STORIA CULTURALE DELLA MUSICA AMERICANA - Paola Carbone

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146 tentativo di comprendere e classificare la loro musica, la critica l’ha definita “musica da trance”, “musica minimalista”. All’interno di una comprensione delle musiche e filosofie extraoccidentali, gesti e disegni delle loro composizioni sono ripetitivi, ipnotici e meditativi, anziché dinamici e lineari. Di Reich si possono ricordare Four Organs (1970), basata su un unico accordo e Drumming (1971), della durata di un’ora e mezza e basata su un disegno ritmico fondamentale che subisce cambiamenti di fase, di posizione, di altezza e di timbro; tutti gli interpreti, però, suonano questa figura, o una parte di essa, per l’intera durata del pezzo. Lo studio della musica indiana ha influenzato i procedimenti ritmici della musica di Glass, sottoposti a costanti ampliamenti e contrazioni. La sua musica è caratterizzata dall’insistenza sulla ripetizione degli stessi schemi, solo gradualmente e lentamente trasformati ed anche dalla predilezione per sonorità fortissime,analoghe a quelle del rock. Glass ha collaborato alla realizzazione dell’opera teatrale Einstein on the Beach (1976), su testo di Robert Wilson, ricevendo un’inconsueta attenzione sia da parte del pubblico che dalla critica, segnatamente per la sua chiarezza matematica e per il suo fascino mistico. I compositori dell’avanguardia hanno sempre cercato di espandere le possibilità foniche degli strumenti tradizionali e allo stesso tempo ha operato i primi tentativi di utilizzare suoni elettronici, tentando di scoprire il modo migliore di utilizzare questa nuova sorgente sonora. Gli studi dotati di attrezzature per la produzione elettronica del suono si svilupparono più tardi in America che in Europa (in particolare in ambito radiofonico in Germania, Italia e Polonia) e in Giappone, e per lo più erano situati all’interno delle università. Inizialmente l’elettronica veniva utilizzata per produrre pezzi in cui suoni registrati su nastro erano usati in combinazione con interpreti umani, oppure per creare live electronics, cioè l’uso di apparecchi elettronici per amplificare, alterare, deformare, arricchire e intensificare suoni prodotti da interpreti dal vivo. Anche in questo campo Cage è stato un pioniere, continuando a produrre lavori straordinariamente innovativi anche negli anni ’80 ed oltre, influenzando, a partire dalla seconda metà degli anni ’50, compositori europei come Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez,
147 Krzysztof Penderecki, Witold Lutoslawski e Gyorgy Ligeti: in effetti costoro hanno cercato di sfruttare al massimo le possibilità sonore degli strumenti e hanno esplorato le possibilità compositive offerte dai nuovi sistemi di notazione, avvicinando quindi i loro interessi di ricerca a quelli dell’avanguardia americana. D’altra parte anche numerosi musicisti rock impegnati nelle tendenze più progressiste degli anni ’70 e ’80 – Brian Eno, David Bowie, Lou Reed e Frank Zappa – hanno avuto legami diretti con l’avanguardia. Il movimento “New Wave” di New York, che si è sviluppato dai Velvet Underground fino ai Talking Heads, è stato plasmato in parte dall’ambiente dell’avanguardia newyorchese. E certamente anche il free jazz di Ornette Coleman, di Cecil Taylor e di Miles Davis attinge, anche se con modalità indirette, alle attività dell’avanguardia. Avviandoci alla conclusione, si può affermare che al di là dei notevoli cambiamenti stilistici avvenuti nei primi decenni del XX secolo, è solo a partire dal Secondo Dopoguerra che la musica ha intrapreso strade inspiegabili in rapporto a tutto quanto era avvenuto in precedenza. Le grandi rotture stilistiche nella storia della musica hanno sempre reso necessarie delle innovazioni nella grafia musicale: i movimenti musicali radicalmente nuovi non possono infatti essere contenuti in un sistema grafico concepito per un altro genere di musica. L’avanguardia americana ha dato inizio ad innovazioni grafiche – viene lasciato spazio all’indeterminatezza nell’esecuzione, ossia all’interprete viene offerta una mappa generale del territorio da esplorare, più suggestiva che prescrittivi – e ad atteggiamenti nei confronti della composizione musicale che hanno portato a una musica del tutto nuova nella seconda metà del ventesimo secolo, in America e nel resto del mondo. Per la prima volta, la musica “classica” americana non rispecchia ciò che succede altrove – ossia in Europa – ma diventa un modello per i compositori di altri paesi.
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