Influsso dello stile italiano sulla musica europea ... - ridolfifrancesco.it

intervenire da sola con intermezzi puramente strumentali tra una scena e l’altra, o
anche nel senso della singola scena con sinfonia, balletti, ecc.
Monteverdi compose molte opere, i melodrammi “L’incoronazione di Poppea” e ”Il
ritorno di Ulisse in patria”, e altri non pervenuti, balli, musica sacra e madrigali,
questi ultimi in uno stile che preannuncia la forma della cantata. Dopo avere
composto i primi quattro libri di madrigali in maniera tradizionale (a cappella), nel
quinto egli coglie e stigmatizza i segni del cambiamento, poiché alle voci si
aggiunge un’unica linea di basso continuo, la cui realizzazione è affidata a
strumenti armonici, quali il liuto, il cembalo, l’arpa, con il compito di sostenere
l’intera struttura musicale; nel VI, VII e VIII libro si avverte una suprema varietà e
libertà di atteggiamenti, ove il contrappunto è spesso ridotto per favorire il coro
ad accordi verticali tra i quali si inquadrano passi monodici o dialoghi a 2 o 3 voci.
Diffuso fuori d’Italia grazie ad Orlando di Lasso, H. Schutz, F. de Monte e molti
altri musicisti, il madrigale monteverdiano generò forme analoghe in Germania
con H. L. Hassler e in Inghilterra con W. Byrd e J. Dowland.
Per le ardite innovazioni nel campo armonico (dissonanze non preparate), per
l’uso del contrappunto libero, per la valutazione delle risorse timbriche ed
espressive degli strumenti, Monteverdi può essere considerato il primo esponente
della musica moderna; carattere della sua arte è l’estrema libertà da ogni teoria,
in vista della massima intensità espressiva nella più ridotta semplicità dei mezzi.
Servire l’espressione del testo, valendosi della melodia e del ritmo e, in modo
ancora inusitato, dell’armonia, fu il suo segreto; nel melodramma creò un modello
a cui in seguito si ispirarono tutti i grandi compositori teatrali, da Gluck a Wagner.
In “Orfeo” per la prima volta tra il personaggio e il tessuto strumentale si crea una
sorta di stretta correlazione, ricca delle più varie sfumature espressive; la nuova
intensità di espressione appare evidente in tutto il tessuto drammatico dell’opera
dove compaiono sempre più ampie sezioni di “ariosi”, brevi pezzi melodici con
tenue accompagnamento strumentale, di cori impiegati sia come commento alla
vicenda, sia come insieme di personaggi, ma anche di duetti e di terzetti.
A Roma il melodramma assume un carattere nuovo; si ha una mescolanza di
elementi sacri e profani, storici e fantastici, spesso anche comici.
Nel 1620 Filippo Vitali rappresentò ”Aretusa”, la prima compiuta manifestazione
della scuola operistica romana.
Con il “Sant’Alessio” di Stefano Landi, rappresentato a Roma nel 1632, con
scenografie di Pietro da Cortona, abbiamo il primo lavoro musicale dai connotati
barocchi, in cui si aprono ampi affreschi corali, come quello che conclude l’opera,
una vera e propria apoteosi sonora paragonabile a quella che i pittori dipingevano
sui soffitti delle cupole.
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