speciale arte - fleming press

Emma ciardi 1879-1933
IMprEssIonIsMo vEnEzIAno
Il Museo Nazionale di Villa Pisani ospita dal
22 febbraio al 23 maggio 2009 la mostra
antologica dedicata a Emma Ciardi (Venezia
1879-1933), promossa dalla Soprintendenza
per i Beni Architettonici e Paesaggistici
per le province di Venezia, Belluno,
Padova e Treviso con il patrocinio e il contributo
della Regione Veneto, organizzata
da Munus e curata da Myriam Zerbi. La
splendida villa, fatta costruire nel Settecento
dal 114simo doge della Serenissima Almorò
Pisani a Stra, sulle rive del Brenta, dove
natura e opera dell’uomo si uniscono, è
la cornice ideale per far rivivere l’arte
di Emma Ciardi e la sua pittura che, come
dicevano i suoi contemporanei, sa “affascinare
e sedurre”.
Emma Ciardi, che ha spesso passeggiato,
fotografato (come molti pittori del suo tempo
usava la fotografia come strumento di lavoro
per fissare luci e tagli prospettici) o fatto
veloci schizzi dal vero nel magnifico
parco di Villa Pisani, vincitore del premio
“Parco più bello d’Italia 2008”, torna
cent’anni dopo a raccontare il suo Settecento
con ville e giardini popolati di damine
e cavalieri in un colorito svolazzare di sete
cangianti che, nelle differenti gradazioni
di verde, danno vita, in ogni dipinto, ad una
festa per gli occhi. In un turbinio di idoli cristallini
dalle lunghe vesti a coda e dai neri
tricorni, Emma miscela sulla tavolozza brani
di realtà e tocchi di artificio e rinnova di
un’epoca trascorsa ciò che le appare come
metafora di leggerezza e serenità.
La sua creatività, libera da steccati ideologici,
prosegue sulla traccia del vedutismo
veneziano, nutrendosi delle esperienze
macchiaiole, impressioniste e post impressioniste,
rielaborate in modo personale, e
trova ben presto una sua via espressiva originale
che la distingue anche dal lirismo vedutistico
del padre e dal naturalismo bucolico
del fratello.
La mostra offre un quadro esauriente dell’intenso
itinerario creativo della Ciardi attraverso
una preziosa selezione di oltre
sessanta opere, alcune delle quali assoluti
inediti, mai uscite prima d’ora dalle collezioni
e concesse per la prima volta in esposizione.
In una vivace sarabanda narrativa lo
spettatore viene condotto a conoscere una
personalità artistica la cui tavolozza unisce
la vaporosa leggerezza e luminosità di tocco
di Guardi alla corposità d’impasti e alla
frammentarietà di pennellata che rende così
caratteristica e riconoscibile la sua arte.
La rassegna di Villa Pisani ripercorre tutti i
filoni privilegiati dalla pittura di Emma, dal-
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le vedute di parchi con ambientazioni settecentesche,
alle sue Venezie, ai ritratti dei
luoghi incontrati durante i suoi viaggi che
la portano ad esporre sulle ribalte nazionali
(Torino, Firenze Roma, Napoli, Biennale di
Venezia) e internazionali (Monaco di Baviera,
Parigi, Barcellona, Bruxelles, Pittsburgh,
Atene, San Francisco), e a tenere con successo
personali a Londra (1910, 1913, 1928,
1933), Parigi (1914), New York e Chicago
(1924).
La Venezia di Emma è la «primadonna»
di vedute cristalline, vitali e energiche in
cui le gondole, insieme ai bragozzi scomparsi
oggi dal Bacino di San Marco, voltano
noncuranti lo sguardo ai segni del moderno,
che si susseguono in quegli anni in laguna,
dall’interramento dei rii ai battelli a vapore
che iniziano a solcare le acque del Canal
Grande.. Le figure umane partecipano alla
resa del luogo, come già nei teleri del Giambellino,
infondendo vita a calli, campi, vie
d’acqua e forza dinamica all’ambiente circostante.
Esposte al Museo Nazionale di Villa Pisani
vedute di Asiago, scorci di Cortina, di città
quali Londra, Firenze, Parigi, Amalfi, Vicenza,
dei vasti prati d’Inghilterra e della campagna
di Refrontolo (Treviso), rifugio dell’ultimo
periodo della sua esistenza. Se nella
natura addomesticata le sue damine sognano,
del Settecento, convegni al parco e minuetti
in smaglianti improvvisazioni cromatiche,
nella campagna inglese e trevigiana
la natura ariosa, limpida, senza ridondanze,
appare austera, bella, semplice e senza pose
come tante volte è stata descritta la Ciardi
da chi la conosceva.
La mostra viene inaugurata in occasione
dell’uscita del catalogo / volume monografico
di Emma Ciardi Emma Ciardi. Vita e
opere a cura di Myriam Zerbi, edito da Umberto
Allemandi & C., ricognizione storico
artistica sulla pittrice e approfondimento
degli studi sul personaggio e sull’ambiente
in cui ha vissuto e operato.
A cinque anni di distanza dalla prima esposizione
in tempi moderni della pittrice, organizzata
nella ex Barchessa Morosini a Mirano
nel 2003, l’antologica di Villa Pisani
viene ad integrare la ricostruzione storico
artistica della sua attività per poter dare la
possibilità di conoscere un’artista apostrofata
dai suoi contemporanei come “una delle
pittrici più valide d’Europa” e tra le rarissime
donne artiste che, a cavallo tra i due secoli,
guadagnarono fama internazionale, in
compagnia delle impressioniste Berthe Morisot
e Mary Cassatt.
Museo Nazionale
di Villa Pisani
Via Doge Pisani 7
30039 Stra (Venezia)
fino al 23 maggio 2009
Organizzazione:
Munus S.p.A.
Via Alessandro Fleming 55
00191 Roma
cromofobie
pErcorsI DEl bIAnco
E DEl nEro
nEll’ArtE ItAlIAnA
contEMporAnEA
Dal 14 febbraio al 31 maggio 2009 l’EX
AURUM di Pescara, affascinante struttura
progettata da Giovanni Michelucci negli
anni Trenta, ospita la mostra “CROMOFO-
BIE, percorsi del bianco e del nero nell’arte
italiana contemporanea”. La mostra, curata
da Silvia Pegoraro, è realizzata dalla Regione
Abruzzo e dal Comune di Pescara nell’ambito
di un progetto pilota della PARC - Direzione
generale per la qualità e la tutela del
paesaggio, l’architettura e l’arte contemporanee
del Ministero per i Beni e le Attività
Culturali, intitolato “SENSI CONTEMPO-
RANEI”, con la collaborazione del Ministero
per lo Sviluppo Economico e della Biennale
di Venezia. L’idea della mostra dedicata ai
“Percorsi del bianco e del nero nell’arte
italiana contemporanea” è nata dalla fascinazione
esercitata sulla curatrice dal grande
“Tunnel” optical di Getulio Alviani, presente
all’interno dell’Ex Aurum di Pescara. Si
tratta di una grande opera-ambiente, fondata
su una semplicissima e complessa interazione
ottico-mentale tra il bianco e il nero. ”La
mostra “CROMOFOBIE” vuole essere una
panoramica significativa della presenza
del bianco e del nero nell’arte italiana
contemporanea, dal dopoguerra ad oggi,
a partire cioè da espressioni storicizzate
del bianco e del nero nell’arte, sia iconica che
aniconica, sino ad arrivare agli sviluppi più
attuali delle ricerche sul bianco e il nero, nelle
giovani generazioni. Saranno presenti 76
artisti, ed esposte circa 130 opere, per costruire
un percorso storico-tematico che vada,
appunto, da lavori già “storicizzati” ai lavori
di artisti delle ultime generazioni.
Il bianco e il nero possono significare l’assenza
o la somma di tutti i colori, e nel Novecento
assurgono a simbolo della tautologia, categoria
fondamentale e fondante di tanta arte
del XX secolo, tutta più o meno legata a una
radice “concettuale” in senso lato, dal Quadrato
bianco su fondo bianco di Malevic al
bianco “assoluto” di Ryman, ai neri di Burri e
di Reinhardt.
Molti artisti contemporanei usano il bianco
e il nero con una forte consapevolezza della
tensione che questi non-colori determinano,
perché di fronte al vuoto o al silenzio lo spettatore
è preso da una sorta di vertigine che
può sgomentare oppure può innescare uno
stimolante meccanismo di ricerca, inconscia
o consapevole, tale da mettere in moto tutte
le sensibilità emotive e logiche, evocative e
mnemoniche, come in una sorta di percorso
iniziatico. L’“assenza visibile di colore” e “la
fusione di tutti i colori”, parimenti rintracciabili
nel bianco e nel nero, diverranno per Vasilij
Kandinskij e Kazimir Malevic oggetto di
una costante riflessione che, trascendendo le
considerazioni puramente coloristiche, coinvolgerà
il gesto artistico nella sua interezza.
E così pure per Paul Klee, nel suo continuo
parallelismo tra pittura e musica, che lo porta
alla realizzazione di opere celebri come Bianco
polifonicamente incorniciato (1930).
Nel dopoguerra trovano espressioni di straordinario
interesse, soprattutto nelle varie forme
di “astrattismo”: dal primo Rauschenberg
a Tobey, a Twombly, dal materismo di Burri al
segno-scrittura di Novelli, allo spazialismo di
Fontana, con le sue derivazioni in Manzoni,
Castellani, Bonalumi, Scheggi, e nell’arte optical,
con Alviani o Colombo.
Ma anche nella figurazione la presenza del
bianco e del nero è oltremodo significativa e
suggestiva, come in certe esperienze legate
in qualche modo al “Pop”, come quelle di
Schifano e di Lombardo, o in grandi “inclassificabili”
come De Dominicis.
ex Aurum
via F.F. d’Avalos, Pescara
fino al 31 maggio 2009
dal lunedì al sabato
dalle 9.30 alle 13.30
e dalle 15.30 alle 19.30.
Domenica
dalle 15.30 alle 19.30