SIGN OFF DESIGN - SlideArt

SIGN OFF DESIGN 

a cura di 

Luca Beatrice


ARTISTI E DESIGNER SI CONFRONTANO: MOSTRA COLLETTIVA DI SCULTURE 

M. Acerbis, A. Agop, Andy, D. Basso, M. Cattaneo, H.P. Ditzler, J.C. Farhi, F. Giardini, 

A. Guerriero, F. Lucchini, A. Mendini, A. Mocika, E.S. Park, B. Pomodoro, K. Rashid, 

F. Rotella, M. Sadler, D. Santachiara, S. Soddu, G. Spagnulo. 

a cura di 

Luca Beatrice 

Editore SLIDEart


Secondo Norman Potter, “ogni essere umano è un designer”. Enzo Mari, invece, sostiene di essere diventato un bravo 

designer perché ha avuto una formazione d’artista: “non ho mai separato i miei due percorsi di ricerca, che si sono intrecciati 

e sovrapposti per tutta la vita. Il processo di elaborazione è identico”. 

Abbiamo scelto, quali esempi, due figure chiave nell’accezione del termine design nel Novecento. La nostra epoca ha 

moltiplicato le occasioni di oggetti transitori, in continua mutazione e divenire. Un processo cominciato negli anni Sessanta, 

da quando cioé ha preso il via una micro produzione di oggetti-sculture diffusi nel gusto e nello stile. Non solo funzione ma 

anche decorazione e segno grafico, espressioni di un’epoca. Sono cose che, pur nate per essere utilizzate, fanno parte di 

collezioni museali in tutto il mondo. 

Prima di allora i due ambiti, arte e produzione industriale, comunicavano ben poco e comunque non in maniera sistematica 

(si può prendere ad esempio la Bauhaus o il Futurismo). Da una parte le cosiddette “Fine Arts”, di impostazione accademica, 

dall’altra le “Arts & Crafts”, dette anche minori o applicate, troppo vicine all’estro e all’abilità artigianale per poter aspirare 

allo statuto di arte vera e propria. La svolta sta nella trasformazione dell’industria da pesante a leggera (settore in cui gli 

italiani sono stati precursori): siamo sempre negli anni Sessanta, è allora che l’arte perde definitivamente lo statuto di 

“unicum”, sia attraverso la serialità dell’immmagine pop, sia nella ripetizione minimalista. 

Oggetto moltiplicato e prodotto industriale delineano forme replicabili all’infinito in grado di determinare e influenzare un 

gusto contemporaneo. Il terreno sempre più ampliato dell’arte ha coinvolto e inglobato il design nelle nuove categorie 

espressive. Nel contatto tra questi due mondi si sono generati dialoghi interdisciplinari che tralasciano le identità originarie 

di ciascuno all’insegna della contaminazione e del meticciato. 

L’artista, come il designer, produce infatti particelle eterogenee di “domani” immaginati: entrambi creano oggetti, attivano 

processi, reclutano simboli e inventano “prodotti” che spesso anticipano il futuro. La difficoltà di ieri di metabolizzare le 

innovazioni all’interno della società, è oggi agevolata dal dinamismo di flussi e riflussi, di input infinti che sollecitano senza 

sosta ogni angolo del pianeta, raggiungendo l’elite come la massa. Senza più distinzioni di ordine comunicativo. 

Nell’azzeramento del concetto di “elitario” e di “unicità”, il multiplo, la serie, si aprono a generazioni di fruitori più adattabili 

ai cambiamenti. La novità è digerita in fretta. I supremi visionari di ieri devono fare i conti con i cannibali consumatori di oggi. 

La “fame di forme” è assunta dal neomecenatismo di brand e industrie per mescolare creazione artistica e funzionalità 

architettonica. La materia viva della combinazione tra arte visiva e altri linguaggi creativi sconfina dai propri limiti espressivi 

in una sorta di melting pot. Questo nuovo sistema, più fluido, investe anche il tema della commitenza. 

Dal mecenatismo al collezionismo, concepito come passione individuale, si giunge a un rapporto progettuale tra creativo e 

azienda, sempre più stretto e individuato a monte: artisti e designer studiano il posizionamento, interpretano un pensiero, 

collegano la proprietà implicita di un materiale per dargli forma e stile. La combinazione è da intendersi soprattutto nell’uso 

non conforme dei materiali, che simulano sensazioni tattili familiari alle maestranze scultoree (bronzo, legno, marmo, 

ceramica) pur derivando da nuovi ibridi poliuretanici, plastici e metallici (vetroresina e carbonio). L’oggetto design-scultura 

diventa allora la risposta al bisogno di forme: mai feticcio, è architettura ridotta e fluido, scomposizione iconografica, simbolo 

virtuale di un’elaborazione tridimensionale del pensiero creativo che ha preso consistenza. 

La sfida, molto interessante, proposta da SLIDEart (nuovo marchio di SLIDE) è quella di cercare “fuori dal design” (off design) 

i segni della trasformazione e dell’innovazione, quasi a voler sottolineare che quel desiderio di utopia e di sogno, folle e 

immaginifico, sta oltre le regole della produzione e si annida dove meno lo aspetti. 

Luca Beatrice


According to Norman Potter, “every human being is a designer”. Enzo Mari, on the other hand, claims to have become a 

good designer because of his artistic education: “I have never separated my two research paths, which have intertwined 

and overlapped all my life. The elaboration process is exactly the same”. 

We have selected as examples two key figures of the design, as conceived in the twentieth-century. Our age has greatly 

increased the possibility of fleeting objects, constantly changing and becoming. A process which started in the Seventies when 

a micro-production of sculpture-objects, popular in terms of taste and style, kicked off. Not merely function but also decoration 

and graphic sign, expressions of an age. These are things which, although created for a practical use, nowadays belong to 

museum collections spread all over the world. Until then, the communication between the two fields – art and industrial 

production – had been scarce and, in any case, not systematic (see for example the Bauhaus or the Futurism). 

On the one hand, the so-called “Fine Arts”, based on academic sensibilities, and on the other, the “Arts & Crafts”, also called 

minor or applied arts, which were deemed too close to the creative impulse and to the craftsmanship to aspire to the status 

of real art. The turning point came about when the heavy industry turned into light industry (a field in which the Italians were 

forerunners): we are still in the Seventies, it is then that art loses once and for all the status of “uniqueness”, both through 

the seriality of the pop image and the minimalist repetition. The multiplied object and the industrial product create shapes 

that can be reproduced over and over and thus determine and influence the contemporary taste. The ever-widening art field 

has involved and integrated the design in the new expressive categories. 

The connection of these two worlds gave raise to interdisciplinary dialogues, which disregard each original identity under the 

mark of contamination and crossbreeding. The artist, as the designer, indeed produces heterogeneous particles of imagined 

“tomorrows”: they both create objects, start processes, select logos and invent “products” which often anticipate the future. 

Yesterday’s difficulty in metabolizing innovations within the society is facilitated today by the dynamism of ebbs and flows, 

of infinite inputs incessantly stirring up any corner of the planet, reaching the elites as much as the masses. 

Without any more distinction in terms of communicative order. Once the concept of “elitism” and “uniqueness” is removed, 

the multiple, the series open up to generations of users more adaptable to changes. The novelty is quickly absorbed. 

Yesterday’s supreme visionaries must deal with today’s cannibals. The “hunger for shapes” is taken on by the new brand 

patronage and by the companies in order to mix artistic creation and architectonic functionality. 

The essence of the mix between visual art and other creative languages crosses its expressive limits and results in a sort of 

melting pot. This new and more fluent system also covers the client theme. From patronage to collecting, conceived as 

one’s personal passion, we come to an ever closer and previously detected design relationship between the creative mind 

and the company: artists and designers study the positioning, interpret a thought, connect the implicit property of a material 

to give it shape and style. The mix must be conceived mostly in the atypical use of materials, which simulate tactile 

sensations familiar with the sculptural craftsmanship (bronze, wood, marble, ceramic), even though they come from new 

polyurethane, plastic and metallic hybrids (fiberglass and carbon). The sculpture-design object then satisfies the need for 

shapes: never a fetish, reduced architecture, smooth, iconographic division, virtual symbol of a tridimensional elaboration of 

a creative thought which has gained consistency. 

The quite interesting challenge, suggested by SLIDEart (the new brand by SLIDE) is to look “off design” for the signs of 

transformation and innovation, as if wanting to underline that the mad and highly imaginative desire for utopia and dream 

lies outside the production rules and is to be found where you least expect it. 

Luca Beatrice

Caratteristiche del progetto 

Nell’attuale interazione tra Arte, Design e Moda, all’interno dell’articolato mondo SLIDE trova spazio SLIDEart: un editore 

d’arte nuovo per pensiero e posizionamento, che nasce nel contesto industriale e si sviluppa nel mondo dell’Arte. 

Avvalendosi del network di partners che fanno parte del mondo SLIDE, SLIDEart ha l’opportunità di presentare in tutto il 

mondo e nelle sedi più prestigiose la sua nuova collezione, sfruttando le capacità, la struttura operativa e logistica che hanno 

permesso a SLIDE di diventare una delle più affermate società operanti nel settore del Design. 

Filosofia SLIDEart 

Designer e Artisti esplorano insieme le potenzialità della materia plastica e delle resine, supportati dall’esperienza, dalle 

conoscenze e dalle competenze maturate concretamente da SLIDE. Il Pensiero e la Creatività incontrano il “Saper Fare 

Italiano” in un nuovo concetto d’arte. Progetto, immaginazione, comunicazione, materia e contemporaneità incontrano la 

progettazione 3D, la tecnologia, gli strumenti ed il coraggio imprenditoriale, prendendo forma e animando il mondo SLIDE 

nell’Arte. Le sculture sono realizzate con materiali diversi in base alle caratteristiche dell’opera (polistirene, legno, vetroresina 

e materiali compositi) e saranno prodotte in serie limitata, pezzi certificati e numerati (9 copie per soggetto). 

Contenuto distintivo 

SLIDEart si propone come galleria d’Arte itinerante che promuove i propri artisti nei diversi eventi e nelle più importanti 

location d’Arte nel mondo. Le opere saranno trasportate in giro per il mondo per raggiungere amanti e collezionisti d’arte 

grazie ad un container, contenitore contemporaneo d’arte nomade. Per la prima volta Designers ed Artisti vengono 

presentati insieme rendendo ancor più labile il confine tra Arte e Design. Il progetto SLIDEart vuole sottolineare una nuova 

regola creativa con opere di matrice artistica facilmente fruibili dal “consumatore” che vive nella città globalizzata attuale e 

che si avvale della tecnologia come elemento essenziale della quotidianità. L’arte e il design come interpretazione della realtà 

e non solo come imitazione individuale della stessa. 

Finalità 

Costruire e comunicare un posizionamento del marchio SLIDE nel campo dell’Arte applicata anche sotto un profilo 

culturale e di contenuto, arricchendo di messaggi e di valori il mondo SLIDE. 

Acquisire esperienza e problem solving con la materia plastica e con il progetto, sperimentando nuovi modi di operare. 

Fare ricerca e proporre innovazioni estetiche (forme, colori e finiture distintive), produttive e tecniche da poter anche 

declinare nella produzione seriale di design. 

Introdurre nel mondo dell’Arte una nuova metodologia di fare business in modo alternativo, in un settore differente 

rispetto all’attuale core businness di SLIDE. 

Implementare le valenze SLIDE nel mercato e far crescere il marchio SLIDE in nuovi settori.

Project characteristics 

The current interaction between Art, Design and Fashion, within the elaborate SLIDE world, has prompted the creation of 

SLIDEart project: an art publisher, innovative in terms of thinking and positioning, born in the industrial context and 

developing inside the Art world. Relying on the network of partners belonging to the SLIDE world, SLIDEart seizes the 

opportunity to present its new collection all over the world and in the most prestigious venues, exploiting the skills, the 

operating and logistic structure which allowed SLIDE to become one of the most established design companies. 

SLIDEart philosophy 

Designers and artists explore together the potentialities of resins and plastic materials, supported by the experience, the 

contacts and the expertise developed by SLIDE in the field. The thinking and the creativity meet the “Italian know-how” in a 

new art concept. Project, imagination, communication, material and contemporaneity meet the 3D design, the technology, 

the tools and the entrepreneurship, developing and driving the SLIDE world within art. The sculptures are created with 

different materials based on the characteristics of the work (polystyrene, wood, fiberglass and composite materials) and will 

be produced in a limited series, with certified and numbered pieces (9 copies per model). 

Distinguishing feature 

SLIDEart presents itself as a travelling art gallery, promoting its artists in the different and most important international art 

events and venues. The works will be taken all over the world to reach art lovers and collectors thanks to a container, such 

a contemporary container of nomadic art. For the first time, designers and artists will be presented together thus blurring 

even more the boundary between Art and Design. The SLIDEart project aims at highlighting a new creative rule with 

art-based works easily usable by the “consumer”, who lives in today’s globalized city and resorts to technology as an 

essential element of everyday life. Art and design interpret reality; they don’t just individually imitate it. 

Goals 

Build and communicate the positioning of the SLIDE brand within the field of applied art, also in terms of cultural and 

content inputs, by enriching the SLIDE world with messages and values. 

Develop experience and problem solving with the resin and plastic materials and with the project, experimenting new 

operating processes. 

Research and suggest aesthetic, productive and technical innovations (shapes, colors and distinguishing finishes), 

which could also be applied to the design serial production. 

Introduce into the art world a new and alternative way of doing business, in a different field with respect to the SLIDE 

core business. 

Implement the SLIDE values on the market and promote the SLIDE brand in new fields.

DUBAI DREAM 

ARTIST / Marco Acerbis

Dimensioni / Dimensions 

80 x 80 cm - h 200 cm 

Informazioni tecniche / Technical info 

Tecnica mista: polistirene, resina, finitura laccata. 

Base metallica. 

Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered 

finish. Metallic base. 

Descrizione / Description 

Oggi tutte le città in forte sviluppo costruiscono 

grattacieli sempre più alti. Questa scultura, 

ispirata alle bolle di vapore acqueo che elegantemente 

si sollevano nell'aria e alle molecole che 

costituiscono ogni cosa in natura, vuole essere 

un momento di riflessione sul fatto che ci debba 

sempre essere un equilibrio tra ciò che l'uomo è 

in grado di fare e ciò che la natura ha piacere di 

accettare. Essendo l'uomo parte della natura... 

o non più? 

Today's greatest cities are developing taller and 

taller high rise buildings. This sculpture, inspired 

by hot vapor bubbles elegantly lifting into the air 

and molecules that are the key components of 

everything in nature, shall be a reminder that 

there is always a balance between what man is 

capable of doing and what nature is willing to 

accept. Man being part of nature...or not anymore? 

DUBAI DREAM 

Marco Acerbis 

Biografia / Biography 

Marco Acerbis nasce nel 1973 e completa gli studi in architettura 

presso il Politecnico di Milano nel 1998. Dal 1997 al 2004 vive e 

lavora a Londra dove collabora con lo studio Foster+Partners. Nel 

2004 apre il proprio studio di architettura e design in Italia. 

Affascinato dalla progettazione senza limiti di scala procede 

rapidamente esplorando con un costante crossover di 

competenze, intuizioni e tecnologie innumerevoli temi, con 

l’obiettivo di creare uno spazio a progetto globale. 

Born in 1973 Marco Acerbis graduates in architecture from 

Politecnico di Milano in 1998. From 1997 to 2004 he lives in 

London where he works with Foster+Partners studio. He sets up 

his own practice in Italy in 2004. Fascinated by designing at very 

different scales he quickly moves on to explore with a constant 

cross over of skills, ideas, tools and technologies all sorts of 

subjects trying to achieve a globally designed space. 

© P. ORLER

SUFIC 21 

ARTIST / Armen Agop


diam. 160 cm, h 110 cm 



Base in polietilene. 


finish. Poliethylene base. 


Le sculture della serie Sufi di Armen Agop esprimono 

uno stato di quiete profonda ma eloquente. 

Semplicemente restrittive per natura, si riferiscono 

espressamente allo spazio, ma non in maniera 

impulsiva. L’energia vitale interna è unita e compatta 

e si espande verso l'orizzonte, mentre una 

semplice linea entra in contatto con il mondo 

esterno. Uno spirito Sufi unisce e intensifica l'energia 

che culmina nella sua essenza. 

The forms in the Sufi series by Armen Agop exemplify 

a profound stillness – yet express eloquently. 

Restrictive by nature, they relate to the space 

specifically but not impulsively. Vital internal energy 

is unified and compact, it expands toward the 

horizon while a simple line contacts the outside 

world. A Sufi spirit unites and intensifies the energy, 

culminating into its essence. 

SUFIC 21 

Armen Agop 


Armen Agop è nato a Il Cairo, in Egitto. L’artista ha ottenuto il pieno 

riconoscimento in tutto l’Egitto, partecipando a molte mostre ed ha 

ricevuto diversi premi dal Museo Egiziano d’Arte Moderna. Il suo 

riconoscimento a livello nazionale è stato confermato con 

l’assegnazione del premio “Prix de Rome” nel 2000. Dopo essersi 

trasferito in Italia, ha partecipato a livello internazionale con la 

mostra "Diari Di Lavoro Di Artisti Stranieri A Roma" presso la 

Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma. Ha esposto le sue 

opere presso l’Arte Egiziana Contemporanea a Toledo in Spagna, 

nella Veksolund Galleria in Danimarca, alla XI Biennale Internazione 

d’Arte del Cairo e alla Villa Empain, sede della Fondazione 

Boghossian in Belgio. Le sue mostre personali più recenti si sono 

tenute presso la Galleria LKFF Art & Sculpture Projects e la Galleria 

Al Markhiya in Qatar. Recentemente ha ricevuto il Premio Umberto 

Mastroianni 2010. 

Armen Agop was born in Cairo, Egypt. Gaining in recognition 

throughout Egypt, Agop participated in many diverse shows and 

had several acquisitions from the Egyptian Modern Art Museum. In 

2000, his national recognition was confirmed upon receiving the 

Prix de Rome. After moving to Italy, he began to participate internationally 

with the show, “Diari Di Lavoro Di Artisti Stranieri A Roma” 

in the National Gallery of Modern Art. His exhibitions include Egyptian 

Contemporary Art in Toledo, Spain, Veksolund Gallery in 

Denmark, the 11th International Cairo Biennale, and Villa 

Empain/Boghossian Foundation in Belgium. His most recent solo 

exhibitions occurred in LKFF Art & Sculpture Projects in Brussels 

and AL Markhiya Gallery in Qatar. His latest achievement was in 

receiving the Umberto Mastroianni Prize 2010.

FLU-ON EYE 

ARTIST / Andy


175 x 45 cm - h 150 cm 





finish. Poliethylene base. 


La scultura di Andy rappresenta il logo del laboratorio 

Flu-on, centro operativo di tutte le sue attività 

artistiche. Un occhio aperto, colorato con i toni dei 

suoi dipinti, sinonimo di curiosità e accensione. 

L'occhio pronto a vedere fotografare e rielaborare. 

Andy's sculpture represents the logo of an art 

laboratory: Flu-on, operational hub of all his artistic 

works. An open eye, tinted in the same shades of 

his paintings as a symbol of curiosity and lighting. 

An eye that's ready to see, capture, elaborate. 

FLU-ON EYE 

Andy 


Andy nasce a Monza nel 1971. Da sempre attratto dalle arti visive, 

si forma presso l’Istituto d’Arte di Monza e l’Accademia delle Arti 

Applicate di Milano specializzandosi in illustrazione e grafica 

pubblicitaria. Consolida il suo forte codice pittorico applicandolo 

non solo alle tele, ma anche alla decorazione di oggetti di design, 

stoffe, strumenti musicali… sviluppando così una carriera di ampio 

respiro internazionale attraverso l’esposizione delle sue opere in 

mostre personali e collettive, valendogli collaborazioni con grandi 

marchi quali Coveri, Carlsberg, Iceberg, RedBull, FIAT, Nodis, Too 

Late, UKI e Valtur. Andy è fondatore di FluOn, suo quartier generale 

e nucleo creativo, che riassume nel nome una filosofia di arte e di 

vita: “FLU” come la fluorescenza, ma anche l’inFLUenza, entrambe 

da emettere e ricevere in flusso continuo e in un costante mode 

“ON”: acceso. Vive e lavora a Monza. 

Andy was born in Monza, Italy in 1971. A brilliant art student all 

through high school, he receives his formal training at “Accademia 

delle Arti Applicate”, specializing in illustration and graphic 

designing. He strengthens his vivid painting code throughout the 

years and applies it on design objects, fabrics, musical 

instruments… beside canvas, developing a widely international 

career through the exposition of his work in individual and group art 

exhibitions that lead him to work for brands such as Coveri, 

Carlsberg, Iceberg, RedBull, FIAT, Nodis, Too Late, UKI and Valtur. 

Andy also founded FluOn: his headquarters and creative nucleus. 

FluOn holds in its name Andy’s way of life and through creation: 

“FLU” as in FLUorescence, but also as in inFLUence: two 

elements to both spread out and receive in a non-stop flow and 

constant “ON” mode. He lives and works in Monza, Italy. 

© D. CASTOLDI

KRYSTE 

ARTIST / Daniele Basso


90 x 63 cm - h 220 cm 


Tecnica mista: vetroresina laccata opaca e acciaio 

Ni/Cr finitura a specchio. 

Mixed techinique: fiberglass mat and steel Ni/Cr 

mirror finish. 


I cristalli sono il tramite tra divinità ed essenza 

dell’uomo, luce fattasi materia, raffigurano l’universo 

e ci guidano. Geologicamente e chimicamente puri 

e perfetti, sono preziosi: stupiscono ed affascinano. 

Kryste è la mia Pietra Guida. Spigolosa, 

apparentemente inattaccabile, ma plasmata dalle 

esperienze, protegge e custodisce come uno 

scrigno ciò che di più prezioso e luminoso abbiamo 

in vita: la nostra anima. Ed attraverso lo specchio 

entriamo in contatto con noi stessi. 

Crystals are the go-between of gods and the 

essence of man. As light turned matter, they 

represent the universe and guide us. Geologically 

and chemically pure and perfect, they are precious. 

They amaze and fascinate. Kryste is my Guiding 

Stone. Sharp-cornered and apparently all-resistant, 

experiences work on it that contains the most 

precious and shiny thing we have in life: our soul. 

An through the mirror, we get in contact with 

ourselves. 

KRYSTE 

Daniele Basso 


Laureato in “Economia” (Italia e USA), in “Industrial Design” (tesi 

“Centro Stile Lancia” c/o “Carrousel du Louvre” Parigi), Master in 

Comunicazione, lavora a Parigi e NY per Versace, a Milano per 

BGS D’Arcy-Publicis e con “Advanced Design Fiat”. Nel 2006 

fonda “GlocalDesign” (Think Global, Act Local). Nel 2007 tra i 

"Migliori 100 architetti d'Italia" progetta alla 64° Mostra del cinema 

di Venezia. Nel 2009 lancia le collezioni di Specchi GlocalDesign 

(Acciaio 100% riciclabile) in mostra a NY, Torino, Milano e Napoli. 

Nel 2010 “tra i primi a intuire le interazioni tra Design e Moda” 

(CorSera) “espressione della tendenza Locale-Globale” 

(LaRepubblica), realizza le opere “Universo Dentro”, “Il Muro siamo 

Noi” e le esclusive Mirrors Coillection Molteni&C, SanPatrignano e 

Found. F. Fellini. Nel 2011 progetta per “Lumen Center Italia”, con 

Swarovski Elements e partecipa al progetto “SlideArt”. 

A B.A. (Italy & USA) & Ind. Design graduate (thesis "Centro Stile 

Lancia" at Carrousel du Louvre, Paris); Comm. Master. Works in 

Paris & NY for Versace, in Milan for BGS D’Arcy-Publicis & Advanced 

Design Fiat. In 2006 founds "GlocalDesign" (Think Global, Act 

Local); in 2007 makes the installation at the 64th Venice Film 

Festival; is among the 100 Best Architects in Italy. In 2009 launches 

the GlocalDesign mirror collections (100% recyclable steel) shown 

in NY, Turin, Milan and Naples. In 2010 is “one of the first to grasp 

Design/Fashion interactions” (CorSera) and “expressing new 

local/global trends of Design” (La Repubblica). Makes the works 

“Universo Dentro”, "We Are the Wall" and the exclusive Mirror 

Collections Molteni&C, SanPatrignano and Found. F. Fellini. In 

2011 designs for “Lumen Center Italia”; joins the “SlideArt” project. 

© S. CERETTI

MILANO 

ARTIST / Marilù Cattaneo


120 x 115 cm - h 80 cm 



Mixed technique: polystyrene, resin, lacquered finish. 


Il rapporto tra arte e cibo è la cifra dellópera. La 

"michetta" a Milano è segno della capacità 

dellúomo di procurarsi il cibo. Mi guadagno la 

michetta, si dice. In questo caso, trattandosi di 

opera dárte, la michetta assume il significato di 

cibo spirituale. Ossia, guadagnarsi la possibilità di 

vivere non di solo pane, ma anche di nutrimento 

dellánima di cui lárte è uno dei principali elementi e 

strumenti. 

The relationship between art and food is the key to 

this work. The “michetta” in Milan is a sign of the 

human ability to procure food. I earn my daily 

bread, we say. In this case, since we are talking 

about an art piece, the “michetta” assumes the 

meaning of spiritual food. That is to say, earning the 

possibility of living not only by bread alone, but also 

by soul nourishment of which art is a primary 

element and instrument. 

MILANO 

Marilù Cattaneo 


Marilù Cattaneo nasce a Monza. Dallétà di quattro anni e fino a 

quindici anni ha seguito il nonno materno (lárchitetto Maggi, 

docente allÁccademia di Brera) nel suo studio di pittore. Da quella 

lontana esperienza, oltre che dal diploma in grafica, deriva la sua 

conoscenza delle tecniche e dei materiali pittorici di cui si rivela 

maestra. Dopo una lunga esperienza nella creazione di gioielli, oggi 

si dedica completamente alla pittura e alla scultura. Rielabora con 

i suoi lavori i luoghi della memoria avversando gli stilemi dellárte 

contemporanea con lo stesso candore di quando a quattro anni 

incominciò l´"accademia". Non a caso usa come base per i suoi 

disegni e pitture stoffe morbide al tatto, talvolta con inserimenti di 

tappezzerie quali materiali dáffezione e di memoria. I suoi "rifugi" 

sono frutto di una purezza lirica, silenziosa e sospesa nel tempo e 

quindi fuori dal tempo e dal dolore della vita quotidiana. 

Marilù Cattaneo was born in Monza. From the age of four and until 

the age of fifteen, she followed her maternal grand-father (the 

architect Maggi, professor at the Academy of fine Arts of Brera) in 

his painting studies. From that distant experience, in addition to her 

graphics diploma, she drew her knowledge of pictorial techniques 

and materials, which she has mastered. After a long experience in 

creating jewellery, today she devotes her time to painting and 

sculpture. With her works, she revisits the places of memory, 

refusing contemporary art styles with the same naivety she used 

when she was four and started the “academy”. No wonder that as 

a base for her drawings and paintings, she uses fabric smooth to 

the touch, and sometimes she inserts tapestry as a material of 

memory and affection. Her “shelters”, are the results of lyric purity, 

silent and suspended in time, therefore above the threshold of time 

and pain of our daily lives.

RE SOLITARIO 

ARTIST / Hans Peter Ditzler


115 X 120 cm - h 180 cm 





Re Solitario è una delle prime figure della serie 

“manifestazioni archetipiche e mitologiche”. 

Re Solitario is one of the first figures of the serie 

“archetypical and mythological manifestations”. 

RE SOLITARIO 

Hans Peter Ditzler 


Svizzero di nascita, scopre la sua passione per l'arte già nell'infanzia. 

Formatosi come grafico presso lo studio di Donald Brun a 

Basilea, si dedica alla pittura e alla scultura alla Gewerbeschule 

Basel. Nel 1965 si trasferisce in Toscana dove conosce grandi 

maestri come Giò Pomodoro, Moore, Cascella e Noguchi. 

L'approvazione e la stima del gruppo Henraux, insieme all'invito 

alla Biennale di Venezia, gli danno un grande incoraggiamento: 

nascono così numerosi lavori nel suo primo atelier a Seravezza. 

Tornato in Svizzera (1967), inizia un intenso lavoro come grafico alla 

GGK sotto la direzione di Karl Gerstner. Stanco delle strategie della 

pubblicità, sceglie di dedicarsi alla ricerca nel campo della pedagogia, 

della psicologia e dell’animazione pubblica, sviluppando nuovi 

mezzi didattici per l’età scolare ottenendo tanti successi. Nel 1990 

riprende la strada per l'Italia per dedicare la sua arte al grande 

pubblico. 

Born in Switzerland, as a child he discovers his passion for art. 

After training as a graphic designer in the Donald Brun studio in 

Basel, he devotes himself to painting and sculpture in the Gewerbeschule 

Basel. In 1965, he moves to Tuscany where he meets 

the great maestros of the art world such as Giò Pomodoro, Moore, 

Cascella and Noguchi. He is greatly encouraged by the appreciation 

and esteem by the Henraux group and by the Venice Biennale 

invitation: this gives raise to several works created in his first atelier 

in Seravezza.Back in Switzerland (1967), he begins to work hard as 

a graphic designer at GGK under Karl Gerstner’ direction. Tired of 

the advertising strategies, he decides to devote himself to the 

research in the pedagogy, psychology and public animation fields, 

developing new teaching methods for children which are met with 

great success. In 1990 he moves back to Italy twhere he devote 

his art to a wider audience.

CARRÉ ³ 

ARTIST / Jean-Claude Farhi


270 x 185 cm - h 200 cm 





La forza e la purezza delle geometrie variabili delle 

sculture di Farhi risaltano con umorismo nell'equilibrio 

perfetto dei “3” quadrati che si abbracciano e 

succedono come la vita. La prosettiva cambia ma 

resta aperta da ogni angolo dell'opera, lasciando 

intuire che ogni impercettibile movimento da nostra 

parte comporta consequenze inevitabili della 

visione globale “seppur immobile il paesaggio”, 

“Homo faber fortuna suae”, il destino ci appartiene, 

ogni invisibile passo muta il futuro presente. 

The strength and the purity of the variable geometrics 

of Farhi’s sculptures stand out with wit in the 

perfect equilibrium of the “3” squares embracing 

and following one another as inextricably as life 

itself. The perspective changes but it remains open 

from any corner of the work, suggesting that every 

imperceptible movement on our side implies 

inevitable consequences of the global vision; “even 

if the panorama is still”, “Homo faber fortunae 

suae”, fate is in our own hands and every invisible 

step inevitably changes the present future. 

CARRÉ ³ 

Jean-Claude Farhi 


Jean Claude FARHI è nato a Parigi nel 1940. Nel corso della 

sua carriera, lo scultore ha usato diversi tipi di materiali per le 

sue opere. La notorietà arriva negli anni Sessanta con i lavori in 

plexiglass, tra cui le opere realizzate con Roy Lichtenstein, 

Cesar e Arman. Sua è anche la più alta scultura in plexiglass 

mai realizzata al mondo: l’opera è alta 34 metri. A partire dagli 

anni Novanta, lo scultore incomincia a usare il metallo laccato 

e in seguito l’acciaio grezzo. Oggi continua a creare le sue 

monumentali serie di sculture metalliche, mantenendo intatto il 

suo stile distintivo caratterizzato da forme geometriche variabili. 

Le sue opere fanno parte di importanti collezioni, sia private 

che istituzionali, disseminate per il mondo. Tra le opere pubbliche 

ricordiamo quelle installate a Pechino, Palm Spring, Budapest, 

Cannes, Nizza, Anversa, Saint Paul de Vence. 

Jean Claude FARHI was born in february 1940 in Paris. The 

sculptor has managed to use various types of material for his 

sculptures throughout his career. He became famous in the 

1960’s for his works in Plexiglass including works with Roy 

Lichtenstein, Cesar and Arman. He also realized the tallest 

plexiglass sculpture in the world, the piece measures 34 

meters high. From the 1990’s he started using lacquered metal 

and later crude steel. Today, he continues his creation of 

monumental series of metal sculptures, keeping his unique 

style characterized by variable geometric forms. His works are 

part of major private and institutional collection around the 

world. Public orders were installed in: Beijing, Palm Spring, 

Budapest, Cannes,Nice, Antwerpen, Saint Paul Vence. 

© F. LECLERC

PEARL HUNTER 

ARTIST / Ferdi Giardini


190 x 170 cm - h 110 cm 


Tecnica mista: metacrilato, finitura laccata specchio. 


Mixed technique: methacrylate, lacquered mirror. 

Poliethylene base. 


Ricetta: “scaldare una lastra di metacrilato a 220 

gradi, aspettare 5 minuti, quando è diventata 

tenera, morbida come una coperta di cashmere, 

prenderla con guanti termici e adagiarla su uno 

stampo precedentemente costruito a forma di 

cono rovesciato, attendere che si raffreddi e smussare 

i bordi con la levigatrice. Farla cromare dal lato 

interno e poi proteggerla con vernice colorata, 

adagirla sulla sfera luminosa di SLIDE e otteremo 

Pearl Hunter...Servire in spazi grandi”. 

Recipe: “Heat up to 220 degrees a methacrylate 

plate, wait 5 minutes and when it becomes tender, 

as soft as a cashmere blanket, use the thermal 

gloves to place it on a stamp, previously built in the 

shape of a reversed cone, wait until it cools down 

and smooth the edges with a lapping machine. 

Chromium-plate it on the inside and then shield it 

with colored paint, place it on the SLIDE light 

sphere and here you have Pearl Hunter…To be 

served in wide spaces”. 

PEARL HUNTER 

Ferdi Giardini 


Ferdi Giardini, nasce a Torino nel 1959, dove vive e lavora. Si 

diploma all’Accademia di Belle Arti di Torino nel corso di Scenografia. 

Inizia ad esporre nel 1986 con una personale presso la galleria: 

Franz Paludetto di Torino. Continua la sua attività artistica, con 

mostre personali e collettive, sia in Italia che all’estero. Nel 1996 

partecipa alla quadriennale di Roma. Nel 1998 partecipa alla I° 

biennale Parchi e Natura di Roma. Nel 2006 partecipa alla Biennale 

dei Tori e dei Leoni. Dal 2005 ha la cattedra di Laboratorio Materiali 

e Modelli II, presso il Politecnico di Architettura Disegno Industriale 

Torino. Dal 1996 si occupa di design, e collabora con le aziende di 

illuminazione: Luce Plan, Oluce, Ilti Luce, Antonangeli; le sue 

invenzioni per queste aziende, sono prodotte e vendute in tutto il 

mondo. 

Ferdi Giardini was born in 1959 in Turin, where he still lives and 

works. He graduates in set design at Turin’s Academy of Art. In 

1986 he begins to display his work with a solo exhibition at the 

gallery Franz Paludetto in Turin. He carries on his artistic career with 

solo and joint exhibitions, both in Italy and abroad. In 1996 he 

attends Rome Quadriennale and in 1998 Rome Ist Parchi e Natura 

Biennale. In 2006 he attends the Biennale dei Tori e dei Leoni. 

Since 2005, he holds the chair of Material and Model Workshop II 

within Architecture and Industrial Design Polytechnic University of 

Turin . Since 1996 he works in the design field and with lighting 

companies: Luce Plan, Oluce, Ilti Luce, Antonangeli. The creations 

designed for these companies are produced and sold all over the 

world.

DAL 150° 

ARTIST / Alessandro Guerriero


diam. 190 cm 





Questo "grande oggetto", questa pseudo-scultura 

è pensata non in funzione del suo uso, ma come 

esempio adatto a indicare un possibile modo di 

addentrarsi verso una nuova problematica estetica 

di un futuro prossimo. La sua visione globale avrà 

senso solo quando anche i più piccoli elementi 

esprimeranno la loro identità. 

This “big object”, this pseudo-sculpture is designed 

not in terms of its function, but as a suitable 

example for pointing out a possible way to penetrate 

a new aesthetic issue for the near future. Its 

global vision will make sense only when also the 

smallest elements will express their identity. 

DAL 150° 

Alessandro Guerriero 


Alessandro Guerriero è uno a cui piace cambiare le regole. Lo fa da 

oltre trent’anni. Almeno da quando, nel 1976, fondò Alchimia, il 

gruppo di designer che diedero faccia e idee alla post-avanguardia 

italiana. Se c’è da far saltare uno schema, piegare la realtà o 

soltanto colorare un pensiero, Guerriero non si tira mai indietro. 

Parla con un vocabolario tutto suo, in cui l’aggettivo da mettere di 

fianco alla parola “Design” è “Romantico”. I lavori di Guerriero sono 

ovunque – dal Museo d’Arte Moderna di Tokyo, al Metropolitan 

Museum di New York ma il suo sguardo caleidoscopico si è 

posato anche sugli spazi meno ortodossi per l’architettura e il 

design. Alessandro Guerriero è oggi docente al Politecnico di 

Milano e presidente della Naba, la Nuova Accademia di Belle Arti di 

Milano. Per Absolut World ha disegnato il muro alle Colonne di San 

Lorenzo e per non lasciare in pace nessuno ha lanciato il Compasso 

di Latta qualche ora fa… 

Alessandro Guerriero likes to change the rules. He has been doing 

it for over thirty years, almost since 1976 when he founded 

Alchimia, the group of designers who put their faces and ideas into 

the Italian post-avant-garde. If there is a convention to break, a 

reality to bend or only a thought to be colored, Guerriero never 

backs off. He speaks with his own vocabulary, in which “Romantic” 

is the adjective to be placed beside the word “Design”. Guerriero’s 

works are everywhere – from Tokyo’s Modern Art Museum to New 

York’s Metropolitan Museum – but his kaleidoscopic gaze has 

landed also on architecture and design’s less orthodox spaces. 

Today Alessandro Guerriero teaches at Milan’s Polytechnic University 

and is the President of Naba, Milan’s New Academy of Fine 

Arts. For Absolut World he designed the wall at the Colonne di San 

Lorenzo and just not to leave anyone in peace he launched the 

‘Compasso di Latta’ competition a few hours ago… 

© A. GILI

GHOST 

ARTIST / Flavio Lucchini


140 x 70 cm - h 250 cm 


Tecnica mista: resina, finitura laccata. 

Mixed technique: resin, lacquered finish. 


Togliere l’effimero alla moda, coglierne l’essenza, 

esaltarne il mistero che la rende capace di trasformare 

e divinizzare la donna è la mission di Flavio 

Lucchini, che utilizza perfezione formale, eleganza 

e ironia – “tra Canova e Jeff Koons”- quale che sia 

il “media” prescelto (acciaio, resina, gesso, tela, 

polistirene, carta). La scultura in resina madreperlata, 

della serie Ghost, è il racconto di un abito, 

meglio una tuta da sera, che resta nella memoria, 

traccia imperitura del corpo che l’ha indossato. 

Pull the ephemeral off fashion, pick its essence, 

enhance the mystery that enables it to transform 

and deify woman is the mission of Flavio Lucchini, 

who uses formal perfection, elegance and irony- 

“between Canova and Jeff Koons”- no matter the 

means he used (steel, resin, chalk, canvas, polystyrene, 

paper). The frosted resin sculpture, from 

Ghost series, is a dress story, better if an evening 

overalls, that remains in memory, imperishable 

trace of the body that wore it. 

GHOST 

Flavio Lucchini 


Flavio Lucchini nasce a Mantova, studia Architettura a Venezia e 

Arte all’Accademia di Brera di Milano. Fin da giovanissimo si mette 

in mostra per l’audacia e la modernità del suo lavoro grafico. 

Trasferitosi a Milano, crea e porta al successo le più importanti 

riviste di moda Italiane (da Fantasia a Amica, Vogue, L’Uomo 

Vogue, Lei/Glamour, Donna, Moda ed altre), scopre i nuovi talenti 

della fotografia, della grafica, del giornalismo e tiene a battesimo 

sui suoi giornali tutti i più grandi stilisti. Per trent’anni è il più influente 

personaggio dell’editoria di moda italiana. Nel 1990 abbandona 

tutti i suoi incarichi per dedicarsi esclusivamente all’arte. Vive tra 

Milano, dove ha il suo atelier di scultura, e Parigi, nella home-gallery 

di Saint Germain. 

Born in Mantua, Flavio Lucchini studied architecture in Venice and 

art at the Brera Academy in Milan. From an early age, he drew 

attention to himself thanks to the boldness and freshness of his 

graphic work. After moving to Milan, he successfully launched the 

most important Italian fashion magazines (Fantasia, Amica, Vogue, 

L’Uomo Vogue, Lei/Glamour, Donna, Moda among others), discovering 

the new creative minds of photography, graphic design and 

journalism and nurturing on the pages of his magazines the most 

brilliant fashion designers. For thirty years, he has been the most 

influential figure in the Italian fashion publishing world. In 1990, he 

abandoned all his commitments to devote himself exclusively to 

art. He lives between Milan, where he has his sculpture atelier, and 

Paris, in his home-gallery in Saint-German.

HERE 

ARTIST / Alessandro Mendini


230 x 45 cm - h 220 cm 





Here & There. Queste due sculture presentano due 

segni astratti come fossero personaggi collocati in 

spazi metafisici. La loro presenza in un luogo vuole 

creare tensioni positive. 

Here & There. These two sculptures represent 

abstract signs, as if they were characters that 

populate metaphysical spaces. They are intended 

to bring positive energy to the atmosphere 

surrounding them. 

HERE 

Alessandro Mendini 


Alessandro Mendini, architetto è nato a Milano. Ha diretto le riviste 

"Casabella", "Modo" e "Domus". Realizza oggetti, mobili, ambienti, 

pitture, installazioni, architetture. Collabora con compagnie internazionali 

ed é consulente di varie industrie in Europa e nell'Estremo 

Oriente. E' membro onorario della Bezalel Academy of Arts and 

Design di Gerusalemme. Nel 1979 e nel 1981 gli è stato attribuito 

il Compasso d'oro per il design, è "Chevalier des Arts et des 

Lettres" in Francia, ha ricevuto l'onorificenza dell'Architectural 

League di New York e la Laurea Honoris Causa al Politecnico di 

Milano e all'École Normale Supérieure de Cachan in Francia. E' 

professore onorario alla Accademic Council of Guangzhou 

Academy of fine Arts in Cina. Il suo lavoro, teorico e scritto, oltre 

che progettuale, si sviluppa all'incrocio fra arte, design e architettura. 

Alessandro Mendini is an Italian architect, and was born in Milan. 

He has been editor-in-chief of the magazines Casabella, Modo and 

Domus. Alessandro Mendini makes design objects, furniture, 

interiors, paintings, installations and architecture. He produces 

work with international manufacturers, and is also a consultant for 

companies in Europe as well as the Far East. He is an honorary 

member of the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. 

In 1979 and 1981 he received the Compasso d’Oro for design. In 

France, he carries the title of “Chevalier des Arts et des Lettres”. He 

has received recognition from the Architectural League in New 

York, and an honorary doctorate degree from the Milan Polytechnic 

and the École Normale Supérieure de Cachan in France. 

Mendini is an honorary professor on the Academic Council at the 

Guangzhou Academy of Fine Arts in China. Alessandro Mendini’s 

theoretic and written work, along with his design work, finds its 

origin at the crossroads between art, design and architecture.

THERE 

ARTIST / Alessandro Mendini


220 x 45 cm - h 220 cm 





Here & There. Queste due sculture presentano due 

segni astratti come fossero personaggi collocati in 

spazi metafisici. La loro presenza in un luogo vuole 

creare tensioni positive. 

Here & There. These two sculptures represent 

abstract signs, as if they were characters that 

populate metaphysical spaces. They are intended 

to bring positive energy to the atmosphere 

surrounding them. 

THERE 

Alessandro Mendini 


Alessandro Mendini, architetto è nato a Milano. Ha diretto le riviste 

"Casabella", "Modo" e "Domus". Realizza oggetti, mobili, ambienti, 

pitture, installazioni, architetture. Collabora con compagnie internazionali 

ed é consulente di varie industrie in Europa e nell'Estremo 

Oriente. E' membro onorario della Bezalel Academy of Arts and 

Design di Gerusalemme. Nel 1979 e nel 1981 gli è stato attribuito 

il Compasso d'oro per il design, è "Chevalier des Arts et des 

Lettres" in Francia, ha ricevuto l'onorificenza dell'Architectural 

League di New York e la Laurea Honoris Causa al Politecnico di 

Milano e all'École Normale Supérieure de Cachan in Francia. E' 

professore onorario alla Accademic Council of Guangzhou 

Academy of fine Arts in Cina. Il suo lavoro, teorico e scritto, oltre 

che progettuale, si sviluppa all'incrocio fra arte, design e architettura. 

Alessandro Mendini is an Italian architect, and was born in Milan. 

He has been editor-in-chief of the magazines Casabella, Modo and 

Domus. Alessandro Mendini makes design objects, furniture, 

interiors, paintings, installations and architecture. He produces 

work with international manufacturers, and is also a consultant for 

companies in Europe as well as the Far East. He is an honorary 

member of the Bezalel Academy of Arts and Design in Jerusalem. 

In 1979 and 1981 he received the Compasso d’Oro for design. In 

France, he carries the title of “Chevalier des Arts et des Lettres”. He 

has received recognition from the Architectural League in New 

York, and an honorary doctorate degree from the Milan Polytechnic 

and the École Normale Supérieure de Cachan in France. 

Mendini is an honorary professor on the Academic Council at the 

Guangzhou Academy of Fine Arts in China. Alessandro Mendini’s 

theoretic and written work, along with his design work, finds its 

origin at the crossroads between art, design and architecture.

BACKPACK JACK 

ARTIST / Alex Mocika


70 x 60 cm - h 200 cm 





Un po sentinella, un po giramondo, immobile o in 

movimento non importa! 

Quello che conta davvero è cercare di tenere i 

piedi per terra e quando possibile...la testa tra le 

nuvole. 

Part sentinel, part globetrotter, standing stock-still 

or on the move, it doesn’t matter! 

What does really count is trying to keep your feet 

on the ground and whenever possible...your head 

in the clouds. 

BACKPACK JACK 

Alex Mocika 


Alex Mocika è nato a Bruxelles nel 1961. Si laurea in interior 

design alla Gerrit Rietveld Academie di Amsterdam nel 1988. 

Nello stesso anno si trasferisce a Milano e inizia a collaborare con 

lo studio di Alessandro e Francesco Mendini. 

Alex oggi è ancora associato dell'Atelier Mendini dove lavora 

come architetto e al tempo stesso continua a dipingere e a 

firmare progetti a suo nome. 

Alex Mocika was born in Brussels in 1961. He took his degree in 

interior design at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam in 

1988.The same year he began working in Milan at the design 

office of Alessandro and Francesco Mendini. 

He continues to be an active associate of Atelier Mendini all the 

while painting and designing pojects under his own name.

GENERAZIONE 

ARTIST / Eun-Sun Park


175 x 130 cm - h 165 cm 



Base metallica. 


Metallic base. 


Il mio lavoro rappresenta lo stato interiore degli 

uomini in astratto. I bicromi accostati evidenziano il 

contrasto fra la bellezza dell’ordine e l’instabilita’, la 

dualita’ degli esseri umani. Le superficie lisce 

manifestano l’amore, le fratture delle cavita’ l’odio e 

la tristezza. La semplicita’ delle forme quadrate e 

sferiche esprimono l’istinto genuino degli uomini. E 

la continua ripetizione manifesta l’espansione 

spaziale all’infinito come il sogno, la speranza, la 

volonta’ e il futuro. 

My work represent the men’s interior state in 

abstract terms. The dichromatic juxtaposition 

highlights the contrast between the beauty of order 

and the instability, the duality of human beings. The 

flat surfaces express the love, the cavity fractures, 

the hate and the sadness. The simplicity of the 

squared and spherical shapes express men’s 

genuine instinct. And the incessant repetition 

shows men’s endless spatial expansion as 

dreams, hope, will and future. 

GENERAZIONE 

Eun-Sun Park 


Park Eun-Sun è nato in Corea del Sud nel 1965 e ha conseguito la 

laurea in scultura presso il Dipartimento di Belle Arti dell’Università 

di Kyung-Hee a Seoul in Corea. Diplomato presso l’Accademia di 

Belle Arti di Carrara. Dal 1993 svolge l’attività di scultore a Pietrasanta, 

in Italia e in Europa. Le strutture in pietra assemblate secondo 

forme differenti sembrerebbero suggerire un’affinità formale con 

l’Arte Minimalista, perché le sue sculture nascono da semplici e 

solide forme di cubi geometrici, sfere perfette, cilindri e anelli 

tubolari assemblati. Le sue opere sono estate esposte in tutto il 

mondo in mostre personali e collettive, le più recenti sono The Alba 

Open-Air ad Alba, Italia e la 28th Korea Galleries Art Fair a Busan, 

Corea. Nel 2009 ha visto il SUN Arts-Prize. Oggi vive e lavora a 

Pietrasanta. 

Park Eun-Sun was born in South Korea in 1965 and he graduated 

in sculpture at the Art School of Kyung-Hee University in Korea. He 

also holds a diploma from the Carrara Academy of Art. Since 1993 

he works as a sculptor in Pietrasanta, in Italy and in Europe. The 

stone structures arranged according to different shapes seem to 

suggest a formal kinship with the Minimalist Art, because his 

sculptures come from simple and solid shapes of geometric 

cubes, perfect spheres, cylinders and assembled tubular rings. His 

works have been displayed all over the world in solo and joint 

exhibitions, among which the most recent ones are: The Alba 

Open-Air in Alba, Italy, and the 28th Korea Galleries Art Fair in 

Busan, Korea. In 2009 he won the SUN Arts-Prize. He currently 

lives and works in Pietrasanta.

TANGUEROS 

ARTIST / Bruto Pomodoro


105 x 45 cm - h 180 cm 





Questa scultura, appartenente al ciclo dei Disgiunti, 

rispecchia più da vicino la ricerca che lo scultore 

sta operando sulla trasposizione in chiave astratta 

della figura umana e i suoi movimenti: insieme al 

San Cristoforo Barghigiano (2009) e alla Bianca 

Odalisca (2011), quest'opera riprende infatti la 

ricerca plastica applicata all'anatomia umana, già 

effettuata da alcuni grandi maestri del XX secolo, 

volta a superare l'antitesi fra figurativo e astratto, 

per approdare a un lessico formale universale. 

This sculpture, belonging to the Disgiunti cycle, 

reflects more closely the research performed by 

the sculptor on the abstract transposition of the 

human figure and its movements: together with the 

San Cristoforo Barghigiano (2009) and the Bianca 

Odalisca (2011), this work resumes indeed the 

plastic research applied to the human anatomy, 

already explored in the past by some great 

maestros of the Twentieth-century, aimed at 

overcoming the antithesis between figurative and 

abstract, in order to come to a universal formal 

language. 

TANGUEROS 

Bruto Pomodoro 


Bruto Pomodoro nasce a Milano nel 1961. Laureato in biologia, 

abbandona il disegno scientifico per dedicarsi principalmente alla 

pittura e alla scultura. La sua ricerca artistica, rigorosamente astratta, 

affronta gli aspetti più segreti del mondo vivente attraverso un 

individuale linguaggio simbolico narrativo, basato su un attento 

studio dei rapporti cromatici, plastici e compositivi. Fra i suoi cicli 

pittorici si ricordino le Contemplazioni, gli Elogi del Quadrato, i 

Codici Algenici e i Disgiunti, opere volte a interpretare la scomposizione 

della forma di figure archetipe secondo le leggi della termodinamica. 

Dal 2006 Pomodoro sviluppa i suoi caratteristici Archetipi 

in chiave tridimensionale, attraverso l’utilizzo di collagés e resine, 

per approdare alla scultura tradizionale a tutto tondo, sia in pietra 

che in bronzo, seguendo un percorso coerente con la sua ricca 

produzione pittorica, in un equilibrato rapporto fra classicismo e 

modernità. L’artista vive e lavora a Pietrasanta. 

Bruto Pomodoro was born in Milan (Italy) in 1961. His artistic 

research, strictly abstract, approaches the most hidden aspects of 

alive world through an individual “symbolic-narrative” language, 

based on a careful study of the chromatic and composing 

relations. Among his pictorial cycles we remind the following 

works: the Contemplations, the Square’s Praises, the Algenic 

Codes and the Separates. These last paintings are directed to 

interpret the breaking down of the form of archetype figure according 

to the law of thermodynamics. From 2006 Pomodoro 

develops his distinctive Archetypes in three-dimensional key, 

coming through the use of collages and resins, to the traditional 

free-standing sculpture, either in stone or bronze, following a path 

coherent to his rich pictorial production, in a well-balance relation 

between classicism and modernity. The artist lives and works in 

Pietrasanta (Tuscany). 

© E. FORLI

TWIST 

ARTIST / Karim Rashid


255 x 215 cm - h 175 cm 





Twist esprime la connessione tra continenti e 

culture, tra singolo e famiglia, umanita', spiritualita'. 

Il genere umano e' collegato in un lembo infinto 

dove ognuno influenza il prossimo. Twist rappresenta 

l'infinita evoluzione delle nostre vite, amori e 

connessioni in questo mondo. 

Twist speaks about the connection of continents, 

cultures , and the links we make with family, humanity 

and spirituality. Human beings are tied together 

in an endless mobius-like strip, each one affecting 

the next. Twist gracefully realizes our ever changing 

lives, loves, and connections in this world. 

TWIST 

Karim Rashid 


Nato a Il Cairo e cresciuto in Canada, Karim lavora adesso a New 

York. E’ conosciuto per il suo design “democratico” e per aver 

portato l’attenzione per il design al pubblico di massa. Ha progettato 

per un’impressionante lista di clienti, da Umbra a Prada, da 

Miyake a Method, Karim sta radicalmente cambiando l’estetica del 

design del prodotto e la stessa natura dei prodotti di consumo. A 

tutt’oggi ha circa 2000 oggetti in produzione ed e’ entrato con 

successo nel mondo dell’architettura e degli interni, come evidenziato 

nel design del ristorante Morimomoto di Philadelphia e l’hotel 

Semiramis di Atene. Karim ha ricevuto il dottorato onorario in belle 

arti dal Corcoran College of Art & Design in D.C. I suoi lavori sono 

presenti in 14 collezioni permanenti in musei in tutto il mondo, tra I 

quali il MoMA e il SFMoMA, ed attualmente espone in diverse 

gallerie. 

Born in Cairo and raised in Canada, Karim now practices in New 

York. He is best known for bringing his democratic design sensibility 

to the masses. Designing for an impressive array of clients from 

Umbra to Prada, Miyake to Method, Karim is radically changing 

the aesthetics of product design and the very nature of the consumer 

culture. To date he has had some 2000 objects put into 

production and has successfully entered the realm of architecture 

and interiors as evidenced by the design of the Morimoto restaurant 

in Philadelphia and Semiramis hotel in Athens. Karim was 

awarded a Honorary Doctorate of Fine Arts from Corcoran College 

of Art & Design in D.C. His work is in the permanent collections of 

14 Museums worldwide including MoMA and SFMoMA and he 

exhibits art in various galleries. Karim was an associate Professor 

of Industrial Design for 10 years and is now a frequent guest 

lecturer at universities and conferences globally.

ROCKET FOR PEACE 

ARTIST / Fabio Rotella


170 x 170 cm - h 230 cm 





L’uomo s’interroga spesso sul perché della vita e 

sulle cose che regolano i rapporti con i propri simili. 

Il ruolo che deve svolgere l’Arte è quello di essere 

un riflesso della contemporaneità e di affrontare 

responsabilmente le problematiche che prendono 

forma nel nuovo presente. “Rocket for Peace” è un 

oggetto metafora che richiama l’attenzione sul 

bisogno di un’idea di pace universale lontana dal 

concetto delle bombe buone e intelligenti. Un razzo 

guidato da un messaggero di pace che distribuisce 

fiori. 

Man often asks himself about the why of life and 

things that regulate relations with his fellows. The 

role played by Arts is to be a reflection of the 

contemporary world and to face problems born in 

the new present responsibly. “Rocket for Peace” is 

a metaphor object that focuses attention on the 

necessity of an idea of universal peace far from the 

concept of good and smart bombs. A rocket 

piloted by peace’s messanger which distributes 

flowers. 

ROCKET FOR PEACE 

Fabio Rotella 


Sergio Fabio Rotella, architetto, nato a Catanzaro nel 1963, vive e 

lavora a Milano.Master alla Domus Academy di Milano 1988/89. 

Dal 1990 al 1995 collabora con l'Atelier Mendini come coordinatore 

di progetti. Nel 1996 fonda lo "Studio Rotella" che si occupa di 

architettura, design e consulenze per Aziende. Architetto eclettico, 

legato alle arti applicate che utilizza come punto di riferimento e 

fonte di spunti concettuali. I lavori comprendono progetti architettonici 

di ampio respiro, architetture concettuali come il parco 

tematico “ll giardino delle Religioni e del Dialogo“ a Gibellina e 

grandi architetture come il “Nuovo Aereoporto della Calabria“, 

inoltre è in corso il progetto “Museo Italia“ a Pechino. Fabio Rotella 

disegna arredi ed oggetti per le più importanti Aziende come 

Bisazza, Buzzi & Buzzi, Slide, Swatch ed altre. 

Sergio Fabio Rotella, architect, born in Catanzaro in 1963, lives and 

works in Milano. Master at the Domus Academy in Milan 1988/89. 

From 1990 to 1995 worked with the Atelier Mendini as coordinator 

of projects. In 1996 he founded “Studio Rotella” that deals with 

architecture, design and consulting for companies. Eclectic 

architect, connected to applied arts which uses as reference point 

and source of conceptual ideas. His works include large-scale 

architectural projects, conceptual architecture as the theme park "Il 

giardino delle Religioni e del Dialogo (“The garden of Religions and 

Dialogue")in Gibellina, great architectures as the project “Nuovo 

Aereoporto della Calabria” ("Calabria’s new airport”). Moreover the 

Italian Ministry of Cultural Heritage and Activities entrusted Fabio 

Rotella the task of designing the project “Museo Italia” in Bejing, 

which is in progress. Fabio Rotella also designs furnitures and 

fittings for important companies like Bisazza, Buzzi&Buzzi, Slide, 

Swacht and many others.

XÈELA 

ARTIST / Marc Sadler


105 X 60 cm - h 212 cm 





XÈELA è una figura femminile antropoforma 

dall’aspetto mutevole secondo il punto di prospettiva 

dello sguardo, al pari della percezione di chi la 

osserva. Una metafora del pensiero umano e della 

realtà, che non ha mai una spiegazione univoca. La 

materialità della speciale verniciatura enfatizza il 

legame con la natura di questa figlia della terra 

senza confini biologici né culturali. 

XÈELA is an anthropomorphous female figure with 

a changing appearance depending on the 

perspective of the eye, in the same way as the 

perception of the observer. A metaphor of the 

human thinking and of the reality, which never has 

a unique explanation. The materiality of the special 

painting emphasizes this daughter of the earth 

bond with the nature, with no biological or cultural 

boundaries. 

XÈELA 

Marc Sadler 


Francese nato in Austria vive attualmente a Milano dove collabora 

con aziende in numerosi settori merceologici. Negli anni 70 ha 

concepito il primo scarpone da sci in termoplastico interamente 

riciclabile. La provenienza dal settore sportivo gli ha consentito di 

esportare conoscenze in settori dove è radicato il concetto di 

design in senso più classico. Pluripremiato con il Compasso d’Oro 

ADI (Flos_1994, Foscarini_2001 e Caimi Brevetti_2008), ha ricevuto 

molti altri importanti riconoscimenti internazionali di design. Il 

paraschiena disegnato per Dainese è nella collezione permanente 

di design del MOMA di New York e la Mite di Foscarini è nella 

collezione design del Beaubourg di Parigi. A dispetto della pur 

meritata reputazione di designer tecnico è appassionato di pittura, 

scultura e disegno, tanto da considerarli i suoi interessi più autentici. 

French citizen born in Austria he currently lives in Milan where he 

works as a designer for companies specializing in a large number 

of market sectors. In the ‘70s he designed the first thermoplastic 

recyclable ski boot. His origin from the sports field allowed him to 

release knowledge in sectors where the concept of design as a 

more classical meaning. A multi-award winner with the Compasso 

d’Oro ADI, the award of the Italian Design Association (Flos_1994, 

Foscarini_2001 e Caimi Brevetti_2008), he has received many 

other important international design awards.The motorcycle back 

protector designed for Dainese is now part of MOMA’s permanent 

collection in New York and the lamp Mite designed for Foscarini is 

part of Beaubourg’s design collection in Paris. Despite his well 

deserved reputation as a technical designer, he is very fond of 

painting, sculpture and drawing and considers them his true 

passions.

L’ALIENO DI VITRUVIO 

ARTIST / Denis Santachiara


170 x 80 cm - h 225 cm 





E' un progetto dell'immaginario extraterrestre, una 

nuova estetica extraumana ispirata dalla storia 

aurea dell'arte rinascimentale. 

It is a project of the extraterrestrial imagination, a 

new extra-human aesthetics inspired by the golden 

history of Renaissance art. 

L’ALIENO DI VITRUVIO 

Denis Santachiara 


Designer outsider nel panorama internazionale, spesso sul confine 

tra arte e design. Ha esposto in varie manifestazioni tra cui: 

Biennale di Venezia, Documenta 8 in Kassel, prima Biennale 

d’Architettura di Shangai. Nel 1984 ha ideato e allestito la mostra 

manifesto “La Neomerce”, diventando un riferimento internazionale 

di un design animato concettuale “tecnopoetico, ironico”. Suoi 

oggetti sono nella collezione permanente di diversi musei tra cui: 

Moma di NewYork, Musee des arts Decoratifs del Louvre di Parigi, 

Centre Pompidou, Denver Art Museum e al neomuseo di 

Shanghai. Curatore ed allestitore di eventi, mostre di design e di 

Arte con importanti enti, musei nazionali e internazionali. Collabora 

ed è consulente con importanti brand di diversi settori. Per il 50° 

del Cosmit al Salone del Mobile 2011 ha ideato e curato la mostra 

“Principia, Stanze e sostanze delle arti prossime”. 

This designer is a sort of outsider within the international panorama, 

often on the borderline between art and design. He exhibited 

his works in several events, among which: Venice Biennale Documenta 

8 in Kassel, Shanghai’s first Architecture Biennale. In 1984 

he conceived and organized the manifesto exhibition “La Neomerce”, 

becoming an international benchmark in terms of an animated, 

conceptual, “techno-poetic, ironic” design. His objects are 

displayed in the permanent collection of different museums, 

among which: New York’s Moma, Paris’ Louvre Musee des arts 

Decoratifs, Centre Pompidou, Denver Art Museum and the new 

Shanghai museum. Curator and organizer of events and design 

and art exhibitions with important institutions, national and international 

museums. He works as a consultant for renowned brands 

belonging to different fields. For the 50th anniversary of Cosmit, 

within the 2011 Salone del Mobile, he planned and curated the 

exhibition “Principia, Stanze e sostanze delle arti prossime”.

PIEGO DI LIBRO 

ARTIST / Stefano Soddu


180 x 85 cm - h 180 cm 


Tecnica mista: vetroresina laccata. 

Mixed technique: lacquered fiberglass. 


Un "foglio piegato" è il primo elemento per la 

costruzione di un libro. Simbolo dello stesso. La 

piega è sbieca a simboleggiare le infinite possibilità 

del libro, della parola, delle idee. Così come infinite 

sono le possibilità dellárte quale strumento di 

elevazione dellúomo in direzione dellássoluto. 

Lápparente "inutilità dellárte" è di fatto "utile" per 

osservare un "oltre". La fessura posta su un lato 

consente, forse, láccesso a questo "oltre", feritoia 

aperta sul mistero... 

A “folded sheet” is the first element to creating a 

book. It is its symbol. The fold is oblique to symbolizing 

the infinite possibilities of the book, of words 

and ideas, as infinite are the possibilities of art as an 

elevation tool for human beings towards the 

absolute. What appears as “uselessness of art” is 

actually “useful” to observe a “beyond”. The fissure 

on one side permits, maybe, to access this 

“beyond”, like a slit open to mystery… 

PIEGO DI LIBRO 

Stefano Soddu 


Stefano Soddu nasce a Cagliari nel 1946, nel 1956 si trasferisce a 

Milano dove tutt’oggi vive e lavora. La sua carriera si è sempre 

concentrata sulle arti visive, vicino alla materia sperimentale di Burri 

degli anni ‘60. Di quegli anni sono le sue opere in plastica e le sue 

sculture in rame. Nel 1995 fissa in un libro dal titolo "Risalendo la 

Corrente" - Soddu/Mininni - una sua esperienza di land art. E´ 

questo il momento iniziale di un nuovo progetto dárte in cui il 

materiale, spesso di recupero, verrà da Soddu utilizzato nella 

scultura e nei lavori decantato da un attento processo di ricerca 

estetica e etica. Si avvia così una intensissima attività espositivain 

Italia e alléstero. Attuamente, dopo aver lavorato il legno, la 

ceramica e il vetro, predilige lácciaio. Sue opere si trovano in 

trentanove importanti musei e collezioni pubbliche sia in Italia che 

alléstero. 

Stefano Soddu was born in 1946 in Cagliari, in 1956 he moved to 

Milan, where today he resides and works. His career has always 

been devoted to visual arts, drawing near the experimental material 

of Burri in the 60s. His works in plastic and his sculptures in copper 

date back to those years. In 1995 he condensed, his experience of 

land art, in a book titled “Risalendo la Corrente” (“Swimming 

upstream”) - Soddu/Mininni –. It is the starting point of a new art 

project in which materials, often salvaged junk, are used in 

Soddu’s works and sculptures after they are purified through a 

careful process of aesthetic and ethic research. It is the beginning 

of an extremely intense exhibition activity (about 350 displays 

among collective and personal) in Italy and abroad. After working 

with wood, ceramic and glass, Soddu currently prefers steel. His 

works can be admired in as many as 39 important museums and 

public collections in Italy and abroad. 

© U. CORNI

ROSA DEI VENTI 

ARTIST / Giuseppe Spagnulo


220 X 30 cm - h 220 cm 





Le sculture di Spagnulo inglobano lo Spazio 

attraverso il gesto violento che infligge l’artista e 

che sospeso nella materia, genera un risultato 

espressivo di dinamismo plastico che prescinde 

dalla forma. In Rosa dei venti l’intervento sulla 

materia è una scomposizione d’impatto: la geometria 

è spezzata non brutalmente, ma metodicamente 

a sottolineare la fragilità delle forme finite. 

Spagnulo’s sculptures encompass the Space 

through the violent act inflicted by the artist and, 

being suspended into the material, produces an 

expressive effect of plastic dynamism abstracted 

from the shape itself. In Rosa dei venti the intervention 

on the material is a breathtaking breaking 

down: the geometry is broken not roughly, but 

systematically for highlighting the fragility of defined 

shapes. 

ROSA DEI VENTI 

Giuseppe Spagnulo 


Giuseppe Spagnulo nasce a Grottaglie nel 1936. Dopo gli studi 

all’Istituto di Ceramica di Faenza, si trasferisce a Milano dove 

attraverso Nini Valentini incontra e frequenta importanti artisti tra i 

quali Lucio Fontana e Arnaldo Pomodoro. A partire dagli anni 

Settanta espone in Italia e all’estero: XXVI Biennale di Venezia 

(1972), X Quadriennale di Roma (1973), Newport Harbor Art 

Museum (1977), Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlino 

(1981). All’inizio degli anni Novanta gli viene affidata una cattedra di 

scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Stoccarda. Nel 2000 è 

stato insignito del Premio Faenza alla carriera e nel 2005 espone al 

Guggenheim Museum di Venezia. Tra le opere in spazi pubblici 

vanno ricordate Scogliere di fronte al Teatro degli Arcimboldi a 

Milano, La foresta d’acciaio al Parco Schuster Ildefonso a Roma e 

la Porta della Luce nel Duomo di Prato. 

Giuseppe Spagnulo was born in Grottaglie in 1936. After his 

studies at the Institute of Ceramics in Faenza, he moves to Milan 

where, through Nini Valentini meets important artists such as Lucio 

Fontana and Arnaldo Pomodoro. Starting from the Seventies he 

exhibits in Italy and abroad: XXVI Venice Biennale (1972), X 

Quadriennale, Rome (1973), Newport Harbor Art Museum (1977), 

Neue Nationalgalerie, Staatliche Museum, Berlin (1981). At the 

beginning of the Nineties he is assigned to teach at the School of 

Fine Arts of Stuttgart. Il 2000 he receives the Career Award of 

Faenza and in 2005 he holds an exhibition at the Guggenheim 

Museum in Venice. Among his works in public spaces have to be 

mentioned Scogliere in front of the Arcimboldi Theatre in Milano, 

La foresta d’acciaio at the Schuster Ildefonso Park in Rome and 

the Porta della Luce in the Duomo in Prato.

SIGN OFF DESIGN - SlideArt

Create successful ePaper yourself

Delete template?

Save as template?