Artisti italiani all'estero nei secoli XIX e XX ... - ridolfifrancesco.it

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Verrazzano di Ettore Ximenes, Filadelfia quello a Giuseppe Verdi, opera di Ettore Ferrari, State Island quello ad Antonio Meucci dello stesso scultore. A Città del Messico Adalberto Concetti ed Odoardo Tabacchi eseguirono il colossale monumento al presidente Juarez. All’Avana si ammira la statua della Repubblica ed altri gruppi marmorei sul Campidoglio di Angelo Zanelli; a Montevideo la statua della Libertà di G. Livi e il monumento al generale Antigas dello Zanelli. Francesco Fabi-Altini scolpì la colossale statua allegorica del “Maggio” per il monumento a Simone Bolivar a Lima. A Buenos Aires troviamo il monumento a Garibaldi di Eugenio Maccagnani, ad Antonio Devoto e a Cristoforo Colombo di Arnaldo Zocchi, il mausoleo del generale Belgrano di Ettore Ximenes, il monumento al generale Mitre di Davide Calandra; presso Mendoza vi è il colossale monumento della Gloria, innalzato da M. Ferrari junior. A S. Paolo del Brasile ammiriamo il monumento all’Indipendenza brasiliana di Ettore Ximenes, quello a Carlos Gomez di L. Brizzolara. E. Lippi innalzò a Bogotà l’Altare della patria, Cesare Sighinolfi eseguì il monumento della regina Isabella, Pietro Costa del generale Santander. Tra gli scultori del periodo emerge Pietro Canonica, autore di molte opere per l’estero: il monumento della Repubblica a Istanbul, la statua equestre di Kemal Pascià ad Ankara, quella del granduca Nicola di Russia, i ritratti di Nicola II, di Maria Paola, di Alessandro II, di Alessio Romanoff, di Alexandra di Russia, della principessa Jusupov, della granduchessa Victoria Melita con la figlia, di Edoardo VII, di Alessandra e Victoria d’Inghilterra, di Marina e Olga di Grecia, della baronessa T. von Essen, del re Fuad d’Egitto, ecc. Nel 1932 Corrado Feroci eresse il monumento al re Rama I a Bangkok; fondò e diresse l’accademia di Belle Arti . Tra la metà del XIX secolo e i primi decenni del successivo in Italia la pittura e la scultura, in sintonia con le correnti innovative europee, si espressero con artisti di prima grandezza che influirono anche sugli stranieri. Dal 1850 al ’65 si sviluppò un movimento pittorico, chiamato dei macchiaioli, che può definirsi di rinnovamento; all’accademismo classicheggiante allora dominante si oppose la scuola pittorica toscana, nata dalle riunioni di un gruppo di giovani artisti al “caffè Michelangelo” di Firenze. Nella tecnica pittorica la macchia è quella iniziale stesura di colore che fissa in maniera sintetica nei suoi valori e nelle tonalità essenziali l’aspetto delle immagini; il concetto di macchia come stimolo alla fantasia creatrice e anticipazione sommaria dell’opera risale a Leonardo, cui si 790
iallaccia il Vasari. I macchiaioli vollero una pittura “a impressione”, attuata per mezzo di macchie e di colore; il movimento, prima ancora di quello impressionista, servì a rinnovare profondamente l’ambiente artistico con la ricerca di nuovi valori pittorici fondati sul rapporto dei colori e dei contrasti di luce, considerando i toni di colore come valore in sé, al di sopra del disegno e dell’espressione delle figure. Il corrispondente in scultura dell’impressionismo è l’opera di Medardo Rosso (sec. XIX-XX), il punto di partenza della più valida espressione plastica moderna; per la sua ricerca di unità tra forma e spazio ebbe notevole influenza anche sulla pittura futurista. Il divisionismo, movimento artistico italiano, sorse intorno al 1885 e fu operante fin verso il 1915. I pittori divisionisti adottarono un procedimento che secondo Gaetano Previati, teorico del movimento, “ riproduce le addizioni di luce mediante una separazione metodicamente minuta delle tinte complementari”. L’accensione cromatica del divisionismo acquistò il valore di un recupero storico dell’impressionismo e consentì una carica dinamica di tutta l’immagine dipinta: esemplari in tal senso sono “La città che sale” di Umberto Boccioni e “Lampada ad arco” di Giacomo Balla. Il Liberty o stile floreale, affermatosi in Italia verso il 1890 nell’ambito del fenomeno culturale e artistico esploso in Europa e passato alla storia con il nome di Art nouveau, investì tutti i campi dell’espressività artistica, specialmente le arti applicate e la pittura; si ispirava alla natura, al mondo animale e vegetale, dava vita ad un universo espressivo smagliante per l’eleganza della linea, la preziosità dei colori, la raffinatezza della decorazione, la stilizzazione delle figure, l’estro dell’invenzione. Carlo Bugatti fu il più originale creatore di forme di arredamento dell’epoca; Galileo Chini creò le più straordinarie ceramiche prodotte nel continente. Ma è nella pittura e nella scultura, le cosiddette “arti maggiori”, più che nelle “arti applicate e decorative” che una folta schiera di pittori e scultori italiani non trova paragone per qualità e quantità nel contesto mondiale; si pensi ad artisti di prima grandezza come Giovanni Boldini, Francesco Paolo Michetti, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giacomo Balla, Gino Severini, Umberto Boccioni, Aristide Sartorio, Luigi Viani, Felice Casorati, o scultori come Leonardo Bistolfi, Adolfo Wildt, Arturo Martini, Libero Andreotti. Importanza fondamentale ebbe il Futurismo, stile che ebbe origine con Tommaso Martinetti come movimento letterari d’avanguardia; con il “Manifesto”, pubblicato a Parigi nel 1909, esso si sviluppò soprattutto dopo l’adesione di un gruppo di artisti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini, Giacomo Balla. 791
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Page 3 and 4: Enrico Gamba eseguì alcuni lavori
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Page 7: pittori Alessandro Biagini, Giovann
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