Aprile 2009 - Pilo Albertelli

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MUSICA Heaven and Hell Black Sabbath Lorenzo Raffio Primo album, datato 1980, della leggendaria band di Birmingham dopo la dipartita di Ozzy Osbourne, al termine di un intero decennio di successi. Il colpo sembra duro da sopportare, e già negli anni precedenti il gruppo ha risentito di un percettibile calo di creatività, aggravato dalla prepotente affermazione della New Wave Of British Heavy Metal e dalla conseguente perdita di attrattiva da parte del pubblico per le sonorità hard-rock più tradizionali. Tuttavia Iommi & Co., dando il benvenuto al nuovo cantante, l'emergente Ronnie James Dio (americano, proveniente dai Rainbow di Ritchie Blackmore), producono un disco di inatteso impatto: un vero capolavoro dell'heavy-metal, che nulla ha da invidiare ai classici dell'era Ozzy. I cambiamenti rispetto al sound dei tempi passati sono notevoli: i Sabs si adeguano alla potente e melodica voce di Dio con riff di chitarra più snelli e veloci (che mettono finalmente in evidenza il talento di Tony Iommi) e ritmi più rapidi e meno cadenzati e ripetitivi. Si passa insomma ad un heavy-metal maturo, meno "grezzo", con un utilizzo molto più cospicuo e consapevole dei sintetizzatori (viene per l'occasione reclutato nella band un tastierista fisso, Geoff Nicholls, che darà da quel momento in poi un apporto notevole al lavoro del gruppo anche al livello compositivo). Dio introduce temi esoterici e fantasy nei testi, facendone il motivo portante del disco (se anche all'epoca di Ozzy c'erano stati accenni a tali soggetti, essi rappresentavano comunque un aspetto marginale e superficiale della produzione dalla band). La batteria non è più solo un elemento di supporto per la chitarra di Iommi, ma si mette autonomamente in evidenza in stacchi di notevole stile e pulizia, ma incastrandosi sempre a meraviglia nell'intero contesto. Si comincia con la veloce e straripante "Neon Knights" - in cui Ward e Butler si scatenano in un coinvolgente accompagnamento per gli aggressivi "ruggiti" di Dio e per il magnifico assolo di Iommi (forse mai così heavy prima di allora) - che lascia subito intendere dove si voglia "andare a parare". La maestosa "Children Of The Sea" lascia spazio ad un potente hard-rock venato di cori e chitarre acustiche, più vicino, in un certo senso, al sound tradizionale della band. "Lady Evil" è un riuscitissimo rock-blues (ripreso anche in "Walk Away"), rivisi- O A ndanomal Valerio De Felice III A Trattenete il respiro. Tappatevi il naso e serrate le labbra. Potete resistere due minuti, due minuti e mezzo con un po' d'allenamento, poi il vostro cervello implorerà nuovo ossigeno e vi sembrerà di morire. La sensazione è corretta, se aspettaste ancora potreste effettivamente morire. È un dato certo, l'uomo non può sopravvivere senza ossigeno. Potete ricominciare a inspirare, ora. Per le idee è diverso. È possibile sopravvivere anche se si è preda dei pregiudizi. La maggio- Anno II - Numero 6 ondanomala_albertelli@yahoo.it La solitudine e il respiro del mondo Jovanotti tato in chiave "anni '80", che celebra le immense doti melodiche della voce di Ronnie James Dio. Sulla title track c'è poco da dire: uno dei capolavori del genere, uno dei migliori riff mai composti da Iommi e forse non solo... "Wishing Well" è un pezzo meno "impegnato" degli altri (pur anch'esso qualitativamente notevole), che consente all'ascoltatore, a circa metà dell'album, di "riprendere un po' il fiato", per così dire. Ma rapidamente si passa a "Die Young", che rende ottimamente l'idea del "nuovo corso" del sound dei Black Sabbath: qui le tastiere hanno un ruolo decisivo, l'atmosfera di sottofondo da esse creata fa letteralmente venire la pelle d'oca. Ottima in questo caso anche la prestazione alla batteria di Bill Ward, che mostra di trovarsi perfettamente a proprio agio anche con i ritmi veloci. Chiude "Lonely Is The Word", un lento decadente impreziosito da un riff di ben 3 minuti di Tony Iommi, che da solo regge con rara maestria il pezzo per quasi l'intera sua durata. Un disco da possedere assolutamente, per chi ha il cuore "di metallo". Un pezzo di storia del rock, in cui trovare una anche minima pecca è obiettivamente impresa piuttosto ardua. ranza delle persone, una volta creato un pensiero di cui sia convinta, non sente alcun bisogno di aprire la bocca per far entrare aria, ossigeno, nuovi pensieri che possano mettere in dubbio l'idea tanto faticosamente ottenuta. E costruisce, per tanto, delle gabbie, delle casseforti che possano proteggere il tesoro, l'anello del potere che permette di capire cosa sia giusto e cosa sbagliato. È un modo di sopravvivere, non di vivere. È ovvio che lasciare sempre aperta la porta della gabbia è impossibile, così come non si può solo inspirare. E allora si può tentare di aprirla di tanto in tanto, come si fa la mattina con la finestra della propria camera. Una boccata d'aria fresca. Di recente nella mia gabbia è entrato un venticello leggero e impertinente che ha scosso polvere e ragnatele. E, improvvisamente, mi è apparso, come in una visione mistica, coronato da raggi di luce e con sottofondo d'organo, Lorenzo Cherubini, in arte Jovanotti. Un tempo Jovanotti si collocava nel grande recinto delle stupide mode giovanili. Era uno che cantava versi come "stai con me forever", in un'orrenda commistione di italiano e inglese. Uno che, come scrive Baricco, detto il nome era detto tutto. Eppure. Eppure "Serenata rap" intenerisce e "Chissà se stai dormendo" commuove. Jovanotti nel genere melenso-romantico ci sguazza come in uno stagno. E soprattutto sa che quello è esattamente lo stesso stagno del suo pubblico, adolescenti che vogliono ascoltare quelle storie e vogliono ascoltarle proprio in questo modo. Poi, la maturazione. "Buon Sangue", ovvero il disco che cancella definitivamente le ingenuità giovanili, sul genere de "La mia moto", e ci restituisce un vero cantante. Siamo costretti ad ammettere di averlo sottovalutato. I brani si susseguono uno dopo l'altro, uno migliore dell'altro. "Tanto3" (canzone che pochi hanno compreso a fondo, forse distratti dal ritmo eccessivamente sincopato), "Mi fido di te", "Falla girare","La valigia". È ufficiale, Jovanotti è cresciuto. Forse anche il suo pubblico lo è, e probabilmente le due cose sono collegate tra loro. Ad ulteriore conferma, ecco il nuovo disco, "Safari". La storia è semplice. Jovanotti è un po' confuso ("c'è un safari qui nella mia testa"), triste e smarrito ("a te che mi hai trovato all'angolo coi pugni chiusi/con le mie spalle contro il muro pronto a difendermi/con gli occhi bassi stavo in fila con i disillusi"). Eppure è salvato, come spesso avviene, dall'amore. È la vicenda di "A te", canzone bellissima perché adattabile non solo a una fidanzata/moglie, ma a chiunque possa amare ed essere amato, seppur in forme diverse (amici, figli, genitori, fratelli). Insomma, Jovanotti ha ricominciato a vivere. Di colpo riscopre la bellezza del mondo ed entra in comunione con la natura. Eccoci arrivati a "Fango". E al suo ritornello. "Io lo so che non sono solo/anche quando sono solo/io lo so che non sono solo/e rido/e piango/e mi fondo con il cielo e con il fango." In
<strong>Aprile</strong> <strong>2009</strong> www.ondanomalapilo.com ndanomal LIBRI questi versi è contenuto tutto il disco. Il tema della solitudine sconfitta dall'amore. Il ritorno alla nostra origine, il fango. La bellezza del mondo che ci circonda. La gioia, ovvero l'unica emozione che ci fa ridere e piangere al tempo stesso. È un'atmosfera da resurrezione. Un'altra comunione con la natura, questa invece improvvisa e dolorosa, è descritta da Edvard Munch nei suoi diari. Ci sta raccontando l'origine de "Il grido". "Camminavo lungo la strada con due amici- quando il sole tramontò. I cieli diventarono improvvisamente rosso sangue e percepii un brivido di tristezza. Un dolore lancinante al petto. Mi fermai- mi appoggiai al parapetto, in preda a una stanchezza mortale. Lingue di fiamma come sangue coprivano il fiordo neroblu e la città. I miei amici continuarono a camminare- e io fui lasciato tremante di paura. E sentii un immenso urlo infinito attraversare la natura." Torna alla mente un gioco da cruciverba. Ci sono due immagini apparentemente uguali, fatta eccezione per un certo numero di dettagli. Lo scopo è trovare le differenze. Immaginiamo di avere nella vignetta di destra Jovanotti e in quella di sinistra Munch. Entrambi diventano tutt'uno con il respiro del mondo, ma dove il pittore sente un urlo angosciante, l'altro sente musica. Dove Munch rimane solo, abbandonato dagli amici, probabilmente più distratti che malvagi, Jovanotti no. Abbiamo trovato la differenza tra i due. La solitudine. Cosa vuol dire solitudine? Non certo essere soli. Gli amici di Munch sono distanti appena pochi metri, non un abisso insondabile. Lo stesso Jovanotti ci dice, in maniera sibillina, che anche senza compagnia non è solo. Esistono persone che ritengono di essere incomprese, abbandonate, e continuerebbero a pensarlo anche in mezzo a una folla. Solitudine vuol dire sentirsi soli. Jovanotti era solo, disperato, contro il muro. Poi è arrivata lei, chiunque sia, e gli ha mostrato la bellezza del mondo. Forse non è vero che per lui sia andata così. Capriccio d'artista. Ma è una storia reale ancor prima che realistica. E comunque la questione è un'altra, ed è contenuta tutta nelle parole "Io lo so". Non si tratta di ciò che è veramente, ma di ciò che pensiamo sia. Munch non era solo, ma si sentiva solo. Era lui a creare l'abisso incolmabile tra sé e gli altri (gli amici, l'umanità), non viceversa. Un'altra storia. Un altro ponte. È sera tarda, un uomo in piedi sul parapetto fissa l'acqua nera sotto di sé come se fosse preda di una magnetica attrazione. Ma ecco giungere qualcuno a impedire il suicidio. Un angelo, o più semplicemente un uomo di cuore, come la protagonista di "A te". Tu, che stai per suicidarti, perché lo fai? non hai visto come è bello il mondo? dici di non avere più nulla, che ti sembra del mare, del sole, dell'amore? Cioè, inspira. Lascia entrare il mondo nella tua anima. E non sarai mai solo. Meraviglioso. O A La masseria delle allodole Antonia Arslan Cecilia Lugi V B Spesso tendiamo a dimenticare, o a ricordare parzialmente, le brutture e le atrocità del nostro passato più o meno recente. Per questo dovremmo mantenere sempre vivo il ricordo degli eventi storici di cui si parla troppo poco, e sui quali alcuni scrittori revisionisti, ancora oggi, con ostinata arroganza insistono a negare. Com’è giusto che la shoah rimanga eternamente impressa nella nostra memoria, dovremmo far sì che “l’olocausto degli armeni” non cada nell’oblio. Il termine “genocidio armeno” non si riferisce solamente alla campagna anti-armena del 1894-1896 sostenuta e condotta dal sultanato turco-ottomano, ma anche all’eliminazione sistematica e alla deportazione forzata di circa due milioni di armeni cristiani compiuta dal governo dei Giovani Turchi negli anni 1915-1916. Tutta colpa di Mick Jagger Cyril Montana Alla questione sono dedicati alcune pellicole struggenti come Ararat di Atom Egoyan (2002), e specialmente, romanzi importanti come La masseria delle allodole di Antonia Arslan, dal quale i fratelli Taviani hanno realizzato l’omonimo film (2007). La masseria delle allodole rievoca la tragica avventura dello zio Sempad, trucidato insieme a tutti i membri di sesso maschile della famiglia, della tenace Shushanig, che grazie al proprio coraggio riuscirà a portare in salvo ad Aleppo i figli sopravvissuti al massacro della Masseria, agli stenti e alle sofferenze, alla sete e alla fame, e soprattutto, all’orribile sterminio, tristemente conosciuto come “la marcia della morte”. E ripercorre i momenti di sofferenza di Yerwant, padre di Antonia, fratello maggiore di Sempad, fuggito a Venezia all’età di 13 anni e mai più tornato in Anatolia, afflitto dal rimorso di non aver potuto raggiungere i congiunti, la drammatica vicenda della famiglia trucidata, spezzata, ma allo stesso tempo unita, e sorretta dalla forza della disperazione, e di un intero popolo senza patria, tuttora privo di una stabile identità nazionale, disperso in ogni angolo di mondo, che si batte affinché il proprio incubo sia ricordato, senza mai smettere di sognare il ritorno nella terra natia. Il romanzo è caratterizzato da una prosa sincopata, in cui prevalgono periodi brevi, carichi di pathos. Le pagine rapiscono il lettore grazie al racconto di episodi realmente accaduti, e alla descrizione di una nutrita galleria di personaggi “unici”, concepiti della fervida fantasia di Antonia Arslan, personaggi ai quali la scrittrice - nata a Padova nel 1938 - riesce a dare una tipicità, un ruolo e un destino, basandosi quasi esclusivamente su ricordi sbiaditi, frammenti di vecchie storie, e varie altre fonti raccolte e trasfigurate in questa mirabile e commovente narrazione. Claire Simon è un figlio di “figli dei fiori”, sballottato nell'infanzia tra il nido dell'adorata nonna e asili per bambini di hippies, ed è cresciuto con tutte le dovute conseguenze. A 30 anni deve conciliare la sua già complicata vita sentimentale con l'inseguimento continuo di una madre che è un'inguaribile settantottina, che da vera bohemien gira per gli alberghi più costosi di Francia e che sostiene che le sue emicranie siano causate dal fatto che Mick Jagger si è impossessato della sua testa. Attraverso una prosa piacevolmente sgangherata che si sviluppa tra flashback e monologhi interiori, Montana fornisce un delizioso ritratto di un immaginario ragazzo-frutto dell'amore libero, perseguitato da paure, manie e totalmente sconclusionato nelle sue avventure amorose, ridefinendo ironicamente l'eredità di quel '68 tanto idealizzato da noi adolescenti. Ed. Excelsior 1881, 2008, 183 pagg, 12.50 euro
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