TraKs Interview 004

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INTERVIEW
Numero 4 - aprile 2017
Modena City Ramblers
un mondo migliore
Ottodix
VonDatty
Thomas Dylan
Droning Maud
TEN!

sommario
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18
22
26
Modena CIty Ramblers
Ottodix
Droning Maud
VonDatty
Thomas Dylan
TEN!
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TRAKS INTERVIEW
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MODENA CITY
RAMBLERS
sperando in un mondo
migliore
“Mani come rami, ai piedi radici” è il nuovo lavoro della storica band emiliana,
che per una volta si occupa un po’ meno di attualità e un po’ di più
di canzoni senza tempo, coinvolgendo in un featuring i Calexico. Abbiamo
chiacchierato con loro, parlando, fra l’altro, di musica balcanica, indie italiano
e Donald Trump. Con una piccola chicca sul prossimo tour.
Cominciamo dalla scelta quasi del
tutto “autarchica”: perché questa volta
avete deciso di fare quasi tutto da
soli?
Il mondo della discografia è cambiato
tanto in questi anni, abbiamo lavorato
con tante strutture verificando i pro e
i contro delle medesime. Da un po’ di
tempo a questa parte abbiamo deciso di
centralizzare sempre di più, anche se
ovviamente ci avvaliamo di fidati colla-
boratori esterni. Dopo tanti anni abbiamo
capito che ci troviamo meglio così.
L’altra “svolta” è quella dei testi, visto
che avete “trascurato” gli episodi
dell’attualità. In overload dall’lp precedente
oppure ci sono altri motivi?
“Niente di nuovo sul fronte occidentale”,
l’ultimo nostro cd di inediti, era effettivamente
pieno di riferimenti all’attualità
e a storie di cronaca dell’ ”altro
ieri” che ci avevano particolarmente

indignato, per esempio ”La Luna di
Ferrara” o “Peppe e Tore”. Non siamo
cambiati. Manteniamo sempre alta la
soglia dell’attenzione e dell’indignazione,
discutiamo e ci confrontiamo spesso
su fatti di cronaca e teniamo sempre
aperta, per dirla in maniera poetica,”una
finestra sul mondo”. Stavolta però è
stato naturale parlare di altro e il disco
si chiude con “Quacet putein”, una dolce
ninna nanna di un padre a un figlio.
Che spera cresca in un mondo migliore
rispetto a quello che gli stiamo lasciando.
Dovessi definire a volo d’uccello le
sonorità di questo disco direi che ci
sono più Balcani che Irlanda. Da dove
nascono questi equilibri?
Direi che hai completamente ragione,
vi sono “più Balcani che Irlanda” in
“Mani come rami, ai piedi radici”. Sicuramente
certe sonorità sono anche
figlie di collaborazioni avvenute nel
tempo. In passato abbiamo diviso il
palco con Goran Bregovic e Kocani Orkestar
e, in tempi più recenti, ci siamo
esibiti sul palco del primo maggio con
la Fanfara Tirana. Era inevitabile che
certe sonorità avessero degli influssi
sulla nostra composizione e così è stato,
anche se la cellula irlandese, mi preme
dire, è nel nostro dna e non la abbandoneremo
mai.
Come nasce “Sogneremo pecore elettriche”?
È un testo un po’ atipico per la nostra
produzione, in effetti. Era nato in inglese
e poi abbiamo cercato di trasporlo in
italiano. Il ritornello fa riferimento al
romanzo di dick (“Do androids dream of
electric sheep?”) ed è una canzone sul
mutamento dell’uomo che perde progressivamente
la sua natura, appunto,
”umana” a causa del vorticoso progresso
tecnologico.
Da dove ha origine la collaborazione
con i Calexico?
Stimiamo da anni la band ed e’ capitato
che prendessimo il loro sound come
ispirazione quando ci apprestavamo
ad arrangiare dei brani. Si prenda, per
esempio, l’arrangiamento di ”Malavida”,
contenuto su ”Tracce clandestine”.
Dal fantasticare a organizzare un featuring
della band il passo è stato breve
e naturale. Uno di noi aveva collaborato
coi Sacri Cuori, band romagnola validissima
che ha collaborato con i Calexico,
ma anche con Los Lobos, Marc Ribot
e Vinicio Capossela. Abbiamo chiesto
ad Antonio Gramentieri, chitarrista
della band, di scrivere una vera e propria
mail di “presentazione”, per così
dire, e inviarla a Joey dei Calexico. Ci
siamo poi incontrati in occasione di un
gig dei Calexico a bologna e abbiamo
consegnato loro una chiavetta usb con
il brano ”Ghost Town”. Dopo poche settimane
i ragazzi dei Calexico ci hanno
inviati degli interventi musicali formidabili
e il brano ha preso la forma che
potete sentire nel cd. Non ti nascondo
che a noi piacerebbe molto se questa
collaborazione sfociasse, non so, in un
tour assieme… vedremo.
Che cosa vi piace della musica italiana
di oggi?
Ti evito la filippica da classico musicista
quasi cinquantenne che di solito
a questa tipologia di domanda parte
con la giaculatoria: ”Eh ai nostri tempi
c’erano più locali, paghe migliori, più
attenzione eccetera”. Tutte cose vere e
sacrosante ma purtroppo non v’è molto
da fare. Se mi chiedi se vi siano nuovi
artisti validi ti rispondo che la musica
buona c’è, c’è sempre stata e sempre ci
sarà. Quella ha a che fare con l’urgenza
espressiva, la voglia di emergere, di
“urlare” qualcosa e non vedo differenze
fra il musicista attuale, quello del ‘500
o quello del futuro lontanissimo. Su
cosa “non ci piace” della musica italiana,
credo che ogni
Rambler potrebbe
stilarti una sua personale
classifica. A
me non piace il filone,
a mio avviso costruitissimo,
dell’indie
italiano, però
devo ammettere che
vi sono degli artisti
interessanti anche
in quel genere. Se
devo farti due nomi
interessanti, a prescindere
da etichette
che lasciano il tempo che trovano, direi
Levante e Brunori.
Fosse stato concepito già in epoca
Trump questo disco sarebbe diverso?
Probabilmente si, però credo che se si
scrive una brutta canzone, poco ”sentita”
su Trump… come dire, Trump
rimane ”in sella” e purtroppo anche
la brutta canzone! Non vogliamo correre
il rischio di sembrare dei ”forzati
dell’impegno”. la nostra storia dimostra
da che parte stiamo e brani impegnati
li abbiamo sempre scritti e sempre li
scriveremo. Il tour che sta per partire,
inoltre, è un vero e proprio viaggio
che attraversa tutta la nostra carriera
e vi diamo una piccola chicca: oltre a
presentare il nuovo cd e suonare i nostri
classici, celebreremo i vent’anni del
nostro fortunato cd ”Terra e Libertà”,
uscito nel 1997. Ne vedrete delle belle!
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OTTODIX
il fascino della scienza
Il suo nuovo disco, “Micromega”, parte da Voltaire per approdare a tutte
le dimensioni dello scibile, corredate da sonorità vicine all’elettronica degli
anni Novanta. Senza dimenticare che l’uomo è sempre al centro di tutto
Puoi raccontare il concept di “Micromega”?
“Micromega”, ispirato a una novella dal
sapore fantascientifico di Voltaire, cerca
di far ragionare sul “senso della posizione”
dell’uomo in mezzo alla natura
reale delle cose. Giocando coi concetti
di micro e macro, invita a ritrovare il
senso della misura, in un’epoca fatta di
eccessi verbali, di odio latente, di tensione
sociale e “social”, ma anche di
involuzione culturale e di mancanza di
una visione chiara del futuro, dato che
tutti i pilastri fondamentali del sistema
che ci regge (noi occidentali), sta scricchiolando
paurosamente, dal concetto
di economia e libero mercato, a quello
di tolleranza e di pace, fino a quello più
spiccio della pensione. La tecnologia
corre come un fulmine e noi fatichiamo
a reggere il passo, scollegandoci spesso
dall’età biologica che abbiamo, dai
bioritmi di cui il nostro corpo ha bisogno
e dell’ambiente, che per mantenere
queste ritmiche lavorative vertiginose,
stiamo via via devastando. La bolla
tecnologica e la continua connessione
online, non aiutano a mantenere certo
il senso del controllo e della posizione.
Per questo ho sentito il bisogno di ispirarmi
artisticamente all’unica fonte di
fascino e mistero che possa risultare
ancora credibile: la scienza. La fisica
suggerisce regole comuni alla materia
(anche se la meccanica quantistica
non quadra ancora con la fisica classi-
ca); credo che abbiamo un bisogno sacrosanto
di riscoprire delle regole, dei
fondamentali su cui basare ogni nostra
singola visione. Un senso comune, democratico
ed equo del giusto, parte solo
dalla scienza, contro religione, politica,
potere, superstizione e interessi economici,
tutte forze che possono essere
soggette a manipolazioni di parte e che
ci stanno mettendo nei guai. In un’era
di bufale e populismo spiccio è solo la
verità dei dati che si cela nella natura
a poterci ridare risposte concrete e
un punto di appoggio. Per questo ho
raggruppato le grandezze del cosmo in
nove ordini, dalle micro particelle, alle
molecole, ai microrganismi e ai collettivi
di animali, all’uomo (“Micromega
Boy”, al centro di tutto), fino al pianeta
Terra, al sistema solare, alle galassie e
ai sistemi di universi teorizzati. Ognuna
di queste grandezze ha ispirato una
canzone che, usando metafore scientifiche
o astronomiche o biologiche, o
geopolitiche, parla di dinamiche umane
che ci riguardano tutti i giorni. “Micromega”
suggerisce di cercare nella fisica
le leggi, le dinamiche delle nostre azioni
e del nostri sbagli, come se zoomando
dall’alto si scoprisse che il formicaio
dell’uomo risponde, su vasta scala, a
misteriosi disegni e schemi fisici che
muovono galassie, banchi di pesci e molecole.
Affascinante, no? Qui si sconfina
nella filosofia e nell’immaginazione
astratta. Territori più prossimi all’arte.
La musica, poi, è matematica e espressività,
quindi il mezzo ideale per coniugare
una simile, ambiziosa operazione.
Solo che ho dovuto studiare un sacco,
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prima di iniziare a scrivere.
“Chimera” parlava di utopie ed era
un disco “politico”, da un certo punto
di vista. Invece qui hai deciso di occuparti
di aspetti galattici oppure microscopici,
sostanzialmente “saltando” le
miserie umane o quasi. Puoi spiegare
perché?
Come dicevo, in realtà le salto solo in
apparenza, andando ad analizzare nei
disegni più grandi e più piccoli di noi,
tutto quello che può spiegare
il nostro agire e gli errori in
loop di cui la storia umana
è piena. Nell’album ci sono
canzoni come “Elettricità”
che parlano chiaramente
della tensione sociale e
dell’odio latente, Ne “la
Risonanza”, la fisica
quantistica tenta simbolicamente
di spiegare perché i collettivi
di animali o di materia simile, in
natura, lavorino al meglio in gruppo,
mentre l’uomo no (perché ha inventato
l’economia e la competizione tra individui).
Anche “Planisfera”, ragionando
sulla rotondità del pianeta, suggerisce
che i punti di vista sono tutti equivalenti,
sopra una palla e che difendere
un passato che non c’è più è assurdo,
perché in natura tutto è in divenire,
tutto ruota e gira. “Zodiacantus” è un
attacco alla superstizione umana. Insomma,
l’uomo è costantemente sotto
il vetrino dell’analisi del microscopio
scientifico, o del telescopio astronomico.
“Chimera” era un disco demolitore
di utopie fallite del XX secolo. Questo
è un album propositivo, che invita a
puntare verso tecnologia pulita, ambiente,
cultura e scienza come nuova
utopia per superare questo lungo momento
di apocalisse collettiva generalizzata.
E’ un album che sembra freddo
solo in apparenza, ma è molto più
profondamente umano: sposta la sfera
di indagine emotiva dal solito amore-morte-sociale
delle canzoni,
alla bellezza, la paura e lo
spleen verso l’infinito e l’ignoto
della natura.
Il disco mi sembra, dal punto
di vista dei suoni, più
compatto e omogeneo dei
precedenti. Quanto ha influito
anche l’apporto di Flavio Ferri
nel discorso?
Il disco è più compatto e scorrevole
innanzitutto perché era impossibile,
vista la complessità delle tematiche
trattate nei testi, creare anche un linguaggio
sonoro articolato. Ho preferito
l’approccio psichedelico elettronico o
ambient pop, per dare un ingrediente
più spirituale e meditativo, anche
se detta così sembra un album new
age, invece si parla di sfumature. E’
un album molto Ottodix. Volevo un
sound vicino all’elettronica ’90, anche
a tratti trip hop (Il mondo delle cose),
ma anche con ingredienti dall’elettronica
di ricerca come quella di Alva
Noto (CERN), che dessero un taglio più
astratto, da laboratorio, o lisergico al
sound. Ho accettato l’invito di Flavio
a condividere la produzione con gioia,
dopo anni di collaborazioni a distanza
e concerti aperti ai DeltaV da Ottodix
(1999-2003). Era la persona adatta a
valorizzare esattamente quegli aspetti.
Il sound DeltaV per me è sempre stato
un riferimento e guarda caso è servito
per migliorare dei provini problematici
come in CERN, brano dalla struttura
complessa elettro-sinfonica, di cui vado
molto fiero, o per far rinascere un brano
come Planisfera, che non mi convinceva,
facendolo diventare una delle colonne
portanti dell’album. Ne “Il mondo
delle cose”, poi, la sua “scuola di Bristol”
è uscita tutta, mettendo una firma
importante. E poi abbiamo discusso,
anche scontrandoci, a casa sua a Barcellona,
ogni singola nota e ogni dettaglio
in un confronto umano molto sano
e genuino. Devo ringraziare Flavio sia
per quello che ha fatto in più che per
avere rispettato i miei complessi provini,
portati in fase già molto avanzata di
finitura. E’ un disco in cui mi riconosco
molto e questo mi da sicurezza nel volere
in futuro ritentare la carta della co
produzione. Sono un autarchico, era la
prima volta per me. E’ comunque un album
nato e pensato tra Barcellona, l’Italia,
Pechino e Berlino, le cui voci sono
state limate in California. Insomma,
un album “planisferico” davvero, nato
da più punti di vista. E bello da cantare
10 11

dal vivo!
Sei stato particolarmente impegnato
con progetti in Oriente di recente.
Puoi raccontare qualcosa e soprattutto
raccontare come viene percepita la
tua musica in paesi così lontani?
In realtà ho contatti di lavoro tramite
la mia attività di artista visivo, con
i circuiti delle gallerie di Pechino, più
che musicali. Alla Biennale Italia Cina
2016, tuttavia, sono andato di persona
a installare e presentare la scimmia
che vedete in copertina dell’album Micromega
(dal titolo omonimo). Presentando
l’installazione all’inaugurazione,
ho cantato in diretta per la tv cinese
“Planisfera”, il brano più simbolico.
L’accogliienza e l’entusiasmo sono stati
dei migliori, ma a di là di quello, ho
imparato molto dai cinesi. E’ un mondo
alternativo, molto informato, che non
ha bisogno necessariamente di noi e
quindi non soffre per forza di esterofilia.
Questo a noi occidentali, ogni tanto
fa bene ricordarlo. Una potenza economica
tale, che praticamente non parla
inglese e che ha la popolazione numericamente
equivalente a tutto l’occidente
messo assieme, perché dovrebbe adattarsi
alle tue regole o alle convenzioni
internazionali inventate dagli occidentali?
Sono caduti anche molti cliché e
stereotipi, è un mondo a noi alieno che
fa bene visitare, con 5000 anni di storia
e di spessore, dietro, non dimentichiamolo
mai, che si vede e si percepisce
tuttora. Comunque, portare lo spettacolo
di “Micromega” a cui stiamo lavorando,
anche in Cina, è uno degli obiettivi
nei prossimi anni.
Vista la tua attività su molti livelli e
con molti mezzi artistici, puoi raccontare
come pensi di presentare questo
disco, soprattutto in tour?
Ho anticipato di poco la risposta. Il tour
avrà una prima fase di concerti più “canonici”
in club o situazioni da showcase,
ma via via punterà verso il vero
scopo: quello di invadere i luoghi della
scienza, della cultura e dell’arte. Il progetto
prevede una mostra itinerante di
mie opere, organizzate come l’album, in
nove settori, ma anche uno spettacolo
tra musica, proiezioni, arte e reading,
in cui scienza e filosofia faranno da collante
a un concerto molto emozionale.
Ho parecchi musicisti che daranno vita
a setup e situazioni diverse; dal più
classico elettro-rock alla Ottodix, fino al
duo electro minimal, voce e synth, passando
per i live con quartetto d’archi,
piano e elettronica. A volte pure tutto
assieme. E’ un live che può svilupparsi
dal micro al mega, appunto. E mi accompagnerà
per parecchio tempo.
Vorrei capire qualcosa di più anche
della piattaforma su Google Chrome
grazie alla quale è possibile ascoltare
il disco
E’ un Mega-Player di mia invenzione,
oltre che un’enciclopedia visionaria.
Non solo il disco, ma una marea di rivisitazioni
delle 9 canzoni iniziali, in
un sistema a matrioska per diramazioni,
in cui ogni canzone genera tre
sotto canzoni satellite, divise a loro
volta in tre sotto versioni sempre più
minimal. Ogni pagina generata da
questa scomposizione a frattali basata
sul numero 3 (radice quadrata di 9, i
brani dell’album), genera 117 (1+1+7
= 9) pagine-canzone, illustrate da me
con soggetti appartenenti all’ordine di
grandezza del brano di partenza. Ci
saranno anche molti contenuti extra
galleggianti, da attivare e scoprire, che
porteranno a voci enciclopediche online,
siti consigliati a tema e i testi dei
brani. Hanno aderito a curare queste
versioni molti colleghi musicisti provenienti
da vari generi diversi e questo
mi ha reso davvero felice. Alcuni
nomiMadaski, Luca Urbani, lo stesso
Flavio Ferri, Gigi Masin e Laura Bisceglia
(ora violoncello per Teho Teardo e
Blixa Bargeld). La piattaforma uscirà
a giugno, curata da me e Anna Magni
e corredata da 9 bellissimi 3D animati
realizzati da Pierfrancesco Soffritti, che
diventeranno in alcuni casi anche installazioni
delle mie prossime mostre.
E crescerà negli anni, come una pianta,
come una galassia in espansione, come
il cervello di una scimmia che si evolve,
input dopo input, indagando la natura
delle cose.
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DRONING MAUD
facendo errori bellissimi
Questo terzo disco è presentato come
una svolta a livello di maturazione artistica.
Che cosa è cambiato nella band
con “Beautiful Mistakes”?
Foto di Luca Bravi
“Beautiful mistakes” è il terzo e nuovo lp della band, impegnata a inseguire,
con successo, atmosfere di pop raffinato ma sostenuto, figlio di cambiamenti
nel processo compositivo
È cambiato il processo compositivo.
Ascoltarsi l’uno con l’altro per dare
spazio alla creatività, senza imporre le
proprie idee, produce sempre risultati
ottimali. Più che di una rivelazione si
può parlare di una presa di coscienza:
la naturale meta di un cammino compiuto
senza forzature di alcun genere.
Potete spiegare meglio il concept del
titolo? Quali sono i “bellissimi errori”
che pensate di aver commesso?
ll punto del discorso è che in generale
molte azioni vengono captate come un
errore soltanto perché noi non reagiamo
nella maniera opportuna. Gli errori
capitati per caso all’interno di un brano
che ci hanno involontariamente suggerito
nuovi modi di suonare e nuovi
arrangiamenti, sono fondamentali per
dare la giusta personalità a una canzone.
Ciò che può sembrare un errore non
è altro che una nuova opportunità.
Da dove nasce la scelta di mettere la
voce decisamente al centro delle vostre
nuove composizioni?
Nelle nostre composizioni non cerchiamo
di colpire l’ascoltatore facendo del
mero esercizio di stile, ma cercando di
comunicare il nostro punto di vista, e
cosa meglio delle parole per arrivare
dritti al punto?
Potete spendere qualche parola sulle
sensazioni che vi hanno portato a scrivere
tutti gli otto brani che compongono
il disco?
SOME CALL LOVE: il bisogno di comunicare.
MISCOMMUNICATIONS: l’incapacità
di comunicare.
ON THE CORNER: l’esigenza di sentirsi
amati.
LAZY SUN: essere fuori luogo, senso di
inadeguatezza e sentimento di non appartenenza
a un ruolo stabilito.
SIMPLE THINGS: la felicità nei piccoli
gesti.
STORYTELLER: la fragilità dei ricordi.
REFERENCES: una rassicurazione,
una piccola certezza. La morte non esiste,
è solo trasformazione.
DUST: non si dimentica mai un amore,
si impara a vivere senza di esso.
Potete descrivere i vostri concerti?
Quali saranno le prossime date?
Nei nostri concerti cerchiamo sempre
di coinvolgere emotivamente le persone
e la riuscita dipende anche dal contesto
in cui ci troviamo e dall’attenzione
che le persone mettono nell’ascoltare
musica. Vi aspettiamo il 28 Aprile 2017
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“release party” Irish Cafè - Pianola
(AQ)
Chi è o chi sono gli artisti indipendenti
italiani che stimate di più in questo
momento e perché?
Domanda difficile; ascoltiamo poco il
panorama italiano perché ormai è un
po’ troppo standardizzato verso un
mood che non ci rispecchia, comunque
per fare dei nomi i primi che mi vengono
in mente sono EDDA perché della
nostra generazione e tornato con un
bellissimo disco, His Clancyness se si
possono definire tali, bello anche l’ultimo
lavoro di Francesco Di Bella.
www.facebook.com/DroningMaud
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VONDATTY
alla fine della notte
Esce il 5 maggio “Ninnenanne“, che chiude la “Trilogia della notte“: un
lavoro crudo, sincero e molto autobiografico
“Ninnenanne” chiude la “Trilogia della
notte”: che cosa rappresenta questo
disco, all’interno del progetto?
“Ninnenanne” ha un ruolo fondamentale
nella Trilogia, lo vedo come la fine
di un percorso, ma anche l’inizio di un
altro. Ho dato vita a questo progetto
perché volevo cercare la mia strada
nel mondo della musica, sono partito
da solo in una dimensione prettamente
acustica, poi ho iniziato a soffrirla
perché credevo fosse limitante, così ho
messo su la band, che in buona parte
mi accompagna ancora oggi, per fare
un disco urlato e disperato come “Madrigali”,
decisamente più rock ‘n’ roll.
Ora, grazie anche all’apporto di Fabio
Martini, che insieme a me ha prodotto
artisticamente il disco, sono arrivato a
capire che il mio mondo musicale è solo
nelle canzoni, per cui credo sia il mio
disco più maturo. A livello concettuale,
credo rappresenti “la fine della notte”.
Si dice che sia sempre più buio prima
dell’alba, per questo mi piaceva si intitolasse
“Ninnenanne”, perché potrebbe
anche sembrare un controsenso.
Il disco infatti ha caratteri chiaramente
notturni: quali sono state le fonti di
ispirazione e le caratteristiche della
sua scrittura?
Il disco tocca tematiche personali, a
partire da un rapporto decisamente
complesso con il sonno. È stato scritto
di getto, dopo un lungo periodo di sosta
da qualsiasi tipo di scrittura, già in
19
fase di pre-produzione avevamo deciso
che tutte le canzoni si sarebbero fondate
sulla base di una chitarra acustica o
di un pianoforte. Volevamo che funzionassero
anche ridotte all’osso, dovevano
essere solide fin dalle fondamenta.
Le sonorità sono quelle che fanno parte
del mio background, come di quello di
Fabio Martini e di tutti i musicisti che
collaborano con me, ma in fase di arrangiamento
è stato tutto molto spontaneo.
Sei al terzo lavoro pubblicato, secondo
lp. Il lavoro di composizione si è fatto
più facile o più difficile? In certe can-

zoni del disco sembra di avvertire quasi
un’assenza di sforzo...
A me piace tantissimo scrivere, anche
se a volte dico il contrario. Mi viene naturale,
vorrei quasi far soltanto quello.
Non c’è momento più bello, nella realizzazione
di un disco, che il momento della
scrittura, quello in cui ti immagini
già come verrà fuori una canzone. Stavolta
è stato decisamente particolare,
per me, scrivere a quattro mani, ma è
stato anche decisamente stimolante.
Mi ha colpito “Dalla
carne”: vorrei saperne
qualcosa di più.
È stata la prima canzone
a venir fuori, anche
se aveva un arrangiamento
diverso, alla fine
è stata tra le ultime a
essere completata. Il
testo è semplicemente
un elenco dei motivi
per cui ancora scrivo
canzoni.
Puoi raccontare delle
collaborazioni che figurano sul disco?
Partirei comunque da Fabio, con il
quale siamo amici da più di dieci anni,
anni in cui ci siamo confrontati più e
più volte sui nostri rispettivi progetti,
senza mai riuscire, probabilmente anche
per questioni di personalità, ad avviare
una solida collaborazione (anche
se lui ha suonato nei due lavori precedenti
e spesso fatto da fonico nei live).
Stavolta ci siamo decisamente messi in
gioco, abbiamo scritto, arrangiato, non
sempre è stato semplice, ma alla fine è
stato un lavoro che ci ha portato sicuramente
a crescere. Con Gabriele Proietti
e Sarah Moon siamo molto amici,
da subito avevo pensato che mi sarebbe
piaciuto molto che partecipassero. Sarah
è la prima volta che si confronta
con il cantato in italiano, riuscendo
anche a sorprendermi con la scelta del
registro vocale, Gabriele ha partecipato
in due brani molto
“poco rock”, perché volevo
tirasse fuori dalla
sua chitarra dei suoni
più vicini al suo lato
psichedelico. In “Ad
ogni piccola morte”, poi,
suonano Vieri Baiocchi,
Andrea Carboni e
Giorgio Baldi (che non
poteva assolutamente
mancare, neanche
stavolta). Vieri figura
anche tra i produttori
esecutivi del disco e il suo locale, lo
“Yeah”, è un po’ la mia seconda casa
romana, con Andrea sono una sezione
ritmica molto affiatata, siamo amici
e negli ultimi tempi ci siamo sempre
scambiati opinioni sui rispettivi ascolti.
Quando è stato il momento di entrare
in studio ho voluto coinvolgerli, proprio
perché volevo che in questo disco
suonassero esclusivamente miei amici,
persone che ci tenessero a partecipare
e a dare il loro contributo nel modo migliore.
Riguardo Giorgio Baldi non so
più cosa dire, è stato un “faro” all’inizio
del mio percorso e ogni volta riesce a
stupirmi, stavolta è riuscito a intervenire
soltanto all’ultimo momento, difficilmente
riuscirei a immaginare un mio
lavoro senza neanche due note suonate
da lui. Un’altra collaborazione importante
credo sia quella con Daniele Coccia
(Il Muro del Canto, Surgery), una
voce che mi accompagna nello stereo
da parecchio tempo. Ho scritto la sua
parte immaginandola cantata da lui
ed è stato emozionante quando poi l’ha
eseguita in studio esattamente come la
immaginavo, ci tenevo tantissimo che
partecipasse, per questioni
di stima artistica e di amicizia.
Nel brano, abbiamo
anche voluto chiamare una
serie di amici a fare un coro
“piratesco”. Sicuramente il
momento delle registrazioni
è stato uno dei più belli
dell’intera lavorazione.
Viste le caratteristiche
“notturne” del disco, per i
concerti farai scelte particolari?
Dal vivo, nessuna novità
particolare: mi accompagneranno
i miei musicisti
di sempre Fabio Martini al
contrabbasso, pianoforte e
synth, Andrea Cauduro al
basso e alla chitarra, Giovanni
Abei alla chitarra e
Lorenzo Valerio alla batteria.
Cercheremo di riproporre
il disco nella maniera
più fedele possibile e sicuramente
qualche brano dai
lavori precedenti.
20 21

THOMAS DYLAN
partendo da giri ipnotici
Un’ispirazione evidente fin dallo pseudonimo e una notevole voglia di raccontare,
anche con idee psichedeliche, condensata nell’ultimo lavoro “Spleen
delle sorgenti”. Lo abbiamo intervistato.
Puoi raccontare la tua storia fin qui?
Sono di Bergamo e abito in Valle Seriana.
Ho iniziato a scrivere canzoni verso
i quindici /sedici anni e praticamente
non ho mai smesso. Dai diciotto dipingo,
e anche con la pittura non ho mai
smesso. Ora ho trentanove anni. Scrivo
canzoni in italiano, brani acustici, un
po’ bucolici folk, e dipingo soprattutto
alberi. Ho composto e inciso undici
lavori tra dischi, ep, demo e collaborazioni
(molti con i gruppi con cui suonavo:
Violaspinto, Myblake e Uma; con i
Violaspinto ci suono tuttora). Tutto indipendente.
Tecnicamente, grazie all’esperienza
maturata in questi anni, mi
sento più consapevole e sciolto, la mia
arte è molto semplice, potrebbe farla
chiunque. Probabilmente c’è qualcosa
di più elaborato a livello vocale perché
ho studiato canto sia in Italia che in
India, ma nulla di trascendentale.
Quali sono i tuoi capisaldi musicali?
Nick Drake e Barrett sono artisti estremamente
luccicanti… vanno davvero
oltre…. anche Bob Dylan, lui (ovviamente
attraverso i suoi dischi) ha il
potere di darmi molta energia… adoro i
Black Sabbath con Ozzy; in questo periodo
sto ascoltando Serge Gainsbourg.
Come psichedelia, seppur potrei risultare
scontato, mi piacciono i primi Pink
Floyd e ovviamente Barrett solista;
Robyn Hitchcock, Julian Cope, Twink
Pink, Hight Tide.
Come nasce “Nel bosco”?
L’idea nasce dalle basi dell’Ermetismo,
dove in sintesi si lavora con
gli elementi. E’ stato semplice poi
costruire la canzone come se si interrogassero
i guardiani chiedendo
loro il permesso di poter entrare
nel bosco. A questo punto dopo
che io e mio figlio abbiamo avuto
il permesso di entrare (che poi
è metaforico – micro e macro) le
cose si sono fatte ancora più semplici
e scorrevoli e non ho fatto
nient’altro che spiegare al piccolo
alcuni insegnamenti universali
basilari. Racconta che spesso si
fa un grande giro per poi scoprire
che va già tutto bene. E’ sicuramente
un tema che mi sta molto a cuore e che
emerge spesso nei miei testi. Mi piace
filtrare la realtà attraverso la mia visione
delle cose, attraverso ciò che vivo
e attraverso i miei studi. Praticamente
il 90% del lavoro sta nella ricerca. I risultati
a volte funzionano a volte meno.
Grazie, mi fa molto piacere che ti sia
piaciuta. Tecnicamente per questa canzone
sono partito da un giro ipnotico e
dai ritornelli e quindi poi ho dilatato il
tutto. Cerco sempre comunque di stare
in schemi piuttosto delineati quando
compongo. Ho poi lavorato alla prospettiva
con le sovraincisioni e mixaggio.
Puoi raccontare la strumentazione
principale che hai utilizzato per questo
disco?
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Chitarre acustiche e voci, ci sono anche
un flauto e un paio di chitarre elettriche
pulite. Nessun effetto artificiale
sulle voci, e francamente pochissimi
in tutto il disco, un po’ del mio pedale
delay e una macchinetta che mi ha
prestato mio fratello da DJ. Per il resto
nessun copia e incolla. Per le voci
ho inciso diverse tracce, un paio anche
sfasate per ottenere una sorta di effetto
simile a un delay. E’ praticamente tutto
naturale. Anche il master fatto è stato
delicatissimo. Il master (accanto alle
collaborazioni musicali di altri artisti)
è stato l’unico passaggio non eseguito
interamente da me. Il mixaggio è stato
il momento più creativo a livello di
produzione di questo disco, perchè ho
lavorato sulle profondità, sugli incastri
e risulta tutto molto delicato e a volte
fragile. Come un mosaico.
Puoi descrivere i tuoi concerti?
Certo, i miei concerti si basano sulla
sola chitarra acustica, su voce e tampura.
Si crea quindi un atmosfera intima
e ci si impegna per renderla calda. In
scaletta ho inserito canzoni di questo
disco, del precedente “Cielinoncuranti”
e di quello che sto attualmente realizzando.
Non è un set lungo poichè
preferisco non appesantire la serata.
Alterno canzoni tranquille “ipnotiche” a
qualcuna più sostenuta e siccome quasi
tutte le mie canzoni parlano di sentimenti,
è stato difficile trovare il giusto
equilibrio della scaletta, ma dai concerti
precedenti ho comunque imparato
molto; mi sono reso conto anche che ci
sono canzoni che sento meno. Ma credo
sia un processo naturale. Non le suono
comunque tutte. Per ora ho ho due
date confermate : il 23 aprile all Edonè
di Bergamo (aprirò la serata agli Ella
Goda, nel loro Show Case). E ho una
serata al Museo Maglio di Ponte Nossa
l’ultima settimana di agosto con l’amico
cantautore Luca Dai (due set separati)…
cornice pazzesca e grande energia
che scorre…
Stai già lavorando al prossimo disco?
Sì… Sto lavorando al nuovo disco e sta
venendo più scorrevole dei due precedenti,
proprio sul piano pratico di realizzazione.
Suona, almeno finora, un po’
più sporco, anche perché sto registrando
le acustiche attraverso l’amplificatore
e non solo in modo naturale. Hanno
già collaborato due ospiti con cui ho
suonato per lungo tempo in passato.
“Labo” che in un brano ha messo le
sue chitarre e i suoi effetti, ha creando
uno spiritato tappeto sonoro, un sottofondo
perfetto all’arpeggio portante a
mò di mantra che dirige tutta la canzone.
Brian invece, in un altro brano,
ha suonato il piano e il sintetizzatore
preparandosi in modo preciso già da
casa; il fatto curioso è stato che una
volta registrata la sua parte, che già
andava bene, abbiamo trovato insieme
una formula semplice che ci ha stupiti.
Non abbiamo avuto più bisogno di toccare
nulla.I temi trattati
in questo nuovo lavoro a
mio parere appaiono più
lucidi e quell’ attimo meno
onirici dei precedenti,
meno ermetici. Per assurdo
però la musica sta
andando proprio in quella
direzione. Entrando un po’
nello specifico, una traccia
fa riferimento ai grandi
insegnamenti dettati dal
fondatore dello spiritismo
Allan Kardec; per scrivere
questo brano ho approfondito
e studiato le sue teorie
e i suoi lavori; poi ho
esposto tutto ciò con parole
mie, ponendo anche domande
dettate dalla mia
sensibilità…Una seconda
traccia invece si rifà maggiormente
ad un discorso
legato al Thelema, quindi
a un testo legato alla
magia con la specifica di saper vivere
il proprio tempo, cosa che a volte pare
messa in secondo piano proprio perché
attualmente ci si ascolta meno che in
passato… a mio parere. Una terza invece
è forse quella che si avvicina maggiormente
alla poetica di Spleen delle
sorgenti… un po più decadente; una
canzone d’ amore delicata, una sorta di
acquarello, anche un po fragile se vogliamo,
che racconta del prendere senza
mai chiedere. Ne sto scrivendo una
quarta invece che parla delle maschere,
delle pose che poi portano ai classici
clichés… ho cercato di descrivere e fermare
quell attimo in cui una coppia (in
questo caso) si rende conto, dopo aver
puntato il dito a lungo, di essere dentro
a quelle dinamiche che ha tanto criticato.
Ce ne sarebbe anche una che ho già
finito ma proprio non mi riesce di registrarla,
magari non va d’accordo con le
altre…
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TEN!
dieci foto per dieci canzoni
Alessandro Trapezio è un fotografo bolognese che ha affidato dieci proprie
foto ad altrettante band con la richiesta di comporre un brano ad hoc. E’
nata così una compilation con relativo catalogo. Che ha visto, tra i partecipanti,
Bologna Violenta, Fuzz, His Clancyness, Melampus, Stromboli
Puoi raccontare come nasce il progetto
“Ten!”?
“Ten!” è un progetto nato per caso, dopo
che nel corso degli anni alcuni gruppi o
musicisti mi hanno richiesto delle immagini
per le loro copertine, essendo io
un artista che usa principalmente la fotografia.
E’ capitato che le mie idee per
i loro album non coincidessero con le
loro; così mi sono chiesto cosa sarebbe
successo se fossi stato io a scegliere delle
mie foto, già concepite come copertine,
e le avessi “imposte” ai gruppi. Una
sorta di inversione del canonico processo
che avviene tra fotografo e musicista.
Qui sono stati loro a comporre
un pezzo inedito ispirandosi alla foto,
alla copertina. Ovviamente mi piaceva
anche l’idea di proseguire quel proficuo
sodalizio, anche se ribaltato in
questo caso, tra la fotografia e la
musica, come tra Mapplethorpe
e Patti Smith (o altri centinaia
di casi), in cui opere fotografiche
sono diventate copertine storiche.
Accostare immagini e fotografie
è diventata pratica comune
con le copertine, ma farlo a partire
dalla foto è quasi inedito.
Pensi di aver messo in difficoltà
i musicisti che hai coinvolto?
Sicuramente è stata una bella
sfida per loro, perché non ho
voluto, tra le immagine scelte,
neppure dare loro una foto che
potesse calzare completamente o essere
l’esatto contrario della loro essenza.
Sono stato neutro e quasi del tutto
casuale nell’affidargli le immagini che
avevo scelto. Qualcuno si è trovato subito
a suo agio ed è stato coerente con
il proprio suono, altri dopo una prima
difficoltà hanno creato cose nuove rispetto
al loro stile. Qualcuno mi ha confessato
di essere stato fino all’ultimo
in seria difficoltà perché sentiva lontanissima
l’immagine. Difficoltà di alcuni
a parte, comunque, sono venute fuori
10 tracce secondo me molto belle, tutte
interessanti e in alcuni casi davvero
sperimentali. Credo, per farti un esempio,
che una delle più complesse da musicare,
fosse l’immagine della lapide di
Pier Paolo Pasolini; c’era poco margine
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di inventiva, l’immagine era molto didascalica,
eppure Xabier Iriondo e Roberto
Bertacchini (the shipwreck bag
show), utilizzando citazioni degli Scritti
Corsari, hanno composto una “poesia
elettrica” potente.
Quando hai ascoltato le musiche “derivate”
dalle tue immagini hai avuto
molte sorprese oppure tutto sommato
ti aspettavi questo tipo di risultati?
In un certo senso mi hanno sorpreso
tutti. Chi è rimasto molto fedele
al proprio genere, come per esempio
i Melampus o Giungla, ha composto
delle tracce bellissime e a mio parere
completamente in sintonia con le mie
opere. Altri, come Stromboli e Bologna
Violenta hanno praticamente composto
una colonna sonora che potrebbe a sua
volta continuare la storia di quelle foto.
Ma c’è anche chi mi ha spiazzato, come
Stefano Pilia che ha tirato fuori un
pezzo minimale ma intensissimo, solo
al piano. Ma tutti, proprio tutti sono
stati una sorpresa, quando ho ascoltato
le canzoni per la prima volta ero
emozionato come un bambino e non ci
ho messo nulla a innamorarmi di quei
suoni. Ci sono dei pezzi che rimangono
totalmente in testa e la cosa incredibile
è che messi insieme - e fare la scaletta
non è stato facilissimo - sono un bel
disco, con sonorità molto differenti ma
con un filo sottile che li lega fino alla
fine.
Avevi già un rapporto con gli artisti
che hanno lavorato al progetto? In che
modo avete interagito?
Si, con quasi tutti. Alcuni sono amici
di vecchia data, altri lo sono diventati.
Di tutti sono fan, quello è certo, e nutro
una grande stima per quello che fanno.
Qualcuno l’ho conosciuto di persona
grazie al progetto, qualcuno l’ho conosciuto
meglio. La maggioranza dei musicisti
presenti fa parte della scena indie
(ma non solo) bolognese, ma anche
italiana ed europea. C’è anche Jochen
Arbeit degli Einstürzende Neubauten
che definirei della scena internazionale,
ma non solo, penso agli His Clancyness
spesso in tour negli Usa o ai componenti
storici degli Starfuckers: Manuel
Giannini e Roberto Bertacchini (in questo
caso in due formazioni diverse)!
L’interazione è stata semplice, sono
stati subito entusiasti dell’idea, talvolta
con qualche perplessità, ma subito
collaborativi e incredibilmente, visti
anche
gli impegni
di
alcuni di
loro, velocissimi.
Sono
stato
fortunato.
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E oltre ai musicisti ho avuto anche la
fortuna di completare il tutto in modo
eccellente grazie alla collaborazione di
Riff Records per la produzione, Paolo
Masiero che ha creato una super grafica
per il disco e il catalogo, Federica
Patti per l’organizzazione della parte
espositiva del progetto, Antonio Grulli
e Vera Roveda per i testi e la comunicazione.
Pensi che questo sarà un “unicum” oppure
ritieni che potrai ripetere questa
esperienza in futuro?
Non lo so. Ten! ora sta comunque andando
avanti: sto cercando di portarlo
un po’ in giro. Oltre alla distribuzione
da parte di Goodfellas, io continuo
a cercare spazi e città dove portarlo,
come un tour. Dopo Milano, da Santeria,
ora, il 21 di aprile sarà a La Spezia
sia con la mostra che con un live
che vede una collaborazione inedita
tra Francesco Brasini e i Melampus, al
Frame Live Club. Poi si vedrà. La cosa
bella è proprio che alcuni degli artisti
che hanno partecipato a Ten! si sono
messi in contatto, stanno creando nuove
collaborazioni, e magari riescono a
suonare insieme. Qualcuno non si era
mai conosciuto e chissà che non nascano
nuovi gruppi, Questa è uno degli
aspetti più interessanti che sono successi
con il progetto. Magari potrebbe
essere la base per un ulteriore sviluppo
di Ten!. O magari per un nuovo disco...!
Non è facile ma chissà!
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