speciale arte - fleming press

arte a cura di Kristina Radanovic
pag. 54
Alberto Garruti
MAXXI DIAloGhI con lA cIttà
Roma, marzo 2009 – Cinque finestre che
affacciano su via Guido Reni, quelle della
prima sala pronta ad accogliere un’opera.
Da fuori un bagliore di luci sommesso
che, all’improvviso, si alza, si accende,
abbaglia.
E’ l’installazione site-specific che Alberto
Garutti ha ideato per il MAXXI, il museo
delle arti del XXI secolo progettato
da Zaha Hadid e quasi ultimato: ogni volta
che un fulmine cadrà in Italia durante
i temporali, una sala del MAXXI - luogo
attrattore e propulsore di energie - si
“accenderà”, grazie a una fitta selva di
lampade collegate con il CESI (Centro
Elettrotecnico Sperimentale Italiano).
L’opera – la prima ad “abitare” lo spazio
del museo, anticipandone la futura attività
espositiva – si inaugura giovedì 2 aprile,
ed è visibile dall’esterno. Fa parte del
ciclo espositivo MAXXI - Dialoghi con la
città, a cura di Laura Cherubini, che prevede
una serie di installazioni di artisti di
fama internazionale che hanno per protagonista
la luce e accompagnano la fase
conclusiva dei lavori del museo.
Un attento ascolto del luogo e del suo spazio,
la consapevolezza che l’opera nasce
nell’incontro con lo spettatore, il senso mistico
della natura sono aspetti del lavoro
di Garutti presenti anche nell’installazione
realizzata per il MAXXI, di forte impatto
evocativo.
I passanti si fermano ad osservare il cantiere
del nuovo museo, guardano verso
l’alto sopra le recinzioni, cercano di capire.
L’opera tiene conto di questo sguardo
verso l’alto: quello che accadrà sarà improvviso
e imprevedibile, come spesso lo
sono quei fenomeni della natura da cui
Garutti sembra trarre ispirazione per questa
opera.
“La macchina luminosa allestita nel cuore
del museo – spiega Alberto Garutti - non
vuole “rilevare” un fenomeno elettrico, ma
“rivelare” agli spettatori il legame di consanguineità
tra arte e natura. Immagino la
sala del MAXXI diventare un luogo sensibile,
in grado di perdere le sue dimensioni
fisiche e il rapporto con il tempo e trasformarsi
in una sorta di ambiente di mediazione
tra il cielo e la città. Un dispositivo
in grado di mettere in relazione Roma
con tutta l’Italia e di ribadire la vocazione
dell’arte ad essere universale.
“Le opere di Garutti – dice Laura Cherubini -
sanno restituire il senso dell’appartenenza
alla comunità, nascono da una relazione
“sentimentale” con i luoghi e le persone e
si realizzano pienamente solo nell’incontro
con lo spettatore. Garutti riannoda i fili tra
il pubblico e l’arte contemporanea”.
Alberto Garutti, artista e docente, è titolare
all’Accademia di Brera di Milano e professore
per la cattedra di Arte 2 presso la
Facoltà di Architettura di Venezia, IUAV.
Invitato a grandi manifestazioni internazionali,
come la Biennale di Venezia nel
1990 o il M.A.R.T.A, Museum di Herford
nel 2001, è spesso chiamato a realizzare
opere pubbliche per città e musei: a
Ghent in Belgio per il Museo S.M.A.K.;
per la Biennale di Istanbul sul ponte del
Bosforo; nel 2002 a Kanazawa, in Giappone,
in collaborazione con il 21st Century
Museum of Contemporary Art e a
Bolzano per la città e il Museion. Altre
opere pubbliche sono state eseguite a
Bergamo, a Gallipoli e, nel 2004, per la
sede Tiscali di Cagliari.
Numerose le mostre personali e collettive
di cui è stato protagonista, tra cui quelle
presso Galleria Paul Maenz a Colonia, Galleria
Locus Solus a Genova, Galleria Ugo
Ferranti a Roma, Galleria Minini a Brescia,
Studio Guenzani e Galleria Marconi a Milano,
Museo S.M.A.K. a Ghent, Magazzino
d’Arte Moderna a Roma, Arte all’Arte
2000 e 2005, Associazione culturale Zerynthia,
Certosa di Padula, Villa Manin a
Codroipo. E’ presente nella mostra ITALI-
CS, Arte italiana fra tradizione e rivoluzione
1968-2008, a Palazzo Grassi a Venezia
poi a Chicago, al Museum of
Contemporary Art.
Nel 2000 è stato membro della commissione
giudicatrice del premio Querini-Furla
per l’Arte a Venezia e, nel 2002/2003,
membro della giuria per il concorso indetto
dal Sole24ore “I Nuovi Segni: arte nella
comunità e committenza pubblica” e
presidente della giuria italiana per l’ultima
edizione dell’Italian Studio Program
al Museo MOMA/P.S.1 Contemporary Art
Center di New York.
Dopo l’intervento di Garutti, il prossimo
progetto del ciclo MAXXI - Dialoghi con la
città prevede un’installazione di Tobias
Rehberger.
In una sala del
nuovo museo
MAXXI
le luci vibreranno
quando in Italia un
fulmine cadrà
durante i temporali.
Quest’opera è
dedicata a tutti
coloro che passando
di lì penseranno
al cielo.
A.G.
MAXXI
Museo nazionale delle arti
del XXI secolo
via Guido Reni 2f, Roma
fino al 17 maggio 2009
Il progetto di
Alberto Garutti è realizzato
con il sostegno tecnico
Zumtobel Illuminazione S.r.l.
e con la collaborazione del CE-
SI – Centro Elettrotecnico Sperimentale
Italiano
si ringrazia il Consorzio
MAXXI 2006

Emma ciardi 1879-1933
IMprEssIonIsMo vEnEzIAno
Il Museo Nazionale di Villa Pisani ospita dal
22 febbraio al 23 maggio 2009 la mostra
antologica dedicata a Emma Ciardi (Venezia
1879-1933), promossa dalla Soprintendenza
per i Beni Architettonici e Paesaggistici
per le province di Venezia, Belluno,
Padova e Treviso con il patrocinio e il contributo
della Regione Veneto, organizzata
da Munus e curata da Myriam Zerbi. La
splendida villa, fatta costruire nel Settecento
dal 114simo doge della Serenissima Almorò
Pisani a Stra, sulle rive del Brenta, dove
natura e opera dell’uomo si uniscono, è
la cornice ideale per far rivivere l’arte
di Emma Ciardi e la sua pittura che, come
dicevano i suoi contemporanei, sa “affascinare
e sedurre”.
Emma Ciardi, che ha spesso passeggiato,
fotografato (come molti pittori del suo tempo
usava la fotografia come strumento di lavoro
per fissare luci e tagli prospettici) o fatto
veloci schizzi dal vero nel magnifico
parco di Villa Pisani, vincitore del premio
“Parco più bello d’Italia 2008”, torna
cent’anni dopo a raccontare il suo Settecento
con ville e giardini popolati di damine
e cavalieri in un colorito svolazzare di sete
cangianti che, nelle differenti gradazioni
di verde, danno vita, in ogni dipinto, ad una
festa per gli occhi. In un turbinio di idoli cristallini
dalle lunghe vesti a coda e dai neri
tricorni, Emma miscela sulla tavolozza brani
di realtà e tocchi di artificio e rinnova di
un’epoca trascorsa ciò che le appare come
metafora di leggerezza e serenità.
La sua creatività, libera da steccati ideologici,
prosegue sulla traccia del vedutismo
veneziano, nutrendosi delle esperienze
macchiaiole, impressioniste e post impressioniste,
rielaborate in modo personale, e
trova ben presto una sua via espressiva originale
che la distingue anche dal lirismo vedutistico
del padre e dal naturalismo bucolico
del fratello.
La mostra offre un quadro esauriente dell’intenso
itinerario creativo della Ciardi attraverso
una preziosa selezione di oltre
sessanta opere, alcune delle quali assoluti
inediti, mai uscite prima d’ora dalle collezioni
e concesse per la prima volta in esposizione.
In una vivace sarabanda narrativa lo
spettatore viene condotto a conoscere una
personalità artistica la cui tavolozza unisce
la vaporosa leggerezza e luminosità di tocco
di Guardi alla corposità d’impasti e alla
frammentarietà di pennellata che rende così
caratteristica e riconoscibile la sua arte.
La rassegna di Villa Pisani ripercorre tutti i
filoni privilegiati dalla pittura di Emma, dal-
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le vedute di parchi con ambientazioni settecentesche,
alle sue Venezie, ai ritratti dei
luoghi incontrati durante i suoi viaggi che
la portano ad esporre sulle ribalte nazionali
(Torino, Firenze Roma, Napoli, Biennale di
Venezia) e internazionali (Monaco di Baviera,
Parigi, Barcellona, Bruxelles, Pittsburgh,
Atene, San Francisco), e a tenere con successo
personali a Londra (1910, 1913, 1928,
1933), Parigi (1914), New York e Chicago
(1924).
La Venezia di Emma è la «primadonna»
di vedute cristalline, vitali e energiche in
cui le gondole, insieme ai bragozzi scomparsi
oggi dal Bacino di San Marco, voltano
noncuranti lo sguardo ai segni del moderno,
che si susseguono in quegli anni in laguna,
dall’interramento dei rii ai battelli a vapore
che iniziano a solcare le acque del Canal
Grande.. Le figure umane partecipano alla
resa del luogo, come già nei teleri del Giambellino,
infondendo vita a calli, campi, vie
d’acqua e forza dinamica all’ambiente circostante.
Esposte al Museo Nazionale di Villa Pisani
vedute di Asiago, scorci di Cortina, di città
quali Londra, Firenze, Parigi, Amalfi, Vicenza,
dei vasti prati d’Inghilterra e della campagna
di Refrontolo (Treviso), rifugio dell’ultimo
periodo della sua esistenza. Se nella
natura addomesticata le sue damine sognano,
del Settecento, convegni al parco e minuetti
in smaglianti improvvisazioni cromatiche,
nella campagna inglese e trevigiana
la natura ariosa, limpida, senza ridondanze,
appare austera, bella, semplice e senza pose
come tante volte è stata descritta la Ciardi
da chi la conosceva.
La mostra viene inaugurata in occasione
dell’uscita del catalogo / volume monografico
di Emma Ciardi Emma Ciardi. Vita e
opere a cura di Myriam Zerbi, edito da Umberto
Allemandi & C., ricognizione storico
artistica sulla pittrice e approfondimento
degli studi sul personaggio e sull’ambiente
in cui ha vissuto e operato.
A cinque anni di distanza dalla prima esposizione
in tempi moderni della pittrice, organizzata
nella ex Barchessa Morosini a Mirano
nel 2003, l’antologica di Villa Pisani
viene ad integrare la ricostruzione storico
artistica della sua attività per poter dare la
possibilità di conoscere un’artista apostrofata
dai suoi contemporanei come “una delle
pittrici più valide d’Europa” e tra le rarissime
donne artiste che, a cavallo tra i due secoli,
guadagnarono fama internazionale, in
compagnia delle impressioniste Berthe Morisot
e Mary Cassatt.
Museo Nazionale
di Villa Pisani
Via Doge Pisani 7
30039 Stra (Venezia)
fino al 23 maggio 2009
Organizzazione:
Munus S.p.A.
Via Alessandro Fleming 55
00191 Roma
cromofobie
pErcorsI DEl bIAnco
E DEl nEro
nEll’ArtE ItAlIAnA
contEMporAnEA
Dal 14 febbraio al 31 maggio 2009 l’EX
AURUM di Pescara, affascinante struttura
progettata da Giovanni Michelucci negli
anni Trenta, ospita la mostra “CROMOFO-
BIE, percorsi del bianco e del nero nell’arte
italiana contemporanea”. La mostra, curata
da Silvia Pegoraro, è realizzata dalla Regione
Abruzzo e dal Comune di Pescara nell’ambito
di un progetto pilota della PARC - Direzione
generale per la qualità e la tutela del
paesaggio, l’architettura e l’arte contemporanee
del Ministero per i Beni e le Attività
Culturali, intitolato “SENSI CONTEMPO-
RANEI”, con la collaborazione del Ministero
per lo Sviluppo Economico e della Biennale
di Venezia. L’idea della mostra dedicata ai
“Percorsi del bianco e del nero nell’arte
italiana contemporanea” è nata dalla fascinazione
esercitata sulla curatrice dal grande
“Tunnel” optical di Getulio Alviani, presente
all’interno dell’Ex Aurum di Pescara. Si
tratta di una grande opera-ambiente, fondata
su una semplicissima e complessa interazione
ottico-mentale tra il bianco e il nero. ”La
mostra “CROMOFOBIE” vuole essere una
panoramica significativa della presenza
del bianco e del nero nell’arte italiana
contemporanea, dal dopoguerra ad oggi,
a partire cioè da espressioni storicizzate
del bianco e del nero nell’arte, sia iconica che
aniconica, sino ad arrivare agli sviluppi più
attuali delle ricerche sul bianco e il nero, nelle
giovani generazioni. Saranno presenti 76
artisti, ed esposte circa 130 opere, per costruire
un percorso storico-tematico che vada,
appunto, da lavori già “storicizzati” ai lavori
di artisti delle ultime generazioni.
Il bianco e il nero possono significare l’assenza
o la somma di tutti i colori, e nel Novecento
assurgono a simbolo della tautologia, categoria
fondamentale e fondante di tanta arte
del XX secolo, tutta più o meno legata a una
radice “concettuale” in senso lato, dal Quadrato
bianco su fondo bianco di Malevic al
bianco “assoluto” di Ryman, ai neri di Burri e
di Reinhardt.
Molti artisti contemporanei usano il bianco
e il nero con una forte consapevolezza della
tensione che questi non-colori determinano,
perché di fronte al vuoto o al silenzio lo spettatore
è preso da una sorta di vertigine che
può sgomentare oppure può innescare uno
stimolante meccanismo di ricerca, inconscia
o consapevole, tale da mettere in moto tutte
le sensibilità emotive e logiche, evocative e
mnemoniche, come in una sorta di percorso
iniziatico. L’“assenza visibile di colore” e “la
fusione di tutti i colori”, parimenti rintracciabili
nel bianco e nel nero, diverranno per Vasilij
Kandinskij e Kazimir Malevic oggetto di
una costante riflessione che, trascendendo le
considerazioni puramente coloristiche, coinvolgerà
il gesto artistico nella sua interezza.
E così pure per Paul Klee, nel suo continuo
parallelismo tra pittura e musica, che lo porta
alla realizzazione di opere celebri come Bianco
polifonicamente incorniciato (1930).
Nel dopoguerra trovano espressioni di straordinario
interesse, soprattutto nelle varie forme
di “astrattismo”: dal primo Rauschenberg
a Tobey, a Twombly, dal materismo di Burri al
segno-scrittura di Novelli, allo spazialismo di
Fontana, con le sue derivazioni in Manzoni,
Castellani, Bonalumi, Scheggi, e nell’arte optical,
con Alviani o Colombo.
Ma anche nella figurazione la presenza del
bianco e del nero è oltremodo significativa e
suggestiva, come in certe esperienze legate
in qualche modo al “Pop”, come quelle di
Schifano e di Lombardo, o in grandi “inclassificabili”
come De Dominicis.
ex Aurum
via F.F. d’Avalos, Pescara
fino al 31 maggio 2009
dal lunedì al sabato
dalle 9.30 alle 13.30
e dalle 15.30 alle 19.30.
Domenica
dalle 15.30 alle 19.30

Ex Elettrofonica luigi Einaudi
nasce nel cuore della Roma più antica e
popolare EX ELETTROFONICA: una galleria
che segna un punto di svolta nella concezione
architettonica degli spazi espositivi
privati. Beatrice Bertini, giovane curatrice
e storica dell’arte, ha voluto interpretare lo
spazio come luogo di interazione attiva fra architettura
e arti visive: l’idea è infatti quella di
chiamare gli artisti a fondere il loro lavoro con
lo spazio, per creare non solo una reciproca interazione
ma un’opera d’arte unica. La concezione
spaziale di EX ETTROFONICA è a cura
di Alessandra Belia e Federico
Bistolfi, ex collaboratori dello studio romano
di Zaha Hadid, che hanno dato vita ad un
ambiente sospeso, un contenitore per l’arte
in cui possano nascere sensazioni per alimentare
l’immaginazione. L’indeterminatezza
della forme e l’assenza di spigoli e angoli,
genera una spazialità ovattata, un organico
limbo bianco. Una pelle continua avvolge
fisicamente la struttura, in uno spazio fluido
che interagendo con l’arte sembra in continua
evoluzione. Uno spazio dinamico, in cui è l’arte
la matrice del cambiamento.
A inaugurare questa realtà espositiva così
diversa da quella tradizionale è stata scelta
un’installazione ambientale (dalla durata
minima) di Maria Dompè, artista che attraverso
la scelta dei luoghi e la loro trasformazione,
costruisce con lo spazio un rapporto intimo
e totale. La prima mostra sarà quella di
Giangaetano Patanè che dal 1 aprile al 5
maggio presenterà sette opere realizzate appositamente
per l’Ex Elettrofonica, incentrate
sulla poetica del ponte e dei limiti dello spazio.
Accanto a ponti stilizzati, che rimandano
al tema dei rapporti dell’uomo con l’uomo e
dell’uomo con “l’ignoto”, vengono poste in essere
forme ovali irregolari che rappresentano
il limite del possibile e il confine del desiderabile.
Si tratta di opere dal forte accento drammatico,
volutamente ridotte all’essenziale, incentrate
sulla relazione tra il vivente e il suo
spazio possibile, in cui non mancano rimandi
ad una visione trascendentale dell’esistenza
in generale. Il limite tra ciò che sta dentro e
ciò che sta fuori evoca un senso di nostalgia,
di speranza, e di dubbio irrisolto che viene interpretato
soprattutto dalla scelta dei colori,
ma anche dalla posizione delle poche figure
che compaiono in modo sempre differente
sulle tele. Le opere, di grande impatto visivo,
sono supportate da un simbolismo apparentemente
semplice, ma in realtà assoluto, che indaga
i rapporti tra l’uomo e la morte, tra l’uomo
e i propri simili.
Ex Elettrofonica
Roma, Vicolo Sant’Onofrio 10-11
dal martedì al venerdì 11.00- 18.30
lunedì chiuso, sabato su appuntamento
pag. 58
Curata da Roberto Einaudi, la mostra ripropone
la figura di Luigi Einaudi: economista
liberale, professore all’Università di Torino
e all’Università Bocconi di Milano, viticoltore
nel suo podere a Dogliani, raffinato
collezionista di libri rari, giornalista de “La
Stampa”, “Corriere della Sera” e “The Economist”,
direttore di riviste scientifiche come
la “Riforma Sociale” e la “Rivista di storia
economica”, Governatore della Banca
d’Italia dal 1945 al 1948, Presidente della
Repubblica dal 1948 al 1955.
Opere d’arte, fotografie, testimonianze inedite
e oggetti quotidiani, provenienti dagli
archivi dello Stato, dalla Presidenza della
Repubblica, dalla Banca d’Italia, dalla Camera
dei Deputati, dalla Fondazione Corriere
della Sera, dalle Fondazioni intitolate
a Luigi Einaudi, dalla famiglia Einaudi e da
collezioni private, documentano le fasi della
vita di quest’intellettuale e statista di alto
rigore morale e forte impegno civile. Le
opere in mostra, oltre a far luce sulla figura
di Einaudi, concorrono alla ricostruzione
della memoria storica dell’Italia.
Vengono ricostruiti nella mostra i tre studi
di Luigi Einaudi: lo studio alla Banca
d’Italia, dove progettò la stabilizzazione
della lira; lo studio al Quirinale, da
dove garantì la ripresa della vita democratica
dell’Italia repubblicana; lo studio-scala
di San Giacomo, prediletto luogo di
appartata riflessione.
All’interno degli ambienti evocati o ricostruiti
troveranno posto i documenti, gli
oggetti, i quadri, gli arredi, i dipinti e le
sculture originali.
Il percorso della mostra si articola in più sezioni
affidate a studiosi coordinati da Pierluigi
Ciocca: dall’infanzia alla prima guerra
mondiale, agli anni oscuri del fascismo
e della guerra, alle proposte einaudiane per
l’Europa, alla Consulta e alla Costituente,
dove nacquero le nuove istituzioni democratiche,
alla ricostruzione economica
come Governatore della Banca d’Italia e
Ministro del Bilancio, fino alla Presidenza
della Repubblica.
TITOLO MOSTRA
“L’eredità di Luigi Einaudi
La nascita dell’Italia repubblicana
e la costruzione dell’Europa”
Archivio di Stato
Piazza Castello 209, Torino
ingresso libero da piazzetta Mollino
13 febbraio – 26 aprile 2009
su prenotazione 27 aprile – 10 maggio 2009
www.mostraluigieinaudi.it

Intrigo Internazionale
Il cInEMA DI roMAn polAnskI
Dal 4 aprile al 28 giugno 2009 Cinecittàdue
Arte Contemporanea ospita “INTRIGO
INTERNAZIONALE. IL CINEMA DI ROMAN
POLANSKI”, una mostra fotografica dedicata
al regista di origine polacca ma apolide
per vocazione, che ha dato corpo a opere
di inimitabile ricerca espressiva, un maestro
della modernità che nel crearsi il proprio
stile ha sfiorato tutte le correnti del suo
tempo. Esperienze che hanno indelebilmente
segnato il suo modo di fare cinema, multiforme
e unico nella sua essenza, rendendo
la sua arte disponibile alle contaminazioni
di forme e generi ma al tempo stesso non riconducibile
a mode e stereotipi. La mostra,
presentata lo scorso autunno al Museo Nazionale
del Cinema di Torino, curata da Alberto
Barbera, ripercorre l’iter artistico del
regista attraverso 120 fotografie di scena
e di set scattate dai più famosi fotografi.
Completa l’allestimento uno schermo al
plasma che propone alcune sequenze tratte
dai film più famosi di Polanski. Figlio di un
polacco di discendenza ebraica e una cattolica
di origini russe, Roman Polanski nasce a
Parigi nel 1933. Dopo un’infanzia turbolenta,
si avvicina al mondo del cinema come attore
pag. 60
prima e come regista poi. Nel 1963 si trasferisce
in Inghilterra per realizzare alcune delle
sue opere più originali, per poi spostarsi
negli Stati Uniti e infine in Francia, dove ora
vive stabilmente con la moglie Emmanuelle
Seigner e i loro due figli, Morgane e Elvis.
Dopo un’inestimabile carriera, nel corso della
quale ha realizzato film diventati capisaldi
della storia del cinema di tutti i tempi, la
consacrazione definitiva arriva nel 2002 con
il premio Oscar per la direzione dello splendido
film Il Pianista.
“Roman Polanski – come ha sottolineato Alberto
Barbera, direttore del Museo Nazionale
del Cinema - è un maestro della modernità,
capace di mescolare il gusto dell’assurdo
all’umorismo surreale, il senso dell’angoscia
individuale a quello della tragedia storica, il
kammerspiel al fantastico, il fascino discreto
della violenza all’attrazione irresistibile per
l’avventura.”
La mostra è uno degli eventi collaterali della
seconda edizione di ROMA. The Road to
Contemporay Art, fiera internazionale d’arte
contemporanea in programma dal 2 al 5
aprile 2009.
Cinecittàdue
Arte Contemporanea
Centro Commerciale
Cinecittàdue,
Viale Palmiro Togliatti 2,
Roma
fino al 28 giugno 2009
dal lunedì alla domenica, dalle
ore 11.00 alle ore 19.30
Giuseppe Uncini
DAllE tErrE AGlI ArtIfIcI
L’Accademia Nazionale di San Luca lunedì
30 marzo 2009 ricorda Giuseppe Uncini,
protagonista dell’arte contemporanea italiana
e internazionale, Accademico Nazionale
di San Luca dal 1991 e Presidente dell’insigne
Accademia nel 2003. Per la prima volta,
ad un anno dalla scomparsa dell’artista,
nella sua città patria elettiva, Giuseppe Uncini
sarà ricordato con una mostra, un incontro
e un libro. Così si esprime Uncini
in una lontana intervista: “…Nel mio lavoro
certamente i materiali sono molto importanti.
Essi, per me, sono strettamente legati
all’idea, anzi sono corpo e logica dell’idea...
Ai materiali fisici aggiungo dei materiali
‘non fisici’: lo spazio, la luce e l’ombra, il
vuoto e il pieno, il colore delle materie, un
disegno ampio, statico, silenzioso, essenziale…Le
mie opere dunque, le mie costruzioni
non ‘raccontano’, non ‘demandano a’,
ma vogliono rappresentare solo quanto in
esse è presente.”
La mostra Giuseppe Uncini. Dalle Terre agli
Artifici (30 marzo – 30 aprile 2009), la prima
di arte contemporanea allestita nelle
Gallerie storiche dell’Accademia, ripercorre
la carriera artistica del grande scultore,
con alcune significative opere che rappresentano
tutto l’arco della sua ricerca plastica
e materica. Di esse, Senza titolo del
1958, Architettura n. 194 del 2005 e Artifici
n. 5 del 2008 (ultima opera realizzata da
Uncini), sono inedite ed esposte per la prima
volta, mentre Cemento armato del 1960,
già costituente parte di un’opera composta
da sei moduli e poi smembrata, riappare recuperata
e restaurata dopo la prima mostra
del 1961.
L’incontro sarà l’occasione per presentare il
volume Giuseppe Uncini. Scritti, Manifesti,
Interviste. Dalle Terre agli Artifici, a cura
di Nicola Carrino. Il volume raccoglie integralmente
gli scritti, i manifesti del Gruppo
Uno di Roma di cui l’artista è stato parte attiva
dal 1962 al 1967 e le interviste rilasciate
a riviste e quotidiani nazionali sino al
2008. La ricorrenza si colloca all’interno delle
manifestazioni accademiche che nel tributo
di onore verso personalità riconosciute,
trova occasione di volgere attenzione
alle arti ed al loro studio, come incidenti nel
contesto storico e sociale.
Accademia Nazionale
di San Luca
piazza dell’Accademia
di San Luca 77
Roma
fino al 30 aprile 2009
dal lunedì al venerdì
dalle 10,00 alle 19,00
sabato dalle 10,00 alle 13,00
domenica e festività chiuso