conferenza stampa. “Franco non
sta sufficientemente bene per essere qui
con noi ma non posso nemmeno dire che
sta male, se non altro perché l’ho sentito
al telefono e mi dice che sta bene. Avevamo
registrato la voce poco più di due anni fa e
poi sulla sua stessa partitura è intervenuta
la Royal Philarmonic Concert Orchestra,
con il suo tipico timbro e colore che caratterizza
l’intero l’album, sistemato definitivamente
a casa sua, nell’home studio che
ha allestito per comodità. Quando Franco
ha sentito l’esito finale si è molto commosso”.
E sulla sua malattia invece taglia corto:
“In questi anni ne abbiamo sentite di tutti i
colori ma l’unica cosa giusta è lasciarlo in
pace. Non abbiamo mai voluto rispondere
per non alimentare polemiche”. E mentre
molti fan di Battiato sui social invocano
quel rispetto che non sempre in questi due
anni di silenzio è stato dimostrato, il suo
manager Franco Cattini avverte: “Questo di
Franco è il suo ultimo brano ufficiale, non
abbiamo più suo materiale negli archivi”.
Ma tutti noi speriamo romanticamente
che sia un errore.

SELECTOR
di Vittorio Pio
Carla Marciano
PSYCHOSIS
Challenge
Riprendendo il celeberrimo
Lo Zen e l’arte della
manutenzione della
motocicletta di Robert
M. Pirsig, c’è un passaggio
che ben si adatta
al recente omaggio a Bernard Herrmann
firmato da Carla Marciano, Sassofonista
di personalità e valore: con Psychosis
la Marciano ha firmato una musica
magmatica e circolare che andrebbe
ascritta all’estetica classica, quella che
secondo Pirsig allude a “uno stile personale,
il cui scopo non è quello di ispirare
direttamente emozioni ma di creare l’ordine
dal caos: tutto è sotto controllo, e il
suo valore si misura proprio in base alla
continuità di questo controllo”. Un lavoro
importante che prende le mosse simbolicamente
da un evento accaduto qualche
anno fa quando la Marciano, rivedendo
Taxi driver, ne esamina in nuova luce
le musiche (appunto di Hermann). Un
lavoro particolarmente impegnativo,
perché rielaborare, arrangiare e adattare
dei brani, concepiti per orchestre sinfoniche
e d’archi, per un quartetto jazz, è
stato quasi come reinventarli. Un lavoro
di vera e propria composizione, come sottolinea
l’artista: “Ho voluto creare degli
spazi improvvisativi totalmente originali,
fatti su misura per il mio quartetto. Non è
stato semplice nemmeno scegliere le tonalità;
i temi suonati da un’orchestra hanno
un’estensione molto ampia in termini di
altezza musicale, quindi difficili da rendere
per un unico strumento solista quale
il sassofono. Ad ogni modo ho aspettato
sempre l’ispirazione giusta, dettatami
dalla musica originale, senza mai forzarla.
In Taxi driver ho cambiato totalmente
l’impianto armonico del brano; in Marnie,
dopo lo sviluppo del tema, ci sono
nuove parti che non hanno alcuna attinenza
armonica con il brano originale;
nella Scene d’amour di Vertigo ho inserito
invece una struttura per improvvisare, simile
a una piccola parte del tema, ma dilatata;
in Twisted nerve e Psycho ho dato
sfogo alla mia vena modale; nel Preludio
di Vertigo, Alessandro La Corte ha arrangiato
tenendo fede alla struttura armonica
del brano, utilizzando sax e contrabbasso
come ensemble ed inserendo degli
elementi ritmici tipici del drum&bass. C’è
poi una track intitolata From Marnie to
Twisted nerve che è una mia composizione
di concezione quasi free, che fa da ponte
tra i due brani. Molto importante è stato
poi l’inserimento dei sintetizzatori, direi
fondamentale per lo sviluppo di alcune sonorità”.
Tutte le musiche, in pratica, sono
tratte da thriller psicologici in cui i protagonisti
sono affetti da psicosi, nevrosi, ansie
e fobie e il disco può essere anche inteso
come l’invito a una riflessione di carattere
sociale, un’attenzione particolare rivolta
alle persone affette da disturbi psichici di
diversa gravità, come conferma l’artista: “La
mia speranza è che la società e le istituzioni
possano accorgersi della presenza di tante
persone ammalate e sfortunate, molte volte
86 SUONO dicembre 2019

Jazz
“invisibili”, e che possano tendere una mano
a loro e ai loro familiari, troppo spesso abbandonati
a se stessi”.
Particolare è anche l’organizzazione del lavoro
all’interno del quartetto, dove ha
lavorato con Alessandro La Corte, in
arte pianista e co-arrangiatore di questo
quartetto, compagno, nella vita, di Carla
Marciano: “In genere io compongo o arrangio
al pianoforte, le mie idee prendono
forma lì e poi si spostano sul sassofono.
C’è poi una fase di confronto tra noi due,
visto che anche lui è un fine arrangiatore.
Quindi arriva il momento del lavoro di
scrittura delle parti che, nel caso di questo
disco, è stato davvero impegnativo:
proprio Alessandro mi è stato di grande
aiuto. Per alcuni brani è stato quasi come
scrivere delle partiture di musica classica.
Non è un caso, infatti, l’aver suscitato
l’interesse della Challenge Records, che è
anche un’etichetta di musica classica oltre
che di jazz”. Su www.suono.it, disponibile
l’intervista integrale all’artista.
SUONO dicembre 2019 87

SELECTOR
di Daniele Camerlengo
Giovanni Falzone Open Quartet
L’ALBERO
DELLE FATE
Parco Della Musica Records
Distesa brillante e spazio magico, un luogo che
offre passaggi d’umore e favorisce il lento fluire
di energie cosmiche dentro noi e le nostre fugaci
vite. La grandezza della normalità che accoglie
il libero pensiero creativo del trombettista Giovanni
Falzone, quel delizioso paesaggio del Lago di Endine ha
ispirato L’albero Delle Fate, il nuovo lavoro discografico licenziato
dalla Parco Della Musica Records. Un suggestivo racconto
sonoro delle sue escursioni d’animo accolto e avvalorato da un
nobile quartetto che annovera Enrico Zanisi al piano, Jacopo
Ferrazza al contrabbasso e l’illuminante Alessandro Rossi alla
batteria. Cartoline fatte da idee melodiche e sentieri armonici
carichi di purezza emozionale. La tromba di Falzone soffia bellezza
e ne dipinge l’incanto, derimendo le sozzure e gli abbagli
della virtualità contemporanea. Il ritmo pervade l’intero flusso
compositivo che avvicenda al jazz la ricerca e le forme di scrittura
che hanno caratterizzato il XX Secolo. Una piacevole ed
errante indagine acustica che acuisce la già notevole discografia
di Giovanni Falzone.
Brian Lynch
THE OMNI-AMERICAN
BOOK CLUB /
MY JOURNEY THROUGH
LITERATURE IN MUSIC
Hollistic MusicWorks
Una ardente passione che cresce e si sedimenta nel
sorriso luminoso degli occhi che scorrono parole e
punteggiatura, un movimento che vibra ed alimenta
la fame di storie e di pensiero umano e nella purezza
della vicinanza di intenti si lega indissolubilmente al
linguaggio di suoni e ai suoi costrutti estemporanei. Questo è stato il
moto passionale che ha permesso a Brian Lynch, vincitore del prestigioso
GRAMMY, di realizzare The Omni-American Book Club, nuovo lavoro
discografico in due CD. Un progetto musicale per “Big band” composto
e arrangiato da Lynch a cui partecipano numerose stelle del jazz: Regina
Carter, Donald Harrison, Dave Liebman, Dafnis Prieto, Orlando “Maraca”
Valle e Jim Snidero. The Omni-American Book Club, sottotitolato
“My Journey Through Literature In Music”, è legato concettualmente al
libro The Omni-Americans dello scrittore afroamericano Albert Murray,
che Lynch lesse durante il liceo rimanendo folgorato dalla descrizione
della società americana sostenuta nella sua evoluzione dalla coscienza
sociale e culturale afroamericana. Lo scorrere compositivo offre una
veduta d’insieme del mondo di Lynch come compositore, arrangiatore
e solista nella sua prima esperienza da leader in una Big Band, rivelando
all’interno della sua preziosa scrittura le influenze di musica latina, jazz,
hip hop, trap e funk. Esempio della sagacia e brillantezza delle conturbanti
idee musicali i coinvolgenti ritmi swing e latini accolti e arricchiti
dal lavoro creativo del sax soprano del leggendario Dave Liebman in The
Trouble With Elysium.
88 SUONO dicembre 2019

SELECTOR
Eric Hofbauer And Dylan Jack
REMAINS OF
ECHOES
Creative Nation Music
Un ideale mosaico di copertine belle e caratterizzanti, i
dischi degli eroi musicali che hanno colonizzato molte
adolescenze irrequiete e attraverso le loro canzoni ne
hanno influenzato i momenti cruciali. Storie di suoni
che grazie alla loro ricchezza narrativa hanno avuto
una presa diretta e devastante nelle coscienze creative di Eric Hofbauer e
Dylan Jack che con Remains Of Echoes, ultima fatica discografica licenziata
dalla Creative Nation Music, hanno voluto ricordare il loro passato
di ascolti e l’evoluzione temporale e cognitiva che ne ha permesso una
nuova e brillante interpretazione. Il titolo di questo album ritorna concettualmente
al pensiero scarno ed essenziale contenuto nel brano Up
From the Skies di Jimi Hendrix, che si domanda se la musica non sia
altro che i resti di vibrazioni ed echi di un passato remoto. Hofbauer e
Jack destrutturano il reperto compositivo, ponendo l’attenzione sull’aspetto
resiliente e ancestrale della scrittura e della nuova esposizione.
Libertà d’intenzione nella rivisitazione dei temi e una scarna deposizione
di ciò che rimane delle ammiccanti vibrazioni dei brani dei loro idoli,
disegnando una linea immaginaria che va da Ellington a Charlie Parker,
da Monk a Mingus, da Miles a Ornette e Don Cherry, giungendo fino a
Hendrix e ai Police. La peculiarità che pervade l’intera esperienza d’ascolto
è la circolarità emozionale che si respira nel dialogo strumentale
tra gli improvvisatori dell’area di Boston, soprattutto il loro modo di
cercarsi e incunearsi tra le cellule melodiche e ritmiche, nel tentativo
di immaginare una vita altra della materia musicale.
Aldo Mella
UDITO
Claudiana
Il magazzino aurale di una vita impastata di suoni e contrabbasso,
un percorso nato dal caso avverso ma ficcante nel
suo sviluppo di crescita. Il succedaneo incedere del senso
e dello straordinario racconto di ciò che è stata la propria
esperienza musicale rendono questa opera discografica un
ricco grimorio di vita vissuta. Aldo Mella regala agli appassionati di
jazz e non solo Udito, un cofanetto composto da due CD, licenziato
dalla prestigiosa Claudiana, nel quale propone una musica già
sentita ma che racchiude le variegate influenze musicali che hanno
caratterizzato la sua formazione di musicista. Un lavoro compositivo
che nasce a seguito di un infortunio a un dito che ha costretto il
contrabbassista di Pinerolo a non poter suonare il suo strumento per
molti mesi e quindi a dedicarsi alla scrittura e agli arrangiamenti.
Una mole di materiale che è stato condiviso con i compagni di sempre,
ben 46 musicisti che hanno approvato, entusiasti, il progetto,
colorando con le loro visioni creative i vibranti mondi di Mella che
si aprivano ai loro strumenti. Il Jazz, le colonne sonore degli anni
Settanta, le conturbanti musiche dei popoli ma soprattutto un favoloso
interscambio di energia positiva ed emozioni che coinvolge già
dalla prima traccia. Cari amici Udite e lasciatevi rapire dalla bellezza
che le vostre orecchie accoglieranno ben volentieri.
90 SUONO dicembre 2019

Molta strada
ancora da fare…
Per molti millennians la persona nella foto è un illustre sconosciuto, eppure
è l’autore di un libro diventato icona di un movimento generazionale fondato
su una sorta di perpetuo movimento e scandito da un nuovo tipo di musica
fonte ispiratrice di un fenomeno culturale come il beat.
Il continuo desiderio di migliorare, la necessità di non fermarsi alla superficie
degli eventi sono anche la “cifra” dell’operare di SUONO e ne hanno determinato
la lunga strada percorsa dal 1971 ad oggi. Molta strada è ancora da fare,
sopratutto per andare oltre lo stato di fatto, i preconcetti e i luoghi comuni...
: l’altro punto di vista
SOLO SUL
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PUBBLICAZIONI DIGITALI

CUT ‘N’ MIX CONCERTI | CINEMA | LIBRI | SOCIETÀ | ARTE
Totalmente
dentro la musica
di Daniele Camerlengo
Canta da quando ha iniziato a pronunciare le sue prime parole - “mia madre spesso cantava in casa
e mi divertivo a farlo insieme a lei” - ma la consacrazione alla musica per Emma Frank è avvenuta
verso i 20 anni ed è stata totalizzante, al punto da non poterne più fare a meno.
Nelle visioni immateriali
di dentro Emma
Frank mette a nudo
le sue idee di amore, lussuria,
insicurezza, impegno e tristezza
per avvicinare le intimità della
sua mente a coloro che ascoltano
la sua musica; canzoni che
durante le loro vite fanno luce su
alcuni aspetti esistenziali della
cantante rimasti fino a quel momento
nell’ombra, incorniciati
da testi penetranti e dalla sua
voce calda e sottile come la seta.
Una carriera in evoluzione che
già l’ha portata sui palcoscenici
più prestigiosi di tutto il mondo.
Ora, con Come Back, il nuovo e
straordinario lavoro discografico,
è pronta a entrare nei cuori
e nelle orecchie di chi ancora
non ha carezzato la sua bellezza
creativa. Di questo e altro parla
in esclusiva per SUONO...
Raccontaci il tuo percorso
di studi musicali.
Ho preso qualche lezione di piano
da bambina e ho iniziato a
prendere lezioni di canto all’età
di undici anni. Facevo parte di
diverse formazioni corali e nel
frattempo mi dedicavo molto
al teatro musicale. Nell’ultimo
anno di liceo, l’insegnante e direttrice
della jazz band scolastica
mi ha chiesto di farne parte,
una fantastica esperienza che
ha accresciuto il mio bagaglio
di conoscenze e ha aperto molto
la mia mente. Successivamente
ho conseguito una laurea in
letteratura al college ma è stato
molto frustrante: non credo di
aver capito quanto potesse essermi
utile nel proseguo delle
mie attività professionali. Ho
trascorso tutto il mio tempo
libero lavorando sulla musica
- principalmente prendendo lezioni
private di voce, pianoforte
e teoria musicale, oltre a un paio
di lezioni facoltative di coro jazz
e storia della musica.
L’Eroe o un periodo musicale
che ti ha accompagnata
durante la tua formazione?
Non so se ho un eroe musicale
al momento. Ci sono così tanti
artisti formidabili là fuori che
fanno musica eccezionale. Ho
avuto alcuni mentori - Amanda
Baisinger è stata la mia prima
insegnante vocale e ha avuto
una grande influenza su di me,
Dominique Eade, con cui ho
preso lezioni di canto per diversi
anni, e Aaron Parks, che è stato
una parte centrale della mia crescita
artistica negli ultimi anni.
Cosa vuol dire oggi essere
una cantante di jazz?
Difficile definirlo. Non sono sicura
di identificarmi come una
cantante jazz, anche se adoro
improvvisare e mi piace usare
la composizione come punto di
partenza per l’improvvisazione.
92 SUONO dicembre 2019

XXX XXX
EMMA FRANK
Come Back
Justin Time Records
Conosci il movimento
musicale BAM?
Si lo conosco e con loro ho un
ottimo feeling.
Le intenzioni di vita e il
viaggio immateriale dei suoi
pensieri sono le tematiche
forti dell’album Come Back.
Come nasce questa terza
fatica discografica?
Ho scritto alcune canzoni e poi
le ho finalizzate con Aaron Parks
e con il mio produttore Franky
Rousseau. Le abbiamo registrate
a Montreal e successivamente
abbiamo trascorso molto tempo
in post produzione, aggiungendo
suoni e archi.
Come prendono vita le tue
composizioni?
In genere scrivo, contemporaneamente,
armonia, melodia
e testi e dato che si tratta di
un mole enorme di informazioni,
trascorro molto tempo a
riguardare tutto il lavoro fatto
e a perfezionarlo.
Che rapporto hai con
l’improvvisazione?
Adoro improvvisare, lo faccio
da molto tempo e nel contesto
giusto è una delle mie libertà
preferite. Non amo improvvisare
sugli standard o utilizzando
il tipico linguaggio bebop. Non
mi viene naturale farlo.
Cosa racconti nel singolo
I Thought?
Il messaggio è qualsiasi cosa
riesca a entrarti dentro. Mi
piace quando una canzone è
abbastanza vaga da consentire
alle persone di interpretarla
in base alle loro emozioni e
necessità esistenziali. Attraverso
questa canzone sono riuscita
a scansionare le mie abitudini
di pensiero e a riconoscere che
le mie convinzioni non sono
sempre vere.
In una tua playlist ideale
quali brani o compositori
non mancherebbero mai?
Sicuramente Becca Stevens,
Hiatus Kaiyote, Blake Mills,
Andy Shauf, Joni Mitchell,
Nina Simone, Alice Coltrane,
Big Thief.
Cosa accadrà nel tuo futuro
prossimo? E quando verrai
in Italia?
Sono appena tornata da un lungo
e gratificante tour. Adesso
che sono tornata a casa sono
felice di iniziare nuovamente
a scrivere. Dovrei tornare in
Europa a settembre/ottobre
del 2020!
SUONO dicembre 2019 93

CUT ‘N’ MIX
LIBRI
Chris Roberts
ELTON JOHN\ ROCKET MAN
Rizzoli Illlustrati 240 pp – 34,99 euro
Testimonianza autorevole
con ben 235 immagini,
incluse fotografie
rare e finora inedite di
Reginald Dwight meglio
conosciuto come
Elton John, un ragazzo
timido, cresciuto a Pinner,
immediata periferia
di Londra, con un
talento naturale per il pianoforte che sognava
di diventare una pop star nonostante il
parere opposto dei genitori. Ma al destino
non ci si può opporre: a ventitré anni, dopo
una partenza a razzo in Inghilterra, quel tipo
strampalato, che inforcava degli occhialini
alla Buddy Holly, fece il suo debutto anche
in America, di fronte a un pubblico inizialmente
perplesso e poi totalmente avvinto: il
nostro indossava una salopette giallo brillante,
una maglietta disseminata di stelle luccicanti
e degli stivali con le ali. Fu un trionfo e
da quel momento in poi il mondo della musica
non sarebbe più stato lo stesso. Sbalzato
in un’altalena di emozioni che hanno contraddistinto
il suo privato come la musica,
ecco le vorticose immagini che ne hanno
fatto il cantante inglese più popolare dai
tempi dei Beatles. Al centro di tutto c’è ovviamente
la musica: il prediletto pianoforte,
i concerti che lo hanno consacrato all’olimpo
del rock, proprio da quel primo show al Troubadour
di Los Angeles, passando per i magici
tour di Captain Fantastic che ne hanno
costellato gli anni Settanta e proiettato di
slancio negli anni Ottanta. Sullo sfondo le
preziose amicizie con Lady Diana, Gianni Versace,
John Lennon, Freddie Mercury e George
Michael, fino alla creazione della Elton
John AIDS Foundation e il recente Farewell
Yellow Brick Road: più di 300 concerti attraverso
cinque continenti per dare l’arrivederci
alla musica e stare più con suo marito
David e i piccoli che hanno adottato. Per
condensare il racconto fotografico di una vita,
tra sfarzi, scivoli e resurrezioni fra palco e
realtà.
Vittorio Pio
Alberto Fiori
SCRIVO RACCONTI PERCHÉ L’ATTENZIONE
SCEMA
L’Erudita 176 pp – 20,00 euro
Il libro è una raccolta di
trentuno storie dallo stile
fluido che porta alle
estreme conseguenze
situazioni politiche e
sociali negative. L’autore
de Il capitolo che non c’era
di Pinocchio, il musicista
Alberto Fiori, si lancia
nella sfida, attraverso
una serie di racconti brevi,
di attirare alla lettura
anche chi non lo è. Fiori
ha promosso il libro con dei reading con la sua
band, I Merlatti, mischiando la narrazione alle
atmosfere sonore che ha immaginato potessero
supportarla.
Agostino Bistarelli
Francesco Faraci
JOVA BEACH PARTY\CRONACHE DA UNA
NUOVA ERA
Rizzoli Electa 256 pp – 24,99 euro
Arriva l’instant book di
una delle tournèe più
chiacchierate della storia,
ovvero l’ardito beach
party di Lorenzo Jovanotti
in alcune delle più suggestive
località italiane.
Si è fatto un gran parlare,
spesso a sproposito, di
quello che è stato un
happening unico e colorato,
profondamente rispettoso dei luoghi in cui
si è svolto e che ha unito un pubblico pacifico
per quanto disomogeneo, riguardo ad estrazione
e classe anagrafica, nel segno del teorema
“godere senza distruggere”. In queste pagine
Faraci sigilla un perfetto diario di ciò che è successo
su e giù per l’Italia, da Lignano a Rimini,
da Roccella Jonica a Fermo, con una ostica tappa
in montagna nello stupendo scenario di Plan
de Corones e l’ultimo bagno di folla a Linate. Un
mare di facce che fuoriesce con la sequenza
giusta negli scatti di Faraci, capace di intercettare
quel salto di frequenza in cui Jovanotti e la
sua gente si sono innescati vicendevolmente,
con una carica di energia e vibrazioni positive
che fanno categoria a sè: immagini potenti, liberatorie
e quasi selvagge, dal momento che
l’adunata iniziava nel primo pomeriggio sotto
un sole cocente e vicino al mare, quindi complice
di istantanee disinibizioni a colpi di beat a
levare. Chi c’era lo sa e ve lo confermerà, gli altri
invece potranno meditare su un progetto e un
personaggio che, piaccia o meno, è stato coerente
e coraggioso nel suscitare estasi (fra i suoi
fan) e scontento (fra i perbenisti oltranzisti e
decostruttivi), che ne hanno seguito morbosamente
le gesta.
Vittorio Pio
Daryl Sanders
BOB DYLAN
UN SOTTILE SELVAGGIO SUONO MERCU-
RIALE. BOB DYLAN, NASHVILLE E BLONDE
ON BLONDE
Jimenez 285 pp – 18,00 euro
Una giovane e appassionata
casa editrice svela i
restroscena di Blonde on
Blonde, pietra miliare dylaniana
che ha molti motivi
per essere analizzato
con tale dovizia di particolari,
rispetto alla frammentazione
giunta sino
a qui: intanto si tratta del
primo album doppio della storia, capace di giocare
d’anticipo di qualche settimana rispetto
all’altrettanto seminale Freak Out di Frank Zappa.
Dal quel momento in poi i 33 giri saliranno definitivamente
di rango in barba al lungo regno
dei 45, anche grazie all’introduzione della più
cerebrale (e blasonata) definizione di conceptalbum.
Siamo nel 1966, a pochi mesi dal clamore
del festival di Newport e Dylan è più che mai
intenzionato a proseguire nella sua svolta elettrica,
prendendo le distanze da quegli accenti
di protesta propri al folk-rock, per incendiare le
sue liriche con riferimenti criptici e plumbei,
visionari e allegorici, colti e illuminati che pescano
da Shakespeare e Rimbaud come la musica
al country e al tex-mex. Decide di approfondire
temi fino a quel momento per lui inediti,
come ad esempio lo straniante affresco sulla
femminilità che è contenuto nella palpitante
Visions of Johanna, anche se un pò in tutto l’al-
94 SUONO dicembre 2019

XXX XXX
bum troviamo una celebrazione, non sempre lusinghiera,
della donna. Questo è l’accesso a quel
backstage così tanto vagheggiato e sempre tenuto
nascosto, con le testimonianze dirette, di cui non
si aveva traccia esplicita, di molte delle figure che
bazzicarono quello studio di registrazione alla ricerca
di “quel sottile e selvaggio suono mercuriale”,
secondo una dichiarazione resa in una celebre intervista,
che portò il nostro uomo dalle fascinazioni
newyorkesi all’essenzialità di Nashville. Dylan
scelse musicisti del calibro di Robbie Robertson e
Al Kooper (proprio l’organo è lo strumento che
conferisce l’identità primaria al disco), nella gestazione
di un capolavoro divenuto poi una magnifica
ossessione anche per le generazioni a venire, come
analizzato dallo stesso Sanders nella calzante traduzione
di Alessandro Besselva Averame.
Vittorio Pio
Massimo Padalino
STORIE DI ORDINARIA FOLLIA ROCK
Giunti 192 pp – 16,90 euro
Ventisette ritratti per altrettanti
affacci sul baratro
della follia. Ordinaria però,
quindi ineluttabile, come
se si dovesse agire in quello
stato di estraniamento
dalla realtà per arrivare ad
essere realmente creativi.
Superstar assolute come
gli Stones, Elvis, Zappa,
Bowie, Syd Barrett, Nick Drake, Captain Beefheart
si danno idealmente la mano inseguendosi in
una galleria di paranoici, bugiardi, depressi, maniaci,
schizzati, narcisisti e tossici, di cui vengono
offerti aneddoti, connessioni, percorsi e cadute,
al netto della statura siderale di artisti e delle loro
spesso conseguenti miserie umane. In fondo
ognuno di loro dovrebbe essere considerato per
quanto di straordinario è stato realizzato sul palco
e molto meno per la parallela e spesso angosciosa
dimensione umana, di cui a volte viene
preso in rassegna un singolo episodio, mentre in
altre occasioni si scandaglia il carattere e le sue
pericolose reiterazioni che ne hanno afflitto tutto
quello che circolava su e giù da un palco. Lo
stile è asciutto, le considerazioni argute e lucide,
e anche quando si dirotta verso icone del jazzsoul
come Thelonious Monk, Sun Ra e Nina Simone,
la lettura rimane avvincente e fluida.
Vittorio Pio
La bella gente
della Terrazza Martini
La prima fu inaugurata a Parigi nel 1948, a
seguire Milano, Barcellona, Pessione, Bruxelles,
San Paolo, Londra e Genova. A Pessione,
la Terrazza nasce dove nel 1863 Alessandro
Martini e Luigi Rossi diedero vita al celebre
aperitivo e precisamente nella palazzina
in cui lo stesso Luigi viveva con la propria
famiglia. A Milano la terrazza era un riferimento
di qualità nell’ambito musicale: una
presentazione in quella cornice era sinonimo
di qualità...
All’inizio furono i “Grandi Concerti Radiofonici
Martini & Rossi”, che nel 1936 (e fino
al 1964, con 352 esecuzioni) davano il via
a un’iniziativa del tutto innovativa: grazie
a questi appuntamenti musicali, gli italiani
potevano scoprire e apprezzare i più grandi
nomi della lirica da Maria Callas a Beniamino
Gigli. Un binomio, quello Martini – musica
classica, che sarebbe continuato anche negli
anni Ottanta con il ciclo di concerti dedicati
a Mozart con il violinista Salvatore Accardo.
Non solo classica però: alle Terrazze hanno
fatto tappa i nomi più importanti della musica
italiana e internazionale, del rock pop e jazz:
Herbert Von Karajan, Luciano Pavarotti, Amalia
Rodriguez, Miriam Makeba, Bill Haley, Cindy
Lauper, Yves Montand Harry Belafonte (nella
foto) e Charles Aznavour, per non parlare di
veri e propri eventi fenomenali come quando
i Rolling Stones a Bruxelles nel 1964 radunano
ai piedi del grattacielo che ospita “la Terrazza”
un tale numero di persone da rendere necessario
l’intervento della polizia per dirigere il
traffico ormai bloccato.
Una storia non ancora sopita, magari con una
minore allure che in passato ma ancora ricca di
un portato invidiabile: nel 2019 la partnership
con il Jova Beach Party ma soprattutto la mostra
“Terrazze Martini. Uno sguardo sul mondo”
che racconta l’intreccio tra Martini e la storia
della musica documentato da oltre trecento
immagini inedite: Iva Zanicchi, i Rockets, Domenico
Modugno, Ray Charles, Dionne Warwick,
Rocky Roberts, Nancy Sinatra, Dalida e
Julio Iglesias solo per citarne alcuni...
SUONO dicembre 2019 95

CUT ‘N’ MIX
Strategie
vo’ cercando
L’ultimo giorno dello scorso ottobre
ha visto l’inaugurazione presso
il centro vendita LMC (Legendary
Music & Cinema) Home Entertainment
di Scottsdale, in Arizona,
del “Focal Powered By Naim
store”, non solo un angolo di un HYDE PARK
negozio dedicato a queste marche
o al più un negozio all’interno di
CORNER
un negozio; si tratta, infatti, diuna struttura con un proprio ingresso,
separato dal negozio principale di LMC, ed è stato progettato dal team di
Focal Naim per offrire al visitatore una completa esperienza con l’offerta
di prodotti Focal e Naim. Sento aleggiare un gigantesco “...e chissene frega?”
ma, vi prego, trattenetelo per un momento e continuante a leggere.
Le opportunità offerte agli appassionati da questa iniziativa presentano
vari aspetti interessanti: dalla possibilità di provare tutta la gamma di
cuffie Focal alimentate dagli ottimi amplificatori Naim all’occasione di
poter ascoltare un sistema monstre come quello composto dal network
player Naim ND 555, con alimentazione separata (555 PS) per ogni
canale, la coppia pre e finale Statement sempre di Naim e i diffusori
Grande Utopia EM, il tutto assemblato e tarato al meglio (o quantomeno
secondo i dettami ufficiali), visto che gli staff originali di Focal e Naim
hanno partecipato alla messa a punto e all’inaugurazione dell’evento.
Da LMC il visitatore può anche ascoltare un raffinato sistema in wall o
una configurazione top per l’home theater e così via, in una completa
rappresentanza di quel che i due marchi hanno pensato, sviluppato,
costruito… Perché Naim e Focal, i più attenti lo sanno, sono parte della
stessa società, controllata da un Equity Found. È abbastanza logico
supporre che oltre a essersi incontrati, i due partner si siano scelti: Focal
utilizza Naim come partner sonoro nelle sue uscite pubbliche e viceversa;
entrambi utilizzano sistemi di riferimento (nelle sale d’ascolto aziendali,
nel centro ricerca). E non è balzano immaginare che in qualche modo
i programmi, la progettazione e il panorama di prodotti offerto siano
sinergici. Niente di straordinario, normale amministrazione potremmo
dire, almeno per quel che riguarda buona parte dei gruppi pluri marchio,
una realtà che si è andata consolidando in queso terzo millennio, in
particolare nel segmento dell’Hi-end dove un gruppo con capitale anche
italiano (McIntosh Group) è stato uno degli antesignani in tal senso.
Peccato che tali sinergie si diluiscano in parte a causa di strategie di
distribuzione sedimentate nel tempo prima delle “fusioni” che in molti
casi (sia McIntosh Group che Focal - Naim sono tra questi), vedono
polverizzati i marchi su più distributori, situazione che annienta certe
strategie di marketing studiate alla fonte. A meno che, ed è la direzione
verso cui molti gruppi globali si stanno muovendo, non si provveda a
riunificare il tutto anche a livello di distribuzione. McIntosh Group aveva
in animo di creare dei centri pilota in Italia dopo averlo fatto negli USA
ma gli manca un tassello per farlo. Stesso discorso per Naim e Focal.
A meno che… Perché a pensare male si fa peccato, ma spesso si indovina.
Copyright Giulio Andreotti.
Il Tremila
PILLOLE DA 3000 MCG
E POI DICONO
DEGLI AUDIOFILI!
A Sciocola’, il Festival del Cioccolato che si
tiene a Modena, il maestro cioccolatiere
Mirco Della Vecchia come omaggio al 50°
compleanno di Michael Schumacher ha
realizzato una copia in grandezza naturale
della Ferrari F2004, l’auto con la quale il
campione conseguì il maggior numero di vittorie. Venticinque i quintali di cioccolato
Callebaut, uno dei maggiori produttori di cioccolato in Italia. A quando i
cavi di potenza in cioccolato?
NOMADI DIGITALI,
QUINDI CON LA MUSICA
Uno dei mezzi di elezione per gli
spostamenti nella grande epoca dei
concerti (do you know Woodstock?), il
Ford Transit era e rimane il camper per
eccellenza, attrezzato o abborracciato
da casa mobile. Certo, quello attuale ha
poco a che fare con il modello iconico di
tanti anni fa, ma il Wi-Fi a bordo consente di lavorare e accedere allo streaming di
musica e video per dieci dispositivi con un raggio d’azione di 15 metri dal veicolo.
A TREVISO
NON SOLO PER IL PALLADIO
Per tutto novembre e fino al 7 dicembre
Treviso è la capitale mondiale
della Musica a Cappella: cinque gli
appuntamenti con grandi ospiti da
tutto il mondo per l’edizione numero
15 della kermesse internazionale
VivaVoce Festival.
96 SUONO dicembre 2019

COOP.GIORNALISTICA MONDO NUOVO
Sede in: VIALE BRUNO BUOZZI, 72 - 00197 - ROMA (RM)
Codice fiscale: 04028131003 Partita IVA: 04028131003
Capitale sociale: Euro 1.500,00 Capitale versato: Euro 1.500,00
Registro imprese di: Roma N. iscrizione reg. imprese: 04028131003
N.Iscrizione R.E.A.: 727347
Bilancio al 31/12/2018
STATO PATRIMONIALE ATTIVO
al 31/12/2018 al 31/12/2017
B ) Immobilizzazioni, con separata indicazione di quelle
concesse in locazione finanziaria:
I ) Immobilizzazioni immateriali: 3.678 4.601
II ) Immobilizzazioni materiali: 5.620 9.768
TOTALE Immobilizzazioni, con separata indicazione
di quelle concesse in locazione finanziaria:
9.298 14.369
C ) Attivo circolante:
I ) Rimanenze: 985 983
II ) Crediti, con separata indicazione, per ciascuna voce,
degli importi esigibili oltre l’esercizio successivo:
Entro l’esercizio 433.545 470.807
Oltre l’esercizio (3.000) (3.000)
TOTALE Crediti, con separata indicazione, per
430.545 467.807
ciascuna voce, degli importi esigibili oltre l’esercizio
successivo:
III ) Attivita’ finanziarie che non costituiscono
20.000 20.000
immobilizzazioni:
IV ) Disponibilita’ liquide: 20.335 64.048
TOTALE Attivo circolante: 471.865 597.044
D ) Ratei e risconti, con separata indicazione del disaggio 20.316 177
su prestiti:
TOTALE ATTIVO 501.479 564.300
STATO PATRIMONIALE PASSIVO
A ) Patrimonio netto:
I ) Capitale 1.500 1.500
IV ) Riserva legale 604 604
VII ) Altre riserve, distintamente indicate: 76.034 77.904
IX ) Utile (perdita) dell’esercizio 179 (1.870)
TOTALE Patrimonio netto: 78.317 78.138
B ) Fondi per rischi ed oneri: 320 320
C ) Trattamento di fine rapporto di lavoro subordinato 3.422 -
D ) Debiti, con separata indicazione, per ciascuna voce,
degli importi esigibili oltre l’esercizio successivo:
Entro l’esercizio 417.764 465.326
Oltre l’esercizio 1.656 20.516
TOTALE Debiti, con separata indicazione, per
419.420 485.842
ciascuna voce, degli importi esigibili oltre l’esercizio
successivo:
TOTALE PASSIVO 501.479 564.300
CONTO ECONOMICO
A ) Valore della produzione:
1 ) Ricavi delle vendite e delle prestazioni 160.906 212.981
2), 3) variazioni delle rimanenze di prodotti in corso di
2 (142)
lavorazione, semilavorati e finiti e dei lavori in corso su
ordinazione
2) variazioni delle rimanenze di prodotti in corso di
2 (142)
lavorazione, semilavorati e finiti
5 ) altri ricavi e proventi, con separata indicazione dei
contributi in conto esercizio:
contributi in conto esercizio 16.280 166.826
altri 57.694 6.422
Totale altri ricavi e proventi 73.974 173.248
TOTALE Valore della produzione: 234.882 329.628
B ) Costi della produzione:
6 ) Costi materie prime, sussidiarie, di consumo e di merci 39.486 30.939
7 ) Costi per servizi 105.538 220.485
8 ) per godimento di beni di terzi: 206 1.897
9 ) per il personale:
a ) Salari e stipendi 46.419 5.594
b ) Oneri sociali 14.288 1.708
c), d), e) trattamento di fine rapporto, trattamento di
3.422 1.176
quiescenza, altri costi del personale
c ) Trattamento di fine rapporto 3.422 1.176
TOTALE per il personale: 64.129 8.478
10 ) Ammortamento e svalutazioni:
a), b), c) ammortamento delle immobilizzazioni
9.127 10.241
immateriali e materiali, altre svalutazioni
delle immobilizzazioni
a ) Ammortamento delle immobilizzazioni immateriali: 4.242 4.711
b ) Ammortamento delle immobilizzazioni materiali: 4.885 5.530
TOTALE Ammortamento e svalutazioni: 9.127 10.241
14 ) Oneri diversi di gestione 10.429 46.979
TOTALE Costi della produzione: 228.915 319.019
Differenza tra Valore e Costi della produzione 5.967 10.609
C ) Proventi e oneri finanziari:
16 ) Altri proventi finanziari:
d ) proventi diversi dai precedenti
altri - -
Totale proventi diversi dai precedenti - -
TOTALE Altri proventi finanziari: - -
17 ) interessi e altri oneri finanziari
altri 3.003 7.797
Totale interessi e altri oneri finanziari 3.003 7.797
TOTALE Proventi e oneri finanziari: (3.003) (7.797)
Risultato prima delle imposte (A - B + - C + - D) 2.964 2.812
22 ) Imposte sul reddito dell’esercizio, correnti, differite
e anticipate
imposte correnti 2.785 4.682
Totale delle imposte sul reddito dell’esercizio,
2.785 4.682
correnti, differite e anticipate
23) Utile (perdite) dell’esercizio 179 (1.870)
Anno: 2018 DETTAGLIO RICAVI
1 Vendita di copie: € 111.531,61
2 Pubblicità: € 47.581,00
- Diretta: € 47.581,00
- Tramite concessionaria: € 0
3 Ricavi da editoria on line: € 1.793,77
4 Abbonamenti € 1.793,77
5 Pubblicità € 0
6 Ricavi da vendita informazioni e servizi : € 0
7 Ricavi da altra attività editoriale: €
8 Totale voci 01 + 02 + 05 + 06 + 07: € 160.906,38
(1) Proventi per royalties, brevetti, marchi
Il presente bilancio corrisponde al vero.
Il Legale Rappresentante
Marta Nicoletti

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Carlo D’Ottavi, Marco Fullone, Antonio Gaudino, Vittorio Pio, Roberto Salafia, Il Tremila.
Abbonamenti: annuale Italia € 60,00 (all inclusive).
Pagamenti: c/c postale n. 62394648 o bonifico (IBAN: IT04W0760103200000062394648)
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Manoscritti, foto e originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono.
È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie senza l’autorizzazione
scritta dell’Editore.
Suono è un periodico che ha percepito (già legge 7 agosto 1990 n. 250) e percepisce i contributi
pubblici all’editoria ( legge 26 ottobre 2016 n. 198, d.lvo 15 maggio 2017 n. 70).
Il presente numero di SUONO è stato finito di stampare nel mese di novembre 2019.
Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo
Direttore editoriale
Paolo Corciulo
Distributore per l’Italia
Press-di Distribuzione Stampa e Multimedia S.r.l.
20134 Milano
Stampa
Tiber S.p.A.
Via Della Volta 179 - 25124 Brescia (BS)
(t) 030.35.43.439
(f) 030.34.98.05
INDICE INSERZIONISTI
Audio Azimuth 23
Audio Reference
II Cop.
Audiogamma - b&w 11
Audiogamma - Martin Logan 19
Audiogamma - Anthem 35
Audioplus 41
Cooperativa Giornalistica Mondo Nuovo 5, 73, 89, 91
Gammalta Group - Pmc 27
Gammalta Group 14, 18
High Fidelity Italia - Accuphase 9
Il Centro Della Musica 15
Laboratorium 17
Lp Audio - Moon
III Cop.
Mpi Electronic - PS Audio 57
Mpi Electronic - Klipsch 69
Mpi Electronic - Sonus Faber
IV Cop.
Openitem - Carot One 85
Stereo Box 7
Tecnofuturo - Luxman 13
Tecnofuturo - Gold Note 31
Tecnofuturo 49
Tx Media S.r.l. - TX Media 79
98 SUONO dicembre 2019

Natural Fidelity
In a constant pursuit for evolution, we reinvent the
collection that best serves the Sonus faber values:
performance, natural sound and human touch.
Olympica Nova balances decades of technological
advancements with the elegance of a timeless design.
It’s a tribute to Italian artisanal craftsmanship.
Olympica Nova is Sonus faber.
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