Nabucco - Il giornale dei Grandi Eventi

Gli Interventi
Giorgio Napolitano A Pag. 2
Marcello Veneziani A Pag. 12
Vittorio Emanuele A Pag. 13
La Storia dell’Opera
La gloria dopo la sventura
A Pag. 6
Il vero Nabucodonosor
Il conquistatore di Gerusalemme
che riedificò la torre di Babele
A Pag. 8 e 9
Le vicende
dell’Inno nazionale
La storia degli Inni e quella
del Canto degli Italiani
A Pag. 12 e 13
Un curioso ricordo
del “Va’ pensiero”
Per il Settantesimo
della morte di Verdi
A Pag. 14
anno XVII - Numero 18 - 12 marzo 2011
NabucodoNosor
di Giuseppe Verdi

2 Nabucco Il
Questo Nabucco nelle riflessioni di Muti e
del regista Jean-Paul Scarpitta
Un’opera di Verdi simbolo
di libertà universale
volevo assentarmi da questo
avvenimento, legato ai 150 anni
«Non
dell’Unità d’Italia». Riccardo
Muti ce l’ha messa tutta per riprendersi dal
malore accusato il 3 febbraio scorso durante
la prova generale di un concerto a Chicago,
con il conseguente
impianto di un pacemaker.
La prescrizione
dei medici per un periodo
di riposo assoluto
di almeno sei settimane,
aveva fatto pensare
ad una possibile
defezione. Muti a Roma
ha voluto comunque
esserci, «per affetto e
ammirazione verso questo
teatro – dice - e per non
mancare un appunta-
Jean-Paul Scarpitta
mento tanto sentito, anche per i risvolti simbolici
legati alla ricorrenza». La sua collaborazione
con l’ente lirico romano proseguirà
durante la prossima stagione - ancora molto
incerta nella struttura per i contestati tagli
al FUS – con la direzione del titolo inaugurale
della stagione nell’ultima settimana
di novembre, al quale seguirà nel corso del
2012 un secondo titolo. La scelta delle due
opere – sicuramente verdiane - dovrebbe
essere tra il Macbeth, il Simon Boccanegra o
l’Attila, titolo quest’ultimo che però all’opera
di Roma è stato presentato più di recente.
Tornando al Nabucco, Muti vanta una lunga
frequentazione con questa partitura. La
prima volta risale al Maggio Musicale Fiorentino
del 1977, uno spettacolo pregevole
con la regia metastorica di Luca Ronconi, le
scene ed i costumi di Pier Luigi Pizzi, e le
presenze importanti di Siegmund NImsgern
e di Cristina Deutekom. Nello stesso
Il Giornale dei Grandi Eventi
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anno si registra l’incisione per l’etichetta
Emi, caratterizzata da un incedere drammatico
inesorabile, con la Philharmonia
Orchestra e le voci di Matteo Manuguerra,
Renata Scotto, Nicolai Ghiaurov e Elena
Obraztsova. Nel 1986 troviamo Muti al suo
primo S. Ambrogio scaligero
come direttore musicale,
con Bruson ottimo
protagonista. Con il Nabucco,
il giovane Verdi
compone un’opera in grado
di coinvolgere il sentimento
popolare, capace
di trascendere i propri limiti
per divenire poi simbolo
dello spirito risorgimentale.
Al di là dei caratteri
specifici di una partitura
indubbiamente acerba
e caratterizzata da un’estrema economia
di mezzi ma comunque sempre attenta ai
valori del dramma, Muti nota «una musica
concisa, travolgente, poetica», vera incarnazione
dell’anima italiana.
Su questo allestimento, il regista Jean-Paul
Scarpitta intende la messa in scena come
«una riflessione sulla storia più che una rappresentazione».
L’idea portante è quella di un
minimalismo che riduca al massimo gli
elementi scenici, privando gli accessori di
qualsiasi valenza decorativa, «permettendo
una vera drammaturgia». L’ambientazione
storica è suggerita da pochi essenziali elementi,
una piramide, una sola porta del palazzo,
qualche albero davanti a un muro
d’oro e rovine che emergono dalle nuvole.
Tutto concepito per «comprendere e far comprendere
- sottolinea il regista - senza ottenebrare
lo sguardo dello spettatore cercando di imporgli
idee preconcette». Importante è poi il
discorso sull’attualità del teatro verdiano.
Nelle parole di Scarpitta, «il
genio di Verdi ci rimanda al nostro
tempo, ai nostri drammi, e li
chiarisce, perché oggi più che
mai, il nostro destino è la politica».
La conclusione della vicenda
introduce una nota di
speranza, una nuova nascita,
«l’apparizione di una bella e giovane
donna di oggi che culla fra
le braccia un bambino, in mezzo
a giovani uomini d’oggi, cuori
puri appassionati di libertà.
Questo messaggio - conclude
Scarpetta - dovrebbe risuonare
nel cuore degli uomini che vedono
un’Europa che stenta a costruirsi,
mentre le dittature faticano
a disfarsi, a scomparire».
riccardo cenci
Giornale dei Grandi Eventi
Stagione 2010-2011 al Teatro Costanzi
12 – 19 aprile 2011 dIe eNtführuNG aus dem seraIl
(Il ratto dal serraglio)
di W.A. Mozart
Direttore Gabriele Ferro
Interpreti Maria Grazia Schiavo, Olga Peretyatko, Charles Castronovo
24 – 31 maggio 2011 la battaGlIa dI leGNaNo
di Giuseppe Verdi
Direttore Pinchas Steinberg
Interpreti Dmitriy Beloselskiy, Luca Salsi, Tatiana Serjan
6 - 26 giugno 2011 bohème
di Giacomo Puccini
Direttore James Conlon
Interpreti Ramòn Vargas, Vito Priante, Hibla Gerzmava
stagione estiva alle terme di caracalla
~ ~ La Locandina ~ ~
Teatro Costanzi, 12 - 24 marzo 2011
NabucodoNosor
Dramma lirico in quattro atti
Libretto di Temistocle Solera
dal dramma Nabucodonosor di Anicète Bourgeois
e Francis Cornue (1836)
Prima rappresentazione: Milano, Teatro Alla Scala
9.3.1842) (Terza opera teatrale di G. Verdi)
EDIZIONI RICORDI, MILANO
Edizione critica a cura di Roger Parker
University of Chicago Press
Musica di Giuseppe Verdi
Direttore Riccardo Muti
Regia e Scene Jean-Paul Scarpitta
Maestro del Coro Roberto Gabbiani
Costumi Maurizio Millenotti
Luci Urs Schönebaum
Personaggi / Interpreti
adrIaNa lecouVreur
di Francesco Cilea
Nabucodonosor (Bar) Leo Nucci 12, 17, 15, 19 /
Giovanni Meoni 20, 22, 24
Ismaele (T) Antonio Poli
Zaccaria (B) Dmitry Beloselskiy 12, 15, 17, 19, 24 /
Riccardo Zanellato 20, 22
Abigaille (S) Csilla Boross 12, 15, 17, 19/
Viktoriia Chenska 20, 22, 24
Fenena (Ms) Anna Malavasi 12, 15, 17, 19/
Ezgi Kutlu 20, 22, 24
Gran Sacerdote di Belo (B) Goran Jurić
Abdallo (T) Saverio Fiore
Anna (S) Erika Grimaldi 12, 15, 17, 19/
Simge Büyükedes 20, 22, 24
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO DELL’OPERA
Nuovo Allestimento
aIda
di Giuseppe Verdi
30 settembre – 8 ottobre 2011 elektra
di Richard Strauss
Direttore Fabio Luisi
Interpreti Felicity Palmer, Eva Johansson, Melanie Diener
~ ~ La Copertina ~ ~
Giacomo antonio caimi - Giovani ebree a Babilonia
(Torino - Civica Gallalleria d’ Arte moderna e
contemporanea).

Il Giornale dei Grandi Eventi
In questo 150°, che in
realtà non è dell’Unità
d’Italia (la quale si
compirà solo nel 1918) ma
del Regno d’Italia, non ci
poteva essere opera più
evocativa del Risorgimento
italiano che il Nabucco
di Verdi. Non perché esso
sia nato con spirito rivoluzionario,
ma piuttosto per
il fatto di essere stato assunto
a simbolo di un periodo
storico – quello tra il
1842 ed il ’48 – in cui in
molti, soprattutto nell’Italia
del nord, guardavano
ad un nuovo ordine affrancato
dal dominio
dell’Austria-Ungheria.
Il coro del “Va’ pensiero”
diventò così – più nell’epopea
che nella realtà – il canto
del Risorgimento. Da
qualche decennio, ciclicamente,
torna la proposta -
talvolta provocatoria - di
farne l’Inno nazionale al
Nabucco
posto del Canto degli Italiani
di Mameli. La ciclicità della
storia ha portato ora la Lega
Nord ad adottare queste
stesse note come colonna
sonora per l’indipendenza
della Padania, per una divisione
che incredibilmente
ribalta gli ideali risorgimentali.
Questo Nabucco, con le scene
e i costumi di Jean-Paul
Scarpitta, va in scena diretto
da Riccardo Muti, redu-
ce dal malore e dal bypass
di poco più di un mese fa, e
con un cast capitanato da
uno specialista del ruolo di
Nabucco come Leo Nucci.
La serata del 17 marzo,
giorno del 150° della proclamazione
del Regno d’Italia
e data ufficiale dei festeggiamenti,
sarà ad inviti
ed ad appannaggio della
Presidenza del Consiglio
dei Ministri, con la presenza
del Capo dello Stato.
Il Nabucco per celebrare l'Unità d'Italia
Nella prima parte la vicenda è ambientata
a Gerusalemme, nelle altre tre a
Babilonia, intorno al 587 a.C..
Parte I – (Gerusalemme) – Radunati nel tempio di
Salomone ebrei e leviti piangono la sorte del popolo d’Israele
sconfitto da Nabucco (contrazione del nome Nabucodonosor)
Re d’Assiria, che alla testa del suo esercito sta per entrare
in città. Il Gran Sacerdote Zaccaria rincuora i fedeli.
Israele ha in ostaggio Fenena, figlia di Nabucco che viene
consegnata in custodia ad Ismaele, nipote del Re di Gerusalemme
Sedecia. I due giovani sono però innamorati e progettano
una fuga comune. Lui le ricorda quando da ambasciatore
andò a Babilonia e, imprigionato, fu salvato proprio
da lei sia dalla prigione che dall’amore furente della di lei
sorella Abigaille. Così mentre Ismaele sta per aprire una
porta segreta entra Abigaille, schiava creduta figlia primogenita
di Nabucco, seguita da alcuni guerrieri babilonesi
travestiti da ebrei. Abigaille, ancora innamorata, impedisce
la fuga e, gridando vendetta, accusa Ismaele di tradire la patria
per una donna babilonese. Confessando di averlo amato
e di avergli offerto il regno di Babilonia, la donna si dichiara
pronta a salvarlo se tornerà da lei.
Gli ebrei sono in preghiera quando avanza Abigaille inneggiando
a Nabucco con i guerrieri che entrano nel tempio.
Giunge anche Nabucco il quale viene affrontato da Zaccaria.
Questo minaccia di uccidere Fenena se Nabucco osasse
profanare il tempio. Mentre Zaccaria sta per vibrare il pugnale
su Fenena, Ismaele gli blocca la mano e la ragazza
fugge tra le braccia di Nabucco che annuncia vendetta ed
ordina il saccheggio della città.
Parte II – (L’empio) – Tornata a Babilonia, Abigaille
scopre, da una carta sottratta a Nabucco, di essere solo
una schiava e non sua figlia. Questa condizione la rende furente
contro Fenena, Nabucco ed il Regno e nei suoi propositi
di vendetta e di acquisizione del potere si fa aiutare dal
Gran Sacerdote di Belo. Intanto Fenena, che ha ricevuto pie-
La Trama
ni poteri dal padre, libera gli ebrei e
chiede a Zaccaria di essere convertita
alla religione ebraica. Abigaille si appresta
ad impadronirsi della corona di Fenena quando
giunge Nabucco che afferra la corona e si proclama dio. A
tali parole blasfeme sul suo capo cade un fulmine che allontana
la corona, immediatamente raccolta da Abigaille che se
la pone in testa.
Parte III – (La profezia) – Nella reggia di Babilonia
Abigaille è sul trono. Entra Nabucco con le vesti lacere e
la barba incolta. Dopo una discussione Abigaille lo convince
a firmare l’ordine di morte per gli ebrei prigionieri. Nabucco
è perplesso e firma, ma poi quando si rende conto che
tra essi c’è anche la figlia Fenena vorrebbe tornare sui suoi
passi. Abigaille non lo permette e Nabucco l’appella schiava
e cerca il foglio attestante la nascita servile. Abigaille lo tira
fuori dal seno e lo distrugge. Abigaille fa condurre in prigione
Nabucco, il quale chiede almeno Fenena. Intanto sulle
sponde dell’Eufrate gli ebrei invocano con nostalgia la loro
patria. Giunge poi Zaccaria che profetizza la liberazione del
suo popolo.
Parte IV – (L’idolo infranto) - Negli appartamenti
della reggia Nabucco, ancora prigioniero ma ormai rinsavito,
sente rumori di guerra ed affacciatosi alla finestra vede
la figlia Fenena trascinata verso la morte. Colto da ispirazione
chiede perdono al Dio e riacquista le forze. A liberarlo arrivano
guerrieri rimasti fedeli. Nabucco prende la spada di
Abballo e corre verso gli orti pensili dove il Sacerdote di Belo
sta per giustiziare Fenena. Irrompe Nabucco che infrange
l’idolo e libera i prigionieri, unendosi poi agli ebrei per esaltare
la gloria di Dio e ringraziarlo della nuova libertà. Entra
Abigaille, che nel frattempo ha bevuto del veleno. In fin di
vita chiede perdono a Fenena benedicendo il suo amore per
Ismaele. Muore invocando la pietà di Dio, mentre Zaccaria
saluta Nabucco re dei re.
Le Repliche
3
Martedì 15 marzo, h. 20.30
Giovedì 17 marzo, h. 20.30
Sabato 19 marzo, h. 18.00
Domenica 20 marzo, h. 16.30
Martedì 22 marzo, h. 20.30
Giovedì 24 marzo, h. 20.30
L’Intervento
Nabucco, modello
degli ideali
risorgimentali
di Giorgio Napolitano
Unità d’Italia fu
L’ perseguita e conseguita
attraverso la
confluenza di diverse
visioni, strategie e tattiche,
la combinazione di
trame diplomatiche,
iniziative politiche e
azioni militari, l’intreccio
di componenti moderate
e componenti
democratico rivoluzionarie.
Fu davvero una
combinazione prodigiosa,
che risultò vincente
perché più forte
delle tensioni anche
aspre che l’attraversarono.
Ora tutte le iniziative in
programma per il 150°
fanno tutt’uno con
l’impegno a lavorare
per la soluzione dei
problemi oggi aperti
dinanzi a noi: perché
quest’impegno si nutre
di un più forte senso
dell’Italia e dell’essere
italiani, di un rinnovato
senso della missione
per il futuro della Nazione.
Ieri volemmo
farla una e indivisibile,
come recita la nostra
Costituzione, oggi vogliamo
far rivivere nella
memoria e nella coscienza
del paese le ragioni
di quell’unità e
Segue a pag 10

Il Giornale dei Grandi Eventi
Antonio Poli
Ismaele, nipote del Re
e traditore per amore
ad antonio Poli il ruolo di Ismaele. Nato a Viterbo nel
1986, ha studiato all’Accademia di Santa Cecilia di Roma e attual-
E’affidato
mente studia con il Maestro Romualdo Savastano. Ha vinto vari
concorsi internazionali. Nel 2006 ha debuttato nella parte di Alessadro (Il re
pastore) con la Roma Sinfonietta diretta da Marcello Panni, nel 2007 è stao il
figlio di Bruschino (Il Signor Bruschino di Rossini) con l’Orchestra Nazionale
di Santa Cecilia diretta da Carlo Rizzari. Nell’estate 2010 ha preso parte al
progetto per giovani cantanti del Festival di Salisburgo. Sempre nel 2010 ha
cantato nel ruolo di Arturo in Lucia di Lammermoor a Valencia, e, come ospite,
ha interpretato Hirte Ein Junger Seemann in una nuova produzione di Tristan
und Isolde diretta da Gianluigi Gelmetti a Genova. A Graz ha debuttato
come Don Ottavio in Don Giovanni. Ad Amburgo ha cantato Polish Requiem
di Pendercki diretta dal compositore al Reale Festival (Roma) e Petite Messe
Solennelle di Rossini e si è esibito inoltre nel “Concerto di Capodanno 2011”,
dal Teatro La Fenice di Venezia.
Dmitry Beloselskiy e Riccardo Zanellato
Zaccaria, Profeta e
Gran Sacerdote
Acantare nel ruolo di Zaccaria sono i bassi dmitry beloselskiy
(12, 15, 17, 19, 24 marzo) e riccardo Zanellato (20, 22 marzo).
dmitry beloselskiy nato a Pàvlograd (Ucraina), si è diplomato
all’Accademia di Musica Gnesin di Mosca. Nel 2007 è vincitore del II premio
al Concorso internazionale Tchaikovsky. Attualmente è solista del
Teatro Bolshoi di Mosca dove nello scorso maggio ha debuttato nel ruolo
di Zaccaria in Nabucco. Recentemente è stato Zaccaria anche nella produzione
al West Palm Beach Opera. Ha partecipato, nel ruolo protagonista,
alla registrazione di The tale of the priest and his worker, Balda di Shostakovich.
I prossimi impegni lo vedranno a Salisburgo in Macbeth, al Metropolitan
di New York in Nabucco, a Zurigo in Principe Igor, a Vienna in Attila.
riccardo Zanellato dopo il diploma in chitarra al Conservatorio di
Adria nel 1995, ha iniziato gli studi di canto sotto la guida di Arrigo Pola
perfezionandosi poi con Bonaldo Giaiotti. Ha vinto i concorsi “Iris Adami
Corradetti” e “A. Belli” di Spoleto, debuttando nel Faust di Gounod.
Dopo aver vinto il concorso “Operalia” a Tokyo nel 1996, ha iniziato una
brillante carriera. Ha cantato con Dom Sébastien di Donizetti al Comunale
di Bologna e al Donizetti di Bergamo. Giovanissimo, si sta affermando
per i ruoli di basso verdiano. Nella stagione 2009 all’Opera di Roma è stato
protagonista in Iphigenié en Aulide diretto da Muti, in Nabucco a Wiesbaden,
e nel Requiem di Verdi ad Hong Kong. Nella stagione 2010 Rigoletto
all’Opéra Royal de Wallonie di Liegi e in tour a Charleroi e Harleen,
Guglielmo Tell a La Coruna e Nabucco a Copenhagen. E’ stato interprete di
Rigoletto alle Terme di Caracalla 2010 per l’Opera di Roma e di Moïse et
Pharaon per l’inaugurazione della Stagione 2010-2011, diretto da Muti.
Csilla Boross e Viktoriia Chenska
Abigaille, la schiava che
vuole farsi regina
Acantare come Abigaille saranno i soprano csilla boross (12, 15,
17 ,19 marzo) e Viktoriia chenska (20, 22, 24 marzo). csilla boross,
ungherese, ha iniziato i suoi studi musicali all’Accademia
Musicale Ferenc Liszt a Budapest. Nel 1998 ha ottenuto una borsa di studio
a Székesfehérvár. Dall’agosto 2008 è solista e membro del Teatro Nazionale
(Janácek Theater) a Brno, e dal settembre 2008 è solista dell’Hungarian
State Opera. È regolarmente invitata al National Theater di Praga
dal 2008 e continua ad esibirsi come guest all’Hungarian State Opera.
Nella stagione 2009-2010 al Teatro Janacek ha preso parte alle produzioni:
Macbeth, Eugene Onegin, Madama Butterfly, Aida, Nabucco. Nel 2010 è
stata Fiordiligi in Così fan tutte al Nazionale di Praga, ha debuttato come
Elettra nell’Idomeneo di Mozart e ha cantato Tosca allo Smetana Litomysil
Nabucco
Leo Nucci e Giovanni Meoni
Nabucco, Re di Babilonia
Pagina a cura di Francesco Piccolo – Foto di Corrado M. Falsini
5
Saranno i baritoni leo Nucci (12,
15, 17 e 19 marzo) e Giovanni
meoni (20, 22, 24 marzo) ad interpretare
il ruolo di Nabucco. leo
Nucci, nato nel 1942 a Castiglione dei
Pepoli (Bologna), ma vive a Lodi. Ha
studiato Canto a Bologna con Giuseppe
Marchesi e si è perfezionato poi
con Ottavio Bizzarri e Mario Bigazzi.
Ha debuttato a Spoleto nel 1967, presso
il Teatro Sperimentale “A.Belli” come
Figaro nel Barbiere di Siviglia, stesso
titolo con cui debutterà nel 1977 al
Teatro alla Scala. Nel 1978 fu chiamato
al Covent Garden di Londra per la
Leo Nucci
Luisa Miller. Oggi è considerato il
maggior baritono verdiano in carriera. Ha interpretato due film opera:
Macbeth, presentato a Cannes nel 1987 e Il Barbiere di Siviglia, oltre a numerosi
video live di opere. Ha inaugurato diverse volte la stagione della
Scala di Milano con cui collabora dal 1977 così come trentennale è il rapporto
con l’Arena di Verona. Tra le varie produzioni Simon Boccanegra diretto
da Sir.Georg Solti, Tosca, Rigoletto, Il Trovatore, Nabucco, Macbeth, La
Forza del destino, I Due Foscari e Otello dirette da Riccardo Muti. Dal debutto
avvenuto nel 1980 con Un Ballo in maschera accanto a Luciano Pavarotti,
è presente ininterrottamente al Metropolitan di New York. Nel 2001, 100°
anniversario della morte di Verdi, è stato impegnato, oltre che alla Scala,
nei maggiori teatri e sale da concerto del mondo.
E’ stato nominato “Kammersänger” della Staatsoper di Vienna e Ambasciatore
UNICEF. Nel 2005 ha partecipato alla nuova produzione della
Forza del destino alla Opernhaus di Zurigo. Per la stagione areniana 2007
ha interpretato Nabucco e Figaro nel Barbiere di Siviglia. La sua prima presenza
sul palcoscenico del Teatro dell’Opera di Roma risale al 1963 quando,
come comparsa, prese parte ad I Maestri cantori. E’ del 1970, invece, la
sua prima interpretazione come cantante nei panni di Dancairo in Carmen
nella storica produzione con la regia di Sandro Bolchi e le scene e i costumi
di Renato Guttuso. A Roma l’ultima volta ha cantato nel 1998 nel Nabucco.
Giovanni meoni Nato a Genoano di Roma nel 1964, Giovanni
Meoni ha cominciato lo studio del canto con Leo Ferri, debuttando nel
1991 con La Bohème (Marcello) al Flavio Vespasiano di Rieti. Dal 1991 al
1993 ha vinto importanti concorsi nazionali ed internazionali. E’ attivo
anche in ambito concertistico nelle più prestigiose istituzioni e sale da
concerto. Interprete della tradizione operistica italiana, si distingue, nei
primi anni della sua carriera, nell’esecuzione del repertorio belcantistico
belliniano e donizettiano, per arrivare, successivamente, al repertorio
verdiano nel quale trova la sua naturale collocazione e dove, la sua vocalità,
raggiunge la massima espressione in particolar modo nei grandi ruoli
di “baritono nobile”. Ha collaborato con importanti direttori d’orchestra
ed insignito di diversi riconoscimenti tra i quali il “Premio Lauri Volpi”
e il “Premio Ettore Bastianini 2004”.
Festival nella Repubblica ceca. Nella stagione 2010-2011 molti i debutti
italiani, tra cui La traviata al Verdi di Trieste e Lady Macbeth nel Macbeth
al Comunale di Modena, di Piacenza e Bolzano. Tra gli impegni futuri
il debutto alla Washington National Opera con il ruolo di Abigaille
nel Nabucco.
Viktoriia chenska ha compiuto i suoi studi, fino al 2000, all’Accademia
Musicale Nazionale dell’Ucraina, sotto la guida dell’insegnante
Galina Tuftina. Premiata in diversi Concorsi internazionali di canto, è
attualmente solista, dal 2007, presso il Teatro Nazionale dell’Opera di
Kiev, dove canta, nei ruoli della protagonista, in alcune fra le più importanti
opere in repertorio. Ha partecipato ai concorsi Opera Singers
Competition “Ondina Otta” Maribor – terzo premio 1999 e 2001.

6 Nabucco Il
La storia dell’opera
Nabucodonosor, la gloria dopo la sventura
quest’opera
si può dire ve-
«Con
ramente che
ebbe principio la mia carriera
artistica». Verdi si accorse
subito che Nabucco
era nato sotto una stella
favorevole ed anche dopo
riconobbe che il suo destino
di operista dipese in
gran parte da quel giovanile
successo.
Curioso, visti i
preamboli, non
certo incoraggianti:
il compositore,
nel
pieno di un terribile
lutto familiare
- la
morte improvvisa
dei due figlioletti
e poco
dopo quella
dell’amatissima
moglie
Margherita Barezzi
- e
profondamente
amareggiato
dal fiasco della
sua opera buffa
Un giorno di regno, andata
in scena alla Scala il 5 settembre
del 1840, era infatti
più che mai deciso ad
abbandonare la composizione.
Aveva allora 27 anni.
«Mi persuasi che dall’arte
avrei invano aspettato
consolazioni e decisi di non
comporre mai più». Tutto
questo nonostante il suo
Oberto, conte di San Bonifacio
gli avesse invece regalato
soddisfazioni, dopo
la buona accoglienza,
sempre alla Scala, poco
meno di un anno prima, il
17 novembre del ‘39.
Le circostanze che portarono
al mutamento d’animo
sul comporre, sono
parzialmente aneddottiche.
Certo è che grande
parte ebbe Bartolomeo
Merelli – impresario della
Scala ed tra i grandi impresari
italiani dell’Ottocento,
insieme a Barbaja,
Jacovacci e Lanari - da cui
dipendevano le sorti del
teatro musicale a Milano,
il quale intuì subito le do-
ti del giovane bussetano.
Il farcito racconto autobiografico,
dettato da
Verdi all’editore Giulio
Ricordi una quarantina
d’anni dopo, riporta che il
compositore, in una fredda
serata invernale, incontrò
per caso il Merelli,
il quale lo convinse a seguirlo
a Teatro. Tanto fe-
Giuseppina Stepponi con lo spartito del Nabucodonosor
ce l’impresario, che Verdi,
ritroso e deciso a snettere
con la musica, si ritrovò
a casa (viveva a Milano
ormai dal 1839) con
il libretto di Nabucco,
scritto da Temistocle Solera
sulla base di passi biblici
e del dramma Nabuchodonosor
di Aguste
Anicèt-Bourgeois e Francis
Cornu (andato in scena
a Parigi nel 1836), libretto
appena rifiutato
dal giovane musicista
prussiano Otto Nicolai. Si
dice che Verdi aprendo il
testo a caso, rimase folgorato
da quel verso Va,
pensiero, sull’ali dorate che
ancora oggi è l’identificativo
di quest’opera. Insomma,
una sorta di ”forza
del destino” che avrebbe
guidato Verdi nella
composizione d’un lavoro
così decisivo per la sua
carriera.
Fioriture a parte, sappiamo
che Nabucco cominciò
gradualmente a prendere
forma, tra momenti di in-
cupimento e rinnovata
ebbrezza, con l’assidua
collaborazione del librettista
e amico Solera, con
cui il confronto, se a tratti
si manifestò assai burrascoso,
nondimeno fu proficuo
e costruttivo. Verdi
racconta di aver chiesto a
Solera di sostituire un
duettino amoroso tra Fenena
e Ismaele, che a lui
non piaceva perché raffreddava
l’azione, con
una profezia da affidare
al personaggio di Zaccaria;
richiesta accettata con
riluttanza dal librettista,
che tuttavia promise di
scriverla nei giorni successivi.
Ma Verdi, temendo
di dover aspettare
troppo, sbottò, serrò l’uscio
e si mise in tasca la
chiave «Non sorti di qui se
non hai scritto la profezia:
eccoti la Bibbia, hai già le parole
bell’e fatte». Rischiò
forse una reazione collerica
da parte dell’amico,
«..un pezzo d’uomo…», ma
un quarto d’ora dopo la
profezia era scritta. Insomma,
tra scambi e
scontri, Nabucco fu ultimato
nell’autunno del
1841. Nel frattempo, la
Scala aveva già replicato
17 volte Oberto, a riparazione
del fiasco di Un
giorno di regno e la stagione
di carnevale-quaresima
era già definita con tre
opere nuove di artisti conosciuti,
tra cui Maria Padilla
di Donizetti. Non c’era
posto, dunque, per l’opera
di Verdi, che Merelli
avrebbe preferito nella
programmazione successiva.
Naturalmente ciò
scatenò le ire del bussetano,
«giovane e dal sangue
bollente», deciso più che
mai a vedere Nabucco sull’imminente
cartellone,
che con una «letteraccia»
sfogò sull’impresario tutto
il proprio risentimento.
Fu allora che Merelli, che
troppo conosceva il mestiere
per tagliare con l’irruente
maestro, gli fece
sapere che aveva modifi-
cato il cartellone e che Nabucodonosor
(titolo originale
fino al settembre del
1844, quando il Teatro S.
Giacomo in Corfù lo accorcerà
in Nabucco) sarebbe
andato in scena. «Daremo
questo Nabucco; bisogna
tener calcolo però che io
avrò spese gravissime per le
altre opere nuove: non potrò
Bartolomeo Merelli
fare apposta pel Nabucco
né scene né vestiario e dovrò
raffazzonare alla meglio ciò
che si troverà di più adatto
in magazzino». Scene che,
insieme ai riutilizzati costumi
del precedente balletto
Nabucodorosor di
Cortesi, grazie allo scenografo
Filippo Peroni sortirono
comunque un effetto
straordinario. Secondo
alcune fonti poi, lo stesso
compositore avrebbe in
parte finanziato l’impresa,
rinforzando a proprie
spese il coro del Teatro, a
quel tempo né solido, né
numeroso. Le prove di
Nabucco ebbero così inizio
negli ultimi giorni di febbraio
del 1842.
la “Prima” alla scala
Giunse la sera del 9 marzo
1842: la Scala era affollatissima,
con il fior fiore
della Milano musicale, artistica
e letteraria tra cui,
in un palco di prima fila,
Gaetano Donizetti. Del
Giornale dei Grandi Eventi
resto il cast si preannunciava
brillante: la Strepponi
(Abigaille), Giorgio
Ronconi (Nabucco), Giovannina
Bellinzaghi (Fenena),
Corrado Miraglia
(Ismaele), Prosper Derivis
(Zaccaria). Verdi prese
posto in orchestra, con
la scusa di girare le pagine
ai collaboratori, ma in
realtà per assistere
da vicino
al proprio
trionfo od alla
propria caduta.
E il trionfo arrivò.
Già il finale
del primo atto
fu accolto da
u n ’ o v a z i o n e
tanto chiassosa
da lasciar di
stucco lo stesso
compositore,
che sulle prime
scambiò le acclamazioni
per
fischi di disapp
r o v a z i o n e .
«Credetti che volessero
farsi beffe
del povero compositore, e poi
che mi cadessero addosso per
farmi un brutto tiro». E invece
il successo fu clamoroso.
Al calare del sipario
applausi ed evviva furono
interminabili. Enorme
l’entusiasmo per il celebre
coro “Va pensiero” e
pure per la Sinfonia, approntata
negli ultimi
giorni sotto la caparbia
insistenza del cognato
Giovanni Barezzi. Otto
furono le recite, ma il successo
fu tale che alla Scala
venne riproposta 75 volte
entro la fine di quell’anno.
Insomma, il pubblico
del tempio lirico milanese
quella sera consacrò definitivamente
Verdi, che
meno di un anno dopo
avrebbe trionfato ancora
con I Lombardi alla prima
crociata (11 febbraio1843),
opera che idealmente
s’accoppia con Nabucco,
dando il via quasi d’istinto
all’azione politica del
compositore.
barbara catellani

Il Giornale dei Grandi Eventi
Nabucco, libretto di
Temistocle Solera,
tratto da un
episodio del Vecchio Testamento,
costituisce, dopo
le prove mediocri o
fallimentari di Oberto,
conte di San Bonifacio e di
Un giorno di Regno, l’avvio
autentico del teatro
verdiano, di un teatro,
cioè, che pur attingendo
all’esperienza dell’ultimo
Rossini o del Donizetti
tragico italiano, si imponeva
con caratteri propri
e di forte potere emozionale.
Caratteri che emergono
già nella Sinfonia. L’avvio
lento e nobile affidato ai
fiati lascia il posto a un tema
nervoso, scattante,
marziale cui segue il riferimento
al tema ampio e
disteso del “Va pensiero”.
Un bitematismo, dunque,
giocato sul contrasto fra
due elementi caratterialmente
assai diversi che riflettono
le due anime musicali
dell’opera: da una
parte il Verdi quasi bandistico,
esuberante, aggressivo,
dall’altro la sua verve
cantabile, distesa, con
una delle melodie più popolari
del suo intero repertorio.
E’ significativo
che mentre il primo tema
ritornerà più volte a sottolineare
i momenti più
eroici, quello lirico risuonerà
nella sua completezza
solo nel celebre coro
degli ebrei sul finire della
terza parte. Verdi, dopo
averlo annunciato, se lo
tiene in serbo per la pagina
su cui evidentemente
più conta in termini di impatto
emotivo.
L’opera s’articola in quattro
parti, ognuna con un
proprio sottotitolo e una
citazione dal libro di Geremia.
La prima parte si
intitola “Gerusalemme”
con la seguente citazione:
«Così ha detto il Signore; ecco,
io do questa città in mano
al re di Babilonia, egli l’ar-
derà col fuoco» (Geremia
XXXII); la seconda “L’Empio”
è introdotta dai versetti
«Ecco… il turbo del Signore
è uscito fuori, cadrà
sul capo dell’empio» (Geremia
XXX); la terza, “La
profezia” richiama Geremia
LI: «Le fiere dei deserti
avranno in Babilonia la loro
stanza insieme coi gufi e l’upupe
vi dimoreranno».
Infine la
quarta, “L’idolo
infranto”: «Bel è
confuso: i suoi idoli
sono rotti in pezzi»
(Geremia XLVIII).
Già la prima scena
nel Tempio di
Salomone si apre
con uno dei Cori
più famosi, “Gli
arredi festivi”.
L’avvio corale
rientra nella tradizionedell’opera
italiana, anche
se qui è differente
la funzione. In genere
il coro fungeva
da “prologo”,
raccontando
l’antefatto, qui
Verdi lo trasforma
subito in protagonista,
col popolo che
canta e lamenta la propria
condizione in una pagina
con interventi a sezioni e
poi un finale a compagine
intera.
Nella scena successiva, al
Coro si affianca Zaccaria,
un basso, come si addice
alle figure “guida” e linea
di canto spiegata, nobile
come nel Mosè rossiniano.
Nabucco
Analisi dell’opera
Nabucco, il primo lavoro teatrale
ben strutturato di Verdi
la caratterizzazione
dei personaggi
Aspetto interessante del
primo Verdi è il trattamento
riservato ai personaggi,
spesso non “scavati”
sul piano psicologico,
non definiti “a tutto tondo”
come saranno poi
Violetta, Rigoletto, Azucena,
ma trasformati in
“simboli”. Così sono ad
esempio Fenena, figlia di
Nabucco, o il condottiero
Ismaele. I due immettono
nella storia la componente
sentimentale con un recitativo
amoroso nella IV
scena che spezza la tensione
accumulata.
Più attenzione sul piano
dell’approfondimento caratteriale,
Verdi pone agli
Verdi in un ritratto di Giuseppe Barbaglia
altri due protagonisti,
Abigaille e Nabucco. La
prima, schiava ritenuta figlia
del Re, appare come
la personalità più complessa
dell’opera. In lei si
scontrano passionalità
amorosa e sete di potere,
ispirando a Verdi momenti
musicali espressivamente
diversi: dall’aria
“Anch’io dischiuso”, al duro
scontro con Nabucco,
al pentimento finale, al
momento della morte.
Abigaille partecipa pure
a scene di insieme. Da citare,
ancora, il canto a
cappella “Immenso Jehovah”
(Parte IV) che con la
sua profonda suggestione
religiosa conferisce quasi
un aspetto oratoriale all’opera.
Sono elementi
questi nei quali emerge la
genialità drammaturgica
oltre che musicale di Verdi.
A tale proposito va
sottolineato che il Verdi
del Nabucco, come delle
altre opere risorgimentali,
è tutt’altro che “bandistico”:
la sua irruenza
(con scatti ritmici, fiati in
primo piano, accompagnamentibaldanzosamente
scanditi) è perfettamentecalcolata
e alternata a
passi strumentali
raffinatissimi.
Il protagonista
Nabucco è, come
Abigaille,
personalità controversa.
Entra
in scena nella
prima Parte annunciato
dalla
banda con un tema
marziale,
che ricorrerà poi
più volte a sottolineare
momenti
guerreschi, mostrando
subito,
con vocalità baritonaleviolenta,
la sua bellicosità
e crudeltà.
Nabucco incarna
l’oppressore
ed è abile Verdi ad individuare
per ogni “simbolo”
dell’umanità rappresentata
una adeguata scrittura
vocale. Dopo essersi
proclamato Dio ed essere
stato fulminato, il terribile
Re di Babilonia conosce
il pentimento, la pietà, la
misericordia. Il suo canto
“Deh perdona” nella Parte
III, si ammorbidisce, si fa
più lirico, per tornare poi
ad un piglio marziale e
trascinante nella Parte IV
quando rientrato in sé,
vuole riprendere il proprio
ruolo.
Il “Va pensiero…”
Resta da menzionare la
pagina più famosa dell’opera,
il coro che gli ebrei
schiavi nella Parte III.
Sulle sponde dell’Eufra-
7
te, incatenati, levano al
cielo il loro rassegnato e
doloroso lamento: «Va,
pensiero, sull’ali dorate;
/Va, ti posa sui clivi, sui colli,….».
Le principali particolarità
lessicali della pagina riguardano
la presenza di
termini aulici, come voleva
la prassi di prosa e
poesia ottocentesca, in
particolare: clivi, membranza,
favella, fatidici,
traggi, nonché i nomi
propri Sionne e Solima,
dove Sionne indica Gerusalemme,
mentre Solima
deriva dall’antica denominazione
greca della
stessa città (Hierosólyma).
Si tratta di 16 decasillabi,
divisi in 4 quartine.
Le strofe presentano
un ritmo anapestico, con
gli accenti che cadono
sulle sedi 3-6-9. È per
questo che al verso 13 la
parola “simile” si legge
con l’accento piano sulla
seconda sillaba (“simìle”)
anziché con l’accento
sdrucciolo sulla prima.
Secondo la prassi della
poesia musicale, l’ultimo
verso d’ogni quartina è
tronco, cioè costituito da
nove sillabe metriche.
Verdi costruisce una melodia
ampia, distesa su
un accompagnamento arpeggiato
d’archi. Andamento
doloroso, dinamiche
soffuse con scatti di
passionalità come sulla
frase «Oh mia patria sì bella
e perduta»; ovvero allo
slancio lirico «Arpa d’or
dei fatidici vati». Un coro,
però, va ricordato, d’oppressi
e rassegnati. Non a
caso, quando il tutto si
spegne, pianissimo sulla
parola “virtù”, irrompe
Zaccaria che apostrofa i
suoi: «Oh chi piange? Di
femmine imbelli/ Chi solleva
lamenti all’Eterno?/ Oh
sorgete, angosciati fratelli,
/sul mio labbro favella il
Signor».
roberto Iovino

8 Nabucco Il
Gli ultimi decenni
del VII secolo a.C.
furono certo vissuti
dalle genti di ogni
lingua e cultura che abitavano
per amplissime
contrade in gran parte
dell’Asia Occidentale,
dall’Iran occidentale alle
coste del Mediterraneo,
come un tempo crudele
di inattese speranze e di
terribili incertezze. L’irresistibile
dominio di Ninive
e dei suoi re, i “vicari”
del terribile dio Assur,
che da oltre due secoli
aveva annientato ogni
potere politico rivale ed
era arrivato ad estendersi
dalla lontana Assiria fino
a comprendere l’intera
valle del Nilo, vacillava e
i suoi eserciti faticavano a
mantenere il controllo
della Mesopotamia meridionale,
dove sorgeva la
città santa di Babilonia,
centro del mondo, tanto
metaforico quanto reale,
per gli abitanti della terra
dei due fiumi. Un energico
principe caldeo, emerso
dalle paludose e impenetrabili
terre dove si alternavano
palmizi e deserto
sulle sponde del
Golfo, forse erede di un
antico illustre lignaggio,
Nabopolassar, aveva levato
un’armata che era
riuscita a tenere in scacco
l’invincibile esercito
d’Assiria, si era proclamato
re di Babilonia e
pretendeva di scuotere lo
spietato “giogo di Assur”.
Dopo qualche tentativo
sfortunato, quando
l’audace Nabopolassar
riuscì ad unirsi ad un altro
generoso principe affermatosi
nelle montagnose
regioni della Media,
Ciassare, gli eserciti
congiunti della Babilonia
e della Media, con l’ausilio
forse di orde di Sciti,
riuscirono a espugnare,
nel 612 a.C., la crudele
Ninive, la “frusta di
Yahwe”, come la definivano
i profeti d’Israele,
riconoscendo nell’Assiria
l’inesorabile esecutore
terreno dei terribili castighi
che il dio d’Israele infliggeva
al suo popolo
per le sue ripetute ed imperdonabili
infedeltà.
Parvero cessare allora
prolungate sofferenze di
popoli sterminati, depredati
e deportati dagli inflessibili
signori d’Assiria
– da Sargon II, a Sennacherib,
a Asarhaddon, ad
Assurbanipal, il Sardanapalo
dei Greci -, se si dà
ascolto alla voce degli
sconfitti Ebrei, che avevano
visto nel 722 a.C. cadere
sotto i colpi dell’Assiria
Samaria, capitale del
regno settentrionale di
Israele: dopo le trepidanti
incertezze la speranza
che al giogo d’Assiria
succedesse per le popolazioni
d’Oriente un più
mite governo nell’equilibrio
tra Ciassare e Nabopolassar.
E così certo fu,
perché quelli che presto
divennero a loro volta i
signori del mondo – i re
di Babilonia – non regnarono
più vantando un
primato implacabile rivendicato
in nome di un
dio crudele, Assur, bensì
si professarono, secondo
una millenaria tradizione
babilonese, pastori delle
genti, restauratori di culti
antichissimi, devoti piissimi
di un dio ordinatore
del mondo e signore
dell’universo, Marduk.
Nabucodonosor
il grande
Colui che affermò e consolidò,
fiaccando definitivamente
la resistenza assira
e sconfiggendo gli
Egiziani accorsi in soccorso
degli ultimi resti
del potere assiro, fu il
grande figlio di Nabopolassar,
Nabucodonosor,
che orgogliosamente aveva
assunto il nome di un
grande re del XII secolo a.
C., il quale aveva trionfato
degli Elamiti, aveva riportato
a Babilonia la statua
cultuale della divinità
Marduk, sacrilegamente
asportata dal suo veneratissimo
tempio dell’Esagil
ed aveva dato corso
all’esaltazione teologica
universalistica del culto
dello stesso Marduk.
costruttore della
torre di babele
Nabucodonosor II, salito
al trono di Babilonia nel
604 a. C., fu un grande
sovrano e divenne nella
coscienza delle genti della
Mesopotamia un eroe
nazionale, tanto che, dopo
il crollo dell’impero
babilonese nel 539 a.C. di
fronte all’urto dell’achemenide
Ciro II il Grande,
ogni personaggio di Babilonia
che tentò, senza
fortuna, di scuotere il do-
Giornale dei Grandi Eventi
La figura storica di un grande Re, offuscato dalla perdita de
Nabucodonosor, il conquistatore di Gerusalemm
Giardini pensili di Babilonia
Torre di Babele di Bruegel il Vecchio
Nabucco - Figurino di Attilio Comelli - La Scala 1913
minio persiano, assunse
di nuovo il suo nome.
Riorganizzato l’impero e
delimitato ad Oriente il
potere dei Medi, il gran
Re si dedicò al più spettacolare
programma di rinnovamento
edilizio della
sua capitale, estesa allora
per circa 1000 ettari e di
ricostruzione di tutti i
maggiori santuari della
Babilonia che mai si fosse
visto in Oriente. Fu questo
straordinario costruttore
che portò a termine,
contro ogni aspettativa,
l’impresa memorabile
del completamento della
torre templare di Marduk
a Babilonia, l’Etemenanki,
la “Casa fondamento
del cielo e della terra”,
che da allora per alcuni
decenni dominò con la
sua altezza di poco meno
di 100 metri il panorama
verdeggiante di palme
dell’immensa Babilonia.
La celeberrima fabbrica
ciclopica della “Torre di
Babele”, la cui ricostruzio-

Il Giornale dei Grandi Eventi
ne era stata forse iniziata
da Nabucodonosor I secoli
prima, rimase a lungo
incompleta ed abbandonata
come un’immensa
rovina urbana, tanto
da far nascere, forse nella
stessa Babilonia o più
probabilmente nella Pa-
lestina dell’VIII-VII secolo
a. C., la non meno famosa
storia biblica del
suo disfacimento da parte
di Dio come punizione
di un disegno umano di
arroganza e orgoglio
inammissibili.
Ribaltando il mito e le
sue ragioni, Nabucodonosor
II non solo completò
fino al più alto fastigio
quell’opera immane,
ma profuse un’immensa
quantità d’oro nella decorazione
della cella del
tempio di Marduk posto
sulla sua sommità, creando
attonito stupore anche
in chi, come forse Erodono,
quel gigantesco monumento
vide già in decadenza.
Il conquistatore
di Gerusalemme
Poche sono le gesta militari
che le iscrizioni del
gran Re di Babilonia hanno
tramandato, perché
egli certo teneva ad apparire
come un personaggio
di straordinaria devozione
religiosa assai più che
come condottiero illustre.
Ma il suo nome è rimasto
legato in tutta la tradizione
occidentale alla conquista
di Gerusalemme,
alla distruzione del tempio
salomonico ed all’abbattimento
delle mura
della capitale del regno
di Giuda, dove regnava
l’ultimo successore di
David: i testi amministrativi
scoperti nella Babilonia
di Nabucodonosor II
ricordano, tra i nomi dei
principi stranieri sottomessi
ed ospitati alla corte
di Babilonia, anche
quello dell’infelice re di
Giuda (Yehoiakin che appare
nei testi babilonesi
nella forma “Yaukin, re di
Giuda”), il quale fu portato
in esilio con l’élite intellettuale
di Gerusalemme
nella nuova capitale
del mondo.
la riscoperta
archeologica di
babilonia
La rinascita archeologica
della Babilonia di Nabucodonosor
II, restituita
alla conoscenza storica
Nabucco
lle fonti scritte e dalla tradizione biblica
e che riedificò la Torre di Babele
Babilonia - ricostruzione ideale di Johann Bernhard Fischer von Erlach (1721)
dall’epocale esplorazione
tedesca di Robert Koldewey
tra il 1899 e il
1913 - fortemente voluta
dall’Imperatore di Germania,
il Kaiser Guglielmo
II (1859-1941, imperatore
dal 1888 al 1918),
animato dalla ferrea vo-
lontà che i Musei Statali
di Berlino potessero rivaleggiare
con i musei di
concezione imperiale
dell’Impero Britannico e
della Repubblica Francese
(il British Museum ed
Nabucodonosor II morì nell’ottobre
del 562 a.C. Durante l’età ellenistica
si svilupparono nel mondo seleucide
due opposti miti attorno alla sua figura,
uno greco positivo e l’altro ebraico
negativo. Da un lato, anche sulla base
dei dati accumulati dal dotto Berosso,
sacerdote di Bel, astronomo ed
astrologo babilonese vissuto tra IV e III
sec. A. C. che scrisse sull’antico mondo
mesopotamico per un sovrano ellenistico,
nella tradizione greca, affascinata
dalla sua fama di rifondatore di una
città immensa di straordinaria suggestione,
cui non si sottrasse neppure
Alessandro Magno, il re babilonese divenne
un nuovo Belo, travestimento
greco della divinità Marduk, in quanto
il Louvre) -, ha
d o c u m e n t a t o
nelle straordinarie
fortificazioni,
nei templi numerosi,
negli
estesissimi palazzi
reali, nella
sontuosa strada
cerimoniale della
dea Ishtar
un’attività edilizia
del tutto corrispondente
alle
ripetute celebrazioni
delle
opere architettonichecontenute
nelle iscrizioni reali
del sovrano.
L’immagine storica di
Nabucodonosor II è stata
indubbiamente sfigurata
dalla sorte avversa che,
nel naufragio totale delle
fonti scritte della civiltà
mesopotamica verificatosi
dopo l’età ellenistica
ed il susseguente completo
oblio di ogni testimonianza
diretta, ha fatto
sì che nella memoria
del mondo occidentale
essa sia stata filtrata dalla
tragica esperienza, così
efficacemente espressa
nella tradizione biblica,
della Cattività babilonese
e dell’Esilio degli
Ebrei. Nella contrapposi-
9
La grande via trionfale di Nabucodonosor che dalla
Porta di Ishtar conduceva al Tempio del dio Marduk
zione secolare dei due
opposti ideali politici
dell’impero universale
unificatore e pacificatore
e della nazione particolare,
gelosa custode della
sua specificità e delle sue
tradizioni, soprattutto
dall’età del Romanticismo,
Babilonia è divenuta
il simbolo dell’oppressione
truce e cieca, spietata
e inaccettabile, e gli
Ebrei in cattività il simbolo
del popolo ingiustamente
soggiogato, malvagiamente
disperso,
sofferente e irredento.
Paolo matthiae
Accademico dei Lincei
Archeologo
Opposte visioni
Le immagini mitiche di Nabucodonosor
fondatore di una città eccezionale dalla
triplice, gigantesca, cerchia di mura costruite
in quindici giorni, ed un eroe semidivino,
«più potente di Eracle, che invase
la Libia e l’Iberia». Dall’altro lato,
soprattutto sulla base della storia biblica
di Daniele, nella tradizione ebraica,
antica e medioevale, inorridita dalla
sua crudele idolatria, il gran Re responsabile
del sacco di Gerusalemme e della
distruzione del Tempio di Salomone,
condannato ad un destino atroce di follia
e di inselvatichimento, diviene un
essere bestiale con le sembianze di un
bue dai fianchi in su e di leone dai fianchi
in giù, «che si aggirava tra i dirupi e
ruggiva tra le fiere selvagge».
Pa. mat.

10 Nabucco Il
Giornale dei Grandi Eventi
Il Nabucco nelle scenografie
L’invenzione scenica dell’Oriente antico
La prima rappresentazione
del Nabucco
di Giuseppe Verdi
alla Scala di Milano, fu salutata
con grandissimo entusiasmo,
decretando, fin
dell’inizio, la fortuna
dell’opera verdiana. Non
solo la musica, ma anche
costumi e scene hanno
contribuito alla riuscita
dell’opera, come lo stesso
Verdi racconta in una lettera,
dove il Maestro menziona
il magnifico ed accurato
lavoro di Filippo Peroni
(Perroni come scrive
Verdi) che, riaccomodando
e ridipingendo vecchie
scene, riesce tuttavia ad ottenere
l’effetto desiderato.
Quali fossero queste vecchie
scene è difficile dirlo:
l’ipotesi più logica, sebbene,
allo stesso tempo, non
del tutto convincente, è
che per la prima del Nabucco
di Verdi siano state
riutilizzate scene del balletto
Nabuccodonosor di
Antonio Cortesi, messo in
scena alla Scala di Milano
il 27 ottobre 1838 od anche
alcune di Oberto, Conte di
San Bonifacio dello stesso
Verdi che aveva debuttato
nello stesso teatro Milanese
il 17 novembre
1939. Il nome di Peroni,
tuttavia, non compare sul
libretto della prima dell’opera
di Verdi a Milano: lo
scenografo indicato è Baldassarre
Cavallotti, ma
l’intervento dello stesso
Peroni è confermato dall’esplicito
riferimento che ne
fa il Maestro nella già citata
lettera. Molti anni dopo
Verdi avrebbe così rievocato
la serata: «Il Nabucco
nacque sotto una stella favorevole,
giacché anche tutto
ciò che poteva riuscire a male
contribuì invece in senso favorevole
[…] I costumi raffazzonati
alla meglio riescono
splendidi! Scene vecchie, riaccomodate
dal pittore Peroni,
sortono invece un effetto straordinario:
la prima scena del
tempio in specie produce un
effetto così grande che gli applausi
del pubblico durarono
per ben dieci minuti».
Il nome di Filippo Peroni
sarà legato ad altri cinque
allestimenti dell’opera verdiana.
Fra i bozzetti conservati
(difficilmente databili
con precisione), si possono
osservare i primi
esempi di utilizzo di elementi
dell’architettura mesopotamica
antica che,
proprio in quegli anni, gli
archeologi francesi e britannici
stavano riportando
alla luce nelle capitali assire
(Khorsabad e Nimrud)
dell’Iraq settentrionale. Rispetto
alle scene di Romolo
Liverani per il Nabucco
di Faenza del 1843, dove è
ancora diffuso l’uso di elementi
architettonici prevalentemente
egiziani per caratterizzare
l’oriente, Peroni
fa esplicito riferimento
all’architettura e scultura
assire (con l’impiego dei
caratteristici tori androcefali
presso gli stipiti dei
passaggi) che egli deve
aver potuto vedere nei disegni
degli scavi francesi a
Khorsabad di Paul-Émile
Continua "L'Intervento" da pag. 3
Botta (1849) e britannici di
Austen Henry Layard
(1849-50, 1853) e nelle contemporanee
notizie, accompagnate
da illustrazioni,
pubblicate sui giornali
L’Illustration e The Illustrated
London News, oppure
nelle riproduzioni di
reperti isolati, come quelli
rinvenuti da Claudius
James Rich negli anni 1811
– 21 (ora al British Museum
di Londra) ed immagini
di tavolette cuneiforme,
note già nel Settecento ma
non ancora decifrate.
È verosimile, quindi, che i
bozzetti di Peroni si collochino
in questi anni, quando
le antichità assire erano
oramai giunte ed erano
state ampiamente pubblicate
in Europa. All’elemento
architettonico e figurativo
egiziano, fino a
quel momento largamente
impiegato (ma di fatto non
totalmente abbandonato
anche dallo stesso Peroni e
da altri scenografi) si sostituisce
la componente assira,
adoperata anche per
raffigurare la città di Babilonia
(luogo dell’azione
del Nabucco), le cui vestigia
verranno scoperte solo alla
fine dell’800 con gli scavi
diretti dal tedesco Robert
Koldewey dal 1899 al 1917.
davide Nadali
Archeologo
indivisibilità come fonte di coesione sociale, come base essenziale di ogni avanzamento
tanto del Nord quanto del Sud in un sempre più arduo contesto mondiale.
Così, anche nel celebrare il 150°, guardiamo avanti, traendo dalle nostre radici fresca
linfa per rinnovare tutto quel che c’è da rinnovare nella società e nello Stato.
È mio compito e dovere reagire a rischi di divisione del Paese, specialmente in una
fase come quella che si è aperta per l’Europa e per il mondo e nella quale l’Italia
ha bisogno di coesione e di slancio, per reggere sfide complesse ed altamente impegnative.
È mio compito farlo per rilanciare il patrimonio dell’unità nazionale,
pur nel rispetto di tutte le differenze, le diversità di posizioni ideali e politiche, le
distinzioni e la dialettica tra schieramenti che competono per il governo del Paese.
Anche attraverso questo Nabucco, una musica ed un testo che rimangono nobili
veicoli di trasmissione degli ideali del Risorgimento, ripercorriamo la storia del
passato, il cammino che ci ha portato a fare dell’Italia uno Stato unitario per trarne
motivi di orgoglio e di fiducia, che ci fortifichino nel guardare al futuro, insieme
con le giovani generazioni. Il nostro sguardo non è fermo a quel che eravamo 150
anni fa. Il Tricolore è la bandiera di una Nazione che ha radici antiche, nelle quali
possono riconoscersi gli italiani di ogni parte; ed è la bandiera di uno Stato che
nacque con le insegne della monarchia sabauda, ma che è diventato Repubblica,
fondata nella Costituzione. E nei principi di quella Costituzione possiamo trovare
la strada anche per portare avanti innovazioni indispensabili: come quelle disegnate
nell’articolo 5, che già più di sessanta anni or sono legò l’unità e l’indivisibilità
della Repubblica al riconoscimento e alla promozione delle autonomie regionali
e locali; innovazioni concretamente definite più di recente nel nuovo Titolo V
della nostra Carta.
In questo spirito confido che ci ritroviamo tutti, senza distinzione di parte, nelle celebrazioni
del Centocinquantesimo anniversario dell’Unità d’Italia.
Giorgio Napolitano

Il Giornale dei Grandi Eventi
Il 9 marzo 1842, con il
trionfo alla Scala di Nabucco
iniziò, insieme alla
vera e propria carriera
artistica di Verdi, la sua
identificazione con il Risorgimento:
il giovane
compositore di Busseto divenne
l’artista simbolo
dell’Italia in lotta per la
propria unificazione. Vissuto
88 anni, nato nel 1813
quando la sua terra era
sotto il dominio napoleonico,
morto nel 1901 in
una Italia unita, ma agitata
da lotte sociali e dal recente
assassinio di Umberto I,
Verdi ha in effetti vissuto
il suo tempo da protagonista
non limitandosi al ruolo
di musicista, ma partecipando
attivamente, per
diversi anni, anche alle vicende
politiche.
Quando scoppiarono i
moti del Quarantotto,
Verdi da Parigi scrisse
all’amico e librettista
Francesco Maria Piave per
proporgli un’opera di
soggetto italiano, incentrata
su «Ferruccio, personaggio
gigantesco, uno dei
più grandi martiri della libertà
italiana».
un Inno per mazzini
Poi, su invito di Mazzini
compose anche un Inno
su versi di Mameli, Suona
la tromba che il 18 ottobre
1848 inviò allo stesso
Mazzini con poche parole
di accompagnamento: «Vi
mando l’inno e sebbene un
po’ tardi, spero vi arriverà in
tempo. Ho cercato d’essere
più popolare e facile che mi
sia stato possibile…. Possa
quest’inno fra la musica del
cannone essere presto cantato
nelle pianure lombarde...».
Un Inno, sottolineava
Verdi, deve essere “facile”
e quindi popolare. Nel
1859 Verdi si trasformò
addirittura in contrabbandiere
per acquistare 172
fucili da donare alla Guardia
nazionale di Busseto.
Scrisse all’amico direttore
d’orchestra Angelo Mariani
il 27 novembre 1859:
«La tua del 23 m’annuncia
che i fucili saranno ora a Piacenza
e tu non puoi immaginare
la mia gioia
e la gratitudine
che te ne professo.
Dio voglia
che tutto sia in
buon stato e vi
siano le rispettive
bajonette come
spero».
L’intervento
della Francia
accanto ai Piemontesi,
nel
1859, lo entusiasmò:«Finalmente
se ne sono
andati – scrisse
alla contessa e
amica Maffei, il
23 giugno - o
almeno si sono
allontanati, e voglia
la nostra
buona stella allontanarli di
più in più, finché cacciati oltr’Alpi
vadino a godersi il loro
clima […]. Quanti prodigi
in pochi giorni! Non par
vero. E chi avrebbe creduto
tanta generosità nei nostri
alleati?».
Il giorno seguente, 24 giugno,
i Francesi vincevano
a Solferino e i Piemontesi
a San Martino. Ma lì si arrestò
l’offensiva di Napoleone
III e Verdi, deluso,
scrisse alla Maffei il 14 luglio:
«La pace è fatta... La
Nabucco
Venezia rimane all’Austria..!!!
E dov’è dunque la
tanto sospirata e promessa
Indipendenza d’Italia? Cosa
significa il proclama di Milano?
O che la Venezia non è
Italia?».
II 4 settembre Busseto nominò
Verdi suo rappresentante
all’Assemblea
delle Province Parmensi.
Il 12 quest’assemblea votò
l’annessione al regno
dell’Alta Italia; il 15 settembre
1859 una Delegazione
di cui faceva parte
Verdi fu ricevuta da Vittorio
Emanuele, cui presentò
il voto plebiscitario
di quelle province emiliane.
Fu quello il primo atto
politico pubblico di Verdi.
evviva Garibaldi
Il 5 maggio 1860, dalla
scoglio di Quarto Garibaldi
salpò con i Mille alla
conquista della Sicilia. «...
Evviva dunque Garibaldi –
così Verdi a Mariani il 27
maggio 1860 - Per Dio è un
uomo veramente da inginocchiarsi
davanti!»
Amico di Mazzini, estimatore
di Garibaldi, inizialmente
repubblicano convinto,
Verdi si convertì
poi alla monarchia ed ebbe
il suo idolo in Cavour.
Alla fine del 1860 Cavour,
tornato alla presidenza
del Consiglio, aveva deciso
di indire le elezioni per
la formazione del primo
Parlamento nazionale ed
il nome di Verdi era stato
ventilato per una candidatura
nel collegio di Borgo
San Donnino (l’odierna
Fidenza), di cui faceva
parte Busseto, per sfruttarne
– ieri come oggi – la
popolarità. Verdi era contrario:
«Non ti sorprendere
se mi vedi a Torino – scriveva
il 16 gennaio 1861 a
Mariani - Sai perché sono
qui? Per non essere Deputato.
Altri brigano per essere,
io faccio di tutto il possibile
per non esserlo». La determinazione
di Verdi si era
tuttavia già incrinata
quando, il 10 gennaio, lo
stesso Cavour gli aveva
scritto: «Ella contribuirà al
decoro del Parlamento dentro
e fuori d’Italia, essa darà
credito al gran partito nazionale
che vuole costituire la
nazione sulle solide basi della
libertà e dell’ordine, ne imporrà
ai nostri imaginosi colleghi
della parte meridionale
d’Italia, suscettibili di subire
l’influenza del genio artistico
assai più di noi abitatori della
fredda valle del Po».
deputato in Parlamento
Eletto, Verdi entrò, dunque
nel primo Parlamento
italiano, insediato il 18
febbraio 1861, presieduto
da Urbano Rattazzi.
Il musicista, che nei banchi
parlamentari sedette a
fianco di Quintino Sella,
fu tra l’altro presente alla
seduta del 14 marzo 1861,
11
L’impegno politico del compositore
Verdi: «Chi governa deve essere di specchiata onestà»
Verdi presenta a Vittorio Emanuele il plebiscito
delle province emiliane
che dava a Vittorio Emanuele
II il titolo di Re d’Italia
(titolo che sarà poi
sancito dalla Legge n°
4671 del Regno di Sardegna
promulgata il 17 marzo)
ed anche a quella del
27 marzo 1861, in cui Roma
(ancora pontificia)
venne proclamata Capitale
del nuovo regno.
La morte, il 6 giugno 1861,
di Cavour, divenuto punto
di riferimento politico
di Verdi, lo addolorò
profondamente e lo privò
della sua “bussola” nella
difficile navigazione parlamentare,
tanto che gradualmente
egli s’allontanò
dalla politica attiva.
Nei decenni postunitari
Verdi guardò in modo sfiduciato
alle vicende politiche
dell’Italia unita, limitandosi
a qualche duro
commento nelle lettere indirizzate
agli amici più fidati.
Il 27 maggio 1881, ad
esempio, scrivendo all’amico
Arrivabene chiarì
così il suo ideale di uomo
di governo: «Poco m’importa
la Forma o il Colore.
Guardo la storia, e leggo
grandi fatti, grandi delitti,
grandi virtù nei Governi dei
Rè, dei Preti, delle Repubbliche!...
Non m’importa, ripeto;
ma quello che domando si
è che quelli che reggono la cosa
pubblica sieno Cittadini di
grande ingegno e di specchiata
onestà…».
roberto Iovino

12 Nabucco Il
La teatralità dell’Inno di Mameli
L’Italia s’è desta…
Immaginiamo una scena d’opera, di quelle opere
di carattere risorgimentale che negli anni Quaranta
dell’800 entusiasmavano le platee di tutta Italia.
Non solo Verdi affrontava temi patriottici, riferimenti
erano disseminati un po’ ovunque, a cominciare da
Donna Caritea di Mercadante. «Chi per la Patria muor/
vissuto è assai» avevano cantato i fratelli Bandiera al
momento della fucilazione, il 25 luglio 1844 nel vallone
di Rovito vicino a Cosenza. Dunque, immaginiamo
nel corso di un atto, il nostro eroe in scena di fronte
al coro, il popolo.
Con aria marziale e imponente, forte ed energico, a
gambe ben piantate in terra, il tenore (perché di tenore
certamente si tratta) attacca: «Fratelli d’Italia,/ l’Italia
s’è desta/ Dell’elmo di Scipio,/ s’è cinta la testa/
Dov’è la Vittoria?/ Le porga la chioma/ Chè schiava di Roma,/
Iddio la creò».
Abbiamo giocato con l’immaginazione, naturalmente.
Ma è un gioco solo apparente. Il nostro Inno ha
davvero un piglio teatrale, è figlio di un’epoca,
quell’Ottocento che in Italia vedeva l’opera non solo
come uno spettacolo nazionalpopolare, ma come il
più autentico, diretto, immediato canale di diffusione
degli ideali patriottici. Possono essere utili alcuni
dati. Nel 1785/86 l’annuale “Indice de’ teatrali spettacoli”
registrava un centinaio di teatri attivi in Italia.
Il Commento
In difesa dell’Inno di Mameli
E l’Italia chiamò…
Non capisco il revisionismo musicale
che si accanisce periodicamente
sull’Inno di Mameli. Dicono che
sia brutto e sgraziato, ed a volte lo accostano
all’Altare della
Patria che quest’anno
compie cent’anni ed è
considerato l’equivalente
architettonico di
Fratelli d’Italia. Ma gli
inni nazionali, come i
nomi di persona, i monumenti
e le cose che ci
sono più care, non si dividono
in belli e brutti,
ma in significativi e insignificanti. So
benissimo che ci sono canti e inni più
belli e forse più popolari, sia nella lirica,
nella musica classica e nella grande
opera che nella musica moderna,
leggera e popolare. Si, per carità, il coro
del terzo atto del Nabucco, il “Va
pensiero” verdiano, è certamente più
bello e solenne, indipendentemente
dall’uso padano dei leghisti o per la
storia di schiavitù che evoca. So, ad
esempio, che la musica che più è rimasta
nelle orecchie e nel cuore degli
italiani è Volare di Domenico Modugno
o Azzurro di Adriano Celentano
che avrebbe pure l’alibi cromatico di
ricordare il colore del nostro amor pa-
Fra il 1821 e il 1847 il numero si era più o meno raddoppiato
e nel 1871 i teatri presi in considerazione
per un censimento e una ripartizione in categorie risultavano
940.
Novaro e mameli
Quando si parla del nostro Inno lo si indica in genere
come l’Inno di Mameli. In un Inno patriottico, effettivamente,
la musica ha una importanza tale da far
passare la parte poetica in secondo piano. Ma nel caso
di Mameli va riconosciuto al patriota genovese di
aver scritto versi non di circostanza, ma profondamente
vissuti e sofferti se pensiamo che egli fu davvero
“pronto alla morte” e morì ad appena 22 anni
nel 1849 in difesa di Roma.
Tuttavia, il musicista ha la sua rilevanza per la capacità
di trasformare dei versi in un canto di facile percezione,
stimolando passione e sentimento.
Michele Novaro ha mostrato, nell’arco della sua più
lunga esistenza, una coerenza morale che se non ne
ha fatto un esponente di primo piano della cultura
italiana dell’Ottocento, gli ha consentito di svolgere
con straordinario impegno civile un intenso lavoro di
musicista e di didatta spesso al servizio della causa
risorgimentale e dei ceti sociali più deboli.
Anche lui genovese, Novaro (1818 – 1885) si era formato
nella Scuola
trio, dalla storia alla nazionale. Allora
ci mettiamo Volare o Azzurro al posto
di Fratelli d’Italia? Ma l’Inno di Mameli
fu scritto ad hoc, fu testimoniato col
sangue del suo giovane
autore, che riassume nei
suoi vent’anni spesi e
sacrificati all’Italia, il
senso più alto di un legame
con la Patria. E si è
legato alle imprese risorgimentali,
alla Grande
Guerra, alle altre imprese
eroiche, ai soldati
della seconda guerra
mondiale, all’Italia repubblicana che
ne seguì. Un inno nazionale ha valore
per quel che si raggruma dentro le
sue note e le sue parole, se ricorda la
vita, l’anima e il sangue di più generazioni,
allora merita di restare l’inno di
una comunità. Certo, i lupi della retorica
sono sempre in agguato, andrebbe
fatto conoscere fin nelle scuole elementari.
Ma in un paese parricida e a
volte anche infanticida, evocare la fratellanza
nazionale e un po’ commuoversi
a cantarlo insieme, in piedi, magari
con la mano sul cuore, è un segno
di coesione, di memoria e di fiducia.
L’Italia chiamò.
marcello Veneziani
Gratuita di Canto
(l’attuale Conservatorio
“Paganini”)
dove aveva studiato
canto e composizione
per poi iniziare
la sua attività come
cantante lirico.
Nel 1847 Novaro si
trasferì a Torino
quale secondo tenore
e maestro dei
cori al Regio e al
Carignano. E proprio
a Torino compose
nel giro di poche
ore il “Canto degli
Italiani”.
Una sera di novembre,
Novaro si trovava
in casa dello
scrittore e patriota
Lorenzo Valerio
Goffredo Mameli
Giornale dei Grandi Eventi
quando arrivò il pittore Ulisse Borzino con un testo
di Mameli per il musicista. Novaro lo lesse rimanendone
colpito, abbozzò lì per lì un tema, poi corse a casa
e compose l’Inno. «Tornando a que’ tempi - fu la sua
successiva testimonianza - io non vidi il Mameli se non
a Milano, nell’aprile ‘48. Si discorreva in piazza del Duomo
di tutte le cose nostre genovesi, quando ad un tratto la
banda Nazionale intuona il “Fratelli d’Italia”. Un urrà
generale si levò per la piazza; Goffredo ebbe come un lampo
negli occhi, mi gittò le braccia al collo e mi baciò. Fu l’ultima
volta che lo vidi…».
Il Canto degli Italiani
Lo stile vocale di Novaro è prevalentemente sillabico,
a volte tendente al declamato piano, disteso.
In generale, comunque, anche nell’evoluzione melodica
più intensa, mantiene un totale rispetto per la
parola. Sul piano armonico Novaro concepisce un
supporto estremamente semplice. Poche modulazioni,
sempre alle tonalità vicine, con frequenti casi
di lunghe frasi sulla stessa armonia. Anche l’accompagnamento
ha i caratteri della essenzialità e della
pienezza per una immediata percezione armonica.
Ne scaturisce insomma un repertorio “facile”, dove
la qualifica non è giudizio negativo, ma presupposto
alla diffusione.
In tal senso occorre interpretare anche il “Canto degli
Italiani” che appare come il più riuscito lavoro di
questo genere musicale. Dal 1831 per tutto il Risorgimento
e fino al 1946, inno italiano fu la “Marcia
reale” di Giuseppe Gabetti, che rimase in uso fino al
1946. Il “Canto degli Italiani” fu adottato, di fatto e
non formalmente, come inno nazionale dopo la proclamazione
della Repubblica. E’ interessante tuttavia
notare che quando nel 1862 Verdi compose l’Inno
delle Nazioni per l’Esposizione di Londra, su testo
di Arrigo Boito, il musicista vi inserì tre canti di altrettante
Nazioni: per l’Inghilterra God save the
Queen, per la Francia La Marsigliese e per l’Italia
l’”Inno di Mameli”.
roberto Iovino
L’Intervento
«Un inno di libertà che in Padania
è divenuto cemento»
di Umberto Bossi
In Nabucco ed il canto del “Va pensiero” ci piace
e lo abbiamo adottato come inno della Padania,
perché quella padana è una storia di
schiavitù che viene superata. In questo brano
così evocativo e suggestivo c’è un pensiero fisso
per la propria libertà che accomuna i popoli
padani, così forte che è diventato cemento.

Il Giornale dei Grandi Eventi
Il concetto di Inno Nazionale
e la sua funzione
istituzionale sono relativamente
recenti, anche
se l’origine è da ricercare,
come espressione di ideali
e sentimenti nazionalistici,
maturato per la prima
volta probabilmente in
ambiente rivoluzionario
nelle Fiandre da parte dei
ribelli all’oppressione spagnola
nel 1570. Nel 1743
al Drury Lane Theatre di
Londra fu eseguito per la
prima volta God save the
King (oppure Queen,
quando regna una Regina),
canto patriottico che
divenne talmente popolare da essere ripetuto
in ogni manifestazione connessa con la
Monarchia. Ma il termine ed il concetto di
Inno Nazionale si affermò solo nell’Ottocento,
ancora a partire dall’Inghilterra e da lì si
estese via via negli altri Paesi. L’esecuzione
dell’Inno inizialmente era motivato dalla
necessità di rendere omaggio ad un Capo
di Stato straniero, in seguito l’impiego fu
generalizzato a tutte le occasioni di particolare
ufficialità.
Scorrendo tra gli Inni Nazionali, raramente
questi traggono spunto dal repertorio musicale
di tradizione orale, quello, per intenderci,
popolare. Normalmente sono brani
appositamente composti, oppure creati per
particolari occasioni e talmente radicati
nello spirito di quel popolo da diventarne
automaticamente il simbolo musicale.
Un Inno, è stato a ragione sostenuto, non si
valuta secondo i parametri usualmente seguiti
nel giudicare qualsiasi altra pagina
musicale. Il giudizio dipende in realtà dalla
sua capacità di farsi simbolo, di diventare
un elemento d’aggregazione, pagina davvero
popolare in grado di tradurre con immediatezza
i sentimenti di un intero popolo.
Non c’è dubbio che la Marsigliese sia per i
Francesi il simbolo di quegli ideali che, nati
dalla Rivoluzione, hanno cambiato non solo
la loro società, ma tutta l’Europa. E non
c’è dubbio che i Tedeschi si possano riconoscere
nel Kaiserlied scritto da Haydn per
l’Impero asburgico, una pagina di elegante
e nobile espressività. Tra l’altro, nell’Impero
Austro-Ungarico questo inno, divenuto
dal 1922 l’inno della Germania (Das Lied der
Deutschen - Il canto dei Tedeschi) e di quella
occidentale nel dopoguerra, ne esisteva
una variante esclusivamente nelle parole
da eseguirsi alle presenza della sola Imperatrice.
Ma allargando il discorso, tutti gli
inni, siano essi allegre e vibranti marcette o
temi più lirici e cantabili, tutti in qualche
Nabucco
modo hanno a che fare con il
patrimonio culturale e sociale
del Paese che li ha adottati.
Ad esempio la Marcia
Trionfale dell’Aida di Verdi è
stata dal 1872 (ovvero pochi
mesi dopo la prima esecuzione)
l’inno egiziano fino al
1979 quando è stata sostituita
dal Biladi Biladi Biladi (Terra
mia, Terra mia, Terra mia)
di Sayed Darwish che per il
testo adottò un discorso di
Mustafa Kamil. Anche l’Inno
Pontificio ha un autore celebre,
il francese Chares Gounod.
L’autore dell’opera lirica
Faust e della soavissima
Ave Maria contrappuntata
sul primo preludio di J. S. Bach, lo compose
come Marcia per
l’anniversario dell’incoronazione
di
Pio IX e venne
eseguita per la
prima volta l’11
aprile 1869 in
piazza San Pietro
in occasione del
giubileo sacerdotale
del Papa. Un
Inno Ufficiale già
esisteva dal 1857
composto dall’austriaco
Vittorino
Hallmayr. Ma alla
vigilia dell’Anno
Santo del 1950 Pio
XII il 16 ottobre
1949 disponeva
che l’Inno Ufficiale
fosse cambiato
con quello Pontificio
di Gounod, più
consono ai tempi,
che fu eseguito
per la prima volta
come tale nel Cortile
di S. Damaso
il pomeriggio del
24 dicembre 1949
giorno dell’apertura
della Porta
Santa. Una curiosità
è che ufficialmente
l’Inno rimase
senza parole
(anche se ne esisteva
un testo di
mons. Antonio
Allegra «Roma immortale
di martiri e
di santi») fino al 16
ottobre 1993 quan-
13
Le note simbolo di una Nazione
Dall’Inno inglese, alla disputa sul “Va’ pensiero…”
Charles Gounod autore dell'Inno Pontificio
do venne eseguito con il testo latino di mons.
Raffaello Lavagna «O Roma felix, O Roma nobilis»
appena ratificato ufficialmente.
Nel nostro Paese l’Inno degli Italiani di Goffredo
Mameli, adottato solo de facto nel 1946 al
posto della Marcia Reale, è stato più volte criticato
per la sua non grande qualità musicale
e poetica. Come inno sono stati ciclicamente
ed a più riprese invocati il «Va pensiero» del
Nabucco che però è il grido di un popolo in
schiavitù e comunque è stato poi adottato
dalla Lega come proprio simbolo ed anche –
forse più a ragione - “La leggenda del Piave” di
E. A. Mario (iniziali e nome sono uno pseudonimo
di un napoletano impiegato delle
poste, Giovanni Ermete Gaeta (1884 – 1961))
brano che celebra la vittoria che realmente
nel 1918 creò storicamente e geograficamente
la vera ed unica Unità d’Italia.
rob. Iov.
L’Intervento
Una musica capace di unire
l’Italia sotto una sola bandiera
di Vittorio Emanuele di Savoia
La rappresentazione del Nabucco
di Giuseppe Verdi per celebrare
il 150° della proclamazione
del Regno d’Italia, primo fondamentale
passo per giungere all’Unità
Nazionale che sarà completata
nel 1918 con la conseguente
annessione di
Trento e Trieste, è certamente
il modo migliore
per riportarci
sulle ali della musica ai
gloriosi anni del Risorgimento,
fondamento
dei Sacri Valori della
Patria!
Con il “Va pensiero” è
stato acceso negli animi,
da tempo anelanti
della libertà, quello spirito
patriottico del quale Verdi divenne
un simbolo.
Il suo animo sensibile, generoso,
attento a cogliere pensieri, desideri
appena accennati ma profondi che
serpeggiavano tra la sua gente, dai
più umili ai più colti, seppe con la
sua musica infondere sentimenti di
risveglio e di unanime ribellione
agli oppressori. La sua grande musica,
divenuta poi immortale, fu capace
di infiammare gli animi tanto
da far gridare, prima sotto voce,
poi sempre più forte, “VIVA
V.E.R.D.I.” un acronimo che ri-
mandava parimenti a Vittorio
Emanuele Re d’Italia ed al compositore
bussetano, la cui musica fu
recepita dall’opinione pubblica come
sprone di libertà.
E quel “moto” unito al “grido di dolore”
che veniva dal
cuore del Re Vittorio
Emanuele II, furono il
“leit motiv” che unirono
gli animi più illuminati
e decisi di tanti
uomini illustri, i
quali contribuirono
con la loro intelligenza,
impegno e sacrificio,
ad unificare la
nostra Italia sotto una
sola Bandiera. E proprio
la straordinaria
musica del nostro grande Verdi, fece
da “colonna sonora” a tutte le
imprese vittoriose e non, di questo
periodo così intenso e difficile, ma
che tra tante sofferenze seppe arrivare
al traguardo.
Le note immortali di questo grande
Musicista e Italiano siano sempre
simbolo, oggi come allora, di fratellanza
ed unità ed amore per la nostra
Patria, come il grande Maestro
ci ha insegnato.

14 Nabucco Il
Fresco di nomina come docente di discipline
dello spettacolo alla Università di Parma e
da sempre cultore dello spettacolo popolare
e del circo, non mi arrabbiai quando, giunto con
la macchina a Reggio Emilia, un ragazzo in bicicletta
mi attraversò la strada. Non inveii perché il
temerario si divertiva ad alzare la ruota davanti.
Ho pensato che Reggio è una delle città del “quadrilatero”
circense: qui ed a Modena, Verona,
Mantova, sono nati molti dei più celebri clowns e
giocolieri italiani. Ma giunto a destino i segnali di
un altro spettacolo, ancora più amato dal popolo,
mi attraggono. A Parma danno subito nell’occhio
i manifesti del Teatro Regio. Alla “Grotta Mafal-
Mario Verdone
da”, m’hanno detto, fanno capo i “cospiratori” verdiani. Non possono
essere, per statuto, più di 31, quante le opere di Verdi. Ogni tanto c’è
la cerimonia dei “nuovi iscritti”, a rimpiazzare quelli che se ne sono
andati. Non si tratta che di intenditori, reputati, collaudati. Nelle trattorie
sono incorniciate, insieme agli immancabili ritratti di Verdi, anche
locandine di spettacoli ottocenteschi. Da “Campana” ve ne sono
attaccate diverse, coi bei caratteri bodoniani.
Il nome di Verdi è ripetuto nelle pietre stradali, nelle lapidi, in un cinema,
nei busti, nei libri in mostra nelle vetrine.
Verdi è spesso, qui, l’argomento principe. Per farsi benvolere dai parmigiani
non sarà male, almeno una volta, una citazione. E bisogna anche
mostrare di capire subito, al volo, nel caso inverso. «Oh mia patria,
sì bella e perduta…», dice la protesta velata di un pensionato che attende
battendo i denti un autobus che è troppo in ritardo. «..Nabucco, atto
terzo!». «Si», rispondo io, «ma il pensiero va sempre sulle ali dorate...».
La battuta del libretto prende il posto, qui, del proverbio, del modo
di dire, del motto: «All’erta». «Oh detti!». «Io tremo!». «Profferisti?».
«Funesto presagio!». «Non ti scordar di me!».
Oggi si parla del Trovatore dappertutto: dal barbiere, dal giornalaio,
dai bidelli del Rettorato. È la quarta ed ultima replica. Ed è il 27 gennaio
1971. Settanta anni dalla morte del Maestro. Appuntamento al
Regio, sì, ma è tutto esaurito. Arrangiarsi per l’ingresso.
Devo dire che è stata per me una serata memorabile, da “albo lapillo”
.Ho potuto conoscere molto, di Parma, in una sola sera.
Il momento iniziale lascia intendere un certo nervosismo, nel palcoscenico
come negli spettatori. Ai cantanti la sala si spalanca come una
fossa dei leoni. Il loggione, il famoso loggione, ha messo in fuga, alla
“prima”, il baritono Bruson, Conte di Luna, reo di un passaggio di
catarro durante un acuto. «Di quella speme...». C’è una parte del pubblico
lassù, tutt’altro che ben disposta. Non gliel’ha perdonata. E non
sarà facile riconquistarla.
Il loggione di Parma è ipersensibile, severo, cauto al primo levar di
sipario, talvolta sordamente minaccioso, anche nel silenzio; turbolento,
pieno di malumori e di entusiasmi ragionati. Scontroso come un
ragazzino precoce. Non ammette sfasature nella scena, nel movimento
degli attori, nel costume, nel coro. Spesso, anche, esagera. Ma se
tutto procede senza inciampo, se acquista sicurezza, si scioglie. Allora
spasima per i suoi cantanti preferiti, idoleggia, mitizza. Toglie e dà
i propri favori, non senza qualche capriccio. È il pubblico!
La prima scena va bene. Non ci sono applausi. Bruson torna a cantare.
Continua ad andar bene. Ma la pace non sembra segnata, almeno
col loggione, che mostrerà sempre, durante tutta la rappresentazione,
di preferire il tenore Richard Tucker, che ha 54 anni almeno, giacche
era già celebre con Toscanini. Renato Bruson fa di tutto per piacere.
Vuole la riconciliazione.
Nell’intervallo visito il teatro. Sono stato qui altre
volte – c’era Dario Fo - ma soltanto oggi ho la accortezza
di curiosare dappertutto, dopo avere attraversato
il palcoscenico, prima della rappresentazione,
per superare, autorizzato, l’ostacolo
dell’introvabile biglietto. Ed ammiro i bei salottini
del prim’ordine, con specchi, velluti, profumi,
whisky e bon-bons, secondo la tradizione delle
buone famiglie parmensi. Poi, i più andanti salotti
degli ordini superiori. Al quarto, dove domina
il pubblico minuto, sono avanzi dì merende
e bottiglie vuote sui tavolinetti. Non si tratta del
“servizio ai palchi”, annunciato con cartello al
bar, È proprio il lambrusco di casa.
Riprende il secondo atto. È il coro degli zingari. Il magnano, al centro,
manovra destramente i martelli, ma esce più dì una volta di tempo.
Un mormorio esecrato esce dal loggione scontroso. E una voce mi
pare che dica: «ma va’ per bruset», che deve voler dire «va per castagne»,
bruciate naturalmente.
Ma il Conte di Luna e Manrico sono in forma, Azucena incanterà per
«Ai monti nostri», Bruson piace, infine, per come esegue, in crescendo,
la romanza «Il balen». È la riconciliazione ? A «Di quella pira l’orrendo
fuoco..» del Tucker, succede il finimondo. Si sente gridare «Bravo!»,
cosa inconsueta in teatro, anche dalle donne, con voci stridule che sovrastano
il clamore. Gli applausi si moltiplicano. Ormai la pace è fatta
anche con Bruson, sono applauditi con fragore Tucker, sempre più
di Bruson, e Katya Ricciarelli, nonché Bianca Rosa Zanibelli dopo
«Condotta era in ceppi» e l’orchestra col maestro Erede.
È una bella serata verdiana, con una platea sempre più festosa, ma si
arriva, dallo spettacolo, al rito, allorché l’altoparlante annuncia con
voce commossa che il “Regio” intende celebrare il 70° anniversario
della morte di Verdi con il coro del Nabucco, a chiusura della serata.
Finale a sorpresa. Sono convenuti i “confratelli” delle corali locali, tutti
in semicerchio, “Verdi”, “Città di Parma”, “Astra femminile”, “Collecchiese”,
con gli alunni del Conservatorio: 150 voci.
Quando il coro si è disposto sul palcoscenico, il colpo d’occhio è imponente.
Ora cadono dall’alto manifestini gialli e rosa con il testo del
celebre coro del Nabucco. Il pubblico delle poltrone li afferra. La voce
che prima chiamava Tucker ora grida, a piena gola, a più riprese, «Viva
Verdi!». Il calore della partecipazione sale, e allorché «Va pensiero
sulle ali dorate…» comincia, si placa immediatamente l’ardore della
platea per un ascolto addirittura religioso. Non dappertutto, però.
Perché la corale dei “31”, al quarto ordine, freme. Certuni escono sui
corridoi, per calmarsi, o mugolando, con voci sempre intonate, educate,
i versi del pezzo immortale. È un cedere alla brama di unirsi, e non
frenarsi, come tigrotti che saltano da un lato all’altro della gabbia.
L’ovazione, dopo l’ultimo verso, è indescrivibile: lacrime agli occhi,
«Viva Verdi!», mani che si spellano. Ma il silenzio rispettato nella precedente
esecuzione, dopo le prime battute, non vi sarà più. Gli stessi
coristi, dal palcoscenico, fan gesti di incitamento per invitare tutti al
canto. I volantini sono stati lanciati apposta. Allora è un fragoroso
canto che invade tutto il teatro, potente, imperioso, glorioso. Partecipano,
con i coristi, cui si sono aggiunti Tucker, Bruson, Katya Ricciarelli,
Bianca Rosa Zanibelli “Grotta Mafalda”, i dirigenti, i “31”, gli
spettatori, le corali minori del quarto, i commessi e i controllori, i
pompieri di servizio, i baristi: «Va pensiero sull’ali dorate …».
Parma, 28 gennaio 1971
Giornale dei Grandi Eventi
Il ricordo di Mario Verdone del 70° della morte di Verdi al Regio di Parma
Una “Sagra” Verdiana
Era da tempo che l’amico e collaboratore del “Giornale dei Grandi Eventi” Mario Verdone, purtroppo scomparso il 26 giugno 2009 mi diceva con aria goliardica:
«Ho un pezzetto scritto tanti anni fa che devi tener presente quando ci sarà Il Nabucco od Il Trovatore…». Mio malgrado non sono riuscito ad
accontentarlo in vita, ma lo faccio con grande piacere e soprattutto grande affetto proprio ora, in un numero importante, quando il Nabucco è stato scelto per celebrare
il 150° dell’unità d’Italia. Penso che Mario ne sarebbe stato contento.
andrea marini
mario Verdone

Il Giornale dei Grandi Eventi
Non dovette essere
semplice fare da
moglie ad un uomo
come Verdi, ma la
Strepponi ne fu all’altezza.
Giuseppina Strepponi, nata
a Lodi l’8 settembre 1815
studiò musica fin da piccola
col padre Feliciano, anche
se ebbe sempre a noia
la musica religiosa, preferendole
di gran lunga quella
teatrale. Fu ammessa
quindicenne al Conservatorio
e si rivelò un’ eccellente
pianista, tanto da
chiedersi se fosse più adatta
a lei la carriera di strumentista:
alla fine opto per
la scena, pur conseguendo,
dopo la morte del padre,
sia il diploma di canto che
quello di clavicembalo.
Uscì dal Conservatorio nell’ottobre
1834 e sempre a
Lodi, appena diciottenne,
fece il suo debutto in diversi
concerti, ammirata per le
qualità vocali e soprattutto
per la presenza scenica. A
Udine, Gorizia, Verona,
Brescia, Trieste, Piacenza,
Vienna, e presto alla Fenice
di Venezia, ottenne trionfi
nelle opere più amate dal
pubblico: Matilde di Shabran
di Rossini, Norma di Bellini,
Anna Bolena e Lucia di Lammermoor
di Donizetti. Il
cammino della gloria passava
obbligatoriamente attraverso
la “protezione” di
un agente o di un impresa-
rio abbastanza influente, e
Milano era la città che contava
i personaggi più in vista
della scena. Qui fu introdotta
da Alessandro Lanari,
detto il “Napoleone
degli impresari”, tuttavia
Giuseppina dovette i primi
successi a un agente teatrale
di minore importanza,
tale Domenico Cirelli, il
quale la conosceva da
quando era ancora vivo il
padre, e che rappresentò
per la giovane una figura
paterna e protettiva, divenendone
poi amante ma
anche l’agente che le avrebbe
spalancato le porte dei
principali teatri.
Gli anni 1836-1837 furono
estremamente intensi: richiestissima,
si sottopose a
un’incessante attività lavorativa,
moltiplicando gli
impegni e passando da un
amante all’altro. Ad aggravarle
la salute, oltre alle
tensioni, si aggiunsero gli
effetti devastanti di numerose
gravidanze che costrinsero
la donna a riposi
forzati lontano dalle scene.
Nemmeno la paternità del
primo figlio fu certa, ma Cirelli,
che figurò come compagno
quasi ufficiale, nonostante
fosse sposato e padre
di famiglia, fu disposto
a riconoscere il bambino
nato ai primi di gennaio del
1838. Giuseppina fece il suo
debutto al Teatro Argenti-
Nabucco
Prima interprete di Abigaille e seconda moglie del compositore
Giuseppina Stepponi e l’amore per Verdi
Caricatura di Melchiorre Delfico di Verdi e la Stepponi al loro arrivo
a Napoli
na nel ruolo di Lucia nella
Lucia di Lammermoor ed ottenne
un successo trionfale.
Nello stesso periodo intrattenne
una relazione con un
altro impresario, Bartolomeo
Merelli, che si prodigò
per portarla sul palcoscenico
della Scala di Milano,
per la stagione di primavera
del 1839: avrebbe dovuto
interpretare il ruolo principale
in Oberto, conte di San
Bonifacio, la prima opera di
Verdi, per cinque rappresentazioni
a settimana. Fu
durante un breve soggiorno
a Milano, dopo aver ottenuto
un enorme successo
nei Puritani di Bellini e nell’
Elisir d’amore di Donizetti,
che fece la conoscenza di
Verdi. Lui, giovane provinciale
ancora poco inserito
nel bel mondo della lirica,
non poté che restare folgorato
dalla presenza di Giuseppina.
Sappiamo che si
incontrarono nell’aprile
1839, e che ebbero lunghe e
amichevoli conversazioni.
Tra i due nacque una relazione
che, inizialmente,
non andò oltre un’amichevole
complicità.
Gli anni 1839-40 furono segnati
da nuove disavventure.
Era una donna straziata
e depressa quella che Verdi
ritrovò a Milano durante le
prime prove di Nabucco, alla
fine del dicembre 1841.
Entrambi provenivano da
esperienze traumatiche con
nell’animo ferite difficili da
rimarginare. Eppure si riconobbero
al primo sguardo:
il sentimento di complicità
di un tempo era sedimentato
e parve essere maturo
per la costruzione di
quel legame che non terminerà
che con la morte di
Giuseppina, cinquantasei
anni più tardi. Nel frattempo
la prima donna doveva
ancora dare il suo addio alle
scene. Da un controllo
medico risultò che, proseguendo
con i ritmi della
carriera, avrebbe messo a
repentaglio la propria vita.
Nonostante ciò, cantò con
successo la prima assoluta
del Nabucco, il 9 marzo
Giuseppina Stepponi in un ritratto di K. Gyurkovich
1842 alla Scala di Milano.
Giuseppina divenne poi la
collaboratrice inseparabile
del Maestro, ma il declino
della sua voce era ormai in
atto e la obbligò a ritirarsi
per poi trasferirsi a Parigi.
Verdi rimase a Milano fino
a giugno del 1847, quando
sulla via di Londra si fermò
nella capitale francese. Con
la sua “Peppina”, Verdi ritrovò
una felicità che aveva
dimenticato. Lei era affascinante,
divertente, sensibile,
dotta: era inoltre una
splendida linguista, addirittura
una «Parisienne parfaite»,
come disse di lei un
editore. La coppia frequentò
i salotti più importanti,
nei quali il famoso soprano,
la cui bellissima voce
poteva ancora reggere
per un pubblico limitato,
interpretava i nuovi pezzi
di Verdi, rendendolo ancora
più famoso nella società
parigina. Un po’ alla volta,
però la coppia si ritirò dalla
vita pubblica, preferendo
la quiete della campagna.
Lasciarono la città (come
Violetta ed Alfredo) e comprarono
un villotto a Passy,
per vivere in pace. La coppia
tornò in Italia, nel 1849
15
ed andò ad abitare a
Sant’Agata, dove Verdi
aveva comprato delle terre.
Come gli amanti di Dumas,
Verdi e Strepponi furono
criticati in modo inflessibile
dal punto di vista morale.
Quando Giuseppina si trasferì
a Busseto si scatenarono
le critiche e i pettegolezzi,
ma Verdi si preoccupò
di chiarire la situazione solamente
al suo ex suocero e
benefattore Antonio Barezzi.
Durante i cinquanta anni
di convivenza, tra la tenuta
di S. Agata e la residenza
invernale di Genova
nel Palazzo Sauli Pallavicino,
l’amore di Giuseppina
rimase sempre un punto
fermo. Tra le varie testimonianze
in tal senso, si segnala
una lettera datata
1860 in cui lei professa tutta
l’ammirazione per l’uomo
e per il genio Giuseppe
Verdi. La loro unione divenne
ufficiale il 29 agosto
1859, quando i due si sposarono
nella chiesa di Collognes-sous-Saléve,
in Savoia,
alla presenza del
campanaro e del cocchiere,
unici testimoni del matrimonio.
li. mag.

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