Emma Dante. Palermo dentro - Zona Editrice

EMMA DANTE
Palermo dentro
Interventi di
Andrea Porcheddu, Patrizia Bologna, Elena Stancanelli
Rodolfo di Giammarco, Gerardo Guccini, Cristina Valenti,
Renato Palazzi, Goffredo Fofi
a cura di
Andrea Porcheddu
© 2010 Editrice ZONA
È VIETATA
ogni riproduzione, diffusione e condivisione
di qualunque parte di questo estratto
senza autorizzazione dell’editore
ZONA

Emma Dante. Palermo dentro
a cura di Andrea Porcheddu
ISBN 978-88-6438-082-7
2010, © Editrice ZONA
via dei Boschi 244/4, loc. Pieve al Toppo
52040 Civitella in Val di Chiana (Ar), tel/fax 0575.411049
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Ufficio stampa: Silvia Tessitore - ufficiostampa@editricezona.it
Stampa: Digital Team - Fano (Pu)
Finito di stampare nel mese di febbraio 2010

PREFAZIONE ALLA SECONDA EDIZIONE
di Andrea Porcheddu
Scrivo queste note a pochi giorni dal debutto di Carmen al teatro La Scala di
Milano. Emma è là, ancora in prova, per la sua prima regia lirica. Un impegno che
avrebbe fatto tremare i polsi a chiunque, ma non a lei. È tranquilla quando dichiara,
con una certa incoscienza, di non essere mai entrata nel tempio milanese, nemmeno
come spettatrice. Ma è determinata e appassionata come sempre quando racconta
alla stampa le sue scelte registiche. Indipendentemente dal risultato, questo evento
segna un punto di non ritorno nel percorso artistico della regista e autrice
palermitana.
Verrebbe quasi da dire che questo è stato il decennio di Emma.
A molti parrebbe eccessivo, ma se si va a rileggere quel cammino faticoso e
inesorabile, quel Sisifo al femminile che è stata Emma nella sua Palermo, allora forse
sì: questo è stato il decennio di Emma.
Si apre nel 2001 con un laboratorio nella marginalità della capitale siciliana.
Allora – come oggi – regnava il Maestro Carriglio, e lo Stabile serrava le porte in
faccia alle esperienze periferiche e sperimentali che si muovevano in città. C’era
ancora l’eco di Carlo Cecchi al Garibaldi. Ma la città e la regione lanciavano già
segnali promettenti, con Scaldati, Scimone-Sframeli, Ninni Bruschetta, ed altri.
Poi arriva lei, con la Sud Costa Occidentale. Un lungo laboratorio in spazi
devastati. Dopo mesi di lavoro senza tregua, Emma si carica gli attori in macchina:
passano lo Stretto e scalano “Scenario”.
Con mPalermu Emma Dante apre il suo decennio. Lo spettacolo fa incetta di
premi ma molti, allora, storcono il naso: roba dialettale, dicono, pensando allo
sfavillio del neo teatro-immagine del centronord Italia.
Lei non demorde, anzi, rilancia: lacerando, squassando, colpendo, urlando. La
“trilogia della famiglia” è sicuramente uno dei momenti più alti della creatività
italiana del primo decennio di questo nuovo secolo. Tre appuntamenti, uno più
aspro dell’altro, uno più vero dell’altro. Ecco: il “vero”. Emma, si dice, fa un teatroverità:
eppure il suo è grande teatro, affidato ad attori che sono magistrali interpreti.
La verità, la realtà, è sempre mediata, riscritta, reinventata nel teatro, con la
consapevolezza del teatro. Non ci sono le “bellezze dimenticate” che abitavano gli
spettacoli di Romeo Castellucci e della Raffaello Sanzio di quegli anni; non ci sono
i “barboni” di Delbono, né gli statuari corpi-enigma della compagnia della Fortezza.
No, ci sono attori, che “recitano”, che “interpretano” quella vita che Emma racconta
senza reticenze con la sua drammaturgia. Goffredo Fofi intuisce subito in Emma
una grande autrice: una scrittrice, senza orpelli e sovrastrutture, ma con la infinita
dote di inventare una lingua. Quel palermitano che è diventato un codice della
scena italiana. Forse con Emma la Sicilia ha davvero toccato un apice linguistico:
non c’è solo Camilleri, insomma (che peraltro di Emma è stato maestro in Accademia).
Affiancandosi al veneziano, al napoletano, ora la lingua di Palermo parla al
cuore di tutti, in ogni città d’Italia.

Per questo, forse, Emma ha assunto su di sé anche la sfida della scrittura,
consegnando alla pagina scritta non solo i testi – rimando alle belle analisi di
Gerardo Guccini e al più recente e esaustivo lavoro di Anna Barsotti in proposito –
ma anche un romanzo. Un romanzo che doveva essere (o che sarà) film, Via
Castellana Bandiera, edito da Rizzoli: la storia di una strada palermitana, dei suoi
abitanti, di una sfida testarda, di una tragedia come sempre incombente…
In quegli anni di esordio, parlammo di Emma in termini di “Tribù tragica”, seguendo
una suggestione del sociologo Michel Maffessoli. Ma lei, da artista qual
è, ha scardinato ogni definizione, mantenendo ferma la rotta solo per quel che
concerne la sua creatività. E il romanzo, come pure il concerto-spettacolo di Carmen
Consoli, o il bellissimo libro illustrato La favola del pesce cambiato, sono tracce di
un percorso coerente (testardo, si potrebbe appunto dire) ma certo ormai al di
sopra, e al di là, di qualsiasi “tribù”. E mentre il Cardinal Bertone “scomunicava” il
bellissimo La scimia, tratto da “Le due zittelle” di Landolfi, Emma raccontava la
storia languida e struggente di Michelle di Sant’Oliva – forse il prodromo de Le
Pulle, ultimo intensissimo lavoro della compagnia – e sanciva con Il Festino le
investigazioni nella solitudine. Poi c’è Cani di Bancata, che è un affondo corale e
stralunato nel grottesco e “virile” mondo della mafia.
Lei è subito altrove, continua a cercare, sa cogliere lo spirito del tempo, sa
raccontare e reinventare la tragedia probabilmente meglio di chiunque altro. La
scena teatrale italiana – sonnacchiosa e pavida, corporativa e salottiera – si è
aperta raramente a questa artista, più a suo agio al Rond Point di Parigi che non
negli Stabili italiani. Quando è successo se n’è parlato assai: prima con la discussa
Medea, spettacolo troppo in fretta liquidato, poi con Cani di Bancata (non per
nulla sostenuto praticamente solo dal CRT di Milano) ora con Le Pulle, che ha
avuto poche – pochissime – date italiane dopo il debutto napoletano. In questa
opera corale, Emma schiaffa in scena la figura tragica del nostro tempo: il travestito,
quel complesso di contraddittorietà e sofferenza, di sogni e di sesso, di candore
e volgarità. Lo fa a modo suo, reinventando un coro tragico mutato in musical,
mescolando la regina Mab del Romeo e Giulietta con l’avanspettacolo, giocando
con l’evidenza del “genere”, sputando in faccia ai benpensanti e cattolici italiani le
violenze familiari e domestiche, le povertà e le umiliazioni che si nascondono in
tanti, troppi, esseri umani. E molto prima degli scandaletti di piccoli politici nostrani
– pronti a predicare e condannare, salvo poi farsi trovare a sniffare con i pantaloni
calati – Emma svela l’altra faccia della medaglia, quel mondo di prostituzione e
violenza, di sogni d’amore e di desideri. La stampa francese ha accolto Le Pulle
con interesse e rispetto, il pubblico ha reagito come doveva reagire: alcuni abbandonando
la sala sconvolti, altri (molti) entusiasti. E Le Pulle è stato probabilmente
il primo grande spettacolo di Emma andato in scena in uno “spazio” istituzionale
siciliano: alle Orestiadi di Gibellina, dove seicento persone a sera hanno tributato
un’ovazione non solo al lavoro, ma all’artista, a quella sua caparbietà isolana ed
europea. Ma l’ennesimo miracolo di Emma è di aver tramutato un teatro fisico, di
estrema fisicità, fatto di corpi e sudore, in testo: un testo leggibile e addirittura

esportabile. Procedimento intrigante, che lega l’autrice siciliana ad altre esperienze
interessanti – penso, per fare esempi in ordine sparso a Rodrigo Garcia, a Marco
Martinelli – in cui il dramaturg è effettivamente tale. Testi che non nascono (solo)
a tavolino, da intuizioni poetiche, ma che scaturiscono dal viscerale incontro con
l’attore, durante la prova, nello scontro dialettico e nel montaggio registico. Una
scrittura che è solitaria e corale, dunque, che è pratica, gesto, azione e non solo –
assolutamente – immaginazione. Per questo la “prosa” (termine ridicolo per definire
una produzione che è spesso poesia, come lo è per tutto il repertorio tradizionale
europeo, composto per il settanta per cento in versi) di Emma Dante è profondamente
“materica”: poesia materia, ecco, dove la parola davvero si fa carne. Semmai,
se vogliamo cogliere un passo diverso in queste Pulle rispetto ai precendenti,
possiamo riflettere proprio sulla presenza dell’elemento “fantastico” – chiaramente
shakespeariano. Mab, non un caso, trasporta la miseria della prostituzione, dei
cazzi, delle marchette e delle violenze, in una dimensione di fiaba, di sogno. Forse,
ci dice Emma, l’amore – quello romantico, sognato da tutti – si riduce in una
patetica favoletta, con maghe eleganti che cantano come in un vecchio film di
Hollywood. Il resto – la musica di Maria Nazionale con i violini, il prete e il riso che
vola negli occhi, Rocco che aspetta all’altare – è il disperato dimenarsi di un attore
sulla scena: un sogno, appunto, un’illusione che si smaschera subito nel modo più
osceno.
Certo Emma non rifiuta le sfide: con grinta, con quell’ingenuo entusiasmo che
mette in tutti i suoi lavori, ora approda alla Scala. È un evento, no? Emma, tranquilla,
sta là, prova e si diverte, si mangia le unghie e si rode il fegato, urla e strepita,
ascolta e si dispera. Emma, le cui prove sono entrate nella leggenda, i cui laboratori
sono stati una “porta stretta” attraverso cui passare: non solo per la selezione
“artistica” ma anche e forse soprattutto per la selezione “naturale”. Occorre avere
spalle larghe per affrontare un laboratorio di questa piccola donna, per resistere a
quelle urla, a quegli insulti feroci, per reggere il ritmo del lavoro, l’onda d’urto
emotiva.
Proprio qui si gioca il teatro di Emma Dante: nello stress emotivo, nel darsi
totalmente, visceralmente, senza alibi o senza barriere. Nel sapere elaborare un
codice di parole (ossia il dettato della drammaturgia) e una traiettoria di immagini
capaci di affondare nell’oscuro di ciascuno di noi: di chi quel teatro lo porge, lo
regala come sacrificio sera dopo sera; e di chi riceve quel dono incandescente, di
chi restituisce con la propria presenza di spettatore, all’attore e all’autrice, quell’energia,
quel dolore, quel pathos. Non a caso Renato Palazzi non ha esitato un
istante a collegare il teatro di Emma a quello “rituale” di Tadeusz Kantor, ritrovando
forse – aggiungiamo noi – in una matrice sotterranea radicalmente junghiana la
chiave di volta per svelare il nesso con l’immaginario collettivo ogni volta scosso
dalla produzione teatrale della regista.
Il decennio di Emma, dunque, si chiude e si apre con un anno di anticipo:
decennio breve, a mo’ del secolo raccontato da Hobswan. Si chiude con Le Pulle,
vera summa tragica del lungo racconto fatto in tanti capitoli-spettacoli; e si apre

con Carmen sul palcoscenico più prestigioso del mondo. Il destino della sigaraia
gitana di Bizet, siamo certi, avrà il sapore aspro del mediterraneo: dice la regista che
sarà ambientato in una specie di Macondo marqueziana, che sarà la storia di una
donna coraggiosa votata al suo destino funesto. Lissner e Barenboin sostegono il
progetto a spada tratta.
Questo volume, intanto, giunge alla seconda edizione.
Molto è cambiato da quando abbiamo fatto la lunga conversazione con Emma
che apre il libro. Intanto il gruppo – allora così saldo – si è praticamente sfaldato,
restando solo un nucleo ristretto (forse quello iniziale, in una curiosa ciclicità, con
l’aggiunta vivacissima di Carmine Maringola, ottimo attore e intrigante scenografo).
Poi le nuove avventure sceniche della Dante hanno mostrato il desiderio di
cogliere altre strade, altre prospettive, forse di maggior respiro. C’è, insomma, una
maggiore maturità d’artista, che si declina in tutte quelle prove di cui abbiamo fatto
cenno. Si trattava, allora, di riscrivere completamente il libro, fotografando questa
seconda e nuova fase creativa. Oppure di lasciarlo così com’era, profondamente
radicato in quei primi anni, in quelle contraddizioni e in quelle speranze. Abbiamo
optato – d’accordo con la regista – per questa seconda opzione. Resta come
documento degli inizi, degli anni difficili d’esordio: resta impressa quella urgenza,
quella questione «di vita o di morte» che ha segnato i primissimi spettacoli. Dunque
il lettore potrà accostarsi a queste pagine con immutata curiosità, ma deve
avere la consapevolezza che ora Emma Dante è anche altro, molto altro. Noi abbiamo
avuto il piacere di cogliere il percorso artistico della regista sin dagli albori: e
restituiamo, credo, quel clima fatto ancora di entusiasmo e paure, di slanci irresitibili
e ritrosie innominabili. Avevamo cercato – assieme ai colleghi e amici che hanno
contribuito alla realizzazione del volume – di contestualizzare e analizzare il magma
teatrale della Sud Costa Occidentale, credo con nitore e consapevolezza. Ma oggi
sappiamo che quelle “basi”, quelle teorie, quei ragionamenti, quelle visioni – per
quanto in buona parte ancora validi – sono stati elaborati da Emma, acquisiti e
“masticati”, tappa dopo tappa. Ora, ad esempio, se dovessi parlare del teatro di
Emma Dante, ricorrerei più a Jung, Hillman e Kristeva che non a Maffessoli. Dalla
“sociologia”, insomma, mi sposterei verso un’analisi più archetipica e psicologica.
Forse sono cresciuto io, come spettatore, e certo è cresciuto il teatro di Emma
Dante, tanto da richiedere nuovi linguaggi, nuovi sguardi. Ma va bene così: Emma
continua a raccontarci il mondo, a svelarci per quello che siamo. E dopo dieci anni
di lavori memorabili, Emma non si è ancora stancata.
Questa Carmen farà sicuramente discutere, come tutto quel che porta la firma
della regista palermitana. Così, dopo Cani di Bancata e Le Pulle, che possiamo
ritenere passi intermedi, scosse di assestamento verso una diversa fase, Emma
apre il suo nuovo percorso alla Scala. E se anche il prossimo decennio fosse tutto
di Emma Dante?
Venezia, 30 novembre 2009

PER UNA INTRODUZIONE (CON RINGRAZIAMENTI)
di Andrea Porcheddu
Aby Warburg, con la cura maniacale, la passione, l’affetto e l’intelligenza che
accompagnarono la sua vita di iconologo e storico d’arte, dispose la sua celebre
biblioteca non per soggetti né per autore, né tantomeno, per editore. Scelse un
criterio unico ed affascinante, quello della “regola del buon vicinato”: ovvero i libri
erano scientificamente collocati l’uno accanto all’altro per sottesi e misteriori rimandi
intellettuali, per palesi confronti o dialettiche smentite, per ampliamenti e
approfondimenti.
Dunque, per affrontare criticamente un’opera d’arte, o un percorso artistico,
potrebbe essere ancora utile seguire quella fascinazione, predisponendo uno spettro
ampio di possibilità: finita, forse, l’epoca dell’“ultima parola”, del saggio “fondamentale”,
dell’apporto “imprescindibile”, ci muoviamo (finalmente) nei terreni,
instabili ma liberi, del dubbio, del relativismo, delle prospettive multiple, di una
polisemia esplosa nella produzione artistica come nella ricezione.
«Un’opera – affermava Deleuze nel 1987 – deve far scaturire problemi e questioni
in cui veniamo presi, piuttosto che dare risposte. Un’opera è una nuova
sintassi […] e scava una lingua straniera nella lingua».
Opera come mappa da decifrare e aggiornare, da discutere e analizzare: si tratta
di decodificare percorsi cifrati, frammenti, fossili, reperti vivi di stagioni mai risolte,
di intercettare il pulsare di vite celate eppure fragorosamente inarrestabili.
Lo scopo di una lettura critica – forse di ogni lettura – potrebbe dunque essere
quello di proporre ipotesi, domande, che si aggiungano alle domande insite nell’opera
stessa: “eseguire” l’opera, non subirla, amplificandone esponenzialmente
le possibilità, per tradurla (e tradirla) nella lingua del proprio vissuto.
Con questo spirito, allora, ci siamo accostati al teatro di Emma Dante, la giovane
regista palermitana che nel volgere di pochi anni ha saputo imporsi, con la sua
compagnia Sud Costa Occidentale, come una delle realtà più interessanti della
scena nazionale ed internazionale. Abbiamo voluto investigare le ragioni e le forme
di quest’opera fatta di diversi spettacoli, tentando il confronto con un teatro ancora
in evoluzione, in trasformazione, ancora – ostinatamente – aperto: un teatro
violento, passionale, vitale e vivace come è, nella vita, Emma Dante.
Se l’opera, dunque, è sfaccettata, plurale, progressiva, altrettanto deve essere
l’analisi: quel che si è cercato, con questo libro, è di creare materiali, di fornire
indizi, di predisporre e favorire ulteriori indagini, aprendo la riflessione a diversi
sguardi, con prospettive e approcci i più diversi tra loro, arricchendo una bibliografia
lasca, che – sino ad oggi – oltre ad una nutrita rassegna stampa, ha avuto solo
preziose eccezioni, come un completo numero di “Prove di drammaturgia” (nel
luglio 2003) che ha affrontato per la prima volta in modo ampio il percorso creativo
di Emma.

Si è trattato, allora, non certo di redigere un compiuto dizionario della lingua
teatrale di Emma Dante, ma, semmai, di tentare una prima grammatica, un breviario
ad uso dello spettatore-viaggiatore che volesse avventurarsi nei territori aspri e
dolenti di spettacoli come mPalermu o Carnezzeria.
Prioritaria mi è sembrata, così, la voce viva dell’artista, còlta in una lunga intervista-testimonianza:
Emma Dante si è raccontata, aprendosi con grande franchezza,
ai temi della vita e del teatro. Per la seconda parte del libro, poi, ho cercato alcuni
interlocutori – amici e compagni di teatro – che potessero raccontare il proprio
punto di vista sul teatro di Emma.
Ecco, dunque, il racconto in prima persona di Elena Stancanelli, un ritratto “dal
di dentro” di Emma (per lei, semplicemente, dagli anni di Accademia, Emi) e dei suoi
attori; poi l’affondo anatomico-teatrale di Rodolfo di Giammarco, che attraverso
una analisi fisica-strutturale di Emma illumina in modo orginale eppure calzante, i
sottili legami tra corpo della regista e pulsione poetica.
Aprono a rigorose categorizzazioni storiche Gerardo Guccini, che coglie, tra
l’altro, un intrigrante rimando all’opera di Jacques Copeau, e Cristina Valenti, che
riesce a tratteggiare la delicata fase di passaggio nella poetica del gruppo palermitano
da embrione laboratoriale a cifra stilistica vera e propria, avvenuta anche
grazie al prestigioso premio Scenario.
E se, per quel che mi riguarda, ho cercato di collocare il teatro di Emma nel
contesto sociale e teatrale di inizio Secolo, soffermandomi su tre elementi quali la
tribù, il tragico e le figure femminili; Renato Palazzi, con grande nitore, tesse una
fitta rete di rimandi tra il teatro di Emma Dante – ricco di elementi popolari e di sacre
ritualità – e quello di Tadeusz Kantor, cui spesso la regista palermitana fa
riferimento.Goffredo Fofi, con l’abituale capacità di percorrere trasversalmente i
territori delle arti e dei linguaggi, si sofferma sulle qualità drammaturgiche di Emma,
mentre Patrizia Bologna, con un saggio frutto di un lungo periodo di studio e
osservazione, racconta il percorso creativo della regista – tra provini e laboratori –
nella prospettiva della nuova produzione.
A chiudere questa fase di “istruttoria”, questa raccolta di indizi, questa indagine
sui “moventi”, sono le interviste agli attori “storici” della compagnia, vere e
proprie testimonianze di un processo ancora aperto di creatività teatrale.
Nel confronto con il mondo barbaro ed umanissimo, tragico e poetico di Emma
Dante, restano ancora molte cose da dire: resta il fascino di un mistero, di un’arte
che si fa, sera dopo sera, incantando il pubblico.
Ma, come scrive Cesare Garboli, maestro di critica e di pensiero, in Pianura
proibita: «non mi piace trasformare il mondo con le mie parole. Mi piace solo
capire come è fatto, e lasciarlo com’è, come l’ho incontrato...».
A questo punto, vorrei ringraziare Patrizia Bologna per l’imprescindibile aiuto e
il tanto lavoro fatto assieme: senza di lei questo libro non avrebbe visto la stampa.

Naturalmente, rinnovo sinceri ringraziamenti agli Autori che hanno contribuito,
con i loro scritti a comporre questo volume, conferendo spessore ed autorevolezza
alla ricerca.
Voglio ringraziare, poi, quanti hanno contribuito – con pareri, consigli, confronti
– a strutturare il percorso di questo libro: a partire da Franco Vazzoler, Cristina
Valenti, Paolo Gentiluomo, Raffaella Ilari – come sempre illuminante –, Guido di
Palma, Rosaria Ruffini, e l’editore Piero Cadermatori per aver accettato subito con
entusiasmo il progetto.
Grazie a Giuseppe Distefano per le bellissime immagini.
Grazie al Festival di Dro (ovvero a Dino Sommadossi, Virginia Sommadossi e
Barbara Boninsegna) per la bella ospitalità, e al Festival delle Colline Torinesi
(Sergio Ariotti, che ci ha voluto accompagnare con uno scritto, e Isabella Lagattolla).
Un grazie va a Lorenzo Barello e Gianpaolo Alciati per l’aiuto tecnico.
Ringrazio Arturo Cirillo per l’incoraggiamento e grazie a Sergio Longobardi,
Alessandra Farneti e, in particolare, a Francesco Di Pace per l’amicizia dimostrata.
Grazie a Chiara Vecchiarelli per l’incontro con Michel Maffessoli.
E grazie a Gaia Furrer, per la pazienza, le letture, le indicazioni, il sostegno.
Un grazie va ai miei genitori, che continuano ad essere al mio fianco.
Un ringraziamento particolare e sincero, infine, a Emma per la disponibilità,
l’ascolto e la cura con cui si è dedicata alle nostre interviste, e grazie a tutta la
Compagnia Sud Costa Occidentale per aver creduto in questo nostro lavoro: vorrei
che questo volume restituisse, solo in parte, le emozioni che ci hanno regalato.

FRAMMENTI VISIVI
mPalermu
Manuela Lo Sicco in mPalermu

Sabino Civilleri in mPalermu

Emma Dante durante un laboratorio

LA STRADA SCOMODA DEL TEATRO
Intervista con Emma Dante
di Andrea Porcheddu e Patrizia Bologna
Una lunga conversazione con Emma Dante
Fatta a più riprese, ma soprattutto – paradossalmente – nel Nord Italia. Per
un’artista come lei, profondamente legata alla sua Sicilia e al suo essere palermitana,
viaggiare e lavorare pressoché costantemente nel Nord deve essere una
sorta di ironico scherzo del destino. Ma la vita dei teatranti è così: viaggi e
spostamenti continui. Dunque, tra spettacoli, festival, laboratori, abbiamo incontrato
Emma per affrontare molti (forse non tutti) temi fulcro del suo teatro.
Avremmo voluto procedere sistematicamente, seguendo un criterio cronologico
che potesse illuminare, per tappe, tutti i lavori realizzati dalla compagnia
Sud Costa Occidentale. Ma non è stato possibile: la conversazione “sbandava”,
i temi si intrecciavano tra loro, i rimandi erano continui. Come se Emma avesse
pensato e realizzato tutti i suoi spettacoli assieme, come se ogni lavoro fosse un
angolo, una prospettiva, di un più grande e unico progetto. Ed è difficile, con lei,
essere analitici: i temi si rincorrono e si sovrappongono, inseguendo una urgenza
del dire emotiva, a tratti sentimentale.
Teatro e vita costantemente legati: Emma parla di sé attraverso i suoi spettacoli
e del teatro attraverso la sua biografia.
Nel trascrivere le lunghe conversazioni, abbiamo cercato di mantenere almeno
una piccola parte del suo modo unico di parlare: un misto di raffinata
cadenza siciliana e di nevrotico balbettio, di dirompenti monologhi e silenziosa,
omertosa, timidezza. E poi costruzioni della frase singolari, a tratti improntati
ad una sorta di “traslitterazione” italiana dell’“originale” in palermitano, con
domande retoriche e sottolineature, ripetizioni e parodie certo difficili da riportare
su carta. E si sono persi, ovviamente, i gesti, le risate, gli sguardi, i sospiri,
i lamenti, le smorfie, le tirate di sigaretta, e quel ritmo – sospeso – con cui Emma
conclude i suoi discorsi.
Quel che ci piacerebbe, però, è che il lettore ritrovasse, anche se “in minore”,
l’incredibile vitalità di Emma Dante.

Torino, giugno 2005
Possiamo partire con un tentativo di individuare il suo primo passo nel
teatro. Cercando, quindi, di andare indietro con la memoria, per ritrovare le
motivazioni, i desideri, le curiosità che la spinsero verso il mondo della recitazione
e della prosa. Come ha incontrato il teatro?
Ho iniziato a Palermo con la scuola Theates di Michele Perriera, nel 1986. Ho
fatto un anno di corso, poi sono andata a Roma per fare il concorso d’ammissione
all’Accademia Silvio d’Amico. L’ho vinto e sono entrata in Accademia…
Che ricordi ha della scuola Theates di Perriera?
Le sue lezioni erano molto interessanti: Perriera era, per me, un grandissimo
teorico del teatro. Teorico e letterato: quando faceva lezione ci parlava utilizzando
riferimenti molto raffinati. Era un uomo che conosceva molto bene la storia del
teatro, soprattutto la storia che lui stesso aveva contribuito a fare. Faceva parte del
Gruppo ’63, aveva incrociato i percorsi dell’Avanguardia, anche se poi è rimasto
più legato all’area palermitana…
Ricordo le lunghe chiacchierate, durante le quali mi svelava dei mondi. Perriera
era proprio un grande oratore...
Quanti anni aveva?
Diciannove anni. Fino ad allora non ero mai andata a teatro. Anzi, c’ero andata
una volta con la scuola, a Siracusa, per vedere una Antigone: ma non mi ricordo
niente di quello spettacolo. La mia famiglia non frequentava il teatro e quindi non
mi ci aveva mai portato. Avevo fatto saggi scolastici, recite, ma piccole cose: una
volta mi fecero fare l’Arcangelo Gabriele a Monreale, e tutti mi presero in giro
perché ero veramente “fuori ruolo”. Ero piccola, scura e bruttina... E l’Annunciazione
non mi venne tanto bene.
A diciannove anni si è iscritta alla scuola di Perriera: cosa è scattato?
Perché ha deciso di frequentare quel corso?
Perché volevo fare quello. Avevo deciso che volevo fare quella cosa lì che
non sapevo nemmeno esattamente che cosa fosse. E per questa ragione avevo
bisogno di frequentare un ambiente che in qualche modo me la facesse conoscere…
E come ha deciso?
È stata una fulminazione!
Parliamo seriamente…
Lo giuro! È stato un fulmine a ciel sereno... Io non ne sapevo niente, sapevo
solo che volevo fare teatro. Non volevo fare “l’attrice”, ma “il teatro”. Essendo
però una ragazza molto introversa e taciturna – completamente l’opposto di quello

che sono adesso – probabilmente il fatto che, a un certo punto, mi sono trovata a
recitare e a fare dei personaggi mi è servito: proprio per il mio carattere, perché mi
ha aperto, mi ha tirato fuori...
Da Michele Perriera che cosa sente di aver imparato?
Sono stata veramente poco tempo a scuola da Perriera. In quel periodo ho visto
degli spettacoli, e ho conosciuto lui. Un uomo che mi ha incuriosito moltissimo: la
sua dedizione, la sua passione nei confronti del teatro... Poi, però, il suo modo di
fare teatro non mi ha più interessato, perché avevo capito che volevo seguire
un’altra strada. Ma quello con Perriera è stato il primo approccio importante e
sicuramente d’impatto. Lui faceva lavori molto “espressionisti”: usava le maschere,
rendeva i suoi attori molto grotteschi, cercava ruoli “caricati”. I risultati erano
spettacoli realmente forti. Il problema è che io non avevo mai frequentato il teatro
e vedersi di fronte, all’improvviso, tutta quella violenza, quella forza, quegli attori
in carne e ossa che recitavano con un vocione e con quei costumi enormi: insomma,
è stato sicuramente un piccolo shock...
[continua...]
Vogliamo dire qualcosa di più dei suoi attori?
Loro fanno la differenza perché se io dovessi fare il mio teatro con degli attori
“scritturati” chiaramente i miei spettacoli non avrebbero la forza che hanno. Cosa
hanno loro di speciale? Sabino, Manuela e Gaetano, poi Enzo, e Alessio e Ersilia e
tutti quelli che in qualche modo sono entrati in questa follia, in questo delirio
hanno scelto questa abnegazione, la strada più difficile, quella più scomoda, cioè
quella che porta a fare il teatro e ad ammalarti. Sono ammalati di questo mestiere,
cioè rischiano di perdere l’equilibrio fisico e mentale. E sono tutto per me, proprio
per questo motivo. Hanno rinunciato e rinunciano costantemente alle cose importanti,
agli agi, alle certezze: rinunciano anche alla visibilità, perché molto spesso lo
spettatore si ricorda lo spettacolo, non il singolo attore. Eppure lavorano tantissimo,
si allenano, applicano il loro talento…
Manuela, ad esempio, ha un talento straordinario. Lei, probabilmente, anche
senza me, sarebbe stata comunque un’attrice sublime. Non è la stessa cosa per
Sabino, Gaetano e gli altri: con loro ho lavorato molto e loro si sono trasformati.
Come se fossero usciti da un bozzolo e ora sono farfalle: avevano un talento, ma la
loro forza è stata di applicarsi a questo talento. Chi si ferma al talento, non supererà
mai quel confine, si fermerà sempre a quello che sa fare. Invece loro sono riusciti a
volare.
Sabino è uno che vola quando sta in scena, è uno che ha sfidato se stesso,
come un atleta che vuole superare il proprio record. C’è una frase che ripeto sem-

pre a Sabino, è una frase detta dalla Cvetaeva quando è nata sua figlia, «io sono il
tuo primo poeta e tu sei il mio verso più bello»: questo anche perché Sabino è
l’unico, del gruppo, a non aver mai fatto esperienze con nessun altro regista. Ha
iniziato con me e non ha mai fatto niente prima di me. Gaetano e Manuela avevano
fatto la Scuola del Teatro Biondo di Palermo, e hanno fatto altre esperienze professionali.
Ma Sabino è come se fosse mio figlio, la mia vita: per lui ho un’adorazione
particolare…
Manuela, invece, è stata sempre più avvantaggiata, è speciale rispetto agli altri.
E questo non l’ho mai nascosto a nessuno di loro: lei ha una dote in più, che è
assolutamente sovrannaturale. Per questo, forse, è la più pigra fra tutti, quella che
si applica di meno, perché sa di avere una forza in più rispetto al resto del gruppo.
Gaetano è quello più “duro”. Mentre Sabino è aiutato dal suo corpo di gomma,
il corpo di Gaetano è muscoloso, molto alto, con quelle braccia lunghe. È stato, per
lui, un lavoro faticoso fare in modo che il suo corpo non fosse “ingombrante”:
faticoso soprattutto fargli capire quale fosse il “centro” del suo talento, dove
doveva cercare. Ma adesso anche lui è diventato, a mio avviso, un attore bravissimo…
Comunque si capisce che i miei ragazzi sono la mia vita, no? Non c’è bisogno
che dica di più, no? Però mi piace sempre citare una frase tratta dalla Canzone dei
F.P. e degli I.M. da Il mondo salvato dai ragazzini, di Elsa Morante, che dice: «La
vostra benedizione è conoscere che pure il desiderio del paradiso è servile.[...] La
vostra libertà è conoscere che ogni mèta di vittoria, ogni aspettazione d’applauso
è servile. La vostra bellezza non si vergogna degli abbasso né degli sputi. Altro,
altro è il suo pudore. E la vostra grazia senza paragone, ultima, è che la vostra
bellezza NON VI RIGUARDA».
Una citazione molto calzante. Oltre che, naturalmente, un bel brano… Dunque
un gruppo, che non si basa solo sul rapporto professionale, sulla ricerca
teatrale. Sembrate molto legati, tra voi. È così?
Anche il rapporto con la vita è importante. Perché la nostra è stata una scelta di
vita: e questo credo sia giusto ricordarlo. Siamo cresciuti insieme, ci siamo confrontati
su aspetti importanti, ci siamo interrogati su domande scottanti, per cui alla
fine noi siamo un vero gruppo. Anche se, spesso, si sente più il mio nome che non
quello della compagnia. Ma, ad esempio, i ragazzi non hanno mai avuto problemi
rispetto a questo aspetto. Sono straordinari.
Perché ha scelto, per Mishelle di Sant’Oliva, proprio quegli attori? Perché
Giorgio Li Bassi e Francesco Guida, dalle fisicità così imponenti?
Una volta chiesero a Peter Brook perché il suo Amleto fosse nero. E lui rispose:
«è nero? Non me ne sono mai accorto…». Insomma, per lui quell’attore era l’Amleto
che voleva. Allora, certo non voglio mettermi sullo stesso piano di Brook – non
sarò mai sullo stesso piano di Brook! – ma quando mi chiedono perché gli attori di
Mishelle sono così grassi, mi viene da rispondere: «sono grassi? Non me ne sono

accorta! Per me sono esili e leggiadri…». Credo che Mishelle sia lo spettacolo più
leggiadro che ho fatto.
Ma allora perché non Sabino, Gaetano, Enzo per fare uno spettacolo leggiadro?
Perché non sono grassi!
Va bene… Cominciamo a scandagliare le strutture del suo lavoro: che cos’è,
per lei, il ritmo?
L’elemento più importante del mio teatro. Lavoro molto con gli spartiti, con la
musica, con il suono onomatopeico della lingua, con i gesti reiterati e a volte
ossessivi che gli attori mettono in scena... Tutto questo ha a che fare con il ritmo,
che è il fattore principale nella genesi di qualsiasi spettacolo della Compagnia.
Partiamo da lì, da quell’istinto: il ritmo è un elemento istintuale, che tocca l’animalità.
Per Carnezzeria siamo partiti proprio dall’animalità: gli attori hanno lavorato tanto
sull’animalità, proprio per raggiungere una “perdita assoluta della vergogna”, ossia
per togliersi di dosso la vergogna, come gli animali. Per la Compagnia questa
prospettiva è stata fondamentale: scardinare completamente qualsiasi tipo di giudizio
e di morale sulle cose che facciamo…
I suoi spettacoli, a partire da mPalermu, sono molto claustrofobici: c’è sempre
una suggestione opprimente di chiusura - forse in spazi metafisici - predomina
sempre una “casalinghitudine” molto stretta, davvero senza via d’uscita:
perché?
Perché non ci sono porte, non ci sono quinte. Quindi, paradossalmente, se tu
fai un palcoscenico senza aperture e senza chiusure, non c’è una via di fuga. È
tutto qui: più apri il teatro e più diventa chiuso. Può sembrare un paradosso,
eppure più tenti di delimitare gli spazi, di fare scatole chiuse e più ottieni il risultato
opposto: lo spettatore comincia a pensare: «cosa c’è dietro la quinta? Perché
questo attore sta lì? Cosa sta facendo? Dove va?» e lascia libera l’immaginazione,
si fa un proprio film...
Se invece non metti nessuna quinta, non c’è più il problema: abolisci completamente
il problema del dietro, del davanti, dei lati. E quindi ti trovi inevitabilmente in
un “altrove”: sei in un altro posto e questo altro posto non ha porte e non ha
finestre, e non ha tetti e non ha pavimentazione. Così lo puoi fare diventare quello
che vuoi…
Per parlare di mPalermu dobbiamo tornare a parlare della sua città. Lo
spettacolo segna anche il suo ritorno a Palermo e, al tempo stesso, la sua rinascita
dopo la crisi…
Sono tornata in una città che non conoscevo – perché l’infanzia l’ho vissuta a
Catania. Palermo è la mia città natale, la città natale dimenticata.
Quando sono tornata, molti anni dopo – perché mia madre stava morendo, per
assisterla –, sentivo anche che era fallito tutto quel percorso che avevo seguito:

non mi interessava più fare l’attrice, non mi interessavano più quelle dinamiche
assurde dei provini, delle lunghe tournée, di quegli spettacoli di cui non me ne
fregava niente. Sono tornata a Palermo con un senso di fallimento: perché avevo
trentadue anni, e a quell’età non ero niente. Mi ero data, sin da ragazza, una
scadenza: «se a trenta anni non riesco a fare questo mestiere smetto». E cosa
facevo? Guadagnavo pochissimo, facevo degli spettacoli che non mi piacevano:
lo facevo come lo fanno in molti. Mi immaginavo a sessanta anni, ancora un’attrice
sconosciuta, a fare provini: non avrei potuto. E allora sono tornata a Palermo con
questo senso di fallimento, convinta di avere chiuso col teatro e pronta a fare
qualcosa d’altro per sopravvivere. Poi è successo un fatto. Avevo perso mio fratello
in un incidente stradale, e un giorno un suo amico venne a casa mia, dicendomi:
«sai Emma, ho un’associazione culturale, non a scopo di lucro, non so che farmene,
e lavoro in una chiesa occupata che si chiama Sant’Eulalia che sta nel cuore
della Vucciria: perché non ci facciamo uno spettacolo?». E io dissi: «ma io non
sono una regista» e lui ha risposto: «vabbè, ma abbiamo questa associazione, che
ci dobbiamo fare?».
Quello era il periodo più brutto della mia vita: avevo perso mio fratello, mia
madre stava morendo, ero disoccupata, avevo lasciato la casa di Roma, non avevo
più niente, ero stata mollata dal mio fidanzato che nel frattempo si era fidanzato con
un’altra... E allora mi sono detta: «ma è possibile che in tutti questi guai non ci
possa essere un miracolo?». Io dovevo trasformare quei guai in un miracolo, quel
dolore doveva essere una cosa miracolosa, doveva diventarlo, altrimenti non ne
sarei uscita. Ero arrabbiata, ma così arrabbiata! E allora ho detto all’amico di mio
fratello: «va bene, facciamo una cosa: facciamo un grande laboratorio, facciamo
venire tutti questi artisti palermitani».
Dove?
Mi diede uno spazio Beatrice Monroy: una stanza per fare un laboratorio al
quale vennero tante persone, tra cui Sabino, Manuela e Italia (Italia Carroccio,
ndr). Gli unici che rimasero. Poi anche Italia se n’è andata perché ha fatto un’altra
scelta: la maternità, ha avuto un figlio…
Sabino e Manuela sono i miei pilastri, quelli che hanno fondato, insieme a me,
la compagnia. Tutti gli altri se ne andarono subito: scapparono appena io chiesi di
levarsi le scarpe e di camminare a piedi nudi! Facevo fare un lavoro fisico pazzesco,
stavamo ore e ore chiusi là dentro a scannarci.
Io ero isterica: qualcosa di indescrivibile...
Ma su cosa si basava per impostare il lavoro? Come era strutturato il laboratorio?
Sul lavoro che aveva fatto con Gabriele Vacis?
Ero cieca e sorda. Non saprei dire, adesso, cosa feci in quel laboratorio. Perché
ero accecata dalla rabbia: non c’era niente che avesse valore per me. Ma questa è
stata la mia fortuna: la “grandezza” dell’inizio di questa storia è stata proprio la
convinzione che niente più avesse valore…
E quindi non avevo il problema di essere corretta. Non c’era nessuna correttez-

za in quello che facevo: ero scorretta fino all’esasperazione! E questa mia scorrettezza
con gli attori, con le persone, con le cose che gli facevo fare, con i calci, con
gli sputi, con gli insulti era qualcosa di devastante. Tutta quella violenza, quel
vomito – perché poi di questo si trattava – ha generato una sensibilità: quella
scorrettezza mi ha portato alla ricerca di una poesia.
[continua...]

SGUARDI

COME FA UN AEREO A VOLARE
di Elena Stancanelli
La creatività, l’esperienza artistica, consiste più o meno nel garantire attraverso
la messa in gioco di un “io”, la nascita di un “altro”. Per far questo, l’artista invade
e si lascia invadere dal mondo, costruisce e accetta di essere distrutto per esporre
poi questa distruzione. La maggiore o minore adesione a una delle due disposizioni
(che possono essere chiamate, per facilità, maschile e femminile, apollineo o
dionisiaco, regola o anarchia) definisce il genere (ma non la qualità) di un artista.
Se dico che Emi è prima di tutto un’artista “intelligente”, intendo con questo
che in lei prevale una dimensione attiva della creazione, una fiducia nella composizione
e nella assunzione di responsabilità da parte di chi, a questa creazione,
accetta di dare il suo nome. Senza che questo escluda, come dicevo, una disponibilità
all’ascolto, all’essere invasa, anche.
La sua intelligenza, da non confondere con la furbizia o la cerebralità, è organica.
Vitale. In qualsiasi altra specie animale quel tipo di intelligenza serve a individuare
il pericolo, sconfiggere la fame, proteggere il branco. In lei corrisponde alla
capacità di riconoscere nella frastornante miseria quotidiana, l’angolazione attraverso
la quale si rivela l’eterno. E raccontarla. [continua...]
ANATOMIA DELITTUOSA E FAMELICA DEL CORPO-SCENA
di Rodolfo di Giammarco
Emma Dante “è” i corpi di La terra trema di Visconti e di Lampi sul Messico di
Ejzenstejn, “è” la posa lazzarona del Bacchino malato di Caravaggio, “è” il muso
di Sergio Citti in Accattone di Pasolini, “è” lo Studio di una testa di Leonardo, “è”
ciò che resta oggi del Cristo morto di Mantegna (più che del Cristo velato di
Sammartino), “è” la tristezza santa della Passione di Giovanna d’Arco secondo
Dreyer per Renée Falconetti, “è” l’urlo delle bocche interdette di Artaud, “è” una
storia infinita di muscoli affranti di Lucian Freud e della non-danza di un Emio
Greco, ed “è” la casa-corpo, la scena-corpo e il tessuto-corpo di un teatro che per
apparati osteoarticolari, circolatori, respiratori, genitali, nervosi ed endocrini ci
tocca e ci attraversa, direi meglio ci transustanzia.
La sua non è una drammaturgia corrente da assimilare ma un’anatomia delittuosa,
luttuosa e famelica (anche beffarda) dell’universo di gesti e linguaggi che si fanno
costume, un costume che è già un tutt’uno organico col nostro sentire più viscerale,
col nostro essere societari, col nostro vivere la condanna a vivere. [continua...]

LA TRIBÙ TRAGICA DI EMMA DANTE
di Andrea Porcheddu
Da dove partire? Da quale sequenza, da quale scena?
Dall’urlo muto di mPalermu o dal suicidio di Carnezzeria? Dal pianto di una
madre che ha perso suo figlio o dalla danza macabra di un travestito che vuole
sedurre il padre?
Difficile orientarsi nel teatro di Emma Dante e della compagnia Sud Costa Occidentale.
Quel che si può tentare, allora, è un viaggio trasversale, un’analisi che possa illuminare
alcuni aspetti di quel teatro, e che possa – soprattutto – porre altre domande, sollevare
questioni irrisolte proprio per capire quanto e come la produzione artistica della giovane
regista palermitana affondi radicalmente – come un affilato coltello – nelle ferite ancora
aperte di una società confusa e allarmata, spaesata e contraddittoria. Si tratta, dunque, di
presentare un orizzonte: un duplice orizzonte, per l’esattezza, ovvero quello nel quale la
compagnia siciliana si è affermata – che è l’Italia di inizio secolo – e quello che gli
spettacoli di Emma Dante, come metafora o come simbolo, raccontano.
Si resta sempre scossi dopo aver visto Vita mia o Carnezzeria, o Mishelle o
La scimia: profondamente turbati, commossi, affascinati. Se questo è il dato immediato
– ovvero il coinvolgimento emotivo senza reticenze – vale la pena chiedersi
perché e come ciò avvenga. [continua...]
L’AMBIENTE SVELATO.
DRAMMA, ATTORE E SPAZIO NEL TEATRO DI EMMA DANTE
di Gerardo Guccini
… nudità completa, simile all’alba, al deserto
o al palcoscenico di un teatro dopo la rappresentazione…
Jacques Copeau
All’inizio di questa pubblicazione, il dialogo fra Andrea Porcheddu, Patrizia
Bologna ed Emma Dante sviluppa a vista del lettore una densa biografia a tre voci.
Le voci di Andrea e di Patrizia chiedono, insistono, chiosano, concludono,
ritornano sulle questioni oppure aprono nuovi argomenti e, pur non rubando spazio
alle risposte, manifestano con nettezza le loro impressioni, che sono di sorpresa,
di insoddisfazione e anche di compiacimento per la chiarezza d’una definizione
o l’interesse dei fatti raccontati.
La voce di Emma racconta, descrive, precisa, s’interrompe per ridere o commentare,
poi esplora nuove direzioni ed evoca immagini e atmosfere. Partecipando
al gioco dei suoi informati interlocutori, Emma ora completa ricordi selezionati dalla
memoria con altri richiamati dal pensiero, ora, quando i ricordi non bastano a
spiegare, cambia registro e trova un tono intimo e autorevole per descrivere i
movimenti psichici che hanno dettato alla vita le sue svolte e ai processi teatrali le
loro scelte. [continua...]

LA LINGUA E GLI STRANIERI. DAL TACCUINO DI SCENARIO
di Cristina Valenti
Emma Dante la sua partecipazione a Scenario la racconta così: l’occasione che
ha permesso a lei e ai suoi attori di «varcare lo stretto di Messina», «fare il viaggio,
finalmente uscire» dall’isola, da Palermo e dalla stanza dell’ex carcere dove per un
anno erano stati chiusi «come animali», a lavorare, sudare e incrudelirsi senza
remissione, e quindi la possibilità di «capire cosa poteva succedere agli stranieri»
di fronte alla «lingua» che avevano inventato 1 .
Al premio Scenario la compagnia presentò il progetto mPalermu, uno studio di
venti minuti che preludeva allo spettacolo completo e ne conteneva i momenti
principali 2 .
mPalermu è lo spettacolo con cui Emma Dante ha inventato il suo teatro: lo
spettacolo della scoperta, che ha rivelato il suo teatro a lei stessa e ha fatto comprendere
agli attori la direzione dei loro sforzi, svelando il segreto del reciproco
accanimento, il senso della «passione morbosa e viscerale» che aveva accompagnato
il periodo di prove durato un anno.
«Lo spettacolo emblema della compagnia – lo definisce la regista – il nostro
libro mastro». [continua...]
RITO, DEVOZIONE E CARNALITÀ PAGANA NEL TEATRO DI EMMA DANTE
di Renato Palazzi
C’è, a mio avviso, un passaggio-chiave nell’azione scenica di Vita mia, che è
quello in cui simultaneamente la bicicletta di Chicco, il figlio morto appunto in un
incidente ciclistico, viene fatta cadere rovinosamente al suolo, mentre nello stesso
istante partono le note di un coro etnico dalle sonorità lancinanti e la madre del
ragazzino lancia un urlo e impugna all’improvviso con le due mani una croce, per
poi abbattersi al suolo in preda a una sorta di squassante crisi convulsiva: è il
momento in cui il teatro di Emma Dante sembra avvicinarsi non solo poeticamente,
ma anche sintatticamente, a certe sequenze degli spettacoli di Kantor.
In diverse occasioni si era avuto modo di notare come la giovane regista siciliana
portasse impresse nel suo modo di affrontare il teatro certe suggestioni, certi
echi di situazioni care al creatore della Classe morta. Ma in questo combinarsi del
gesto liturgico, del suono amplificato a tutto volume e del movimento improvvisamente
emblematico impresso a un oggetto che fino a poco prima pareva appartenere
a una realtà banalmente quotidiana, si esce dalle affinità per così dire formali, e si
nota – fatte le debite proporzioni – la consapevole assimilazione di un inconfondibile
metodo di costruzione delle emozioni dello spettatore. [continua...]

EMMA LA VASTASA
di Goffredo Fofi
Ci sono due Emma Dante, nonostante Emma sia un personaggio invero unico
nel quadro del teatro italiano a cavallo di secolo e di millennio. Le due Emma a volte
si incontrano e a volte entrano in conflitto, riaffermando una schizofrenia che è di
questi anni e del nostro teatro. La prima è l’Emma regista: si ostina a credere ancora
nel “teatro di regia”, ha fatto l’accademia, e si apparenta in qualche modo ai registi
migliori di questi anni, portando in questo campo molta novità ma accettando la
strada da quelli stabilita (e dai critici, e dai burocrati, e dai soloni del teatro, insomma
dall’establishment cultural-mediatico-politico formato da pochi nomi ma imponenti,
prepotenti, invadenti e tanto più convinti di sé quanto meno riescono a
capire i nuovi tempi e a sapere, in essi, elaborare e darsi un progetto, che è cosa
difficilissima per tutti).
(C’è anche una terza Emma, l’attrice, ma se pensiamo a Emma Dante non pensiamo
all’attrice, Emma non si definisce certo per questo).
Confesso un notevole fastidio per gli esiti attuali del “teatro di regia”, confuso
e perlopiù insopportabile anche quando a farlo sono le “grandi firme” o gli ex
giovani che vorrebbero essere registi-autori reinventando il teatro per il tramite di
una propria visione del teatro, che pensano originale e profonda. Esiti scarsi,
banali e di copia, presuntuosi o pretestuosi nel loro rimescolamento poeticistico e
non poetico. È difficile essere poeti, se non si capiscono il tempo e i suoi bisogni e
se non si ha una vena forte da sfruttare, se non si ha un’identità in cui talento e
progetto riescano a compenetrarsi. Non è poeta chi vuole, neanche se ci sono i
critici a farglielo credere: le opinioni dei critici hanno le gambe corte, e almeno in
arte la differenza alla fine vince, anche se rischia o muore di fame. Ma qui il discorso
si farebbe lungo, perché implica una ridiscussione complessiva che nessuno ha
voglia di fare, barcamenandosi quotidianamente per restare a galla o per il gusto
perverso del potere di decidere chi deve restare a galla. Torniamo dunque al lavoro
di Emma Dante e a sostenere subito e con la massima decisione una predilezione
per la sua opera poetica più che per la (degnissima, ma dentro la scia che si è detto)
opera registica.
A Emma regista dobbiamo molto, per esempio una scuola di attori che è oggi tra
le rarissime in cui vere donne e veri uomini di teatro sanno assistere e proteggere
la sana crescita di attori veri (e a me vengono in mente pochi nomi: Martinelli,
Civica, molto tempo fa Carlo Cecchi, molto tempo fa Luca Ronconi; e chi altro?).
Ma le sue “regie” sono decisamente inferiori alle sue “poesie”. E la sua poesia
straordinaria ed eccezionale, bellissima e straziante, è finora quella della Trilogia di
Palermo. Ovvero mPalermu, Carnezzeria e Vita mia. Questa poesia è di tipo particolare,
perché è cresciuta nell’humus di una cultura che affonda le sue radici nella
storia senza storia, reiterata e ossessiva, di un sottoproletariato che è stato ed è
isola nell’isola (Palermo) nell’isola (Sicilia), e in un vocabolario di sofferenza e di
umiliazione, di speranze deluse, di rivolta tentata e fallita... [continua...]

VERSO PURGATORIO
di Patrizia Bologna
Sapeva che le lacrime vengono da un certo movimento delle piccole ghiandole che stanno
sotto le palpebre e che sono agitate da una processione di atomi uscita dal cuore, quando il
cuore stesso è stato colpito dalla successione di immagini colorate che si distaccano dalla
superficie del corpo di una donna amata. Sapeva che l’amore non è causato che dal
gonfiarsi degli atomi che desiderano congiungersi con altri atomi. Sapeva che la tristezza
causata dalla morte non è che la peggiore delle illusioni terrestri, poiché la morta aveva
cessato di essere infelice e di soffrire, mentre colui che la piangeva si affliggeva dei propri
mali e pensava tenebrosamente alla propria morte. Sapeva che non resta di noi alcun
doppio simulacro che versi lacrime sul proprio cadavere steso ai suoi piedi. Ma, conoscendo
esattamente la tristezza e l’amore e la morte, e che esse sono vane immagini quando le
si contempla dallo spazio calmo dove bisogna rinchiudersi, continuò a piangere, e a
desiderare l’amore, e a temere la morte.
(Marcel Schwob, Vite immaginarie)
Una sala buia. Qualche raggio di sole filtra attraverso le imposte. Una musica in
sottofondo: Sei bellissima di Loredana Berté. Il rumore, cadenzato e perfetto, dei
piedi nudi sul parquet. Una ventina di corpi che camminano ordinatamente, avanti
e indietro. Afa, sudore, carne. Aria malsana, chiusa, calda, irrespirabile. La
claustrofobia e la liquorosità delle percezioni dà alla testa. Una donna seduta al
fondo della sala, osserva in silenzio, fumando, rapita. Tutto pare dinamico ma allo
stesso tempo immobile. Una situazione che potrebbe scoppiare all’improvviso o
proseguire in eterno. Una scena che lentamente consuma muscoli e menti, respiri e
sospiri. Poi qualcosa accade, senza un apparente perché. Un urlo primitivo e viscerale:
«Non avete fantasia!! Siete degli stronziii!». La donna alza al massimo il volume
dello stereo, pesta i piedi a terra, inferocita. La voce di Loredana Berté si lacera
in una vibrazione che invade la sala, perforando i timpani.
Questa è l’atmosfera che si respira nei laboratori di Emma Dante. Emma è così,
silenziosa e strepitante, vulnerabile e irruente, indulgente e irascibile. Ogni giornata
è una tortura fisica e mentale, che lascia sulla pelle ferite non rimarginabili.
Terribili sono le voci che corrono sul suo conto, sulla sua aggressività e sulla sua
aggressione, sulla sua maniacalità e sulla sua rabbia. Sulla passionalità. Ed è tutto
vero.
Per Emma il teatro è una necessità, è una questione di vita o di morte, è l’essenza
stessa dell’esistenza. Questo lei pretende da se stessa e dagli altri. E quando
non ottiene ciò che lei per prima offre, è una tragedia. Una tragedia che per gli attori
non inizia né alle prove né ai laboratori, ma ancora prima, ai provini... [continua...]

TESTIMONIANZE
A cura di Patrizia Bologna
FORZA E VERITÀ IN SCENA
Intervista a Gaetano Bruno
GIOCARE A NASCONDINO IN UN CAMPO MINATO
Intervista a Manuela Lo Sicco
UNO SPAZIO DOVE TUTTO È POSSIBILE
Intervista a Sabino Civilleri
IL SANGUE SOTTO LA FINZIONE…
Intervista a Enzo Di Michele

TEATROGRAFIA
Il sortilegio
Liberamente tratto da Dell’amore e di altri demoni
di Gabriel Garcia Marquez
Drammaturgia e regia: Emma Dante
Con: Roberto Atanasio, Italia Carroccio, Daria Castellini, Sabino Civilleri, Emma
Dante, Manuela Lo Sicco, Renza Monteleone, Alessandra Perrone, Daniele
Petruccioli, Manfredi Siragusa
Assistente alla regia: Simona Barbero
Organizzazione e direzione tecnica: Roberto Atanasio
Costumi e elementi scenici: Ass. Cult. O.C.E.
Produzione: Ass. Cult. “La vicaria”
Foto di scena: Riccardo Bonavia
Data debutto: novembre 1999
Luogo debutto: Cantieri della Zisa (studio), Castello di Alcamo (prima)
Insulti
Liberamente tratto da Superwoobinda di Aldo Nove
Regia: Emma Dante
Con: Italia Carroccio, Sabino Civilleri, Emma Dante
Direzione tecnica: Roberto Atanasio
Data debutto: febbraio 2000
Luogo debutto: Fiera del mediterraneo di Palermo
La principessa sul pisello
Regia: Emma Dante
Con: Italia Carroccio, Sabino Civilleri, Manuela Lo Sicco
Elementi scenici: Roberto Atanasio
Data debutto: giugno 2000
Luogo debutto: Pub “Berlin Cafè” di Palermo
La favola di Farrusca e Cherastani
da La donna serpente di Carlo Gozzi
Adattamento: Violante Valenti
Regia: Emma Dante
Con: Italia Carroccio, Manuela Lo Sicco, Sabino Civilleri,
Gaetano Bruno, Alessandra Fazzino
Progetto del Comune di Palermo - Settore attività culturali
In collaborazione con “Teatrinstabili”
Data debutto: giugno 2001
Luogo debutto: stazione Lolli di Palermo

mPalermu
Drammaturgia e regia: Emma Dante
Con: Monica Anglisani (Ersilia Lombardo), Gaetano Bruno,
Sabino Civilleri, Tania Garribba, Manuela Lo Sicco
Direzione tecnica e organizzativa: Daniela Lo Re
Foto: Oreste Brondo e Lia Cuccio
Produzione: Sud Costa Occidentale
Data debutto: novembre 2001
Luogo debutto: Teatro delle Briciole – Teatro al Parco di Parma
Carnezzeria
Drammaturgia e regia: Emma Dante
Con: Gaetano Bruno, Sabino Civilleri, Enzo Di Michele,
Manuela Lo Sicco
Direzione tecnica e luci: Tommaso Rossi
Scene: Fabrizio Lupo
Foto di scena: Lia Cuccio
Produzione: Crt di Milano
Data debutto: novembre 2002
Luogo debutto: Crt - Teatro dell’Arte di Milano
Medea
da Euripide
Adattamento e regia: Emma Dante
Con: Iaia Forte e Tommaso Ragno
E con: Gaetano Colella, Luigi Di Gangi, Stefano Miglio,
Alessio Piazza, Antonio Puccia
Musiche composte ed eseguite dal vivo da: Fratelli Mancuso
Scene: Fabrizio Lupo
Costumi: Emma Dante
Assistente alla regia: Ersilia Lombardo
Produzione: Mercadante-Teatro Stabile di Napoli
In collaborazione con: AMAT-Associazione marchigiana attività teatrali
Data debutto: gennaio 2004
Luogo debutto: Teatro Mercadante di Napoli
La scimia
Liberamente ispirato a Le due zittelle di Tommaso Landolfi
Elaborazione del testo: Elena Stancanelli
Regia: Emma Dante
Con: Gaetano Bruno, Sabino Civilleri, Marco Fubini,
Manuela Lo Sicco, Valentina Picello
Scene: Mela Dell’Erba

Luci: Tommaso Rossi
Assistente alla regia: Claudio Autelli
Produzione: Crt di Milano, La Biennale di Venezia, Teatro Garibaldi di Palermo
In collaborazione con: Monty - Anversa (Belgio)
Data debutto: settembre 2004
Luogo debutto: La Biennale di Venezia, Teatro alle Tese delle Vergini, Venezia
Vita mia
Drammaturgia e regia: Emma Dante
Con: Ersilia Lombardo, Enzo Di Michele, Giacomo Guarneri, Alessio Piazza
Luci: Christian Zucaro
Foto di scena: Dario Guarneri
Direzione organizzativa: Fanny Bouquerel
Progetto grafico: Autonome Forme
Produzione: Sud Costa Occidentale
Co-produttore principale: Romaeuropa Festival 2004
Co-produttori: Scènes étrangères – La Rose des Vents / Lille,
Festival Castel dei Mondi 2004
Data debutto: ottobre 2004
Luogo debutto: Romaeuropa Festival, Villa Medici, Roma
Mishelle di Sant’Oliva
Drammaturgia e regia: Emma Dante
Con: Giorgio Li Bassi, Francesco Guida
Scene e costumi: Emma Dante
Luci: Irene Maccagnani
Foto di scena: Alfredo d’Amato
Progetto grafico: karma/frog
Direzione organizzativa: Fanny Bouquerel
Produzione: Sud Costa Occidentale
Co-produttori: Festival delle Colline Torinesi, Espace Malraux, Scène Nazionale
de Chambéry, Drodesera>Centrale Fies
Data debutto: giugno 2005
Luogo debutto: Festival delle Colline Torinesi, Cavallerizza Manica Corta, Torino.
mPalermu
Regia teatrale: Emma Dante
Regia televisiva: Marco Rossitti
Luci: Cristian Zucaro
Direttore della fotografia: Gianandrea Sasso
Direzione tecnica: Giovanni Ferrin
Editing video: Barbara Del Col

Editing audio: Giovanni De Mezzo
Registrazione audio e missaggio: Marco Melchior
L’Unità – Teatro Incivile
Una collana ideata da: Rossella Battisti e Mario Perrotta
Organizzazione generale: Stefano Salerno e Angela Felice
In collaborazione con: Associazione provinciale per la prosa Pordenone; Teatro
Club Udine; Università degli Studi di Udine, Facoltà di Scienze della Formazione
(Corso di Laurea in Scienze e Tecnologie Multimediali, Corso di Laurea
specialistica in Linguaggi e Tecnologie dei Nuovi Media)
Data di distribuzione: 12 aprile 2006
Cani di bancata
Testo e Regia: Emma Dante
Con: Sabino Civilleri, Sandro Maria Campagna, Salvatore d’Onofrio, Ugo
Giacomazzi, Vincenzo Di Michele, Manuela Lo Sicco, Stefano Miglio,
Carmine Maringola, Alessio Piazza, Alessandro Rugnone, Antonio Puccia
Scene: Emma Dante, Carmine Maringola
Costumi: Emma Dante
Luci: Cristian Zucaro
Assistente alla drammaturgia: Eleonora Lombardo
Foto: Giuseppe di Stefano
Produzione: Crt Centro di Ricerca per il Teatro in collaborazione con Paler
mo Teatro Festival
Data debutto: novembre 2006.
Luogo Debutto: Crt – Teatro dell’Arte, Milano
Eva e la Bambola
Carmen Consoli in Teatro
Testi Teatrali di Emma Dante
Voce e Chitarra: Carmen Consoli
Musicisti: Massimo Roccaforte (mandolino); Santi Pulvirenti (chitarra acu
stica e buzouki); Puccio Panettieri (batteria e percussioni); Marco Siniscalco
(contrabbasso); Andrea Di Cesare (violino); Giancarlo Parisi (fiati);
Voce recitante: Simona Malato
Scenografie: Valerio Di Pasquale
Costumi: Lou
Produzione: Francesco Barbaro
Data debutto: gennaio 2007
Luogo debutto: Teatro Politeama, Cascina (Pi).

Il Festino
Testo e Regia: Emma Dante
Con: Gaetano Bruno
Luci: Antonio Zappalà
Foto: Carmine Maringola
Produzione: Sud Costa Occidentale
In collaborazione con: Nuovo Teatro Nuovo di Napoli; Festival delle Colli
ne Torinesi
Data debutto: marzo 2007
Luogo debutto: Nuovo Teatro Nuovo, Napoli,
Le Pulle
operetta amorale
Testo e Regia: Emma Dante
Musiche originali: Gianluca Porcu, Alias Lu
Testi delle canzoni: Emma Dante
Con: Elena Borgogni, Sandro Maria Campagna, Sabino Civilleri, Emma Dante,
Ersilia Lombardo,
Manuela Lo Sicco, Carmine Maringola, Clio Gaudenzi, Antonio Puccia
Scene: Carmine Maringola
Costumi: Emma Dante
Luci: Cristian Zucaro
Foto: Giuseppe di Stefano
Produzione: Teatro Mercadante, Napoli; Théâtre du Rond-Point, Paris;
Co-produzione Théâtre National de la Communauté Française, Bruxelles.
Data debutto: febbraio 2009
Luogo debutto: Teatro Mercadante, Napoli.
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info@editricezona.it

SOMMARIO
PREFAZIONE di Andrea Porcheddu
PER UNA INTRODUZIONE (CON RINGRAZIAMENTI)
di Andrea Porcheddu
FRAMMENTI VISIVI
LA STRADA SCOMODA DEL TEATRO
Intervista con Emma Dante
di Andrea Porcheddu e Patrizia Bologna
SGUARDI
COME FA UN AEREO A VOLARE di Elena Stancanelli
ANATOMIA DELITTUOSA E FAMELICA DEL CORPO-SCENA
di Rodolfo di Giammarco
LA TRIBÙ TRAGICA DI EMMA DANTE di Andrea Porcheddu
L’AMBIENTE SVELATO. DRAMMA, ATTORE E SPAZIO
NEL TEATRO DI EMMA DANTE di Gerardo Guccini
LA LINGUA E GLI STRANIERI. DAL TACCUINO DI SCENARIO
di Cristina Valenti
RITO, DEVOZIONE E CARNALITÀ PAGANA di Renato Palazzi
EMMA LA VASTASA di Goffredo Fofi
VERSO PURGATORIO di Patrizia Bologna
TESTIMONIANZE a cura di Patrizia Bologna
FORZA E VERITÀ IN SCENA. Intervista a Gaetano Bruno
GIOCARE A NASCONDINO IN UN CAMPO MINATO
Intervista a Manuela Lo Sicco
UNO SPAZIO DOVE TUTTO È POSSIBILE. Intervista a Sabino Civilleri
IL SANGUE SOTTO LA FINZIONE… Intervista a Enzo Di Michele
TEATROGRAFIA
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