CAP_19

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Il Barocco Seicento italiano
Sant'Ivo alla Sapienza è una chiesa di Roma, situata nel rione Sant'Eustachio vicino a Piazza Navona, realizzata
tra il 1642 e il 1660 dall'architetto ticinese-italiano Francesco Borromini (1559 - 1667).
Per i suoi valori artistici, tecnici e simbolici, l'edificio è considerato - specialmente per la Lanterna, con la sua
particolare forma a spirale - come uno dei capolavori dell'architetto, del Barocco e della storia dell'architettura
in generale.
19.1 Leggi il testo che segue. Alla fine
Cerca almeno 5 elementi tipici che caratterizzano l’architettura barocca.
Attività
Cerca almeno 3 differenze tra il Barocco e il Rinascimento.
Cerca almeno 5 artisti (architetti, pittori o scultori) famosi del Barocco italiano.
L'arte barocca
Il 600 fu il secolo della controriforma cattolica, in tutta Europa si combatterono numerose guerre in nome
della fede (Guerra dei Trent’anni). Tutto questo si tradusse nell'arte Barocca, che si distaccò dal Manierismo
(corrente artistica italiana, soprattutto pittorica, del XVI secolo che si ispira in particolare alla maniera, cioè lo
stile, dei grandi artisti rinascimentali, in particolare Raffaello Sanzio e Michelangelo Buonarroti) della fine del
Cinquecento per assumere caratteri nuovi.
Il termine Barocco ha un’origine incerta: secondo alcuni studiosi deriva dal termine francese «baroque» (in
spagnolo «barrueco» e in portoghese «barrôco») che nel Seicento indicava una perla di forma irregolare. Viene
applicato all'arte dagli inizi del Seicento alla metà del Settecento con un significato dispregiativo per indicare
un'arte esagerata e bizzarra. Solo in tempi moderni questo termine ha perso il suo valore negativo.
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L'arte di questo periodo, nata come risposta al Protestantesimo, assunse un ruolo di grande importanza per
la diffusione al popolo delle idee controriformiste e venne usata come mezzo per ricondurre il popolo alla
dottrina cattolica. Il gusto barocco si diffuse però non solo nei
paesi cattolici, ma le sue caratteristiche si ritrovano anche nei
paesi protestanti.
L'arte barocca aveva il compito di toccare direttamente l'animo
e i sentimenti della gente, anche se poi finiva per toccare solo
le apparenze, senza doversi più preoccupare del vero (come
nel Rinascimento), al punto che non sempre, o quasi mai, ciò
che si vede è ciò che è. Per far questo era necessario che essa
assumesse forme grandiose e monumentali.
Caratterizzano lo stile barocco la ricerca del movimento,
dell'energia. L'effetto drammatico delle opere si raggiunge attraverso
i forti contrasti di luce e ombra sia delle sculture che
delle pitture. Anche in architettura è evidente la ricerca del movimento
attraverso superfici curve e ricche di elementi decorativi.
Nulla procede per linee rette: persino le gambe di una sedia
o di un tavolo devono essere curvi, anche se ciò non sempre
è razionale. Le curve che un artista barocco usa non sono mai
semplici, quali un cerchio, ma sono sempre più complesse,
dalle ellissi alle spirali.
Un altro parametro stilistico del barocco è la complessità. Nulla deve essere semplice, ma deve apparire
come il frutto di un virtuosismo spinto agli estremi del possibile. In pratica l’effetto che un’opera barocca deve
suscitare è sempre la meraviglia. Dinanzi ad essa si doveva restare a bocca aperta, chiedendosi come fosse
possibile realizzare una cosa del genere.
Un altro parametro del barocco può essere considerato l’horror vacui. Con tale termine si indica
quell’atteggiamento di non lasciare alcun vuoto nella realizzazione di un’opera. In un quadro, ad esempio, ogni
centimetro della superficie veniva sfruttato per inserire quante più figure possibili. In una superficie architettonica
non c’era neppure un angoletto piccolo e nascosto che non veniva stuccato con qualche cornice dorata
o con qualche inserto di finto marmo. Ciò produce la sensazione che un’opera barocca abbia una «densità»
eccessiva: una pietanza con troppi ingredienti.
Un ultimo parametro dello stile barocco è infine l’effetto scenografico. Le opere barocche, in particolare quelle
architettoniche, sono molto estese e marcano con la loro presenza tutto lo spazio disponibile. In questo modo
il barocco è la quinta teatrale per eccellenza che faceva da cornice alla vita del tempo, regolata da forme e
cerimoniali improntati a grande dignità e decenza.
Pittura barocca
La chiesa divenne la principale committente per le opere di pittura. Puntando sulla forza persuasiva del bello, la
chiesa trovò nell'arte - era in grado di influenzare le emozioni - il modo giusto per ricondurre il mondo cristiano
alla fede.
In questo periodo si intensificano le rappresentazioni di scene sacre. Soprattutto si dipingono quei soggetti
che erano contestati dal pensiero riformatore, per esempio il culto di Maria. I palazzi e soprattutto le chiese
furono decorati da immensi e grandiosi affreschi, vicini alla realtà grazie alla rappresentazione naturale dei
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personaggi. Questo conferisce alle scene sacre un carattere di credibilità che avvicinava i fedeli. Grande importanza
fu data alla decorazione dei soffitti. I pittori barocchi, grazie alla maestria nell'uso della prospettiva,
riuscivano ad ampliare gli spazi architettonici creando spazi irreali che univano il cielo e la terra. Un esempio è il
soffitto della Chiesa di Sant'Ignazio a Roma dipinto da Andrea Pozzo nel quale figure reali ondeggiano nell'aria
in sospensione tra cielo e terra creando un'effetto trompe d'oeil.
Possiamo considerare che due sono i modelli per decorare una volta: quello assunto nel Rinascimento per
esempio da Michelangelo per la volta della Sistina, è di realizzare le immagini come quadri tradizionali solo che
vengono disposti non in verticale ma in orizzontale con la superficie in giù.
Il modello assunto invece dai pittori barocchi è di concepire le immagini come viste dal basso verso l’alto, così
da creare l’effetto illusionistico che il soffitto non c’è, e al suo posto vi è lo spazio virtuale creato dall’affresco.
In questo secondo modello vengono molto accentuati gli effetti di scorcio e la costruzione prospettica dello
spazio.
Uno dei motivi che più distingue i pittori rinascimentali da quelli barocchi è proprio l’uso della prospettiva. Nei
primi la prospettiva era una tecnica che rendeva chiaro e razionale lo spazio rappresentato; nei secondi invece
la prospettiva è usata per ingannare l’occhio e far vedere spazi che non esistono, in maniera illusionistica. Inutile
dire che per usarla in questo secondo modo, bisognava conoscere la prospettiva in maniera perfetta ed
essere dei virtuosisti nel suo uso. E tuttavia tutta questa «arte», o tecnica, era usata non per la verità ma per
rendere apparentemente vero il falso. Questo è uno dei motivi di fondo che più ci danno l’idea della distanza
che passa tra estetica rinascimentale e estetica barocca.
La pittura del Seicento, tuttavia non è solo quella barocca. Due erano le correnti artistiche che si andavano
sviluppando nel seicento: quella naturalistica con Caravaggio e quella classicista proposta dalla scuola dei
Carracci.
Caravaggio introdusse nei suoi dipinti la realtà di tutti i giorni; anche quando dipingeva soggetti religiosi, egli-
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cercava la verità rappresentando le figure di Cristo, della Madonna,
degli apostoli, utilizzando come modello persone comuni,
come quelle che si potevano incontrare a quel tempo
per le strade, circondandole con una luce particolare.
Questa pittura naturalista si diffuse ben presto in Italia nei primi
venti anni del seicento. Tra i più importanti rappresentanti
ricordiamo in Italia pittori come Orazio Gentileschi e la figlia
Artemisia. In Europa Rembrandt e Velazquez, solo per citare
i maggiori.
La scuola che si sviluppò intorno ai Carracci (Ludovico, Agostino
e Annibale) invece cerca di tornare ai principi di chiarezza,
monumentalità ed equilibrio tipici del Rinascimento. Questo
stile classicheggiante venne adottato da artisti come Guido
Reni e Domenichino.
In sintesi, l’arte del Seicento, molto più variegata di quel che
sembra, si divide nella ricerca del vero (realismo), dell’idea
(classicismo) o dell’artificio (barocco).
Scultura barocca
La scultura barocca arricchiva l'interno e l'esterno di edifici e chiese e venivano usati numerosi tipi di materiale
accostati in maniera diversa per ottenere effetti policromi: marmi di diversi tipi, stucchi dorati, bronzi, e grandi
specchiere.
Il più importante scultore barocco fu Gian Lorenzo Bernini abile nel lavorare il marmo conferendogli effetti di
tensione drammatica e grande teatralità ottenuti attraverso i contrasti di chiaroscuro e l'illusione coloristica.
Accanto alla grande produzione scultorea, da tenere in considerazione in questo periodo anche la produzione
minore consistente in sculture per presepi in terracotta o legno e in statuette di porcellana.
Architettura barocca
La differenza tra Rinascimento e Barocco, in architettura, si basava su una diversa concezione dell’edificio e
della piazza. L’architetto rinascimentale cercava la bellezza nella giusta proporzionalità delle parti. Quindi un
edificio o una piazza risultavano gradevoli all’occhio per il senso di armonia che suscitavano.
L’architetto barocco, invece, cercava di stupire, di suscitare una reazione forte di meraviglia. E per far ciò ricorreva
monumentalità delle forme, alla decorazione eccessiva e fantasiosa, per creare così un effetto teatrale di
ricchezza e preziosità. Gli edifici dei nobili vengono costruiti intorno ad un giardino adorno di giochi d'acqua,
statue, viali e cascate che miravano con la loro spettacolarità ad autocelebrare la classe dominante. Per quanto
riguarda le chiese, si prediligono la pianta centrale o a navata unica e coperture con grandiose cupole. La
facciata curva e ricoperta di sculture ha una funzione fortemente scenografica.
Gli spazi cittadini erano considerati alla stregua di spazi teatrali, e gli edifici funzionavano da quinte scenografiche.
Ma gli spazi urbani non si compongono solo di edifici. In essi vi sono fontane, scalinate, monumenti ed
altro, che arricchiscono questi spazi. Ed il Barocco dedicò notevole attenzione a questi elementi di «arredo
urbano». A Roma, notevoli esempi sono la Fontana di Trevi e la scalinata di Trinità dei Monti, per citare solo due
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tra gli esempi più noti.
Fra i maggiori architetti del periodo barocco vi
fu Carlo Maderno che edificò il prolungamento
della navata di San Pietro e completò la facciata
che era stata cominciata da Donato Bramante.
Altro architetto di rilievo fu Borromini, tra le sue
realizzazioni, splendido esempio del barocco
italiano, ricordiamo la facciata di San Carlo
alle Quattro Fontane a Roma, con il suo andamento
concavo e convesso ripreso all'interno
della chiesa. A Venezia era attivo Baldassarre
Longhena che realizza la chiesa di Santa Maria
della Salute. A Torino Guarino Guarini realizzò la
Cappella della Santa Sindone.
In campo europeo l’architettura barocca ebbe notevole diffusione, soprattutto nei paesi latini. Il Portogallo e la
Spagna ebbero un’adesione immediata a questo stile, esportandolo anche nelle loro colonie dell’America Latina.
Dal Messico all’Argentina, dalla Bolivia al Cile, il Barocco divenne lo stile dei nuovi conquistatori. L’Europa
centro-settentrionale si convertì al Barocco soprattutto alla fine del XVII secolo, e dalla Francia all’Austria, trovò
applicazioni quanto mai fantasiose e ricche. Divenne lo stile del Re Sole, e degli Asburgo, oltre che dei Borboni,
creando quel mondo di eleganza e di sfarzosità nelle corti europee del XVIII secolo.
19.2 Due pittori barocchi a confronto.
Completa le biografie di questi due pittori scegliendo tra i frammenti alla pagina seguente il testo adatto.
Riscrivi nel riquadro solo le prime tre parole di ogni frammento.
Attività
CARAVAGGIO (MICHELANGELO MERISI)
Nacque nel 1571. Perse il padre prestissimo e la
madre quand’era ancora un giovane ventenne.
Dopo essersi liberato dei beni di famiglia e dopo i
primi contatti con la pittura, nel 1592 lasciò definitivamente
la Lombardia e si trasferì a Roma.
ARTEMISIA GENTILESCHI
Nonostante che all'epoca, l’arte pittorica fosse
rigorosamente riservata agli uomini (in genere le
donne erano escluse da quasi tutti i lavori non domestici),
Artemisia fin da bambina viene incoraggiata
nella pittura e impara nella bottega paterna,
le tecniche pittoriche.
A 23 anni entrò nella bottega del Cavalier d’Arpino:
un pittore molto apprezzato nella Roma del tempo.
Qui Caravaggio dipinse una grande quantità di
nature morte con fiori e frutta. Ma l’apprendistato
presso il Cavalier d’Arpino non durò a lungo: i due
pittori si scontrarono presto a causa del carattere
irrequieto di Caravaggio.
… che sembra usasse prendere in prestito strumenti
dalla bottega del padre, durante il periodo
nel quale Caravaggio lavorava nella Chiesa di San
Luigi dei Francesi.
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Il rapporto di Caravaggio con le committenze
pubbliche e con i soggetti sacri fu però sempre
controverso: moltissime pale d’altare e opere
a tema sacro che gli erano state commissionate
furono poi rifiutate. Il modo in cui egli dipingeva
affascinava i suoi contemporanei ma ciò che egli
dipingeva, la vividezza e la schiettezza con cui lo
faceva era troppo “umana” per essere accettata
come oggetto di devozione e venerazione. Così
accadde anche per le prime committenze pubbliche
con La Conversione e il Martirio di San
Matteo.
Comincia così un processo lungo che la segna
psicologicamente e fisicamente: per vedere se
era onesta Artemisia viene anche torturata e le
vengono schiacciati i pollici, ma non ritratta le accuse.
Alla fine vince la causa (cosa molto strana
per una donna) e il pittore Agostino viene condannato
a scontare una pena di alcuni anni di carcere
Ma nel 1606, durante una rissa in cui anch’egli
rimase ferito, Caravaggio uccise Ranuccio Tommasoni,
con cui aveva già avuto altre discussioni
precedenti. L’omicidio gli procurò la condanna alla
decapitazione. L’unica cosa che potè fare fu fuggire
immediatamente da Roma.
Artemisia dunque si trasferisce a Firenze, dove
avrà quattro figli (tre dei quali moriranno giovanissimi).
A Firenze Artemisia verrà accettata (prima
donna in assoluto) all’Accademia delle Arti del Disegno.
Nel 1607 Caravaggio parte per Malta. Qui conobbe
il Gran Maestro dell’Ordine dei Cavalieri, che gli
fece anche da modello per alcune tele. Nel luglio
del 1608 riuscì ad entrare anch’egli nell’ordine. Si
trattò però soltanto di una breve parentesi. Il primo
dicembre dello stesso anno ne fu allontanato: probabilmente
giunse a Malta la notizia della condanna
a morte che pendeva sulla sua testa.
Nonostante il successo, il periodo fiorentino è tormentato
da problemi finanziari e dunque, un poco
per sfuggire ai creditori e un po' per sfuggire alla
convivenza con il marito, Artemisia torna nel 1621
a Roma.
Lasciata la Sicilia, ritornò a Napoli, ospitato dalla
Marchesa Costanza Colonna. L’ultimo periodo
della vita di Caravaggio è alquanto rocambolesco.
Caravaggio infatti venne a sapere della possibilità
che la sua condanna a morte fosse revocata dal
Papa Paolo V. Si imbarcò segretamente su un traghetto
diretto a Porto Ercole, in Toscana: voleva
arrivare a Palo, in territorio papale. Ma, per errore,
venne arrestato.
Dopo Roma Artemisia riparte per Venezia, Napoli,
Londra, alla corte di Carlo I, per tornare all’inizio
della guerra civile inglese di nuovo a Napoli. Muore
a Napoli nel 1653.
La sua pittura riprende i tratti drammatici di Caravaggio
ma…
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Molti sono gli amanti che si attribuiscono a Artemisia
Gentileschi anche se pare che il suo grande amore
fosse il musicista Nicholas Ltanier al quale è forse
da attribuire la paternità della figlia Francesca, nata
intorno al 1627.
Il 1595 è l’anno della svolta. La vita di Caravaggio cambiò quando
conobbe il Cardinale Francesco Maria del Monte. Sotto la sua protezione,
Caravaggio otterrà numerose committenze e la sua fama si
diffonderà per tutta la capitale.
Qui trascorse qualche tempo come apprendista, presso
la bottega di Lorenzo il Siciliano e poi in quella del pittore
Antiveduto Grammatica. Entrambe si rivelarono esperienze
economicamente poco redditizie e soprattutto poco stimolanti:
A questi primi anni, risale una delle sue opere più famose: il
Bacchino Malato (1593).
i suoi personaggi sono più reali e in tensione, le
tinte violente e i giochi di luce magistrali; notevole è
l’attenzione per i gioielli e le armi.
La reputazione di Artemisia (per gli usi dell’epoca) è comunque
altamente compromessa. Il padre Orazio, riesce comunque a
Nasce a Roma l’8 luglio 1593 ed è
figlia di un pittore molto conosciuto,
Orazio Gentileschi.
combinare per la figlia, un matrimonio (1612) con un modesto
artista, il fiorentino Pierantonio Stiattesi.
Nel 1611 la giovane pittrice viene violentata da un altro pittore
amico della famiglia, Agostino Tassi. Orazio inizia una causa
contro Agostino Tassi, per “aver violentato Artemisia più e più
volte”.
Caravaggio si spostò allora in Sicilia. Tra il 1608 e il 1609 fu a Messina,
a Catania e a Palermo. Marco Minniti, un vecchio amico del periodo
romano, lo aiutò a trovare delle committenze. In Sicilia Caravaggio lavorò
molto e molto velocemente. E’ probabile che egli non si sentisse sicuro.
La condanna a morte infatti diceva che chiunque avrebbe potuto decapitarlo
in qualsiasi momento: sull’isola egli temeva per la sua vita.
Roma in quegli anni è una città ricca di artisti, poeti, pittori
e artigiani e pare che Artemisia abbia conosciuto personalmente
Caravaggio.
A Firenze conosce dunque un lusinghiero successo, riuscendo anche
a frequentare i più reputati artisti e personaggi del tempo (uno per tutti:
Galileo Galilei) e a conquistare il favore della famiglia Medici.
Rilasciato, tornò a Porto Ercole nel tentativo di recuperare i suoi beni,
compresa la tela che gli era necessaria come merce di scambio per la sua
libertà. Ma purtroppo la sua nave era già ripartita. In preda alla febbre e
alla disperazione per veder svanire le sue speranze di salvezza, Caravaggio
vagò delirante sulla spiaggia di Porto Ercole dove morì, a soli 39
Negli anni è diventata l’immagine della donna indipendente
che soffre e lotta per raggiungere i suoi obiettivi.
anni, il 18 luglio del 1610. Pochi giorni dopo, giunse a Napoli la lettera che
lo sollevava dalla condanna.
Tra il 1606 e il 1607 Caravaggio è a Napoli. Qui venne accolto
con tutti gli onori che accompagnavano la sua grande fama di
pittore. Molti furono i committenti e gli ammiratori, notevole la sua
influenza sulla pittura napoletana. Tra le tante opere di questo
periodo, vale la pena di ricordare i Sette Atti di Misericordia e il
Davide con la Testa di Golia.
La sua attività artistica fu sempre ostacolata dal
carattere del pittore. Assiduo frequentatore di taverne
e luoghi poco raccomandabili, era spesso
al centro di risse e schiamazzi. La sicurezza con
cui ostentava un talento non comune e la facilità
con cui scivolava nella violenza gli procurarono
non pochi problemi. Molti erano i suoi nemici
anche tra i colleghi. In molti casi, riuscì a venir
fuori da situazioni difficili solo grazie all’intervento
dei suoi potenti amici ed ammiratori.
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Quando arte e storia si incontrano
Giuditta e Oloferne: Confronto tra due interpretazioni pittoriche
Nei secoli passati La Bibbia è stata fonte di ispirazione per scrittori, pittori ed artisti in generale, soprattutto
quando a commissionare le opere d'arte erano chiese, ordini religiosi, nobili con cappelle private o papi, vescovi
e cardinali.
Tra le figure bibliche più popolari nel mondo cristiano c'è Giuditta, vedova ricca, bella e profondamente religiosa,
che riuscì a salvare il popolo di Israele dall’assedio del generale assiro Oloferne.
La storia è questa: siamo nel sesto secolo prima di Cristo. Da più di un mese gli assiri di re Nabucodonosor
comandati dal generale Oloferne hanno messo sotto assedio la città di Gerusalemme. Ormai gli ebrei sono
allo stremo delle forze e sul punto di arrendersi. Qui entra in scena Giuditta, che, contando sull'aiuto di Dio, si
reca assieme ad una serva presso la tenda di Oloferne, portando con sé dei regali e fingendo di voler tradire il
suo popolo rivelando i punti deboli della difesa della città. Oloferne le crede, la invita al suo banchetto, beve e
si ubriaca. Alla fine del banchetto, il generale, ubriaco, viene lasciato solo con la bella vedova. A quel punto Giuditta
prende la scimitarra dello stesso Oloferne e con un preciso colpo gli stacca la testa di netto. Poi mette la
testa nel cesto delle vivande e torna, vittoriosa, presso il suo popolo che l'accolse con grandi onori e ricchezze.
Alcuni alcuni tra i più grandi maestri del passato, ognuno col proprio stile e talento, hanno interpretato artisticamente
questo episodio: tra i tanti citiamo Michelangelo, Donatello, Botticelli, Tintoretto, Andrea Mantegna,
Goya e, in tempi moderni, Gustav Klimt. Tra i dipinti più noti, due furono realizzati a distanza di vent’anni, tra il
1598 e il 1620, cioè in periodo barocco, quando si diffonde il gusto per soggetti “forti”, capaci cioè di suscitare
un intenso impatto emotivo.
Il primo quadro a sinistra è opera di Caravaggio, che lo dipinse nel 1598 all’età di 28 anni. L'altro a destra è di
Artemisia Gentileschi, dipinto nel 1612, quando di anni ne aveva 27 ed era fortemente influenzata dall'opera di
Caravaggio.
19.3 Osservate attentamente i due dipinti e - ora che conoscete la storia di Artemisia e di Caravaggio -
provate a dire quale delle due Giuditte preferite. Nelle soluzioni troverete anche delle osservazioni e chiavi
interpretative che potrete confrontare alle vostre.
Attività
Lavorate in coppia.
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