Influsso dello stile italiano sulla musica europea ... - ridolfifrancesco.it

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contribuendo tra l’altro allo sviluppo, nel senso del contrappunto, dei valori propriamente armonistici. Nicola Vicentino, autore di “Antica musica ridotta alla moderna pratica”(1555), una delle prime trattazioni sistematiche della scienza del contrappunto moderno, polemizza con altri teorici e umanisti italiani e stranieri, ricercatori dello stile greco, volti ad una riforma dello stile contrappuntistico; vuole fare rivivere i generi cromatico ed enarmonico nella “musica ficta”, cioè avente alcune note alterate, suggerendo una maggiore libertà di movimenti nel trattamento degli otto modi. Le dottrine e l’indirizzo stilistico del Vicentino trovarono largo sviluppo, nonostante le molte opposizioni, nell’opera di molti musicisti, per esempio Cipriano de Rore e Gesualdo da Venosa (vedi avanti). Nella seconda metà del secolo XVI venne affermandosi la dottrina dell’accordo, prima sconosciuta; le terze, consonanze dapprima solo tollerate, finirono per diventare la base del moderno sistema tonale e della scienza dell’armonia; il merito fu di Gioseffo Zarlino, esponente della scuola veneziana, discepolo di Willaert, maestro di Swelink; nell’opera teorica “Istituzioni armoniche” egli spiega la genesi dell’accordo perfetto maggiore (dai primi sei armonici ascendenti) e minore (da quelli discendenti) con il fenomeno fisico e naturale dei “suoni armonici”; le sue teorie furono diffuse ben presto in Francia e in Germania, segnando la fine del dominio dei toni ecclesiastici e aprendo la via alle future conquiste, dalla pratica del basso continuo all’interpretazione moderna dell’armonia. L’esperienza artistica di tutta Europa giunge in Italia nel secolo XVI ad armoniosa sintesi, purificandosi la tecnica in virtù della classica purezza dell’ispirazione. Alla diffusione della musica contribuì in misura notevole l’invenzione della stampa a caratteri mobili, dovuta ad Ottaviano Petrucci (1498); a lui va il merito di avere raggiunto per primo la perfezione nello stampare con caratteri metallici la musica misurata, assai più difficile da riprodurre del canto fermo per la complessità dei segni. Dal Petrucci furono pubblicate le opere per liuto di Francesco Spinacino (sec. XV-XVI), compositore e strumentista; esse hanno una grande importanza storica perché costituiscono il primo documento a stampa di intavolature per liuto e di musica per un solo strumento; in esse figura inoltre la più antica serie a stampa di istruzioni per suonare il liuto. Nella stessa raccolta di oltre 300 pezzi del Petrucci (1508) troviamo le frottole di Marchetto Cara, Michele Pesenti, Bartolomeo Tromboncino, Antonio Caprioli, della scuola veneziana, le messe di Després, Isaac, Obrecht, Mouton, ecc. 809
Nel 1586 Simeone Verovio adottò il procedimento calcografico dell’incisione; questa tecnica, diffusa dal 1606 in Inghilterra e in altri paesi, prese il sopravvento sul procedimento tipografico, adottato in Francia. Nel secolo XVI in Italia con l’affermarsi della strumentazione si impongono nuovi tipi di composizione e si sviluppano quelli esistenti. Il “ricercare” è nominato per la prima volta in intavolature italiane di liuto pubblicate dal Petrucci; intorno al 1550 a Lione furono pubblicati i “ricercari” di Giulio Segni da Modena. Lo sviluppo maggiore fu organistico e principale centro di irradiazione fu Venezia. La prima fase di questa forma fu politematico, “ricercandosi” di ogni soggetto le più varie possibilità di elaborazione; la seconda fase con i due Gabrieli (vedi oltre) tese invece al monotematico e in ciò precorse la fuga. Questa nel suo primo stadio fu scritta in stile contrappuntistico, fondata sull’imitazione e riproduzione successiva degli stessi disegni ritmici o melodici di due o più voci diverse sui diversi gradi della scala. La suite, gruppo di danze classiche di corte, allora in grande sviluppo, in cui i pezzi allegri si alternavano a quelli lenti, nacque nel ‘500 dalla musica per liuto; la forma deriva nella sua essenza dalla pratica della danza nel Rinascimento italiano; essenzialmente strumentale, benché i balli e i balletti vocali di Giovanni Giacomo Gastoldi, di Sigismondo d’India e di Monteverdi (vedi oltre) siano anch’essi suites, formalmente parlando, la forma della suite si trova nell’edizione del Petrucci ed è la più antica forma di composizione strumentale a più tempi nella stessa tonalità. All’origine si trova il binomio di danze italiane ”pavana-saltarello o gagliarda”, oppure il trinomio ”pavana-saltarello-piva”; in seguito il tipo più frequente è la serie di tipo francese “allemanda-corrente-sarabanda-giga”( fu Pier Paolo Borroni, o Baroni o Pier Paolo Milanese, sec. XVI, a portare a quattro le danze). Nella “partita”, ossia divisa, ripartita in più brani, viene variamente elaborata un’antica danza, analogamente al tema con variazioni. Comincia a formarsi intanto il genere della sonata; la “chanson” o canzone, forma di musica vocale ad una o più voci, dal carattere vivace, di impronta popolaresca e di tecnica semplicissima, ne costituisce la base. Quando comparvero le ”chansons”franco-fiamminghe alla fine del secolo XV, la tendenza italiana a trasferire le composizioni vocali sugli strumenti, spinse i compositori italiani ad adattarle per strumenti solisti o gruppi strumentali; si cominciò poi a comporre brani di questo genere solo per strumenti, chiamandoli di solito “canzoni da sonare”. Il nome di “canzone” (strumentale) appare per la prima volta nelle opere di Marcantonio Cavazzoni (1523); solo nel 1530 appare a Parigi (chansons musicales pour orgue). In principio infatti la canzone è destinata all’organo; le 810
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Pasquale Amato, Mario Ancona, Matti
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