GHISA Numero 0

Capire cosa stai ascoltando
di Alessandro
Un argomento spesso sottovalutato,
quando si parla di dar un giudizio
sulla qualità di mixing e master, è la
compressione. Il compressore è uno
strumento che nella maggior parte
dei casi limita o riduce (ma può anche
espandere) il rapporto dinamico
di un brano. Per spiegarla all’uomo
della strada si potrebbe dire che se
una traccia audio ha livelli di volume
sia alti che bassi il compressore
fa come un contrappeso che spinge
in giù il segnale in maniera selettiva
alzando di conseguenza quelli più
deboli. Questo avviene attaverso il
threshold, o “soglia” in italiano, che
è la quantità di rumore a partire
dal quale il compressore inizia
ad agire. Pensiamo ad percussionista
che scuote una sola volta una
maracas o a una nota fatta con la
chitarra. Abbiamo un hit iniziale,
un colpo, che probabilmente nella
maggior parte dei casi è più forte
del suono che viene dopo ad esso.
Con un compressore si può ridurre
l’impatto iniziale e alzarne la coda o
abbassare anche entrambe. Funziona
proprio come se il segnale venisse
spinto in giù da un peso: superato
il thereshold inizia ad agire il ratio
che è la misura della forza che viene
applicata per fermare il segnale. Con
un rapporto oltre il 10:1 il compressore
viene definito limiter, perché
limita del tutto e quindi taglia di
netto qualsiasi suono oltre la soglia.
Molto più comune è invece sentire
musica compressa 2:1, ovvero con
una riduzione della metà del volume,
che fa passare comunque 1db
ogni 2. Infine si inserisce il Make-up Gain,
che non ha niente a che vedere con ombretto
fondotinta o rossetto, ma che serve
semplicemente ad ri-aggiungere volume
al suono processato. Questo strumento
di produzione viene usato dappertutto e
quasi sempre viene usato più di una volta.
La batteria e il basso sono strumenti
che solitamente passano per questo processo
e lo stesso per la traccia finita. Ma
la parola compressione ha acquistato nel
corso degli anni una sorta di accezione
negativa, associata soprattutto al mondo
della compressione dei file. Un file MP3
si sente peggio dell’originale su CD e se
chiedete perché ad un esperto aspettatevi
la risposta è per via della compressione.
Ma la compressione in musica non
serve a far occupare meno spazio agli
strumenti come invece è per la compressione
dei file. Serve soprattutto a rendere
più amalgamati gli stessi e viene anche
utilizzata per motivi artistici. Prendiamo
per esempio She Said She Said dei Beatles.
Il compressore impostato sui piatti
della batteria di Ringo qui è utilizzato
in modo che l’attacco, ovvero il tempo
in millisecondi prima che l’effetto entri
in funzione, sia velocissimo e annientando
praticamente l’impatto iniziale delle
bacchette, in modo da mantenere solo
la coda. Questo ha un specifico scopo
ed è un antentato del reversed crash
oggi usato in tutta la musica EDM. Nella
Italo Disco e nel Funk utilizzavamo
tempi di attacco molto più lenti, per far
arrivare il colpo iniziale il più possibile
prima di livellarlo, in modo da avere
un brano pulito ma molto dinamico
e aggressivo. Questa differenza dipende
dall’estetica stessa del brano. Il fascino e

il mistero più grande di questo strumento
di registrazione però è come
mai i fonici pensano, visto tutti questi
esempi, che per usarla bene la
compressione deve essere SEMPRE
invisibile. Non è del tutto vero. Se è
vero che un attacco molto veloce del
compressore può cancellare le piccole
imperfezioni umane del musicista
è anche vero, io credo, che utilizzare
un effetto per correggere una mancanza
di un musicista abbia poco
senso. Delle due si cambia il musicista.
Molta musica pop americana
cade in questo errore. Da quando le
grandi radio hanno iniziato a sponsorizzare
per lo più musica frastornante
in termini volume, sì è creata
un po’ l’esigenza nelle case di produzione
di spingere il più possibile
il master del brano sempre al limite,
appena sotto la distorsione vera e
propria. Ma farlo di nascosto, in
sordina, rinnegando poi di aver mai
utilizzato tali metodi o anche solo
sentiti per caso, manco sia la peste,
non è la soluzione migliore. Non
si fa partecipare emotivamente l’ascoltatore
e non accresce in nessun
modo il suono. Come nel cinema
anche per gli effetti audio vale la
regola se non è strettamente necessario
non metterlo. Con il passare dei
decenni però sono state anche molte
le sperimentazioni che hanno permesso
di ottenere un suono originale
e estetico da questo trend. Come
Elvis usava il delay reverb per creare
l’ipnotica melodia volcale della sua
versione di Blue Moon ecco che una
sperimentazione dei limiti aggressivi
della compressione ci ha portato il
suono dei Death Grips per cui il
gruppo è tanto riconosciuto. Sporco,
esagerato, pieno, diretto in faccia
come un cazzotto, che arriva e stordisce
l’ascoltatore come un tuono. Usato
con vari settaggi diversi ma sempre
onnipresente nelle composizioni del trio
hardcore hiphop questa caratteristica ha
fatto sì che la violenza di musica e testi
venga trasportata anche nell’immediato
del mixaggio creando un muro del suono
che è riconoscibile subito tra tanti altri.
Siccome applicando una compressione
audio si vanno ad accentuare rumori di
sottofondo, riverberi naturali ed armoniche
degli strumenti è stato utilizzato con
efficacia anche nel campionamento, per
rendere più apparente all’ascoltatore dove
il sample finisce e viene loopato sviluppando
una trance del tutto analogica e
umana, come per il montaggio analogico
fatto con le forbici. Questo è utilizzatissimo
nella Techno vecchia scuola e nella
French House dove la compressione diventa
fondamentale anche sulla grancassa
per arricchirla di armoniche e alle volte
saturazione. Ma dobbiamo ricordarci che
in quasi tutti gli altri casi di musica
mainstream avere un corretto rapporto
tra momenti di quiete sonora e assordante
caos è fondamentale, specie se comprimere
all’inverosimile non incrementa
le qualità di un brano ma serve solo a
farsi accettare alla radio locale. Ricordo
ancora il primo momento in cui capì
veramente qual’era il vero scopo di avere
un range dinamico alto nelle canzoni.
Era la prima di molte volte che ascoltavo
Amarok l’album uscito nel 1990 dal genio
di Mike Oldfield, tuttora il mio album
preferito. Dopo 25 secondi di una melodia
molto “lazy” e arpeggiata suonata
con un volume bassissimo entrano degli
“stab” (pugnalate) di chitarra elettrica a
violentare le orecchie dell’ascoltatore. Un
gesto che va visto come un affronto di
Oldfield e che io cito spesso come uno
dei momenti più incredibili della musica
del novecento.

Fenomenologia dell’artista
morderno: il dualismo tra
opportunismo e solidarietà
di Selvaggia Vidal
Bisognerebbe fare a pugni con il
mondo circostante, eludere qualsiasi
forma dicontrollo per rappresentare
realmente il concetto di artista? Forse
sì, in unmondo musicale dominato
da un pugno di major discografiche,
altrettantepotentissime agenzie
di booking, bisognerebbe dare un
segnale forte didiscontinuità. Ci hanno
provato in molti, con risultati a
volte clamorosi, a volteeroicamente
fallimentari, a volte nulli e velleitari.
Il problema cruciale è proprio questo:
non è necessaria la venuta messianica
diun’etichetta dalle utopiche
intenzioni né di un santone-artista di
riferimento chefaccia da spartiacque,
ma bensì una radicale riconversione
del concetto di artistastesso. Focalizzarsi
sulla moda passeggera, rievocare
i fasti gloriosi di soundleggendario
ma ormai datato, sono i cliché tipici
di chi ha ben chiaro dove vuolearrivare,
ma non ha a cuore l’essenza
del suo ruolo, che dovrebbe essere
quellodi creare una forma di dinamismo
emotivo, sociale e per alcuni
versi anchetrascendentale. I temi
attorno i quali l’artista orbita sono
importanti, ma altrettantoè importante
è l’approccio con il quale li
affronta: ci vorrebbe e ci vuole maggiorecoraggio,
spesso le opere che
negli ultimi anni vengono additate
comecapolavori, rivoluzioni, cambi
di passo non sono altro che timide,
pallideimitazioni di pietre miliari
del passato, salve rare eccezioni. Nei
casi miglioritentativi di rielaborazioni
concettuali ed estetiche comunque di
qualcosa di giàelaborato ed espresso.
E’ vero, per avere una discontinuità è necessario
elaborare un nuovo linguaggiosenza
dimenticarsi di trovare però anche
una nuova dimensione dove esprimersi.
Per far ciò occorre una guerra culturale,
introspettiva e collettiva, che crei ildinamismo
su citato teso a rielaborare nuovi
schemi, nuova competizione, nuovasolidarietà.
Quest’ultima tende ad esser sempre
più merce rara in questoambiente: senza
di essa non ci può esser nessuna rete,
nessun underground,nessuna scena. Rimarremo
fedeli ad un sistema di feudalesimo
musicale,arroccato, fermo, immobile.
Nell’immobilità non c’è creazione,
soloconservazione di vecchi schemi, di
inutili barocchi e di opere dimenticabili.
In una società dove i social media non
sono il mezzo ma influenzano lacomunicazione
in sé, è possibile far fluire
nuovi messaggi, creare nuovedimensioni,
costruire una rete autentica? La possibilità
c’è e spetta soltanto a noidifenderla
e diffonderla. Salvare, proteggere ed incentivare
i luoghi fisici di ritrovodove si
sviluppano ancora network artistici senza
vincolo alcuno, se non quello diemozionare,
condividere, creando un’interazione
orizzontale tra artista e platea.
E’ nostro dovere ricollocarci in un quadro
dove non siamo più in posa, ma
abilipittori di uno scenario che può e
deve riflettere i nostri istinti anche più
primitivi,con l’obiettivo non facile di vincere
una guerra dove sono in gioco la
libertàd’espressione e il vezzo facile di
cadere in opportunismi facili. La strada
è lungama inizia da qui.

#ROTTURA1:
Comunque
di Tipea Tapei
Ho fatto un pensiero lucido
Con la testa che sprofondo
E ho visto i nostri mostri
Goffi, gobbi e un po’ scarnati
Così cinici e a amati
Con gli occhi rossi da ubriachi
Ho pianto no a Saturno
Con il ato che si spezza
E maledetto l’autunno
Troppo stretto, fuori turno
E ho pensato all’amarezza
Al letame che ci a resca
All’improvviso è tutto fermo
Sembra bello come ieri
Nel ricordo maledetto
Di un ospite estraneo, malato
Ma voglio tutto l’universo
Me lo mangio
Me ne abbuffo
Faccio scorta
Nelle tasche, nell’ombrello
Nella faccia, tutto addosso
Troppo troppo troppo
Calma e sangue
Pietra e luce
In un attimo è il sapore
Così vero, la realtà...
Cos’è poi che ci distingue
Il veleno nelle vene
Che spruzziamo l’uno nell’altro
Amore mio t’avessi viva
Ti avvolgerei nell’alluminio
E ti conserverei in congelatore
Bella luccica per me, come solo tu sai fare
Fredda pallida, labbra viola
E quel rosso acceso che così
Non si spegnerà
Mai

LIBRI SPOLVERATI:
capolavori dimenticati, strani, fuori catalogo o
anche solo diversi
di Domenico Francesco Cirillo
LA VITA AGRA (LUCIANO
BIANCIARDI, 1962)
Durante gli anni del cosiddetto
“Boom Economico”, compreso tra
gli anni Cinquanta e Sessanta del
XX secolo, c’è stato un libro che
ha saputo dare un sincero punto di
vista diverso della società italiana del
periodo. Una società che era esplosione,
senza dubbio, di idee, nuovi
stili di vita, opportunità lavorative e
svolte artistiche. Un paese soggetto a
cambiamenti anche radicali dal ritmo
frenetico, tra immigrati del Mezzogiorno
che si trasferivano nelle città
del Nord inseguendo le nuove possibilità
e un’industializzazione sempre
più tecnologica e presente nella vita
di tutti i giorni. L’autore in questione
non era alieno da questi risvolti,
anzi, anche lui uno dei tantissimi
italiani che si spostarono più a nord,
precisamente a Milano, sperando di
trovare la galline dalle uova d’oro.
Luciano Bianciardi era il suo nome
e veniva da Grosseto, in Toscana,
da un clima culturalmente fervido
ma ancora legato indissolubilmente
a una vita rurale e di provincia.
Arrivato nella grande Milano venne
assunto in qualità di traduttore da
Feltrinelli, sua è la prima traduzione
italiana nel 1962 del “Tropico del
Capricorno”di Henry Miller, già sequestrato
in patria l’anno precedente
per oscenità e avventurosamente
venduto pressocché sottobanco nel
nostro paese. Il romanzo di cui
parliamo oggi “La Vita Agra” uscì
nello stesso e ruota anch’esso attorno
ad un’esplosione: quella che il protagonista
progetta di compiere facendo saltare
in aria il Pirellone e vendicando la morte
di alcune decine di minatori morti sul
lavoro. Ma fino a che punto anche un
idealista può sopportare prima di essere
schiacciato dal peso della modernità ? Il
romanzo, attraverso un linguaggio spontaneo,
cristallino e coloritoche ha più
di un elemento in comune coi Beat di
cui approfonditamente si occupava la sua
“concittadina d’azione”Fernanda Pivano
fa da contraltare alla rappresentazione
di una una metropoli grigia e soffocante
e alla drammatica rivalutazione dello
scoppio economico italiano vista come
l’inizio di un capitalismo invadente e
di un’industrializzazione massicia, totalitaria,
che opprime gli individui nella loro
quotidianità. Impensabile anche solo da
assesire nell’ubriacatura d’ottimismo che
una parte del paese mostrava in quegli
anni. Interessanntissime rappresentazioni
del sottomondo culturale e intellettuale
milanese dell’epoca, un po’ beat un po’
bohemien, ricostruite poi fedemente da
Carlo Lizzani nella trasposizione filmica
del 1964 dell’omonimo romanzo. Nella
parte finale del romanzo il protagonista/
Bianciardi, perché come per i più celebri
Bukoswio H.S.Thompson o lo stesso
Harry Miller anche Biancardi rende labile
il confine tra fiction e autobiografia,
riverserà il suo piano di distruzione
e il suo dissenso in una maniera più
dolente e relativamente inaspettata, oggi
aggiungeremo anche profetica. Bianciardi,
l’idealista e romantico cui i Baustelle
dedicarono un famoso brano sulla sua
esperienza milanese, morirà prematuramente
all’inizio degli anni 70 devastato
dall’alcol e venendo rivalutato più di
vent’anni dopo con la biografia “Vita
Agra di un anarchico” diPino Corrias,
avventurosa tanto quanto il suo romanzo.

ROMANZO CON COCAINA (M.
AGEEV, 1934)
La letteratura è piena di cattivi ragazzi
ma mai nessuno si è avvicinato
al cinismo e alla psicologia di
“Romanzo con Cocaina”di M. Ageev.
Già la curiosa storia redazionale
di questo libro ne giustificherebbe
la lettura. Ad inizio anni ’30, in
un plico proveniente da Costantinopoli,
giunse a Parigi il manoscritto
in russo di questo “Romanzo con
Cocaina”, il quale venne pubblicato
a puntate su Vstreci (“incontri”), rivista
per emigrati russi residenti in
Francia e successivamente pubblicato
in volume unico. Date le scarse
informazioni sì è speculato a lungo
sull’autore, riportato sul manoscritto
come M. Ageev (Agayev in alcune
translitterazioni). C’è chi ha dedotto
fosse anch’egli un emigrato russo a
Parigi, chi invece immaginò un autore
mai allontanatosi dall’URSS che
ha riversato sè stesso in un’unica
potente opera, chi ha immaginato
fosse uno pseudonimo, alcuni hanno
speculato potesse essere Vladimir
Nabokovin persona sotto mentite
spoglie, lui ha sempre rinnegato e
lo stile narrativo confermerebbe la
sua versione. Ma cosa c’è di così
forte in questa misteriosa opera unica?
Ci troviamo di fronte ad un
piccolo grande gioiello dimenticato
della letteratura russa, ingustamente
spesso trascurato, che narra la storia
di un ragazzo sbandato con difficoltà
sociali apparenti che si riversano
nelle sue giornate di scuola e nei
confronti di una madre spesso oggetto
di crudeltà gratuite da parte dello
stesso giovane protagonista, il quale
attraverserà prima una relazione tormentata
con la giovane amata Sonja
e poi a quella, altrettanto problematica,
con la dama bianca, la coca,
il tutto nel periodo immediatamente
antecedente la Rivoluzione d’Ottobre.
Il titolo originale del romanzo è
ancora più eloquente, “Roman s kokainom”in
cui Roman pare avere il doppio
significato tanto di “Romanzo” quanto
quello inglese di “Romance” a sottolineare
l’ambiguità della relazione amorosa e
quella con la polvere bianca. La droga fà
il suo ingresso solo nella terza parte del
libro ma l’effetto è a dir poco devastante,
tanto negli effetti sul povero protagonista
quanto sul lettore cui non verranno risparmiate
descrizioni dettagliate e di una
tale lucidità psicologica da esser degne
del miglior Dostoevskij. Sempre se, in
un ipotetica via di mezzo tra ucronia e
distopia, Dostoevskij fosse vissuto fino al
XX secolo e avesse conosciuto gli orrori
del nuovo secolo tra questi la droga.
Non non farei paragoni tanto azzardati
se non lo trovassi, come trovo, assolutamente
degno e di pari livello questo
ad un “L’idiota”. Il periodare spezzato e
incisivo, quasi degno di un aforismario,
e la profonditā delle riflessioni esistenziali
del giovane protagonista farebbero impallidire
qualsiasi Holden Caufield. Chiunque
sia questo Ageev, probabilmente non
lo sapremo mai, possiamo sperare solo
che abbia avuto la consapevolezza anche
solo per un attimo di accorgersi della
grandezza della sua opera.

Naked
di Iulia
Spogli d’ogni inutile maschera.
Siamo nudi.
E, discinti in toto,
di tutti siamo
e di nessuno.
Poliedri,
mutiamo a seconda della stagione.
Vulnerabili,
come lumache prive di guscio
che apatiche strascicano in carreggiata
con l’illusione d’esser travolte
agognando una vergine dimora.
Artica batte la pioggia
sul molle epitelio,
lava il cristallino nastro di bava
che lasciano alle spalle.
[memorie che tentano d’incollarsi al suolo,
flash-back amalgamati al cemento].
Radicati,
al suolo come secolari querce
che autorizzano l’aitante vento
a scompigliar le voluminose chiome,
sibila Egli pacate ninna-nanne
tra le foglie.
Irriverenti sospiri accarezzano
i giovani e più alti rami danzanti
che emancipati si flettono
verso l’intangibile ionosfera.
[I sogni svincolano e si protendono
alle nuvole che in alto deambulano in gregge].
Risoluti,
sulla nuda roccia come stambecchi scalatori
che in equilibrio sostano tra le sporgenze
d’inclinate e temibili pareti,
noncuranti del vuoto che sotto spiomba.
Audaci conquistano la vetta
Inerpicandosi in verticale
in anticipo mentale su ogni singolo passo.
Zoccolano coriacei e leali verso l’ obiettivo
scalfendo la parete di selce che li sorregge.
[la materia dei sogni e delle illusioni si concretizza
prende forma e diviene solida pietra]

#ROTTURA2:
IERI / OGGI
di Tipea Tapei