ITALIANA - AIC Associazione Italiana Autori della Fotografia ...

AIC
chiaroscurali e di colore, danno
luogo alla condizione profonda
dell'essere dell'immagine.
Perché, la presunzione più alta
del nostro fare fotografia è
quella di evidenziare in forme
luminose riconoscibili, un
"reale" che alla prova dei fatti
non è "esistente" ma è
unicamente "riproducibile". Lo
stupore dell'uomo di fronte al
formarsi dell'immagine nella
"camera obscura" è data fin
dalle origini da questo
inconscio-cosciente e dal duplice
essere dell'immagine - esistente
e nulla.
Nelle condizioni migliori, il
piacere forte di fare fotografia di
cui siamo pervasi, dipende
appunto dalla magica chiusura
di questo cerchio - siamo
"rivelatori evidenti" di un dato
che per millenni è rimasto
latente.
D'altra parte le nostre origini
storiche, ben lontane e
sedimentate, si ritrovano tuttavia
nell'eco dei gesti che separano
uno spazio dato, costruendo nel
tempo un ordine di segni grafici,
la cui esigenza è stata quella di
rendere semplici e controllabili
figure, in realtà assai complesse
per occhi ancora incapaci di
elaborarle. Lo stile alto, che poi
troveremo nelle prime figure
pittoriche e in tutta l'arte antica,
evidenzia che l'elaborazione
dell'uomo ha sempre mirato a
quella che poi abbiamo per
secoli definito ARTE, e che la
fatica, il lavoro, l'abilità
dell'artista sono sempre state la
ricerca di un ordine figurato.
Non possiamo non notare,
almeno in forma di appunto, che
tutta la pittura, che ha preceduto
prima la fotografia e poi la
cinematografia, aveva già
maturato al suo interno forme
estremamente evolute di
esecuzione e di
rappresentazione. Il corpo totale
della pittura che ci precede,
comprende non solo la
coscienza della prospettiva e dei
toni chiaroscurali (che già
esauriscono e rappresentano
una vasta gamma di soluzioni),
ma anche una padronanza del
colore che già è selezione ed
elezione del cromatismo.
Recentemente un lavoro su
Giotto, (girato con telecamere)
mi ha consentito una prolungata
osservazione dell'opera di questo
grande artista e mi ha permesso
di indagare sulle sue importanti
ricerche, incentrate sulla
necessità di guardare la gente e
le cose così come sono; nel
tentativo, a mio giudizio
pienamente riuscito, di restituire
verità alla realtà. Non è questo il
luogo per esaminare la profonda
differenza che corre tra la
rappresentazione della verità e
quella della realtà e le
problematiche, non solo
tecniche ma anche etiche, che
ne conseguono; tuttavia questa
mia osservazione può almeno
bastare a sottolineare il carattere
innovativo dell'arte di Giotto,
come momento cruciale e fulcro
per tutto lo sviluppo successivo
di quella tecnica della luce e del
colore che ieri era pittura ed
oggi è anche la nostra
professione.
Infatti, la rappresentazione che
Giotto attua può farci, ancora
oggi, riflettere sia per
l'essenzialità delle figure e, sia,
dopo i restauri avvenuti nella
Basilica d'Assisi, per l'efficacia
quasi magica del suo colore.
A tutto questo possiamo inoltre
aggiungere una distribuzione dei
volumi ed una concezione dello
spazio che ci appaiono ancora
oggi rivoluzionarie per la validità
delle soluzioni elaborate
nonostante l'assenza della
prospettiva (o forse proprio per
questo).
Così, Giotto utilizza le navate
della Basilica non come semplici
luoghi dove collocare i suoi
affreschi, ma quasi fosse un
contemporaneo, elabora quegli
spazi in un ritmo di colore e di
Il "revolver
astronomico" di
Janssen, per
l'osservazione delle
fasi del passaggio di
Venere davanti al
Sole, nel 1874.
development of the technique of creating with light and colour which,
yesterday, was known as painting and, today, has become our profession.
In fact, Giotto's art is still capable of inspiring us to reflect, because of the
essentiality of the figures and the almost magical effect he achieves with
colour — which can be fully appreciated in the Basilica of St. Francis in
Assisi where the frescoes have recently been restored. To this, we can also
add his concept of space and distribution of form which still appear
revolutionary today because of the validity of the solutions arrived at,
even though he used no perspective (or, perhaps, because of this).
Thus, Giotto didn't merely paint his frescoes on the walls of the nave in
the Basilica, but worked the spaces, creating forms and colours that were
real, and recounting a story with images, almost as if he were a
modern-day artist
There have also been other extraordinary moments in painting when the
artist was concerned with the "representation of truth". Caravaggio, for
example, who achieved this with his extremely refined use of light Every
time one views a painting of his, one is equally impressed by his precise
definition of the light source, and his ability to actually depict the
passage of light. Even though his figures are fixed on the canvas and
contained within the masses of chiaroscuro, they seem capable of
movement In fact, we almost don't dare to look away from the painting
for a second, because we fear, deep in our unconscious, that the figures
might slip into the shadow, to then re-emerge into the light
Caravaggio demostrates that he was aware of the modifications light
undergoes as it travels and, in a perfect dualism (light-shadow), he
introduces it and causes it to fade out within the painting, depicting it
with colour tones completely faithful to its various transitions.
If I go back over the different periods painting has gone through, I realize