COMMENTARIO MUSICALE DELL'ORFEO di Denis Morrier

sporre le melodie da un tasto all’altro, conservando tutte le consonanze naturali proprie
a quel tono. […] Trasporre alla quarta o alla quinta è la più naturale e più comoda di tutte
le trasposizioni e talora al grado di sopra o di sotto.
SIGNIFICATO DEI MODI NELL’ORFEO
L’Orfeo, alla stregua delle grandi composizione di quell’epoca, privilegia certi modi
in funzione della loro forza e delle loro proprietà presunte. I trattati di Zarlino e d’Artusi
(ripresi in Francia da Salomon de Caus e Marin Mersenne) hanno evocato la questione
dell’ethos dei modi. Ognuno di essi si vede affetto da un’energia e d’un significato,
d’un potere espressivo particolare. Marsenne ricorda che «la forza e l’effetto dei modi
dipendono particolarmente da terze e seste maggiori e minori […] l’intervallo di questa
sesta (minore) è molto propizio per rappresentare i grandi dolori, quello di terza minore
esprime quelli minori […] la terza maggiore è molto adatta alla gioia e per esprimere
azioni virili e coraggiose.
Il modo di Re autentico (dorico), con terza minore (re-fa) e sesta maggiore (re-si) è
senza dubbio il più usato nell’Orfeo. A volte è presente per natura, ma il più delle volte trasposto
sul sol col bemolle. È il modo religioso per eccellenza (il «primo tono liturgico»), e
il suo impiego frequente (atti I°, III°, V°) sottolinea la dimensione spirituale dell’opera.
Il modo di La (eolico), autentico o plagale, è basato su una terza minore (la-do/mi-sol) e
una sesta minore (la-fa/mi-do). È riservato a episodi tragici (fine dell’atto II°, fine dell’atto
IV°).
Il modo di Sol (misolidio), che si apre su una terza maggiore luminosa e chiara, è riservato
a episodi gioiosi e pastorali (balletto e stasimon dell’atto I; le due canzoni d’Orfeo
negli atti II° e IV°).
Il modo di Do (ionico) è «adatto all’azione e alla guerra, come lo si sperimenta sulle
trombe, che cominciano il loro canto col do, mi» (Marsenne). È proprio il modo della Toccata
dell’Orfeo.
Tutti questi modi sono di competenza di quello che i trattati denominano il genere diatonico.
Monteverdi usa ugualmente del genere cromatico per esprimere le passioni più tormentate
e per le declamazioni patetiche. Questo genere pseudo-greco fu affidato al gusto
del giorno dai compositori ferraresi della fine del XVI° secolo (Nicola Vicentino, Luzzasco
Luzzaschi). Si allontana dall’esacordo a profitto del tetracordo dai contorni tormentati
(era originariamente costituito da una terza minore e due semitoni). Gli episodi di genere
cromatico si ritrovano nella partitura per la moltiplicazione dei diesis. Monteverdi riserva
questa scrittura ai momenti più intensi del dramma; racconto del Messaggero (atto II°),
seconda morte di Euridice (atto IV°).
Su questa base di un linguaggio modale diatonico e cromatico, L’Orfeo riveste due stili
di scrittura che sono spesso stati opposti, ma i cui fondamenti sono indissociabilmente
legati: la polifonia contrappuntistica e la monodia accompagnata.
LA POLIFONIA CONTRAPPUNTISTICA NELL’ORFEO
Il pensiero musicale del rinascimento è prima di tutto melodico. La polifonia deve
essere considerata come una sovrapposizione di melodie differenti. Le voci intrattengono
esse stesse dei rapporti di consonanza (nozione di contrappunto), le dissonanze non possono
essere che passeggere.
I Chori, i Ritornelli e le Sinfonie dell’Orfeo adottano questo tipo di scrittura, e Monteverdi
rispetta nell’insieme le regole in vigore: le polifonie vocali dell’Orfeo sono spesso
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