Exibart.onpaper

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arte.architettura.design.musica.moda.filosofia.hitech.teatro.videoclip.editoria.cinema.gallerie.danza.trend.mercato.politica.vip.musei.gossip
Sped. in A.P. 45% art. 2. c. 20
let. B - l. 662/96 - Firenze
Copia euro 0,0001
free | anno settimo | numero cinquantadue | ottobre duemilaotto | www.exibart.com
Lo so, lo so, non è da noi. Non è da noi andarsi a cercare, per l'intervista d'ordinanza, l'artista trendy a Berlino quando magari ce n'è uno bravo uguale a cento metri da casa. Non è da noi trascurare quello che
succede nel nostro paese, dando conto invece di qualsiasi inezia purché sia a Londra o a New York. E di solito teniamo fede a questo proposito. Quello che vi proponiamo, da cinque anni ormai, è un giornale
che punta - con il malcelato obiettivo di fare sistema tra tutti i componenti del settore - a valorizzare nello specifico l'apporto italiano (quando non è provinciale, beninteso) al dibattito internazionale. E dunque in
linea di massima ci teniamo su un trenta per cento di contenuti 'dall'estero' ed un settanta di made in italy. Un pizzico di sale, una spolverata di pan grattato e servire ben caldo. Ebbene, il numero che inaugura
la stagione 2008/2009 è stato confezionato seguendo una ricetta con ingredienti inversi. Sarà stato il cambio del quadro politico a Palazzo Chigi, ma anche in tanti comuni; sarà stata la crisi economica che
fluttuerà su di noi per qualche mese ancora; sarà il dissesto finanziario di molte amministrazioni locali che hanno individuato il primo taglio di bilancio possibile - e come si sbagliano - nelle attività espositive o
culturali; sarà che mentre altrove si procede innanzi, nel nostro paese ci si ferma per settimane a discutere se una fase politica di ottant'anni fa è stata cosa fattibile o male assoluto. Insomma, la vendemmia in
Italia non è andata molto bene. Non abbiamo trovato granché da raccontarvi. E ci siamo guardati intorno. Dan Cameron ci ha raccontato la sua Biennale di New Orleans in una intervista meravigliosa. Abbiamo
approfondito due festival-mostre-biennali-kermesse innovativi e originali (occorrerà che gli organizzatori battezzino nuovi termini per le loro creature, visto che dichiarano sempre cosa 'non' vogliono essere, ma
mai cosa sono). Entrambi posizionati in luoghi liminali e culturalmente strategici: Tina B a Praga e ArtTlv a Tel Aviv. Ci siamo lanciati nella Berlino più profonda, come ci fossimo vissuti qualche anno e di
più. Abbiamo ascoltato la musica contemporanea cinese. L'Italia? A spanne, ma c'è anche lei. Soprattutto il nord-est. Quel nord-est che si sta ripensando come InnoVetion-Valley (leggetene nella rubrica design)
e che è riuscito ad organizzare un'edizione di Manifesta cui abbiamo dedicato una pagina di commenti. Insomma, buon inizio di stagione a tutti: stringiamo i denti che ce la possiamo fare pure questa volta. (m. t.)

4.retrocover Exibart.onpaper
sondaggio
http://sondaggi.exibart.com
sexybart.
tonino guerra
di ferruccio giromini
Tonino Guerra - Accoppiamento assonnato
Il breve testo di "Spremere il limone" recita:
"Spesso la seduta della donna sul corpo
dell'amato / può risultare di una pesantezza
soffocante / che può disorientare l'uomo e
così / l'orgasmo è come l'agonia di un limone
spremuto". Dove già si intravede la cifra
dell'operazione, oltremodo singolare: sotto
il titolo "Kamasutra a Pennabilli", in preziosa
confezione si assemblano dodici incisioni e
altrettanti concisi scritti poetici, quasi veloci
appunti, che si fingono ritrovati fortunosamente,
attribuendoli a un ipotetico "monaco
studioso di cose orientali" uscito da un
oscuro passato nell'Appennino toscano. Ma
dietro le quinte, peraltro non dissimulandosi,
sta nientemeno che Tonino Guerra.
Proprio lui, il poeta e sceneggiatore cinematografico
romagnolo (ma felicemente trasferitosi
nelle Marche) che, ottantottenne, non
finisce di stupire i suoi caldi ammiratori con
sortite creative ancora impreviste. Da pochi
anni è difatti conclamata la sua attività pittorica,
che ha saputo
recuperare la tecnica
composita
dell'affresco, ma
adattata su tela,
affiancandosi ad
una frequentazione
antica del disegno,
pastello e
acquerello. Invece
queste sono
acqueforti, tutte
colorate a mano
con divertita leggerezza
dal magnifi-
Tonino Guerra - Intimità con
trombetta
co vegliardo stesso.
Il tono, appunto,
soprattutto
delle immagini, è favolistico e delicatamente
orientalista. I corpi si avvinghiano sotto
titoli come "L'inghippo poltrona" o
"L'attorcigliamento del rampicante", ma
lievi, quasi chagalliani. E a loro volta i testi
se la spassano liberamente, come nell'impagabile
descrizione del cosiddetto
"Accoppiamento assonnato"; o come nella
deliziosa ode rivolta al "punto prezioso di
lei", ovvero "il giardino del godimento", che
suggella in bellezza l'edizione: "La fica è
una ragnatela / un imbuto di seta / il cuore
di tutti i fiori; / la fica è una porta / per andare
chissà dove / o una muraglia / che devi
buttare giù"… A editare la voluminosa cartella
(copie 100 + XXX) è stata la Tipertì
riminese di Paolo Cavessi e Giovanni
Tiboni, che non la tiene solo gelosamente
alla Galleria Fabjbasaglia di Riccione, ma la
distribuisce in Italia e all'estero. Noi ad
esempio l'abbiamo incontrata presso la
Galleria San Lorenzo al Ducale di Genova,
ma si può trovare anche in Russia, dove
Guerra, complice la moglie, natìa di quelle
terre, ha trovato felicemente una seconda
patria (e un secondo mercato, anche ben
più florido del nostro).
troppo ambiziosa
IMPRESSIONI SU MANIFESTA7
23,02%
finalmente un po' di fresco nel belpaese 26,98%
troppo sparsa nel territorio
25,40%
un'occasione per il turismo culturale 24,60%
i perche del mese
ORGANIZZAZIONE CAPITALE
Beh, dai, diciamocelo: non ci si crede. Anni, lustri,
decenni (uhm, decenni no, ma insomma, quasi) a cercare
di organizzare un opening collettivo mentre nelle
altre città i vernissage da "start" in comune sono
ormai la regola. E quest'anno? Quest'anno Roma - e
su questo buffo fatto ci chiediamo ingenuamente il
perché - si è dotata non di uno, non di due, bensì di tre
opening collettivi. Uno patrocinato dal Comune e organizzato
dal patron della locale fiera Roberto Casiraghi,
uno focalizzato sulla MacroZona del Salario e un altro
tutto appannaggio delle gallerie attorno a Campo de'
Fiori...
DISCRIMINAZIONI CENTRIFUGHE
Le Biennali - tipo Manifesta, no? - che vengono organizzate
nelle periferie del mondo. Gli artisti che si interessano
di periferia e marginalità. I curatori specializzati
nei problemi delle periferie e delle zone liminali sia
fisiche che mentali. La domanda, come diceva il noto
presentatore di Rai Tre, nasce spontanea: ma perché
l'arte non si occupa mai del centro?
L'ARTITETTURA CONTEMPORANEA
Rispetto a quella di due anni fa, questa di Betsky è
decisamente una Biennale Architettura più popolare.
Per i (soliti) grandi nomi messi in campo - Zaha Hadid,
Massimiliano Fuksas - e per l'allestimento delle
mostre, tanto all'Arsenale quanto ai Giardini. Molte
delle quali, però, potrebbero non essere smantellate e
riciclate il prossimo anno per la Biennale Arti Visive.
Allora, d'accordo sulla società liquida, le contaminazioni
e gli sconfinamenti, ma ci si chiede perché gli architetti
oggi vogliano a tutti i costi fare gli artisti…
vedodoppio
sopra: Il curatore del Maxxi
Bartolomeo Pietromarchi
sotto: L'attore Nicholas Cage
sopra: pubblicità della Seidl Confiserie
sotto: Bidibibodibiboo, un Cattelan
di 12 anni fa
la vignetta.
“Keith Haring” di Danilo Paparelli
mandateci le vostre vignette
sull'arte a: onpaper@exibart.com
SGARBI SICILIANI
Altro che sindaco assenteista, evanescente, inconsistente
e impalpabile. Altro che candidatura di maniera
a fini pubblicitari. Per carità, c'è anche quello, ma
insomma Vittorio Sgarbi ci sembra imprimere una
certa verve nell'attività di sindaco di Salemi. Iniziative
ad alto livello di innovazione, giunta-vip che non fa solo
dichiarazioni ai giornali, ma propone anche idee per la
cittadina. E il turismo risponde alla grande.
BELLISSIMO
Magari più dentro che fuori. Magari sarebbe stato
meglio aspettare la conclusione dei lavori. Magari non
è giusto sbilanciarci. Magari utilizziamo una parola -
anzi, un superlativo - che è sempre meglio non usare.
Ma sta di fatto che, dopo una visita guidata al cantiere
svoltasi non più di qualche giorno fa, possiamo ben
dirlo: il Maxxi di Roma è bellissimo.
OSPITI INTERESSA(N)TI
Finalmente una fiera fatta su e per i collezionisti,
anche se in concomitanza con la blasonata Frieze.
Ma avete capito benissimo, stiamo parlando di
ArtVerona, fiera nazionale, fiera popolare e nonostante
tutto fiera in gran spolvero. Gli organizzatori, pensate,
sono riusciti a coinvolgere le gallerie locali per
ospitare i collezionisti nella città scaligera durante il
fine settimana della manifestazione.
E POI DICE CHE UNO SI BUTTA A SINISTRA
Ci sarebbero state ancora molte cose da sistemare
dopo la prima gestione di Bonami, ma la regione Friuli
Venezia Giulia targata centrodestra preferirà invece
utilizzare il Centro di Villa Manin per frico & tocai. Che
non sono i centrocampisti dell'Udinese, ma le specialità
agroalimentari più famose della simpatica regione
a nord-est. Queste almeno sono le intenzioni del
nuovo commissario della struttura Enzo Cainero.
Enzo, ripensaci!
FORBICI INGLESI SU ROMA
Qualche soldo in meno proveniente dalla madrepatria.
Un cambio euro contro sterlina che penalizza chi
incassa in pound e spende con la moneta unica. L'aria
di crisi internazionale che diminuisce gli sponsor e i
contributi privati in generale. Va bene tutto, ma non ci
sarà nulla che ci impedirà di definire abnorme e sbagliatissima
la decisione di chiudere, dopo anni, il programma
espositivo dell'Accademia Britannica di
Roma curato con bei risultati e alta qualità da
Cristiana Perrella.
A QUANDO IL FINISSAGE?
Ha fatto presto, il ministro Sandro Bondi, a smentirci.
Lo avevamo pressoché osannato sullo scorso numero,
siamo costretti a ritirare tutto - con gli interessi -
su questo. Il poeta-ministro se n'è infatti uscito - in
un'intervista su Grazia - con una scomposta dichiarazione-da-autobus
secondo la quale sarebbe "difficile
trovare bellezza nell'arte contemporanea". Bellezza?
Ma di cosa parla Bondi quando accenna alla bellezza?
A quale concetto di bellezza è ancorato? Da par
nostro troviamo almeno altrettanto difficile trovare
'bellezza' nella politica. E anche noi "fingiamo di capirla",
come ha dichiarato Bondi riguardo all'arte.
Tuttavia ce la dobbiamo tenere, senza neppure sperare
in un finissage.

6.opinioni Exibart.onpaper
ERGOSUM.
L'industria della sicurezza. Che cosa vuole l'attuale classe politica dai cittadini? La confessione
della paura. Bisogna far dire loro che sono in preda alle minacce più disparate che vanno dal
"clandestino" allo stupratore, dall'automobilista ubriaco all'eversivo. La confessione (sondaggi
ad hoc) restituisce al potere una causalità rassicurante che lo legittima di fronte a scelte neofasciste.
Vigili armati, ordinanze comunali "antidisordine", tolleranza zero, esercito per le strade, voto in condotta
(il manganello moralistico come soluzione all'indisciplina), ecc.). Niente sfugge a questa impresa di igienizzazione
morale del sociale. L'industria della produzione ideologica della sicurezza - che segue quella reale
dell'insicurezza - oscilla dall'esercito alle assicurazioni, fino alla promozione pubblicitaria e alle fiction televisive.
La sicurezza che entra nella bocca dei politici e nella televisione è quella che esce dalle strade. Puro
espediente demagogico che protegge dall'accusa di non prendere abbastanza sul serio la domanda di protezione dei
cittadini. Questa presunta invocazione collettiva della sicurezza che dalle terre leghiste si propaga come un virus fino al
Parlamento, assomiglia a quella che è nel bambino la scoperta della differenza sessuale, così profonda, così grave, così
irreversibile: la feticizzazione di un oggetto interviene per occultare questa insopportabile scoperta. Ma, dice Freud, proprio
questo oggetto è spesso l'ultimo oggetto intravisto prima della scoperta. Se dal piano individuale passiamo a quello
collettivo vediamo che la società che ci può distrarre dall'impatto con la violenza del reale è quella immediatamente
precedente la nostra società democratica, il fascismo. Da qui la sottile pregnanza di atteggiamenti fascisti che fanno
ritorno sotto il mantello protettivo della immacolata sicurezza che genera odio verso la democrazia. Questo ritorno non
è per nulla politico. Anzi, è perché non siamo più nel fascismo, proprio perché esso è qualcosa di definitivamente scomparso,
che esso può esercitare tutta la sua attrazione attraverso il fascino di una violenza dissimulata dai politici, spettacolarizzata
dai media, promossa dal cinismo economico, e dunque riproducibile da chiunque. La perdita di memoria,
l'impossibilità di guardare dritto negli occhi la società reale corre parallela alla fascinazione e alla riproduzione di modelli
di comportamento fascisti. Il nostro sistema vive della produzione di paura e di fallimenti e pretende di fabbricare una
sicurezza (nessuno protegge i cittadini dalle conseguenza collettive dei disastri finanziari di Telecom, Alitalia, Parmalat…).
Rinnovando i suoi stock di paure e disastri economici, allo stesso tempo le scongiura con un rilancio della sicurezza. E
così dopo che si esalta la produzione, occorre eroicizzare la sicurezza. Le serie televisive incentrate sull'eroismo delle
squadre di polizia e di medici, sono l'epica di questo processo ideologico di eroicizzazione della sicurezza. Lo squadrismo
reale del fascismo fa ritorno nello squadrismo soft delle fiction televisive, dove si propaganda il funzionariato della sollecitudine:
l'essere servizievole che camuffa l'ipocrisia feroce di una realtà
della sicurezza pubblica tutt'altro che servizievole. Lo abbiamo visto con i
massacri al G8 di Genova e recentemente nel costante abuso di potere
da parte di esponenti delle forze dell'ordine. Le fiction sono la soluzione
immaginaria alle paure fabbricate dal capitalismo selvaggio neoliberista.
Ciò che conta è produrre i segni - pubblicitari, televisivi - della sicurezza. "Una vittima sul lavoro spezza la vita di un'intera
famiglia" sta scritto in un cartellone pubblicitario contro le morti "bianche". Il segno pubblicitario della sicurezza si
sostituisce alla sicurezza in se stessa. È il trionfo della simulazione della sicurezza. Simulare significa fingere di avere ciò
che non si ha. Tutto ciò è la prova flagrante del fatto che della sicurezza in quanto tale tutti se ne sbattono.
Come la bistecca nel cellophan, allo stesso modo l'automobilista è imballato (imbalsamato) nella cintura di sicurezza che
lo inchioda al sedile: è una prova differita di morte. Tutta la nostra cultura tecnica crea un ambiente artificiale di morte.
In un certo senso la tecnologia è una specie di capitale fisso di morte, come il lavoro, o lo sfruttamento intensivo degli
immigrati che sono il capitale fisso, segreto, del capitalismo selvaggio d'oggi. Biologizzazione del corpo, igienizzazione dell'ambiente
sociale contro gli stranieri, tecnicizzazione dell'ambiente di lavoro, tutti insieme vanno nella medesima nevrosi
ossessiva di controllo e epurazione del male. L'economia vive di questa produzione differita di morte. Le nostre necropoli
non sono più dove si pensava che fossero, nei cimiteri separati dalle città che ispiravano pensieri metafisici, ma nei
microprocessori che ci accompagnano nella vessazione alla comunicazione. Contro il nostro sogno di perdere tutto, eleviamo
una muraglia inversa di vuota comunicazione, di sterilizzata connessione, di approvvigionamento
di informazioni. Una densa nube artificiale che è la prova della nostra progressiva scomparsa
reale. Il solo fatto che la produzione tecnologica della morte differita sia diventata un sine qua non
per l'uomo testimonia una cultura che non ha più senso per se stessa e che non può sognare d'averne
uno per qualcun altro. Il cinismo ha cosi buon gioco e diviene una forma di relazione sociale
che guarda con indifferenza a quel mediterraneo - via della salvezza per molti immigrati che non
hanno più una Atena che li protegga come è stato per Ulisse - che si è trasformato nella più grande
necropoli a cielo aperto.
È sotto gli occhi di tutti, la nostra cultura è una vasta impresa industriale di produzione di morte.
Infarti da stress, incidenti, cancro, malattie da inquinamento, i veleni negli alimenti cellophanati, morti
sul lavoro, violenza politica, violenza economica, violenza deliberata… Niente sfugge a tale impresa
nichilista.
Attraverso la produzione materiale, la morte è secolarizzata, resa disponibile e sfidabile, come mostrano superbamente
le pubblicità delle automobili dove la velocità è un attributo (virile, maschile) imprescindibile dalla seduzione. E dove
con le loro lussureggianti superfici ultralucide, costituiscono l'attrazione fatale per donne spossessate di tutta la loro differenza
femminile, imbambolate e lanciate nella prostituzione pubblicitaria.
CHOPSTICK.
marcello faletra
saggista e redattore di cyberzone
Qualcuno ha cercato di lanciare un secchio di vernice contro l'enorme manifesto che Armani da
ormai decenni espone verso la via Broletto. Qualcuno ha preso un barattolo di vernice gialla e ha
cercato di lanciarla per nascondere il pisello di David Beckham seminudo in mutande aquilate.
Non ce l'ha fatta. Il pisello di Beckham era troppo in alto. Allora con la vernice rimasta ha scritto
VERGOGNA. Ed è andato via. Artefice dell'azione è stato il dottor Antonio, quello il cui sonno
era agitato dall'invito di Anita Ekberg a bere più latte in un lontano episodio felliniano. Già vecchio
ai tempi del film, adesso è più vecchio ancora, ma vivo. Perché gli imbecilli non muoiono mai. I
censori sono imbecilli, quindi anche loro sono immortali.
Furioso perché non è riuscito a coprire il pisello di Beckham (geloso perché Beckham in quella foto pare avere un pisello proporzionato
alle dimensioni del suo conto in banca), il professor Antonio è partito alla volta di Roma. Deciso a parlare con il
Presidente del Consiglio, chiunque egli sia, per porre fine a questo sconcio.
È arrivato nella capitale a fine luglio, in un pomeriggio caldissimo. Gli uscieri di Palazzo Chigi dormivano, i sottosegretari ancora
a pranzo, i ministri in seduta plenaria in una saletta con l'aria condizionata che faceva desiderare la sciarpa. Il dottor Antonio
è entrato indisturbato dentro Palazzo Chigi. In mano aveva una ventiquattrore con dentro le foto dello sconcio pisellone britannico
e una bomboletta di vernice spray che porta sempre con sé per coprire eventuali vergogne che ormai si incontrano a
ogni angolo di strada.
"C'è nessuno?" La sua voce rimbombava nei grandi spazi vuoti. "Onorevole Tambroni?", chiamava timidamente il dottor
Antonio. "Onorevole Fanfani? Moro?". Nulla. "Deve essere cambiato un'altra volta il governo", concluse tra sé il piccolo censore.
Si avviò verso un corridoio per andare a cercare qualcuno, fosse anche un portaborse, quando si fermò, pallido. "Gesù...".
Non gli era comparso il Messia. Si era semplicemente trovato di fronte un dipinto
A MONDO MIO.
In questi giorni ogni volta che si parla di mondi virtuali, mi viene in
mente la sequenza iniziale dei film di James Bond, quella della "gun
barrel", per gli intenditori. In quei pochi, geniali secondi di arte cinematografica,
è condensata in una manciata di fotogrammi una
porzione consistente del pensiero occidentale: nello spostarsi dell'occhio
e della macchina da presa dal mondo astratto di 007 che
cammina e spara, al luogo in cui si svolge il preludio del film, c'è di
tutto, da Kant, a Hegel, a Dziga Vertov. Si passa in pochi istanti da
un ambiente iperminimale e asettico a un mondo vero. Senza soluzione
di continuità, soltanto grazie alla dissolvenza offerta dal sangue
che cola sullo schermo , portando la vita in quella vena calibro
9, mentre c'è il cambio di scena.
Penso a quel cambio di scena ogni volta che si
affronta lo spinoso discorso del passaggio dalla
dimensione dei mondi virtuali al mondo reale.
Quando se ne parla, ci si chiede cosa può trasmigrare
da quei mondi al mondo vero,
come si possano importare da questa
parte le opere realizzate di là dal
monitor. Ma non solo le opere, il
modo di vivere, le discussioni, le storie
sentimentali.
Ogni volta che si affronta il problema,
si ha la sensazione che sia difficilissimo
sdoganare tutto il patrimonio del mondo
virtuale, sembra che giaccia lì, fermo in un immaginario
deposito a metà strada tra il virtuale e il
reale, bloccato dall'implacabile firewall del mondo
fisico, concreto, che tiene a bada le nostre nuove
illusioni artificiali.
A quel punto ci si rende conto dello scollamento
tra quello che succede in rete e fuori. Nel mondo
online domina l'idea del peer to peer, dello scambio.
Fuori invece no, non si riesce ad attivare dei
canali che mettano fattivamente in comunicazione
i mondi virtuali e il mondo vero. La gente non fa
outing con il proprio avatar, tiene le identità separate,
e soprattutto non si è ancora verificato il flusso di informazioni
da una parte all'altra: pochi hanno monitorato i mondi che stanno
di là, divulgandone le culture, e pochi hanno pensato di portare
la loro arte e la loro sapienza nei mondi virtuali. Al momento, tra
l'altro, sono pochissimi gli artisti e gli architetti del mondo vero attivi
in Second Life.
Si parla della necessità di portare qui, tra noi, le testimonianze dell'eterno
presente sintetico, di quell'universo sempre sveglio, di quei
mondi con gli occhi sempre forzatamente sgranati, di farle vivere
nel nostro mondo, magari addomesticando il virtuale, rendendolo
più omogeneo alla realtà di tutti i giorni.
In tal modo, la questione rimane irrisolta. Si continua a pensare in
termini di oggetti concreti, si aspetta che da un momento all'altro
si debbano materializzare tra di noi degli avatar, magari in forma
di ologrammi, o che compaiano degli squarci di città in
stile Second Life, che nei supermarket si vendano prodotti
Made in Virtual world, o ancora, che le telecamere
sparse per le città vengano prestate temporaneamente
a una serie di reality, come se ci trovassimo a
vivere in un cinema verità.
Forse il mutamento è meno evidente, meno ovvio.
Forse il virtuale si sta insinuando in maniera più discreta
tra le pieghe della realtà, senza far troppo rumore.
Una certa idea di virtualità è nelle pubblicità che
riecheggiano subliminalmente i videogames, ritorna
nella raffinata operazione concettuale di Aaron Betsky
per la Mostra di architettura a Venezia, e sempre il virtuale
induce a riconsiderare con altri occhi certi monumenti
dichiaratamente mentali, come Castel del Monte
o il Castello di Kafka, dove più forte dell'architettura
stessa è la fitta rete di rapporti, di schemi e di congetture che definisce
un'architettura parallela.
La frequentazione degli universi sintetici tende a sviluppare la
capacità di indagare i diversi livelli di virtualità del mondo che ci circonda.
Un mondo che non cambia nelle apparenze, ma che muta
sensibilmente nel modo in cui noi lo percepiamo. Le trasformazioni
indotte dal virtuale non si applicano a ciò che ci sta intorno, ma
riguardano piuttosto il nostro modo di vedere.
I mondi sintetici hanno cambiato il nostro approccio con la realtà,
che più o meno è sempre la stessa. È il filtro che sta tra noi e il
mondo che è cambiato. E la tanto vagheggiata Third Life non sta
per strada ma nella nostra testa.
mario gerosa
giornalista, autore di "rinascimento virtuale" (meltemi)
del Tiepolo, "La Verità svelata dal Tempo". Ma lui non vedeva né la Verità né il Tempo. Vedeva solo un capezzolo, occhio del demonio che lo fissava, spioncino
dell'inferno, gorgo rosa che catturava nel ludibrio. Anche qui! Anche qui dove si decidono i sacri destini della Patria! Il dottor Antonio si sentiva mancare. Nella
sua testa vorticava un indecente carosello di piselloni e capezzoli, calciatori e politici nudi in una parata dionisiaca mitomodernista. Si fece forza. Tolse dalla ventiquattr'ore
la bomboletta, montò su una preziosa sedia damascata e iniziò a spruzzare vernice sul malefico seno nudo.
Proprio in quel momento entrò un usciere alla testa di alcuni parlamentari. L'usciere, inorridito, afferrò il dottor Antonio che strillava: "Mi lasci, mi lasci... devo
coprire quella vergogna, potrebbe offendere il senso del pudore degli onorevoli...".
"Lo lasci! Ha ragione! Prima di tutto la morale!" tuonò un deputato dell'UDC, amante segreto di un cardinale slovacco. E il capezzolo da allora non è più visibile.
È successo tutto insieme, mentre ero sul tram. Ho visto il tentativo di censurare il pisello di Beckham, ho letto del capezzolo del Tiepolo coperto per non turbare
alcuni politici. E ho visto un manifesto pubblicitario della mostra di Bacon. Una inquietante figura maschile che aveva un disco bianco ad altezza genitali.
Censurato anche quello? Mi sono domandato. Non si sta esagerando? Sono corso nella prima libreria che ho trovato, ho sfogliato il catalogo di opere di Bacon e ho visto che il quadro è proprio così, un
nudo con un pallino copripippo. Phew... temevo che il dottor Antonio avesse colpito ancora!
tommaso labranca
scrittore

Exibart.onpaper
ELETTRO-SHOCK.
Immagini di agosto 2008 in contrapposizione. L'apertura dei giochi
olimpici a Pechino, la guerra tra Georgia e Ossezia. Lo spettacolare,
roboante kolossal cinematografico dal vivo diretto da
Zhang Yimou da un lato; le immagini dei carri armati che percorrono
strade polverose di campagna dall'altro. Migliaia e migliaia
di ballerini, atleti, tecnici, maestranze nella capitale cinese pronte
ad andare in scena per quattro lunghe ore, senza errori, con
l'esasperata meticolosità richiesta da
uno show che non ammette repliche.
Migliaia di soldati e, purtroppo, di morti
che in poche ore hanno invaso e funestato
una regione caucasica. Lo spettatore
è abituato ad entrambe le tipologie d'immagine,
pronto ad accogliere tutti e due
gli immaginari "in conflitto" e in qualche
modo dipendenti tra loro. La guerra è scoppiata, non a caso, in
coincidenza con l'inaugurazione dei giochi, allorquando l'attenzione
del mondo era dirottata verso o distratta dallo sfarzo dell'effimero,
dall'arte del segno, della luce e del colore, dall'estasi tecnica
del corpo che si modella nello spazio. Il suggestivo patinato
di Yimou, i suoi anelli olimpionici fatti di LED, la sua scenografia
di corpi e percussioni, una lunga pergamena elettronica che si
srotola e fonde insieme l'antico e il moderno, sono stati brutalmente
sostituiti negli occhi dello spettatore mediatico dalle grezze
immagini di guerra: come sempre a bassa definizione anche
se trasmesse su un televisore HD. Non la guerra hi-tech cui, cinicamente,
ci hanno abituato gli americani da qualche lustro, ma
quella guerra "sporca" in tutti i sensi, guerreggiata da uomini su
automezzi e terreni fangosi. Immagini
al limite della decolorazione che sembravano
prendersi beffa dei colori saturi
e fluorescenti trasmessi in diretta da
Pechino. Immagini e corpi che confliggono, che non riescono
comunque a cancellare la sistematica violazione dei diritti, lo
sfruttamento di milioni di persone, l'esecuzione capitale di cinquemila
morti (record planetario assoluto della Cina). E i cosiddetti
grandi della Terra che tra pacche e strette di mano hanno
anche il tempo di ricordare al premier cinese: "…e mi raccomando
i diritti!", amplificando l'ipocrisia etica e mediatica, la falsità di
una messa in scena quotidiana dove criminali di guerra che si
fingono stregoni vengono portati alla sbarra di un tribunale
internazionale, mentre altri criminali di guerra continuano
a sedersi tranquillamente dietro la scrivania della
Casa Bianca, in attesa delle prossime elezioni amministrative.
La coincidenza di eventi ludici e bellici non è altro
che l'ennesima, estenuante cartina di tornasole che sottolinea
la falsità di tutte le immagini: quelle d'artista che
con molta retorica e un senso perfetto dello showbiz
coprono la vera realtà della Cina industrializzata dove
ogni anno muoiono ottocentocinquantamila persone
per malattie legate all'inquinamento; quelle di una guerra
a orologeria che ha dietro le sue strategie economiche
e politiche (petrolio, NATO, contrapposizione
Usa/Russia, indipendentismo, ecc.); quelle di una diplomazia
compiacente che chiude tutti gli occhi sia perché
chi è senza peccato scagli la prima pietra, sia perché
scagliare pietre, comunque, va contro gli interessi di
tutti. E noi, impotenti spettatori che abbiamo pagato il biglietto,
ci godiamo preoccupati lo spettacolo tra il crepitio dei fuochi
d'artificio (su un canale) e il fragore delle bombe (sull'altro).
bruno di marino
studioso dell'immagine in movimento
opinioni.7
UN SACCO BELLO.
Berchidda è un piccolo paese di poco più di tremila anime in provincia di Olbia-Tempio, in Sardegna. Nel corso del tempo,
questo piccolo paese sardo è diventato famoso in Italia e sempre più nel mondo perché ogni anno, a ridosso di
Ferragosto, ospita uno dei più straordinari festival jazz di questi anni, Time in Jazz. Questo piccolo grande miracolo si
deve a Paolo Fresu, uno dei più grandi musicisti jazz dei nostri tempi, che a Berchidda è nato e che qui ha voluto portare,
nel corso del tempo, molti dei più grandi mostri sacri della musica che ama, suonando con loro nella
piazza del paese, sotto olivastri secolari, in piccole chiesette di campagna, oppure in cima ad un monte al
sorgere del sole. Sempre circondato da una folla di ascoltatori appassionati e insaziabili. Ma il fenomeno
Time in Jazz si estende sempre più anche oltre la musica, verso la danza, la performance e le arti visive,
per le quali esiste da alcuni anni un progetto specifico, il PAV (Progetto Arti Visive) appunto, seguito da
Antonello Fresu, psicanalista e fratello di Paolo, e da Giannella De Muro, e che propone progetti propri e
allo stesso tempo invita ogni anno curatori esterni a confrontarsi con il tema che caratterizza ogni specifica
edizione del festival: dalla follia al cibo, dalla trance all'architettura. Nel giro di pochi giorni prendono
forma mostre, progetti ed eventi, a volte pensati e realizzati quasi estemporaneamente, andando a comporre un programma
ricco e sorprendente la cui struttura definitiva si rivela di fatto solo alla fine del festival.
Ora che il festival è arrivato alla sua ventunesima edizione, e ora che il paese ha imparato ad organizzare
il proprio ciclo annuale anche attorno a questa grande festa che a molti dei piccoli esercenti del
paese assicura da vivere per tutto l'anno che viene, chi va a Berchidda in quei giorni può toccare con
mano che cos'è il potere trasformativo della cultura: edifici abbandonati che tornano in vita, meravigliosi
luoghi del patrimonio storico-culturale e naturale che si riempiono di energia e di voci, tanti giovani -
sempre più rari in Sardegna a causa di un inesorabile calo demografico che nell'interno dell'isola si
auto-alimenta portando allo spopolamento progressivo di interi paesi - che arrivano anche da lontano,
ascoltano musica e a loro volta suonano la loro musica. Di fronte al coraggio e alla generosità di chi
porta avanti da decenni ormai un progetto come questo, reinventandosi ogni anno le condizioni che gli
permettono di esistere e di continuare a superarsi, sarebbe bello che le istituzioni sapessero coglierne
il potenziale facendo sì che piccoli centri come Berchidda, che rischiano lo spopolamento totale nel
giro di un paio di generazioni, diventino luoghi che ospitano cultura tutto l'anno, con residenze e laboratori
che facciano rivivere gli spazi abbandonati e riportino vita anche nel paese. Quante risorse
servono per fare tutto questo? Meno di quante ne vengono normalmente spese in
improvvisati e spesso velleitari progetti di sviluppo generalmente modellati su strumenti
ampiamente superati di marketing territoriale. È soltanto un problema della Sardegna interna?
Niente affatto, è un problema che interessa una frazione sempre maggiore dei piccoli
comuni italiani, tra i quali esistono, spesso poco conosciute, tante altre Berchidda dove, per
qualche giorno all'anno, accadono cose straordinarie che prefigurano un futuro possibile ma
ancora lontano a causa della miopia di chi pensa che il mondo sia ancora, nel migliore dei
casi, quello di venti anni fa e agisce di conseguenza. È questa la differenza principale che si nota quando si va fuori
dall'Italia: difficilmente si vedono i piccoli miracoli che accadono da noi, ma sempre più spesso, e anche in luoghi tradizionalmente
molto più conservatori dei nostri, si coglie questo interesse per ciò che può ancora accadere, per l'esplorazione
di nuovi percorsi. Da noi è più difficile. E forse è per questo che da noi accadono i miracoli: chi davvero vuole
deve superare ostacoli tali che si prepara ad affrontare e a superare qualsiasi prova. Ma se i miracoli continuano ad
accadere nel vuoto, prima o poi non accadono più, e tutto si spegne. Chi vuol capire capisca, e se può faccia qualcosa.
pier luigi sacco
pro-rettore alla comunicazione e all’editoria e direttore del dipartimento delle arti e del disegno industriale - università
iuav - venezia
WWW.PRESTINENZA.IT
Giocare a tutto campo. Ecco l'imperativo della critica d'architettura di oggi. La quale rifiuta, e giustamente,
le divisioni manichee del passato, quando chi apparteneva a una corrente non si sognava non dico di
partecipare a una mostra ma neanche di dialogare con l'avversario. E che arriva sino al punto di cambiare
continuamente le carte in tavola e i riferimenti.
Tre esempi per tutti. Il Giornale dell'Architettura, diretto dal tradizionalista Carlo Olmo, regala, accludendolo
al numero di agosto, un volume stampato dalla fondazione Zevi, uno dei critici che fino alla morte, avvenuta
nel 2000, fu impegnato contro le visioni passatiste in architettura.
Gabriele Mastrigli, che non ha fatto mai mistero delle sue
idee revisioniste, propone, in una recente rassegna in corso
di svolgimento alla British Academy i neosituazionisti di
Emmeazero e cioè uno dei gruppi che in Italia persegue più
coerentemente una linea di ricerca d'avanguardia.
E, infine, Francesco Garofalo, che non è propriamente cono-
PABLOB.
Vi siete mai chiesti quale sia il compito dei millanta musei e gallerie comunali, regionali, provinciali, nazionali, spuntati
come funghi in ogni dove (per non dire di Quadriennali e Biennali)? Servono a gratificare l'ego dei curatori nominati senza
possibilità di appello o a svolgere un ruolo di ombrello istituzionale? E quando dico istituzionale intendo super partes.
Voglio alludere alla possibile funzione che dovrebbe avere la struttura pubblica di registrare la situazione creativa
nostrale, di investigare e documentare l'ampio ventaglio delle attività che si sviluppano senza soluzione di
continuità.
Può la programmazione espositiva risolversi nella riproposizione fino allo sfinimento degli eterni pollock di
batteria provenienti da allevamenti di riferimento e di foraggiamento?
Può un ente pubblico fungere da passerella dei protégé, può trasformarsi in un privé coccodè?
Eppure non è un azzardo sostenere che la rete curatoriale italica sia per buona parte
una zona franca, una palestra per rimestare la solita minestra, un arengo balengo indove
esercitare giochi di un potere talmente ristretto da rasentare il doppio frodo star. Un
potere assoluto che pare non andar soggetto ad alcun criterio di trasparenza, che non
ammette interferenza di giudizio, che si titilla l'orifizio ombellicale.
Dunque dovremmo considerare codeste gallerie civiche come strutture a conduzione
cupolare familiare, enclavi impenetrabili, staterelli off shore? Se così fosse le dovremmo
segnare tutte al registro demaniale & demoniale delle Isole Cayman.
E le tanto sbandierate pari opportunità varrebbero solo per le differenze di razza, sesso e religione?
Non per il prodotto dell'ingegno?
Insomma è lecito usare a fini personali spazi sovvenzionati dalla collettività? È legittimo che una volta insediatosi
il critico deputato faccia il bello e il cattivo tempo senza rendere conto a nessuno del proprio operato?
Non è una novità che molti nuovi spazi espositivi, nati come cattedrali nel deserto (il deserto culturale italiano)
abbiano invertito i termini finendo per portare il deserto nelle cattedrali. Passato il giorno dell'inaugurazione, in
cui la fauna degli addetti ai lavori e ai favori sciama per incontrare amici & colleghi e fare lo struscio, nessuno ci
mette più piede.
La diserzione del pubblico fa sentire il proprio fragoroso silenzio-dissenso all'interno di edifici sontuosi, eretti da
architetti famosi, guidati da dirigenti boriosi e poco curiosi di spingersi al di là del proprio protubero nasale e
castale.
Maggiore attenzione alla realtà (non solo quella autoreferenziale o reverenziale nei confronti della moda sancita
e cucita in ambito internazionale) porterebbe a delineare nuovi percorsi, a selezionare nuovi talenti, a dar fiato
alle molteplici voci del genius loci.
Ora che molte sedi sono vacanti, gli amministratori, prima di nominare i successori, si dovrebbero interrogare
su questo fatto elementare: continuare a far zappare l'orticello o esigere che sia ampliato l'orizzonte e proiettato il guardo
oltre la siepe?
pablo echaurren
artista e scrittore
sciuto per le sue simpatie per l'innovazione formale, ha
messo in campo per la mostra "L'Italia cerca casa", al
Padiglione italiano della biennale, un gruppo di architetti che
va da Cliostraat a Mario Cucinella, da Marco Navarra a
Salottobuono, da Italo Rota ad Andrea Branzi. Mentre gli
addetti ai lavori non hanno potuto fare a meno di notare che
dalla lista sono scomparsi i nomi di progettisti, sicuramente
più tradizionalisti, quali per esempio il preside della facoltà di
architettura Roma3, Francesco Cellini, che in precedenti
comunicati erano stati annunciati come partecipanti alla
mostra stessa.
In un recente libro dal titolo La misura italiana dell'architettura,
Franco Purini sembra teorizzare l'approccio eclettico ed
inclusivista. Una nuova architettura e una nuova
critica devono, a suo parere, far convivere le diversità
"all'interno di un mosaico evolutivo di
sistemi concettuali aperti e interrotti e di
esperienze interagenti". L'obiettivo è di
optare non per l'esclusività, l'aut aut tipico
delle scelte di tendenza, ma per un possibilismo
metodologico in cui non occorre
"più vincere e neanche convincere, ma
convivere in una sostanziale equivalenza delle posizioni".
Insomma accettare un mondo dove Paolo
Portoghesi abbia diritto di cittadinanza come Jean Nouvel,
Pietro Derossi come Tom Mayne, Mario Botta come Daniel
Libeskind.
Del resto viviamo in un'epoca post-ideologica.
Dove anche in politica sono state abbattute le
barricate di un tempo. Oggi Gianni Alemanno
chiama Giuliano Amato e Gianfranco Fini vola in
Israele. Ma se riconoscere gli errori del proprio
passato è meritorio e se una società con
posizioni diverse è aperta e pluralista, una persona
con posizioni contraddittorie è semplicemente
incoerente.
luigi prestinenza puglisi
docente di storia dell'architettura contemporanea - la
sapienza - roma

8.speednews Exibart.onpaper
Festival dell'arte Contemporanea
di Faenza, già pronte le date 2009
Si svolgerà dal 17 al 19 Aprile 2009 la seconda
edizione del Festival dell'Arte Contemporanea
di Faenza, sotto la direzione scientifica di Carlos
Basualdo, Angela Vettese e Pier Luigi Sacco.
Ancora top secret temi ed invitati, per la tre giorni
promossa dal Comune di Faenza e da Goodwill,
che per la sua
prossimità
temporale
all'inaugurazione
della
Biennale di
D a n i e l
Birnbaum (7
giugno) si
pone quest'anno
come
evento chiave
di riflessione e
di confronto sui nodi centrali dell'arte contemporanea.
"La Biennale di Venezia - aveva dichiarato,
infatti, Basualdo in un'intervista rilasciata a Marco
Enrico Giacomelli per Exibart - negli ultimi anni - a
partire dagli anni '90 a oggi - non ha avuto un
approccio strettamente legato all'analisi: ha rinunciato
in qualche modo alla propria controparte
discorsiva. Faenza, per la sua prossimità a
Venezia, può riempire questo vuoto, diventando
un evento complementare all'aspetto espositivo
della Biennale".
info@festivalartecontemporanea.it
www.festivalartecontemporanea.it
Usa,sarà dedicata al Futurismo l'edizione 2009 del festival Performa
Filippo Tommaso
Marinetti
Carlos Basualdo, Pier Luigi
Sacco e Angela Vettese
Si preannuncia come l'anno della definitiva consacrazione a livello mondiale, il
2009, per il Futurismo, di cui si celebrerà il centenario dalla pubblicazione del
Manifesto di Filippo Tommaso Marinetti, avvenuta a Parigi proprio nel 1909. E
la mobilitazione coinvolgerà anche le realtà più inaspettate, se è vero - come si
apprende ora - che al movimento tutto italiano sarà dedicata anche la terza edizione
di Performa, la prestigiosa Biennial of new visual art performance che si
terrà a New York dall'1 al 22 novembre 2009. Richiamandosi alla necessità del
movimento di guardare al futuro in tutte le discipline, Performa 09 intende esplorare
il nuovo che emerge nelle arti visive, nel cinema, musica, poesia, graphic
design, danza, architettura, urbanistica.
www.performa-arts.org
Via Del Vecchio e Palumbo,
la Project Room del Madre a
Eugenio Viola e Adriana Rispoli
Cambio in vista nel team curatoriale del napoletano
museo Madre. Facendo fede a un principio di
rotazione fra giovani curatori attivi sul territorio, nei
prossimi mesi gli attuali curatori Gigiotto Del
Vecchio e Stefania Palumbo lasceranno la guida
dello spazio nato a settembre scorso, sostituiti da
una nuova coppia formata da Eugenio Viola e
Adriana Rispoli, entrambi con un passato nella
galleria Changing Role di Guido Cabib. I due
hanno all'attivo già numerose collaborazioni in
coppia, dalla collettiva Sistema Binario, negli
spazi della stazione ferroviaria di Mergellina, alla
mostra di David LaChapelle nel 2006 a
Capodimonte.
Jaar a Milano all'Hangar Bicocca e
allo Spazio Oberdan.
Con un progetto pubblico...
La mostra antologica, realizzata in stretta collaborazione con
l'artista, rappresenta un percorso attraverso le sue opere più
importanti, rappresentative di oltre vent'anni di lavoro. Parliamo
di It is Difficult, di Alfredo Jaar, a cura di Gabi Scardi e
Bartolomeo Pietromarchi, allestita a Milano nelle due sedi
dell'Hangar Bicocca e dello Spazio Oberdan. E affiancata dal
progetto pubblico Questions Questions/Domande Domande,
ideato per l'occasione, calibrato sulla città di Milano e sull'area
circostante, che si avvale della collaborazione di IGP Decaux e
di MBA Group. Artista, architetto di formazione e film-maker,
Jaar nell'arco del suo percorso si interroga su come l'arte
possa interagire con il
contesto sociale e
politico più vasto,
affrontando temi di
assoluta rilevanza,
legati in molti casi a
situazioni di urgenza
umanitaria, di oppressione
politica e di
emarginazione sociale,
di scarsa considerazione
dei diritti
umani e civili.
All'Hangar Bicocca
visibili opere di forte
impatto e di grande
dimensione, fra cui A
Logo for America, un
progetto di parole e
immagini sul significato della geografia, realizzato nel 1987 per
un edificio di Times Square a New York.
MiArt 2009, arrivano Di Pietrantonio e Cerizza. Con molte altre novità...
Lo avevamo già anticipato ed ora giunge la conferma ufficiale. Fra le novità apparecchiate da MiArt 2009 ci
saranno due curatori del Contemporaneo, Giacinto Di Pietrantonio e Luca Cerizza, mentre Donatella
Volontè seguirà il moderno e Laura Garbarino sarà la nuova figura per i collezionisti. Dopo un'edizione 2008
che ha visto la presenza di duecento gallerie italiane e straniere, con oltre trentottomila visitatori, la fiera milanese
punta sull'esperienza del direttore della GAMEC di Bergamo e sul giovane curatore e scrittore residente
a Berlino. Saranno loro a delineare il nuovo progetto del settore che, dall'edizione 2009, assumerà maggiore
rilievo rispetto al passato con una selezione che punta principalmente alla qualità e che accorperà gallerie
affermate e gallerie giovani ed emergenti. Confermata anche la rassegna Miraggi, l'iniziativa in cui le gallerie
che parteciperanno a MiArt potranno proporre opere e artisti che saranno selezionate dai curatori per poi
Luca Cerizza
essere collocate in luoghi prestigiosi di Milano. Per dare sempre maggiore risalto e visibilità agli artisti, MiArt
selezionerà inoltre alcuni grandi nomi tra quelli proposti dalle gallerie partecipanti, per dare loro l'incarico di
disegnare e reinterpretare alcuni luoghi della Fiera, come la reception, la vip lounge, la video lounge ed altri luoghi di ritrovo della manifestazione.
Architetture e opere allo stesso tempo, questi spazi accoglieranno anche nuovi contenuti e programmazioni della fiera, in via
di definizione. Dal 2009, inoltre, la Fiera avrà il suo Fondo Acquisti grazie all'Associazione Amici di MiArt, che sosterrà e promuoverà l'arte
contemporanea attraverso l'acquisto di opere presenti a MiArt per esporle in luoghi di pubblica fruizione della città di Milano.
Info: 0248550312 | miart@fmi.it | www.miart.it
Perugia Contemporanea, in Umbria un mese fra danza, dalle
arti audiovisive, musica
È un progetto dedicato alla relazione fra spazio urbano e cultura contemporanea, declinata
secondo diversi linguaggi e forme espressive, dalla danza al fumetto, dalle arti audiovisive
alla musica. Promossa dal Comune di Perugia, prende il via la rassegna Le Arti in
fino al 12 ottobre 2008
Sedi varie - Perugia
Info: 0755772416
info@leartiincitta.it
www.leartiincitta.it
Città_Perugia Contemporanea, "un'indagine - come specificano
gli organizzatori - sul contemporaneo inteso come tempo
magmatico attraversato da fusioni, interpolazioni, flussi di azioni,
dati, linguaggi, nel quale la ricerca artistica tende a svilupparsi
sempre più in un'ottica di interdisciplinarietà e con il supporto
delle nuove tecnologie crea nuovi linguaggi a loro volta produttori
di contenuto". Giunto alla sua seconda edizione, Le Arti in
Città_Perugia Contemporanea si articola in tre sezioni principali - Germinazioni, Flussi,
Umane Energie -, con un ricco calendario di workshop, mostre,
incontri, eventi performativi, conferenze, che ripensano criticamente
il rapporto opera / artista / fruitore, trasformando lo spettatore in
attivo protagonista. Germinazioni, che si svolgerà fino al 28 settembre
a cura di Piercarlo Pettirossi, è la sezione dedicata a valorizzare
i talenti creativi già attivi sul territorio regionale, offrendo
loro spazi e visibilità adeguati a rappresentare e far conoscere il
proprio lavoro. La terza ed ultima sezione Umane Energie si svolge
negli spazi della ex chiesa di Santa Maria della Misericordia, ed
è incentrata sull'originale "parco multimediale" ideato e realizzato
dalla omonima associazione culturale.
Spazio Oberdan:
dal 3 ottobre 2008 al 25 gennaio 2009
Viale Vittorio Veneto 2 - Milano
Hangar Bicocca:
dal 3 ottobre 2008 all'11 gennaio 2009
Via Chiese 2 - Milano
www.hangarbicocca.it
www.provincia.milano.it/cultura
Iosselliani trova un Pigneto anche a
Tokio. Nuovo store in Oriente per i
designer di gioielli
La sigla - T-02-IOS - sta per
Tokio 02 Iosselliani. Ovvero il
secondo flagship store aperto
dal brand dell'oreficeria di
qualità Iosselliani, appunto a
Tokio. Dopo l'esordio a
Roma, al Pigneto, con il recupero
di un vecchio storico bar
riadattato non solo in punto
vendita dei meravigliosi
gioielli della maison, ma in
luogo di promozione di nuovi
artisti e di happening legati
all'arte nelle sue forme più
desuete, ora la scelta cade
su Tokyo. Per il legame con il
pubblico giapponese che
meglio di molti altri recepisce
le collezioni Iosselliani.
Dove? In un'area super-commerciale ma allo stesso tempo
mitica: Shibuya. Ma non la Shibuya dei grandi shopping
center, quella dei piccoli vicoli che nessuno immaginerebbe
a Tokyo, con negozietti indipendenti in un mondo dove
l'indipendenza è una vera guerra. Insomma, un po' il
Pigneto giapponese. Come già a Roma, anche il nuovo
spazio accoglierà esposizioni d'arte; a partire dalla prossima
"Omotesando art fair", con un'opera di Davide
Savorani, artista visivo e performer romagnolo, fino a collaborazioni
con la Societas Raffaello Sanzio, Kinkaleri e
Zimmerfrei in veste di performer.
www.iosselliani.com
Biennale di Sydney,
sarà David Elliott il curatore nel 2010
Appena termina l'edizione 2008, dalla previdente
Australia giungono già le prime anticipazioni
sulla prossima Biennale di Sydney, del
2010. Che sarà diretta dal curatore inglese
David Elliott, già direttore del Museum of
Modern Art di Oxford, del Moderna Museet di
Stoccolma, del Mori Art Museum di Tokyo, e
del Museo d'Arte Moderna di Istanbul. Il tema
David Elliott
centrale della Biennale 2010 sarà "l'arte contemporanea
e le ragioni per cui è una delle
attività più importanti in cui possiamo essere impegnati" ha dichiarato Elliott.
Formazione e comunicazione degli eventi,
nasce a Roma e Milano Eventlab
Sperimentare un nuovo metodo didattico che consenta alla domanda e all'offerta di
incontrarsi direttamente, senza mediazioni, già a partire
dalla formazione degli event manager del futuro. Questo
è l'obbiettivo di Eventlab, iniziativa nata a Roma alla
quale hanno già accettato l'invito agenzie come K events,
Alphaomega, It's Cool, Xister, Come Comunicare, e professionisti
degli eventi come lo staff del Festival
Dissonanze. Il mondo degli eventi, infatti, è in forte crescita,
e sta cambiando il modo di comunicare delle aziende
a scapito delle strategie di comunicazione convenzionale
(pubblicità ATL e mass media). Da qui nasce l'idea di
Eventlab: affidare ciascun corso a una differente agenzia
tra le migliori nel settore, sviluppando di volta in volta un
aspetto specifico della comunicazione (eventi, convention,
big show, guerrilla, new media, cross media, ecc.). Sarà così riprodotto in aula il vero
e proprio lavoro d'agenzia in ogni sua fase: dall'idea creativa al prodotto finito, sulla base
di brief e casi rigorosamente reali. Anche le location sono state scelte con cura, individuando
spazi significativi: a Roma, la Fondazione Adriano Olivetti e l'Opificio Spazio
Contemporaneo Fondazione Romaeuropa, a Milano, Zona BaseB a Bovisa.
Info: 0697844192 | francescafornari@eventlab.eu | www.eventlab.eu

10.speednews Exibart.onpaper
Fondazione Musei Senesi,
il nuovo presidente è Gianni Resti
È Gianni Resti, docente di filosofia e autore di
testi di storia della pedagogia e di libri di narrativa,
il nuovo presidente della Fondazione Musei
Senesi, dove sostituisce Tommaso Detti, che ha
ricoperto tale carica negli ultimi anni. Ad eleggerlo
all'unanimità il consiglio di indirizzo della
Fondazione, strumento di gestione voluto e creato
dallo stesso Resti nei primi anni del 2000 quando
ricopriva la carica di assessore alla Pubblica istruzione
e alle culture della Provincia di Siena. La
Gianni Resti
Fondazione, istituita nell'anno 2003, ha rappresentato
il completamento di un progetto teso a dare
organicità alla gestione della rete museale senese che a partire dagli anni '80 ad oggi
ha visto la creazione e l'organizzazione di oltre trenta musei caratterizzati da progetti
culturali e percorsi espositivi diversi: storico-artistici, demo-antropologici, archeologici,
e scientifico-ambientali. Ad affiancare Gianni Resti è stato chiamato a svolgere le funzioni
di vice presidente Marco Lisi, sindaco della città di San Gimignano, già componente
del consiglio di gestione della Fondazione Musei Senesi.
Brooklin contro
le Waterfalls di Eliasson:
fanno seccare gli alberi...
Le foglie di molte piante presenti sul
Brooklyn waterfront tendono ad ingiallire
prematuramente, mentre molti hanno
segnalato proprio la caduta di foglie sugli
alberi sulla Promenade. Ma anche le auto
parcheggiate - problema meno politicamente
corretto, ma non meno sentito - vengono
continuamente bagnate dalla corrosiva
acqua marina salata. Questi alcuni dei problemi
sollevati da abitanti ed imprenditori
della zona, che additano la famosa installazione
Waterfalls collocata in giugno da
Olafur Eliasson. "È stato fatto uno studio
di impatto ambientale, che ha concluso che
non ci sarebbero stati effetti durevole causati
dal progetto", ha assicurato Rochelle
Steiner, direttore del Public Art Fund, sponsor
dell'iniziativa.
Niente pensione, siamo inglesi.
Nicholas Serota direttore a vita
delle Tate Galleries
Nicholas Serota
Insaziabile New Museum,
nuovi spazi per una futura espansione
Per ora l'edificio rimarrà così com'è, il pianterreno
sarà ceduto in affitto, mentre i piani superiori saranno
utilizzati per uffici e immagazzinaggio di opere. E
meno male, altrimenti - a meno di un anno dall'inaugurazione
- il New Museum di New York avrebbe
rischiato di sparire di nuovo sotto i ponteggi. Sì, perché
non contento degli ampi e luminosi spazi disponibili,
dopo sei mesi di trattative il museo si è accaparrato,
per la modica cifra di oltre sedici milioni di dollari,
l'edificio confinante, utilizzato da un'azienda di servizi
per la ristorazione.
www.newmuseum.org
Poteva un popolo così attento alle tradizioni e alle radici
come quello inglese, fare a meno di una figura che
ormai è divenuta la personificazione stessa del direttore
di museo? Non poteva, e infatti - prendendo in contropiede
un po' tutti, anche se noi di Exibart avevamo
accennato a una sua possibile riconferma - sir
Nicholas Serota, sessantadue anni, è stato confermato
"a vita" direttore delle Tate Galleries di Londra.
Suscitando comunque più di una critica il board del
museo, infatti, ha ritenuto che la legge che vieta una
lunga permanenza in incarichi pubblici - Serota ha già
compiuto tre settennati - è ormai antiquata, e può essere
bypassata.
Inarrestabile Fondazione Volume!,
al via a Roma un programma dedicato all'architettura
Franco Purini
(Foto Rodolfo Fiorenza)
MySpace.Rome. Ciò consentirà
a ciascun architetto o di elaborare un proprio concetto personale
di forme regolate dalla loro logica interna e non da un programma
d'uso, o semplicemente di creare un loro luogo utopico.
Nella sede degli uffici della Fondazione Volume!, via dell'anima
15, sono inoltre esposti i disegni esecutivi del lavoro di Purini.
Notti bianche rivisitate. Per ora nella
capitale arriva il Roma Art Weekend
Ne avevamo già accennato, ed ora alcuni fatti sembrano confermare le avvisaglie.
Parliamo della Notte Bianca romana, che la nuova giunta, assessore
Croppi in testa, è decisa - e non possiamo che essere d'accordo - ad
accantonare nella strutturazione confusionaria e priva di identità proposta
finora. A favore di Notti Bianche "a tema", come quella Futurista, ipotizzata
fin dal correre delle prime voci. In questa riformulazione potrebbe inserirsi
anche il Roma Art Weekend, evento - per ora tracciato nelle linee generali,
ma del quale presto specificheremo tutti i dettagli e le gallerie partecipanti
- pensato per celebrare l'arte contemporanea a Roma, un evento durante
il quale oltre ottanta gallerie e spazi diversi della città resteranno aperti per
due giorni sino a mezzanotte, prevedendo vernissage, cocktail, incontri con
gli artisti, performances. A promuoverlo, per il
10 e 11 ottobre, l'organizzazione della Fiera
Roma - The Road to Contemporary Art, in
collaborazione con l'assessorato alle
Politiche culturali del Comune di Roma,
memore del successo di pubblico del Freaky
Friday del 29 febbraio scorso.
"Un'operazione che abbiamo voluto - afferma
Roberto Casiraghi direttore della Fiera - perché
siamo fermamente convinti che la cooperazione
tra la neonata fiera e le gallerie della
città sia la via, the Road appunto, per fare di
Roma la capitale dell'arte contemporanea. Crediamo che sia importante
investire oggi per il futuro di un appuntamento che speriamo costante nell'agenda
di tutti gli appassionati di arte contemporanea in Italia e non solo".
Info: 063236254
info@equa.it
"Una coppia di pilastri viene traslata e ruotata secondo la direzione
nord-sud, in modo da intercettare, attraverso gli assi cardinali,
la dimensione cosmica". Con queste parole il grande architetto
Franco Purini parla de La Stanza Rossa, il suo intervento con cui
si è inaugurato un nuovo programma espositivo dedicato dalla
romana Fondazione Volume! all'architettura. Ogni anno architetti
stranieri e italiani saranno invitati ad intervenire nello spazio della
Fondazione, e gli sarà offerta la possibilità di trasformare le stanze
della galleria a loro piacere, demolendo, ricostruendo, scavando,
aggiungendo, per creare ogni volta un nuovo spazio architettonico.
Nei primi tre anni il programma, curato da Marina Engel,
sarà dedicato al tema
Via San Francesco di Sales 86-88
- Roma
Info: 066892431
press@fondazionevolume.com
www.fondazionevolume.com
Guggenheim Foundation, per la direzione
spunta il nome di Richard Armstrong
Ha diretto il Carnegie Museum of Art di Pittsburgh dal
1996 fino a giugno 2008, dopo oltre dieci anni al
Whitney di New York, come senior instructor
dell'Independent Study Program, oltre che collaboratore
per diverse edizioni della Biennale. Ora potrebbe
essere proprio Richard Armstrong a sostituire
Thomas Krens alla direzione della Solomon R.
Guggenheim Foundation. Il board del museo potreb- Richard Armstrong
be ratificare la nomina a giorni, come confermato ai
quotidiani newyorchesi da Eleanor R. Goldhar, vicedirettore
internazionale del museo. Krens è stato spesso criticato per la sua visione
troppo internazionale, per molte mostre giudicate populiste e per la poco oculata
gestione delle finanze del museo.

12.speednews Exibart.onpaper
Territoria #3, la rete culturale contemporanea
della provincia di Prato
Con il titolo di Territoria #3, ha preso il via a Prato la terza edizione
del progetto di rete provinciale sulla cultura contemporanea,
con un ricco calendario di eventi che sino all'8 dicembre
coinvolgerà spazi storici, musei, gallerie, piazze e strade
del territorio. Giuliano Mauri, Ericailcane, Davide Zucco,
Mauro Staccioli, Kinkaleri, Robert Pettena, Alessandra
Mersia, Lorenzo Brusci, Artelier, Renato Bencini,
Associazione Spaziorazmataz: sono questi i nomi degli artisti
invitati quest'anno a Territoria, che ribadisce il suo impegno
nella valorizzazione e nel potenziamento della proposta culturale
avviata nel 2005. A fare da propulsore al progetto, ideato
dalla Provincia di Prato con i
fino all'8 dicembre 2008
Sedi varie - Provincia di Prato
Info: 0574604939
info@dryphoto.it
Comuni di Cantagallo,
Carmignano, Montemurlo,
Prato, Vaiano, un centro di
eccellenza come il Centro
per l'arte contemporanea Luigi Pecci. Tre le sezioni dello
spazio del contemporaneo della rassegna: spazio pubblico, spazio di contaminazione e spazio
di formazione, le quali definiscono soltanto a livello concettuale i confini della ricerca di
ogni artista per poi approdare ad un risultato trasversale.
Metropolitan Museum, sarà Thomas P. Campbell
il direttore post de Montebello
Thomas P.
Campbell
A nove mesi dall'annuncio che Philippe de Montebello, dopo trentun
anni di onorato servizio nella carica di direttore del Metropolitan
Museum of Art di New York, avrebbe guadagnato il meritato riposo,
il museo comunica che il suo successore sarà Thomas P.
Campbell. Curatore specializzato in European tapestry, Campbell
è nello staff del Met dal 1995. Attualmente occupa la carica di curatore
nel Department of European Sculpture and Decorative Arts, ed
è supervising curator dell'Antonio Ratti textile center. "Dal mio
punto di vista è la scelta migliore - ha detto de Montebello -, uno
storico dell'arte di eccezionale esperienza e di grande capacità di
giudizio, che si inserisce perfettamente nella lunga tradizione direttoriale
consolidata in più di un secolo di storia". Campbell assumerà
la carica di direttore dal 1 gennaio 2009.
Ecco tutti i vincitori della Quadriennale, Cattelan Premio alla Carriera
Piemonte contemporaneo, nuovo programma
triennale a Villa Giulia di Verbania
Ormai gli esempi sono troppi per citarne solo alcuni, dalla Triennale Torino Musei al
recente accordo programmatico della Guggenheim a Vercelli. Esempi della irrefrenabile
vitalità del Piemonte sul fronte dell'arte contemporanea, mille volte rimarcata
ma sempre pronta ad offrire nuovi spunti di ulteriore crescita. Ora notizie di nuovi
progetti giungono da Verbania, dove in luglio la Regione Piemonte ha siglato una
convenzione con il Comune e l'associazione TAI
- Turin Art International - per avviare nell'autunno
una serie di lavori di ammodernamento dell'edificio
di Villa Giulia, e un programma espositivo
triennale per il periodo 2009-2011. La direzione
artistica sarà affidata ad Andrea Busto, già direttore
del CeSAC di Caraglio, per una serie di
mostre che terranno conto del luogo che le ospiterà,
del territorio su cui è ubicata la villa e dell'esigenza
di avviare un dialogo serrato tra le diverse
espressioni contemporanee. A ottobre verrà
ufficializzata la programmazione artistica che
prevede una grande mostra tematica annuale,
quattro mostre personali di artisti internazionali
oltre che a dibattiti, tavole rotonde e approfondimenti sul contemporaneo.
Oro e diamanti, ecco il magazine più caro del mondo...
Ok, è inutile che ci sforziamo a convincervi
che la rivista più "preziosa" che vi possa
capitare fra le mani è e sarà sempre di più
Exibart.onpaper. Qui si parla di "valori"
diversi, valori più concreti e monetizzabili,
come quelli garantiti da novanta grammi di
foglia d'oro e da seicentoventidue diamanti.
Quelli che decorano il numero speciale della
rivista Kohl, candidata a diventare il magazine
più caro del mondo: messo all'asta per
beneficenza nel prossimo ottobre, si stima
che possa superare i diecimila dollari.
Creata con la collaborazione del gioielliere
Damas e di Emirates, in copertina appare una foto di Katrina Kaif scattata dal fotografo
Avinash Gowariker.
Alla chiusura della Quadriennale di Roma, sono arrivati i nomi dei vincitori dei premi agli artisti, assegnati da una giuria
- per la prima volta nella storia dell'Istituzione - tutta straniera. Ad Adrian Paci è andato il Premio "Quadriennale"
di ventimila euro, con un lavoro video - secondo la giuria - "di grande tensione cinematografica, semplice ma efficace,
realizzato con economia di mezzi. Una profonda riflessione di rilievo sociale su una problematica che da sempre
accompagna l'emigrazione. Un film di forte impatto emotivo". A Deborah Ligorio è andato invece il Premio "Giovane
Arte", di diecimila euro, "un video affascinante, ipnotizzante, che ben rappresenta l'interazione tra il paesaggio naturale
e quello creato dall'uomo, una colonna sonora visiva, che si sviluppa intorno alla dialettica tra documentario e
fiction, tra passato e presente". La giuria - composta da Suzanne Pagé, diretto-
www.quadriennalediroma.org
re della Fondation Louis Vuitton pour la création, Gerald Matt, direttore della
Kunsthalle di Vienna, Nicholas Serota, direttore della Tate Modern di Londra - è Maurizio Cattelan
stata invitata ad assegnare anche una medaglia d'oro alla carriera a un artista da individuare extra mostra, ed il
Premio è andato a Maurizio Cattelan, che partecipò, nel 1996, alla XII edizione della Quadriennale "Ultime generazioni". I suoi lavori - recita la motivazione
- "creano immagini che rimangono nella mente dello spettatore, precise ma ambigue, di grande tensione, drammatiche e ironiche allo stesso
tempo. I suoi lavori attivano e si appropriano dello spazio nel quale li colloca. Sfida il pubblico e le istituzioni andando contro preconcetti e tabù".
Concluso il restauro della
facciata, il Guggenheim festeggia
con Jenny Holzer
Concluso il triennale restauro della facciata del
Guggenheim Museum di New York. E per l'occasione il
museo ha preparato un
grande evento: un'opera
site-specific della quale è
stata incaricata Jenny
Jenny Holzer
Holzer, una delle sua famose
proiezioni nella quale
dichiarazioni politiche contro
terrorismo e guerra di
Irak si mescoleranno con
versi tratti da poesie di
Wislawa Szymborska. È la
prima volta che la facciata del museo viene utilizzata
come sfondo per un'installazione, visibile ogni venerdì
sera fino a dicembre.
The Don Gallery, giunge a Via Tortona la
"mobile gallery" milanese
In attesa di individuare la location giusta per una
sede permanente, continuano i pellegrinaggi milanesi
della Don Gallery, originale concept di galleria
Via Tortona 19 - Milano
Mob 335 7439985
www.thedongallery.com
d'arte itinerante. Dopo
un paio di mostre allestite
come ospite di alcuni
locali della Studio
Guenzani, nella sede di
via Melzo, il promotore Matteo Donini si accasa ora
in una drogheria di via Tortona, dove ha presentato
la mostra Pants vs Trousers, con opere di Will
Barras e Jeremy Fish.
Leone d'oro a Gregg Lynn e al padiglione polacco
per la Biennale d'Architettura
Sono la Polonia per la migliore Partecipazione nazionale, e lo studio Gregg Lynn
Form per il miglior progetto della Mostra Internazionale i vincitori del Leone d'Oro nell'ambito
dell'undicesima edizione della Biennale Architettura di Venezia. Il Leone
d'Argento per un promettente giovane architetto della Mostra Internazionale è invece
andato a Chilean Group (con il progetto Elemental, al
Padiglione Italia). A decretare i vincitori la giuria internazionale,
composta da Paola Antonelli, curatore del dipartimento di
Architettura e Design del MoMA di New York, Max Hollein,
direttore del Städelsches Kunstinstitut e del Schirn Kunsthalle
di Francoforte, Jeffrey Kipnis, critico e docente all'Università
dell'Ohio, Farshid Moussavi, fondatrice del Foreign Office
Architecture di Londra, Luigi Prestinenza Puglisi, critico, stori-
Gregg Lynn Form
co e docente di Architettura Contemporanea, oltre che prestigioso
opinionista per Exibart.onpaper. Sono stati inoltre assegnati
- ma erano noti già da tempo - a Frank O. Gehry il Leone d'Oro alla carriera, mentre
un Leone d'Oro Speciale per uno storico dell'architettura è andato a James S.
Ackerman, nel quinto centenario della nascita di Andrea Palladio.
Biennale Arti Visive, per il Canada ci
sarà il filmaker Mark Lewis
Sarà il filmaker Mark Lewis a rappresentare il Canada alla Biennale
di Venezia 2009, con un nuovo lavoro dal titolo Romance. Ad
annunciarlo il Canada Council for the Arts, su proposta di Barbara
Fischer, curatore della Justina M. Barnicke Gallery dell'università di
Toronto. "Il suo lavoro - ha detto la
Fischer - svela i meccanismi che sono
dietro le pellicole di Hollywood. Con una
tecnica tradizionale sarebbe impossibile,
Lewis ha un senso di analisi del film, della
storia del film, dei generi del film, delle
tecniche e delle metodologie cinematografiche".
Exibart.onpaper
numero 52
anno settimo
ottobre 2008
DIRETTORE
Massimiliano Tonelli
STAFF DI DIREZIONE
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Massimo Mattioli
(caporedattore news e Exibart.tv)
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8 numeri x 19 euro
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IN COPERTINA
Matteo Fato - “Senza titolo con lettere”
progetto speciale per exibart on paper,
china su carta, composizione di 21 fogli,
scansione digitale, 2008
_______________
EDITO DA
Emmi s.r.l.
Via Giuseppe Garibaldi, 5
50123 Firenze
VICE PRESIDENTE
Artico Gelmi di Caporiacco
DIRETTORE GENERALE
Antonio Contento
REGISTRAZIONE
presso il Tribunale di
Firenze n. 5069 del 11/06/2001
_______________
associato:

16.speednews Exibart.onpaper
Autunno d'arte, a Ferrara
quattro mesi di mostre,
performance, live visivi e
sonori
L'intento è quello di offrire agli artisti un'occasione
di sperimentazione e di confronto,
sostenendo
la
realizzazione
di
produzionioriginali,
e di proporre al pubblico un programma
che rifletta la vitalità e la ricchezza di
alcuni dei percorsi che contraddistinguono la
scena artistica contemporanea, una scena in
cui i confini tra i diversi ambiti espressivi si
vanno via via assottigliando. Nasce così Art
Fall, ricco programma di mostre, eventi per-
formativi, live
visivi e sonori,
proposto nel
corso di questo
autunno-inverno
dalle
Gallerie d'Arte
Settembre - dicembre 2008
Sedi varie - Ferrara
Info: 0532244949
diamanti@comune.fe.it
www.artecultura.fe.it
Moderna e Contemporanea di Ferrara, con
una serie di appuntamenti con artisti italiani
e stranieri che operano nel campo delle arti
visive e dei live media. Dal Padiglione d'Arte
Contemporanea, che presenta - oltre a progetti
di Emanuele Becheri e Andreas
Golinski - tre installazioni appositamente
realizzate dall'artista tedesco Olaf Nicolai,
in cui luce e suono interagiscono in modi sorprendenti
con l'architettura, al Teatro
Comunale di Ferrara, con uno spettacolo del
gruppo Kinkaleri.
GEAGRAFIE diario per immagini di gea casolaro
Berlin - 2008
Da Pistoletto a Tobias Rehberger, inaugurata in
Liguria la Fondazione Remotti
L'apertura della Fondazione avviene con la presentazione dello spazio con le opere
strutturali di Alberto Garutti, Gruppo A12, Michelangelo Pistoletto, Tobias Rehberger,
Gilberto Zorio, alle quali - nella mostra di debutto, Ricostruire con l'arte - è idealmente
abbinata un'opera della collezione, scelta da ognuno di questi artisti e con la quale
sente una particolare affinità: Garutti-Joseph Kosuth; Gruppo A12-Paul Mc Carthy;
Pistoletto-Yves Klein; Rehberger-Man Ray; Zorio-Grazia Toderi. Nata dall'esperienza
trentennale di collezionismo d'arte contemporanea dei fondatori e da un'interazione
con il territorio, si è inaugurata a Camogli, a pochi chilometri da Genova, la Fondazione
Pier Luigi e Natalina Remotti. La Fondazione è depositaria dell'importante collezione di
Pier Luigi e Natalina Remotti, le cui prime acquisizioni risalgono agli inizi degli anni '70.
In quel periodo i Remotti, di origine piemontese,
fino al 28 febbraio 2009
Via Castagneto 52 - Camogli (Ge)
Info: 0185772137
info@fondazioneremotti.it
www.fondazioneremotti.it
risiedono a Caserta e frequentano a Napoli la
galleria di Lucio Amelio, figura di importanza
internazionale che per primo ha portato in Italia
Joseph Beuys e ha lavorato con importanti artisti
nazionali e internazionali, fra i quali anche
Andy Warhol. Dagli anni '80 Pier Luigi e
Natalina Remotti risiedono tra Santa Margherita Ligure e Milano e la loro avventura di
collezionisti continua con grande slancio. La sede - nella chiesa sconsacrata dell'ex
convento delle Gianelline - è stata completamente ristrutturata all'interno, mentre all'esterno
ha mantenuto la veste originale: il retro dipinto a fasce bianche e grigie, il fronte
giallo con inserti decorativi in stucco e marmo. La sistemazione degli spazi interni in
due piani è stata invece affidata ad Alberto Garutti, mentre a Gilberto Zorio si è deciso
di affidare il compito di disegnare il pavimento, per il quale ha progettato una grande
stella. Michelangelo Pistoletto ha pensato
un intervento esterno che mettesse in primo
piano il segno della contemporaneità che si
trova all'interno, il Gruppo A12, studio di artisti
e architetti di Genova, la progettazione
della balaustra di protezione dell'affaccio del
secondo piano, Tobias Rehberger, uno dei
più importanti artisti tedeschi della nuova
generazione, ha progettato una grande
nuvola intrecciando vari tipi di nastro di velcro
prevalentemente bianco, tra i quali sono
inseriti dei led che, collegati a un sensore, si
illuminano in base ai movimenti dei visitatori.
La Fondazione Pier Luigi e Natalina
Remotti - diretta da Francesca Pasini - darà
vita a due o tre eventi all'anno, invitando di
volta in volta uno o più artisti a concepire un
progetto per questo spazio così particolare;
ogni volta, accanto alle opere create per
l'occasione, ne verranno selezionate altre
provenienti dalla collezione Remotti, allo
scopo di creare un dialogo fra presente e
passato prossimo, fra generazioni e linguaggi
diversi. Parallelamente alle mostre e
ai progetti particolari, l'intento è quello di
arricchire il programma con presentazioni di
libri, conferenze e discussioni sull'arte,
eventi musicali e proiezioni di film, sia legati
all'arte sia provenienti dal circuito cinematografico vero e proprio, con un occhio particolare
a quelli selezionati dai festival che tuttavia non sempre vengono distribuiti nelle
sale.
Dallo staff al nuovo padiglione,
tante le novità in vista per Artefiera 2009
Quasi a rintuzzare l'affondo di Artissima, che per qualche giorno ha monopolizzato l'attenzione
degli addetti comunicando l'elenco
ufficiale e definitivo delle gallerie invitate all'edizione
numero quindici, arriva puntuale il
comunicato di Artefiera Bologna, che annuncia
importanti novità per l'edizione 2009, dal 23
al 26 gennaio. A cominciare dall'ingresso nello
staff - come junior international artistic director
- di Julia Trolp che, forte di un'esperienza
come curatrice al Mart di Rovereto, si occuperà
delle gallerie internazionali con l'obbiettivo
di arricchire e migliorare ulteriormente la loro
presenza ad Artefiera. Importanti cambiamenti
anche per quanto riguarda gli spazi espositivi,
con l'utilizzo del nuovo padiglione 15 - che
sarà inaugurato ad ottobre - ed i padiglioni 18 e 20. In questo modo tutti i padiglioni
saranno su un unico livello e completamente liberi da colonne ed altri ingombri, permettendo
così alle gallerie di esporre al meglio le loro opere in spazi di livello museale e facilitando
notevolmente la visita dei collezionisti e degli appassionati d'arte contemporanea.
Rinnovato anche il format degli incontri che avranno luogo durante la manifestazione,
che da quest'anno avranno un unico grande tema centrale che verrà analizzato in tutti i
suoi aspetti. Per il 2009 il focus sarà sul collezionismo d'arte che sarà discusso in tutte
le sue forme: privato, delle istituzioni e bancario; aspetto quest'ultimo che sarà trattato in
collaborazione con il Sole 24 Ore.
www.artefiera.bolognafiere.it
Creatività sul web, nasce Romaeuropa Webfactory
Un grande progetto, una maratona triennale che intercetta, rilancia e premia la creatività
che esplode sulla rete. La Fondazione Romaeuropa e Telecom Italia lanciano
Romaeuropa Webfactory, una grande sfida a tutti gli artisti e creativi che popolano il
web, un esperimento che mette insieme la sensibilità di Romaeuropa e Telecom Italia nei
confronti delle novità artistiche con l'intento d'indagare, anche avvalendosi dell'esperienza
del portale Virgilio che accompagna la realizzazione e creazione di tutta la parte interattiva.
Notizie, arte, musica e pubblicità sono oggi conversazioni tra gli utenti che dialogano
attraverso i loro stessi video, la loro musica, la loro scrittura. Quelli che una volta
erano solamente fruitori si sono trasformati in produttori e creatori di immagini, suoni e
parole sfruttando le potenzialità delle nuove tecnologie, a basso costo e semplici da
usare. Incrociare questa democrazia della creazione con una lettura critica, che valorizzi
i progetti più meritevoli e interessanti attraverso un intervento curatoriale, è l'obbiettivo
della Webfactory, che si compone di
quattro palcoscenici virtuali, dedicati alle
quattro principali modalità espressive presenti
sulla rete: la videoarte, la musica, la
scrittura e la creatività nella pubblicità. Ad
ognuna di esse è dedicato un concorso - un
contest, nel linguaggio degli utenti - a cui sono chiamati a partecipare, da settembre
2008, tutti coloro che intendono sfruttare le potenzialità del web 2.0 per dire la propria in
forma d'arte. Il 6 dicembre 2008 i quattro palcoscenici virtuali diventano reali: un evento
di Romaeuropa Festival, realizzato sempre in collaborazione con Telecom Italia, porterà
nelle sale delle Officine Marconi una selezione delle proposte in una lunga notte di immagini,
suoni e parole.
www.romaeuropawebfactory.it

18.popcorn Exibart.onpaper
piattoforte
galleristi ai fornelli
Patrizia Buonanno
Galleria Buonanno Arte Contemporanea (Mezzolombardo - Tn)
CANEDERLI TRADIZIONALI IN BRODO
Prendete del pane raffermo, quello che avete comprato e non avete consumato durante la settimana, lo
tagliate a dadini e con lo speck e la pasta di lucaniche mettete tutto in una terrina. A parte sbattete le uova
che avete trovato dal vostro contadino, bollite il latte, tritate il prezzemolo e mescolate tutto al pane.
Lasciate riposare per una mezz'ora. A parte, friggete nel burro la cipolla tritata finemente ed insieme alla
farina aggiungete tutto al pane, se vi sembra il caso mettete ancora un po' di latte.
Con le mani bagnate formate dei canederli (la misura è di una palla da tennis) e fateli bollire nel brodo (di
carne) a fuoco moderato per 15-20 minuti. Serviteli nel brodo, cosparso di erba cipollina che avete appena
raccolto dal vostro orto. A volte, particolarmente se si è alle prime armi, conviene cuocere un canederlo
per prova, in modo da controllare che non si disintegri; in tal caso aggiungete ancora un po' di farina
all'impasto. Gustateli con la Schiava, vino storico del Trentino, servito ad una temperatura di 16-18° C.
Ingredienti per 8 canederli
300 gr di pane raffermo
150 gr di speck
100 gr di pasta di lucaniche
½ cipolla
2 uova
2 bicchieri di latte
2 cucchiai di farina di frumento
2 cucchiai di prezzemolo tritato
1 mazzetto di erba cipollina
una noce di burro
2 litri o più di brodo di carne
sale q.b.
il prossimo piattoforte sarà servito da
Antonio Colombo - Antonio Colombo Arte Contemporanea (Milano)
rsvp
invito the best
Tre punti di cucito a forma di stella.
Con un filo rosso come il sangue. E poi
una carta pesante, massiccia, traslucida
come l'alabastro. Sul davanti tre
punti a forma di stella, appunto, sul
retro tutta la trama del ricamo. Quale
ordito migliore per invitare, da parte
del modenese Studio Vetusta (studiovetusta.blogspot.com),
alla mostra di
Adriano Persiani in occasione del
Festival di Filosofia?
indovinachi...
di Laurina Paperina
Chi è questo personaggio del mondo dell'arte?
pianob
prendi l’arte e mettila da parte
La soluzione dello scorso numero: Eva e Adele
Alberto Tadiello, se le cose si mettono male…
"...tornerò a fare il muratore!"
Marinella Senatore ci rivelerà il suo pianob sul prossimo numero
à la une
la copertina d'artista raccontata dall'artista
Matteo Fato - "Senza titolo con lettere" progetto speciale
per exibart on paper, china su carta, composizione
di 21 fogli, scansione digitale, 2008
Lo scrivere non è che un disegnare.
M. Brusatin, Storia delle linee
Sono sempre stato affascinato da questa frase di
Brusatin, anche da prima che la mia ricerca incontrasse
materiali e contenuti appartenenti alla pittura
calligrafica cinese. Poi ho capito perché. Il confronto
spontaneo con un qualcosa come lo scrivere
viene generato dall'osservazione disciplinata di
regole segniche insite in ognuno di noi, che facciamo
nostre nel momento in cui tracciamo la prima
linea.
La mia ricerca è sempre stata diretta verso l'analisi
di un'intesa inerente l'immagine e il puro segno.
Di un "bilico" rappresentativo, in cui il segno viene
addomesticato e disciplinato a fermarsi sul limite
della realtà. Perché capita che scegliamo di concludere
un'opera chiamandola "Senza titolo"?
Completare l'irripetibilità del segno attraverso l'affermazione
della scrittura. Archiviare storicamente
l'immediatezza delle mie emozioni sul concludersi di
un segno, mediante un semplice titolo.
Fotografandolo nell'istante di precarietà, nel suo
"bilico". "Senza titolo con lettere", è un progetto che
non esiste materialmente, perché assemblato digitalmente.
Ogni lettera è stata scritta su un foglio,
per essere poi finalizzata nel suo titolo, che in questo
caso è l'opera stessa.
Permettetemi ora un autocitazionismo...
La pittura è un linguaggio fatto di parole che non
abbiamo il coraggio di pronunciare…
Nel disegno le parole acquistano forma…
Matteo Fato (Pescara, 1979) vive a Pescara.
Gallerie di riferimento: WAREHOUSE, Teramo
(www.warehouseart.it); Galleria Cesare Manzo,
Pescara - Roma (www.galleriamanzo.it); Daniele
Ugolini Contemporary, Firenze (www.ugoliniart.com)
Prossima copertina: Laboratorio Saccardi
Stanno lavorando alla copertina d'artista: Perino&Vele,
Laurina Paperina, Patrick Tuttofuoco, Gian Paolo
Tomasi, Debora Hirsch, Mauro Ceolin, Loris Cecchini,
Adalberto Abbate, Pablo Echaurren, Michele Bazzana,
Christian Frosi, Nicola Toffolini, Davide Zucco, Paolo
Grassino, Pietro Ruffo, Daniele Girardi, Nicola
Gobbetto, Nicola Verlato, Giuseppe Stampone.

photo Sally Ni
Exibart.onpaper oroscopo.19
Yayoi Kusama - Serpente di terra
Il serpente è capace di spaccare in due la cultura universale. Per la tradizione giudaico-cristiana
è l'incarnazione del diavolo tentatore, e quindi una creatura spregevole.
Nella settima bolgia dell'Inferno di Dante, dove sono puniti i ladri, la metà di questi
ha sembianze di serpente, mentre l'altra metà vanta aspetto umano e, quando un
serpente morde un uomo, questo diventa serpente e l'altro diviene uomo, si scambiano
i ruol. Nei versi proposti, Dante descrive la raccapricciante metamorfosi di
ambedue le specie. In Cina il serpente è una divinità positiva. Anche lì esiste una simile
immagine di metamorfosi, ma è quella delle divinità che per i cinesi sono all'origine
della specie umana, e venivano rappresentate per metà umane e per metà serpenti.
I nati sotto il segno del Serpente sono persone gioiose, ironiche e di spirito.
Appassionate e romantiche, sanno affascinare gli altri grazie alla loro saggezza e
calma interiore, "hanno una sorta di innata bellezza sempre crescente, che si libra
Ariete. Luna calante a levante, riflessiva, andante e
riflettente con la risacca di un'onda anomala emergente
dall'antica muraglia: vi sentite così un po' vincenti
e un po' saggi. Come quella popolazione che sale come il sole
giallo fluorescente e vince: conquistano le Olimpiadi i cinesi,
anche l'economia e poi l'arte... Cosa resta del vostro piccolo
mondo antico? Cambiate rapidamente...
Toro. Giove di giovedì e Venere di venerdì sarebbero
la regola, ma entrate in un periodo di inversioni
forzate: è auspicabile allora ancora un po' di vacanza.
Pascolando tra i paesini dell'Italietta così ricca di sculturine
e installazioncine di artisti conosciuti soltanto dai
parenti più prossimi e dai politici che ne hanno commissionato
lo scempio… Servirebbe un Monumento Ignoto dedicato
a tutta quest'arte anonima e senz'anima, immolata sull'altare
della mazzetta e del narcisismo da piccolo professore
d'accademia... Prima di raderli al suolo e restituire alla poca
Natura ciò che è stato tolto con poca cultura. Ma quale
mano ignota (o ignobile) dovrebbe scolpire quest'ultimo
scempio totale?
Gemelli. Nomofobia è il nome della patologia di chi è
preso dagli attacchi di panico quando si trova improvvisamente
senza cellulare. Ma è anche la patologia di chi
si sente scollegato dal mondo, e quindi la vostra, nel caso foste
curatori di questo segno, in questo momento con quel Saturno
dissonante sentite improvvisamente il brivido di non aver una
mostra da fareeeeee… Oddio prendete un calmante, terribili i
curatori da curare…
LETTERE
capasso e le stelle.
Considerato il grande numero di email ricevute dobbiamo scusarci con coloro cui non abbiamo potuto rispondere. Lo faremo nei prossimi numeri. Continuate a inviarci lettere ironiche e divertenti.
Caro Capasso,
sono un Sagittario ascendente Leone. Ti
scrivo per chiederti un'interpretazione su
uno strano sogno che ho fatto. Guidavo
un grande camion pieno di opere d'arte
di artisti favolosi che dovevo consegnare
ad un critico famoso, dal volto sconosciuto.
Ero così entusiasta del mio compito
che ad un certo punto ho sbagliato strada
e sono arrivato davanti ad un deserto
sterminato. Lì ho deciso di scaricarle
tutte e di fare una grande mostra. Senza
spettatori ovviamente. Cosa significa
secondo te?
Alberto da Viareggio
Caro Alberto,
è ovvio che nel tuo sogno hai semplicemente
dato tu un'interpretazione apoca-
Cancro. Felini, con lo scatto pronto, vi aggirate per la
città con circospezione per trovare una preda da smembrare.
Attenzione, che il grande Nitsch ha trovato a Napoli
un grande e bellissimo museo per sé, quindi non lasciatevi ingannare
come quei gattacci randagi e critici ignoranti che vi circolano
attorno, in memoria della macelleria che abita i loro istinti primitivi.
L'arte si scrive anche col sangue…
Leone. Gloria al dio pianeta-satellite della video arte: Anton
Corbjin, dopo il bellissimo film Control su Ian Curtis, cantante
suicida dei Joy Division, firma ora il video dei Coldplay:
Viva la vida, sincero trasparente colorato e pieno di trucchetti.
Truccatevi un po' pure voi per prepararvi ad un inverno di misteri.
Vergine. Un po' di leggerezza, con quel Mercurio
vanitoso, non guasta. Leggete Vanity Fair: si attesta
come la rivista dell'estate 2008 e, dopo il mistero
della scomparsa della rubrica di Francesco Bonami, nel numero
bollente di ferragosto fa tenerezza leggere la poesia mistica
del ministro Bondi e il racconto buonista di Pino Corrias: vere
penne d'oca della scrittura d'arte.
Bilancia. Su su compratevi un bel biglietto low cost col
brivido per Londra, dove si preannuncia una chicca che
può riportarvi sull'onda dell'ottimismo: Elmgreen &
Dragset all'Old Vic Theater portano i Grandi Feticci dell'arte contemporanea
quali il Rabbit di Jeff Koons, un Walking Man di Alberto
Giacometti, una Brillo Box di Andy Warhol, "protagonisti" insieme a
Kevin Spacey di un vero dramma esistenziale che racconta perché
"l'arte contemporanea è arte" molto meglio di Bonami.
littica della fine dell'arte. Quella di diventare
una grande discarica di oggetti cui
nessuno sa più dare un valore.
Considerato però il grande Grattacielo
che si inaugura a Dubai, credo che ci
saranno sempre meno spazi abbandonati,
e forse i predoni del deserto sarebbero
in quel caso i nuovi mercanti. L'arte
mi pare stia diventando una grande performance
che riguarda tutti, e tocca
anche coloro che apparentemente ne
sono esclusi. Meglio nuove frontiere che
grandi vecchi critici. Sicuramente stai
vivendo un momento di cambiamento,
che farebbe bene anche all'arte. Dormi
tranquillo.
Caro Capasso,
Sono un Toro scatenato ascendente
Pesci. Con la mia fidanzata stiamo usando
un aggeggio che si vende in farmacia
e serve a far fibrillare il pene. L'altro giorno
l'affare si è incantato e quindi mi ha
fatto fibrillare così tanto che alla fine
quasi svengo dal numero di orgasmi che
ho raggiunto da solo. Che ne pensi se
facessi una performance pubblica così?
Mi sembra una cosa che ha molto a che
vedere con l'arte, nel senso che interpreta
l'impossibilità di arrestare il godimento
davanti alla tecnologia che ci consente
di moltiplicare all'infinito il piacere dell'opera.
Che ne pensi?
Luca Toni (gli somiglio pure!)
Caro Luca Toni,
se fibrilli tanto da solo e poi non segni
come il tuo omonimo, mi pare che la per-
esercizi di astrocritica sul futuro incerto dell'arte
nell'aria..." (Confucio). Il Serpente di terra è ancor più seducente e attraente, cattura
le sue prede in una ragnatela da cui è difficile uscire. Yayoi Kusama ha tutte queste
caratteristiche che si leggono nel lavoro, fatto di installazioni che contaminano
per la loro forza seduttiva: è una giapponese che vive in bilico tra oriente e occidente,
ed ha assunto il tono multicolore e multietnico a New York, dove ha vissuto la stagione
più ricca di suggestioni, tra il '57 e il '73. Lì ha imparato la poesia della vita di
comunità, partecipando agli happening antiguerra in Vietnam, alle lotte femminili. Da
Serpente di terra, il suo lavoro è comunicativo, avvolgente, ridondante, fatto di una
poesia minimale che si articola tra colori forti, pallini, reticolati, specchi. Kusama
gioca con la percezione e rivolta l'erotismo nel suo lato inverso, rendendolo un gioco
infantile. Ama giocare, su se stessa o con gli altri. E se poi questi altri si chiamano
Peter Gabriel, Nobuyoshi Araki o Issey Miyake, si sa che sono "giochi di grandi". Yayoi Kusama
Scorpione. C'è un Sole che copre ampiamente il
vostro buon umore e vi riporta ai pochi fasti internazionali
che, di recente, solo a Manifesta 7 si sono notati.
Come lì, voi siete esseri del silenzio, ma questo assume forme
diverse: diviene suono, immagine sfumata, odore, ma mai figura
piena.
Sagittario. Se siete artisti da encausto quella faccia
cerulea sapete già da dove viene: in questo momento è
opportuno un viaggio rapido al Museo delle cere di
Roma dove si nascondono decenni di storia, tra manichini e spiriti
maligni pronti ad animarsi e far paura. Buh!
Capricorno. L'amore, l'amore, l'ammorreeeeee e chistu
coreeeeee e vai con Venere, Saturno, Giove, Plotino,
Pluto e Plutone, tutti insieme una bell'ammucchiata. Di
casta dell'arte e pura come l'acqua San Gemini (invitate un
Gemelli magari)…
Acquario. Caotica la vita senza freni. Siete collezionisti
che cercano e non trovano. Le piccole fiere locali,
Verona, Bolzano, Viterbo, Frascati che si moltiplicano come delle
Ikea del collezionismo, compri a poco prezzo, ma l'opera è simile
a quella del vicino (anzi la sua, come l'erba, è migliore!)
Pesci. Siete artisti in carriera? Come sarà la vostra
prossima stagione? Fibrillante di novità, piena di speranze,
ricca di progetti, carica di belle idee, insomma come
quella appena trascorsa. Non avete combinato nulla? Beh allora
sarà uno schifo.
formance serva a poco. In questo senso
mi pare molto vicino all'arte, molte performance
alla fine non arrivano a niente.
Hai provato a schiacciarlo col martello?
Caro Capasso,
sono una Cancretta innamorata. Sono
nata il 10 luglio 1983. Sono innamorata
di un Toro del '68. Lui ora è molto impegnato
per le celebrazioni del Sessantotto
e io sono molto gelosa. Che posso fare?
Lucia
Cara Lucia,
sono contro le celebrazioni e le malinconie,
che ne pensi invece di un Ariete del
'69? Mi pare più promettente, no? Hai
voglia a festeggiare…
Scrivi a Capasso, invia la tua lettera: stelle@exibart.com

20.speednews Exibart.onpaper
Present Future e Artissima, ecco tutti i nomi
Comprende quest'anno diciassette presentazioni monografiche di artisti
emergenti sulla scena artistica nazionale e internazionale, Present
Future, la speciale sezione che la fiera torinese Artissima realizza in collaborazione
con illycaffè. Un'importante piattaforma di
lancio per i nuovi talenti dell'ultima generazione, una
vetrina aperta all'attenzione del pubblico e della critica,
dove scoprire le nuove tendenze che stanno caratterizzando
la scena artistica internazionale. A selezionare i
nominativi degli artisti il team di quattro curatori internazionali,
formato da Cecilia Alemani - curatrice indipendente,
New York, Michael Ned Holte - curatore indipendente,
Los Angeles, Thibaut Verhoeven - curatore
presso SMAK, Gent, Aurélie Voltz - curatrice indipendente,
Berlino. Gli artisti selezionati - con le gallerie che li rappresentano
- sono Sara Barker (Mary Mary, Glasgow), Sophie Bueno-
Boutellier (Atelier Cardenas Bellanger, Parigi), Sebastian Diaz
Morales (Carlier |Gebauer, Berlino), Wouter Feyaerts (Transit,
Mechelen), Rolf Graf (Ruzicska /// Weiss, Düsseldorf), Stef Heidhues
(Grunert, Amburgo), Nathan Hylden (Art: Concept, Parigi), Justin
Matherly (Dispatch, New York), Philip Metten (Annette De Keyser,
Antwerpen), Carter Mull (Rivington Arms, New York), Lisa Oppenheim
(Harris Lieberman, New York), Stephen G. Rhodes (Overduin & Kite,
Los Angeles), Alberto Tadiello (T293, Napoli), Mateo Tannatt (Marc
Foxx, Los Angeles), Kristof Van Gestel (Tatjana Pieters/Onetwenty,
Gent), Torbjorn Vejvi (Rauccci Santamaria, Napoli), Freek Wambacq
(Elisa Platteau, Bruxelles). Durante la Fiera una giuria, composta da tre
critici e curatori internazionali, si riunirà per assegnare all'opera più
significativa il Premio illy Present Future. L'artista vincitore riceverà da
illy, partner dell'iniziativa, un premio di diecimila euro e avrà l'opportunità
di presentare un progetto per le tazzine d'artista "illy Art Collection".
Mentre per quanto riguarda uno temi che ha maggiormente infuocato gli
animi negli ultimi mesi - le scelte circa gli inviti delle gallerie per
Artissima - eccoli, i nomi, divisi fra le sezioni Main Section e New
Entries. Centoventotto gallerie provenienti da diciannove paesi diversi,
con il ritorno a Torino di prestigiose gallerie italiane e straniere già presenti
in passato, ed un'ampia lista di galleristi che arrivano in città per la
prima volta. Ve li proponiamo così come sono stati diffusi, lasciando ad
ognuno le sue riflessioni, per un dibattito che di certo riprenderà più vivace
ed acceso che mai...
Main Section
1/9 unosunove, Roma - AMT / Alberto Matteo Torri, Milano - Paul
Andriesse, Amsterdam - Arario, New York, Beijing, Seoul - Art: Concept,
Paris - Artericambi, Verona - Alfonso Artiaco, Napoli - Laura Bartlett,
London - Catherine Bastide, Brussels - Bortolami, New York -
Brändström Stockholm, Stockholm - Kevin Bruk, Miami - Canada, New
York - carlier I gebauer, Berlin - Antonio Colombo, Milano - Continua,
San Gimignano, Beijing, Le Moulin - Raffaella Cortese, Milano - Cosmic
(Bugada & Cargnel), Paris - Guido Costa Projects, Torino - Chantal
Crousel, Paris - Ellen de Bruijne, Amsterdam - Monica De Cardenas,
Milano - Massimo De Carlo, Milano - Alessandro De March, Milano -
Elizabeth Dee, New York - Umberto Di Marino, Napoli
- e/static, Torino - Frank Elbaz, Paris - Feinkost,
Berlin - Figge von Rosen, Köln - Emi Fontana,
Milano, Pasadena - Fonti, Napoli - Fortes Vilaça, São
Paulo - Fruit and Flower Deli, New York - Enrico
Fornello, Prato - gdm, Paris - Vera Gliem, Köln - Moti
Hasson, New York - Reinhard Hauff, Stuttgart -
Herald St, London - Hotel, London - In Arco, Torino -
Alison Jacques, London - Michael Janssen, Berlin -
Kamm, Berlin - francesca Kaufmann, Milano - Klerkx,
Milano - Christine König, Wien - Le Case d'Arte, Milano - Federico
Luger, Milano - Lumen Travo, Amsterdam - Magazzino d'Arte Moderna,
Roma - Giò Marconi, Milano - Primo Marella, Milano, Beijing - Maze,
Torino - Sara Meltzer, New York - Kamel Mennour, Paris - Francesca
Minini, Milano - Massimo Minini, Brescia - Mitterrand & Sanz, Zürich -
Monitor, Roma - Motive, Amsterdam - Murray Guy, New York - Museum
52, London - Newman Popiashvili, New York - Franco Noero, Torino -
Nogueras Blanchard, Barcelona - Noire, Torino - Lorcan O'Neill Roma,
Roma - francesco pantaleone, Palermo - Alberto Peola, Torino - Peres
Projects, Berlin, Los Angeles - Giorgio Persano, Torino - Perugi, Padova
- Photo&Contemporary, Torino - Photology, Milano, Bologna -
Pianissimo, Milano - Pinksummer, Genova - Produzentengalerie
Hamburg, Hamburg - prometeogallery, Milano, Lucca - Regina, Moscow
- Anthony Reynolds, London - Sonia Rosso, Torino - Perry Rubenstein,
New York - Lia Rumma, Napoli, Milano - Nikolaus Ruzicska, Salzburg -
S.A.L.E.S., Roma - schleicher + lange, Paris - Anna Schwartz,
Melbourne - Mimmo Scognamiglio, Milano, Napoli - Suzy Shammah,
Milano - ShangART, Shanghai. Beijing - Shugoarts, Tokyo - Side 2,
Tokyo - Francosoffiantino, Torino - Sprovieri, London - Studio Dabbeni,
Lugano - Studio Guenzani, Milano - Jiri Svestka, Prague - Ileana Tounta,
Athens - Tucci Russo, Torre Pellice - V.M.21, Roma - Georges-Philippe
et Nathalie Vallois, Paris - van Gelder, Amsterdam - Vistamare, Pescara
- Max Wigram, London - Wilkinson, London - Xippas, Paris, Athens -
Zero, Milano
New Entries
Balicehertling, Paris - Chert, Berlin - Lucile Corty, Paris - Croy Nielsen,
Berlin - Dicksmith, London - freymond-guth & co, Zürich - James Fuentes,
New York - Alexander Gray, New York - Grimm, Amsterdam - Hollybush
Gardens, London - Jarach, Venezia - Klemm's, Berlin - Office Baroque,
Antwerp - Project Gentili, Prato - ProjecteSD, Barcelona - Rodeo, Istanbul
- Sutton Lane, London - Triple V, Dijon - Jocelyn Wolff, Paris
Info: 01119744106
info@artissima.it
Visionnaire Design
Gallery, nuovo
spazio milanese fra
arte, moda e cinema
Nasce dall'incontro fra Fabbrica Eos
- galleria d'arte che vanta anni d'attività
nella sede milanese di piazza
Baiamonti - e Samuele Mazza la
nuovissima Visionnaire Design
Gallery, spazio situato nell'ex-cinema
Cavour e gestito dallo stesso
Mazza e Ipe Cavalli. Un ambiente
eclettico, che darà spazio a sfilate di
moda, presentazioni di design, aperitivi,
proiezioni cinematografiche,
mentre Fabbrica Eos vi realizzerà
eventi in collaborazione con gallerie
d'arte italiane ed estere, fra cui
un'importante antologica di Mimmo
Rotella, in collaborazione con l'omonima
fondazione, con opere dedicate
al cinema. Si è cominciato con
un'esposizione dedicata al gruppo
Cracking Art (Nucara - Veronesi -
Angi - Rizzetti - Kicco - Sweetlove)
che per l'occasione ha realizzato
un'inedita installazione frutto di un'altrettanto
nuova ricerca artistica.
All'interno dello showroom, una
mostra collettiva con opere di grande
formato di Alessandro Algardi,
Giampiero Bodino, Josè D'apice,
Mauel Felisi, Fabio Giampietro,
Giuseppe Mastromatteo, David
Reimondo, Paolo Troilo.
P.za Cavour, 3 - Milano
Info: 026596532
pressmedia@coolmag.it

22.speednews Exibart.onpaper
jusartis.
Milano, nuova casa a Porta Venezia per
la galleria The Flat - Massimo Carasi
L'appartamento cambia casa. Dopo sei anni in via Vaina 2,
The Flat di Massimo Carasi,
Daniela Barbieri e Antonella
Magalini lascia la storica sede
in Porta Romana. Il secondo
trasloco, dopo quello fatidico,
agli inizi della carriera che
aveva portato la galleria, specializzata
nell'arte giovane, con
un approccio che guarda sempre
più agli artisti internazionali pur senza dimenticare le
nuove leve italiane, dall'originaria Mantova alla città di
Milano. Il nuovo spazio, questa volta su strada, si situerebbe
nella zona di Porta Venezia, in via Frisi 3, con Giò Marconi,
Claudio Guenzani ed Enzo Cannaviello come vicini di casa e
si articolerebbe su due piani, per una metratura complessiva
di trecentocinquanta metri quadri. Scopo dell'operazione
sarebbe quello di offrire agli artisti invitati una piattaforma
articolata in grado di interpretarne le esigenze installative e
di aumentare le possibilità espositive, trasformando sempre
più la galleria in
un laboratorio
di sperimentazione.
La nuova
location ha
inaugurato in
occasione di
Start Milano il
19 settembre
Le vendita all'asta e il
"gioco delle regole"
Va chiarito subito: non si vuol qui mettere
in dubbio - come non di rado è avvenuto,
da parte della stampa, specie negli ultimi
tempi - la trasparenza dell'operato delle
case d'asta. Né tanto meno svilire la funzione,
anche culturale, da queste ultime
svolta, e in cui ha un gran peso la preziosa,
e seria, attività di ricerca svolta dagli
specialisti dei diversi 'Dipartimenti'.
Tutt'altro. Le case d'asta sono delle istituzioni
serie, spesso quotate in Borsa, che
rispondono al pubblico, quando non
anche al mercato, del loro operato e dell'osservanza
delle regole. Regole su cui si
può forse dissentire. Regole che possono
essere cambiate (dal legislatore) o entro
certi limiti modificate (dai giudici). Ma tant'è: pur sempre
regole. Cui le case d'asta si attengono e devono attenersi.
Vediamole più da vicino, dal punto di vista giuridico. Perché
il punto è tutto qui: nel "gioco delle regole".
Non ci è parsa corretta informazione giornalistica quella che,
attraverso articoli che dovrebbero solo evidenziare il disvalore
di alcuni (ormai tristemente noti) mediatori di reperti clandestini,
insinua anche avventurose ipotesi di 'riciclaggio' di
opere d'arte trafugate, le quali sarebbero state orchestrate -
si cita (quasi) a memoria - "con la complicità e attraverso lo
'schermo' delle vendite all'asta…; che permettono di 'ripulire'
la provenienza dei reperti". Detto così, suona veramente
Riaperto a Carrara il Museo Civico
del Marmo, con sale multimediali by
Studio Azzurro
Il percorso espositivo interno, riqualificato a seguito di importanti
e necessari lavori sulla struttura, è stato riorganizzato
attraverso un intervento parziale sugli spazi che, pur mantenendo
l'impianto originario
con le sezioni di Storia
Locale, Archeologia
Romana, Archeologia
Industriale, Applicazioni
Tecniche e Calchi, ha permesso
una riorganizzazione
delle sale, secondo un percorso
omogeneo e più facilmente
leggibile dai visitatori.
Studio Azzurro
Riaperte a Carrara le nuove
sale del Museo Civico del
con la doppia personale Gulliver in Wonderland, che vede
protagonisti gli americani Carl D'Alvia e Asuka Ohsawa.
come un ingiusto atto d'accusa verso istituzioni che hanno
spesso alle spalle una solida tradizione, e un'ottima reputazione,
corroborata dai fatti. Vero è che, purtroppo, personaggi
dalla dubbia moralità possono approfittare, tramite semplici
espedienti, della pericolosità insita in alcune particolari
"regole del gioco". Leggendo le Condizioni di vendita delle
principali - se non di tutte le - case d'asta, si apprende infatti
che "nello svolgimento della sua attività di vendita la casa
d'aste agisce quale mandataria in esclusiva in nome proprio
e per conto di ciascun venditore il cui nome viene trascritto
negli appositi registri di Pubblica Sicurezza tenuti presso la
casa d'aste. La vendita deve considerarsi intervenuta tra il
venditore e l'acquirente (il c.d. aggiudicatario); ne consegue
che la casa d'aste non assume in proprio alcuna responsabilità
oltre a quella ad essa derivante dalla propria qualità di
mandataria". Una responsabilità, quest'ultima, piuttosto limitata:
come si può ricavare agevolmente dalla disciplina codicistica
(art. 1710-1718 c.c.). A questo - che non è altro se non
l'inquadramento dell'attività delle case d'asta nella figura del
mandato senza rappresentanza - seguono il più delle volte
delle clausole di esonero da responsabilità del seguente tipo:
"la casa d'aste agisce in qualità di mandataria dei venditori e
declina ogni responsabilità in ordine alla descrizione degli
oggetti contenuti nei cataloghi… Tutte le aste sono precedute
da un'esposizione al fine di permettere un esame approfondito
circa l'autenticità, lo stato di conservazione, la provenienza,
il tipo e la qualità degli oggetti. Non si rilasciano
garanzie in tal senso, salvi i casi previsti dalla legge". E ancora:
"in caso di contestazioni, fondate, per oggetti falsificati ad
arte, e denunciati entro ventuno giorni dalla vendita, rientra
nella discrezionalità della casa d'aste l'eventuale annullamento
della vendita, e la comunicazione all'aggiudicatario,
Marmo, dopo un periodo di chiusura per lo svolgimento di importanti lavori di ristrutturazione e riqualificazione.
E riaperte con una novità assoluta, le sale dello spazio multimediale, progettato e realizzato da
Studio Azzurro, gruppo di ricerca artistica che ha saputo dare,
attraverso l'utilizzo delle più moderne tecnologie audiovisive, voce
ed immagine a tutto il mondo del marmo, ai suoi lavoratori che nel
tempo hanno dedicato la vita alla lavorazione dello stesso.
Partendo dalla consapevolezza dell'importanza che il marmo ha
assunto e ancora detiene nella città, Studio Azzurro è riuscito ad
interpretarla trasferendola su un piano immateriale, in cui la materia si racconta per immagini, suggestioni
e voci narranti in un percorso della durata di circa un'ora e trenta minuti.
The Flat - Massimo Carasi
Via Frisi 3 (Zona Porta Venezia) - Milano
Info: 0258313809
carasi-massimo@libero.it
www.carasi.it
IL COMMENTO DEL MESE
"W il premio alla Corriera dato a Cattelan"
Poteva stupirci con effetti speciali. E invece è
bastato cambiare una vocale al nostro affezionato
commentatore 'la mummia' per irridere il
Maurizio nazionale. Il Premio, per inciso, è stato
conferito dalla Quadriennale.
[in calce alle notizie su Exibart.com]
Viale XX Settembre - Carrara (Ms)
Info: 0585845746
museomarmo@amiatelfree.it
Crisi del settore video, sospesa
l'edizione 2009 della Venice
Videoart Fair
"Nel corso del 2008 si è palesata la chiara difficoltà in
cui versano molte delle gallerie che al video dedicano
buona parte della propria attività". È impietoso l'incipit
del secco comunicato, con il quale gli organizzatori
annunciano la sospensione la terza edizione di Venice
Videoart Fair, fiera dedicata alla videoarte curata da
Raffaele Gavarro. Che era in programma a Venezia,
sull'Isola di San Servolo, fra l'11 e il 14 Settembre scorsi,
in concomitanza con la Biennale di Architettura. "Le
aspettative da parte del collezionismo italiano e internazionale,
come degli addetti ai lavori sono state alte,
ma l'intenzione
di presentare
una edizione
della fiera ricca
di contenuti e che stimolasse il
dibattito sul mercato del video,
ha reso la sospensione irrinunciabile".
Entro l'autunno - assicurano
tuttavia i promotori - cominceranno
i lavori per la nuova edizione
della fiera che si terrà dal 4
al 7 giugno del 2009, in contemporanea con la 53. Biennale Arti Visive.
www.venicevideoartfair.com
Herzog & de Meuron, ecco come sarà
la Tate Modern extension
"La nuova costruzione si leggerà finalmente come componente
di un complesso, piuttosto che un edificio separato,
con un programma separato". Mostra soddisfazione sir
Nicholas Serota, direttore della Tate Modern, davanti al
nuovo progetto per l'ampliamento del museo londinese,
presentato dagli architetti Herzog & de Meuron con sensibili
correzioni rispetto al primo concept. I volumi scultorei
hanno abbandonato il rivestimento di vetro, per una
soluzione che li uniforma ai mattoncini dell'ex centrale
elettrica. Il progetto recupererà i "found spaces" degli ex
serbatoi della centrale, presenterà avanzate soluzioni di
eco-sostenibilità per la climatizzazione, e all'ultimo piano
avrà una terrazza con splendida vista sulla città. Apertura
per le Olimpiadi 2012? Molto dipenderà dal reperimento
dei fondi necessari, duecentoquindici milioni di sterline,
mentre la raccolta per ora è ferma a settanta milioni...
su richiesta di quest'ultimo, del nome del venditore". Per gli
addetti al lavori, tali condizioni di vendita, in quanto prassi
ormai consolidate, universalmente e uniformemente praticate
e accettate da tutti, equivalgono ai c.d. 'usi contrattuali': i quali,
secondo l'art. 1374 c.c., sono in grado di integrare il contratto,
obbligando le parti. Tutto questo però soprattutto vuol dire, tornando
a monte, che basta, per il venditore, avere un 'prestanome'
affidabile e il gioco è fatto: il venditore è un prestanome,
la casa d'asta non è responsabile, quindi… Delle due l'una. O
si inquadra diversamente l'operato delle case d'asta (ad es.
nella figura della commissione, una particolare specie di mandato
con cui, attraverso la clausola dello 'star del credere', si
potrebbe aggravare la responsabilità del commissionario). O
si riprende la via timidamente percorsa, negli anni '70, dalla
Corte d'Appello di Roma, che sancì, per un caso particolare, la
nullità delle clausole di esonero da responsabilità di una casa
d'aste. Con una sentenza che non ha fatto 'scuola', non registrandosi,
successivamente, altre pronunce - come si dice -
'conformi': forse perché troppo severa? O forse perché le case
d'asta più serie, in caso di problemi, hanno sempre risarcito in
proprio l'incolpevole acquirente, pur non essendovi tenute, e
anche quando non avevano alcuna possibilità di rivalersi nei
confronti del cliente affidante? In ogni caso, chissà se gli ultimi,
recenti scandali, e la deprecabile e deprecata 'campagna
stampa' che ne è derivata, non stimoli il legislatore e/o i giudici
ad introdurre perlomeno qualche correttivo nel sistema. Chi
vivrà, vedrà …
silvia segnalini
avvocato in Roma, esperto di diritto dei beni culturali e
consulenza legale per l'arte e il collezionismo
silvia.segnalini@uniroma1.it
Cento abitanti, un museo. In
Molise inaugurata la Galleria
Comunale di Castelpizzuto
Un paesino
arroccato alle
pendici del massiccio
del
Matese, in provincia
di Isernia,
che conta meno
di cento abitanti.
Ma che ora ha
inaugurato una
altisonante
Galleria Comunale d'arte Contemporanea, con
tanto di direttore, Giorgio Berchicci. Accade a
Castelpizzuto, con la mostra Fenomena, curata da
Adriana Cian Bucciano, che "prende in esame -
come specifi-
cano gli organizzatori
-
alcune realtà
della pittura e
della scultura
nel semplice
Via Roma 27 - Castelpizzuto (Is)
Info: 0865577015
ernestoliccardo@hotmail.com
porsi dell'individualità senza pretese tendenziali".
Le individualità sono quelle dei protagonisti della
mostra, da Giuseppe Bertolino a Tomaso Binga,
Andrea Caruso, Enza Clapis, Franco Ciuti,
Ettore Consolazione, Prisco De Vivo, Teodosio
Magnoni, Piero Maniscalco, Milot Alfred
Mirashi, Ali Nasseredin, Claudio Palmieri,
Oliviero Rainaldi, Renzogallo, Erich Turroni.

24.speednews Exibart.onpaper
Macro spritz, a Roma spunta il
nome di Luca Massimo Barbero
Come era naturale aspettarsi, di voci se ne sono rincorse molte, in questi
mesi, che davano per certi i nomi prima di Vittorio Sgarbi, poi di
Lorenzo Canova, poi di Gianni Mercurio. Ora per la direzione del Macro
- orfano di Danilo Eccher - si affaccia il nome di Luca Massimo Barbero,
che qualcuno - l'edizione romana di Repubblica, in un tris di nomine completato
da Umberto Broccoli alla Soprintendenza ai beni culturali e
Philippe Daverio alla presidenza di Palaexpò -
da già per certo sulla poltrona di via Reggio
Emilia. Anche in questo specifico caso, l'apparire
della notizia ha avviato un frenetico susseguirsi
di mezze conferme, smentite, ammiccamenti,
fino a che il diretto interessato - interpellato
direttamente da Exibart - l'ha bollata
come "gossip", riservandosi di farci sapere al
più presto. La notizia stavolta appare comunque
vicinissima alla conferma ufficiale.
Curatore associato della Collezione Peggy
Luca Massimo Barbero
Guggenheim, Barbero è stato consulente artistico
per il Comune di Vicenza, vicepresidente
del Guggenheim International Circle di Venezia e presidente della
Fondazione Bevilacqua La Masa..
Quasi pronto il bando.
Due grandi opere d'arte pubblica per il Maxxi di Roma
Arte pubblica per il Maxxi. E, per di più, derivante
dalla mitologica "legge del 2%", quella
quasi-sempre-inapplicata normativa che
obbliga, per ogni opera pubblica, uno stanziamento
in arte di una cifra pari al due percento
del totale dell'appalto, pena il mancato
collaudo. In realtà gli inadempienti sono la
stragrande maggioranza, ma di pene neppure
l'ombra e così la vecchia legge fascista
che avrebbe potuto riempire d'arte contemporanea
il paese fa bella mostra di sé soprattutto
nei convegni e in qualche saggio. Non
andrà così al Maxxi, il Museo delle Arti del
XXI secolo che è in costruzione a Roma: il
Ministero dei Beni culturali, infatti, in ottemperanza
della nostra Legge, lancerà un
bando per due opere d'arte pubblica per un
totale di oltre 1,2 milioni di euro. Una discreta sommetta che permetterà di 'arredare' la piazza esterna
(il monumento commissionato deve avere l'acqua come tema, Jeppe Hein o Olafur Eliasson favoritissimi)
e il grande ingresso principale.
Gaetano Pesce architetto,
per un contemporaneissimo Trullo...
li autoctone - in
residenze estive,
attrezzate
secondo gli
standard di confort
attuali e secondo un sistema di "consumo" adeguato semplicemente
alla richiesta massificata. Su un ettaro di uliveto nella campa-
Il progetto è nato e sviluppato dall'incontro tra tradizione
e ribellione, nel riconoscimento della qualità
paesaggistica dei luoghi interessati unitamente
alla dimensione sperimentale della ricerca di un
particolare architetto. Lui è Gaetano Pesce, e il
progetto si chiama Pescetrullo, che si propone di
affermare come inopportuna la trasformazione dei
trulli - primitive
costruzioni rura-
Agro di Carvovigno - Puglia
Info: 3488561818
info@startcontempo.org
www.startcontempo.org
gna tra Ostuni e Carovigno, nel brindisino, Pesce ha quindi realizzato - su commissione della gallerista
veneziana Caterina Tognon - quattro nuovi corpi di fabbrica appoggiati su una pedana di cemento, la
cui forma planimetrica, fortemente irregolare, lascia spazio agli antichi alberi di fico, mandorlo e ulivo
che la circondano. Un intervento di architettura immediatamente collocabile in assoluta continuità con
tutto il lavoro di Pesce, in un dialogo serrato tra design e arti visive.
Fondazione Crt,
al via il progetto arte alle Officine grandi
riparazioni di Torino
Se ne parlava già da anni, ma ora forse c'è l'attesa svolta. Il Consiglio
d'amministrazione della Fondazione Cassa di Risparmio di Torino ha ufficializzato
l'acquisto dell'area delle Ogr, acronimo che sta per Officine
grandi riparazioni, per farne uno spazio culturale polifunzionale e uno dei
punti di riferimento per l'arte a Torino. Il prossimo passo sarà la sottoscrizione
di un protocollo d'intesa fra Fondazione Crt, Città di Torino e Rfi, proprietaria
attuale della struttura, il cui testo è già stato concordato. La fondazione
ha comunque ribadito
la volontà di procedere al
recupero funzionale e al
restauro del complesso, destinandolo
alla realizzazione di
un polo dedicato alla cultura
contemporanea. Nelle intenzioni
dell'ente c'è la volontà di
completare il recupero in
tempo utile per le manifestazioni
del Centocinquantenario
dell'Unità d'Italia, nel 2011.

26.index Exibart.onpaper
52
handbag [64]
tornaconti
[66] perdersi l’arte sotto il naso
decibel
[68] beijing wave
arteatro
[70] famiglie, donuts, alveari...
libri
[72] della fierite
[73] la vergine di ferro | crisi d’identità | dove c’è barilli c’è casa
pre[ss]view
[74] una spina nel fianco di genova
retrocover [4]
design
opinioni [6]
[76] le tre metà del cielo
speednews [8]
talent hunter
[78] dario pecoraro
popcorn [18]
ou [80]
oroscopo [19]
Exibart.agenda [81-83]
trailers [28]
fotofinish [85]
in teoria
[30] l’arte e la sensorialità dei new media
[31] l’anti-divo
manifesta
[34] ricapitoliamo | consigli per un giovane curatore | searching
manifesta
approfondimenti
[36] la mostra dopo la tempesta
[40] this is not another biennial
[41] living tel aviv
[42] biobob
[46] riprendere berlino
nuovi spazi [48-49]
déjà vu [52-55]
intervallo [56]
recensioni
[58] rocky mountain people show | enzo cucchi
trecapitali [60]
fashion
[62] re-thinking monna lisa
sommario
hostravistoxte
[86] tesi XI (bis)
GRACIAS.
questo numero è stato realizzato grazie a…
0521 snc
Agim Muka
Altofragile
AngelArt Gallery
Antonio Colombo
Artesilva
Associaz Siviera
Biquadra
Careof
Comprabanner srl
Comune di Gubbio
Comune di Jesi
Com. di Sommacampagna
Comune San Giovanni V.no
Com. S. Vito al Tagliamento
Conservatoio
Constantin Migliorini
Cybele Varela
Davis&Franceschini
De Faveri Arte
Dorado Communications
pubblicità su Exibart? adv@exibart.com | 0552399766
Effearte srl
Enotei
Fabbrica Borroni
Fabio Paris
Fond. Fitzcarraldo
Fullsteam srl
Galleria Bonelli
Galleria De Foscherari
Galleria Elefante
Galleria Miomao
Galleria Monocromo
Galleria Oredaria
Galleria Pack
Galleria Santa Eufemia
Goethe Galerie
L'Attico
Mar museo d'arte Ravenna
Nac
Nico srl
Palazzo Ducale
Palazzo Grassi
Palazzo Rospigliosi
Curti / Gambuzzi
Pigneto Art Project
Primo Piano
Provincia Bolzano
Provincia Milano
RAM
Romberg
Rosi Fontana
San Salvatore
San Servolo
Sergio Tossi Arte contemp
Spirale Arte
Tudor
Velan
Vision Photographia
Warehouse
Clp
SpazioA
Comunicare organizzando

28.trailers Exibart.onpaper
ADVARTISING.
di raffaele bifulco
Sulle origini del caffè vi sono molte leggende. La maggior parte
conosce quella proveniente dal Monastero Chehodet nello
Yemen, secondo la quale uno dei monaci, avendo saputo da un
pastore di nome Kaldi che le sue capre ed i suoi cammelli si mantenevano
svegli e vivaci anche di notte se mangiavano alcune particolari
bacche, preparò con queste una bevanda nell'intento di
restare sveglio per poter pregare più a lungo. Funzionò. Così
come il caffè funzionò come soggetto di opere d'arte: probabilmente
la più antica raffigurazione di una tazzina ricolma di caffè
è la natura morta di Francisco de Zurbaran, Piatto di cedri, cesto
di arance e tazza con rosa
(1633). Quando poi divenne
bevanda di uso comune il
caffè assurse a co-protagonista
di dipinti e disegni
mentre, fra Sei e
Settecento, sono numerosissime
le incisioni che ne
testimoniano le varie fasi di
preparazione, fino al "rito"
della degustazione. Pare
che adesso l'attenzione si
sia spostata. illy, inaugurando
nel 1992 le illy Art
Collection, collezioni di tazzine
interpretate dai più grandi
artisti contemporanei, ha
unito il piacere sensoriale
del caffè con quello estetico
di un'opera d'arte. Il passo
successivo è stato il
Barattolo illy Art Collection,
realizzato nel 2006 in edizione
limitata: era "Coffee
Flavours Ideas" decorato da
James Rosenquist. A questo
punto della storia mancano
solo i tovagliolini. A ciò
ha pensato la catena di
rosticcerie Robert Harris Coffee Roasters, commissionando a
dieci artisti la realizzazione di trenta opere d'arte originali su salviettine
per caffè. I lavori poi sono stati esposti in alcune fermate
di autobus, come fossero il livello stradale di una galleria d'arte,
con lo scopo di rendere momento di ispirazione e piacere sensoriale
l'attesa ai pendolari. "Every break should be inspirational" la
headline, studiata dall'agenzia DRAFTCB di Auckland in Nuova
Zelanda, che accompagna la didascalia di riferimento dell'opera.
Qualcuno ha idee per interpretare l'ammazzacaffè?
COLLEZIONISTI
a cura di marianna agliottone
sul prossimo numero i collezionisti saranno
Lorenza Sebasti e Marco Pallanti
ATTILIO RAPPA
(Biella)
Allora iniziamo. Com’è nato il suo interesse per l'arte
contemporanea e quando è nata la sua collezione?
L'interesse è nato dopo una visita agli studi di Marco
Cingolani e Massimo Kaufmann e l'incontro presso di
loro con altri artisti come Amedeo Martegani, Stefano
Arienti, Margherita Manzelli, Luca Pancrazzi e
Alessandro Pessoli. La collezione poi è iniziata un sabato,
alla fine degli anni '80, comprando un quadro di
Pierluigi Pusole alla Galleria Carbone di Torino.
Quanti pezzi ha oggi in raccolta?
Credo quattrocento, ma non ne sono certo: nonostante
il mio lavoro, in amore non so contare!
Come arriva all'acquisizione di un nuovo lavoro?
Dipende dal momento. Mia moglie Loredana aveva un
approccio più personale, una sua visione dell'arte. Io
invece sono attratto da aspetti differenti che non sempre
hanno a che fare con me e con la mia personalità:
a volte è la tematica, altre è la tecnica, oppure l'emozione
e qualche volta, perchè no, il mercato.
Si avvale di consulenti?
Di tanti amici galleristi e artisti coi quali condivido non
solo l'amore per l'arte ma anche il meraviglioso gioco
della vita: Franco Noero, Francesca Kaufmann, Fiaschi
Lorenzo e Company, Olafur Eliasson, Loris Cecchini e
Sabrina Mezzaqui.
Quanto vale attualmente la sua collezione?
A dire il vero non sono informato. Credo lo saranno poi
i miei figli...
Il ritorno economico delle opere acquistate dunque
non è un aspetto che le interessa?
Ma sì, il ritorno economico può essere una prova interessante
ed è in un certo senso una specie di sfida con
RSI
rassegna stampa internazionale
Il genio architettonico italiano
secondo gli inglesi
Il Guardian celebra la figura del visionario
architetto Paolo Soleri, definito
un geniale guru, inventore di neologismi
come Ecotecture e Arcology, che
definiscono una prassi costruttiva
orientata al design di basso impatto
ambientale. Negli anni '70 Soleri era
andato negli States, per lavorare al
fianco di Frank Lloyd Wright, dal quale
però si distaccò quasi subito per dedicarsi
alla fondazione di Arcosanti, settanta
miglia da Phoenix in Arizona, una
città utopica di un futuro improbabile,
più vicino ai villaggi attraversati da
Luke Skywalker che al mondo reale.
Strutture compatte, a basso consumo
energetico, un esempio da studiare
e rivalutare. In verità solo il tre per
cento del progetto di Arcosanti è
stato realizzato ed oggi la popolazione
è ridotta a circa sessanta unità. A
quasi novant'anni, Soleri oggi è pressoché
scomparso dalla circolazione,
se si eccettua il Leone d'Oro della
Biennale di Venezia assegnatogli nel
2000. Eppure mai come oggi, con i
problemi climatici ed energetici che
affliggono il pianeta, la sua lezione
risulta attuale. Con buona pace di
tutte le archistar più celebrate.
Chi: Steve Rose
Dove: The Guardian
Quando: 25 agosto 2008
L'antimodernismo di Bondi
La stampa inglese non si è fatta sfuggire
la polemica rimbalzata dal settimanale
Grazia e dal quotidiano La
Stampa di Torino tra il neoministro
del governo Berlusconi Sandro Bondi
e Francesco Bonami. Il primo si è più
o meno espresso giudicando incomprensibili
l'architettura e l'arte contemporanee,
il secondo lo ha accusato
di sostenere tesi antiquate e superate
già da oltre un secolo. Il Guardian
ne ha fatto un mazzo con altre uscite
se stessi che, se vinta, regala sensazioni
bellissime.
E allora si sbilanci e ci dica gli affari
migliori che ha fatto finora.
Direi una 'Mappa' di Alighiero Boetti
e un'opera di Tom Friedmann.
Secondo lei, qual è la ricetta del
collezionista di successo?
Sperimentare senza paura di sbagliare.
Le ultime opere che ha comprato?
Un'opera di Andrew Dadson e
'Constellation Gemini' dell'artista
albanese Helidon Gjergji.
L'ultima che ha venduto?
Una di Mark Handforth: essendo
un'opera da esterni mi era difficile
collocarla…
Dove trova posto la sua collezione?
Si trova prevalentemente divisa in due mie case: quella
di Biella (luogo in cui vivo) e quella di Pantelleria. Per
quest'ultima ho invitato gli artisti a realizzare delle
opere site-specific, tenendo conto sia della natura dell'isola
che della forza del suo paesaggio: Susan Philipsz,
Costa Vece, Kendall Geers, Franz Ackermann, Paul
Morrison, Mario della Vedova e Alex Pinna.
Quali sono i giovani sui quali punta Attilio Rappa?
I giovani italiani! Fra i più bravi ma purtroppo poco supportati
dal sistema artistico nazionale, cito: Christian
Frosi, Alice Guareschi, Luca Trevisani, Margherita
Morgantin, Laurina Paperina e Andrea Mastrovito.
celebri come quella di Berlusconi sul
progetto della torre milanese di
Libeskind, definito "raccapricciante",
o quella di Alemanno sulla questione
della scatola dell'Ara Pacis edificata
da Richard Meier a Roma. Il ritrattino
dipinge quasi una campagna culturale
antimodernista attribuita al
Governo da poco insediato.
Chi: Tom Kington
Dove: The Guardian
Quando: 13 agosto 2008
Chi la fa più grossa?
Tutto è cominciato un decennio d'anni
fa (1998), quando l'enorme Angel
of The North di Antony Gormley,
duecento tonnellate d'acciaio per
una struttura di 20 x 54 metri, è
stato installato a Gateshad, nel
nord-est dell'Inghilterra. Nacque lì la
tendenza britannica al gigantismo
nelle opere pubbliche ispirate dal
Gormely Effect. L'ultima impresa
vede come protagonista Anish
Kapoor e il progettista Cecil
Balmond, cui si devono cinque nuove
strutture monumentali da installarsi,
entro i prossimi dieci anni, nella Tees
Valley e che finiranno per modificare
radicalmente il paesaggio dell'intera
regione. Spesa prevista? Quindici
milioni di sterline. Frattanto, per
parte sua Marc Quinn è all'opera su
"Planet", un puttone di sette tonnellate
e lungo dieci metri da installarsi
a Chatsworth, nella residenza dei
duchi di Devonshire, nell'ambito di un
progetto espositivo organizzato da
Sotheby's.
Il paese anglosassone si candida a
contendere agli States il primato
sulla scultura monumentale pubblica,
e ciò non a caso: pare infatti che
l'arte sia considerata uno straordinario
mezzo di promozione turistica
per località periferiche e depresse.
Chi: Arifa Akbar
Dove: Indipendent
Quando: 11 luglio 2008
Artisti per Obama
Nella corsa sempre più serrata alla
Casa Bianca tra John McCain e
Barack Obama, il secondo può contare
anche sulla formidabile alleanza
degli artisti di strada, che sembrano
aver sposato in pieno la causa. Così
illustrazione di Nicola Toffolini
Attilio Rappa - fotografato per Exibart da Christian Frosi, 2008.
le principali città americane, da
Chicago ad Atlanta a Los Angeles, si
riempiono di stickers, manifesti,
stencil e chi più ne ha più ne metta
con l'effige del nostro, nell'interpretazione
creativa degli artisti. C'è chi,
come Ray Noland, lo immagina
come una popstar o un messia,
microfono in mano o circondato da
un'aureola, e c'è chi, come il celebre
Fairey Shepard, ne diffonde una sua
classica versione declinata dall'estetica
della propaganda sovietica con
la scritta Hope. Shepard è salito alla
ribalta della cronaca intorno agli
anni '80 diffondendo clandestinamente
provocatori messaggi politici
inneggianti ad un oscuro Wrestler
francese chiamato André The Giant.
Il messaggio Obey Giant Rules ebbe
un successo folgorante: migliaia di
manifesti e stickers invasero le città
tanto da indurre Shepard a farne un
vero e proprio business, sfociato
persino in una linea di abbigliamento.
Rappresentato anche da gallerie di
prestigio internazionale, di questi
tempi si sta completamente dedicando
alla diffusione in area losangelena
di magliette e manifesti - circa
ottantamila quelli stampati - del candidato
alle presidenziali.
Chi: Kate Linthicum
Dove: Los Angeles Times
Quando: 23 agosto 2008
rubrica di alfredo sigolo
identikit.
Nome e Cognome: Attilio Rappa
Luogo e data di nascita: Biella, 23 Dicembre 1947
Formazione: Laureato in Economia
Attività lavorativa: Commercialista
Stato civile: Vedovo; due figli, Elena e Vittorio

30.inteoria
a cura di christian caliandro
l'arte e la sensorialità
dei new media
I sensi che prendono il sopravvento sulle cose. Ecco il paradossale esito delle nuove tecnologie e dei nuovi
media. Le innovazioni si confondono e si mescolano al concetto stesso di arte. Ed è l'arte l'unica disciplina
che è stata capace di andare oltre il mero dato utilitaristico della tecno invasione contemporanea...
La sensorialità sta avendo il
predominio sulla materialità del
mondo, e nel prossimo futuro
questo accadrà sempre di più.
L'avvento di una sollecitazione
sensoriale quotidiana e massiccia,
ad opera delle tecnologie
telematiche che producono sempre
più informazioni e oggetti
immaginari e immateriali, sta
conferendo una centralità preminente
al corpo umano che è
diventato il contenuto dei new
media.
"If the medium is the message,
the user is the content" ("Se il
medium è il messaggio, il fruitore
è il contenuto"), così il sociologo
Derrick De Kerckhove ha parafrasato
il celebre aforisma di
Marshall McLuhan prefigurando,
sulla scia di pensiero del
maestro, un presente futuro in
cui l'uomo vivrà ancora più in
simbiosi con la tecnologia.
Grazie alle nuove possibilità di
movimento e di azione che i new
media consentono al corpo
umano - ubiquità, comunicazione
e telepresenza istantanee,
memorie e stoccaggio illimitati
delle informazioni e delle immagini,
creazione di beni immaginari -
i nostri sensi si sono trasformati
in raffinati strumenti di penetrazione
della realtà e di conoscenza
del mondo. Lavorando sulla
sub-muscolarizzazione e sulle
risposte automatiche delle cellule
specchio, la tecnologia si sta
trasformando in un dispositivo
altrettanto sensoriale quanto
l'arte: come l'arte, essa opera
direttamente un massaggio sui
nostri sensi stimolando sia il
corpo che la mente; ma ancora
più dell'arte, oggi si sta imponendo
come interfaccia tra noi e il
mondo.
Un'interfaccia importante non
solo rispetto allo spazio e al
tempo esterni al corpo. I new
media non solo consentono una
maggiore estensione tattile del
corpo proiettata nell'ambiente,
ma interagiscono anche con l'interiorità
dell'uomo reinventando
il desiderio e la sua sublimazione.
Se la telerealtà (la televisione) ha
sfruttato in questi anni le pulsioni
umane portando alla distruzione
del desiderio e alla creazione di
un immaginario-feticcio, tecnologie
come internet permettono
invece di ricostituire quelle relazioni
associative tra produttore e
fruitore, che da spettatore passivo
è diventato attore, interprete.
Sempre De Kerckhove individua
nel bluetooth e nel cellulare
la nuova "aura" dell'uomo,
in quanto sono dispositivi che
segnano una presenza, uno
spazio dell'essere esterno al
corpo (il campo di ricezione) e
interno (un'identità ubiqua).
Questo "rinascimento" ad
opera dei new media, in cui il
corpo partecipa direttamente
delle immagini e delle informazioni
prodotte, trova una corrispondenza
antica nell'arte.
L'arte è un dispositivo che da
sempre integra gli esseri
umani, ma mai come oggi l'opera
d'arte si apre ad una
totale integrazione del fruitore
nelle modalità di produzione di
“
Mai come oggi l'opera
d'arte si apre ad una totale
integrazione del fruitore nelle
modalità di produzione di senso
senso. Questa nuova cultura,
che ha generato in anni recenti
le pratiche open source nell'arte
e l'autorialità multipla, è resa
possibile grazie all'opera di
mediazione congiunta di arte e
nuovi media.
Due esempi artistici, uno risalente
a oltre trent'anni fa e uno
recente, mostrano come l'arte
abbia saputo sempre "vedere"
oltre l'impiego meramente utilitaristico
delle tecnologie e rappresentare
il loro spettro d'azione
sulla sensorialità e sulla creatività.
Con Esposizione in tempo reale
nr. 4: Lascia su queste pareti
una traccia fotografica del tuo
passaggio (1972) e Film disseminato
(1973-76), Franco
Vaccari ha rivelato in tempi non
sospetti il desiderio istintivo di
apparire nel mondo, di "mettersi
in mostra" accettando anche la
propria sparizione nella presenza-assenza
fotografica. Le centinaia
di strip realizzate con la
Photomatic e apposte nel padiglione
della Biennale di Venezia
del 1972, insieme a quelle ricevute
dall'artista per Film dissemi-
nato, sono un corrispettivo originario
dei milioni d'immagini scattate
oggi con i telefoni cellulari e
messe in rete. Anche se la tecnologia
è diversa, l'uomo continua
ad essere il contenuto di un'opera
di mediazione tra scenari vecchi
(i desideri istintuali, i comportamenti
sociali) e scenari nuovi
(l'immaterialità della telepresenza
e la perdita d'identità del
mondo).
Sia per Vaccari che per l'artista
messicano Rafael Lozano-
Hemmer, la tecnologia non va né
celebrata né demonizzata. È
Exibart.onpaper
sopra: Franco Vaccari -
Lascia una traccia fotografica
del tuo passaggio, 1972
a sinistra: Rafael Lozano-
Hemmer - Under Scan -
Biennale Venezia 2007
parte dell'uomo, della sua cultura,
del suo inconscio. Semmai, il
linguaggio della globalizzazione
(dalla fotografia al bluetooth) va
meditato e ripensato attraverso
l'arte, l'unica forma d'integrazione
capace di realizzare un nuovo
equilibrio sensoriale e mentale
tra umano e artificiale.
Lozano-Hemmer è un artista elettronico
che crea coinvolgenti
installazioni interattive tra l'architettura
e la performance grazie
alla robotica e ai network telematici.
In Pulse (2007) l'artista ha
chiesto al pubblico di "dar vita"
all'opera attraverso la registrazione
computerizzata del proprio
battito cardiaco, segnalato nello
spazio dall'accensione di una lampadina.
La registrazione avveniva
impugnando un manubrio, i cui
sensori inviavano un impulso elettronico
alla lampadina che si
accendeva. Entrando nell'installazione
si veniva accolti da cento
lampadine appese al soffitto dello
spazio, cento tracce del passaggio
di altrettante persone che,
con la loro "luce", creavano un
ambiente magico e vibrante di
presenze nell'assenza. L'arte può
anche quando l'unica materialità
è espressa dalla tecnologia.
[marinella paderni]

Exibart.onpaper inteoria.31
a cura di christian caliandro
l'anti-divo
Venezia è appena finita (nel senso della Mostra del Cinema) e noi, invece, parliamo di Cannes. E ancora una
volta del Divo e di Gomorra. I due lungometraggi della presunta rinascita della cinematografia di casa nostra.
Ma se Sorrentino propone il divo, in quale recente film si può trovare il corrispettivo di anti-divo?
Come tutti sanno,
il Festival di Cannes
quest'anno ha consacrato
Il Divo di Paolo
Sorrentino, insieme a
Gomorra di Matteo
Garrone, come simboli
di un effettivo
rinascimento del cinema
italiano (annunciato
probabilmente per
la quinta volta in pochi
anni...). Il clamore, a
mesi di distanza, non
accenna a placarsi,
tra indagini di mercato
su quanto convenga
ai produttori buttarsi
a capofitto nel
nuovo filone inaugurato
dai due campioni e
meravigliate constatazioni
sulla riscoperta
del neorealismo.
Tralasciando per il
momento tutte le considerazioni
relative
all'effettiva distanza -
stilistica e contenutistica
- che separa i
due film nel rapporto
che intrattengono
con la realtà, vale
forse la pena di soffermarsi
su alcune
qualità specifiche del
ritratto di Sorrentino,
e su ciò che ci dice
dell'Italia di oggi. Il Divo
si concentra infatti sull'inizio
degli anni
Novanta e sul momento
più difficile della
carriera di Giulio
Andreotti, ma inevi-
tabilmenteriguarda e riflette la sensibilità
attuale da una
prospettiva che si
potrebbe definire
"strabica".
La quentintarantinescapresentazione
iniziale dei
protagonisti della
storia recente italiana,
con tanto di
didascalie in rosso fiammante,
è già il segno vistoso di una
distanza irrimediabile: questi
uomini importanti sono ridotti a
figurine stilizzate (di Falcone
addirittura compare solo la
macchina che precipita al suolo
in una ripresa spettacolare).
Il passato recente è presupposto,
richiamato, sintetizzato.
Allora, man mano che il film ci
scorre davanti, esso ci appare
come una sequenza di pezzi
didascalici e segmenti "lirici" o
intimistici. Totò Riina si alza
dalla poltrona con una macchia
di pipì sui pantaloni, si avvia
verso Giulio sormontato da una
mostruosa, gigantesca testa
dipinta, e parte la canzone
sdolcinata. Facile. Ma che cosa
rappresenta questo tipo di
composizione, oltre il livello
della particolare predisposizione
del regista?
È come se il film cercasse continuamente
e pervicacemente
di staccare la figura principale
dal contesto generale: la società
circostante scompare, e gli
“
la scena senz'altro
più memorabile è quella della
coppia seduta a guardare la
televisione mentre Renato
Zero canta I migliori anni
della nostra vita e il mondo
sta crollando
unici spazi ammessi sono la
sagrestia, la casa e la strada
percorsa con la scorta. Tutte
notturne e oscure. I dialoghi e i
monologhi si svolgono in
ambienti neutri, onirici.
Guardando Il Divo viene in
mente Otto e mezzo, per il suo
stare ostinatamente addosso
ad un personaggio che si racconta
e che si mostra in tutte
le sue debolezze. Ma questo
personaggio, come ha ammesso
lo stesso Toni Servillo, "non
è più tanto simpatico, perché
non è più simpatica l'Italia":
ritrae un Paese che si avvita su
se stesso, che esclude sempre
più il confronto e che perde la
propria dimensione. Perciò, la
scena senz'altro più memorabile
è quella della coppia seduta
a guardare la televisione mentre
Renato Zero canta I migliori
anni della nostra vita e il
mondo sta crollando.
Un altro film epocale del 2008
presenta una situazione analoga,
e al tempo stesso speculare,
rispetto al personaggio
principale. Anche in The Dark
Knight di Christopher Nolan,
infatti, Gotham e i suoi cittadini
scompaiono praticamente
dalla visione dello spettatore.
Lo spazio urbano e civile è sede
di rappresaglie e agguati, ma è
di fatto vuoto.
Eppure, a ben guardare, il
miliardario Bruce Wayne-
Christian Bale coglie meglio di
altri personaggi cinematografici
alcune caratteristiche della
società contemporanea: è la
prima volta, infatti, che un
supereroe preleva un contabile
della mafia, Lau Chen, direttamente
a Hong Kong, con tanto
di riprese mozzafiato sulla
nuova architettura di inizio
secolo. Anche la tentazione di
spiare i movimenti dei suoi concittadini
con l'ultimo giocattolino
di Lucius Fox fa parte decisamente
dello Zeitgeist degli ultimi
anni.
Il tratto dark, che è sempre
stato prerogativa di Batman (e
soprattutto di quello di Nolan),
si trasferisce così da un livello
legato al look a quello più "esistenziale":
le tentazioni autoritarie
vanno di pari passo con una
certa freddezza nei rapporti
umani - in entrambe le versioni
-, e ad una presa di distanza
dalla società.
Ciò che accomuna due film così
lontani è una certa visione del
potere contemporaneo: la figura
centrale annulla i personaggi
secondari, crea un'assenza
attorno a sé. Le differenze sono
però più attraenti. Il Divo in questo
vuoto trova la sua perfetta
dimensione, solitaria e bizantina:
l'Italia che non vuole conoscersi,
perché ha paura di trovare
in se stessa lo stesso
vuoto; le didascalie appiccicate
alle facce, che condensano
decenni di storie e di intrighi in
poche battute, per lasciare spazio
allo studio del funzionamento
interno totalmente autoreferenziale.
Dall'altra parte, una nazione
americana ancora impaurita,
ancora sotto shock (al punto di
essere tecnicamente invisibile),
ed un'atmosfera di disagio
interno comunicata attraverso
la luce, l'ambiente, il suono.
Ma c'è un'aspettativa, una
richiesta, una sensazione di
cambiamento imminente: per
ottenerlo e realizzarlo, è necessario
che Batman si sacrifichi,
che carichi su di sé il peso della
colpa e della vergogna. L'eroe
che si nasconde al mondo
diventa così il paradigma dell'
anti-Divo.

34.manifesta Exibart.onpaper
ricapitoliamo
Nel senso di riassumere, riepilogare.
Ma anche di ri-capitolare, rassegnarsi
ancora una volta. Potrebbe essere
questo il Verbo di una Manifesta le
cui sfaccettature paiono accollarsi il
compito di rappresentare ciascuna
un pezzo di un Sistema, quello dell'arte,
inguaribilmente endocrino.
Così, tra le quattro proposte, quella
di Trento è la più biennalesca, quella
di Bolzano la più espositiva e quella
di Rovereto la più galleristica. A non
dire del lavoro di gruppo di Fortezza,
sofisticata allegoria, per concept e
ubicazione, dell'asserragliarsi di
un'arte democratica a parole, ma nei
fatti custode di intellettualismi che
aggravano il disorientamento e l'emarginazione
del pubblico cui vorrebbero
(e dovrebbero, visto il consistente
esborso di denaro, appunto,
pubblico) rivolgersi consimili rassegne.
Pubblico cui non è dato di non
capire, perciò preventivamente punito
con la scomunica(zione), condannato
a restare al di qua della parete,
salvo la grazia fugace di spiare dal
buco della serratura.
Un'edizione complessivamente da
grande balzo all'indietro nella scelta
dei lavori e nell'approccio ad alcune
problematiche, sicché questa prima
mela trentina-altoatesina (specificare
la duplicità è obbligatorio) viene
spiccata già vizza da un albero gravato
di frutti, dal quale diventa arduo
cogliere gli episodi di qualità che
certo non mancano. Come nel percorso
del Palazzo delle Poste che,
pur seguendo con scolastico puntiglio
un fil ambiziosamente universale
(L'anima), ne sbiadisce il rouge
nella tetra polvere di un impegno
postdatato. Se ne esce, quando se
ne esce, sfibrati, come da due
Biennali di Venezia trangugiate in un
colpo solo. Più fruibile l'ex Alumix,
grazie agli artisti-curatori Raqs che ci
mettono un po' di colore e spettacolo,
più qualche pennellata ludica,
sdrucciolando però su tracce residue
alquanto ingenue. Il mainstream
trionfa alla Manifattura Tabacchi e
nell'ex Peterlini, non solo per il titolo
astutamente astruso, ma per l'esplicita
condivisione di alcuni trend cari
ai dealers che contano, con qualche
apertura in più rispetto agli altri al
made in Italy. Eh già perché, in questa
Manifesta italiana nella meno italiana
tra le regioni, il tricolore sventola
poco. E nessuno dei curatori internazionali
- o dei loro consulenti locali
- sembra essersi scapicollato a scivolare
lungo una dorsale appenninica
che di santi, poeti e artisti sareb-
consigli per un giovane curatore
be stata prodiga, preferendo invece
portarsi il "lavoro da casa" e spuntando
candidati da fidi carnet.
L'ennesimo caso di provincialismo
alla rovescia?
In merito alla politica di decentramento,
caratteristica di questa edizione
2008, bisognerà calcolare quanto la
sfida, concettualmente
stuzzicante ma logisticamente
complessa,
del grand tour de force
abbia fruttato in termini
commerciali. Saranno i
numeri a dirlo, nonostante
- i musei insegnano
- non sempre
matematica sia sinonimo
di verità. Vero è,
però, che la propaganda
vacanziera a mezzo
stampa -
foraggiata
spesso
dagli enti
locali - ha
poco invitato
a godere,
oltre che
dell'aria
buona, dei
paesaggi
stupendi e
dell'ottima
cucina locale,
anche di
questa kermesse.
La
fatica di
organizzatori
e ufficio
stampa è
stata, dunque,concepita
e recepitaesclusivamente
dagli
addetti ai lavori?
E chi sarà
responsabile
degli incassi
eventualmente
insoddisfacenti?
Il solito pubblico
ineducato
e insensibile o,
piuttosto, il solito difetto di sistema,
primo fra tutti la proliferazione e il prolungamento
che, di fatto, strappano
alle biennali l'appeal di evento?
Per i bilanci, s'aspetta novembre.
Nel frattempo, chi è senza peccato
scagli la prima mela.
[anita pepe]
Innanzitutto, è d'uopo chiarire il primo dei misteri dolorosi: quando si parla di politica e sociale, bisogna
sapere con estrema chiarezza di che parte (politica, ndr) e di quale società si sta parlando.
Pertanto, prima di accedere agli eventuali riti di iniziazione, è necessario controllare la fedina elettorale
per stabilire che il novizio sia del tutto in regola. Successivamente sarà il caso di scegliere
uno spazio. Ma perché uno solo? Itinerante, scabro, maleodorante, decentrato sono le parole chiave.
Per una corretta fruizione dell'arte politica, lo spettatore - il nemico numero uno del curatore,
con la sua ignoranza, la sua indolenza, il suo razzismo, tutto da educare attraverso il miracolo dell'opera
- chiamato a sentirsi parte di un'esperienza mistica sublime, dovrà consumare in chilometri
di pellegrinaggio le sue infradito, tergersi la fronte con il pachistano, raccogliere i rasta in una
crocchia e, una volta giunto a destinazione, rimuovere i cattivi odori a suon di rinazina spray nasale,
scuotendo le ampie vesti colorate da ragnatele e calcinacci. Sistemato questi per le feste sarà
ora di individuare lo staff: un bulgaro, un greco, il cinese e l'indiano.
Ora, è possibile la selezione degli artisti. Basterà attenersi rigidamente alle seguenti macro categorie:
Donne con le palle. L'arte politica rispetta e sostiene le diversità: basta che gli omosessuali non
siano troppo gay e le donne non siano troppo donne, come Cindy Sherman, altrimenti si rischia
di scadere nel kitsch, il nemico numero due. Che a questi risponde con la donna teratogenica, artista
in grado di inventarsi in due forme ben distinte. La prima è senz'altro la performance. Il modello
è Marina Abramovic, l'obiettivo è di testare fino a che punto queste femmine disposte a tutto
possono arrivare: cacciarsi stiletti nell'avambraccio, ficcarsi in gola quintali di insalata, azionare
una pompa a mano circa un centinaio di volte, ma con un piede, alla Daria Martin. L'importante
è dimenticare a casa i vestiti. La seconda è la decorazione, che fissa lo sciovinismo di questi
maschi guerrafondai, le armi di morte, la solidarietà femminile, in una cornice al punto croce o di
lividi acquerelli, meglio se orientaleggianti. Anche qui, ci ricorda Anne-Mie Van Kerckhoven, gli
abiti servono a poco.
Tarantolati: Joachim Koester docet. Il ballo di San Vito rappresenta lo stress contemporaneo.
Che sarebbe stato di gran lunga inferiore se qualcuno non avesse deciso di esporre nella zona
industriale.
searching manifesta
Ora e sempre, truppe cammellate.
Son così le preview dei
grandi eventi artistici. Se poi ci
si deve muovere fra sedi collocate
in diverse cittadine, allora i
ranghi si stringono. E i tempi
pure, nella calca generata da
conferenze stampa e appunti
sopra: Nina Canell -
Accumulus (8152
Volt), 2008
al centro: il collettivo
di artisti indiani Raqs
sotto: Europolis di
David Adjaye
sul taccuino. Forse
stupirà, ma gli "addetti
ai lavori" sono particolarmente
docili, pigri al
punto da non contemplare
l'ipotesi di spostarsi
pedibus calcantibus
da un luogo
all'altro d'un
agglomerato
alpino, sia mai
procurarsi
un'auto e muoversi
in autonomia.
Ogni volontà
di gestire la
propria estetica,
il proprio spaziotempo,
è sopita
a suon di timeline.
Le mappe, se mai c'erano,
vengono stracciate. E dire che
la Fondazione Manifesta se le
va a cercare col lanternino le
aree geografiche dove s'annidano
più o meno aspri conflitti:
Paesi Baschi e Cipro, per dire
le ultime due edizioni.
Messo a parte dell'omicidio di
Kennedy, Malcolm X commen-
tò: "Chi la fa, l'aspetti". Poco
dopo moriva assassinato.
Calibrando pesi e misure, si
potrebbe dire che a Manifesta
è accaduta la medesima cosa.
Avvicinatosi al triangolo
Trentino-Alto-Adige, il lanternino
ha creato tali baluginii da far
perdere la bussola in primis ai
curatori.
Quel ch'è mancato è la figura
del wayfinder. Intendiamoci:
non che il percorso "obbligato"
sia indispensabile; ma più è
complessa l'ipotesi, tanto più è
doveroso fornire precisi strumenti
di navigazione. Allo
scopo di facilitare la comprensione
dell'ipotesi stessa e il sorgere
di eventuali critiche. Nella
fattispecie, benché gli scenari
offerti nelle varie
sedi/mostre/ipotesi siano piuttosto
differenziati, comune è la
lacunosità da questo punto di
vista.
A Fortezza, dove opera il pool
curatoriale al completo, l'unione
ha fatto la debolezza.
Bussola irrimediabilmente perduta,
nessuna stella o sestante
o gps a soccorrere il visitatore.
Che, irridendo Heidegger,
diremmo si ritrova gettato in un
paesaggio, in parte antropizzato,
che prende il sopravvento
sulla mappa/mostra/ipotesi.
Una mappa resa cieca e, a
dispetto della tipologia delle
"opere" in mostra, pure muta.
Fantastico è aggirarsi per il
forte asburgico, ristrutturato ad
hoc e in maniera notevole; inebriante
calcare i ponti sospesi
sull'Isarco; ma viene il momento
nel quale ci si rammenta che
dovrebbe pure esserci qualcos'altro,
e che si è là per quello.
Il periodo amnestico, durasse
anche solo pochi minuti, è di
un'eloquenza assai superiore a
quella delle ore di parole registrate
in cui consiste l'exhibition.
A Trento si ritrova la mappa
perduta. Però è un dépliant per
routard radical-chic. È un pieghevole
autopoietico, un blob
schizofrenico o bipolare.
Perché da un lato i micromusei
lungo i quali vengono
raccolte le opere sono zeppi
all'inverosimile di citazioni e
spunti e riferimenti eruditi; dall'altro,
quegli stessi spunti e
riferimenti e citazioni sono
offerti con una certa sufficienza.
L'impressione è che il sottotesto
sia: "Forse riusciremo a
insegnare qualcosa a questa
massa di ignoranti". Allora perché
non usare un percorso
lineare, agevolmente percorribile
anche dagli idioti, che non
potranno perdersi in vie alternative
inesistenti? Un incubo
socialdemocratico. E poi via,
saremo pur zotici in Italia, ma
venirci a spiegare chi era
Franco Basaglia è irritante.
A Rovereto, doppio passo per
unico curatore. Alla Manifattura
Tabacchi è soggiogato dal
numero di punti d'interesse
tratti dalla sua mappa mentale,
che segnala al gentile pubblico
senza scordarne manco uno. E
il senso del percorso ovviamente
si perde. Provate a infilzare
un centinaio di bandierine
su una cartina dell'Emilia, di
quelle per la scuola media, e
nemmeno capirete più di che
regione si tratta; figuriamoci
trovare una strada o un affluente.
Così, il disorientamento in
mostra è tale che, paradossalmente,
l'effetto è simile a quello
sortito a Trento: in quest'ultimo
caso, l'architettura (curatoriale)
costringe a seguire un
percorso; a Rovereto, l'assenza
di coordinate provoca un
fatalistico abbandono alle
imperscrutabili intenzioni del
curatore. Cosicché si vaga col
medesimo passo strascicato
del condannato con la palla
teoretica al piede. Meglio
assai è la sezione allestita nel
white cube poco distante -
certo, è una ex fabbrica... -,
che però fa l'effetto dell'ora
d'aria: quando si torna in cella
è peggio che pria.
Prima di giungere al capolinea,
si tenga a mente l'esistenza
del "Manifesta
Journal", il Journal of
Contemporary Curatorship,
ottima rivista di approfondimento.
A Bolzano, la mostra indubbiamente
meglio riuscita di
Manifesta7 è curata da Raqs,
un collettivo di artisti indiani. E
vi si trova una straordinaria
mappa, Europolis di David
Adjaye, architetto originario
della Tanzania.
[marco enrico giacomelli]
Settembre, andiamo, è tempo di studiare. Ed ecco, bell'e pronto, un vademecum per aspiranti curatori. Una serie di regole auree per realizzare una perfetta mostra politica: dagli spazi ai nomi
degli eletti, dalle opere allo staff. Per raggiungere, senza incidenti di percorso, la direzione artistica di Manifesta…
Installazione multichannel. Qui lo sforzo è minimo. L'importante è avere a disposizione sei monitor e
una serie di riprese a camera fissa con altrettanti tizi che non fanno praticamente niente. Avrete la
perfetta illusione della alienazione. Anche questa, se Dio vuole, contemporanea.
Tabernacolo di guerra. Prendete un artista proveniente da un paese in guerra, mettetegli in mano
delle bandierine bipartisan, i resti della pausa pranzo su un volo Egypt air, una telecamera e un gruppo
di studenti in Erasmus strategico a Madrid. Ci saranno interviste, monitor, candele, bandierine e
paccottiglia. Poi installate tutto sul pavimento. Lo spettatore dovrà raggomitolarsi anch'egli sullo sterrato
e il suo lavasecco di fiducia vi sarà ancora una volta grato per aver fatto girare la sua economia.
Case da abitare. Jimmie Durham, Ricardo Basbaum, Hubert Kostner. Design per gli interni: un letto
da caserma, rigorosamente sfatto, cuscini/ tappeti orientali, bottiglie vuote e posacenere pieno. Non
s'abbia mai da pensare che si tratti della casa di un impiegato.
Denunce sessuali. Video/foto con padri, mariti, fidanzati, vicini di casa, lattai, insegnanti porci e cattivi:
ah, se questo mondo fosse fatto solo di donne!
Museo inesistente o archivio. Simbolo di una musealizzazione d'antan, la teca di plexiglas che
innalza l'irrilevante sul piedistallo, ha acquisito un posto d'onore nelle tendenze contemporanee.
Specie se accompagnata dalla possibilità per lo spettatore di ricavarci, tra un faldone e l'altro, un
souvenir, di leggere dei libri e di sfogliare qualche rivista. La cosa più importante è che nel catalogo
potrete parlare di interazione, risolvibile anche attraverso tentativi di mettere in comunicazione
sconosciuti, telecamere nascoste, bigliettini di carta a quadrettoni su cui annotare i propri desideri,
consegnandoli poi all'opera.
Mots. Che siano scritti a inchiostro indelebile tra le crepe dello spazio espositivo o al neon, i motti
devono rispettare le seguenti fonti: Sartre, Deleuze, Sassen o Max Weber. Con Pasolini dovreste
cavarvela, ma solo in certi ambienti. Evitate Heidegger, se non volete incorrere in una inderogabile
scomunica..
Della provenienza geografica degli artisti non si dirà. Basterà ripetere lo schema utilizzato per i collaboratori.
Un consiglio da amica: non escludete Sudamerica e Balcani. Potrebbero arrabbiarsi e
darvi dei razzisti, rovinandovi per sempre il curriculum vitae.
[santa nastro]

36.approfondimenti Exibart.onpaper
la mostra dopo la tempesta
New Orleans, romantica capitale del jazz sulle rive del Mississipi. Una città che ancora fatica a riprendersi dalla
furia di Katrina. Dan Cameron ci racconta la sua Prospect.1, una biennale da tre milioni e mezzo di dollari e con
un nobile scopo: la solidarietà...
Nel 2007 lei ha fondato US
Biennial Inc, il cui primo progetto
sarà Prospect.1 New Orleans, e
sempre nello stesso anno è
stato nominato Director of
Visual Arts del Contemporary
Arts Center cittadino. Perché ha
rivolto la sua attenzione a New
Orleans nel dopo-Katrina?
Ho pensato che l'unico modo in cui
potevo contribuire in maniera
significativa alla ricostruzione e
alla rinascita della città fosse su
vasta scala. Quando agli inizi del
2006, a circa cinque mesi dall'uragano,
ho visto l'entità del disastro
sono rimasto letteralmente scioccato.
Ero completamente impreparato
a una distruzione di tali proporzioni.
Ho pensato "se prendo
una pala e inizio a scavare, non
posso andare molto lontano, ma
se penso a qualcosa in grande e
coinvolgo altri...". Sentivo che, se
avessi applicato alla situazione il
mio ruolo di curatore, forse sarebbe
stato ancora meglio. Non ero
contento di come il mondo dell'arte
stesse rispondendo all'emergenza,
né tanto meno del
Governo! A questo si è aggiunto il
fatto che notoriamente New
Orleans non rientrava nelle classiche
rotte dell'arte, quindi la sfida
mi sembrava perfetta. Ma la ragione
principale è che, da ventuno
anni, amo profondamente questa
città.
Perchè ha deciso di creare un'altra
biennale?
Non volevo creare una struttura di
per sé complicata e, una volta
presa la decisione di agire, sono
passati ben dodici mesi prima di
formalizzare la società. Quei mesi,
per la maggior parte nel 2006, li
ho passati a comprendere come
non organizzare la biennale… Può
sembrare un paradosso, ma non
ho fatto altro che analizzare la
situazione anticipando ciò che, a
mio avviso, non avrebbe avuto successo
o, peggio, sarebbe stato un
errore.
New Orleans è conosciuta a livello
internazionale per il Festival
Jazz e per il Mardi Gras, ma
anche per la tradizione culinaria
e per la notevole architettura. In
che modo questi elementi l'hanno
ispirata?
Domanda difficile… sembra scontata
ma non lo è! Il concetto della
mostra ha molto a che fare con
quello delle biennali di fine
Novecento, come quella
di Istanbul. Non è
previsto nessun nucleo
espositivo centrale per
Prospect.1: sarà la
città stessa a diventare
una galleria a cielo
aperto. In questo
senso, la biennale si
rifà ad un modello
europeo ed è maggiormente connessa
con l'architettura della città
e la sua insolita topografia. Ma
non posso negare che musica e
cibo giochino un ruolo chiave: sono
stati molti gli artisti che hanno iniziato
la loro ricerca proprio dai piaceri
che la città offre.
Come hanno reagito il pubblico e
le autorità locali alla sua proposta?
L'amministrazione è stata incredibilmente
aperta, anche se non
aveva bene idea di cosa stessi parlando.
Quella che gli addetti ai lavori
conoscono come "cultura biennalistica"
qui coinvolge al massimo
quindici-venti persone, che magari
sono state a Venezia o San Paolo,
qualcuna in più ad Art Basel
Miami… Per questo ho cercato di
inquadrare la mostra in modo che
avesse senso per entrambe le
parti. Ho voluto porre l'accento su
New Orleans affinché attraesse i
suoi abitanti non solo per i temi
trattati ed i riferimenti alla città o
al jazz, ma anche per le loro caratteristiche
linguistiche. Tutto ciò,
naturalmente, permetterà al
resto del mondo di ammirare la
regione della South Louisiana. La
riprova di quanto questa terra
entri nel cuore sta proprio nel
fatto che sono state pochissime le
persone che l'hanno abbandonata
dopo l'uragano e soprattutto per
questo il progetto è ben visto dai
residenti. Inoltre stiamo cercando
di pianificare l'evento in modo che
sia accessibile a tutti.
Attraverso quali iniziative?
Non faremo pagare neanche un
biglietto di ingresso. A prescindere
dal quartiere in cui ci si troverà, ci
sarà sempre una sezione della
mostra nelle vicinanze.
Organizzeremo visite per le scuole.
Inoltre il vernissage, previsto nel
weekend tra il 30 ottobre e il 2
novembre, ha in programma moltissima
musica di straordinaria
qualità.
“
La biennale si rifà ad un
modello europeo ed è connessa
con l'architettura della città e
la sua insolita topografia
Quindi sarà durante Halloween…
Come si festeggia a New
Orleans?
Non è una festa ufficiale della città
ma, in un certo senso, segna l'inizio
del Carnevale. Anche se molto
in anticipo offre l'opportunità, a chi
è alle prese con i preparativi del
Carnevale, di fare una sorta di
prova generale. Ai cittadini di New
Orleans piacciono molto le parate
e ogni scusa è buona per averne
una! Abbiamo previsto una classica
cena di gala e dopo non dovremo
fare altro che spingere tutti
verso la parata di Frenchman
Street. Poi sarà la città a
fare la sua parte: noi pre-
pariamo la mostra… la
città prepara il party!
Alla biennale sono stati
invitati ottantuno artisti
e sono stati selezionati
luoghi diversi della città.
Può illustrarci i criteri di
selezione?
La selezione degli artisti e quella
delle locations si sono svolte
seguendo principi e esigenze
diverse. La scelta degli artisti ha
seguito l'obiettivo che mi ero preposto
per la prima edizione della
biennale: pensavo sarebbe stato
estremamente importante posizionarsi
sulle rotte degli addetti ai
in alto: Monica Bonvicini -
Built for Crime, 2006 -
Broken safety glass, 5
dimmer, lan box, bulbs.
486½x47¼ in. - Courtesy
Emi Fontana, Milano
a sinistra: Contemporary
Arts Center New Orleans
in basso: Gajin Fujita -
Ride or Die, 2005 - Gold
and white gold leaf, paint
marker, spray paint and
Mean Streak marker, Six
panels: overall 83x126 in.;
each 83x21 in. - Courtesy
of L.A. Louver, Venice, CA.
lavori, perché la situazione a New
Orleans è ancora critica e molto
precaria, ma ormai sui giornali
non fa più notizia… C'è una certa
rinascita culturale, ma purtroppo
la ricostruzione è terribilmente in
ritardo. L'obiettivo in questa fase è
stato quello di focalizzare prima
l'attenzione sulla città e poi creare
entusiasmo intorno alla rosa di
artisti invitati. Ho cercato di mettere
insieme una lista molto significativa,
senza andarmi a preoccupare
troppo di altre questioni curatoriali.
Non credevo che la prima
edizione dovesse passare alla storia
per aver proposto tante nuove
scoperte…
Hai già in mente le edizioni successive
dunque?
Già immagino una Prospect.2 più
"idiosincratica" e personale, mentre
nella terza sarò pronto a collaborare
con altri curatori e a coinvolgere
altri punti di vista. Ma per
la prima biennale volevo una
mostra di forte impatto, con i fuochi
d'artificio! Ho invitato artisti che
potevano realizzare qualcosa di
molto speciale, in grado di attirare
l'attenzione di un vasto pubblico.
Oppure nomi importanti, per i quali
la gente avrebbe anche affrontato
un lungo viaggio. Poi ho cercato di
trovare un equilibrio tra nazionalità
diverse. Ho voluto ad esempio che
almeno metà degli invitati fosse
internazionale, perché non abbiamo
questo tipo di mostre negli
Stati Uniti. Per la scelta delle locations
abbiamo incontrato le istituzioni
culturali cittadine. C'è una
sorta di consorzio di organizzazioni
affiliate con il Contemporary
Arts Center che ha ricevuto dei
fondi dalla Getty Foundation, destinati
soprattutto alla pianificazione
di eventi importanti o collaborazioni
tra le varie organizzazioni.
Facendo parte del team del New
Orleans Museum of Art e del
Contemporary Arts Center, per
me è stato più facile entrare in
diretto contatto con i vari enti ed
invitarli a far parte del progetto.
Ma molte sinergie sono venute
fuori, possiamo dirlo, anche per
caso.
Dove si trovano gli spazi espositivi?
Molti nel Lower 9th Ward, una
zona che è stata abbandonata
dopo Katrina… Stiamo collaborando
anche con il L9 Center for the
Arts, un centro culturale per le arti
che ha inaugurato lo scorso
novembre. Il primo contatto con
loro è avvenuto grazie ad un artista,
Mark Bradford. Tutti gli artisti
che hanno fatto un sopralluogo a
New Orleans sono passati per il
Lower 9th Ward e hanno conosciuto
i proprietari Keith Calhoun e
Chandra McCormick. Per visitare
la città e comprendere veramente
cosa ci fosse prima di Katrina, si
ha bisogno di una guida locale.
Insomma alcuni luoghi li abbiamo
selezionati noi, in altri casi ci sono
stati offerti proprio perché rappresentavano
qualcosa di importante
per la comunità.
La maggior parte dei lavori sono
site-specific?
Direi che un cinquanta per cento
sono site specific, o forse di più… Ci

Exibart.onpaper approfondimenti.37
sono certamente molti lavori
nuovi.
Ci parlerebbe di alcuni lavori in
particolare?
Monica Bonvicini potrebbe presentare
Built for Crime, mostrato
tempo fa a Los Angeles, oppure
Not For You. Sono entrambi lavori
di dimensioni notevoli che si rifanno
al tema della guerra. Al
momento l'artista è alla ricerca
del giusto contesto per esporli: ha
passato a New Orleans tre giorni
in immersione totale… è importante
che gli artisti ne comprendano il
profondo tessuto. Mark Bradford
sta ricreando, all'esterno del
Lower Ninth Ward, l'Arca di Noè
seguendo le dimensioni indicate
dall'Antico Testamento. È fatta di
compensato riciclato, il tipo che si
usa a Los Angeles per delimitare
un cantiere in costruzione su cui
poi si affiggono poster e altro. Più
di qualche lavoro si sta ispirando a
vascelli navali, come simbolo di un
salvataggio che non c'è mai stato.
Nari Ward sta ancora lavorando
ai bozzetti del suo progetto.
Sappiamo però che sarà installato
nello storico sito della
Battleground Baptist Church. La
storia e le vicissitudini che hanno
interessato la congregazione di
questa chiesa battista, che ha
dovuto abbandonare la sua dimora
originaria in seguito alla decisione
delle autorità di destinare l'area
a zona di interesse
turistico
nazionale,
hanno sensibiliz-
zato molto l'artista.
Con la sua
opera infatti
cercherà di rendere
omaggio
ad una delle più
antiche congregazioni
battiste
afroamericane,
entusiasmando ovviamente tutta
la comunità, pastore compreso!
Wangechi Mutu sta considerando
le fondamenta di una casa, sempre
nella zona del L9, di proprietà
di un'anziana signora che non è
riuscita ad avere il rimborso assicurativo
richiesto. Purtroppo con il
denaro ricevuto ha potuto solo
ricostruire le fondamenta della
sua casa, senza contare che la
ditta di costruzioni se n'è approfittata,
ed ora tutto ciò che le rimane
della nuova casa è quello! La signora
vive in un fabbricato terribile
nella zona opposta della città e
sogna di ritornare nel suo quartiere.
Wangechi ha trovato ispirazione
in questa triste vicenda e
ricreerà l'edificio attraverso luci. Ci
sono molti lavori che evocano una
in alto: Dan Cameron,
photo credit: Claudio
Papapietro.
a destra: Sanford
Biggers - Racine de
Memoirs, 2002 -
Channel Super 8 projection
transferred to DVD,
video inside tree house,
TRT 3:38, 96x96x96 in. -
Courtesy Mary Goldman
Gallery, Los Angeles.
sotto: Paul Villinski -
Emergency Response
Studio, 2008 - 30 ft. travel
trailer, solar and wind
power systems, mixed
media. Approx. 37 x 19
x 25 in. Installation view
at Socrates Sculpture
Park - Courtesy of the
artist and Socrates
Sculpture Park, Long
Island City, NY.
New Orleans fatta di presenze
spettrali. È scontato interpretarli
come un elemento malinconico e
nostalgico, ma New Orleans è una
città molto romantica, credo faccia
parte di questo. Ci sono tracce
di malinconia che traspirano dalla
distruzione: il fatto che le cose si
frantumino, affondino o si polverizzino.
Vari artisti sono stati assorbiti
e consumati da questo sentimento
ed era esattamente ciò
che volevo: che tutti prendessero
la città molto seriamente e che
creassero un'opera in risposta.
“
Artisti locali? Qualcuno verrà
invitato. Ma non troppi, così si crea
quell'atmosfera di rivalsa che fa nascere
tanti piccoli Salon de Refusés che poi
promuoveremo nel nostro calendario
Com’è messa la scena artistica
di New Orleans? Alcuni degli artisti
locali parteciperanno alla
mostra?
Sì: ce ne sono circa una dozzina,
due dei quali non abitano più a
New Orleans. La differenza più evidente
è che qui molti artisti vanno
altrove per studiare e spesso non
ritornano. Gli artisti che restano,
invece, lo fanno per amore della
città o perché per altre ragioni ci
sono arrivati e, dopo essersene
innamorati, non l'hanno più lasciata.
È una comunità molto dinamica
ma abbastanza rada. Alla prima
edizione non ho voluto esagerare
nel numero di presenze locali, per
varie ragioni: volevo tenerne in
serbo alcuni per il futuro e non
volevo enfatizzarli in maniera spro-
positata, visto che la premessa
per attirare maggiormente il pubblico
era l'internazionalità dell'evento.
Poi un pizzico di provocazione
per suscitare l'idea del Salon des
Refusés e dare modo a organizzazioni
alternative e parallele di
emergere. Uno spazio sul fronte
strada è alla portata di tutti, ora, e
ce ne sono molti disponibili, così
tanti artisti stanno organizzando
mostre che noi promuoveremo
nel nostro calendario. L'idea è
quella di trasformare la città stessa
in un unico spazio espositivo,
fare in modo che percorrendo le
strade di New
Orleans si
possa ammirare
un'unica
g r a n d e
mostra. Se
riusciremo in
questo intento,
avremo raggiunto
il nostro
obbiettivo!
Prospect.1
pare incentrata particolarmente
sul ruolo che l'arte riveste nella
società contemporanea in relazione
alla comunità e alla responsabilità
sociale che ne deriva…
È interessante perché non ho mai
voluto investire energie nell'investigare
questi temi, pur ammirando
profondamente i colleghi che lo
facevano. Sono veramente sorpreso,
come del resto tutti gli altri,
dalla strada che questo progetto
ha intrapreso. La mia intenzione
era aiutare New Orleans e, a
mano a mano che la sfida si faceva
complicata, mi sono accorto
che le mie idee, la mia esperienza
e i miei interessi si sono "coalizzati"
per arrivare al risultato finale.
All'improvviso mi sono reso conto
di abbracciare molto questioni teo-
riche, ad esempio su come l'arte
possa giocare un ruolo nel rapporto
con la comunità e quindi ridefinire
la società. E che poi, a conti fatti,
non c'è nulla di teorico ma tutto è
estremamente vero e concreto,
persino il turismo d'arte che spesso
snobbiamo, considerandolo
solo un'appendice, distinguendolo
dal lavoro "serio" che facciamo
noi… Ecco, in Prospect.1 è proprio
PROSPECT.1 NEW ORLEANS
il turista che "saves the day",
che fa la differenza insomma.
Ci rivolgiamo ad un turismo
sofisticato ed informato, che
ami l'arte e l'architettura, ma
che sappia anche di politica e
che mostri una certa solidarietà
per quello che New Orleans
rappresenta sia prima che
dopo Katrina. Ma non avrei mai
pensato che il progetto più
importante della mia carriera
si fondasse sull'idea che l'arte
possa far del bene. I miei ex-colleghi
del New Museum ironizzavano
sul fatto che con il tempo
mi sarei trasformato in
Marsha Tucker (direttore fondatore
del New Museum, ndr),
perché con lei avevo un dialogo
veramente peculiare e mi ha
influenzato molto. Il "basta che
fai ciò che pensi sia giusto in un
dato momento e poi, quando ci
sei dentro, rifletti sui ciò che
significa" l'ho imparato da lei. Non
è così male pensare che le persone
siano fondamentalmente
buone o che l'arte possa esser
d'aiuto.
Il vostro budget si aggira sui tre
milioni e mezzo di dollari. Chi
sono i maggiori sostenitori del
progetto?
Per la maggior parte investitori
privati, filantropi, piccole fondazioni,
ma anche grosse istituzioni
come The Warhol Foundation.
Abbiamo chiesto fondi anche allo
State Department, alla Louisiana
State Legislature e al City Council
di New Orleans. Ci aiutano gallerie,
o anche privati, governi stranieri,
anche l'Istituto Italiano di Cultura ci
aiuterà. Abbiamo anche molte
società, ad esempio gli hotel W
sono uno dei nostri sponsor.
Abbiamo una struttura di sostegno
fantastica e stiamo ancora
facendo fundraising a trecentosessanta
gradi. Abbiamo raccolto
in dieci mesi ciò che normalmente
si raccoglie in uno o due anni.
Questo è quello a cui ci stiamo
dedicando ora.
[micaela giovannotti]
Direttore: Dan Cameron
Concept: Prospect.1 New Orleans è stata concepita dal suo curatore Dan
Cameron per rinvigorire la città, storico centro artistico della regione, in
seguito alla devastazione umana, civile ed economica dell'uragano Katrina.
Quando: dal 1 novembre 2008 al 19 gennaio 2009. Opening 30 ottobre 2008.
Dove: Ashé Cultural Arts Center, Battle Ground Baptist Church, Charles J.
Colton School, Common Ground Relief, Contemporary Arts Center New
Orleans, The George & Leah McKenna Museum of African American Art,
The Historic New Orleans Collection, Ideal Auto Repair, L9 Center for the
Arts, Longue Vue House & Gardens, Louisiana ArtWorks, Loyola University
New Orleans, New Orleans African American Museum, New Orleans
Center for Creative Arts|Riverfront, New Orleans Jazz and Heritage
Foundation, New Orleans Museum of Art, Newcomb Art Gallery at Tulane
University, Ogden Museum of Southern Art, The Old U.S. Mint Louisiana
State Museum, and Universal Furniture.
Artisti: Allora & Calzadilla, Ghada Amer, El Anatsui, Janine Antoni,
Alexandre Arrechea, Luis Cruz Azaceta, John Barnes, Jr., Sanford Biggers,
Willie Birch, Monica Bonvicini, Mark Bradford, Candice Breitz, Cai Guo-
Qiang, Cao Fei, Francis Cape, Chen Chieh-Jen, Adam Cvijanovic, Jose
Damasceno, Anne Deleporte, Leandro Erlich, Skylar Fein, Roy Ferdinand,
Jr., Tony Fitzpatrick, Gajin Fujita, Rico Gatson, Katharina Grosse, Trenton
Doyle Hancock, Victor Harris & Fi Yi Yi, Arturo Herrera, Takashi Horisaki,
Jacqueline Humphries, Isaac Julien, William Kentridge, Lee Bul, Kalup Linzy,
Srdjan Loncar, Rafael Lozano-Hemmer, Deborah Luster, Jorge
Macchi/Edgardo Rudnitzky, Shawne Major, Nalini Malani, McCallum &
Tarry, Dave McKenzie, Josephine Meckseper, Julie Mehretu, Aernout Mik,
Beatriz Milhazes, Tatsuo Miyajima, Yasumasa Morimura, Zwelethu
Mthethwa, Wangechi Mutu, Shirin Neshat, Marcel Odenbach, Kaz Oshiro,
Miguel Palma, Perejaume, Pierre et Gilles, John Pilson, Sebastián Preece,
Navin Rawanchaikul, Rosângela Rennó, Pedro Reyes, Robin Rhode,
Stephen G. Rhodes, Nadine Robinson, Clare E. Rojas, Kay Rosen, Malick
Sidibé, Amy Sillman, Nedko Solakov, Jackie Sumell with Herman Wallace,
Superflex, Fiona Tan, Pascale Marthine Tayou, Fred Tomaselli, Jannis
Varelas, Xavier Veilhan, Paul Villinski, Nari Ward, Xu Bing, and Haegue
Yang.
Info: U.S. Biennial, Inc. at (212) 680-5305;
mail@prospectneworleans.org.
www.prospectneworleans.org

40.approfondimenti Exibart.onpaper
this is not another biennial
Giunge quest'anno alla terza edizione il Festival d'arte contemporanea di Praga Tina B. Che rivela già nel nome
un intento battagliero, ma anche la volontà di lavorare sul campo in continuo rapporto con la città. Ne abbiamo
parlato con la direttrice Monika Burian. Che conferma: "Non sarà l'ennesima biennale"...
Mettere insieme public art,
scultura, performance, sound e
radio art, video, con partecipazioni
da tutto il mondo e giovani
curatori di varie nazionalità. Con
l'entusiasmo e la vitalità che si
trovano solo nelle capitali emergenti,
in cui l'energia dell'arte
contemporanea non è ancora
irreggimentata da convenzioni o
appiattita sul mercato. Ed è agevoledisporre
di luoghi
e ambientazioni
che
altrove
sarebbero
impossibili.
Ma anche
per distinguersi,
in un
luogo dove
una biennale viene già organizzata.
Come a dire che non c'è bisogno
di un'altra manifestazione di
questo tipo, ma di un lavoro
costante sul campo. È questo il
Tina B. Il progetto prevede due
paesi ospiti: il primo anno sono
stati Finlandia e Canada, l'anno
scorso Italia e Corea, quest'anno
toccherà a Inghilterra e
Giappone. Monika Burian, titolare
della Galleria Vernon - che il
pubblico italiano conosce per le
presenze ad Artefiera e
Artissima - ne è l'ideatrice.
Lei è una gallerista assai attiva,
con molti rapporti internazionali.
Da cosa nasce la volontà di
organizzare un festival nella
sua città?
La volontà nasce un po' dalla
necessità. Provo a spiegare
facendo un salto indietro... Nella
Repubblica Ceca agli inizi del
Novecento era presente un collezionismo
di livello con interessi
internazionali. All'epoca il direttore
della Galleria Nazionale era un
uomo dotato di un'intelligenza e
di uno spirito rivoluzionari. È grazie
a lui e alla sua stretta amicizia
con Kahnweiler a Parigi che, ad
esempio, proprio nella Galleria
Nazionale di Praga abbiamo uno
dei più celebri autoritratti di
Picasso del periodo cubista. Con
la tragedia della Seconda guerra
mondiale e l'avvento del comunismo
sono andati però progressivamente
persi i legami internazionali
con il mondo dell'arte contemporanea,
se si escludono i
pochi artisti underground come
Adreina Simotova e Stanislav
Kolibal, che erano fuggiti dal
paese e che all'estero avevano
trovato successo. In questi anni
la Galleria Nazionale non ha mai
avuto un programma interessante
di contemporaneo e dopo la
“rivoluzione di velluto” del 1989
c'erano molti giovani di talento
che meritavano di essere sostenuti.
Mancava la struttura con
gallerie forti e i giusti contatti
all'estero.
Non così diverso dall'Italia. E poi
cos’è successo?
Mi sono fatta coraggio e ho
cominciato a promuovere gli artisti
cechi internazionalmente. Ad
esempio alle fiere che, sono
diventate fondamentali per
sostenere il sistema di un paese.
Se hai un po' di fortuna, il meccanismo
comincia a funzionare,
anche se lentamente data la
grande concorrenza. Ora sto
cercando di essere presente alle
più importanti fiere internazionali,
ma è fondamentale che un
pubblico di collezionisti e interessati
venga proprio a Praga per il
festival.
“
Tina B vuol dire This Is Not
Another Biennial evocando allo
stesso tempo una misteriosa
donna che ci invita a Praga
Ma Praga non ha già una biennale?
Beh, sì. Praga ha una biennale,
che è nata dalla collaborazione
tra Flash Art e la Galleria
Nazionale. La Galleria Nazionale
organizzerà poi una Triennale, di
cui saranno curatori Daniel Balit e
Pascal Beasse, due dei critici che
hanno fatto la prima edizione del
nostro festival. Flash Art vuole
fare anche una biennale della fotografia...
Tina B vuol dire This Is Not
Another Biennial, evocando allo
stesso tempo una misteriosa
donna che ci invita a Praga. Il
nostro festival vuole opporsi alla
mania dei grandi eventi che si
rivolgono quasi esclusivamente
agli addetti ai lavori e spesso non
riescono a intercettare il pubblico
della città che li ospita.
In che modo?
Il nostro progetto si distingue per
essere radicato nella città e negli
spazi frequentati dalle persone
nella vita quotidiana, il che conferisce
al Tina B una sua specifica
identità. Molti degli eventi hanno
location come la metropolitana, il
info.
dal 25 settembre al 15 ottobre
Tina B. The Prague Contemporary
Art Festival 2008
Janovskeho 23 - Prague 7
Tel +42 0774155591
info@tina-b.com
www.tina-b.com
ponte di Carlo V, teatri come il
Laterna Magika o Narodni
Divadlo. Inoltre, abbiamo portato
avanti eventi di public art importanti,
come i billboard, la radio art
(abbiamo un accordo con la radio
nazionale), light art, spesso con
installazioni site specific e performance.
Avete anche un sezione dedicata
alla mobile video art…
Quest'idea è nata dal fatto che
uno dei nostri mecenati era in una
giuria di un concorso di video girati
con il telefonino. Abbiamo convinto
Samsung a darci quaranta
telefonini che abbiamo affidato ad
altrettanti artisti, che hanno realizzato
dei video bellissimi.
Curatrice del progetto è stata l'italiana
Francesca di Nardo, con la
quale continuiamo a collaborare.
in alto: Monika Burian
al centro: La performance
di Marcella
Vanzo nella metro di
Praga
in basso: Kurt
Gebauer - Heart in
lapidarium, 1997/2007
- dimensioni varie,
courtesy of the artist
Che tipo di risposte avete avuto
dalla città di Praga e dalle istituzioni?
Godiamo del patrocinio della città
DA NON PERDERE
di Praga, che ci concede però un
finanziamento modesto, mentre il
Ministero ancora ci snobba.
L'aspetto economico è fondamentale,
ma qui non è ancora avvertito
il prestigio che deriva dal promuovere
la cultura. Però il contesto si
dimostra sempre più interessato.
Per esempio, l'anno scorso abbiamo
avuto la visita del neo-direttore
dell'Istituto Italiano di Cultura, che
ha apprezzato il nostro lavoro e
che per questa edizione ha messo
gratuitamente a disposizione la
sede - un magnifico convento -, che
ospiterà una delle sezioni curate
dalla vostra collaboratrice Micaela
Giovannotti.
Ma non avete trovato altri sponsor
privati?
Abbiamo avuto delle piccole sponsorizzazioni
e ora finalmente
abbiamo degli ottimi contatti con
cui speriamo di concretizzare per
la prossima edizione. Non è facile
trovare dei partner, e praticamente
quasi tutto quello che guadagno
con la galleria va nel festival...
Ci sono altre gallerie che vi
sostengono?
Yvon Lambert ha creduto in noi
sin dall'inizio. Altre gallerie ci aiutano,
fornendo supporto tecnico o
pagando le trasferte degli artisti. È
una modalità di collaborazione
autentica, che apprezziamo molto.
L'edizione 2007 si è svolta in
una location da favola, impensabili
per paesi come l'Italia a
causa della burocrazia e la lentezza
delle autorizzazioni. Come
fate a ottenere luoghi così suggestivi?
C'è molto lavoro dietro. Non è facile
convincere i responsabili delle
istituzioni, ma troviamo sempre
meno diffidenza e siamo riusciti
ad avere gratuitamente spazi davvero
molto suggestivi. Considero
un segno distintivo di Tina B avere
spazi non abituali per le mostre e,
possibilmente, ogni volta diversi.
Il 2008 segna i quarant'anni
dalla famosa Primavera. Il tema
della prossima edizione sarà
politico?
Sarà politico ma non solo. Una
sezione sarà intitolata Forma off
engagement. In Repubblica Ceca
è molto più sentito il 2009, che
segna i vent'anni dalla “rivoluzione
di velluto”.
[a cura di daniele capra]
Al festival, che si svolge nei luoghi e nelle strade di Praga tra il 25 settembre
ed il 15 ottobre, partecipano un centinaio di artisti, divisi in sette sezioni.
Le giornate tra il 9 ed il 13 ottobre ospiteranno il progetto speciale dedicato
alle performance. Queste le mostre e gli eventi più rilevanti.
Videocracy, curata da Micaela Giovannotti, che indaga le dinamiche di diffusione
delle immagini in un'epoca in cui l'effettiva democrazia visiva è ad un
passo dalla dittatura dello spettatore. Tra gli artisti Tamy Ben-Tor, Adrian
Paci, Stefano Cagol, Regina Jose Galindo, Domenico Mangano.
Darkness is Noon, curata da Rosanna Musumeci, un'analisi di alcuni dei più
interessanti artisti che utilizzano il medium della luce, tra cui Carlo
Bernardini e Florian Grand.
We destroy we regenerate, curata da Yukiko Ito, progetto speciale dedicato
a giovani artisti del Sol Levante che utilizzano video ed installazione, con
particolare riferimento ai temi di natura politica.
Tina B on the road, che si sviluppa a macchia di leopardo nella città. Tra gli
invitati Kensuke Koike, Coniglio Viola, Erika Latini, Daniel Gonzalez e Stefano
Cagol, che interverrà con un'installazione luminosa sulla città.

Exibart.onpaper approfondimenti.41
living tel aviv
Un ménage à trois con Atene ed Istanbul, e una città che sceglie l'arte contemporanea per festeggiare il proprio
centenario. Nasce nel principale centro economico di Israele ART TLV. Obiettivo? Entrare nell'immaginario del
mondo dell'arte contemporanea. Come spiega il curatore Andrew Renton…
Due galleristi, il presidente di
Sotheby's Israele e il direttore di
una no-profit dedicata alla promozione
dell'arte israeliana si mettono
insieme e tracciano le linee di
contorno di una mostra, che aprirà
i battenti dal 24 settembre al
24 ottobre e che si presenta
come fase embrionale di un’ennesima
biennale in piena regola, con
grandi ambizioni. Nella lista dei
partecipanti, Yael Bartana,
Rosemarie Trockel in coppia con
Thea Djordjadze, Sarah Lucas,
Keren Cytter, Martin Boyce e
Adrian Paci. Il curatore Andrew
Renton, direttore di dipartimento
al Goldsmiths di Londra, non ama
fare troppo battage attorno ai
nomi - Documenta style, lo chiama
- e a dirla tutta non è stato
fatto troppo caos nemmeno in
merito all'evento, che ha scelto
una comunicazione in sordina,
discreta a livello internazionale.
Grande attenzione è stata invece
data al coinvolgimento di creativi,
spazi espositivi e gallerie sul territorio,
mobilitati in massa per la
grande occasione.
"Alcuni mesi fa", racconta Gilit
Fisher, artista e gallerista di Tel
Aviv, "Irit Sommer e Rebeca
Saker hanno organizzato un meeting
con i rappresentanti delle gallerie
del territorio. Ogni galleria ha
avuto l'opportunità di proporre a
Renton tre artisti per la sua
mostra, non solo israeliani naturalmente.
Art TLV inoltre apre al
pubblico in sintonia con l'inizio
della nuova stagione dell'arte contemporanea.
Tutti noi inaugureremo
mostre e saranno presentati
anche nuovi spazi. Ci aspettiamo
che questo evento riesca ad
attrarre energie, talenti e professionisti
non solo da Israele, ma da
tutto il mondo!".
E l'organizzazione, dato il programma,
sembra avere gli stessi
obiettivi di Gilit. Cinque sono gli
appuntamenti in cantiere: la
mostra principale,
Open Plan Living, che si
snoda tra l'Helena
Rubistein Pavillion e il
Yacob Garden. Ci
saranno i simposi, cui
prenderanno parte i
curatori Alma Ruiz,
Bernard Blistene, Ami
Barak, Andrew Renton
e gli artisti invitati.
Seguiranno Artists
curate Artists, una rassegna
di installazioni
site specific curate
dagli artisti che rivisiteranno quattro
edifici degli anni '20, un'apertura
straordinaria (notturna) delle
gallerie di Nahalat Benyamin
street, con performances sulla
spiaggia e infine Rothschild69, la
nuova Bau-Haus Kunsthalle, dove
succede di tutto e di più tra screening
e seminari. Il tutto, nello
splendido scenario modernista,
riconosciuto dall'UNESCO come
patrimonio dell'umanità, che
vedrà nel 2009 una grande
mostra, dislocata in tre stati differenti,
per il centenario della città,
in collaborazione con la Biennale
di Istanbul e la Biennale di Atene.
Ne abbiamo parlato con Andrew
Renton, il curatore.
Come nasce Art TLV?
Art TLV è un segnale tangibile
della vitalità di Tel Aviv. La scena
cittadina dell'arte contemporanea
è molto ricca, inoltre l'arte
israeliana sta avendo grandi
riconoscimenti. Ho vissuto e
lavorato a Tel Aviv per oltre quindici
anni e credo che sia un
posto incredibile. Chiunque la
visiti ha quest'impressione.
Insomma, credo che sia il
momento giusto per un progetto
di tale portata. I suoi ispiratori
sono quattro persone straordinarie:
la gallerista Irit Sommer
(Sommer Gallery), Shifra Shalit
Intrator (Dvir gallery), Rivka
Saker, presidente della
Sotheby's israeliana e fondatore di
Artis, una no profit finalizzata a
promuovere l'arte israeliana all'estero,
e Yehoudit Shapira Haviv,
che di Artis è direttore. Tutto nacque
tre anni fa.
Malauguratamente però dovemmo
interrompere la progettazione
dell'evento a causa della guerra in
Libano. Le cose in Israele possono
cambiare in un giorno, in un'ora,
l'indomani.
“
Se sei un artista, o un
curatore, non puoi non essere
politicizzato. L'ambiguità che
emerge dalla situazione politica
di Israele colpisce chiunque. Io
ho scelto di toccare le cose con
mano e di guardarle da dentro
Si può pensare ad Art TLV come
allo startup di una nuova biennale?
In un programma internazionale
espositivo così denso di
occasioni, che si distinguono le
une dalle altre per concept curatoriale,
specificità del territorio
in cui si svolgono, progetti presentati
dagli artisti, quali sono le
caratteristiche che faranno di
Art TLV un evento unico al
mondo, come dichiarato dal lancio
pubblicitario?
Sono un po' refrattario all'idea di
creare un'ennesima biennale,
come tutti. Molti anni fa, mentre
lavoravo alla prima edizione di
Manifesta (Rotterdam), avanzam-
mo l'idea di smantellare la biennale
prima che iniziasse e di destinare
il budget alla fondazione di un
nuovo spazio espositivo...
Comunque devo riconoscere che
progetti di questa portata danno
la possibilità alle persone di mettersi
in gioco. Si possono fare
parecchie cose in una cornice
come questa. La speranza è che
Art TLV non sia un fulmine a ciel
sereno. Ci sarà, intanto, una grande
mostra nel 2009 che celebrerà
il centenario di Tel Aviv,
in cui sarò coinvolto.
Quindi, penso che Art TLV
comincerà a configurarsi
sempre più come una
biennale e come attrattore
di talenti artistici, che
speriamo possano pensare
a Tel Aviv come luogo in
cui concepire e sviluppare
progetti, anche al di fuori
dell'occasione espositiva
del 2008 e che potrebbero
ritornare nel 2009.
A questo punto, qualche anteprima.
Art TLV è sottotitolata Open Plan
Living. In Inghilterra questo termine
è un cliché molto borghese, ma
in Israele assume una connotazione
differente. In questo caso, infat-
Art TLV: Open Plan Living
ti, si riferisce alla persistenza di
una vecchia ideologia socialista,
lontana dalle idee di capitale e tecnologia,
che si rispecchia nei kibbutz.
Inoltre, richiama l'immagine
architettonica di Tel Aviv, città
modernista per eccellenza: vi si
possono contare più di cinquemila
edifici esemplari a livello internazionale.
Inoltre, la definizione Open
Plan Living trova il suo doppio
nell'Helena Rubistein Pavillion,
sede del progetto, dove Art TLV si
intersecherà con una moltitudine
di stili e strategie differenti. Il padiglione
ospiterà per due terzi artisti
internazionali, i restanti saranno
invece di Israele. Infine, stiamo
convertendo un parco modernista
(Yacob Garden), adiacente al
museo, in una serie di "stanze all'aria
aperta", in cui esporremo
video. Successivamente il progetto
si estenderà ad una serie di
affascinanti edifici abbandonati,
che abbiamo riportato in vita per
Art TLV. Questa fase è in collaborazione
con artisti del territorio:
artisti che cureranno altri artisti.
Adoro questa idea e mi piace da
morire il fatto di non avere l'intero
controllo del progetto. Certo è
importante che la mostra abbia
un respiro internazionale, ma non
dobbiamo limitarci agli artisti ed
dal 24 settembre al 24 ottobre 2008
a cura di Andrew Renton
artisti partecipanti: Lea Avita, Shai Azoulay, Yael Bartana, Martin Boyce,
Agnieszka Brzezanska, Abraham Cruzvillegas, Aaron Curry, Keren Cytter, Matias
Faldbakken, Urs Fischer, Wade Guyton / Kelley Walker, Diango Hernandes,
Gabriel Kuri, Dana Levy, Sarah Lucas, Manal Mahamid, Jacob Mishori. João
Onofre, Adrian Paci, Mika Rottenberg, Gedi Sibony, Daniel Silver, Monika
Sosnowska, Ulrich Strothjohann, Mark Titchner, Kathy Temin, Rosemarie Trockel
& Thea Djordjadze, Armando Andrade Tudela, Jennifer West.
estendere questo obiettivo agli
spettatori. L'arte, a Tel Aviv, ha un
aspetto diverso. Sappiamo, inoltre,
che un nuovo contesto crea nuovi
messaggi. Cosa può essere più stimolante
di una città come Tel
Aviv?
Certo... ma il territorio come ha
reagito? Contrasti?
Abbiamo avuto tanto sostegno,
ma anche parecchie resistenze. In
linea di massima le istituzioni sono
con noi. Il Tel Aviv Museum ci ha
dato uno dei suoi edifici chiave,
l'Israel Museum sta realizzando il
suo primo progetto fuori dalle
mura di Gerusalemme, con nostro
gran compiacimento. La riservatezza
in merito ad alcune nostre
scelte ha invece generato qualche
resistenza (la lista dei partecipanti
è stata deliberata solo a pochi
giorni dall'inaugurazione, ndr). Ma
credo che d'ora in poi tutto sarà
più semplice e chiaro!
Lo scorso agosto la Biennale di
Gwuangju, diretta da Okwui
Enwezor, ha inaugurato il progetto
del Global Institute.
Seminari, workshop, relazioni
tenute da artisti e critici hanno
analizzato il concetto di dissenso
politico come nuova forma di
rappresentazione. Israele sta
certo vivendo momenti complicati,
di cui forse Tel Aviv, con la
sua vitalità e la sua creatività,
non soffre se non indirettamente.
La domanda è: Art TLV sarà
una mostra a sfondo politico?
Cosa ne pensa di questa estetica
della protesta strettamente
connessa a tematiche sociali ed
economiche, proposta dal
Global Institute di Enwezor?
Se sei un artista, se sei un curatore,
non puoi non essere politicizzato.
L'ambiguità che emerge
dalla situazione politica di Israele
colpisce davvero chiunque. Filtra
dappertutto, anche nella cultura
e nella vita quotidiana. Io ho scelto
di toccare le cose con mano e
di guardarle da dentro. Bisogna
fare le scelte per se stessi sulla
base di esperienze quotidiane.
Stavo pensando a questo l'altra
sera, mentre facevo shopping a
Londra, presso Marks and
Spencer: davanti al supermarket
era in corso una protesta contro
Israele. Ad ogni modo, una
mostra che si svolge in Israele,
anche se non parla direttamente
di Israele, riguarda comunque
Israele. In fondo, non esistono
territori neutrali.
Quali risultati vi aspettate?
La cosa più importante è garantire
ad Art TLV la continuità. Se
Art TLV diventerà un appuntamento
fisso, allora vuol dire che
ce l'abbiamo fatta. Il nostro obiettivo
è posizionare progressivamente
Art TLV come appuntamento
essenziale dell'agenda
internazionale dell'arte contemporanea,
creando collegamenti
con altre iniziative simili, quali
Istanbul e Atene. Ridisegnando,
insomma, la mappa dell'arte nel
Medio Oriente!
[santa nastro]

42.approfondimenti Exibart.onpaper
biobob
Ancora un'anteprima editoriale per i lettori di Exibart. Questa volta è la prefazione di Calvin Tomkins alla sua
biografia di Robert Rauschenberg. La pubblica in Italia Johan & Levi. L'editore milanese prosegue così un
ideale ciclo che finora comprende la biografia di de Kooning e "Americani per sempre"...
Alla fine degli anni Cinquanta,
quando cominciavo appena ad
avvicinarmi all'arte contemporanea,
rimasi di sasso di fronte a
un dipinto esposto al Museum of
Modern Art. Faceva parte di una
mostra intitolata Sixteen
Americans e l'artista, il cui nome
suonava vagamente familiare
ma di cui non avevo mai visto le
opere, era Robert
Rauschenberg. Double Feature -
così si chiamava il dipinto - era
coperto da diversi strati apparentemente
slegati di colore
steso in maniera disordinata, in
parte applicato con la tecnica del
dripping tipica
dell'Espressionismo Astratto,
abbinati a una serie di insoliti elementi
a collage: fotografie prese
da riviste, lettere stampinate, un
segmento di un ombrello appiattito,
parte di una camicia da
uomo con tanto di taschino,
oggetti che mantenevano forti
tracce della loro precedente esistenza
nel mondo reale, pur
riuscendo a sembrare perfettamente
a proprio agio nell'opera.
Guardandomi intorno per essere
certo che nessuno mi stesse
osservando, tirai fuori un quarto
di dollaro dalla mia tasca e lo infilai
in quella della camicia nel
dipinto. Era un gesto sciocco, ma
dopo averlo fatto mi sentii bene.
Avevo creato un legame con
qualcosa che, per ragioni che
non sospettavo neppure, avrebbe
acquistato nella mia vita
un'importanza sempre maggiore.
Secondo Marcel Duchamp
l'atto creativo è bipolare poiché
necessita non solo dell'artista
che lo mette in moto ma anche
dell'osservatore che lo interpreta
e così facendo lo completa. In
quello spirito, negli ultimi quarant'anni
ho avuto l'ambizione di
occuparmi di arte contemporanea
non come critico o giudice
ma come partecipante.
Ho scritto molto su
Rauschenberg, a cominciare da
un profilo apparso su New
Yorker nel 1964. Da
allora siamo rimasti
in contatto e io sono
andato a tutte le sue
mostre newyorkesi.
Man mano che la
mia attrazione iniziale
per le sue opere
lasciava il posto alla
convinzione che
fosse uno degli artisti
più innovativi e significativi
della sua generazione,
mi è sembrato
naturale fare di
lui il fulcro di questo
libro, in cui si parla
dei cambiamenti
radicali che hanno
reso l'arte visiva una
forza così potente
nel mondo. Il libro è
stato pubblicato nel
1980, quattro anni
dopo che un'enorme
retrospettiva, presentata
in cinque
importanti musei statunitensi,
aveva innalzato
Rauschenberg
ai vertici dell'arte e
sopra: Rauschenberg si esibisce in
Elgin Tie al Moderna Museet di
Stoccolma, 13 settembre 1964 -
photo Stig T. Karlsson
a sinistra: La copertina del volume
edito da Johan & Levi
del successo. Ci sarebbero
sempre stati critici
secondo cui
Rauschenberg era troppo
proteiforme, troppo
sperimentale o troppo
sfacciato per essere
preso sul serio, ma già in
quel periodo la maggior
parte dei detrattori era
passata dalla sua parte.
La retrospettiva del
1976, come scrisse
Benjamin Forgery su
"ArtNews", ha reso evidente
che l'opera di
Rauschenberg "abbraccia
una gamma di esperienze
umane che nessun
altro artista del nostro
tempo ha osato affrontare".
IL SOGGETTO...
...E L'OGGETTO
Calvin Tomkins - Robert
Rauschenberg. Un ritratto
Johan & Levi, Milano 2008
Pagg. 304, 29 euro
info.
Dopo di ciò, naturalmente, è
diventato di moda liquidare
Rauschenberg come un artista
finito. Questo genere di cose
accade spesso, e non soltanto in
America. C'è stato un periodo in
cui si diceva che Picasso non
aveva prodotto nulla di interessante
dopo il 1935; ora si affermava
che Rauschenberg aveva
perso incisività a metà degli anni
Sessanta. Lui, ovviamente, ha
continuato a lavorare producendo
nei suoi vari atelier dipinti, sculture,
stampe e disegni in quantità
persino eccessiva. L'utopistico
progetto di collaborazione chiamato
Rauschenberg Overseas
Cultural Interchange (Roci) ha
portato l'artista e le sue opere in
dieci Paesi diversi al servizio della
cooperazione e della pace mondiale.
La critica ufficiale ha largamente
ignorato l'iniziativa e prestato
scarsa attenzione ai successivi
lavori di Rauschenberg. Gli
artisti più giovani che si affermavano
in un mondo dell'arte di cui
lui aveva sfidato e significativamente
alterato i presupposti
basilari erano all'oscuro della sua
influenza. Quel genere di miopia
non poteva durare. Un'altra
colossale retrospettiva, tenutasi
al Guggenheim Museum nel
1997, ha fatto apparire gracili al
confronto i talenti artistici più
recenti. Da allora i giovani artisti
non hanno smesso di riscoprire
Rauschenberg e la sua stella è
tornata a risplendere.
Mi piace pensare che questa edizione
riveduta e aggiornata di
Rauschenberg possa avvicinare
nuovi lettori all'artista che più di
ogni altro nell'ultimo mezzo secolo
ha mirato a un'arte cumulativa,
l'incontenibile innovatore che una
volta disse, nel suo generoso stile
americano, di voler creare una
situazione "in cui ci sia tanto spazio
per l'osservatore quanto per
l'artista".
[calvin tomkins]
Classe 1925 e originario del New Jersey, Calvin Tomkins è noto soprattutto in
quanto critico del New Yorker. La biografia di Rauschenberg (1980, 2005)
non è isolata nel suo curriculum: Tomkins ha infatto scritto anche quella di
Duchamp (1996) e del Metropolitan di New York (Merchants and
Masterpieces, 1970), mentre per la fine di ottobre è annunciato Lives of the
Artists. Il suo libro più noto è Living Well is the Best Revenge (1971), indagine
sulla coppia formata da Gerald e Sara Murphy e sulla comunità di espatriati in
Francia nel periodo fra le due guerre mondiali. In italiano è stato tradotto soltanto
Vite d'avanguardia (Costa & Nolan, 1983), con ritratti di John Cage, Leo
Castelli, Christo, Merce Cunnigham, Philip Johnson e Andy Warhol. [m.e.g.]
Medesima classe ma origini texane, Robert Rauschenberg è morto in Florida
lo scorso maggio, chiudendo quasi definitivamente il Novecento artistico.
Impossibile ricordare tutte le tappe della sua carriera, alla quale Exibart ha
dedicato più di un approfondimento. Basti citare il Premio come miglior artista
straniero alla Biennale di Venezia del 1964, quella della consacrazione dell'arte
statunitense in e sull'Europa. E almeno un'opera, che gli riserva un posto d'onore
nella storia dell'arte: Erased de Kooning drawing del 1963. L'ultima retrospettiva
museale in Italia risale al 2004, al ferrarese Palazzo dei Diamanti.

46.approfondimenti Exibart.onpaper
riprendere berlino
"Povera ma sexy", secondo l'ormai celebre definizione del sindaco Klaus Wowereit. Dopo un periodo di stanca, Berlino
torna ad attrarre artisti da mezz'Europa. E si conferma una città frizzante, che sa celare i propri difetti, la lentezza nei
lavori pubblici über alles, con una vivacità per nulla aderente allo stereotipo nordico. Specie quando ci s'inoltra underground...
Per intraprendere un breve
tour nelle lande della urban culture
si può iniziare prenotando un
mini-appartamento al Lux 11,
design hotel firmato dagli architetti
Claudio Silvestrin (quello della
Fondazione Sandretto e dei negozi
di Armani, per intenderci) &
Giuliana Salmaso. Così sarete già
in pieno Mitte.
Nel quartiere che ospita gallerie
come Eigen+Art e istituzioni
come i KunstWerke - promotori
della Biennale locale - hanno lo
studio Fabio La Fauci e Daniele
Sigalot, ai quali abbiamo chiesto
di supportarci in questo itinerario
ideale alla scoperta della street
art più o meno propriamente
detta. Perché loro in effetti nascono
in pubblicità, in forza prima a
Saatchi & Saatchi e poi in Grey. È
così che vedono la luce Blue&Joy:
"La colpa è di Pillitteri! La sede
milanese di Grey era nella sua ex
casa. Ed è lì che sono nati, in un
momento deprimente dal punto di
vista professionale, metereologico
e sentimentale. Questa sinergia
di sfighe ha creato il primo
disegno di due pupazzi socialisti".
Una prima fase ai "margini" del
mondo dell'arte, tra adv, fumetti e
web. Tanto che la prima mostra, a
Barcellona nel 2005, è allestita in
un negozio di abbigliamento.
La scena è quella di un pop-underground
che non ha nulla a che
fare con certo velleitarismo e che
non disdegna contatti con brand
come Diesel. Anzi, la prima apparizione
in grande Blue&Joy la
fanno proprio sul Diesel Wall milanese,
nel 2007. "Non veniamo
dalla strada - anche se Fabio da
ragazzo faceva graffiti - ma spesso
è nato quest'equivoco.
“
E Berlino? Resta
una vetrina affascinante
Blue&Joy nascono come un
fumetto e poi sono finiti in strada!".
Così, anche se i due pupazzi
si ritrovano sulle pagine di libri di
street art, il punto è che "non c'è
più un confine tra animazione,
arte, architettura, design, moda,
oggettistica...". Risultato: parlare
di "purezza" diventa sempre più
un discorso privo di fondamenta.
Il tour inizia dal Mitte: "Qui c'è una
specie di centro sociale di sei
piani, il Tacheles. È una
Kunsthaus, un posto dove gli artisti
vivono e lavorano, con due piani
dedicati alle mostre. Un posto da
visitare assolutamente!". E poi ci
sono almeno due gallerie legate
alla scena urban, Circle Culture e
ATM: "Con la prima siamo in contatto,
forse faremo una mostra
nel 2009. E poi c'è MK: stiamo
corteggiando il direttore, gli mandiamo
i fiori!". La Merry
Karnowsky Gallery è una delle
migliori gallerie del circondario,
con una seconda sede a Los
Angeles. E un paio di mesi fa ha
proposto una mostra di Miss Van
e Victor Castillo.
Poco lontano c'erano un paio graffiti
di Bansky, rimossi e pare
"ceduti" a un collezionista privato.
Ma sui muri restano giganteschi
e anomali murales: "Hanno sponsor
come Nike e Nokia", sottolineano
Blue&Joy. "Sono lavori permanenti,
pittorici, come le pubblicità
della Coca Cola negli anni
'50". Niente di più spurio. "Qui il linguaggio
è più libero, libero dalla
street art classica. Forse perché
qui la storia del graffitismo è differente".
Se occorresse ricordarlo,
fino a un paio di decenni fa un
muro divideva la città e, almeno
da un lato, era ricoperto di colore:
"Però è tenuto malissimo. È tutto
un 'Maria ti amo'".
Spostandosi in area anatolica, nel
radical-chic Kreuzberg, le tracce
di street culture si raccolgono
intorno a Intoxicated Demons,
uno spazio multiforme che è galleria,
libreria, gadget-shop. Ma nel
quartiere "c'è soprattutto un lavo-
ro pazzesco di
Blu", il fotografatissimo
Backjump, "e
altre cose
sempre di Blu
al ponte di
Warschauerstrasse,
vicino
a un altro bellissimomurales
della Nike".
Così facendo
siamo giunti
sull'altra sponda
della Sprea,
direzione
Friedrichshain,
dove, al centro
culturale Friedrichshoehe, in estate
si è tenuta la prima edizione del
festival Urban Affairs. Italiani: missing.
Quanto all'editoria, nella capitale
BLUE&JOY IN PARETE
tedesca ha sede Die Gestalten
Verlag, un must nel capo della
grafica e dell'illustrazione. Per
intenderci nuovamente, quelli che
pubblicano i libri della Black
Tripletta di mostre per i due pupazzi di pezza neo-berlinesi. Si comincia
allo Spazio Tindaci di Padova (dal 17 settembre al 27 ottobre), segue
la tappa svizzera a La Galleria di Lugano (dal 27 settembre al 25 ottobre),
per finire a Milano presso Borgonuovo Eventi (dal 28 novembre al
4 dicembre). I titoli? Cinici come sempre: Un fiasco dopo l'altro, Mi
dispiace non può entrare e Greatest Failures.
Market Gallery. "Loro sono i più,
e basta", si infervorano Blue&Joy.
"Con Tactile sono tornati alla semplicità,
senza vettori e 3d. Loro
prevedono e indicano la direzione.
Anche per i vettori è stata colpa
loro! Ma poi il discorso si è inflazionato,
com'è capitato anche per le
pubblicazioni di street art".
Torniamo così all'arte di strada e
ai due pupazzi. Che alla mostra
del Pac di Milano sono arrivati, ça
va sans dire, in extremis e come
outsider: c'erano, ma sul catalogo
non si vedono.
in alto e a sinistra: Lo studio berlinese
di Fabio La Fauci e Daniele
Sigalot - photo Mario Teli
in basso a sinistra: Un gigantesco
murales di Blu nella capitale tedesca
- photo bakenek0 @ flickr
in basso a destra: Miss Van a
Berlino - photo the bag in the bag
@ flickr
E Berlino? Resta una vetrina affascinante.
Perché è più semplice
mettersi in mostra dove i costi in
generale, e degli immobili in particolare,
sono ridotti. Ma il mercato
stenta a decollare e le gallerie
apri-e-chiudi proliferano. A chi però
ha come obiettivo la flânerie, tutto
ciò interessa relativamente.
Se vi apprestate
a fare una capatina
in Germania, oltre a
seguire i consigli di
Blue&Joy potete
armarvi di un paio d'altri
spunti: Urban
Illustration Berlin, la
street art cityguide di
Benjamin Wolbergs,
con tanto di mappa,
edita dalla californianamburghese
Gingko
Press; e Berlin Street
Art 2 di Sven
Zimmermann, stampato
da Prestel, dove
troverete pure una
messe di utilissimi link.
Troppa luce? Potete
tornare sottoterra,
magari facendovi ospitare
nel bunker di
Tobias Rehberger e
Olafur Eliasson, oppure
visitando quello che il pubblicitario
Boros ha trasformato nella
sede della propria collezione.
Per chiudere in bellezza e ricercatezza,
non fatevi mancare l'hamburger
del White Trash Fast Food,
arredato come un ristorante cinese
qual era, e la conclusione in un
club. Non il solito Tresor, ma quell'altro
- sottoterra, va da sé - che
apre un giorno al mese e dove
suonano dj del calibro di Thomas
Brinkmann. Chiedete in giro...
[m. e. g.]

48.nuovi spazi Exibart.onpaper
ALI roma
Un centro di formazione. Uno spazio per la performing-art. Una galleria espositiva per grandi progetti d'arte contemporanea internazionale. Il tutto dove? Ma in una grotta,
naturalmente. Nei pressi del Colosseo. Scopriamo cos'è ALI...
Cosa è Ali?
A.L.I. è l'acronimo di Arts Learning
Institute, dunque nasce dalla volontà di
creare nel territorio romano un
nuovo centro per le arti e l'apprendimento.
A.L.I. è un progetto che si
occupa di arte e cultura a trecentosessanta
gradi: dal sostegno della
giovane arte internazionale al design
di ricerca e alla musica; dall'organizzazione
di mostre temporanee, concerti
e incontri con gli artisti alla realizzazione
di corsi di alta formazione
professionale sull'uso delle nuove
tecnologie digitali in ambito artistico;
dalla produzione e post-produzione
video alla progettazione 3d.
Chi siete?
A.L.I. è un'iniziativa privata maturata
dallo sforzo e dalla dedizione di due
professionisti della cultura: Caterina
Tomeo - storica dell'arte, Masters in
Isabella Tupone. Chi sei?
Mi sono laureata in Lingue e Letterature
Straniere nel 2006 con una tesi su Bernard-
Henri Lévy. Durante gli anni di studio universitario
ho anche frequentato la Scuola Civica di Cinema,
focalizzandomi in particolare su pre-produzione e
sceneggiatura. Poco dopo la laurea ho fatto un'esperienza
nel campo del marketing e della comunicazione
in Barclays Bank. Grazie a questa esperienza
ho avuto la possibilità di apprendere sul
campo tecniche comunicative specifiche per il
mantenimento dei rapporti con la clientela.
Business Administration, specializzata
in Economia e Gestione dei beni
culturali, ha lavorato presso enti pubblici
e privati come project manager,
ha insegnato e diretto corsi di Alta
Formazione della Regione Lazio -, e
Gianluca Graziadio, storico del cinema
e del teatro, ha lavorato come
videomaker in produzioni cine-televisive
in Italia e all'estero.
Un cenno sulle vostre attività.
Training e esposizioni. In che modo?
info.
Via di San Giovanni in Laterano, 228
Tel 06 70040907
info@ali-rome.com
www.ali-rome.com
da ottobre Tomas Saraceno a cura
di Dobrila Denegri
In famiglia già esisteva un'importante galleria
d'arte, AR.CO.IT...
Ho da sempre avuto passione ed interesse nell'attività
materna. Durante gli studi ho partecipato
all'attività di AR.CO.IT, occupandomi della creazione
dei cataloghi e collaborando sul fronte della
comunicazione con i clienti; la passione familiare
si è tradotta oggi in vera attività lavorativa anche
per me. AREA B nasce da questa passione.
Area B è una galleria sui generis, ce ne parli?
AREA B nasce in effetti "in seno" ad una realtà già
esistente, quella di AR.CO.IT, che opera con successo
nel campo dell'arte contemporanea da molti
anni. Questa "affiliazione" è e sarà una grande risorsa,
AREA B beneficia infatti di una struttura organizzativa
ed operativa preesistente che riveste un
ruolo chiave in questa fase di nascita della nuova
attività. Inoltre, gli spazi messi a disposizione da
A.L.I. è uno spazio
polifunzionale,
un'architettura virtuale
all'interno
della quale si svolgono
molteplici attività
culturali. A.L.I.
ha aperto nel maggio
2008 concentrandosi
sul training
attraverso l'ideazione di due corsi in
progettazione 3d e quattro corsi di
specializzazione in web design, professioni
editoriali, regia televisiva e
cinematografica, video editing e compositing,
ammessi al catalogo interregionale
dell'Alta Formazione. Lo
spazio espositivo viene inaugurato a
settembre con l'esibizione di un
nuovo quartetto, Faces, formato da
esponenti di primo piano della scena
internazionale della musica di ricerca
al confine e al di là di generi consoli-
dati; ad ottobre con
la personale di
Tomas Saraceno,
primo ospite del
p r o g e t t o
Multiverse.
Directions for the
world, a cura di
Dobrila Denegri:
una serie di mostre,
performance, conferenze che vertono
sui temi della molteplicità e universalità
nel campo della creatività.
Il vostro spazio espositivo si configurerà
come una 'normale' galleria?
Farete mercato, fiere e quant'altro?
Su che tipo di clientela punterete?
A.L.I. non vuole avere restrizioni, non
è legata al rapporto commerciale tra
gallerista e artista. L'obiettivo precipuo
è premiare la ricerca e la speri-
AR.CO.IT in via Cesare Balbo offrono una location
sobria, accogliente ed inusuale per una galleria,
ricordando le familiari atmosfere di un appartamento
cittadino, diventato maison d'art.
Vi siete riferiti ad una tipologia di spazio espositivo
già presente altrove? A chi?
Proprio a causa dell'immensa varietà di tipologie di
spazi espositivi, non abbiamo sentito la necessità di
riferirci a nessuno di questi. La nostra struttura
vive ormai da tanti anni di una "vita propria", è fortemente
caratterizzata da scelte architettoniche particolari,
che le permettono di rifarsi solo a se stessa.
L'ambiente è studiato per dare risalto alle opere
esposte, il parquet chiaro dei pavimenti ed il rame
scelto per alcuni dettagli riflettono la luce e contribuiscono
ad illuminare le pareti candide e geometricamente
cadenzate da nicchie che si alternano a
grandi spazi. Il fatto che la galleria si trovi al primo
mentazione, sostenere i giovani artisti
emergenti fornendo loro i fondi e
gli strumenti necessari per trasformare
le idee in esperienze concrete
e ricche di significato. Il mercato?
Forse.
Un cenno ai vostri locali. Di che
tipologia di ambiente disponete per
le esposizioni?
Il locale è atipico, un’ex grotta nelle
vicinanze del Colosseo con tre
ambienti sfruttati al massimo per
poter creare le diverse postazioni di
lavoro e svolgere le differenti attività,
tra cui quella espositiva. Lo spazio
dedicato alle mostre è caratterizzato
dalla luce proveniente dalle tre grandi
finestre - che ha affascinato anche
Tomas Saraceno - e dal contrasto
tra i soffitti voltati a crociera, il bianco
assoluto delle pareti e il pavimento
in legno vintage, effetto optical.
VOGHERA11 milano
A metà strada tra il loft tipico milanese ed il workshop culturale in nome della contaminazione. Non poteva essere altrimenti per una galleria che si occupa d'arte contemporanea,
ma che nasce in una zona a altissima vocazione design&fashion...
Da quale tipo di pulsione commerciale
e culturale nasce l'esperienza
di Voghera11?
Voghera11, nel cuore di Zona
Tortona, si propone come
luogo di identificazione, promozione
e visibilità di giovani artisti.
Luogo sperimentale e catalizzatore
di differenti discipline
che colgono nel nuovo spazio
una ragione di contaminazione. La galleria è stata
interpretata come loft ed è vissuta come workshop
e spazio espositivo.
Chi siete?
Il team è composto da architetti e designers che,
dopo aver intrapreso significative esperienze nell'ambito
della progettazione, uniti dal comune interesse
per l'arte e la ricerca contemporanea,
Valeria De Simoni.
Presentati! Qual è il tuo
background professionale.
Da dove vieni, da
che tipo di studi, di esperienze?
Laureata in
Conservazioni dei Beni
Culturali, dopo gli esordi
professionali nel 2004
presso l'ufficio stampa di
Palazzo Ducale Spa,
quando Genova era
Capitale Europea della
Cultura, e la collaborazione con
Germano Celant in occasione della
grande mostra Arti&Architettura
1900/2000, ho lavorato per tre anni
con Luca Beatrice come assistente
curatore, immergendomi completa-
Via Cesare Balbo, 3
Paolo de Biasi dal 14 ottobre
info.
mente nel mondo dell'arte
contemporanea. La
passione per l'arte, cresciuta
negli anni e alimentata
dal contatto diretto
con gli artisti e con gli
"addetti ai lavori", è così
sfociata nel progetto
DAC.
Quale sarà la mission
della galleria? Giovani
italiani o cos'altro?
L'attività della galleria sarà
incentrata sulla promozione di giovani
artisti italiani e stranieri, privilegiando
la presentazione di progetti individuali
studiati ad hoc per lo spazio espositivo.
Tra i generi proposti: fotografia, disegno,
pittura e video.
hanno deciso di intraprendere
una nuova sfida. In questo contesto
nasce l'idea di creare un
nuovo concept di galleria, sperimentale
e più flessibile alle
nuove esigenze culturali e di
mercato.
La zona dove andrete ad aprire
è stata fino ad oggi quasi
solo destinata al design. Magari alla moda. Cosa
vi fa pensare che si aprirà anche come polo di
arte contemporanea? Il cantiere della Città della
Cultura all'ex Ansaldo fa ben sperare?
Non solo! Ci sembra che il successo riscontrato
dal (con)TemporaryArt, che si propone con frequenza
semestrale, tenda ad identificare questa
zona tra via Tortona e via Savona come evento
principale non solo del fuori-Miart ma anche
DAC genova
DAC come De Simoni Arte Contemporanea. De Simoni è lei, Valeria. Gavetta all'ufficio stampa del genovese Palazzo Ducale, un percorso professionale assieme a Luca
Beatrice e ora questo nuovo progetto. Dedicato alla giovane arte italiana e non solo...
Inaugurate nell'ambito di start, l'apertura
autunnale collettiva di tutte
le gallerie della Superba. Quali sono i
rapporti con i colleghi?
I galleristi genovesi si sono dimostrati
estremamente disponibili. Attenti alle
realtà emergenti e alle iniziative dei giovani,
hanno invitato la DAC a partecipare
all'associazione START, all'omonimo
vernissage della stagione espositiva e
ai numerosi eventi successivi. Questo
clima di forte collaborazione e grande
fermento culturale ben si presta alla
nascita e allo sviluppo di nuovi progetti.
Di che locali disponete?
La galleria è situata nel centro storico
della città, a pochi minuti dall'Acquario,
dalla zona del Porto Antico e dai
Palazzi dei Rolli. Piazzetta Barisone,
come progetto artistico e curatoriale temporaneo
di rilievo. La galleria si allinea allo spirito fuoriistituzionale,
proponendo giovani artisti esordienti
e proponendosi come location del circuito del
(con)TemporaryArt. Nella zona, inoltre, sono nate
numerose gallerie e spazi flessibili in grado di ospitare
eventi di carattere internazionale.
I vostri spazi?
La galleria è un loft minimale di circa cento metri
quadri che rievoca l'atmosfera informale degli
spazi espositivi newyorchesi degli anni '80. Per il
carattere distributivo degli spazi, è particolarmente
predisposta ad allestimenti di video-arte ed
installazioni site specific.
Qualche anticipazione sui prossimi eventi, dopo
la personale inaugurale di Daniela Montanari.
La personale di pittura iperrealista di Daniela
dove ha sede la DAC, è un minuscolo
slargo all'interno dell'intricata rete dei
caruggi genovesi. Un luogo suggestivo,
carico di contrasti, nato dalla sovrapposizione
di tante diverse stagioni storiche.
Ex studio d'artista, la galleria è
un fondo che si sviluppa in tre ampi
vani voltati a botte per un totale di
circa centoventi metri quadri. La disposizione
e la dimensione delle sale sono
adatte a presentare progetti individuali,
collettivi e interventi site specific.
Qualche anticipazione sul prosieguo
della stagione 2008\2009. Quali
progetti in cantiere dopo la mostra
inaugurale?
La programmazione della DAC prevede
circa cinque mostre all'anno in sede
e numerosi progetti e collaborazioni
Montanari, dal 10 al 16 novembre, ha l'obiettivo
di indagare le possibilità di come questa corrente
pittorica si possa discostare dalla manieristica
ricerca del reale. In linea con questa impostazione
curatoriale proporremo altri interessanti e
validi esponenti della nuova pittura italiana ed
internazionale. Inoltre all'interno della programmazione
del 2009 è prevista anche una collettiva
di esponenti dell'urban art e recycling style.
Via Voghera, 11
Tel/Fax 02 39811630
info@voghera11.com
www.voghera11.com
dal 10 novembre
"Pelle" personale di Daniela Montanari
con enti pubblici e privati anche stranieri.
Dopo la mostra inaugurale di
Silvia Chiarini, si terrà la personale di
Silvia Noferi, giovane fotografa fiorentina
dalla poetica raffinata ed evocativa,
cui seguirà nel 2009 la personale di
Daniela Carati, fotografa di origini bolognesi
ma genovese d'adozione, che utilizza
il mezzo fotografico per indagare
inquietudini e contraddizioni della
società contemporanea.
info.
Piazzetta Barisone, 2r - angolo via
Delle Grazie
valeria.desimoni@libero.it
www.galleriadac.com
dal 9 ottobre Silvia Chiarini
AREA B milano
Una figlia d'arte, Isabella Tupone. Dopo una laurea in letteratura straniera ed esperienze svariate dal cinema al marketing, rieccola tornare alla passione di casa. Con una
nuova creatura che si 'annida' dentro alla corazzata galleristica di famiglia...
info.
piano conferisce un'allure salottiera e rilassante.
AREA B ed AR.CO.IT collaborano quindi anche dal
punto di vista della condivisione dello spazio.
Sarà sempre così?
Per il futuro ci riserviamo la possibilità di cercare
una location esclusivamente dedicata ad
AREA B, che possa caratterizzare ancora di più
la nuova attività.
Qualcosa sui prossimi appuntamenti da voi?
In autunno proporremo una mostra personale
di un artista veneto, Paolo de Biasi, più volte
finalista al Premio Celeste. Per la stagione
invernale invece abbiamo pensato ad una personale
di Massimo Gurnari presso i nostri
spazi. E quasi contemporaneamente saremo
ospitati presso gli spazi di Giacomo Manoukian
in Brera, per una personale di Siva.

Exibart.onpaper nuovi spazi.49
SCHIAVO MAZZONIS roma
Non si sa ancora di preciso quando e con cosa apriranno. Quello che si sa per certo è che inaugureranno in autunno, nel cuore di Roma. E che si tratterà, senza ombra di
dubbio, della galleria newcomer più attesa alla ripresa della stagione espositiva...
Costanza Mazzonis e Federica
Schiavo. Innanzitutto diteci chi
siete e da che tipo di storia personale
provenite.
Dopo avere cominciato da Barbara
Gladstone a New York, e in seguito con
un master specialistico in arte contemporanea
da Christie's Londra,
Costanza Mazzonis (Roma, 1977) è
stata direttrice della galleria Anthony
Reynolds per tre anni, nella stessa
Londra. Ritrasferitasi in Italia, con sede
a Roma, ha diretto la galleria
Magazzino d'Arte Moderna, dall'ottobre
2006 all'aprile 2008. Federica
Schiavo (Salerno, 1974), giovane professionista
con una formazione sia in
economia che successivamente in storia
dell'arte, ha lavorato per Marina
Wallace e Martin Kemp al progetto
Universal Leonardo e per alcune delle
mostre realizzate dalla Wallace/Kemp
Artakt a Londra. Successivamente ha
collaborato per due anni con la Galleria
Monica De Cardenas di Milano e negli
ultimi tre anni è stata responsabile del
dipartimento curatoriale dell'Hangar
Bienne come le iniziali dei vostri due cognomi:
Balestrieri (Ivano) e Negroni (Bianca). Da che
tipo di esperienze precedenti provenite?
Le mie esperienze e quelle di Ivano nascono da
due formazioni culturali differenti: la mia artistica,
con particolare riferimento al restauro conservativo
di opere d'arte, di antiquariato e di tutto ciò
che è legato al mondo delle cornici antiche; mentre
Ivano è legato unicamente ai vetri veneziani
del Novecento ed agli artisti contemporanei che
si dedicano all'arte vetraria muranese.
Come vi siete incontrati per far nascere questa
nuova avventura?
La nostra fusione nasce dall'entusiasmo propo-
Bicocca di Milano realizzando mostre
personali e collettive con artisti del calibro
di Mark Wallinger, Marina
Abramovic, Lucy and Jorge Orta, Fabio
Mauri, Jenny Holzer, Kutlug Ataman,
William Kentridge, Daniele Puppi...
Quale sarà la mission di
SchiavoMazzonis? Su cosa concentrerà
il suo focus la galleria?
La galleria si propone di costruire nel
tempo un solido gruppo di artisti della
nostra stessa generazione, cercando di
mettere in luce le principali ricerche del
panorama internazionale in un dialogo
serrato tra le diverse culture. La volontà
è naturalmente di instaurare un dialogo
sitivo di sperimentare questo nuovo argomento:
"dall'arte al design". Io e Ivano ci conosciamo
da diversi anni e come spesso accade ci eravamo
persi di vista; ci siamo ritrovati quasi casualmente
ad una cena in un ristorante genovese e
qui abbiamo messo le basi della nostra nuova
avventura.
Sarzana è una cittadina di provincia, ma collocata
in una zona strategica. E già ospita gallerie
importanti. Perché l'avete scelta?
Sarzana per noi è solo un punto di partenza ed è
collocata in una zona strategica sopratutto per il
periodo estivo per le innumerevoli manifestazioni
che si svolgono in questa città. Abbiamo intenzio-
diretto con gli artisti stessi, di promuovere
il lavoro qui così come all'estero e
di sponsorizzare progetti, anche al di
fuori dello spazio fisico della galleria.
Con la professionalità di entrambe,
acquisita in anni di esperienze lavorative
internazionali, ci auguriamo di poter
dare in futuro un contributo al panorama
artistico romano e non solo, e di
contribuire alla promozione di giovani
artisti sul territorio.
Si parla di crisi economica, di crisi
delle borse, di depressione diffusa.
Perché avete reputato questo un
momento corretto per aprire un
nuovo spazio?
Quando si fa una scelta di un certo tipo
significa che sono entrate in concorso
una serie di circostanze che hanno
reso possibile metterla in atto, a prescindere
da altri fattori. La situazione
economica al momento non è certo idilliaca,
la crisi c'è e probabilmente a brevissimo
termine peggiorerà, ma in due
o tre anni le cose dovrebbero migliorare.
E il progetto di una galleria è senz'al-
tro a lunga scadenza. Se poi dobbiamo
trovare un aspetto positivo in tutto ciò,
si potrebbe azzardare che allentare un
po' l'eccessiva pressione sugli artisti e
sui compratori potrebbe risultare salutare
per tutto il sistema dell'arte. Per
noi sarà un ulteriore sprone a cercar di
fare del nostro meglio.
Puntate fin da subito alle grandi fiere
nazionali ed internazionali?
L'intenzione è senz'altro quella di avere
una presenza alle fiere in tempi brevi.
Intendendo privilegiare, sia per necessità
che per scelta di campo, quelle giovani
e di proposta. Al giorno d'oggi crediamo
sia di fondamentale importanza
cercare al più presto di crearsi un
nome anche all'estero, sia ai fini di mercato
che per poter assicurare ai propri
Piazza di Montevecchio
info@schiavomazzonis.com
www.schiavomazzonis.com
ne di sviluppare ed aprire il prima possibile anche
uno spazio espositivo a Varese.
Di cosa si occuperà la galleria? Quale sarà la
mission che si vorrà dare? Insomma, quali
saranno i vostri contenuti?
Il tema che vorremo sviluppare è quello tra arte e
design. Riteniamo che il confine tra l'artista e il
info.
artisti una visibilità maggiore, e la
potenzialità di rapporti con altre gallerie
e con la critica internazionale.
Di che genere di locali disponete?
La galleria si trova a piazza
Montevecchio, piccola ed incuneata tra
via della Pace e via dei Coronari. Si tratta
di centoquaranta metri quadri suddivisi
in tre spazi espositivi ed un ufficio.
Uno spazio quindi articolato che richiede
l'esplorazione fisica da parte del visitatore
e la sua attiva scoperta dell'intervento
artistico presentato. L'artista,
d'altra parte, è invitato a lavorare quanto
più possibile sull'idea di site-specific,
entrando in dialogo con lo spazio della
galleria ma anche con il contesto quotidiano
nella quale è inserita (il luogo è
vicino alla tradizione romana del laboratorio
artigianale e della piazza salotto,
ritrovo degli artisti, distante dall'idea di
"white cube"). Ci auguriamo che lo spazio
e la città diventino quindi complici
degli artisti, influenzando le strutture
formali delle opere o quantomeno la
percezione delle stesse.
BIENNEARTE sarzana - sp
Due amici che, come tanti, si perdono di vista. L'una dedicata al restauro conservativo delle opere d'arte. L'altro focalizzato sui vetri veneziani. Poi l'incontro casuale. E la
decisione di mettersi a fare i galleristi. Sul confine tra arte e design…
Tel 328 5641452
www.biennearte.com
info@biennearte.com
info.
designer sia sottile e che molte volte venga varcato
da entrambi. Vorremmo poter sviluppare progetti
legati a questi due mondi percorrendo esperienze
diverse ma parallele tra loro.
Un cenno ai vostri spazi espositivi. Di che
ambienti disponete?
La galleria di Sarzana è situata in uno stabile
del XIV secolo ed è articolata in quattro sale di
particolare fascino. Dopo un intervento di
ristrutturazione ed un particolare allestimento
da parte di Bianca siamo riusciti ad evidenziare
le caratteristiche storiche dell'ambiente, un
vecchio forno, e a mettere in particolare evidenza
gli oggetti esposti.

52.déjà vu Exibart.onpaper
MILANO.
Piero Guccione
Una pittura filosofica e interiore, ma
sempre vicina alla natura. Ecco come
la fedeltà mimetica non giunge mai a
stridere con la dimensione esistenziale.
Poeticamente assorta, insistentemente
evocativa...
"Nel mio lavoro, di
solito, il significato
non è la molla che
fa scattare l'immagine
né la gioia di
inseguirla. È la
seduzione dell'oggetto
l'elemento
primario: la sua
pregnanza fisica e
figurale che in genere mi spinge a tentarne
l'interpretazione e a darne visione".
Le parole di Piero Guccione (Scicli,
Ragusa, 1935) tratteggiano una missione
artistica che, pur trovando nella
natura la sua fonte prediletta, da quest'ultima
si emancipa per non ridursi a
mera pittura realistica e trovar forza
nella sensibilità lirica, intimista, senza
con ciò sfociare nell'astrazione.
È proprio a una personalità così varia e
complessa che la mostra ideata da
Vittorio Sgarbi vuole rendere omaggio,
ripercorrendo quasi interamente - con
una selezione di circa ottanta opere
realizzate nelle tecniche dell'olio su tela
e del pastello su carta - l'evoluzione
espressiva del siciliano. È nel fermento
dell'ambiente romano dei primi anni
'60, dove la militanza nel gruppo Il Pro
e il Contro conduce il pittore a una
sapiente padronanza tecnica, ma dal
taglio modernamente innovativo, che
nascono i paesaggi "modernizzati" -
impropriamente accostati alle esperienze
della Pop Art italiana e ad artisti
come Schifano e Arcangeli, che
hanno invece optato per un'arte estroflessa
- caratterizzati da scenari naturali
di sapore antico, memori dell'eredità
classica, e tuttavia contaminati dai
segni ingombranti dell'industrializzazione,
come Erice (1963) e Aereo sulla
città (1966). Risalgono agli anni '70 le
tele in cui Guccione, ritornato a Scicli e,
immerso nel paesaggio mediterraneo,
mitico e idilliaco, si lascia rapire dalla
contemplazione di una natura che
diviene il pretesto essenziale per
lasciarsi pervadere dal sentimento dell'assoluto:
è datato 1971 il meditabondo
Autoritratto nel paesaggio, dove
l'artista, ripreso di scorcio, getta il proprio
sguardo sull'indefinita distesa
verde e in essa si disperde, a tradire
un panteismo dalle risonanze ataviche.
Degna di menzione è la serie dei d'après,
grazie alla quale l'artista ha modo
di confrontarsi con maestri del passato
quali Michelangelo, Caravaggio,
Giorgione: basti citare il sublime Dal
giudizio di Michelangelo (1999), in cui
le figure risultano come sospese tra
rivelazione e dissolvenza, presenza e
parvenza. È in opere come L'ombra e
l'ibisco su fondo grigio (1994) che,
invece, Guccione insiste su una natura
sempre più rarefatta, quasi generata
da geometrie essenziali, queste ultime
accentuate dal taglio fotografico delle
inquadrature, attento a esaltare significati
simbolici. Curioso che la mostra
milanese, tesa a ripercorrere in senso
cronologico il vasto corpus di opere
dell'artista, si concluda proprio laddove
ha avuto inizio o, meglio, si apra laddove
dovrebbe concludersi: scelta questa
assai felice perché, una volta esaurito il
percorso espositivo, si può intraprendere
nuovamente il cammino a partire
dagli ultimi lavori di Guccione che,
sedotto dal Romanticismo, oscilla tra
sublime nordico e infinito mediterraneo,
per approdare ai paesaggi siculi
dalle atmosfere silenti e sospese, a
riecheggiare toni metafisici e segnatamente
morandiani.
Un Guccione al quale si potrebbero
facilmente lasciar pronunciare i versi
leopardiani: "Così tra questa immensità
s'annega il pensier mio: e il naufragar
m'è dolce in questo mare".
Palazzo Reale
[alessandra nappo]
Piero Guccione - Opere 1963-2008
a cura di Vittorio Sgarbi
piazza duomo, 12
Tel 02 80509362
www.comune.milano.it/palazzoreale
Catalogo Skira
MILANO.
Conrad Marca-Relli
Un protagonista spesso trascurato
dell'Espressionismo Astratto. Da
riscoprire e approfondire. Che coniuga
e fa dialogare alla perfezione l'estetica
americana e quella europea...
Difficile trovare
il nome
di Conrad
Marca-Relli
(Boston,
1913 -
Parma,
2000) associato a quelli di Pollock,
Gorky o De Kooning. Eppure egli ha
condiviso con loro alcune delle tappe
dell'epopea dell'Espressionismo
Astratto, partecipando tra l'altro, nel
1951, al Ninth Street Show, storica
mostra del movimento, e dipingendo
nel 1956 The death of Jackson
Pollock, dopo esser stato chiamato a
riconoscere il cadavere del grande pittore.
Suona come un risarcimento a
un protagonista talvolta trascurato,
dunque, la grande mostra alla Rotonda
della Besana. E, osservando le opere,
si capisce quanto questo risarcimento
fosse utile e necessario. I lavori di
Marca-Relli regalano la straordinaria
opportunità di veder coniugate l'estetica
statunitense ed europea del secondo
dopoguerra. Proprio quando l'egemonia
dell'impero artistico mondiale
passa dal Vecchio continente all'altra
sponda dell'Atlantico, l'artista non
dimentica le sue origini europee, italiane
per la precisione. Notevoli già le
prove giovanili in mostra a Milano, in
cui Marca-Relli cerca la propria strada,
ispirandosi convulsamente alle varie
correnti dell'epoca, com'è normale per
un esordiente. Ma l'autonomia arriva
all'inizio degli anni '50, ed è un gioco
notevole di sintesi e sottrazione. Di
Espressionismo Astratto nel senso
canonico del termine c'è poco, in
mostra e nel corpus dell'artista. Le
forme istintive si organizzano ben presto
in una struttura articolatissima ma
estremamente coerente, eseguita con
il collage. Pezzi di tela e metallo si
assemblano e si saldano, i vari lacerti
si compenetrano ma allo stesso
tempo rimangono distinti, e così i loro
contorni definiscono un movimento
sinuoso e controllato. La sapienza della
composizione è decisamente spiccata,
altro tratto europeo della poetica dell'artista.
La parte centrale della mostra
è la più sorprendente. I numerosi viaggi
in Italia compiuti negli anni '60 determinano
un dialogo fecondo con i migliori
avanguardisti dell'epoca. Lo spettatore
si può divertire a riconoscere nei
singoli quadri le influenze di Burri, Afro,
Consagra, Vedova e altri. È proprio qui
che si mescolano l'arte americana del
secondo dopoguerra e il suo superamento,
determinato dall'incontro con
la riscoperta di quella europea. La
coerenza di Marca-Relli negli anni successivi
è ammirevole, anche se toglie
qualcosa alla godibilità della mostra,
introducendo un po' di ripetitività. Ma le
continue combinazioni e permutazioni
riservano comunque sorprese e l'allestimento
crea un panorama d'insieme
avvolgente e in qualche modo rassicurante,
anche se sempre stimolante.
Fino agli ultimi due quadri del percorso,
straordinari per l'intensità dimostrata
dall'artista all'età di ottantaquattro
anni, tre anni prima della morte, avvenuta
dopo il trasferimento definitivo a
Parma, alla ricerca delle proprie origini
italiane. Marca-Relli è dunque un protagonista
"minore", se comparato a
giganti come Pollock, Rothko e Kline.
Ma è un protagonista che vale decisamente
la pena di conoscere e approfondire.
[stefano castelli]
Rotonda della Besana
fino al 28 settembre 2008
Conrad Marca-Relli
a cura di David Anfam
Rotonda della Besana
via Besana, 15 (zona porta vittoria)
lunedì ore 14.30-19.30
da mar. a dom. ore 9.30-19.30
gio. ore 9.30-22.30
biglietto intero 5,00 euro; ridotto 3,00
Tel 02 88465677
www.comune.milano.it/palazzoreale
Catalogo Bruno Alfieri
VENEZIA.
Coming of Age
La lunga corsa dell'arte americana alla
conquista della scena mondiale. Dal
riscatto del paesaggio al superamento
delle avanguardie. Una mostra che sottolinea
le linee di continuità che hanno
portato l'arte statunitense alla maturità...
Nell'America
del XVIII secolo
non c'era
spazio per le
arti, ritenute
superflue
"bagatelle" e guardate con sospetto
dalla classe dirigente. Per lungo
tempo, la cultura fu per gli americani
qualcosa di inevitabilmente europeo e
la "guerra" d'indipendenza dell'arte
americana fu destinata a durare ben
più a lungo di quella per l'emancipazione
politica. Alla Peggy Guggenheim
Collection una mostra si sofferma su
questo percorso, attraverso opere
della Addison Gallery of American Art.
La questione della necessità di costituire
un'identità artistica americana
nasce intorno agli anni '40 del XIX
secolo e si traduce, per gli artisti della
Hudson River School, nell'esortazione
a prendere ispirazione direttamente
dagli scenari della propria terra. Le
grandi praterie e gli spazi incontaminati
offrivano soggetti originali e ancora
inesplorati allo sguardo, ben lontani dai
paesaggi addomesticati e innocui del
Vecchio continente. È soprattutto nei
quadri di George Inness che la natura
si rivela in tutta la sua forza, facendosi
pura emozione. Lungo questa linea, si
affermeranno i tratti più ruvidi della pittura
di Winslow Homer, come in
Cambio della guardia e nel Vento dell'ovest,
espressione di quel carattere
"virile" della pittura americana, esaltato
dalla critica statunitense di fine secolo,
in contrapposizione alla "femminilità"
d'oltreoceano. Ma è attorno agli anni
'10 del nuovo secolo che l'arte americana
inizia a ridurre davvero il gap nei
confronti di quella europea, conoscendo,
assimilando e partecipando direttamente
alla scena artistica contemporanea.
Grazie alla Galleria 291 di
Alfred Stiegliz, New York si apre alla
conoscenza delle opere del modernismo,
qualche anno in anticipo rispetto
all'evento epocale dell'Armory Show
che, nel 1913, metterà in contatto
pubblico e collezionisti americani con
gli sviluppi più innovativi dell'arte europea.
La griglia cubista, l'astrazione di
de Stijl, la libertà del colore di Matisse
verranno rapidamente assimilati e
lasceranno un segno nell'arte americana,
arrivando a fondersi con i caratteri
autoctoni già presenti, come il realismo
della scuola di Robert Henri, nelle
rarefatte geometrie cittadine di
Manhattan Bridge Loop di Edward
Hopper o in quelle più dinamiche delle
architetture industriali della
Ballardvale di Charles Scheeler. Nelle
ultime sale, la linea di sviluppo cronologico
tracciata dalla mostra sembra
perdere di coesione. L'intersecarsi di
produzioni di periodi diversi e di artisti
di provenienze eterogenee, anche
extra-americane, rappresentano un
terreno di coltura difficilmente definibile
come "americano", ma comunque
fondamentale alla crescita degli artisti
che porteranno gli Stati Uniti al centro
della scena artistica mondiale. In chiusura,
il trionfo dell'arte americana è
rappresentato da quello che, nonostante
le eclatanti assenze di Barnett
Newman, Marc Rothko e Bob
Rauschemberg, appare come il gotha
dell'arte degli anni '50, dalle sculture di
Calder e David Smith ai dipinti di
Pollock e Frank Stella.
[stefano mazzoni]
Collezione Peggy Guggenheim
fino al 12 ottobre 2008
Coming of Age.
Arte americana dal 1850 al 1950
a cura di William C. Agee e Susan
C. Faxon
dorsoduro 701 (zona accademia)
da mercoledì a lunedì ore 10-18
biglietto intero 10,00 euro; ridotti 8/5 euro
Tel 041 2405411 Fax 041 5206885
info@guggenheim-venice.it
www.guggenheim-venice.it
Catalogo Skira/Yale University Press
VENEZIA. AGLIÈ (TO).
Gregor Schneider
Scultura Natura.
Una mostra per raccontare un'ope-
Oriente Occidente
ra che non sarà mai realizzata.
Perché troppo simile alla Ka'ba a La
Mecca. Perché troppo a rischio terrorismo
per una città bomboniera
come Venezia. Un'occasione sprecata?
Tutt'altro...
La spiritualità orientale trova un
luogo silenzioso in cui manifestare la
sua tensione verso le voci degli elementi
naturali. In un incontro con la
scultura occidentale e in totale integrazione
col paesaggio...
Talvolta la verginità di pensiero è un
buon approccio per il visitatore di
una mostra, com'è il caso della personale
veneziana di Gregor
Schneider (Rheydt, 1969). Basta
dimenticare le polemiche prima e
durante la Biennale del 2005, l'idea
della Ka'ba e quant'altro, per lasciar
spazio all'esperienza individuale: si è
così accolti dal portone della
Bevilacqua La Masa, dipinto di nero,
che prelude ed enuncia la successiva
completa oscurità. Si entra infatti
in un budello in cui è letteralmente
impossibile vedere, e i rumori - a
cominciare da quello dei nostri passi
o della nostra voce - sono attutiti fino
quasi al silenzio. È uno spazio in cui
mancano i riferimenti cartesiani cui
siamo quotidianamente abituati, al
punto di essere costretti a misurare
i movimenti con le mani alle pareti,
chiusi in una vagina buia a metà
strada tra accogliente spazio fetale
e claustrofobico contenitore di vuoto
filosofico, in bilico tra curiosità e primordiale
paura del buio. Poi, come
un brutto sogno da cui usciamo
accendendo un'abat-jour, ecco una
luce flebile che annuncia il ritorno a
un luogo in cui si può esercitare la
facoltà della vista. Potrebbe finire qui
la mostra, in maniera inaspettata,
decisa, asciutta, provocatoria.
Un'esperienza forte, una magistrale
e teatrale Gesamtkunstwerk, da
esperire tutta d'un fiato, lasciando
poi a visitatori e critici il senso del
vuoto unito allo smarrimento, con lo
stile raffinatissimo con cui
Schneider ci ha abituati sin dalla
Haus Ur (e che gli è valso, pur giovanissimo,
il Leone d'Oro alle Biennale
del 2001). Ciò che segue è infatti la
documentazione dell'arcinoto e
irrealizzato progetto Cube Venice,
con tanto di maquette e foto, unito a
un video che ne testimonia, in visione
notturna, l'effettiva realizzazione a
Berlino. La sensazione è quella di
una grande caduta emozionale, un
climax discendente che fa torto a
una ouverture così strepitosa. La
tensione declina verso un didascalico
déjà-vu che racconta il lavoro preparatorio
fatto dall'artista sul cubo
nero, unito alle risapute difficoltà di
portare a compimento il progetto, la
cui realizzazione - per timore di atti
di terrorismo - non venne mai presa
in considerazione da parte del vecchio
sindaco lagunare e nemmeno
da quello attuale (come riferisce
curiosamente nel testo in catalogo
la curatrice Angela Vettese). Di interesse
l'ultima sezione della mostra,
che presenta alcune delle foto di
ambienti e di opere di grande dimensione
di Schneider, e soprattutto
alcuni dei suoi video più interessanti,
tra cui quello, assolutamente da
vedere, della passeggiata al buio nei
sotterranei della Fondazione Morra
Greco.
[daniele capra]
Fondazione Bevilacqua La Masa -
Galleria di Piazza San Marco
Gregor Schneider - Cube Venice
a cura di Angela Vettese
e Stefano Coletto
piazza san marco 71/c
Tel 041 5237819
info@bevilacqualamasa.it
www.bevilacqualamasa.it
Catalogo Electa
L'immenso parco di
Agliè, in cui la rigogliosa
natura si stratifica
alle fasi storiche attraversate
della tenuta,
offre continue scoperte
di scorci incontaminati
e diviene la sede
idonea a ospitare nuovamente - siamo
alla terza edizione - la Biennale di scultura
all'aperto curata da Luciano
Caramel. Quest'anno l'evento propone
trentadue artisti e un interessante
confronto fra la nostra cultura e quella
orientale: alle opere di autori italiani si
alternano quelle di artisti di nazionalità
cinese, giapponese e coreana.
Il percorso inizia dalle pertinenze che si
affacciano sul giardino pensile, si scoprono
varie opere camminando intorno
al Castello secentesco, riportato a
un rinnovato splendore nel 1823,
quando venne affidato a Carlo Felice di
Savoia. Dalla Foresta di luce di Livio
Seguso, allestita nella colombaia e
ottenuta con sfere schiacciate in vetro
di Murano, e dai tronchi sonori e accoglienti
di Piero Gilardi posti nella serra
verde, si passa a visitare la lunga manica
della Citroniera. Qui è ospitato il tributo
a due grandi personaggi dell'arte
internazionale a cui la mostra è dedicata,
Joseph Beuys e Nam June Paik:
tedesco ed emblematico il primo,
quasi più orientale nello spirito del
coreano e tecnologico padre della
videoarte, entrarono entrambi in contatto
con il gruppo Fluxus, ma presto
Beuys assunse un impegno sociale e
politico che lo portò a incarnare il simbolo
di un'arte impegnata e profetica.
La difesa dell'ambiente e della natura
fu una delle sue battaglie, ed è uno dei
temi affrontati dagli artisti in mostra,
accanto ai problemi ambientali derivanti
dal progresso tecnologico e agli
squilibri biologici che causano l'estinzione
di determinate specie animali e
vegetali, con l'utilizzo di materiali che
favoriscano una corretta integrazione
col contesto naturale. Il noto scheletro
di una della balene di Nicola Salvatore,
conficcato in un grande anello di ferro,
appare in uno spiazzo poco prima di
osservare un elemento tubolare arrugginito
e spezzato dai resti metallici di
un meteorite creato da Pietro Coletta
e posizionato a lato dell'estesissimo
prato di fiori, al cui limite si scorgono
simil-fuochi d'artificio in plexiglas di
Laura Castagno, dal titolo emblematico
Sequenza di Newton.
Spirituali obelischi di roccia e granito
troneggiano all'incrocio dei sentieri
sotto le fronde di alberi secolari: il giapponese
Takemata Kei avvolge fogli di
marmo sapientemente intagliati, mentre
Ulrich Rückriem, di Düsseldorf,
dalla roccia fa emergere tutte le sfumature
dei colori autunnali. Grazie al
cinese Han Zijian ci imbattiamo in plastiche
onde del mare nelle cui fessure
l'erba si annida giocosa, per poi scoprire
le grandi "cipolle" primordiali in
maiolica di Luisa Valentini. Le opere
sono molte e si differenziano per la
scelta di materiali che ora favoriscono
la totale mimesi col paesaggio, ora se
ne distaccano in grovigli e filamenti di
metallo argentato. Colpisce l'installazione
Frattale visivo di Carlo Maria
Maggia, nascosta dietro la panoramica
Fontana dei fiumi: l’artista ha realizzato
una struttura affascinante da
attraversare, composta da quadrati
regolari specchianti che si intersecano
con svariate angolature, e dentro cui si
può osservare contemporaneamente
il cielo, l'erba, scorci di alberi e parti del
proprio corpo. Un puzzle senza ordine
che non deve ricomporsi, ma esaltare
l'infinito.
[barbara reale]
Castello ducale
fino al 12 ottobre 2008
Scultura Internazionale ad Agliè 2008 -
Scultura Natura. Oriente Occidente
a cura di Luciano Caramel
Castello ducale
piazza castello, 1
da martedì a domenica ore 9-19
Ingresso: 3,00 euro
Tel 011 2481790
piemontearte@libero.it
Catalogo disponibile

Exibart.onpaper déjà vu.53
GENOVA.
Cesare Viel
Frammenti di scrittura, identità che
mutano. Una mostra che celebra un
artista colto e raffinato. Installazioni,
video e performance. Quest'ultime interpretate
dai suoi allievi d'Accademia...
"Cara Emily,
disegnare la
paura e lo
sgomento è
colmare un
abisso con
l'aria". Come
in un incipit epistolare, Cesare Viel
(Torino, 1964) si specchia nei versi
dell'amata Dickinson: "Per chiudere
un vuoto, riempilo con ciò che lo ha
generato. Chiudilo con qualcos'altro,
e si spalancherà di più. Non puoi colmare
un Abisso con l'aria".
E invece sì che si può. L'essenziale disegno
su cui è annotata la frase di Viel
riprende un'immagine mediatica del
G8 di Genova; altri ricalcano scene
drammatiche d'attualità, come il volo
disperato di un uomo lanciatosi delle
Twin Towers. Ancora una metafora del
vuoto, della paura: quell'inspiegabile
non-senso di cui è intrisa la trama della
storia. Assumendo la grana sottile e
densa dell'aria, del fiato, della parola, la
pratica del disegno schiude il senso
provvisorio e lirico con cui è possibile
colmare quell'abisso. È proprio la relazione
tra parola, scrittura, identità e
politica che nutre la poetica di Viel, ben
rappresentata da quest'ampia personale:
non una retrospettiva, ma un percorso
ragionato intorno ad alcuni temi
affrontanti nell'arco di vent'anni. La
scrittura, per Viel, è esperienza performativa
ed esistenziale: un piano in divenire
che fonda il pensiero, portando il
peso del corpo. Con Luca Vitone, nel
2001, riflette sulla trasmissione del
sapere in relazione all'identità maschile:
i due citano su una lunga pergamena
centinaia di "padri intellettuali".
Nascosti tra i nomi celebri, anche quelli
dei veri papà. Della performance dedicata
a Ingeborg Bachmann non resta
che un pannello su cui sono trascritti i
gesti compiuti in quella camera romana,
adiacente all'appartamento in cui la
scrittrice austriaca perse la vita.
L'azione, volutamente non documentata,
r-esiste solo nella memoria dell'artista
e dei pochi spettatori presenti,
oltre che nel dopo delle parole stese
sulla pagina. Nulla di più prepotente del
nesso fra tempo, morte e scrittura. E il
pensiero va a Virginia Woolf, di cui Viel
nel 2004 assume aspetto e identità.
Seduto in poltrona, al centro di un
salottino british, ascolta la propria
voce registrata che recita un brano di
To the lighthouse. Sul filo di tematiche
femministe e post-strutturaliste, la
questione dell'identità di genere incontra
il teatro e la letteratura, luoghi in
cui si articolano i rapporti tra parola
scritta e parola pronunciata, presenza
e assenza, verità e artificio. L'anno
dopo, alla Rocca sforzesca di Imola, un
nuovo esperimento di com-passione e
immedesimazione. Viel monta su un
lettino alto cinque metri e rievoca la
condizione di segregazione vissuta da
Dino Campana in un ospedale psichiatrico
della città emiliana, un secolo
prima. La scrittura compulsiva a cui
l'artista s'abbandona lo libera e insieme
lo inchioda a una vertigine onirica.
Ritorna il senso del vuoto, ossessivamente.
Di Operazione Bufera è ricostruito
il set: le tre file di poltroncine
rosse, la voce di Viel che racconta il
fatto. Poi, una foto di lui con la testa
all'indietro, gli occhi bendati, la bocca
dischiusa. Stava lì, nel 2003, su una di
quelle poltrone, a interpretare una vittima
della strage avvenuta al teatro
Dubrovka di Mosca, dopo l'assedio di
un gruppo di indipendentisti ceceni. Il
lungo monologo confonde i pensieri
degli ostaggi e dei terroristi, in un
implacabile gioco di ruoli. Scorrono le
parole nell'aria, inesatte, cangianti, leggere.
Provando a colmare l'abisso,
come segni decisi sul foglio.
[helga marsala]
Museo d'Arte
Contemporanea Villa Croce
Cesare Viel - Mi gioco fino in fondo.
Performances e installazioni
via ruffini, 3
Tel 010 580069 Fax 010 532482
museocroce@comune.genova.it
www.museovillacroce.it
PALMARIA (SP).
Genius Loci
Un dialogo fitto e incessante fatto di
segni, sassi, colori e suoni. Una rassegna
ambientale itinerante. Undici
artisti raccontano di un'isola magica.
Fra terra, cielo e mare...
Non poteva
che intitolarsi
Genius
Loci una
rassegna
che gode di
uno spazio
espositivo
come l'isola Palmaria. Un luogo magico,
contenitore delle opere pensate
per l'occasione, ma anche contenuto
di ciò che queste raccontano.
Undici artisti molto diversi tra loro
dialogano con un territorio ancora
parzialmente vergine. E il risultato è
tutt'altro che scontato.
La prima parte del percorso si snoda
dal Molo del Terrizzo. Ad accogliere i
visitatori, le sei sculture in marmo di
Sibille Pasche, Riflessi di stelle, s'inseriscono
perfettamente nel suggestivo
panorama offerto allo sguardo di chi
raggiunge la banchina dal mare. La
loro forma e le caratteristiche del
materiale con cui sono create le confondono
con gli elementi naturali. Altre
opere accompagnano lungo il sentiero
che dal porto arriva alla fortezza: gli
Ometti di Maria Grazia Cantoni, oltre
a porre l'attenzione su scorci paesaggistici
altrimenti nascosti, segnano
luoghi di pausa e riflessione. Fatte di
pietre e marmi locali, queste costruzioni
piramidali segnano le tappe di un
percorso che non ha altro scopo se
non quello di penetrare l'isola, apparendo
come piccoli altari che la terra
erige verso il cielo. L'uovo di Colombo,
creazione in fil di ferro e materiali di
recupero di Carmen Tornabuoni, rappresenta
la soluzione pensata per dialogare
con il territorio che accoglie
l'artista: la leggera costruzione ben
s'inserisce nella vegetazione, permettendo
al vento e alle fronde di dialogare
con essa e, in certe condizioni, di
modificarla. Si arriva quindi alla batteria,
costruzione imponente la cui
architettura, pur non tradendo la funzionalità
originaria, presenta tratti raffinati.
Primeggia l'installazione di
Stefano Cagol, special guest di questa
rassegna. Ciò a cui s'ispira
War_Raw è un concetto che riassume
l'aria che si respira sull'isola. Da
una parte la guerra ("war") degli eserciti
di cui questo mare è stato testimone,
dall'altra l'integrità ("raw") che l'isola
e i suoi pochi abitanti sono riusciti a
salvaguardare. Un'opera che gioca
sulla dualità e sulla contraddizione del
linguaggio e dell'atteggiamento dell'uomo
verso la natura, ma, soprattutto,
verso se stesso. Un lavoro dal profondo
impatto emotivo che, pur percorrendo
verticalmente la storia, rimane
di estrema attualità. All'interno della
fortezza, le tele ricche di colori acquatici
e personali verità di Luca Bray
sono allestite specularmente ai lavori
di Raffaello Gori, che riportano all'interno
i colori e la luminosità che si
godono all'esterno, rimandando inoltre,
grazie all'uso di materiali come la
carta velina, alla fragilità insita nella
natura. Estremamente vicino all'isola
è il progetto di Lisa Maria Batacchi,
Ascoltare il silenzio. Recandosi più
volte a Palmaria, l'artista fiorentina ha
raccolto vecchie federe di cuscini,
dette intime, con le quali ha cucito una
tela della stessa forma dell'isola. Il
lavoro, appeso al soffitto della fortezza,
richiama al silenzio del sonno, ai
sogni e all'intimità di un rapporto profondo
tra un luogo e chi lo abita. A far
da sfondo, le registrazioni raccolte da
Batacchi durante i suoi colloqui con gli
abitanti.
[valentina bartarelli]
Sedi varie
Genius Loci. Mostra itinerante dal
molo del Terrizzo al Forte Umberto I
a cura di Federica Forti
isola di palmaria - 19025
Mob 347 0955010 / 333 5454142
organizzazione@geniusloci2008.org
www.geniusloci2008.org
Catalogo Athena
PRATO.
Paolo Parisi
Così lontano, così vicino. Opere d'arte
come punti di osservazione. Per avvistare
luoghi nascosti nelle viscere o
dispersi nello spazio. Visibili attraverso
barriere permeabili...
Un osservatorio è qualsiasi luogo da
cui si possa vedere, assistere a quanto
accade altrove. Un altrove che,
nella mostra di Paolo Parisi (Catania,
1965; vive a Firenze), assume connotazioni
complesse e diversificate.
È un osservatorio la struttura realizzata
con fogli di cartone sovrapposti,
a creare un volume geometrico nel
quale si schiudono, grazie a buchi
praticati negli strati di cellulosa, aperture
irregolari dalle forme tonde,
quasi organiche. Come se fossero i
varchi di un apparato respiratorio.
Come un organismo vivente sviluppatosi
per stratificazioni successive, da
cui si può sì osservare l'esterno (cioè,
tra l'altro, l'installazione permanente
di Sol LeWitt, rettangoli di colori
diversi sulle pareti), ma anche calarsi
in un interno avvolgente, onirico, bizzarramente
vivente. Come se l'altrove
fosse, in questo caso, non tanto
ciò che sta fuori, ma le possibilità di
un interno vivo benché solitamente
nascosto, inaccessibile. Si ha l'impressione
di essere in un osservatorio
anche penetrando nell'altro
ambiente in cui Parisi è intervenuto,
coprendo le vetrate con lastre rosse
fluorescenti e tracciando sulla parete
di fronte alle stesse vetrate segni
ideati a partire da mappe e tracciati
cartografici. Lo spazio ne risulta profondamente
modificato, immerso in
un liquido amniotico rosso, fatto non
di materia ma di luce. Sembra di
poterci galleggiare dentro seguendo
la geografia snaturata, non più indice
razionale di uno spazio ma immagine
decodificabile solo per empatia, delle
tracce che luccicano sulla parete.
L'effetto di irrealtà aumenta se si
guarda fuori: i colori sono distorti,
l'immagine dell'esterno è come
immobilizzata in campi di colori acidi,
violenti. E, ancora una volta, Parisi
propone un dialogo con le opere presenti
nel museo. Stavolta si tratta di
Fountain on youth di Albert Hien, dislocata
nello spazio antistante le
vetrate, che viene così inglobata nella
visione, fino ad assumere l'aspetto di
una stazione lunare. E così, ecco un
altro altrove, un'altra geografia. In un
terzo ambiente sono esposte due
grandi tele della serie Coast to coast
(2004). Lo strato di olio, rimasto pienamente
visibile solo ai bordi dell'immagine,
è nel resto delle tele coperto
da un'inondazione di acrilico monocromo.
Di nuovo, sulla base di informazioni
di tipo geografico, il colore si
distende in alcune zone per gonfiarsi
in altre. Materia in ebollizione
costretta a rimanere entro la cornice
creata dall'olio, che corrisponde al
limite stesso della tela. Ed è il limite,
come nelle altre opere in mostra, a
creare un interno (o un esterno) che
può essere osservato o da cui osservare.
[donata panizza]
C.Arte - Centro per l'Arte
Contemporanea Luigi Pecci
fino al 15 febbraio 2009
Paolo Parisi - Observatorium
(Museum)
a cura di Stefano Pezzato
viale della repubblica, 277
da mercoledì a lunedì ore 10-19
Ingresso libero
Tel 0574 5317 Fax 0574 531901
info@centroartepecci.prato.it
www.centroartepecci.prato.it
PESARO. ROMA.
Il segno marchigiano The Big Bang
Soavità bucolica e furore distruttivo. Una mostra di opere anche impor-
Visioni e suggestioni plasmate in pertanti. Ma combinate senza un filo
sonaggi immaginati. Colate di colore conduttore comprensibile. Per dare
infuocato e precipizi di barbarica uno sguardo al cosmo. E capirci, pro-
oscurità. Angeli ribelli e cardinali, babilmente, poco...
modelle lascive e piccoli uomini...
A parte quello del titolo,
una mostra senza
il botto, schiacciata
da un poco di confusione
e, soprattutto,
da uno spazio espositivo
assai poco funzionale.
Questo viene da
pensare a proposito di un progetto
Segni di un'interiorità traboccante pas- sulla carta importante, che però prosione,
tasselli di un'arte segnata dal prio dalla carta trae le prime difficoltà.
tempo e dalle origini, profondamente L'introduzione critica principale cita
vicina e distante in un gioco di rimandi Einstein e Platone, salta dalla cosmolo-
intellettuali e territoriali, metafore di gia greca al telescopio galileiano,
vita e spunti di riflessione agreste. Un mescola diagrammi tantrici a "raffigu-
girotondo di forme morbide e lussurazioni cosmiche quali simboli del potereggianti
che suscitano il pensiero di re universale" rappresentanti "una
dolci pendii, ma anche colori talmente realtà unitaria e totale di stampo new-
forti e penetranti da entrare nell'essentoniano" (sic). Troppa roba, francamenza
della tela, accanto a sterminate te, specie quando la presenza di uno
oscurità. Tre personalità vivaci e com- squadrone di nomi illustri dal
plesse, temporalmente e material- Nordamerica in contrapposizione
mente lontane, ma unite dall'influsso espositiva a una pattuglia di italiani, noti
più o meno percepito della terra di ma non notissimi, avrebbe richiesto
nascita. Questa selezione di opere prima di tutto qualche maggior chiari-
riporta alle Marche delle colline, dei mento sulle scelte di fondo, quindi l'indi-
paesetti (Osvaldo Licini, Paesaggio cazione di almeno un'idea unificante l'o-
con uomo. Montefalcone, 1926), di perazione (ché quella del cosmo pare
persone dal temperamento mite e davvero lasca, con l'arte chiamata a
laborioso; ma anche ai temi dei grandi dare brevi cenni sull'universo). Ciò pre-
letterati che in questa Regione hanno messo, alcuni dei lavori in mostra risul-
tratto i loro migliori spunti. Profondo ad
tano di sicuro interesse: è il caso della
esempio il legame tra Licini e Leopardi,
grande foto aerea (tre metri per nove)
che porta a oltrepassare la siepe,
del Roden Crater sviluppata e ritocca-
verso quella Luna che si arricchisce di
ta su carta emulsionata da James
elementi metaforici e mitologici, tra-
Turrell, oppure della serie di stampe
sformandosi nell'Amalassunta.
su tela combinate da Peter Halley in
L'equilibrio tra cielo e terra, forma e
una divertente parete pop, apparente-
geometria, punti centrali del patrimomente
lontana dai rigori neo-geo che
nio iconografico dell'artista, risaltano
l'hanno reso celebre. Soprattutto,
tra olandesi volanti, angeli ribelli e
impressionano i potenti disegni a grafi-
dimensioni astratte. Ma l'origine marte
di Robert Longo, dedicati a vedute
chigiana è testimoniata anche dal
planetarie ed esplosioni nucleari con
senso di torpore e costrizione, dissidio
uno sguardo totalizzante, degno delle
interiore tra passione sensuale e spiritualità
religiosa, forte nell'espressioni-
visioni di William Blake. Tutti i lavori
smo di Scipione, maceratese "espul-
citati sono ospitati al piano terra, insieso"
dalla propria Regione, come lo
me a un pregevole ma isolato dipinto di
stesso Cucchi definisce molti suoi pari
Ross Bleckner. La mostra prosegue al
in un'intervista con Ludovico Pratesi. E
piano superiore, dove un'opera di
così il visitatore si trova di fronte a
Domenico Bianchi - ennesima confer-
immagini mistiche, come quella del
ma dell'elegante misura compositiva
profeta vicino alla pomposità esaspe-
dell'artista, tutta incentrata sulla trarata
delle gerarchie papali (Il Cardinale sparente materialità della cera e l'e-
Vannutelli sul letto di morte, 1930) e a mergere metallico di evocative calligra-
disegni di donne dai caratteri sessuali fie - viene confinata in un soprascala,
esasperati (Modella nuda, 1929). accanto all'oscura saletta riservata a
Infine, i dipinti di Enzo Cucchi, altrettan- un neon di Mario Dellavedova. Miglior
to pervasivi e quasi ossessivi nella defi- sorte espositiva tocca alle esercitazionizione
della marchigianità, espressa ni neuro-psichedeliche di Alberto Di
attraverso paesaggi fiabeschi o apoca- Fabio, raggruppate però in uno spazio
littici (Paesaggio Barbaro, 1983), tinte da raggiungere al fondo di un corridoio
sfacciatamente vivaci accanto a sfondi zeppo di improbabili memorabilia bilot-
di pece, colate di colore tanto abbontiane - e ogni volta ci si chiede perché
danti da confondersi con i rilievi realiz- vada pagato il biglietto d'ingresso per
zati a tecnica mista. La poetica dell'ar- vedere le immagini di un magnate in
tista sembra quasi sintetizzabile in quel barca o alle corse dei cavalli - cui segue
Carro di Fuoco perfettamente emble- l'attraversamento della collezione permatico
di un vagheggiamento misto a manente del museo, un gruppo di tardi
tormento, cultura agreste e fatica che de Chirico di qualità imbarazzante,
diventano riflessione dell'umana essen- obiettivamente di scarso aiuto per
za, tramite di passaggio e interscam- entrare nello spirito più adatto ad
bio fra la tranquillità di una parete apprezzare la conclusione della
soleggiata e lo scompiglio di un campo mostra temporanea. Resta ancora da
di battaglia. Al di là degli accademici dire della tenda nera (ma passa troppa
rimandi e delle influenze fra i tre artisti, luce) nello spazio della libreria al pian-
la formula stessa di questa mostra sta terreno, dove gli ormai stanchi visitato-
nella capacità di testimoniare un'esri cosmonauti possono assistere alle
senza legata a un modo di essere e proiezioni dei video - tra l'optical e il
vivere. Forti radici che, però, hanno il kitsch post-rinascimentale, con detta-
proprio sviluppo verso l'altro, liberandogli di tarsie marmoree a vorticare
si e aprendosi in una passionalità mandaliche sul telone - dell'artista paki-
espressiva e spumeggiante che non stano-newyorkese Shahzia Sikander,
conosce confine.
traendone un'impressione definitiva di
caos, più che di cosmo.
[carmelita tesone]
[luca arnaudo]
Centro Arti Visive Pescheria
Scipione | Licini | Cucchi - Il segno
marchigiano
a cura di Francesca Romana Morelli,
Federica Pirani e Ludovico Pratesi
Corso XI Settembre, 184
Tel 0721 387651 Fax 0721 387652;
centroartivisive@comune.pesaro.ps.it
www.centroartivisivepescheria.it
Fondazione Cassa di Risparmio di
Pesaro
Palazzo Montani AntaldiVia Passeri, 72
Tel 0721 68861 Fax 0721 688688
segreteria@fondazionecrpesaro.it
www.fondazionecrpesaro.it
Catalogo Skira
Museo Carlo Bilotti -
Aranciera di Villa Borghese
fino al 19 ottobre 2008
The Big Bang.
Il cosmo visto con gli occhi dell'arte
a cura di Gianni Mercurio
viale fiorello la guardia, 4
da martedì a domenica ore 9-19
la biglietteria chiude alle ore 18.30
biglietto integrato Museo + Mostra,
intero 6,00 euro; ridotto 4,00
Tel 06 82059127
museo.bilotti@comune.roma.it
www.museocarlobilotti.it
Catalogo disponibile

54.déjà vu Exibart.onpaper
MILANO.
Jacopo Miliani /
Richard Clements
Una doppia mostra "occupa" la redazione
di una rivista senza carta.
L'altare di una cerimonia interrotta,
oggetti che denunciano la tirannia
della percezione. Riflessioni sul rapporto
tra spazio e spettatore, tra
alchimia, minimalismo e spiritualità...
Siamo abituati a vedere pubblicazioni
virtuali passare dal web alla carta, ma
riviste online che si materializzano
come progetti espositivi sono quasi
una novità. Brown project space nasce
da Brown magazine, dando forma concreta
ai temi al centro della pubblicazione:
spiritualità, alchimia e arte popolare.
L'installazione The Guest di
Jacopo Miliani (Firenze, 1979) riflette
sullo spazio. Sul pavimento è collocata
una piattaforma di quattro lastre nere,
che lo divide in un'area percorribile e
un centro non oltrepassabile per lo
spettatore. La piattaforma s'impone
come una sorta di altare, la cui dimensione
sacra è ribadita e amplificata dai
quattro specchi sui quattro angoli della
stanza, che moltiplicano le dimensioni
e convogliano i raggi in un unico punto,
dando luogo a un'invisibile piramide di
luce. All'esterno di essa, su due pareti
opposte, una maschera e una pietra,
una forma densa di significati simbolici
che fissa la materia da cui deriva.
L'atmosfera sospesa e incontaminata
è violata da un semplice elemento.
Basta un foglio di carta abbandonato
sulla piattaforma a sovvertire l'ordine,
facendo irrompere nello spazio del
cerimoniale una temporalità diversa.
Un semplice oggetto trasforma la perfetta
circolarità senza ripetizioni del rit,
in una successione di momenti, testimonia
l'interruzione di una cerimonia o
il suo essere ancora da compiersi. E
colloca lo spettatore sulla soglia di due
spazi e di due temporalità completamente
differenti. Le opere di Richard
Clements (Londra, 1983) sono oggetti
muti, che s'impongono come baluardi
contro la tirannia della percezione e
le sue pretese di classificazione. Da
una parte, a terra, cinque assi di ebano
e acciaio, assemblate in una forma
aperta. La materia esprime la forza del
suo colore, non manipolato artificialmente,
privo di qualsiasi camuffamento.
Di fianco, una forma chiusa con gli
angoli smussati, il calco in bronzo di un
oggetto trovato, dipinto di bianco,
come lo sgabello di legno su cui è collocato.
Le opere in mostra non eludono
l'obbligo di significazione dello spettatore,
ma intessono legami tra loro,
facendo dialogare differenze e analogie
delle loro forme e della loro materia.
L'aspetto materiale e la trasformazione
degli elementi sono centrali nell'opera
di Clemens. Qui lo sottolineano
soprattutto le due bottiglie di Klein presentate:
alambicchi in vetro ripiegati su
se stessi e senza nessuno sfogo, nessuna
via d'uscita all'esterno.
Intrappolano le particelle di bronzo che
contengono in un processo infinito di
modificazione. Esattamente al contrario
del riposo ermeneutico di cui parla
Tiziano Scarpa, questi oggetti non
offrono alcuna rassicurazione, mantengono
vivo il disagio di un'interpretazione
che non riesce ad afferrare un'unica
chiave in grado di disinnescare la
loro carica semantica. Al contrario,
rimangono silenti e ci intrappolano in
un groviglio inestricabile di significati,
formali, linguistici, spirituali. In una
ricerca senza fine.
Brown Project Space
[stefano mazzoni]
Jacopo Miliani / Richard Clements
via eustachi, 3 (zona porta venezia)
Mob 320 6844091 / 347 6001457
tobebrown@gmail.com
www.brownmagazine.it
MILANO.
Vincenzo Rusciano
Figure prelevate dall'immaginario
infantile. Clown che giocano con
teschi. Il lato oscuro dell'immaginario
fanciullesco si manifesta in una visione
fra lo spettrale e il surreale...
L'eterna
battaglia
fra la vita e
la morte è il
tema centrale
della
prima personalemilanese
di
Vincenzo
Rusciano
(Napoli,
1973) dal
titolo evocativo
Deadline. Tre sculture raffiguranti
dei clown giocano e si relazionano
con altrettanti teschi, sfoggiando
un sorriso beffardo e di sfida
verso lo spettatore. Plasmate con
un gusto teatrale e barocco, le sculture
paiono attori di una scena che
si ripete sempre uguale. La forza di
questa iterazione diventa un'eco che
si propaga nello spazio della galleria.
Il memento mori risuona in maniera
spettrale nell'ambiente spoglio, dove
lo spettatore è chiamato a giocare
la sua partita a scacchi con la
morte. Si materializzano davanti agli
occhi paure e fantasie di una possibile
fine. Rusciano ci aspetta al varco
delle nostre angosce più profonde,
sembra ridere della superstizione
che spesso caratterizza la tradizione
della sua terra e ci sfida con il sorriso
beffardo di un clown, compagno
di giochi della nostra infanzia ma
anche figura terrificante della filmografia
horror.
Il linguaggio formale e materico delle
opere di Rusciano è estremamente
semplice e immediato, ma una pluralità
di riferimenti culturali agiscono e
si manifestano poi nella sua opera.
L'universo poetico di Rusciano ha
infatti attinto a piene mani nella tradizione
campana, giungendo a coniugare
elementi disparati provenienti
dal teatro, dalla dimensione artigiana,
dall'arte presepiale partenopea.
A tutto ciò si aggiungono i prelievi
dall'immaginario infantile: il gioco e il
ricordo compaiono attraverso le
figure di clown, giostre di cavalli,
manichini immersi in una dimensione
fantastica e onirica. Rusciano si
impossessa di archetipi lontani e
presenti nel ricordo di ognuno di noi,
li consuma e li piega a nuove significazioni.
Simboli di un immaginario
candido e infantile, queste figure
diventano spettri pronti a riflettere e
indagare le nostre paure e le inquietudini
più profonde. Le realtà a cui
Rusciano ci sottopone sono fatte di
contrasti e note dolenti, la leggenda
e il mito sono rivissute alla luce delle
tensioni dell'uomo adulto. I clown in
mostra sono riferimenti al nostro
vissuto quotidiano, impietriti da una
malinconia inquietante; ci sfidano a
interrogarci sul senso ultimo della
vita e della nostra esistenza di individui,
lasciando poco spazio alla fuga.
Le pause, i silenzi lasciati dalle sculture
in galleria si frappongono a quesiti
ancestrali e inquietanti. Il mondo
degli adulti è oggetto nell'opera di
Rusciano di una meditazione meticolosa
e profonda. Con la sua riflessione,
l'artista mette in atto la trasposizione
dei desideri e dei sogni della
nostra immacolata infanzia nella
dimensione di una maturità mai
completa, sempre alla ricerca di se
stessa e di risposte per il proprio
avvenire.
[rosa carnevale]
Galleria Annarumma404
Vincenzo Rusciano - Deadline
via casati, 26
(zona repubblica-porta venezia)
Tel 02 39430655
info@annarumma404.com
www.annarumma404.com
MILANO.
Tal R / Luca Trevisani
Uno si diverte a far proliferare segni.
L'altro disegna confini privi d'ossatura.
Frammenti si mescolano tra equilibri
precari ed esplosioni. Due personali per
due artisti sedotti dalla leggerezza...
A lui piace immaginarsi come uno stravagante
chef. Uno di quelli che dagli
avanzi riescono a tirar fuori insospettabili
manicaretti: il mago postmoderno
dei fornelli butta in pentola di tutto e di
più. E la zuppa è servita. Per Tal R
(Israele, 1967; vive a Copenhagen)
fare pittura equivale a "preparare dei
lunch-box", succulenti panieri-sorpresa
in cui scovare armonie di rimasugli iconografici.
Non è un caso che la parola
"kolbojnik" ritorni più volte nel suo percorso.
Il termine israeliano indica proprio
gli avanzi di un lauto pasto, quel
che resta in tavola e che si può ancora
riciclare. Ironia, delicatezza naïf, energia
ludica, accesa fantasmagoria contraddistinguono
la produzione di uno
tra i più interessanti pittori-scultori attivi
sulla scena internazionale. La pulsione
compositiva di Tal R lo spinge a prelevare
frammenti della pop culture -
videogame, cinema, fumetti, tv -
mescolandoli con scene del quotidiano,
derive fiabesche, pseudo-decorativismi.
Tra prosa e poesia, tra cronaca e
mito, i suoi dipinti danno vita a scene
complesse in cui lo spazio si appiattisce
e s'infittisce, approdando a un'astrazione
famelica, esplosiva, gestuale.
L'immersione tra le vicende delle culture
popolari pare dischiudere quell'armonia
segreta che regola i rapporti tra
anima e cosmo: la realtà non è che il
calderone multiforme da cui l'artista
attinge storie e segni, ingredienti per
immaginifiche misture da digerire con
gli occhi. Sorta di obelischi sacri, giocattoli
primordiali o simulacri fallici, le
coloratissime sculture di Tal R - fatte
con stoffa, ceramica, metallo, oggetti
di recupero - uniscono raffinatezza e
semplicità, sperimentando l'apertura
su una temporalità ciclica e anti-storica:
sono forme eterne, nutrite di purezza
universale. Così le tele, sipari dinamici
costruiti con una rigorosa palette
cromatica (sempre e solo nero, bianco,
rosa, verde, rosso, giallo e marrone),
accolgono densi strati di colore
per raccontare la verità di un mondo
candido come un libro di fiabe, ma caotico
e violento come l'esistenza. Anche
Luca Trevisani (Verona, 1979; vive a
Milano e a Berlino) strizza l'occhio a
suggestioni dal sapore infantile, abbandonandosi
all'irresistibile potere del
gioco, della leggerezza, del crossing tra
confini labili. Al piano superiore della
galleria allestisce un teatro minimale
consacrato alla precarietà: carta, cortine
di cellophane, bambù, nylon, resina,
compongono piccoli oggetti e
installazioni sorretti da delicati equilibri
tra forma e spazio. L'energia combinatoria
che muove i flussi della materia
svela dinamiche proprie della fisica,
della matematica ma anche dell'estetica
fondata sul frammento. Caricando
un po' troppo la scena, Trevisani
rischia a tratti di smorzare la forza dell'infinitesimale
e del metamorfico insita
nel raffinato progetto. Un ancor più
deciso vuoto sintattico meglio avrebbe
sostenuto l'avventura condotta lungo
quei "boneless boundaries" su cui l'artista
rintraccia i codici nascosti di una
natura in transito, scandita da irrequiete
geometrie.
Galleria Giò Marconi
[helga marsala]
Tal R - You laugh an ugly laugh
Luca Trevisani - Boundaries are
boneless
via tadino, 15 (zona piazza lima)
Tel/Fax 02 29404373
info@giomarconi.com
www.giomarconi.com
VENEZIA. VERONA.
Daniel Sinsel
David Simpson
Raffinato, nascostamente carnale, Una carriera votata al colore. Fra
omoerotico. Denso di simboli fino quasi arte astratta e rococò. Per celebra-
a sembrare massonico. Eppure, capare gli ottant'anni dell'artista americace
di unire sincreticamente la pittura no, la galleria veronese propone alcu-
italiana del Quattrocento, Von Gloeden ni monocromi. Inediti sulla piazza ita-
e Richard Hamilton...
liana, finora...
Sembra andare contro una pittura
mainstream spettacolare e di grandi
dimensioni che va di moda - ma
anche una tendenza al gigantismo
che si riscontra nella fotografia e nell'installazione
- il lavoro che conduce
con misurata raffinatezza Daniel
Sinsel (Monaco di Baviera, 1976;
vive a Londra), le cui ultime fatiche
sono esposte nella galleria veneziana.
Opere caratterizzate da una particolare
concentrazione intellettuale,
grazie a cui è possibile coniugare
istanze e suggestioni eterogenee, talvolta
in contrasto e volutamente
spiazzanti. Le matrici che danno origine
a questa pittura sono molteplici
e vanno a perdersi nella storia stessa
dell'arte e, in particolare, proprio
della pittura (che l'artista sembra
aver perfettamente metabolizzato),
al punto che le sue tele danno l'impressione
di essere sopra ogni cosa
una riflessione sul dipingere anziché
l'effetto del dipingere. Sono in questo
modo visibili riferimenti alla scuola
italiana del Quattrocento, dall'asciutta
ieraticità di Piero della
Francesca, alla morbida consistenza
degli azzurri delle Madonne belliniane,
ma anche rimandi a una pittura
che ama parlare e mostrarsi
ricorrendo alla possibilità, propria dei
simboli, di veicolare significato nascostamente.
È il caso della tela che rappresenta
un ramo tagliato e coperto
di spine, grazie al quale l'artista
(ri)evoca la lacerazione della carne
comune a tanti martiri cristiani, nonché
una possibile rappresentazione
del fallo e della potenza virile e offensiva
dell'organo, mutuata dall'immaginario
omosessuale. In altri lavori il
simbolismo è meno sussurrato,
come nell'olio in cui tre dorsi con natiche
maschili ben in vista sono messi
in contrapposizione con un flauto a
becco posto trasversalmente; o nell'opera
a tecnica mista realizzata a
partire da una foto di Von Gloeden
di tre ragazzi nudi ed efebici visti di
spalle, sulla cui superficie Sinsel colloca
della stoffa piegata a raviolo e tortellino,
quasi a dire, con ironia, che
entrambi i soggetti possono stimolare
il nostro appetito (con esiti visivi
che talvolta potrebbero ricordare la
produzione di Richard Hamilton).
L'abile trama che l'artista sa ordire è
così quella di un consapevole rimando
alla storia della pittura, su cui gli è
consentito ricamare dense miniature
con un fil rouge di volta in volta
erotico, malinconico, surreale, simbolista
o, in ultima analisi, concettuale.
Ecco così spingere una scultura di
stoffa oltre la superficie (agendo
additivamente dove Fontana voleva
mostrare lo spazio absconditus)
oppure disegnare un nastro le cui
spire toccano la cornice della tela,
memore delle prassi rinascimentale
di cartigli et similia. Solo che però
sono, cornice e nastro, entrambi
dipinti, finti, cioè oggetto di mimesi
pittorica. E in un attimo si capisce
che a essere rappresentata è la
stessa rappresentazione.
Galleria Il Capricorno
[daniele capra]
Daniel Sinsel
san marco 1994 (zona fenice)
Tel/Fax 041 5206920
galleriailcapricorno@libero.it
Artista e studioso, David Simpson
(Pasadena, 1928; vive a Berkeley) ha
dedicato la propria vita al colore,
esplorandone a fondo la forza
espressiva. Lo Studio La Città propone
per l'ottantesimo compleanno una
selezione di opere che ben rappresentano
le linee direttrici della sua
poetica. L'artista americano comincia
a dipingere negli anni del trionfo
dell'arte astratta. Fin da subito predilige
la pittura non figurativa, anche se
legata a temi paesaggistici, e in
breve tempo Rothko diventa il suo
principale ispiratore. La consacrazione
ufficiale arriva negli anni '60 con i
primi monocromi, in particolare con
la mostra Post Painterly Abstraction
al Lacma. E monocromi sono anche
le opere in mostra a Verona, poiché
Simpson ha proseguito fino a oggi
con rigore il proprio percorso alla
riscoperta del colore. D'altra parte, i
lavori esposti mostrano un nuovo
tipo di monocromi, che abbandonano
le pareti per invadere altre dimensioni
spaziali. Per la prima volta in Italia,
sono esposte alcune opere a terra
del 1991 (Light well 2 e Light well 3):
tele tonde che s'impadroniscono del
centro della sala. Coerente con la
semplicità di una pittura minimale,
Simpson trova una via per entrare in
contatto con un'altra forma espressiva,
l'installazione. Un contatto avvenuto
in maniera più incisiva nel 2006,
attraverso un intervento site specific
alla Reggia di Sassuolo.
Le opere di Simpson occupano lo
spazio anche in un altro senso, più
intenso e inatteso: attraverso le interazioni
con la luce. I suoi quadri sono,
infatti, realizzati con un complesso
processo chimico, sviluppato dall'artista
a partire dal 1987. Vari strati di
colore acrilico, basato su titanio biossido
rivestito di particolare mica, vengono
sovrapposti, come Simpson
stesso suggerisce mediante i titoli di
alcune opere, ad esempio A rose, a
silver a green (2002). Come risultato,
a contatto con la luce le tele producono
una serie di effetti cangianti e
mutevoli. Difficile dire di che colore
siano i monocromi: le opere cambiano
a seconda del punto di vista dell'osservatore,
da tonalità pastello a
tinte più intense, con effetti argentati
e dorati. Nelle opere più recenti
(Eureka, 2008; Concord, 2008), le
cromie diventano inoltre notevolmente
più decise e scure, lasciando
meno spazio ai colori del paesaggio.
Questi giochi di luce iridescenti
hanno portato l'artista stesso, per
definire i suoi monocromi, a utilizzare
un'etichetta alquanto inaspettata,
quella di "rococò". Ciò che rende particolarmente
interessante questa
personale veneta è anche il dialogo
con i nuovi spazi espositivi in cui la
galleria si è di recente trasferita. Le
sale bianche e lineari offrono ai
monocromi di David Simpson la possibilità
di esprimersi con tutta la loro
forza.
[marta severo]
Studio La Città
David Simpson
a cura di Angela Madesani
lungadige galtarossa, 21
Tel 045 597549 Fax 045 597028
lacitta@studiolacitta.it
www.studiolacitta.it
Catalogo disponibile

Exibart.onpaper déjà vu.55
BOLOGNA.
Hyon Soo Kim
L'essenza della creazione, della nascita
e della rigenerazione. Mostrata
usando materiali semplici come stoffa
e nastro adesivo. Suggestioni orientali
e occidentali in miscele di fascinazioni
culturali e religiose...
Curata da Valerio Dehò, la mostra da
Artsinergy riparte concettualmente
da M.A.R.I.A., la personale che l'artista
sud-coreana allestì nel 2005 nella
navata centrale della chiesa dei Santi
Pietro e Prospero a Reggio Emilia. Tre
delle venti sculture lì esposte campeggiano
infatti negli spazi della galleria
bolognese: sono piccole madri, figure
di donne con il bambino in grembo,
forme antropomorfe appena abbozzate,
composte dal meticoloso sovrapporsi
di molteplici strisce adesive colorate.
L'iconografia cristiana della
Madonna con bambino (e, a volte, san
Giovanni) riecheggia non solo nelle
sculture, ma anche nei leggeri disegni
d'ispirazione leonardesca che popolano
caoticamente Mandala, la grande
coperta orientale di seta azzurra
appesa come uno "sfondo". Anche nei
light box che costituiscono la serie
Vessel I (x2) è la simbologia religiosa
occidentale a dettare forme e contenuti:
un teschio con la bocca spalancata
di fronte al contorno luminescente
di un calice (un Graal contemporaneo)
diviene simbolo di morte e rinascita.
La gigantesca giara bianca di Vessel
from Stillness, che campeggia all'ingresso,
è un contenitore vuoto, un
recipiente pronto ad accogliere e
riversare, esattamente come il corpo
femminile: materia naturalmente predisposta
a "creare", a concepire,
custodire e generare vita, ad assumere,
in un certo senso e per un periodo
determinato di tempo, la funzione di
Dio. Una grande figura totemica, una
sorta di chimera composta da uno
scheletro umano e da attributi animali
si staglia lungo una parete per un'altezza
di quattro metri. È Dream of a
Pillow, l'opera più significativa di Hyon
Soo Kim (Eui Sung, 1956; vive a
Monaco di Baviera), a cui l'artista ha
dedicato oltre venti anni di lavoro,
cucendo e assemblando decine di
frammenti di preziose stoffe orientali
di differenti provenienze. Dream of a
Pillow, nel suo essere somma di storie
e tradizioni, sembra rappresentare l'inizio
di una nuova religione universale,
un misterioso idolo da adorare, un
nuovo Dio a cui affidare i propri desideri
e a cui rivolgere le proprie preghiere.
Il senso del divino e del sacro, il concetto
di vita nella sua accezione più
religiosa e profonda, l'incredibile
magia racchiusa nella continuità dell'essere
emergono con forza dalle
opere dell'artista coreana, dal suo
ricorrere agli archetipi fondanti la cultura
orientale e quella occidentale, dal
suo mescolare costantemente retaggi,
simboli e richiami. Per rendere universale
l'unica vera materia che
appartiene all'uomo: la vita.
Galleria ArtSinergy
[giulia pezzoli]
Hyon Soo Kim - Life
a cura di Valerio Dehò
via san giorgio, 3 (zona via galliera)
Tel 051 5871145
artsinergybo@artsinergy.com
www.artsinergy.com
FIRENZE.
Cristiana Palandri
Forze dirompenti. Cristallizzate in
segni, in impossibili immobilità, in
nuovi organismi. Tra capelli, ossa e
cera. Cristiana Palandri costruisce
inquiete visioni. Instabili ma durature...
FIRENZE.
Aurelio Amendola
L'attenzione per i dettagli e i particolari.
Per svelare ciò che si nasconde a una
visione d'insieme. Una raccolta fotografica
che ha come trait d'union l'intensità
del gesto e dell'atto creativo...
ROMA. NAPOLI.
Kristof Kintera /
Ilona Nemeth
L'improbabile è il filo rosso della
mostra. Con installazioni che occupano
l'intero spazio e creano suggestive
atmosfere. Mentre i meccanismi
della società contemporanea sono
duramente messi in discussione...
Angela Detanico &
Rafael Lain
Parola, segno, silenzio. Tra mutismi
e facili bla bla bla, l'arte interroga
la comunicazione. E scopre che in
principio era il verbo. Ora, invece, è
il gesto. Nella prima personale italica
della coppia brasiliana...
L'improbabile contat-
L'interno di un
to, diretto ed esclusi-
appartamento
vo, con l'Eterno di
romano. Un uomo e
Ilona Nemeth
una donna a misu-
(Dunajská Streda,
rarlo con un lungo
1963; vive a
discorso fatto di
Budapest) e l'impro-
espressioni mutebabile
utilizzo di voli, movenze a scatti, pensierosi
oggetti comuni di immobilismi. Le parole, poche e acces-
Kristof Kintera (Praga, 1973) sono sorie, fungono da mero epilogo.
l'espressione delle riflessioni che i due Queste le "battute" iniziali de L'eclisse, il
artisti hanno tradotto nelle installazioni film del maestro dei non-detti
"C'è da dire che di Amendola si subisce
il fascino per quel suo modo particolare
di tagliare, in scorci improvvisi,
le immagini del lavoro di alcuni tra i più
dislocate negli ambienti della galleria
romana.
Entrambi, infatti, mettono in discussione
e criticano aspramente (ma gioiosamente)
i processi della società attra-
Michelangelo Antonioni, adottato da
Angela Detanico e Rafael Lain (Caxias
do Sul, 1974 e 1973; vivono a Parigi e
San Paolo) come spunto per la loro
prima personale italiana, votata all'ana-
grandi artisti dal Rinascimento a oggi. verso l'analisi della funzione degli lisi dei linguaggi possibili. Della pellicola,
Ritagli senza tempo che avvincono il oggetti quotidiani, ma la loro manipola- passata alla storia per i suoi esercizi di
fruitore attraverso una morbida, sinzione è parziale, non stravolge affatto incomunicabilità come metafore di
cera espressività del chiaro-scuro". l'intrinseco aspetto, permettendone distanze esistenziali, il duo recupera l'a-
Dichiara Cristiana Palandri
(Firenze, 1977) all'inizio dell'intervista
con Milovan Farronato, riportata
nel catalogo della mostra, che la
scelta di usare i capelli nelle sue
opere nasce dal fatto che "è un
materiale organico" e "deriva direttamente
dall'uomo. È un buon motivo
per utilizzarlo con l'intenzione di
parlare di se stessi".
Da ciò deriva la forte sensazione di
carica vitale che si riscontra nei
lavori di Palandri in mostra da
Ugolini (composti, tra gli altri materiali,
non solo da capelli ma anche
da ossi ripuliti con cura dall'artista).
E tuttavia, sembra consistere in un
punto di partenza, piuttosto che di
arrivo, per le opere stesse. È nell'organizzazione
di queste ultime - tre
delle quali site specific - che si manifesta
l'energia di cui i materiali sono
latori: le ciocche di capelli di Beyond
head sono inserite direttamente
nel muro, da cui sembrano essere
emerse, spuntate come materia
viva, appunto, quasi come lava che,
invece di solidificarsi, rimane morbida,
flessibile. Quello che emerge è
una forza, ma una forza ormai trascorsa,
sprigionatasi nel passato,
che si è ricomposta poi in una
immobilità assoluta, per quanto
improbabile. Una forza diventata
ormai forma, che si impone come
segno sulla parete bianca. È ancora
l'artista a sottolineare la volontà di
usare i "capelli in sostituzione alle
linee segnate dalla penna o dalla
china".
Una forza, inoltre, che cristallizzandosi
in una forma assume, come si
è detto, un'immobilità assoluta, centripeta,
inspiegabile: si veda Zero, in
cui da una lunga asta di legno,
sospesa in una impossibile posizione
obliqua, spuntano insieme ad
altri materiali ciocche di capelli: una
"immagine allucinatoria", per prendere
ancora una volta a prestito le
parole dell'artista, ma così potente
da costituirsi come una nuova realtà.
Come succede nella terza opera
site specific, in cui ossa e capelli,
cera e garza, piume e schiuma
poliuretanica creano un nuovo
organismo.
Infine, in mostra una delle
Diatomee, disegni poi ricoperti da
uno strato di cera. Tratti ormai pietrificati,
il cui ricordo continua però
a agitarsi.
Con queste parole di Carlo Frittelli si
apre il catalogo della mostra fotografica
di Aurelio Amendola nella galleria
fiorentina. Una corposa selezione che
si divide in due serie: la prima dedicata
a Michelangelo, l'altra a Burri. Due
distinte raccolte che, estremamente
distanti all'apparenza, si uniscono nel
talento e nell'interpretazione del fotografo,
generando a sua volta opere
nuove, ugualmente lontane dai soggetti
che rappresentano. Due fili invisibili
conducono quindi da una serie
all'altra, da un lato l'occhio indagatore
e scopritore di Amendola, dall'altra la
forza creativa dell'artista, il foco - quello
di cui parla Michelangelo nel sonetto
97 delle sue Rime e da cui prende
il titolo la mostra - che rinnova e
infiamma l'artista. Lo stesso fuoco
adoperato dall'amico Burri per le sue
combustioni e che Amendola immortala
in una serie di scatti, allestiti su
una parete frontale all'ingresso della
galleria, che all'occhio dell'osservatore
si trasforma in sequenza filmica.
Attraverso la scoperta di differenti
prospettive, l'obiettivo del fotografo
rimanda l'intensità dei gesti dell'artista
di Città di Castello; l'immagine che ne
nasce viene a assumere quei caratteri
di originalità che rendono Amendola
artista invece che osservatore. Di
rimando immediato lo sfrigolio del cellotex
insieme al rumore della fiamma
che lo forgia, e lo sguardo dell'artista
intento a contenere il tutto. La creazione
attraverso la distruzione o, per
dirla come Michelangelo, la sottrazione.
Ugualmente, la serie dedicata a
Buonarroti, presentando particolari
dei geniali marmi rinascimentali tra
sfondi neri e misteriosi chiaroscuri, ne
abolisce i contesti originali, superandoli
verso un piano sia sequenziale che
attuale. Attraverso la sua interpretazione,
le opere si improvvisano e reinventano,
si stringono i rapporti tra
oggetto ripreso, soggetto che riprende
e visitatore. La macchina fotografica
perde il punto di vista distante e
oggettivo che la contraddistingue
come mezzo di osservazione, per
regalare allo spettatore moderne
visioni empaticamente cariche di
nuovo stupore e bellezza. Gli scatti
indagatori, esaltando particolari altrimenti
nascosti, prevaricano il reale
scarto secolare che separa i due artisti,
per ricollocarli su un ideale piano
atemporale.
[valentina bartarelli]
sempre l'immediata riconoscibilità. È
così per Fatal Egoist di Kintera: una
malformata e inutilizzabile mountain
bike che sembra essersi appena
schiantata contro un palo, ma che poi,
a ben guardare, conserva un valore
formale che la rende di fatto un affascinantissimo
oggetto di design. Ed è così
anche per Pax Nexus Salvus di
Nemeth: un comune armadio-guardaroba
di Ikea mantiene intatta la sua
struttura esterna, mentre all'interno
tutto viene deformato: i ripiani e i cassetti,
caratteristici della 'griffe' svedese,
sono sostituiti da quegli elementi
peculiari di ogni confessionale. Le tre
ante sono occupate, ai due lati, dagli
inginocchiatoi dei fedeli e dalla grata
attraverso la quale il penitente confessa
i propri peccati al sacerdote. Simile
il procedimento in Malm-in, la cassettiera
che, ugualmente, mantiene invariata
la struttura. Nella parte anteriore
rimangono i cinque cassetti, mentre
nella parte posteriore è inserito un
inconfondibile inginocchiatoio.
Entrambi i mobili sembrano esprimere
un concetto di religiosità intima e
domestica, tipica del passato, ma qui
resa più nascosta, perché sono perfettamente
mimetizzati con l'arredamento
casalingo; o addirittura esprimere
una modalità di usa-e-getta della religione
che, passate le mode, può esser
sostituita da qualcosa di più moderno
o continuamente rinnovata. Oppure,
ancora, la globalizzazione di un messaggio
religioso che, nella sua estrema
diffusione, perde appunto d'identità e
spessore. Ma anche, forse, la presunzione
di poter gestire, in maniera autonoma
e individuale, il rapporto con
l'Eterno, senza l'intermediazione di
alcuna struttura chiesastica. Molteplici
dunque i piani di analisi per una lavoro
che proprio per questo risulta complesso
e maturo. Lo stesso concetto
paradossale è espresso da My light is
your light di Kintera: un grande lampadario,
appoggiato al soffitto perché le
sue enormi dimensioni gli impediscono
di essere appeso, e costruito con originali
lampioni stradali cecoslovacchi e
inserito in un ambiente altro. È una
scultura straniante, animale o vegetale,
che pare essere sempre stata nello
spazio della galleria. Di essere germinata
e cresciuta qui, come una piovra
in un acquario troppo piccolo. Volendo
forzare la lettura, i lavori letti in conseguenza
riescono a creare una sorta di
percorso "spirituale". Un tracciato
ascetico secondo il quale attraverso
un'intima preghiera e profonda confessione
dei propri quotidiani peccati, si
può raggiungere la luce. Anche se artificiale
e tutt'altro che rassicurante.
spetto più tecnico e sperimentale, realizzando
un'opera - una seconda Eclissi
- che codifica l'intera traccia audio del
film in un elegante insieme segnico
fatto di parentesi e tratteggi, improvvisando
in tal modo una sorta di timbrica
del silenzio. Il privilegio della parola
viene dunque sostituito da nuove
modalità di comunicazione, le stesse
che permisero ad Antonioni di lavorare
per tanti capolavori ancora, nonostante
il forzoso mutismo provocato da un
ictus nel 1994.
Il sovvertimento linguistico in espedienti
rappresentativi prosegue con Braille
Ligado. Si tratta di un'installazione di
neon che formano coni luminosi, unendo
i punti del linguaggio gestuale.
Realizzando così, ancora una volta, una
lingua visiva che sembrerebbe echeggiare
le ricerche effettuate da
Brancusi per le sue Sculture per ciechi.
Tuttavia, se il non-visibile brancusiano
viene adottato come metafora della
non rappresentazione, utile a esprimere
il puro concetto formale e a dare
spazio all'immaginazione, la coppia brasiliana,
invece, trasforma qualcosa di
percepibile solo al tatto - e che rinvia
nella mente a un concetto alfabetico -
fino a farne linguaggio di rappresentazione,
una sorta di tecnica artistica,
nuovissima e del tutto originale, con cui
scrivere ancora la parola "eclisse".
Non è più incomunicabilità esistenziale
all'Antonioni, dunque; al contrario, una
nuova frontiera della comunicazione
che, con bonaria presunzione, fa dell'arte
un linguaggio non soltanto universale,
ma addirittura cosmico. Ne è un
esempio di estrema raffinatezza
Helvetica Concentrated, opera complessa
- il lavoro costituisce ancora un
work in progress e ha all'interno della
galleria solo una piccola rappresentanza
- che fa della parola l'espediente per
la rappresentazione delle stelle. A ciascun
segno alfabetico, trascritto adottando
proprio il carattere Helvetica, è
associata una determinata quantità
d'inchiostro, in modo tale che le lettere
che compongono il nome di ciascun
astro, tradotte in valore cromatico, finiscano
per tracciare un'immagine degli
stessi, nuova, astratta e concettuale,
avvicinando l'arte alla vita. Anno Zero,
video minimalista in cui lettere dell'alfabeto
scorrono con cadenza regolare
fino a quando, per un casuale gioco di
coincidenze, il loro incontro produce la
frase "Avanti Cristo - Dopo Cristo",
chiude questo lungo meeting della
comunicazione, realizzando una diversa
quanto lungimirante analisi dell'evoluzione
umana alla luce del gesto e
della parola. Verba volant, ars manent.
[carla rossetti]
[donata panizza]
[daniela trincia]
Frittelli Arte Contemporanea
Galleria Daniele Ugolini
Contemporary
Aurelio Amendola -
Michelangelo/Burri. Colpa è di chi
VM21artecontemporanea
fino al 27 settembre 2008
BlindArte Contemporanea
fino all'11 ottobre
m'ha destinato al foco
Kristof Kintera / Ilona Nemeth - Rituals Angela Detanico & Rafael Lain - Il
Cristiana Palandri - Unsettled via val di marina, 15 (zona novoli) a cura di Lydia Pribisová
silenzio dell'eclissi
via montebello, 22/r
Tel 055 410153 Fax 055 4377359 via della vetrina, 21
via caio duilio, 4/d (zona fuorigrotta)
(zona ognissanti)
info@frittelliarte.it
da lunedì a venerdì ore 11-19,30; da lunedì a venerdì ore 10-13 e 16-19
Tel/Fax 055 2654183
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sabato su appuntamento
Ingresso libero
director@ugoliniart.com
Catalogo Carlo Cambi-
Ingresso libero
Tel 081 2395261
www.ugoliniart.com
Spaziotempo con testi di Maurizio Tel/Fax 06 68891365
Fax 081 5935042
Catalogo con testo di Milovan Calvesi, Sergio Risaliti e
info@vm21contemporanea.com info@blindarte.com
Farronato
Francesco Vossilla
www.vm21contemporanea.com www.blindarte.com

56.intervallo Exibart.onpaper
le preferenze di Gino Agnese
Presidente della Quadriennale di Roma
Monique Veaute - direttore di Palazzo Grassi, tenterà il tredici sul prossimo numero
ahbbellooo!!!
s t r a f a l c i o n i d i g e s t
"Il Corso Superiore di Arti Visive della Fondazione Antonio Ratti, curato da
Lucia Cerizza, Cesare Pietroiusti e Anna Daneri..."
[tiziana ricci presenta la nuova edizione del corso su radio popolare di milano]
Oddio, non ci metteremmo una mano sul fuoco perché a Berlino, ben si
sa, le trasgressioni sono all'ordine del giorno. Tuttavia tendiamo ad essere
quasi certi nell'affermare che Luca Cerizza, al momento, non ha cambiato
ancora sesso...
"Inaugurato a fine maggio, dopo il suggestivo restyling dello studio KSV..."
[carlotta magnanini sull'espresso parla del bolzanino museion]
Bisognerebbe domandarlo agli architetti berlinesi se sono contenti che il
loro bell'edificio alto-atesino sia stato declassato a banale ristrutturazione...
...Donatella Volontà curerà il moderno e Laura Garbarino sarà il referente per i
collezionisti
[il sole24ore dà notizia dei cambiamenti sulla tolda di comando della fiera
miart]
Siamo certi anche noi che la brava Donatella ci metterà la massima
buona volontà, ma lei continua sempre, tuttavia, a chiamarsi Volonté!
premio spam per l’arte.
abbiate pietà di noi (e della nostra e-mail)
Deve essere stata la città, anzi cittadina toscana, ad avere
influenzato l'atroce mitragliata di e-mail. Ehssì perché lo
spam è cosa, sarete tutti d'accordo con noi, piuttosto greve.
E la mostra di cui vi vogliamo parlare, proprio a Greve (in
Chianti) si svolge. Esatto, avete capito, stiamo parlando di
TUSCIAELECTA
FACCIAMO13CON
01. La città Napoli
02. Il libro La rivoluzione inavvertita di Elisabeth Eisenstein
03. Il film Tuttofellini
04. Il cantante Mina
05. Il ristorante domestico
06. Il cocktail vin blanc
07. L'uomo politico Fini
08. Il quotidiano Corriere della Sera
09. L'automobile Smart
10. Lo stilista Missoni
11. L'attore Penelope Cruz
12. Il programma tv TG1
13. La canzone Dove sta Zaza’ di Cutolo - Cioffi
È una rassegna di arte contemporanea nel Chianti, ma non
si è mai rassegnata a convincersi che basterebbe anche una
sola e-mail per segnalare un evento. E infatti per questa
mostra (inaugurata lo scorso 20 settembre; a cura di
Arabella Natalini) Mario Airò ha proposto un'installazione
luminosa optando, anche, per illuminare permanentemente
(d'altronde è un'opera permanente) la spia "posta in arrivo"
della nostra martorizzata casella.
# lemma
di marco enrico giacomelli
PIANOFORTE
Robin Rhode - Promenade - veduta parziale della mostra presso Tucci
Russo Studio per l'Arte Contemporanea, Torre Pellice (TO) 2008
Il pianoforte è un simbolo,
ovvero raccoglie su di sé,
magari suo malgrado, l'idea
di musica in tutta la sua tradizionalità.
Poiché è un termine
che ultimamente piace
assai, si potrebbe dire che è
il monumento della disciplina
artistica più distante dalla
mimesis, statuario e - quand'è
a coda - sinuoso.
Addirittura ammiccante, lucido
nel superbo nero, o pacchianissimo
nell'abbacinante
candore (rammentiamo un
esemplare di tal fatta che
compariva come d'incanto in
notturna su un molo deserto,
allo sgabello un folgorante
Nino D'Angelo). Poiché si
uccidono i padri e non i
nonni, è comprensibile che il
pianoforte compaia in
soprattutto nell'arte degli
anni '60 e '70. Accumulando
le proprie apparizioni specie
nell'opera del recentemente
scomparso Giuseppe Chiari,
isolato rappresentante in
patria di Fluxus. Doveroso
dunque richiamare un capostipite,
il Klavier Intégral
(1958-63) di Nam June
Paik, sobbarcantesi telefoni
e reggipetto, lampadine e
macchinine. Tornando a
Chiari, va citato qualche
esempio: la Video performance
di Antonio
D'Agostino, risalente al
1974 in quel di Basilea; per
scivolare al 1995, quando
collage e colori aggrediscono
gentilmente un
Clavicembalo; nel mezzo sta
la Scultura per pianoforte,
del 1989. Quest'ultima esposta
alla mostra milanese
Rumore: un buco nel silenzio,
dove la profusione di tali
strumenti sconcertava: oltre
a quello di Chiari v'era il pianoforte
rovesciato di John
Cage (notate il titolo dell'opera:
Please Play or the
Mother, the Father or the
Family), l'Hommage à
Marinetti da un'idea di quest'ultimo,
nonché un nutrito
(con balla di fieno e secchio
d'acqua) esemplare a coda
che La Monte Young dedica
allo straordinario interprete
in Piano Piece for David
Tudor #1 (sia detto fra queste
parentesi: se lo statunitense
gli dà da mangiare,
Beuys lo albergava nel feltro,
comme d'habitude).
L'approccio si fa più etereo e
concettuale - quanto ci
sarebbe da dire sulla storia
del ruolo assegnato alla
musica nei vari sistemi delle
arti, dal sunnominato
Platone a Schopenhauer,
almeno - in una triplice italiana
o tale d'adozione: con
Giulio Paolini che rende il
pianoforte il fulcro d'una
delle sue complesse e origamiche
riflessioni; con Jannis
Kounellis, che lo issa e lo fa
suonare nello scenario imperioso
della Fondazione
Pomodoro; con Vettor
Pisani che, di due pianoforti,
fa un panino con ripieno di
Leonardo e aggiunta di mele
per un Concerto invisibile di
Gino De Dominicis. Noterete
l'età e la provenienza, quasi
monotona. A mescolare un
poco le carte ci pensa James
Hopkins, nato nel 1976 nel
Cheshire, con Sliding the
Scale: smaccatamente utilizza
un pianoforte a coda
costruito ad hoc per irridere
- siam sempre all'avo greco -
l'occhio e il suo essere soggetto
all'illusione, ammesso
che di contro vi sia la dura
realtà. Medesima data di
nascita e medesimo intento
illusor-ironico per il sudafricano
Robin Rhode, recentemente
in personale da Tucci
Russo. Chiude un gallese
classe 1982, Dan Rees, che
poco meno d'un anno fa ha
presentato a Napoli una
serie di sei scatti di Black and
White things in Black and
White. E a cosa, se non a un
pianoforte, poteva andare il
posto d'onore?
Il prossimo lemma sarà
cane

58.recensioni Exibart.onpaper
rocky mountain people show
Cosa propone la Galleria Civica durante Manifesta7? Una serie di grossi nomi in rare performance. E, nel
frattempo, cosa c'è in galleria ad "accogliere" chi arriva in Trentino? Una strana coppia...
Al piano superiore, una successione
ordinata di disegni e collage
di McCarthy; al piano interrato,
gli Avaf. Questo ha scelto di
presentare la Civica di Trento per
l'occasione assolutamente eccezionale
della presenza di
Manifesta7 in Trentino Alto Adige.
I disegni incorniciati sono stati
realizzati da Paul McCarthy attraverso
una stretta collaborazione
con Benjamin Weissman, svoltasi
negli ultimi dieci anni fra le alture
del Nevada. La montagna è l'elemento
ricorrente, senza soluzione
di continuità, in ogni pezzo che
fa parte dell'estesa serie che si
presenta estremamente unitaria
malgrado la dilatazione nel tempo.
Con la montagna come sfondo e
come tematica, si svolgono nel
bianco e nero del disegno scene
di sesso senza limiti, sottolineate
da parole e ritagli di riviste.
Scorrono "in silenzio" anche gli
Avaf, più nuovi ma altrettanto
decisi e (di solito) senza mezze
misure. La sala è sgombra e le
grafiche colorate e psichedeliche
sono incollate in una texture continua
e astratta alle pareti e al pavimento,
come moquette. L'effetto
è quello di una balera chiusa o di
un progetto di Guillaume Bijl, di
cui si è appena conclusa la retrospettiva
allo Smak di Gent, con le
sue scenografie di assembramenti
umani, fiere, cinema, uffici.
enzo cucchi
Davanti alla nuova mostra
di Enzo Cucchi (Morro d'Alba,
Ancona, 1949; vive ad Ancona
e Roma) si è come attori di uno
strano accadere. Dapprima è
un senso di disorientamento,
frustrazione, persino rabbia. Si
vaga da un punto all'altro del
percorso con la mente vuota e
convinti, senza saperne dare
una definizione, che manchi
qualcosa. Poi questa assenza,
d'improvviso, si fa rivelazione.
Sospesi sulle nostre vertigini
emotive - quasi fossimo quegli
uomini sulla cima di monti
misteriosi, tracciati a carboncino
dentro le spoglie cornici - ci
accorgiamo del nostro esser
già precipitati. Giù senza difese,
profondamente catturati dalle
visioni dell'artista, fino a sentirne
l'intimo respiro. Un avvicina-
mento che avviene dunque non
per comprensione ma per sensibilità,
lontano dalla fascinazione
dei concetti, degli intellettualismi,
delle dottissime spiegazioni
a corredo.
Coerentemente l'esposizione
Cucchi DISegno, realizzata dal
Comune di Lucca in collaborazione
con la Fondazione Cassa
di Risparmio della Provincia, si
propone sulla base esclusiva dei
disegni, senza ricorrere ad
alcun testo o cronologia.
Soltanto l'evidenza di centosessantotto
piccole tracce, tutte
provenienti dalla Galleria Emilio
Mazzoli, come testimonianza di
un'intera carriera.
Il titolo della mostra, anche nella
grafia, è rivelatore di una differenza
profonda: ovvero, se il
disegno è la fase in cui l'idea
artistica già si rende riconoscibile,
il segno è invece l'istante
dell'intuizione, del restare significante.
Partendo da ciò, i
DISegni di Enzo Cucchi si pongono
come preparazione eventuale
a una logica del discorso:
casa, cane, mano, croce,
monte, uva, uomo, simboli ancora
in stato embrionale - e in
quanto tali dal sapore esoterico
- diverranno forse, un giorno,
connotativi di uno stile personale.
Allo stesso modo, piccoli fogli
strappati da quaderni potrebbe-
Deserti e stranianti. Ma gli Avaf
(che hanno appena realizzato un
progetto nel nuovo spazio di
Deitch a Long Island e sono stati a
Roma per il progetto Enel
Contemporanea nell'area archeologica
di Largo Argentina) non
sono così; sono tutto il contrario,
vistosi e rumorosi. E affollati, con i
raduni, le maschere e i travestimenti.
Insomma, abitualmente
sono tipi da Rocky Horror Picture
Show. Il titolo del progetto della
Civica si espande sotto il titolo
ro in futuro essere trasposti su
tela. Sarà solo il tempo a rivelarlo.
In fondo che importa? Per
l'artista conta semmai il dubbio,
poiché esso, declinando ogni
responsabilità d'affermazione,
permette di esprimersi al massimo
della sincerità, di trasfigurarsi
in reminiscenze di vita o di
sogno. La bibbia della genesi e
dell'apocalisse, l'incontaminata
terra natia, il movimento delle
linee, il mistero divino e pauroso
comune Rocky Mountain People
Show anche in una serie di performance
attorno all'idea di spettacolarità
dell'arte. Peccato che gli
eventi siano rari (un paio finora)
rispetto all'affluenza eccezionale e
costante di pubblico in Regione
per Manifesta. A ogni modo, gli
artisti hanno risposto all'invito con
una riflessione sull'uso di modalità
proprie dello spettacolo (teatro
"classico", teatro di strada, partecipativo...).
John Bock ha creato
un'impegnativa esibizione articola-
della natura. Sfuggendo l'opera
alla costruzione del senso,
anche lo spettatore ritorna libero.
Ne conseguono i sentimenti
estranianti di cui si scriveva all'inizio.
La prima scelta per le
nuove sale di Palazzo Guinigi è
dunque coraggiosa, poiché ricaduta
su due identità volontariamente
mancate. La prima è una
mostra che non vuol darsi come
tale, in quanto privilegia dell'opera
di Enzo Cucchi il suo labirinto,
ta in tre ore e duecento metri di
dislivello. Si è infatti infilato in una
piccola cabina della funivia che
collega Trento con il panoramico
paesino di Sardagna, sulla montagna
antistante la cittadina, e ha
iniziato una serie di spettacoli in
miniatura sempre diversi per un
paio di passeggeri, gente dell'arte
ma anche abituali pendolari e turisti
colti di sorpresa. Ruotava intorno
a citazioni degli antichi teatrini
di burattini, ma cantando, creando
scene e brandendo pupazzi
fatti di seni e cavità anali che
spruzzavano shampoo come
sperma o marmellata come feci.
Dopo una coincidenza involontaria
- una funivia è presente anche nei
disegni di McCarthy - è stata la
volta dei My Barbarian. Anche da
parte loro c'è stata una citazione
del teatro, tanto che - sia per
tematica che per modalità di presentazione
fuori dagli spazi abituali
- la mostra attuale sembra proseguire
il precedente progetto Il
teatro della vita. In particolare,
infatti, si sono ricollegati al teatro
partecipativo degli anni '60 e, con
un gruppo di volontari, hanno
messo in scena uno spettacolo in
piazza fatto di momenti individuali
e di gruppo, cantando miti e falsi
miti dell'Italia di ieri e di oggi, da
Mani pulite a Padre Pio.
[mariella rossi]
Nero su bianco, segni che ancora precedono la costruzione del senso. Il tratto di Enzo Cucchi, semplice
come la mano dei bambini, ritorna alla più profonda aspirazione dell'arte: sentire. Per inaugurare le nuove
sale di Palazzo Guinigi...
info.
fino al 2 novembre 2008
Enzo Cucchi - DISegno
Palazzo Guinigi - Museo a tempo
Via Guinigi, 29 - 55100 Lucca
fino al 30 settembre, tutti i giorni ore
10-19, sabato ore 21-24;
dal 1° ottobre, da martedì a venerdì
ore 15-19, sabato e festivi ore 10-
13 e 15-19
Ingresso libero
Tel 0583 442916
Fax 0583 442785
Catalogo disponibile
info.
fino al 2 novembre 2008
Rocky Mountain People Show
a cura di Fabio Cavallucci e
Cristina Natalicchio
Galleria Civica d'Arte Contemporanea
Via Belenzani, 46 - Trento
Orario: da martedì a domenica ore 10-18
Ingresso libero
Tel 0461 985511
Fax 0461 237033
info@galleriacivica.it
www.workartonline.net
Enzo Cucchi
- Gomito da
aria, 1995 -
matita, carboncino
e
acquerello su
carta,
49x34,4 cm
Assume
Vivid Astro
Focus -
installation at
the Galleria
Civica di Arte
Contemporan
ea of Trento,
2008, ph.
Hugo Munoz,
courtesy
Ernesto
Esposito and
Galleria Civica
di Arte
Contemporan
ea of Trento.
lo "lavora dentro", come segnalato
nello splendido saggio di
Achille Bonito Oliva in catalogo.
La seconda è un museo a
tempo, che esordisce non proponendo
ma sperimentando,
quasi si trattasse di un numero
zero. Lucca dimostra insomma
di avere passione e idee; attendiamo
con piacere i prossimi
eventi.
[matteo innocenti]

60.trecapitali Exibart.onpaper
The game is over. Beijing si lascia alle spalle le Olimpiadi e organizza la prossima fall season. Con un programma dinamico, articolato tra il primo crossover di arte contemporanea e rock 'n' roll e il Super Ganbei…
Li Yifan - Legal Archives - installazione per la
mostra Microscopic Narration presso Iberia Art
Center, 798 Art District, Beijing
Dopo la strepitosa estate olimpica, per Pechino si
apre un nuovo capitolo. L'ondata di internazionalità
portata dai Giochi ha donato maggior consapevolezza
alla città che apre la stagione autunnale
con un programma dinamico e originale. Conscia
dei propri diritti e doveri, reagisce alla corsa all'oro
di speculatori e appassionati d'arte, iniziando
ad organizzare un idoneo sistema artistico. Gli
addetti sono intenti a costruire una durevole infrastruttura
a supporto dell'arte in rapida espansione.
Si consolidano, ad esempio, i distretti artistici
"secondari" sparsi nella zona nord-est della città.
Ma quale crisi e crisi. I tempi bui sono roba del mondo della finanza, non certo di quello dell'arte. Almeno a guardare cosa succede a Londra. Dove la stagione riprende con l'obiettivo di arrivare, più swinging
possibile, all'appuntamento di Frieze...
Il 'Portavilion' di Dan Graham in Holland Park
Come da diversi anni a questa parte, il mese di
settembre a Londra non solamente segna la
fine del torpore estivo ed il generale risveglio
autunnale di spazi espositivi pubblici e privati,
ma annuncia anche l'approssimarsi della Frieze
Art Fair di ottobre e prepara dunque il terreno
all'eccitamento di quei giorni.
Aprono così nuove gallerie, dalla Madison
Contemporary Art, diretta da Robin Page ed Eric
e Geihle Sander, che ha inaugurato il 17 settembre
in Marylebone con una mostra di rare prove
d'artista provenienti dalla collezione di Robyn
Denny, alla Yvon Lambert (già presente a Parigi e
Ricchezza di proposte interessanti in piccoli musei e associazioni. New York fa ripartire la stagione anche all'insegna di presenze italiane. Il tutto mentre prosegue, sullo sfondo, la transumanza
di gallerie e soprattutto di spazi no-profit dalla esosa Chelsea al ben più accogliente - almeno per ora - Lower East Side…
Xaviera Simmons - Man with ball (Bronx as
studio), 2008 - courtesy The Bronx Museum
Con due presenze italiche si apre il sipario su
un'altra stagione artistica newyorchese che si
preannuncia ricca di iniziative e niente affatto
pronta a chinarsi alle sferzate della recessione
o del dollaro debole.
Sarà il frutto di un genuino ottimismo nutrito
dall'imminenza delle prossime elezioni?
L'arte più genuina si trova a Caochangdi Village,
Jiuchang, Beihuqu Lu, Huajiadi Nanlu, Anwai
Beiyuan vicino al Parco Olimpico e l'Accademia
Centrale di Belle Arti. La Factory 798 mantiene il
suo vantaggio come polo culturale, centro di
ampio raggio che sconfina rispetto alle sole arti
visive e rappresenta una location privilegiata per
eventi di vario genere. Dopo il lifting olimpico la
798, oggi, è uno dei luoghi più piacevoli per una
passeggiata domenicale o per una cena fusion.
Galleria Continua si conferma come lo spazio
d'eccellenza per i progetti site specific e questo
mese invita gli spettatori a una profonda meditazione,
attraverso le metafore di vita dell'artista
coreano Kimsooja. La video-installazione
"Mumbai: A Laundry Field", presenta il lavoro di
questo mediatore visivo e spirituale attraverso la
proiezione di quattro video filmati in diverse città
del mondo. L'artista porge il dorso alla telecamera,
mostrando la sola silhouette del proprio corpo
in controluce, come un’ombra poco visibile e anonima,
creando un'esperienza ipnotica di forte
impatto tra la meraviglia e lo sgomento.
All'UCCA, l'Ullens Center of Contemporary Art, da
un anno considerato il faro della scena contemporanea
della città, proseguono le iniziative tra corsi,
convegni, forum, eventi speciali, film, performance
e mostre su vasta scala. Attualmente in
mostra Our Future: The Guy & Myriam Ullens
Foundation Collection. Si tratta di una proposta
complessa che mira ad essere un progetto educativo
sul futuro dell'arte contemporanea in Cina.
È un omaggio al lavoro di diverse generazioni di
artisti che nell'ultimo decennio hanno contribuito
alla storia dell'arte cinese. In mostra un centinaio
di opere, con oltre sessanta artisti, tra i nomi di
spicco: Ai Wei Wei, Michael Lin, Wang Du,
Wang Jianwei, Wen Fang, Yan Lei, Yan Peiming,
Chen Zhen, Gu Wenda, Huang Yong Ping, Wang
New York) con uno spazio su tre piani in Hoxton
Square, in concorrenza con la White Cube. In
tempo per Frieze aprirà poi a metà ottobre nel
West End, in prossimità della Modern Art di
Stuart Shave, Pilar Corrias, disegnata dall'archistar
Rem Koolhaas e con un intrigante programma
'fuori sede'. Tra gli spazi indipendenti inaugurano
poi Working Rooms in Kingland Road, già
studio e spazio progettuale aperto a proposte di
artisti e curatori, Art Vandelay, gestita dall'artista
Matt Golden con l'intento di promuovere creativi
emergenti anche attraverso pubblicazioni (come
già la prima monografia di Benbo George) ed una
rivista quadrimestrale. Calvert 22 apre poi i battenti
nel bel mezzo di Shoreditch con una mostramonster
di ventuno artisti, Fresh Air Machine,
estesa su due piani fino al 31 ottobre.
Il 9 ottobre riaprirà la Saatchi Gallery con la mostra
"The Revolution Continues: New Chinese Art".
Gratuito l'ingresso nel prestigioso spazio espositivo,
disegnato dagli architetti Allford Hall Monaghan
Morris nell'edificio ex-caserma militare di Kings
Road, grazie alla partnership con la casa d'aste
Phillips de Pury. Le novità qui sono un programma
educativo per le scuole e due sale destinate alla
presentazione di giovani artisti le cui opere verranno
messe in vendita senza commissioni.
Staremo a vedere…
Intanto, Nicoletta Agostini al suo primo solo da
LMAKprojects e Nico Vascellari nella collettiva
ALL CUT UP da Roebling Hall si affiancano alla
miriade di vernissage che durante i mesi di settembre
e ottobre ridanno linfa vitale a una
Chelsea estiva piuttosto soporifera.
Nicoletta Agostini presenta Portraits, una
serie di oltre settecento disegni allestiti a parete
ad imitare una carta da parati d'autore, con
cui l'artista riflette sulle sfaccettature della psiche
umane e sulle sue manifestazioni antropologiche.
Attraverso ritratti che delineano solo la
silhouette di amici e colleghi che sono immortalati
privi della testa, è interessante notare quanti
dettagli relativi alla postura, all'abbigliamento
e all'atteggiamento sarebbero invece passati
inosservati se questi "fotogrammi cinematici"
avessero mostrato anche i loro volti.
Seguendo un trend piuttosto ricorrente, anche
sottolineato dalla mostra inaugurale del New
Museum Unmonumental, la collettiva ALL CUT
UP esplora la tecnica del collage nelle varie
declinazioni. Nico Vascellari è in mostra con
puzzle ossessivi di ritagli di giornale che incorniciano
solo volti glamorous di personaggi famosi,
o solo i loro occhi destri, poi riarrangiati su
un foglio della grandezza stessa della rivista
Guangyi, Wang Du, Zhang Xiaogang. Di imminente
apertura 24 Seconds of Silence, prima personale
in Asia dell'artista coreano Won Ju Lim,
che presenta la sua ultima installazione, una
struttura di quattordici sculture illuminate da cinque
proiezioni video che riflettono la vitalità e la
frammentazione del paesaggio urbano di
Pechino, ma anche a scenari tratti dalla finzione
fantascientifica cinematografica.
L'Iberia Art Center, recente acquisto per la
Factory 798, inaugura la nuova stagione autunnale
con Microscopic Narration: Social Images by
Zhang Xiaotao and Li Yifan. Si tratta di una
mostra tematica composta da due personali:
"Mist" di Zhang Xiaotao e "Dossier" di Li Yifan. Gli
artisti pur attraverso due percorsi differenti, uno
pittore l'altro regista, narrano la moderna realtà
cinese. Recentemente Zhang Xiaotao sperimenta
una prospettiva visiva simbolica e microscopica
con immagini che richiamano l'ansia e l'irrequietezza
incorporate nella società cinese durante
l'attuale fase di trasformazione. Parallelamente
le indagini di Li Yifan analizzano diversi campioni
delle classi sociali, portando in primo piano il
senso di disagio e le sfaccettature spirituali proprie
del periodo di transizione che attraversa.
Questo spazio si è imposto fin dai primi mesi
come uno dei migliori per qualità e organizzazione.
Cerimonie d'effetto e progetti coerenti soddisfano
un pubblico diventato ormai più esigente.
Per queste due grandi istituzioni, l'Iberia Art
Center e Ucca, è tempo di stuzzicanti aperture. I
due gioielli della Factory 798 inaugurano infatti
rispettivamente un Cafè e un ristorante all'interno
degli spazi espositivi. Accogliente e riservato il
Cafè, aperto presso la corte interna del centro
ispanico, che propone oltre ad un ottimo espresso
italiano della deliziosa cucina spagnola. Stylish
e rilassante, invece, la brasserie di nuova genera-
In generale, l'aria pesante da crisi economica che
si respira ormai da qualche mese nel Regno Unito
non sembra sfiorare il mondo dell'arte che continua
piuttosto a prosperare. Nel rapporto annuale
pubblicato il tre settembre la Tate (Modern e
Britain) ha riportato un vero e proprio record di
acquisti con l'acquisizione di 494 opere d'arte valutate
oltre sessantatre milioni di sterline mentre il
miliardario di cittadinanza inglese Roman
Abramovich ha acquistato nell'estate da Christie's
New York il primo esemplare di quella che si prevede
diventerà una spettacolare collezione d'arte
moderna. Si tratta, come scritto da tutti i giornali
del mondo, del Trittico di Francis Bacon. Per la
sommetta di ottantasei milioni di dollari.
Nell'ansia generale che la crisi ha diffuso, l'arte
sembra quasi farsi beffa delle preoccupazioni
materialistiche, con curatori come Tom Morton
che spendono cinquemila sterline su eBay per
realizzare la mostra "View Basket" (alla Hayward
Gallery fino al 28 settembre), un curioso assemblaggio
tra il caotico ed il democratico di oggetti
presumibilmente d'arte, secondo la categorizzazione
che ne fa il sito d'aste più famoso al mondo.
Sul fronte delle mostre, attesissime ed acclamate
già prima di aprire, soprattutto per la risonanza
storica presso il pubblico inglese, la celebrazio-
seguendo un preciso schema. Le immagini ci
ricordano quanto sia parziale e limitata la percezione
che abbiamo del mondo patinato e
quanto ne sia forte la fascinazione.
Non solo le gallerie di Chelsea, ma anche gli spazi
museali e non-profit contribuiscono ad un autunno
interessante. Il Bronx Museum of the Arts
sotto la rinnovata direzione di Holly Block, che
giunge al museo dopo quasi un ventennio di successi
ottenuti al timone di Art in General, inaugura
Street Art, Street Life: From the 1950s to
Now. La mostra individua l'energia e la cultura del
tessuto urbano come muse ispiratrici per i lavori
di molti maestri del contemporaneo e di artisti
emergenti. Fotografia, video, performance sono
rappresentate, tra gli altri, da lavori di Robert
Frank, William Klein, Jacques de la Villeglé, Yoko
Ono, Vito Acconci, Martha Rosler, Sophie Calle,
Nikki S. Lee e Francis Alÿs. Le opere delle più giovani
Xaviera Simmons e Fatimah Tuggar, commissionate
in collaborazione con il Public Art
Fund, si infiltrano nell'arteria principale del quartiere,
il Grand Concourse, insieme ad un altro progetto
speciale, il Blank Noise Project proveniente
dall'India. I lavori di artisti come Daniel Guzmán,
Kimsooja, Sze Tsung Leong, e Robin Rhode,
emersi tutti negli anni Novanta, offrono alla
mostra una diversa prospettiva, quella delle
zione progettata dall'architetto Jean-Michel
Willmotte, che offre tutti i giorni saporiti piatti di
cucina cinese e occidentale, come l'anitra alla
pechinese, sushi, ma anche pizza! Si chiama
Super Gambei (letteralmente "Super cin-cin"), ed
è una vetrina per l'ultimo design cinese che la
sera si trasforma in un piacevole salotto al primo
piano, DJ set al piano intermedio, cui segue salendo
una romantica terrazza.
Fino a fine ottobre, al Mao Live House, locale rinomato
per la musica indie di Pechino, l'arte incontra
il rock'n' roll. Maria INN presenterà il primo
crossover di arte contemporanea e rock 'n' roll.
Sorprendentemente kitsch, Mary INN è un gruppo
fondato da tre artisti, che hanno scelto uno dei
più comuni nomi femminili inglesi, dando un tocco
di sexiness e un pizzico di freschezza sullo sfondo
della cultura tradizionale cinese. In mostra dipinti,
fotografie, video di giovani artisti locali (Wen Ling,
Zheng Wei, Yang Tao, Liao Yu, Chen Jie, Lin
Nan, Cui Jian e Pang Kuan, Gia, Xiao Rong… ).
Proiezioni video e opere d'arte multimediali fanno
da cornice alla performance live di una rock band
costituendo un ponte tra giovani creativi e appassionati
del rock'n' roll. Un dialogo originale che
mira ad unire le comuni radici tra arte e rock' n'
roll: l'amore verso l'umanità.
Grande attesa inoltre per il prossimo Beijing's
Modern Sky Festival, presso il Parco Haidian, che
l'anno scorso aveva registrato cinquantamila presenze.
L'evento musicale segna la ripresa della
possibilità di concerti all'aperto, limitati per motivi
di sicurezza intorno alle Olimpiadi. Gli spettacoli
no-stop per tutto il mese si articolano tra concerti
live dove figurano più di centoventi bande cinesi
e non. Ancora segretezza intorno all'artista headline,
ma tra quelli esaminati incontriamo Lou
Reed, Blonde Redhead e Bright Eyes...
[cecilia freschini]
ne del centenario dalla nascita di Francis Bacon
alla Tate Britain fino al 4 gennaio e la mostra sui
ritratti di Wyndham Lewis alla National Portrait
Gallery fino al 19 ottobre.
Per chi non si interessa solo d'arte, "Design
Cities", al Design Museum fino al 4 gennaio, ha
l'ambizione raggiunta di coprire le maggiori icone
del design contemporaneo internazionale, mentre
una vera chicca si annuncia la mostra "Spin"
alla Arts Gallery fino al 3 ottobre, con una raccolta
unica di copertine di dischi.
Fino al 14 dicembre "Fashion v Sport" alla V&A indica
la crescente attenzione allo 'sportivo' non solo
sulla scia delle Olimpiadi di Bejing ma soprattutto in
vista delle future Olimpiadi del 2012 a Londra.
Per chi poi preferisce stare all'aria aperta, nonostante
la terribile stagione di piogge,
"Portavilion" è un fantastico progetto in corso fino
al 16 ottobre realizzato da UP Projects con la
realizzazione di padiglioni d'artista nei maggiori
parchi della capitale: un classico Dan Graham in
Holland Park, il cinema populista portatile di
Annika Eriksson in Regents Park, il grafico Toby
Paterson in Potters Fields Park, e la "Wind
House" (letteralmente, la casa del vento) di
Monika Sosnowska in Primrose Hill.
[irene amore]
megalopoli sorte in paesi emergenti ad alto tasso
di sviluppo, in Africa, Asia, e Latino America.
L'elemento internazionale e multiculturale è
anche peculiarità di Location One. La non-profit,
oltre ad esser conosciuta per la prestigiosa
residenza per artisti che questo autunno accoglie
anche l'italiano Andrea Galvani, è anche
nota per il programma espositivo in continua
evoluzione. L'installazione di Jane Philbrick, ad
esempio, utilizza cinquecentodue allarmi anti
incendio, sirene, luci stroboscopiche e altro per
interrogare su timori e insicurezze che caratterizzano
il nostro quotidiano e per metter in dubbio
apparati tecnologici e misure di sicurezza a
cui ci affidiamo per tenere malaugurati eventi
sotto controllo. Sempre in tema di non-profit,
segnaliamo il trasferimento della storica White
BOX di Juan Puentes da Chelsea nel Lower
East Side, a conferma che man mano che i contratti
di affitto scadono, le piccole organizzazioni
non riescono più ad essere competitive in
questo quartiere. Lo stesso vale anche per
DCKT Contemporary che sempre da Chelsea si
sposta in uno spazio nel Bowery e apre la stagione
con nuovi lavori di Ryan Humphrey.
Chi sarà il prossimo a far le valigie?
[micaela giovannotti]

62.fashion Exibart.onpaper
a cura di marzia fossati
re-thinking monna lisa
Pelletteria dal 1885. Tra il recupero di pezzi storici ed incursioni nel mondo dell'arte, il marchio fiorentino
Gherardini punta al rinnovamento della propria immagine. Guardando a Leonardo da Vinci…
Tutto è iniziato con una liveperformance
organizzata in occasione
dell'edizione
Primavera/Estate 2009 di Pitti
Immagine. È stato il brand fiorentino
Gherardini, storico marchio
del lusso italiano, a riunire sotto
la sua egida un eterogeneo gruppo
di artisti, chiamato a ri-tematizzare
una delle opere più indagate
della storia dell'arte: la
Gioconda di Leonardo da Vinci.
Su una serie di maxi-pannelli
hanno trovato spazio varie interpretazioni
della Monna Lisa, da
quella graffittara di Torrick
Ablack a quella fluo di Andy dei
Bluvertigo, tutte suscettibili di
ulteriori interventi creativi da
parte del pubblico, all'interno di
una vera e propria "exhibition in
progress". Un set artistico d'elezione
concepito per introdurre
con garbo anche un discorso di
prodotto: ed ecco che, fra le
opere, fanno capolino esemplari
vintage della "Bellona", bauletto
emblema della casa nato nel '67,
oggi inconsueta tela su cui far
proseguire l'iniziativa Re-thinking
Monna Lisa. In seguito alla
mostra, i supporti decorati sono
stati scansiti per creare nuove
texture con cui realizzare una
limited edition della storica borsa:
i pezzi numerati sono ora in distribuzione
nelle boutique monomarca
del brand per finanziare un
intervento di restauro nella città
di Firenze, ancora in via in definizione.
Con la stessa finalità, due
pezzi unici - uno dipinto dall'artista
Giacomo Piussi, l'altro elaborato
digitalmente e stampato su canvas
- saranno venduti all'asta su
eBay. In seguito alla performance,
Exibart ha incontrato Lorenzo
Braccialini, direttore marketing e
comunicazione di Gherardini.
Recentemente il marchio
Gherardini è stato acquisito da
Braccialini. Quale politica di
brand identity intendete assumere
alle prese con due label di
pelletteria?
Braccialini e Gherardini manterranno
le loro specificità. Giocosa
e onirica, con una forte tendenza
al rinnovamento la prima; classica,
"logata" e ben salda alla tradizione
la seconda. Due diverse
www.gherardini.it
j'adore.
link.
T-SPOKE
"Uscivo con un creatore di magliette. Quando
ci siamo lasciati ho scritto duecentotrentasette
pagine per dirgli addio. Lui ha fatto lo stesso
con una t-shirt. La t-shirt era meglio". Si chiama
I Love Boxie il marchio di t-shirt che letteralmente
racconta la vita di persone reali, posti in
cui sono state, esperienze vissute. Ogni
maglietta realizzata entra a far parte della collezione
Half a conversation, ma se proprio non
doveste riconoscervi in nessuna, potete sempre
contattare il servizio di customer care e
raccontare la vostra, di storia. Essa verrà
immediatamente convertita in una frase da
stampare su una t-shirt.
www.iloveboxie.com
www.myspace.com/iloveboxie
politiche di prodotto, d'immagine
e di distribuzione.
Qual è il rapporto del marchio
Gherardini con la città d'origine
e con i fiorentini?
Un rapporto antico di amore ed
orgoglio reciproco, purtroppo
forse un po' trascurato negli ultimi
anni, ma la volontà e l'interesse
di rafforzare il legame con la
città non mancano, sia in termini
di tradizione e di contaminazione
creativa, che in chiave di
distretto produttivo: il più qualificato
ed importante d'Italia per la
pelletteria di alta gamma.
E proprio Firenze è stata scelta
per presentare l'iniziativa Re-
Thinking Monna Lisa…
Sì. Abbiamo pensato ad un evento
speciale tra arte e moda, un
trionfo di eccellenza e tradizione,
un connubio tra il dipinto più
famoso del mondo ed il più antico
brand di pelletteria del Made-in-
Italy, accomunati, oltre che dalla
curiosa omonimia tra la donna
ritratta nell'opera - al secolo
Monna Lisa Gherardini - e dal
marchio stesso, dal medesimo
ingegno toscano.
Quali artisti erano coinvolti
nell'happening?
Torrick Ablack, Aldo Cibic
Workshop, Andy dei Blu Vertigo,
Alessandro Gaggio, Nuala
Goodman, Marco Klee Fallani,
Virginia Lopez, Florencia
Martinez, Fulvia Mendini e
Michele Vannucchi. Alle loro
"giocondizzazioni" si è inoltre
JELLY ARCHITECTURE
Li abbiamo visti al London Festival of
Architecture. Loro sono Bompas & Parr.
Creano finissime gelatine inglesi, disegnano
stampi per gelatine su commissione e curano
spettacolari eventi culinari. Operano tra cibo ed
architettura: esplorano le modalità con le quali
il gusto può variare grazie a sinestesie di fattori,
sotto l'influsso di differenti performance e
location. Il focus della loro ricerca è attualmente
la gelatina. Grazie alla sua forma plastica è
possibile plasmarla secondo molteplici esigenze:
ora è un dolce sulla tavola di una colazione
vittoriana, ora il plastico di un monumento storico
o di un aeroporto, tutti da gustare all'interno
di performance decisamente en vogue.
www.jellymongers.co.uk
aggiunta una composizione
patchwork di pelli, sempre ispirata
al celebre dipinto, realizzata
dalla stilista Carla Braccialini.
Da chi sono stati selezionati gli
artisti?
Dai responsabili stile e marke-
SCHOOL OF DESIGN
Anche il reality può avere il suo versante
non-trash. A contrastare l'effetto
spazzatura di Grande Fratello e produzioni
simili ci pensa Philippe Starck in
persona. Per alcuni mesi il designer
accoglierà nel suo studio parigino un
team di dieci giovani designer emergenti,
sottoponendoli a numerosi incarichi
per arrivare alla creazione del
nuovo oggetto "must-have". Il risultato?
Una panoramica per conoscere le
avanguardie del design del XXI secolo.
School of Design sarà trasmesso nel
2009 sulla BBC.
www.bbc.co.uk/schoolofdesign/
ting della casa, con il supporto
del nostro ufficio stampa Guitar.
"Progetto Archivio": un ritorno
al passato?
Con questo progetto ci proponiamo
di recuperare alcuni dei
nostri pezzi storici, per rivisitarli
in chiave attuale. Anche in questo
caso, come per l'iniziativa
Re-thinking Monna Lisa, abbiamo
deciso di partire dalla
"Bellona", soprannominata così
proprio dagli artigiani che la
confezionavano.
E se la "bella figliola" di casa
Gherardini fosse un'attrice di
ieri?
Silvana Mangano.
Un'attrice di oggi?
Monica Bellucci, modello di
sensualità italiana esportata in
tutto il mondo.
Oltre alle chicche d'archivio, ci
saranno delle novità…
Certo. Tra i prodotti realizzati in
pelle, quelli in morbidissimo
vitello stampa saffiano caratterizzati
da un look vintage-contemporaneo
e quelli in nappa
trapuntata effetto logo. Ancora
la splendida linea in bufalo.
Allargando poi il discorso anche
ad altri materiali, il nuovo tessuto
spalmato ad effetto lucido,
con stampa logo a rilievo, utilizzato
per una pratica serie di
borse e sacche morbide.
Nell'ambito della gamma colori
la scelta dell'arancio, colore di
base dell'identità di marca
Gherardini, anche in versione
fluorescente, con un'ottima
risposta del mercato, soprattutto
da parte dei negozi più cool.
Pelletteria dal 1885. Quali
sono i dettagli che contraddistinguono
una "signora"
borsa?
La qualità dei materiali usati,
delle chiusure e delle fibbie, gli
accessori in metallo personalizzati
e le rifiniture della lavorazione.

64.handbag Exibart.onpaper
a cura di valentina tanni
PUPPY DIVENTA VASO
"Il vaso è un simbolo d'amore, calore e
felicità". Così Jeff Koons ha commentato
il lancio di una tiratura limitata di vasi in
porcellana bianca ispirati al suo famoso
cagnolino (Puppy Vase). L'iniziativa è firmata,
manco a dirlo, da Gagosian, e prevede
la messa sul mercato di tremila
esemplari
del suppellettile,venduti
ognuno
a settemilacinquecento
dollari
(www.gagosian.com)...
GREEN HOUSE
Se la raccolta differenziata è la vostra
specialità e vi sentite "verdi" in ogni
momento della
giornata, il cestino
fatto apposta
per voi si chiama
Green House. Il
contenitore a
forma di casa,
disponibile in
diverse misure,
apre le ali del
suo tetto ogni
volta che il pedale/portico
viene
premuto. Al
momento si tratta solo di un prototipo,
ma la messa in produzione è vicina
(www.jba-design.se)...
BOSONE SNOB
Per ora il Bosone di Higgs è solo una particella
elementare ipotetica, l'unica a non
essere stata ancora osservata. In attesa
che si conceda alla vista degli scienziati,
una versione plush toy della particella più
discussa del momento (è protagonista
dei temuti esperimenti in corso al CERN
di Ginevra) è disponibile
su www.particlezoo.net...
BIRRE D'ARTISTA
Sono già vent'anni che Beck's UK porta
avanti il suo programma di "bottiglie d'artista",
lasciando che creativi di ogni generazione
si cimentino nella realizzazione
delle etichette della birra (hanno partecipato
al progetto nomi come Tracey Emin,
Gilbert&George e Douglas Gordon). Gli
artisti scelti quest'anno, le cui bottiglie
sono già in circolazione, sono Tom Price,
Charlotte Bracegirdle, Riitta Ikonen e
Simon Cunnigham (in mostra su:
www.becks.co.uk)...
Prima fila: Smoke Glass, di Joe Colombo (1964) - The Deadly Sins, il cofanetto di "bicchieri capitali" -
L'Ira in versione bicchiere.
Seconda fila: La serie Inside Out, di BY:AMT - Il bicchiere da Martini "rovesciato" - Il calice da Martini firmato
Benjamin Hubert.
Terza fila: The Party Shot Glass - This is [not], i bicchieri magrittiani
Bicchieri
e riflessi
Il capostipite ideale del bicchiere da party, elegante, divertente e funzionale, lo ha disegnato
Joe Colombo nel 1964. Smoke Glass, prodotto dalla Arnolfo di Cambio di Colle Val
d'Elsa, permetteva di tenere con una sola mano drink e sigaretta, grazie a un perfetto studio
di pesi ed equilibri. Da allora il design non ha mai abbandonato il campo, scatenando
l'immaginazione sull'oggetto-simbolo della socialità e del buon gusto.
Tra tutti i generi, la palma del più amato va al bicchiere da Martini, presente sul mercato
in infinite versioni, ma sempre riconoscibile, nella sua tipica forma a cono rovesciato.
L'aperitivo più famoso del mondo è stato di recente reinterpretato da Benjamin Hubert
(www.benjaminhubert.co.uk) in occasione della Bombay Sapphire Competition (www.bombaysapphireprize.com),
premio per le migliori creazioni in vetro indetto dalla nota casa di
gin. Il calice è diventato, nelle mani del giovane designer inglese (classe 1984) un'elegante
scultura con uno stelo a forma di radice. Alissia Melka-Teichroew, invece, fondatrice di
BY:AMT (www.byamt.com), ha incluso il calice da Martini nella sua collezione Inside-Out,
composta di bicchieri dalle forme audacemente "rovesciate".
Meno elegante forse, ma di sicuro effetto, The Party Shot Glass, bicchiere multiplo pensato
per facilitare la socializzazione attraverso la "bevuta" simultanea, disegnato da una giovane
islandese in occasione del contest targato Design Boom (www.designboom.com).
Di ispirazione magrittiana la serie firmata da Jeremy Brown (www.jeremybrowndesign.com).
This is [not] (2007), che comprende calici dallo stelo innaturalmente posto di fianco, bicchieri-bastone
da passeggio e tazze dall'impugnatura impossibile. Mefistofelica, infine, la proposta
di Kacper Hamilton (www.kacperhamilton.com), talentuoso designer residente a Londra, che
immagina un bicchiere per ogni peccato capitale: pericolosamente tagliente per l'ira, panciuto
per la gola, altissimo per la superbia, tentacolare per l'avarizia, pendente per lussuria, forato
per l'invidia e con rubinetto per l'accidia. I sette Deadly Sins arrivano a casa racchiusi in uno
scrigno di mogano e velluto...
Follia da ricchi? Mania di superlusso?
Comunque vogliate chiamarla, la proposta di
DIG (Diamonds in glasses) è sicuramente bizzarra.
L'azienda austriaca, infatti, fondata da una signora
dal nome in questo caso poco opportuno, Natascha
Marx, si occupa di incastonare veri diamanti nei bicchieri,
nel punto esatto che unisce lo stelo alla coppa.
Per informazioni: www.diamondsinglass.com.
TELEVISORI IN
STANDBY
Il televisore, si sa, è uno dei principali ricettacoli
di polvere in casa. Se non siete tipi
da tenerlo acceso tutto il giorno, un accessorio
divertente e utile è la Television
Cozy/Cover, copri-monitor in morbido feltro
firmato Sally England Design. Il vivacissimo
pattern è quello del colour test,
una visione sempre più rara nella tv attuale,
che trasmette 24 ore su 24. In vendita
su www.etsy.com...
WIM SUPERSTAR
Il belga Wim Delvoye si contende il titolo di
enfant terrible dell'arte contemporanea
con personaggi come Hirst e Cattelan.
Per tutti i suoi ammiratori, è disponibile
una action-figure,
bambola
confezionata in
stile Barbie.
Nella confezione,
insieme al
ritratto dell'artista,
trovate
anche la versioneminiaturizzata
di una
delle sue opere più discusse: la "Cloaca",
macchinario per produrre escrementi. In
vendita sul sito della Galleria Perrotin…
(www.galerieperrotin.com)...
TEDDY
KARL
Dopo un'apparizione
in veste di
dj nel videogame
Grand Theft
Auto, l'inossidabile
Karl
Lagerfeld atterra
nel mondo
dei giocattoli tradizionali. Un orsacchiotto
realizzato a sua immagine e somiglianza,
con tanto di giacca di pelle, cintura
gioiello e occhiali da sole, è in vendita sul
sito di Neiman Marcus (www.neimanmarcus.com)
per la poco modica cifra di
mille euro. A fabbricare il prezioso peluche
è stata chiamata la tedesca Steiff
(www.steiff.de)...
DADA TOILET
Dallo studio di design più ironico che c'è,
il francese Atypyk (www.atypyk.com),
arriva un accessorio imperdibile per ogni
art-addict che si rispetti. Si tratta di Dada
Toilet, un adesivo che trasforma qualsiasi
wc in una "Fontana" di duchampiana
memoria. Come insegnava il maestro,
basta aggiungere
una firma e il
gioco è
fatto...

66.tornaconti Exibart.onpaper
a cura di alfredo sigolo
perdersi l'arte sotto il naso
Le logiche del sistema globale spingono gli operatori di mercato ad abdicare al ruolo di rappresentanza del territorio nel
quale operano a favore di una maggiore competitività internazionale. Deriva pericolosa… con qualche voce contro…
Tempo di kick off per la nuova
stagione dell'arte mondiale: le
prime aste sono già alle spalle
con risultati complessivi non proprio
esaltanti. Parlare di crisi è
eccessivo, ma prendere atto del
rallentamento no. Una sana frenata
sui prezzi, che in fondo all'arte
fa anche bene. Le fiere pure
sono partite, a Shangai e
Singapore. Ed è solo l'antipasto: a
ottobre toccherà, tra le altre, a
Berlino, Londra, Parigi e Verona.
Ma già a settembre molte capitali
dell'arte hanno celebrato gli opening
collettivi. Da New York a Los
Angeles fino a Milano e Roma.
La sensazione è che l'arte globale
ci abbia preso un po' la mano: l'arte
è tanta, ovunque, sempre. In
apparenza uno stato di benessere,
quello dell'arte, che conforta.
Eppure, per quanto inattese, nei
mesi scorsi si sono levate due
voci autorevoli che hanno insinuato
qualche dubbio su questo
modello di crescita inarrestabile
ed esponenziale dell'arte mondiale.
Per prima è stata Henriette
Huldisch che, nel testo di presentazione
all'ultima edizione della
Biennale del Whitney, scomodando
Beckett ha invocato un'arte
smaller, slower, and less. Poco
dopo, sulla stessa lunghezza d'onda,
ecco schierarsi Adam Budak,
che nel suo progetto per
Manifesta 7, Principle Hope, ha
sposato la causa del regionalismo,
esaltando l'etnologia dello
spazio minore, locale e marginale.
Si dirà che la Huldish e Budak parlavano
di arte e non di mercato
dell'arte. E che le due cose non
possono essere confuse. Allo
stesso modo però sarebbe un
errore grave per il mercato non
tener nel debito conto delle riflessioni
che provengono da ciò che
rappresentano. Se almeno
vogliono rappresentarlo coerentemente.
Il formidabile impulso dato nell'ultimo
decennio alle fiere d'arte e
biennali internazionali ha certamente
contribuito ad edificare un
palcoscenico straordinario per gli
artisti di ogni angolo del globo,
accelerando anche i processi di
cambiamento e alternanza,
affrancando dall'isolamento culturale
molti paesi emergenti. Ma ha
anche forse indotto ad un appiattimento
del gusto, ha ostacolato
le istanze della ricerca a vantaggio
del riverberarsi di modelli este-
incanti.
TATE DA RECORD
E poi parlano di crisi dei musei. La Tate di
Londra ha annunciato di aver acquisito in
un anno opere per un valore complessivo
di 63,1 milioni di sterline (centododici
milioni di dollari). 494 pezzi in tutto, ben
trecentoventi delle quali provenienti da
eredità e donazioni di collezionisti ed artisti.
Hirst, Bourgeois, Bacon, Freud e
Balthus, ce n'è per tutti i gusti. Tra i
benefattori pare ci siano anche i parvenus
russi. Con gioielli come questi, il
direttore Nicholas Serota ha una freccia
in più al proprio arco per ottenere il
denaro necessario per aprire una nuova
ala del museo, in tempo per le Olimpiadi
del 2012.
tici consolidati, ha esaltato
spesso spinte retroattive
e revisioniste, si è
accontentato troppe
volte di uno spoglio documentarismo.
E, non da
ultimo, ha sostituito alla
figura dell'artista come
intellettuale l'artista
come star mediatica.
Il Golden Age dell'arte
contemporanea ha favorito
profonde trasformazioni
nel sistema dell'arte,
ivi compreso l'istituto
della galleria privata,
luogo deputato a scoprire
e a costruire il mercato
dei nuovi talenti. Le gallerie
si sono moltiplicate a
ritmo vertiginoso, nascono
e muoiono a ritmo vertiginoso.
Chi sopravvive
o si
struttura in
“
Uno spazio per l'arte privo
d'identità non serve all'arte, uno
spazio dell'arte che documenti le
istanze più interessanti del
territorio che gli sta intorno sì
succursali
straniere
per interveniretempestivamente
sulle figure
più appetibili
dei mercati
caldi o
si candida a partecipare a quante
più fiere possibile. Così le mostre
si diradano, si fanno frettolose, i
progetti curatoriali seri si rarefanno,
le scuderie si infarciscono di
esponenti delle mode in voga: ieri
la Cina, oggi l'India, domani il
Medio Oriente, dopodomani la
Russia. Giusto per seguire l'odore
dei soldi. Installazione e video per i
musei, pittura e fotografia per i
collezionisti, la scelta degli artisti
LA SPESA DI SAATCHI
Come ogni stagione Charles Saatchi il 12 giugno
scorso è uscito di casa per andare a far spesa al
Group Show di fine corso della Royal Academy. Il
resoconto recita: settemilanovecento sterline
per cinque cut out cartoon di Angus Sanders-
Dunnachie (ventotto anni), sette paesaggi di Jill
Mason (trentatre) pagati seicento sterline l'uno
e tredici dipinti della ventiseienne Carla Busuttil.
La stampa inglese, ovviamente, non ha perso
l'occasione per celebrare gli eredi della YBA ma
stavolta, per bocca dell'Indipendent, ha anche
rimarcato come dietro queste operazioni si sia
creato un falso mito. Si ingrossano infatti le fila
di coloro che, dopo una breve esposizione sotto
i riflettori, sono tornati nell'anonimato o non
sono riusciti a confermare le aspettative.
si fa sempre più strategica e corrisponde
sempre meno allo scenario
locale e nazionale nel quale
la galleria opera.
Sarà un caso ma negli ultimi anni
sono fioriti un po' ovunque gli spazi
no-profit (più all'estero che in Italia
purtroppo) che hanno preso in
carico l'onere di offrire spazi di
azione e di confronto per gli artisti
FOTOGRAFIA STORICA AL LACMA
Il Los Angeles County Museum of Art
ha in un colpo solo implementato la
sua collezione fotografica con tremilacinquecento
importanti lavori storici.
Grazie al supporto finanziario della
Annenberg Foundation e alle donazioni
dell'erede Carol Vernon si è infatti
garantita l'intera collezione di Marjorie
e Leonard Vernon, pionieri del collezionismo
losangeleno, che hanno raccolto
opere di circa settecento artisti del
XIX e XX secolo, tra i quali Fox Talbot,
Edward Steichen, Edward Weston,
Anselm Adams. La nuova collezione
sarà presentata in ottobre, con una
mostra dedicata.
a sinistra: Marco Campanini -
Collezione di sabbia - CDS1, 2007 -
lambda print on Kodak Endura paper
under plexiglas, cm. 103x165 (courtesì
Fotografia Italiana - Mi)
in bassso a sinistra: Michele
Lombardelli - Untitled, 2008 - serigrafia
digitale su carta Arches, cm.
76x56 (courtesy Bonelli
Contemporary-Los Angeles)
in basso a destra: Luca
Francesconi - Mantello magico-
Idolo campagnolo, 2008 - acrilico su
carta, cm. 150x100
del territorio di riferimento.
L'appello della Biennale del
Whitney e di Manifesta potrebbe
essere dunque colto anche dal
mercato e inteso come un appello:
uno spazio per l'arte privo d'identità
non serve all'arte, uno spazio
dell'arte che documenti le
istanze più interessanti del territorio
che gli sta intorno sì. Scegliere
gli artisti nazionali non dovrebbe
essere solo un'esigenza per
ottemperare agli oneri di rappresentanza
delle commissioni selezionatrici
delle fiere internazionali
ma una precisa mission culturale.
Ma c'è di più. Uno spazio dell'arte
privo d'identità non serve neppure
al mercato. Oggi numerose
sono le gallerie di ricerca internazionale
che sopravvivono solo
grazie alle fiere. Di molte, c'è chi
sostiene che i due terzi del fatturato
dipenda da questa attività.
Ma conta più vendere tre opere
in fiera o un'opera in sede? È più
lungimirante intercettare tre collezionisti
in transito negli stand o
cercare di costruirsi un ristretto
bacino fidelizzato che possa contribuire
alla crescita della galleria
stessa?

68.decibel Exibart.onpaper
a cura di alessandro massobrio
beijing wave
Lo sforzo olimpico è stato solo la punta di un gigantesco iceberg mediatico volto a rinnovare l'immagine della
Cina. Da diversi anni la scena musicale di Beijing costituisce un fenomeno autenticamente rock, secondo
alcuni paragonabile a quello sviluppatosi a New York negli '80 o a Berlino dopo la caduta del muro. Ma c'è
chi la vede diversamente...
Da tempo ormai le notti di
Beijing risuonano di musica
nuova. Gli spazi in cui è possibile
assistere a un concerto sono senz'altro
pochi se paragonati alle
dimensioni mastodontiche della
metropoli, ma in quei pochi metri
quadrati si raccoglie un'energia
tale da porre la Cina, secondo
alcuni osservatori, al centro di un
fenomeno di emancipazione politica
e sociale giovanile come non si
vedono ormai da decenni in
Occidente.
Esattamente com'era all'UFO
Club nella Londra degli anni
Sessanta o al Café Bizarre nel
Greenwich Village, i club di Beijing
raccolgono un audience composto
perlopiù da musicisti, scrittori,
artisti e performers locali, studenti,
stranieri e qualche curioso. Le
band suonano su assi di legno,
tra poche luci e vicino al pubblico,
al quale propongono chitarre stridenti
e oggetti di ogni tipo, sonorità
punk-noise, strumenti tradizionali
in distorsione, musica elettronica,
jazz. Non molti anni fa un tale
movimento sarebbe stato indicato
come trasgressivo e perseguitato,
anche se - va ricordato - l'unica
vera conseguenza dell'accorato
urlo di Björk, che durante il concerto
a Beijing echeggia "Tibet!", è
stata la chiusura immediata del 2
Kolegas, uno dei locali più attivi e
influenti sulla scena pechinese.
Ad ogni modo oggi Beijing appare
una città in fermento. Lo scorso
marzo, alla cerimonia per la chiusura
dei lavori olimpici organizzata
da Mercedes-AMG, il compositore
cinese Chen Qigang fu invitato
a ritirare il premio in qualità di
supervisore delle musiche ufficiali
dei giochi. In quell'occasione Chan
ricordò al critico musicale Alex
Ross, che era presente, come
poco più di un ventennio prima la
musica classica
fosse un sapere
proibito, della fuga
a Parigi per studia-
re musica, e di
come in quel giorno
si sentisse frastornato
nel ricevere il
premio per un incarico
così prestigioso.
A rendere ancora
più radicale la trasformazione il
fatto che quella bizzarra mescolanza
di slogan nazionalisti, ecces-
inascolto.
KVITNU FEST
Il Kvitnu Fest è nato lo scorso anno con
l'intento di creare eventi di musica
elettronica in Ucraina. Dopo la prima
edizione di Kyiv, dedicata alla musica
sperimentale ucraina, quest'anno il
festival si sposta a Lviv e presenta un
format internazionale che comprende
ospiti come Mika Vainio, Philippe Petit,
Laetizia, Staalplat Soundsystem e molti
altri.
24 - 25 - 26 ottobre 2008
Lviv, Ucraina
www.kvitnu.com/fest/
si materiali e avanguardia tecnologica
che caratterizza lo stile cerimoniale
cinese si svolgesse negli
edifici della 798 Art Zone, il complesso
di vecchie fabbriche militari
situate a nordest di Beijing, oggi
riconvertite in spazi espositivi e
simbolo della trasformazione culturale
in atto.
Per Michael Pettis, ex professore
alla Columbia University e oggi
visiting professor di economia a
Beijing, non c'è nessun dubbio: "La
nuova scena musicale cinese è
oggi una delle più eccitanti al
mondo". Michael è proprietario
del D22 Club, un locale di successo
situato nella parte nordoccidentale
della città, proprio in
mezzo alle due maggiori università
della Cina, l'Università di
Pechino e Tsinghua. "Negli ultimi
tre anni le più importanti band
indie rock, punk e jazz di Beijing
sono state al D22. Carsick Cars,
Snapline, Ourself Besides Me,
Hedgehog, Demerit, Mold, Guai Li,
“
la nuova scena musicale
cinese è oggi una delle più
eccitanti al mondo
Red Hand and Gars... tutti considerano
il D22 la loro casa". E in
effetti i beijingers sembrano
amare molto questo club, che
vedono come un modello di emancipazione
culturale nuovo, ricco di
influenze, miti, mode e stili di vita
dell'Ovest (in precedenza
Michael ha posseduto un
locale a New York). A par-
tire dagli ultimi dieci anni i
giovani artisti cinesi
hanno avuto accesso,
grazie a Internet, al repertorio
musicale degli anni
Sessanta della musica
americana e straniera.
Questo fatto, secondo
Michael, "ha avuto un effetto elettrificante.
I musicisti cinesi hanno
perciò sviluppato un approccio
EXIT PARTY SINTOMATICO
Alva Noto, Scanner, Deathprod, William
Basinski, Biosphere, Olivia Block, Alter Ego e
l'Arditti Quartet - un incrocio tra musicisti di area
elettronica e ensemble cameristici di musica
colta fuori dal comune - sono protagonisti di questa
serata battezzata dall'artista Luca
Francesconi Party sintomatico. Riecheggiando
ironicamente una frase del drammaturgo tedesco
Heiner Müller ("Come intellettuale e come
artista mi metto a disposizione come sintomo"),
l'idea è di accendere i riflettori su un "sintomo"
dei nostri giorni che vede convergere realtà
musicali differenti sotto il segno del confronto,
del dialogo, della curiosità e della ricerca.
18 ottobre, Teatro alle Tese - Arsenale, Venezia.
www.labiennale.org
qui a sinistra:
Sugar Jar -
photo by Cedric
Sam
sotto: D22 -
photo by
Isoeadon
(4drainsun.blogc
n.com)
eclettico alla musica moderna.
Shouwang, ad esempio, è influenzato
allo stesso modo dai Velvet
Underground, Suicide, John
Adams, Glenn Branca, dalla musica
della Dinastia Qing, da Steve
Reich e dai Sonic Youth".
Certo, la musica e l'arte non procedono
per invenzioni come la
scienza, ma per intensità. "Una
delle cose che mi infastidisce
maggiormente" continua Michael
"è quando il pubblico straniero, e
questo è vero soprattutto per
quello europeo temo, viene in Cina
e si aspetta che i musicisti cinesi
suonino come le loro immagini
stereotipate della musica cinese.
UNA GENERAZIONE AVANTI
È questo il titolo scelto dalla
Fondazione Romaeuropa per l'edizione
2008 dell'omonimo festival, che quest'anno
festeggia i suoi venticinque
anni con una nuova sede: l'Opificio
all'Ostiense. Saranno presenti, oltre
all'Italia, anche la Germania, il
Giappone, l'India, la Francia e la Gran
Bretagna, gli Stati Uniti, l'Argentina, il
Belgio e la Repubblica Ceca, Israele e
la Croazia. Tra i numerosissimi artisti
invitati Granular Synthesis, il duo
audio-visual Atlas/Fennesz, Ryoji
Ikeda, Gina Czarnecki, Langheinrich,
Plaid.
www.romaeuropa.net
Una volta un reporter televisivo
svedese lamentava che il rock
cinese suonasse troppo uguale a
quello occidentale e allora io ho
dovuto ricordargli che il rock è
nato negli Stati Uniti, eppure nessuno
si è mai lamentato del fatto
che le band svedesi suonassero il
rock". Comunque sia, nel rock, i
miti funzionano sempre, e il già
citato Zhang Shouwang, chitarra
e voce dei Carsick Cars e musicista
di punta del D22, ama narrare
ai giornalisti l'aneddoto secondo
il quale passeggiando in un
parco della città, grazie alla
maglietta con su la banana di
Warhol che stava indossando,
conobbe il suo futuro manager e
amico Michael Pettis.
Ma ora lasciamo il chiassoso
D22. A nordest, dalla parte opposta
della città si trova il 2 Kolegas,
un locale famoso per i concerti
blues, noise e punk che ogni sera
attirano un nutrito pubblico, ma
anche per l'appuntamento del
mercoledì, dedicato alla sperimentazione,
alla computer music
e ai suoni più inusuali. La serata è
affidata alla supervisione del critico
e musicista sperimentale Yan
Jun, attivo sulla scena come performer,
produttore e organizzatore
d'interessanti eventi collaterali
come il Mini Midi Festival, che dal
2005 affianca con sonorità di
confine il più noto e maestoso
Midi Festival di Pechino. La Cina
descritta da Yan appare un po'
diversa. "Ci saranno più o meno
quaranta musicisti", spiega, "sulla
scena sperimentale, elettroacustica,
impro e noise di tutta la
Cina, perciò ci conosciamo tutti
molto bene. Internet è il miglior
modo per comunicare e gli unici
eventi sono solo a Beijing e
Shangai. L'unico distributore di
CD del genere sul territorio nazionale
è Sugar Jar, dunque tutta la
scena sperimentale cinese è davvero
amatoriale, e le connessioni
tra artisti avvengono perlopiù a
livello personale". Yan Jun lamenta
la totale mancanza di sostegno
da parte del governo e il chiaro
disinteresse dell'ambiente dell'arte
contemporanea. "Non hanno
bisogno della musica. Se ti rivolgi
a loro ti dicono... ok portami un
cane ululante per l'apertura della
nostra galleria, ti pagherò dieci
dollari per il pasto, la strumentazione
e tutto il resto". Yan sostiene
che l'autentico underground
della musica elettronica cinese
sia morto nel momento stesso in
cui il governo inaugurò quella che
lui ama definire "simulation of
freedom age". Tuttavia, conclude,
"esiste oggi sicuramente una
nuova musica cinese, forse non
così ribelle, non così radicale e
neppure così rivoluzionaria dal
punto di vista linguistico ed estetico,
ma senz'altro tale da poterla
definire emergente sulla scena
mondiale".
http://d22beijing.cn
www.2kolegas.com
www.yanjun.org
www.minimidi.cn
link.

70.arteatro Exibart.onpaper
a cura di piersandra di matteo
famiglie, donuts, alveari...
L'estate dei festival dedicati allo spettacolo contemporaneo si è aperta con accese polemiche e dibattiti sul senso
del proprio operare. Dopo tante parole viene da chiedersi: in fondo non è più giusto parlare di un vuoto di visioni?
"Perché un uomo che sta
troppo poco con la famiglia non
sarà mai un vero uomo". Così
dice, nel “Padrino I”, Don Vito
Corleone al figlio Sonny che si è
lasciato sopraffare da un afflato
di emotività durante una trattativa
di lavoro. Insomma: lavoro,
famiglia e etica sotto un
unico tetto? Diverte che un
appello simile provenga in
fondo dal titolo-invito, “Noi
siamo una famiglia”, che ha
suggellato la nuova edizione del
festival di Dro dedicato allo
spettacolo contemporaneo, edizione
diretta da Dino
Somadossi e Barbara
Buoninsegna, e ospitata ancora
una volta in Trentino negli spazi
spettacolari della Centrale
Idroelettrica di Fies.
L'estate dei festival teatrali si è
aperta alla rovescia, con tentativi
di bilanci e autoanalisi sul
senso del proprio operare.
Dietro l'alibi delle dimissioni
improvvise di Olivier Buoin, e in
realtà di fronte alla evidente
crisi di disegni curatoriali
forti (fatte
rare eccezioni) e
traiettorie capaci di
segnare uno scarto
di visioni nell'ambito
delle esperienze
artistiche che scelgono
lo spazio del
liveness, l'edizione
decapitata di
Santarcangelo dei
Teatri ha cercato di
dare una possibile
risposta a suon di
interrogazioni in differita
e rilasci lenti
(www.altrevelocita.it). Oggi, con
tre mesi di distanza, continuano
a ronzarci nelle orecchie le
parole dell'artista e filosofa
Snejanka Mihaylova: "E se la
morte è già avvenuta? Se la
chiamata è un'altra volta legata
sipari.
PERFORMANCE POMPIDOU
Zoomata sulle attività autunnali del Pompidou
dedicate alla scena performativa. Dall'8 all'11
ottobre Jennifer Lacey et Nadia Lauro presentano
Les Assistantes, mentre dal 15 al 26
Mathilde Monnier, una delle figure chiave della
coreografia francese, per la prima volta insieme
a La Ribot, mostra Gustavia, lavoro collocato alla
frontiera tra danza e installazione che si pone
come un faccia a faccia con gli stereotipi teatrali.
Musica e immagini per il sound artist Ryoji
Ikeda che dopo la prima apparizione nel 2001
con Memorandum, nel 2004 con c4i, e lo scorso
anno con Datamatics, fa ritorno al Pompidou
con una seconda versione della stessa ricerca
combinando astrazione e rappresentazioni
mimetiche. In Famous Carousel, con Effets
mythologiques, propone una music-performance
realizzata in collaborazione con Centre
Pompidou, Palais de Tokyo, Jeu de Paume
museums e Point Ephémère (31 ottobre).
Ancora da segnalare l'americana Deborah Hay
che con If I sing to you (12-15 novembre) esplora
il concetto di diversità attraverso la danza.
Ma la programmazione va avanti fino a dicembre
con Histoire par celui qui la raconte di Latifa
Laâbissi, e a seguire lo spettacolo del coreografo
brasiliano Bruno Beltrão e la sua compagnia
Grupo de Rua che fonde hip hop, street dance e
tecnica accademica.
www.centrepompidou.fr
al fatto di non riconoscere il
fatto come tale? […] Se ciò che
si desidera è il contrario di ciò
che si ottiene, mi chiedo e vi
chiedo a questo punto vale la
pena di agire? Qual è il senso di
un azione se non la sua efficacia?
Non basta il suo aspetto
simbolico. O basta?".
Dro a distanza formula la sua
risposta, avallata da una situazione
di fatto: Drodesera è un
festival a gestione familiare. È
noto: siamo in tempi di crisi
identitaria della famiglia, il cui
statuto istituzionale è sembrato
seriamente in crisi se
migliaia di cattolici si sono
mossi per condurre la loro battaglia
pubblica contro i Dico (e
beffa vuole che sia anche il
nome di noto discount).
Posizioni entrambe tese a salvaguardare
il discorso del
Padrone - potremmo dire con
Lacan filtrato da Zizek -, discorso
il cui risvolto osceno, vale a
dire la controscena delle sua
disgregazione, non fa altro che
“
Non è forse arrivato il
momento di porre le basi per un
dibattito culturale centrato sulla
figura del curatore, che non è né
un capofamiglia, né un direttore
amministrativo, né un politico:
dunque cosa?
consolidarne l'esistenza istituzionale.
Ma il fatto è che in
fondo la famiglia accontenta un
po' tutti. Nel testo di presentazione
del festival si stima come
un valore da salvaguardare, sia
che si tratti di quelle allargate,
che di quella ristrette: l'importante
è stare un po' e un po'.
Quindi è tanto giusto ammiccare
al nostalgico atavismo dei
legami di sangue, che alla
dimensione allargata e intergenerazionale,
così a suggellare
che se Bridget è la figlia di Eric
mentre sua madre è ora sposata
con il fratello, in fondo va
bene per tutti. Si direbbe: un
colpo al cerchio e
uno alle botte. Non di
meno, il senso meta-
forico del discorso
che si cela tra le
righe della presentazione
è meno fantasmatico
di quello che
si potrebbe credere.
A un punto la metafora
si scioglie apertamente:
"Anche
nella live art, dal teatro
alla performance,
ci ritroviamo dinnanzi
a nuove realtà,
a differenze di generi
che cambiano velocemente, si
trasformano. A famiglie che
non sembrano più riconoscibili
in quanto tali, a realtà in cerca
di identità che credono di averne
perduto la matrice". Quindi
valgono sia i legami e le radici,
LE VIE DI MODENA E OLTRE
Sulla direttrice Modena-Carpi-Vignola torna dal
10 al 18 ottobre la IV edizione di Vie Scena
Contemporanea Festival che ospita le più interessanti
realtà dello spettacolo contemporaneo.
Promosso dall'ERT, apre i battenti con il titolo La
memoria del contemporaneo, edizione speciale
dedicata a Thierry Salmon a dieci anni dalla
scomparsa. Dopo lo straordinario successo avignonese,
Romeo Castellucci presenta in Italia
Inferno, primo momento della sua trilogia spettacolare
liberamente ispirata alla Divina
Commedia. Ma gli appuntamenti danteschi continuano
fuori dal festival con Purgatorio (28 - 29
ottobre) al Teatro Valli di Reggio Emilia e con
Paradiso (dal 4 al 9 novembre) alla Chiesa di
Santo Spirito di Cesena. Ma a VIE ancora
Socìetas Raffaello Sanzio con Chiara Guidi e
Scott Gibbons che dopo Madrigale appena narrabile,
continuano a lavorare sulla voce, indagando
le sue potenzialità musicali attraverso uno
sviluppo con gli allievi del corso di Alta
Formazione per Perfomer. Ormai presenze di
rito Fanny & Alexander, Forced Entertainment,
Motus e Teatro Delle Albe, Danio
Manfredini/Teatro Valdoca. Altri nomi? Alain
Platel/Fabrizio Cassol, Francesca Grilli,
Proia/Conti, Giorgio Barberio Corsetti/ Fattore
K, Luisa Pasello/FPT, e anche il vecchio maestro
Peter Brook.
www.viefestivalmodena.com
che le recisioni generazionali,
limiti entro cui si muove quel
luogo comune che fa, da anni,
arroccare il teatro su una finta
questione che spinge a dover
sempre ragionare in termini di
tradizione e innovazione: "Una
nuova generazione di performer
e creativi arriva a stravolgere
un intero sistema".
Verrebbe da chiedersi a quale
sistema si stia facendo riferimento,
forse all'ennesima
distinzione tra alveari creativi
per artisti big e novellini da
sfruttare con un budget risicato
con il ricatto della vetrina e
della visibilità. Poi meglio non
entrare nel merito dell'impennata
teorica che il testo raggiunge
includendo la nozione di
social drama.
Allora non è forse arrivato il
momento di porre le basi per
un dibattito culturale centrato
sulla figura del curatore, che
non è né un capofamiglia, né un
direttore amministrativo, né un
politico: dunque cosa?
Parallelo al festival di Dro, che
www.drodesera.it
link.
GB ENTRY
A cavallo fra ottobre e novembre torna a
Bologna il festival internazionale che supera
il genere, e riflette sulle raffigurazioni
identitarie e sugli immaginari prodotti dalla
cultura contemporanea legati alle nuove
rappresentazioni del corpo. Gender
Bender (28 ottobre - 2 novembre) promosso
da Il Cassero, gay lesbian center di
Bologna, propone un programma di appuntamenti
articolato in proiezioni cinematografiche,
spettacoli di danza e teatro, performance,
mostre e installazioni, incontri e
convegni letterari, concerti e live set dj,
party notturni per interrogarsi sulla ridefinizione
dei concetti di identità, sulla ridiscussione
dei ruoli e degli standard
maschili e femminili. La VI edizione, diretta
da Daniele Del Pozzo, dedica un'attenzione
particolare al Maschio del Futuro. Quale
sarà il maschio di domani? La risposta
nelle opere della coreografa Beth Cassani,
dell'artista finlandese Jukka Korkeilla, del
regista Chris Waitt, la compagnia belga
Clinic Orgasm Society, dei coreografi
Pieter Ampe & Guilherme Garrido.
Quest'anno una novità riguarda l'ideazione
di un bando rivolto a performer e artisti
che presenteranno progetti e opere durante
il festival.
www.genderbender.it
La centrale di Fies
a Dro in Trentino
negli ultimi anni era apparso
come il luogo più interessante
del panorama italiano e che
anche quest'anno si è distinto
per aver presentato un cartellone
articolato, da segnalare è il
progetto neovincitore del
bando nuove creatività dell'ETI,
Fies Factory One che "nasce
come strumento reale per lo
sviluppo di live art: nuove strategie
dove l'incontro è continuo
stimolo reciproco, dove le logiche
di mercato non soffocano il
percorso creativo, dove l'esito
finale può assumere forme
diverse. Dove anche le ciambelle
senza buco riescono bene".
Di certo Sonia Brunelli,
Francesca Grilli, Dewey Dell,
pathosformel, Teatro
Sotterraneo, i cinque artisti
selezionati per il progetto, realtà
che - detto per inciso - perseguono
un proprio rigoroso percorso
di ricerca, si sono resi
conto che la strategia promozionale,
che li accomuna sotto il
progetto-chioccia dall'eco warholiano,
li ha trasformati in
donuts con praline, farciture di
glassa e cioccolata, o scaglie di
vaniglia. L'immagine non è
divertente se a ogni nome corrisponde
una ciambella alla
quale si auspica anche di sbagliare,
perché, se l'impasto non
dovesse risultare abbastanza
colloso prima dell'infornata,
nessun problema: c'è la famiglia-paracadute.
Allora si attenderà
di rimescolare insieme
zucchero a velo, latte e olio fino
a ottenere un insieme quanto
più omogeneo. E non è questione
di non essere ironici! In realtà
la cosa grave non è soltanto
legata alle conseguenze che
politiche culturali da fast food
possono produrre alla propria
immagine, ma al fatto che gli
artisti con le loro opere alimentano
un disegno più grande.
Non c'è forse in gioco una
responsabilità più ampia legata
alla relazione che l'opera stabilisce
con il contesto in cui si
cala?
Ma allora vale la pena di guardare
al momento clou della
Factory: L'evento (3-5 ottobre
prossimi). La Centrale di Fies
infatti verrà aperta "per focalizzarsi
sulla natura del progetto
Fies Factory One interrogandone
alcuni principi costitutivi: lo sviluppo
nel tempo; la condivisione di
uno spazio; l'idea di accompagnamento
di processi creativi; l'incontro
con altre realtà, altri linguaggi,
altre modalità". Ognuno
dei cinque artisti occuperà una
spazio della Centrale e vi accoglierà
alcuni ospiti così che in
ogni stanza sarà possibile dare
vita a micro-eventi della durata di
dieci minuti e a momenti aperti al
pubblico: una sorta di spazio di
giochi dei bambini, un ritorno
all'infanzia controllata nei girelli e
nei box. In attesa che si concretizzi
questa opportunità, è bene
sospendere il discorso. Quindi

72.libri Exibart.onpaper
a cura di marco enrico giacomelli
della fierite
Dopo la proliferazione delle Biennali è venuta quelle delle mostre-mercato. Con i conseguenti problemi, domande,
questioni. Un tris di volumi affronta altrettanti nodi cruciali. E aiuta chi desidera lavorarci, quelli che vogliono fare
acquisti e coloro che si chiedono come reinventarsi...
Son tempi duri per i globetrotter.
Se dapprima non pareva
vero di poter girare il mondo per
Biennali, ora che si sono aggiunte
le Fiere la questione diventa spinosa.
Non tanto e non solo per
ragioni economiche, ma perché il
dono dell'ubiquità ancora nessuno
l'ha ricevuto. Tocca dunque
scegliere. E ogni scelta che si
rispetti deve sottostare a criteri
operativi. Possono essere della
natura più varia, quindi pure consistere
nella casualità, nel rispondere
agli inviti o nel concedersi la
soddisfazione di spuntare l'ennesima
città sul proprio personale
mappamondo. Oppure, cercare
di selezionare gli eventi in base
alla qualità. Lasciando al loro
posto, per una sorta di deferenza
che si deve alle "istituzioni", le
varie Venezia e San Paolo,
Basilea e Londra, Madrid e Miami
e New York.
Poi che fare? Concentriamoci
sulle fiere, mostre-mercato o
come le si desidera chiamare.
Sono un fenomeno piuttosto
recente, almeno dal punto di vista
dell'infiammazione denotata dal
suffisso -ite. E, come da queste
pagine s'è detto più volte dalla
penna di Alfredo Sigolo, c'è almeno
una questione fondamentale
che dovranno presto affrontare:
quella relativa al ruolo rivestito
dalle case d'aste. Non staremo a
ripetere gli esempi di François
Pinault proprietario di Christie's,
a sua volta proprietaria di
Haunch of Venison, o dei tentacolari
possedimenti di Charles
Saatchi e dei suoi accordi con
Phillip's de Pury.
Fatto sta che gli attori del mercato
si muovono, e pure velocemente
(c'è pure chi colleziona fiere,
nel senso che se le compra,
come Merchandise Mart
Properties). E le case d'asta
potrebbero contribuire alla "trasparenza
e pubblicità dei prezzi"
in fiera, parafrasando quanto
scrive Miriam Di Penta nell'intro-
no dust.
VEDERMI ALLA TERZA PERSONA
Origina da una tesi che nel
2005 gli valse il Premio Dams
questa prima monografia italiana
che Clara Carpanini dedica a
Claude Cahun, e in particolare
alla sua fotografia. Lo studio è
approfondito, abbondante la
bibliografia, la scrittura scorrevole.
Insomma, un ottimo esempio
per i laureandi tentati dalle
"compilazioni".
Quinlan - ill. b/n - 124 pp.
14,50 euro
www.aroundphotography.it
duzione alla sezione dedicata
al Mercato dell'arte del
volume I mestieri dell'Arte.
Sezione che, con sommo
nostro stupore, non contempla
alcun intervento
focalizzato sulle fiere, checché
Di Penta ne accenni nel
suo scritto, citando Tefaf e
Biennale di Firenze, Frieze
la "modaiola" e l'"intramontabile"
ArtBasel col "suo
doppio americano di
Miami". Mentre hanno voce
sia Sotheby's, nella persona
di Flaminia Allvin (che avrà
fatto rizzare i capelli a più
d'un collezionista e d'un
superiore scrivendo che "il
mercato dell'arte, come
tutti i mercati può essere
soggetto a fluttuazioni, questo
è un momento incredibilmente
prosperoso per questo
mercato e speriamo che duri, ma
nessuno di noi può conoscere
bene il futuro": si sa ma non si
dice), che Marco Riccomini, sul
fronte dei dipinti antichi da
Christie's, il quale si unisce al
coro sottolineando come "i risultati
d'asta restano, poiché pubblici,
i punti di riferimento più attendibili"
per la stima di un'opera.
Tutto questo sul lato commerciale.
Ma è innegabile che almeno
alcune fiere da qualche tempo
I volumi segnalati.
. Paco Barragán, The Art Fair
Age / La era de las ferias, Charta,
pp. 100+100, 29 euro
. Louisa Buck & Judith Greer,
Come comprare l'arte contemporanea,
Allemandi, pp. 303, 27 euro
. Caterina Volpi (a cura di), I
mestieri dell'Arte, Electa, pp. 224,
25 euro
...e se non vi accontentate
. Don Thompson, The $12 Million
Stuffed Shark. The Curious
Economics of Contemporary Art,
Aurum Press, pp. 304, £ 14,99
ILEANA SONNABEND
Della discrezione come forma
d'arte, sottotitola questa biografia
Manuela Gandini. È la
naturale prosecuzione dell'indagine
iniziata col volume dedicato
a Leo Castelli. Per una serie
che, ahinoi, non potrà essere
infinita, focalizzandosi sulle figure
di grandi galleristi e mercanti
d'arte. Ormai sono come i
panda, o quasi.
Castelvecchi - 368 pp.
25 euro
www.castelvecchieditore.com
pigiano sul tasto della cultura. In
ordine sparso, le scolaresche ad
Arco, lo stand di Abo a Bologna,
Andrea Bellini che dirige
Artissima, Keller che ad
ArtBasel depenna la parola
"fair". Ed è così che si fa strada
una sorta di ibrido avveniristico,
il fair curator. Ne parla diffusamente
Paco Barragán nel suo
libro anglo-spagnolo; un libro
no italian.
SPIRITED AWAY
Esce nella collana "Film Classics"
del British Film Institute una
monografia approfondita e godibile
dedicata da Andrew Osmond al
capolavoro dell'animatore Hayao
Miyazaki. È La città incantata, pellicola
del 2001 che segna, almeno
finora, l'apice della carriera del
giapponese. Un'ottima scusa per
rivedere il film.
Palgrave Macmillan - testi ing
- ill. col. - 128 pp. - £ 9,99 -
www.palgrave.com
aggiornatissimo, dalla
folta bibliografia, chiaro
e al contempo colto.
(Solo non capiamo che
c'azzecca il capitolo The
Advent of Expanded
Painting.) Il suo è un tipo
particolare di curatore,
che magari "incoraggia
le gallerie a presentare i
propri stand in maniera
che siano più simili a una
mostra piuttosto che a
un'accozzaglia [qui la traduzione
è libera, N.d.R.]
di lavori di tutti gli artisti
della galleria", come scrive
Amanda Coulson,
direttore esecutivo di
Volta, fiera itinerante
dove gli stand sono per
lo più delle minipersonali.
Un curatore embedded in fiere
che spesso hanno assunto lo
status di Urban Entertainment
Center (una sorta di
Guggenheim di Bilbao per qualche
giorno all'anno) e dove si
offrono "esperienze memorabili"
(il riferimento è alla Experience
Economy teorizzata alla Harvard
Business School). Tutto per
LA CANCELLATURA
E ALTRE SOLUZIONI
Con Alberto Fiz, Emilio Isgrò ha
curato una selezione di propri
scritti dal 1963 al 2007.
Andando a formare un paradossale
corpus teorico, se si tiene
conto che è l'"inventore" della
cancellatura. Pietra miliare sulla
poesia visiva, la Dichiarazione 1
risalente al 1966. Ma sono
memorabili anche gli articoli per
i quotidiani.
Skira - ill. b/n - 272+xl pp.
25 euro - www.skira.net
migliorare il posizionamento,
ovvio. In pratica? Molti sono i consigli
di Barragán rivolti a curatori
di tal fatta, che se sono coinvolti
almeno a livello di comitato selezionatore
è senz'altro meglio: rendere
l'evento più "intimo", il che
significa in primis ridurre il numero
di gallerie partecipanti (l'esempio
torinese torna alla mente con
insistenza); adoperarsi per divenire
un ottimo "infomediatore", che
non è il "filippino dell'arte" - Abo
dixit - bensì colui che "genera,
gestisce e distribuisce l'informazione
indiscriminatamente attraverso
i vari canali che intervengono
nel processo", un curatore
relazionale insomma; esser
disposti a impegnarsi in operazioni
di instant curating, che
significa "concettualizzazione,
selezione, produzione, esposizione,
inaugurazione e interazione
sociale", naturalmente tutto
"compresso in un solo giorno".
Qui ci fermiamo, ché chi è interessato
può pure andar direttamente
al decalogo di Barragán.
Un dubbio sorge: perché mai il
fair curator sarebbe garanzia di
trasparenza? Mentre nessun
tentennamento abbiamo nel
supportare la necessità in fiera
di una migliore architettura e di
"fast good" (copyright Ferran
Adrià)
Di decaloghi ce n'è un altro paio
in The Art Fair Age, e sono le
Rules of Collecting e la Guide to
Finding a Good Advisor. Non che
non siano interessanti, ma almeno
vanno affiancati al corposo
volume di Louisa Buck e Judith
Greer, coppia di "addette ai lavori"
ma soprattutto legate strettamente
al mondo del collezionismo.
Un volume che, in quell'avverbio
iniziale del titolo, Come
comprare l'arte contemporanea,
indica già tutto il suo potenziale
valore. Al cosa, infatti, ci si
può pensare con maggior
calma, o abbandonandosi a un
raptus di shoppingite.
LEARNING FROM CITIES
L'introduzione è un'intervista di
Francesco Garofalo a Richard
Burdett, direttore della 10ma
Biennale di Architettura. Il resto
sono i materiali del laboratorio di
progettazione coordinato dallo
stesso Garofalo. Che quest'anno
si occupa del Padiglione italiano.
Se ancora non l'avete visto, guardatevi
almeno il dvd allegato.
Postmedia - testi ita/ing - ill.
b/n - 240 pp. + dvd
29 euro
www.postmediabooks.it

Exibart.onpaper libri.73
a cura di marco enrico giacomelli
la vergine di ferro
crisi d'identità
Dentro e fuori da un mondo artificiale. È
quella realtà parallela, divenuta fonte d'intrattenimento
culturale che, come in una grande
scuola, comprende classi di artisti, talvolta
improvvisati, diligenti opinionisti e una fitta retroguardia
interessata a cogliere gli aspetti più
notevoli del "mondo dell'arte". È una dimensione
in cui si trova Lea Vergine, divisa ma non combattuta
fra la partecipazione attiva alla produzione
critica e il sostanziale distacco dalla
desertificazione culturale in cui, a suo giudizio,
versa l'Italia.
Critico e scrittrice, Vergine raccoglie tracce di
se stessa e della storia dell'arte contemporanea
dal 1965 al 2007 in una ridda di Parole sull'arte.
Le cinque macrosezioni raccolgono da un
lato un'ottantina di scritti per il "Corriere della
Sera" e "Il Manifesto", "Vanity Fair", "L'Europeo"
e "Linus", dall'altro i testi dei cataloghi di mostre,
dov'è protagonista il versante curatoriale di Lea
Vergine, che presenta la ricerca di artiste come
Gina Pane e Carol Rama.
Senza seguire un andamento cronologico, l'autrice
parte dai ricordi. Il primo è una commemorazione
della galleria napoletana Il centro, dove
l'allora giovane curatrice riuscì a portare
Umberto Eco e Giulio Carlo Argan nei primi anni
'60 e dove esposero Fontana e "i due gettoni di
scambio nativi" Renato Barisani e Gianni
Dieter Daniels è stato il direttore del Ludwig
Boltzmann Institute Media.Art.Research a Linz
e della mediateca dello Zkm a Karlsruhe.
Barbara Schmidt è ricercatrice nell'Istituto di
Linz e ha diretto il progetto ministeriale New
Media Images. Queste poche informazioni sui
curatori del volume sono basilari per inquadrare
questo Artists as Inventors. Inventors as
Artists, ossia il nodo e snodo fra arte, scienza e
tecnologia che in Austria, con il Festival Ars
Electronica, viene annualmente dibattuto.
È d'altro canto un tema che ha conosciuto la
propria nascita o rinascita nel XVIII secolo e
che, da vari punti di vista, comincia a mostrare
la corda, vuoi per ragioni economico-sociali (l'odierna
organizzazione produttiva), vuoi per lo
scarso ricambio generazionale (anagrafico e di
forma mentis) fra gli studiosi di quest'area.
Nella fattispecie, lo si nota leggendo l'elenco dei
nomi degli artisti intervistati: Paul DeMarinis,
la cui scheda rammenta il suo impegno come
"electronic media artist" sin dal 1971, o Billy
Klüver, ingegnere svedese che collaborò con
Tinguely, John Cage e Rauschenberg.
In altre parole, per com'è posta nella maggior
parte dei casi, è una questione che pare consegnata
alla modernità e a uno dei suoi grand
récit, la possibilità - magari da parte di un genio
dove c'è barilli c'è casa
L'ultima proposta editoriale di Renato Barilli
- fra i più noti storici e critici d'arte del nostro
tempo, ancora attivo nell'ateneo bolognese - è
una ricognizione dedicata alle sperimentazioni
artistiche nell'Italia contemporanea e raccoglie
le principali emergenze stilistiche di due secoli,
enucleandone una traccia diacronica, articolata
sulla base delle circostanze storiche e delle concomitanze
scientifiche.
Come in L'arte contemporanea. Da Cézanne
alle ultime tendenze, autentica summa e testo
basilare per affrontare in primis gli studi di storia
dell'arte, o come nel più recente Prima e
dopo il 2000, Barilli appronta il suo tipico metodo
d'indagine, "basato sulla fiducia nelle corrispondenze
omologiche tra quanto avviene in
ambito di cultura materiale, a livello di strumenti
tecnologici, a loro volta ispirati dalle rivoluzioni
scientifiche, e i riscontri che se ne hanno nei
livelli 'alti' consegnati alle forme simboliche,
come sono i linguaggi artistici". Considera, quindi,
come l'"alba del contemporaneo" coincida
con i "primi vagiti dell'elettromagnetismo" e inizi
proprio con Antonio Canova che, nella perfezione
stilistica con cui controlla le pulsioni dell'Es,
compie un'operazione di prelievo degli antichi,
per "trasferirli pari pari in un'operazione di riciclaggio",
"come anticipo del ready-made" intro-
Pisani. Al titolo poetico di Acre la gioia dell'ombra,
saggio per la mostra tenutasi a Napoli nel
1991, è affidata la sequenza emozionata del
debutto sulla scena (siamo nel 1957) su
"L'idea", un "fogliettino locale", un luogo come un
altro per esprimere le proprie opinioni, in questo
caso su Emilio Notte.
Così lontano così vicino sono quindi sparsi flashback
di momenti pubblici, arricchiti da sentimenti
privati di una Napoli dove "c'era un vuoto
sordo e implacabile, nessuna attenzione (figuriamoci
rispetto!) per quelli che di arte tentavano
di vivere facendola o scrivendone". Il sapore
rimane complessivamente amaro, come di chi
si sforzi con una bandiera d'indifferenza di
distaccarsi da un luogo "dove tutto era lasciato
all'iniziativa di ciascuno e il ciascuno era sempre
e solo rimandato a se stesso". È ora di partire,
destinazione Milano.
Nella grande cruna dove s'intrecciano i fili di
arte, moda, industria e tecnologia, la velocità
della prosa e l'andamento descrittivo dei suoi
testi si fa analisi attenta di quanto all'epoca era
nuovo, che fosse Irritarte - mostra del '69 dove
artisti come Tetsumi Kudo e Paul Thek rappresentavano
l'uomo senza orpelli interpretativi ma
per l'essere debole e mortale che è - o che si
trattasse della lacerante Body Art, da cui fuoriuscì
la teorizzazione nel Corpo come linguaggio
isolato e romantico - di edificare un ponte fra le
Due culture di cui parlava C.P. Snow. Ciò non
toglie che si possa continuare a dibatterne, con
un approccio storico o adoperandosi per rileggerla
con l'ausilio di nuovi strumenti teorici.
Il problema principale resta tuttavia di carattere
identificativo (ben lo evidenzia Simon Werrett nel
suo intervento): come si può discutere insieme
quando il significato che si attribuisce a termini
quali artista e scienziato differisce in maniera
sostanziale, ontologica? Si prenda il colto saggio
di Daniels, Artists as Inventors and Invention as
Art: A Paradigm Shift from 1840 to 1900.
L'impronta storica non elude affatto le domande
teoriche. E sin dal titolo ci si può chiedere cosa
voglia sostenere l'autore quando caratterizza l'invenzione
come (un')arte; e quali conseguenze
"indebolenti" possa avere la tesi poco fondata che
i media device "e i fenomeni che essi producono
hanno, implicitamente o esplicitamente, una
dimensione estetica. Hanno un'affascinante relazione
con le arti". Quanto è rilevante che Morse
fosse un pittore semi-dilettante? Possono alcune
biografie, pur notevoli, sostanziare una dichiarazione
come questa: "I media sono la continuazione
dell'arte con altri mezzi"?
Ciò ch'è forse più impellente consiste nel riuscire
a "mettere in prospettiva" (questo aspetto de) la
dotto da Duchamp, "maestro e precursore di
operazioni analoghe poi tentate, ai nostri giorni,
da Giulio Paolini e da Jeff Koons, magari passando
anche attraverso la Metafisica di De
Chirico".
Dal Postimpressionismo al Simbolismo fino
all'Espressionismo "nostrano", in cui emergono
figure quali Gaetano Previati, "primo simbolista
di casa nostra", Medardo Rosso o Lorenzo
Viani, "espressionista d'alto bordo", si ripercorrono
in chiave critica ed essenziale la poetica e
l'attività di gruppi e correnti, dai pittori delle
stanze di museo irrorate da una luce elettrica
da lightbox, come Giorgio de Chirico, alle esperienze
degli anni '20 e '30, fino all'Astratto-concreto
di impostazione venturiana e all'ultimo
naturalismo di matrice arcangeliana, nei termini
di un Informale che si caratterizza per le
"mille varianti ed ibridazioni" sul piano nazionale.
Prosegue con gli anni '60 segnati da una piena
fiducia nei confronti della società industriale,
fino all'azzeramento concettuale, in cui emerge
la sperimentazione totale di Manzoni che, sul
versante di Duchamp, riapre le fila per artisti
quali Gino De Dominicis e Maurizio Cattelan.
Nella mappatura delle proposte pop e figurativo-oggettuali,
poveriste e comportamentiste del
'68, Barilli dedica spazio alla Biennale veneziana
nel 1974.
Nel confronto tra lo ieri raccontato e l'oggi vissuto
dal lettore, suonano fortemente critiche le
parole di Lea Vergine perché, considerando la
vitale costellazione di mostre, dibattiti, convegni
e fiere a Milano, ne Gli anni Settanta alla fiera
campionaria del 2007 è palese il disgusto per
una élite che governa il carrozzone "incafonito"
dell'arte, che trionfa in "un clima disneyland" tra
"incompetenza e pacchianeria", perdendo il
significato stesso delle parole. Esemplare l'uso
di "evento", spodestato dal concetto originale
per far posto all'idea di un happening con molto
glamour e poco contenuto.
Nei frammezzi concessi tra Arte Povera e
Programmata, c'è la narrativa da viaggio più
rilassata di Orcadi, isole dell'utopia. Ma è solo un
sospiro di sollievo nel nugolo combattivo che
muove Lea Vergine tra passione e interesse.
[irene tedesco]
info.
Lea Vergine - Parole sull'arte 1965-2007
Il Saggiatore, Milano 2008
Pagg. 312, 23 euro
ISBN 9788842814498
Info: www.saggiatore.it
modernità. Andrebbe ad esempio sottolineato
come, nella seguente dichiarazione introduttiva
dei curatori del volume, il riferimento temporale
sia necessario ma non sufficiente per distinguere
questo artista: "All'inizio del XX secolo, all'apice
dell'avanguardia modernista, gli artisti divennero
inventori per ragioni pratiche. Per rispondere con
le loro visioni estetiche all'impatto della tecnologia
sui sensi umani, avevano bisogno di un nuovo
apparato che non era ancora disponibile". D'altro
canto, sorge un'altra domanda leggendo l'invito di
Simon Penny a "sviluppare un nuovo ramo dell'estetica",
l'aesthetics of behavior, al fine di riuscire
a leggere correttamente alcune nuove tipologie
di "machine-artwork". E se invece occorresse
restringere il concetto di opera d'arte o, almeno,
la categoria di cui si occupa l'estetica?
info.
Dieter Daniels & Barbara U. Schmidt (eds.)
- Artists as Inventors. Inventors as Artists
Hatje Cantz, Ostfildern 2007
Pagg. 240, 24,80 euro
ISBN 9783775721530
Info: www.hatjecantz.de
del 1972, Opera e comportamento, in cui lo
stesso autore ha agito in prima persona, fino a
spiegare nei termini di McLuhan un Informale
freddo, aptico e tecnologico, che si chiarifica in
questi anni fino al paraminimalismo e al versante
implosivo del citazionismo, con le ricerche
degli Anacronisti, dei Transavanguardisti e dei
Nuovi-Nuovi, di sua scoperta e coniazione, anticipati
dagli "apripista Ontani e Salvo".
Il libro, corredato da una bibliografia che predilige
opere monografiche o di trattazione autorevole
e recente, secondo il criterio di un'economia
di visione comunque sintetica ma calzante,
aggiunge alcuni esempi di Neo pop, Neo-geo,
Neominimalismo e Postconcettuale. Per confermare
in ultimo, in una considerazione aperta, la
rimaterializzazione delle tendenze odierne.
[alessandra scappini]
info.
Renato Barilli - Storia dell'arte contemporanea
in Italia. Da Canova alle ultime tendenze
Bollati Boringhieri, Torino 2007
Pagg. 566, 32 euro
ISBN 9788833917337
Info: www.bollatiboringhieri.it

74.pre[ss]view Exibart.onpaper
a cura di marco enrico giacomelli
una spina nel fianco di genova
Un resoconto-indagine dei programmi, della politica e degli obiettivi di plug_in. Dall'associazionismo all'editoria.
Per un'attività stratificata nella cultura visiva contemporanea. Tenendo bene a mente l'importanza della teoria...
In un panorama perennemente
altalenante fra crisi e
novità si affaccia la casa editrice
nata a Busalla, nel genovese,
dall'omonima associazione culturale
plug_in - laboratorio di
architettura e arti multimediali.
L'attività editoriale s'inserisce
nella più ampia e stratificata
progettualità di un trio costituito
da Alessandro Lanzetta,
Emanuele Piccardo e Luisa
Siotto, che scruta e stimola le
possibilità di dialogo tra il pensiero
dei "padri" e le giovani sperimentazioni.
Le molteplici espressioni della
loro ricerca, infatti, fanno capo
a un programma che, partendo
dall'interesse per l'architettura
e per la fotografia, ne ha sviluppato
le tematiche attraverso il
confronto tra artisti, sociologi
urbani, architetti, critici e storici
dell'architettura. Un lavoro che,
di volta in volta, prende la forma
di mostre, workshop o dibattiti,
e del web magazine "archphoto".
La rivista è stato il primo
passo verso l'editoria, dichiarando
la propria "attenzione per la
connessione tra le discipline
che ruotano attorno all'architettura".
"L'architettura stessa e la
nostra formazione di architetti
ci indicano la strada", afferma
Emanuele Piccardo, presidente
di plug_in e curatore di "archphoto",
a cui abbiamo rivolto
qualche domanda per capire da
dove sia nata l'esigenza di proporsi
come editori. L'obiettivo
non è mai stato quello di occuparsi
esclusivamente dei progetti
dell'associazione, quanto
quello di attivare collaborazioni
e "dare spazio ai giovani e alle
figure importanti della storia
dell'architettura, della fotografia
e dell'arte contemporanea che
spesso, per l'assenza di un serio
lavoro da parte dei critici, non
riesce a emergere".
Piccardo parla di libri necessari
e di giovani, due classificazioni
che appaiono piuttosto complesse
nella loro semplicità
rotocalco.
AGGREGATI TORINESI
Lemme lemme giunge al #7 il
curatissimo Cluster. E provenendo
dalla città ospitante il
Congresso Mondiale degli
Architetti, non poteva che concentrarsi
su Transmitting
Architecture. Con articoli a firma
di personaggi del calibro di
Joseph Rykwert, Luca Molinari e
Aldo Bonomi. Copertina griffata
Daniele Galliano.
www.cluster.eu
espressiva: "Per giovani non
intendiamo solo un fattore anagrafico,
ma figure/autori che
hanno dimostrato di avere delle
capacità e hanno bisogno di
essere sostenuti. La funzione
del libro è sedimentare un pensiero,
insinuare un dubbio,
porre un problema e quindi portare
il lettore a una riflessione".
Il che conduce direttamente alla
sostanza della produzione libraria,
una collana che prevede due
ARTE IN TAZZINA
Celeberrimo è l'impegno di illy
nell'arte contemporanea. Simile
notorietà gode illywords, freehouse-organ
di profilo non meno
altolocato. Il #24 è dedicato
all'Autoscatto e le immagini sono
realizzate dagli studenti
dell'Accademia di Tallinn. I testi?
Da Beppe Finessi a Mimmo
Jodice, da Angela Vettese a Luis
Sepúlveda.
www.illy.com
tagli: saggio e monografia su
temi inerenti architettura, arte
o fotografia.
Al momento, oltre alla rivista
online, plug_in ha all'attivo due
pubblicazioni: Soleritown, libro
fotografico dedicato alla città
ideale di Paolo Soleri; e dissertare/disertare,
frutto della collaborazione
con l'associazione
Start e pubblicato in seguito
all'omonima mostra a cura delle
autrici, Gaia Cianfanelli e
SALA DI LETTURA
Christina Barton, Natasha
Conland e Wystan Curnow: sono
gli editor di Reading Room, rivista
annuale della Auckland Art
Gallery. Nel 2007 il tema era
Autobiography in the wake of
conceptualism, quest'anno ci si è
dedicati al Transcendental Pop.
Seguirà Art goes on. Il call for
paper è scaduto, indi preparatevi
per il 2010.
www.aucklandartgallery.govt.nz
La copertina di Soleritown
Nicola Toffolini - Stato d'assedio, 2008 - disegno con penna nera Pigma Micron 0,05 e 0,1 su carta
Letraset CHWA2 da 200 g/m2 - cm 59,4x42
Nicola Toffolini per pre[ss]view
NON È CASA SE NON È BELLA
#769 con un testo di Eisenman
e un minifocus veneziano con
Calatrava e Cacciari.
Soprattutto, per Casabella ci
sono gli 80 anni da festeggiare.
Con la ristampa del triplo numero
su Giuseppe Pagano - direttore
dal 1933 alla morte a
Mauthausen nel 1944 - e con
una serie d'incontri sull'architettura
contemporanea.
www.mondadori.it/periodici
Caterina Iaquinta. "Non un catalogo,
ma un libro-manifesto di
una modalità di fare ricerca nell'arte
contemporanea che è
uscito molto dopo la mostra,
proprio per trasformarlo in un
libro con saggi appositamente
scritti", prosegue Piccardo. Un
progetto che non può disconoscere
anche la valenza di catalogo
che pure sviluppa, con interventi
di molti critici, l'analisi -
svolta con la mostra - della realtà
artistica italiana legata alla
produzione giovane e all'associazionismo
culturale.
I prossimi programmi di plug_in
"prevedono la riedizione del
numero monografico della rivista
'Marcatre' su 'Utopia e/o
rivoluzione', due libri d'artista e il
libro sulle 'Lezioni di paesaggio'",
quest'ultimo legato alla serie di
incontri tematici organizzati dall'associazione
nel maggio scorso
in una colonia montana razionalista
in Liguria.
In tutto questo, una neonata
casa editrice deve affrontare la
difficile questione della distribuzione,
per la quale plug_in ha
adottato una strategia di diffusione
online e una più tradizionale
distribuzione in alcune interessanti
librerie e bookshop su
territorio nazionale. "Tra l'altro,
siamo anche a Cittadellarte a
Biella, alla Fondazione
Sandretto Re Rebaudengo a
Torino e prossimamente nei
bookshop Skira", conclude
Piccardo. Che sia il primo
importante segnale di una rinascita
genovese?
[federica la paglia]
plug_in
Via Roma, 25/22
16012 Busalla (GE)
Info: tel. +39 0109643822
fax +39 0109643822
info@plugin-lab.it
www.plugin-lab.it
SEMPRE PIÙ IN ALTO
HiArt è il nuovo semestrale, edito
da Gangemi, che s'occupa di
"informazione dell'Alta
Formazione Artistica e Musicale".
Lo dirige Roberto Morese e,
come si nota dalle maiuscole, è
frutto dell'equiparazione di
Accademie e Conservatori alle
Università. Intanto ci si occupa di
innovazione tecnologica, a novembre
il seguito.
www.hi-art.it

76.design Exibart.onpaper
a cura di stefano caggiano
le tre metà del cielo
Il Veneto vanta la più alta densità creativa per metro quadro del pianeta. Ora, grazie anche al nuovo brand
regionale INNOVeTION VALLEY, ha tutte le carte in regola per diventare il perno, felicemente fuori asse, fra il
design milanese e quello torinese…
La storia del design è la storia
di un cielo diviso in due. Sorto sul
crinale tra arte e tecnologia, il
disegno industriale si è sempre
nutrito della sua natura felicemente
ambigua. Oggi, però, nel nord
Italia i cieli del design sono tre:
Milano, Torino, e il Veneto; rispettivamente:
l’anima artistica del
progetto industriale, l’erede "fresco"
del funzionalismo storico, e la
metropoli diffusa teorizzata da
Richard Florida come milieu ideale
per lo sviluppo della nuova creatività
"liquida" del XXI secolo. Ed è
proprio grazie a queste caratteristiche
che il Veneto potrebbe
assumere il ruolo di laboratorio di
incontro tra le due anime del
design italiano; quella artistica del
"significato" degli oggetti e quella
pragmatica dei servizi sostenibili.
In realtà, il design italiano è conosciuto
nel mondo soprattutto per
la sua eccellenza nei settori delle
tre F: furniture, food, fashion (che
in italiano diventano le tre A: arredamento,
alimentazione, abbigliamento),
cioè i prodotti ad alto contenuto
di senso. In questo campo
Milano detiene ancora il primato
internazionale. Ma se guarda a
ovest, vede una Torino che nel
2008 è stata nominata capitale
mondiale del design; e se guarda
a est, vede un Veneto che vanta il
più alto indice mondiale di densità
creativa per metro quadro e che
oggi si fa chiamare INNOVeTION
VALLEY, dove il "Ve" sta appunto
per Veneto.
Le cose sono in fermento. Se il
peso delle vecchia generazione
rende i riflessi delle menti pensanti
del design milanese poco reattive
nei confronti della generazione
transnazionale di giovani, che sta
emergendo a livello globale e per
la quale l’emozione dell’oggetto è
inscindibile dalla sua sostenibilità;
Torino, con la sua tradizione industriale
"forte" facente capo a
esperienze come quelle di Fiat e
Olivetti, ha giustamente scelto di
privilegiare un’idea più "anglosassone"
di design, caratterizzata da
una maggiore attenzione al ruolo
compassi.
WHERE DESIGN REALLY HAPPENS
TED, acronimo di Technology
Entertainment Design, è il nome di una
conferenza che si tiene ogni anno in
California e ogni due in altre città del
mondo. Coordinata dall’editore milionario
Chris Anderson (da non confondere
con l’omonimo direttore di Wired), TED
ha l'obiettivo di mettere in connessione
ideas worth spreading, idee che vale la
pena diffondere. I temi affrontati vanno
dal design delle interfacce al senso dell’immagine,
dal riscaldamento globale
alla "matemagia". Tra gli speaker che si
sono succeduti sul palco, l’ex presidente
USA Bill Clinton, il Premio Nobel James
Dewey Watson, il fisico Murray Gell-
Mann, il co-fondatore di Wikipedia
Jimmy Wales e i creatori di Google
Sergey Brin e Larry Page. Assistere
costa seimila dollari all’anno, ma le conferenze
più interessanti si possono vedere
dal sito, che vale davvero la pena di
mettere tra i preferiti.
www.ted.com
che il progetto può avere nella
creazione di una civitas della
sostenibilità e dei servizi, un po’
perché sarebbe stato incauto sfidare
la capitale meneghina sul
terreno del design ad alto valore
semantico, un po’ perché questa
è la direzione verso cui sta
andando il mondo.
Tale è dunque la geopolitica del
design italiano, in cui
INNOVeTION VALLEY potrebbe
iniziare un percorso di progressivo
placement come punto di
incontro - ancorché decentrato e
proprio per questo proficuamente
"inquieto" - delle due anime del
design, quella tradizionale artistico-semantica,
che fa capo a
Milano, e quella nascente sostenibile-pragmatica,
di cui Torino
punta a diventare il centro di riferimento
della penisola.
Non è una sfida impossibile. Con
la sua rete di quattrocentocinquantamila
imprese che spaziano
dal fashion al design alla tecnologia,
il Veneto si
presenta oggi
come una Los
Angeles di cinque
milioni di abitanti,
con una altissima
densità creativa,
anche se non ne
sembra ancora
pienamente consapevole.
Proprio per questo è
nato il progetto INNOVeTION VAL-
LEY, la vision che il direttore di
Fuoribiennale Cristiano
Seganfreddo propone al Veneto
SLASH/SLASH GENERATION
Più design genera ancora più design.
Secondo il Future Laboratory di Londra la
Slash/Slash Generation, ovvero la generazione
dei diciotto-ventiquattrenni do-italler,
cioè che fanno tutto da sé, è ormai
una realtà attivamente inserita nei modi
di produzione del nuovo design diffuso.
Grazie alle alte prestazioni di usabilità
degli strumenti info-elettronici è diventato
infatti estremamente facile per i
ragazzi dell’era post-digitale essere allo
stesso designer/grafici/dj/artisti/selfpromoter/ecc.
L’humus in cui cresce
questa generazione, risultato delle democratizzazione
dell’industria creativa, è
quella che germina nell’infosistema delle
nuove tecnologie agili e user-friendly, che
consentono a chiunque abbia un minimo
di predisposizione di essere produttore
di contenuti, nutrendosi dell’ubiquità di
connessioni in cui circolano le idee e si
rilanciano le energie.
www.thefuturelaboratory.com
www.itemidem.com/SlashSlash.pdf
come metropoli creativa diffusa,
per far venire alla luce quello
che c’è già e innescare "profondi
cambiamenti nella
coscienza collettiva. Un cambiamento
epocale ad un territorio
che negli ultimi quarant'anni
sembra abbia prodotto
solo 'schei’ e ancora 'schei’: il
Veneto ha invece prodotto cultura
straordinaria attraverso la
sua capacità di seduzione che ha
influenzato la società internazionale
con stili di vita e mode, come
nessun altro in Italia".
“
In realtà, il design italiano
è conosciuto nel mondo soprattutto
per la sua eccellenza nei settori
delle tre F: furniture, food, fashion
Che questa visione non sia campata
in aria lo dimostra la sfilza di
realtà imprenditoriali venete che,
solo nella moda, vanta aziende
come Luxottica, Benetton,
CONSIGLI PER ASPIRANTI FREELANCE
Si sa, iniziare la professione di creativo indipendente
non è facile. Certe cose si imparano solo
sul campo, e non ci sono sindacati o associazioni
di categoria che si prendono seriamente a cuore
la causa dei professionisti libertini. Se poi è il
campo stesso di lavoro ad essere evanescente
le cose si fanno ancora più complicate. Ed entusiasmanti.
Per questo Graphicdesignblog ha
inserito nel suo sito uno spazio nel quale, alla
domanda What is the biggest piece of advice you
would give to someone starting out freelancing?,
i graphic designer freelance possono postare
consigli per i loro più giovani colleghi che stanno
per intraprendere o hanno appena avviato un’attività
autonoma di graphic design. I consigli vanno
da suggerimenti estremamente pragmatici,
come quello di avere sempre una copertura economica
di almeno tre mesi per i tempi di magra,
a incoraggiamenti dal respiro quasi filosofico,
come l’invito "a non commettere l’errore di credere
che chiunque altro stia facendo meglio di te:
non è così".
www.graphicdesignblog.co.uk/advice-for-newfreelance-designers
qui: JoeVelluto - progetto
Snow Chair
a sinistra: INNOVeTION VAL-
LEY - concept grafico
Diadora, Geox, Nordica, Regina
Regis, Replay, Stefanel, Bonotto,
Dainese, Gas, Rino Mastrotto,
Valentino Fashion Group, Zanella,
Mauro Grifoni e Seventy, per citarne
solo alcuni. E poi ancora nel
design con Bisazza, Campagnolo,
Zamperla, Minotti Cucine, Alpes,
Bosa Ceramiche, Gruppo
Manfrotto, Arper, Bellato
Pallucco, De Longhi, Magis,
Bonaldo, Lago, Coin, Foscarini e
Valcucine fra le aziende; Alberto
Del Biondi, JoeVelluto, Barbara
Uderzo, Tobia Scarpa, Carlo Dal
Bianco, Silvia Cogo e
Fabrica fra designer
e studi di design, e
anche in questo caso
gli elenchi non possono
essere che incompleti.
Forte di questa densità
creativa semantica
e pragmatica il
progetto INNOVeTION VALLEY
punta a farsi network di aziende,
artisti e designer, oltre che vivace
incubatore di iniziative come
l’Adunata del Contemporaneo
che si è tenuta il 6 settembre a
Bassano del Grappa. La sfida è
quella di dare al Veneto una corporate
image design-oriented (o
creative-oriented) da spendere
nel mondo.
Perché se il valore aggiunto del
design non è più nelle cose ma
nelle esperienze, è sulla scala
delle esperienze reali, intense ed
emozionanti che si misura il
design del XXI secolo. Che non
sarà né solido né liquido ma
denso, capace di preservare i
gradi di libertà della società liquida
senza per questo lasciare che
il vissuto quotidiano delle persone
si sfilacci nella perdita di
senso. Non solo emozione, non
solo sostenibilità, ma emozione
sostenibile; non solo senso poetico,
non solo pragmatismo operativo,
ma senso operativo e pragmatica
della poesia. Tra Milano e
Torino, il Veneto.
www.fuoribiennale.org
link.

78.talent hunter Exibart.onpaper
a cura di Daniele Perra
dario pecoraro
La prima
domanda per
delineare la tua
personalità:
qual è l'ultimo libro che hai letto?
Ho appena finito di leggere I miei
luoghi oscuri di James Ellroy.
Veramente potente. Penso non
sia da tutti scrivere un libro sull'omicidio
della propria madre, realizzare
un noir autobiografico in
maniera così cruda e scientifica.
Musica! Cosa ascolti?
La faccenda si fa complicata. Non
ho un genere preferito, ascolto di
tutto. Quando visito altri paesi mi
piace andare nei negozi di musica:
lì si trovano sempre delle chicche.
Durante l’adolescenza ascoltavo
soprattutto punk e derivati:
ho visto concerti veramente belli.
I Millencolin all'Acquatica non si
dimenticano facilmente.
Cinque città che consiglieresti di
visitare e perché.
La prima in assoluto è Tokyo. È
una città che mi ha sconvolto e
affascinato. È incredibile salire
all'ultimo piano di un grattacielo e
vedere una metropoli infinita, una
vera megalopoli. Sempre in
Giappone, Hiroshima. Visitare il
Peace Memorial Museum e poi
passare fra grattacieli, luci, suoni
e prendere quello che chiamano il
"treno proiettile", beh, fa riflettere.
Un'altra città che consiglio è San
Francisco. È come vivere in un
perenne déjà vu. Market Street
offre davvero tanto. Napoli è senz'altro
da visitare, meglio se con
una persona del posto, capace di
mostrare i diversi lati di una città
incredibile. Infine Barcellona,
mare, movida, ottima cucina.
I luoghi che ti hanno particolarmente
affascinato?
Davvero tanti, se proprio devo
fare una selezione posso dire
l'Umeda Sky Building di Osaka,
con il Floating Garden Center. Il
coloratissimo porto di Horta nelle
Azzorre con il Bar Sport e gli intagliatori
di denti di balena, e poi
Santa Cruz in California. È un
luogo allucinante, è come essere
in un TV show, imprigionati fra
Baywatch e Room Raider, e non è
poi così male.
Classe 1984, diploma in Arti Visive alla (NABA) Nuova Accademia Belle Arti di Milano, la prima mostra
nel 2004 e la più recente lo scorso giugno allo spazio Borgovico 33 di Como, Dario Pecoraro non ama,
per sé, la definizione di pittore perché i suoi lavori "nascono su tela per poi mutare e stravolgersi, diventando
installazioni o altro". Un'attenta osservazione della realtà è il punto di partenza della sua ricerca.
Una vecchia cartolina, un frammento video tratto da MTV, un racconto, vecchie fotografie o riviste: non
ha importanza la fonte, l'importante è che faccia riflettere. Dario Pecoraro lavora con la Galleria Balmelli
di Bellinzona. Vive a Cormano.
Quali sono gli artisti del passato
che ti interessano?
Me ne vengono in mente moltissimi
e ognuno m'incuriosisce sotto
vari aspetti. Jackson Pollock è
sicuramente un artista per cui
nutro particolare interesse e
m'affascina il fatto che sia impossibile
scindere la produzione artistica
dalla sua vita. I disegni di
Willem de Kooning li trovo fantastici
e il suo Pink Angels è da pelle
d'oca. Marcel Duchamp era indiscutibilmente
un genio. Trovo
straordinario il fattore ironia nei
suoi lavori. Uno degli artisti che
più m'affascina risale a qualche
centinaio d'anni fa ed è Piero della
Francesca. Ricordo che da ragazzino
portarmi a vedere una
mostra d'arte antica equivaleva a
darmi un cazzotto in faccia.
Crescendo mi sono reso conto
delle sue meraviglie e della sua
contemporaneità: talvolta è
impressionante osservare come
pitture rinascimentali rappresentino
ancora l'odierno.
E i giovani artisti?
Trovo che oggi vi siano molti artisti
che lavorano e fanno ricerca in
modo interessante, in Italia e all'estero.
Fare arte e non giocare a
fare l'artista è uno dei lavori più
complessi. Posso dire che Francis
Alÿs è certamente un artista che
ammiro; i lavori, nella sua semplicità
estetica, racchiudono un universo
di rimandi ed emozioni.
Trovo estremamente curiose le
opere di Jockum Nordström, Neo
Rauch e Marjetica Potrc ma,
come detto, vari artisti stanno
lavorando in maniera interessante.
Forse mi sbaglio, ma penso
che alcuni grandi artisti oggi facciano
altro, ho visto persone fare
veramente arte senza rendersene
conto.
Tra i pittori contemporanei che
hanno riscosso un grande successo
negli ultimi anni come
Michael Borremans, Tim Eitel,
David Schnell o Matthias
Weischer, quale ritieni più innovativo?
Domanda difficile, sono tutti ottimi
artisti. Sono straordinari i lavori di
Weischer, fra gli artisti citati è
forse il più innovativo. Le stanze
rappresentate nelle sue tele e
nelle carte sono fantastiche, sono
ambienti al limite fra allucinazione
e memoria. I colori sono da LSD!
Le scene di Borremans e Eitel a
volte le trovo un po' troppo narrative,
ma ora sto cercando il pelo
nell'uovo, si sta parlando di grandi
artisti. Le tele di David Schnell
sono davvero dei bei lavori, una
sorta di esplosioni di colore, architetture
instabili, piani e tinte
improbabili.
Mostre che ti hanno particolarmente
colpito ultimamente.
Ne parlavo giusto qualche giorno
fa con un caro amico. È una
domanda che non trova risposta
immediata. Spesso l'aspetto
mediatico dell'evento illude lo
spettatore. Fa comunque parte
del gioco. Per assurdo posso dire
che la fiera Art Basel mi colpisce
sempre. Si trovano lavori di
straordinaria potenza. Ricordo un
Picasso meraviglioso, avrei voluto
portarmelo a casa. In Italia esistono
situazioni estremamente interessanti,
private e non. La mostra
di Peter Fischli & David Weiss a
Palazzo Litta è un esempio, mi ha
davvero stupito. Think positive.
Passiamo a te. Ti senti a tuo agio
con la definizione di pittore oppure
pensi sia limitante?
La definizione di pittore in sé non è
riduttiva. La storia dell'arte, anche
contemporanea, dimostra quanto
sia sbagliato considerare morta
la pittura. Alcuni fra i più grandi
artisti contemporanei lavorano
solamente con il medium pittorico.
Nel mio caso però è un po'
limitante in quanto lavoro anche
con altri media. Spesso i miei lavori
nascono su tela per poi mutare
e stravolgersi completamente
diventando installazioni o altro.
Che responsabilità ha oggi un
artista?
A mio avviso molta. Negli ultimi
anni il continuo aumento d'interesse
verso l'arte contemporanea
ha visto come conseguenza
una crescita dei prezzi di mercato,
ed il proliferare a livello internazionale
di musei, gallerie e altro ne
è la testimonianza. È facile quindi
che un giovane artista per rincor-
rere le tendenze dettate da un
sistema in continuo cambiamento
perda contatto con il proprio lavoro
e la ricerca si esaurisca rapidamente.
Un artista oggi dovrebbe
fare cultura e non assecondare i
gusti del mercato e del pubblico,
ragionando sul proprio lavoro,
concentrandosi sulla ricerca personale
per confermare l'assoluta
importanza dell'arte.
Qual è il modo migliore per
descrivere la tua ricerca?
Penso che un buon punto di partenza
sia dire che ogni mio lavoro
nasce da un'attenta osservazione
della realtà, nelle più diverse
forme in cui mi si presenta. Può
essere un video su MTV come
una vecchia cartolina, non ha
importanza, l'essenziale è che mi
faccia riflettere, deve sollevarmi
dei dubbi, deve suscitarmi domande.
Non trovo interessante un
lavoro quando mi dichiara subito
tutto. Quello che sto cercando di
fare è l'opposto: gli elementi devono
poter assumere svariati aspetti,
ogni soggetto deve poter essere
osservato da più punti di vista
o, come direbbe W. Egglestone, in
maniera democratica.
Oltre alla pittura e all'installazione,
con quali altri media ti sei
confrontato?
Il video. Di recente ho realizzato
una sorta di docufiction nella periferia
nord milanese girato quasi
interamente in notturna. Non è il
primo lavoro video che realizzo. Il
video è un medium affascinante
ma assolutamente complesso da
utilizzare e il numero di informazioni
contenute in un progetto
audiovisivo sono enormi. Si può
notare come spesso questo
mezzo venga utilizzato in maniera
impropria e l'immediatezza della
videocamera prenda il sopravvento
sul lavoro dell'artista.
Che formazione hai?
Sto concludendo il Biennio
Specialistico in Visual Arts and
Curatorial Studies diretto da
Marco Scotini presso la NABA a
Milano, dove ho frequentato
anche il triennio. Questi ultimi due
anni si sono rivelati fondamentali
per lo sviluppo del mio lavoro e mi
a sinistra: Initiation, 2007 - 18X24 cm -
oil on canvas
a destra: I don’t know why I was there,
2007 - 150X110 cm - oil, acrylic, ink
and pencil on canvas
hanno dato l'opportunità di potermi
confrontare con figure importanti
come Francesco Jodice,
Patrick Tuttofuoco, Jens Hoffman
e Viktor Misiano.
Quanto la preparazione accademica
influenza il percorso artistico
individuale?
Relazionarsi con docenti preparati
alle rapide trasformazioni del
sistema contemporaneo risulta,
oggi più che mai, un punto fondamentale
per la preparazione di un
giovane artista. Una costante
interazione con compagni di
corso, artisti e curatori, magari
provenienti da altri paesi, è certamente
un fattore di primaria
importanza e contribuisce fortemente
all'arricchimento culturale
dell'individuo.
Hai fatto qualche residenza?
Non ancora, ma è un'esperienza
che non mi dispiacerebbe affatto
fare in futuro.
Pensi di rimanere in Italia nei
prossimi anni?
È una domanda che mi pongo più
o meno ogni quarto d'ora. Di certo
esperienze all'estero rientrano fra
miei obiettivi futuri. Il mondo sta
diventando sempre più piccolo e,
per comprendere i mutamenti
globali, rapportarsi con altre realtà
è importante. Come detto precedentemente,
trovo che in Italia
esistano situazioni valide, come
gallerie private, collezioni e fondazioni,
ma l'impressione è che il
paese non si sia ancora convinto
appieno dell'importanza culturale
dell'arte contemporanea.
Progetti?
Sto lavorando su alcuni nuovi lavori
che focalizzano l'attenzione su
vari aspetti della mia ricerca. In
particolare sto sviluppando un
progetto installativ, la cui formazione
si sta rivelando piuttosto
complessa, un work in progress
che non so nemmeno io dove
andrà a finire… anche se una
mezza idea già ce l'ho.

80.ou? Exibart.onpaper
ecco una selezione degli Exibart.point dove trovare Exibart.onpaper (se proprio siete così tirchi da non abbonarvi)
Alessandria - ZOGRA - Corso Roma 123
Ancona - ACRILICO CAFE - Corso Giuseppe Mazzini 89
Ascoli Piceno - LIBRERIA RINASCITA - Piazza Roma 7
Asti - FONDO GIOV-ANNA PIRAS - Via Brofferio 80
Bari - TAVLI BOOK - Strada Angiola 23
Benevento - ARCOS - Corso Giuseppe Garibaldi
Benevento - PESCATORE - Via S. Pasquale, 36
Bergamo - ARS ARTE+LIBRI - Via Pignolo 116
Bergamo - GAMEC - Via San Tomaso 52
Biella - CAF. CITTADELLARTE - Via G. B. Serralunga 27
Bologna - ARS CAPILLORUM - Via Del Pratello 13
Bologna - ART TO DESIGN - Via Porta Nova 12
Bologna - BETTY & BOOKS - Via Rialto 23a
Bologna - BRAVO CAFE - Vico De Gradi 4r
Bologna - FABRICA FEATURES - Via Rizzoli 8
Bologna - IL LEONARDO - Via Guerrazzi 20
Bologna - LA SCUDERIA - Piazza Giuseppe Verdi 2
Bologna - L'INDE LE PALAIS - Via De' Musei 6
Bologna - MAMBO - BOOKSHOP - Via Don Giovanni Minzoni 4
Bologna - MANA' - Via Cartoleria 15
Bologna - MODO INFOSHOP - Via Mascarella 24/b
Bologna - NEON>CAMPOBASE - Via Francesco Zanardi 2/5
Bologna - RAUM - Via Ca' Selvatica 4/d
Bologna - SESTO SENSO - Via Giuseppe Petroni 9c
Bologna - SUGAR BABE - Via San Felice 25d
Bologna - VILLA SERENA - Via Della Barca 1
Bologna - ZO'CAFE - Via Lodovico Berti 15/b
Bolzano - CENTRO CULTURALE TREVI - Via Dei Cappuccini 28
Bolzano - GOETHE2 - Via Dei Cappuccini 26a
Bolzano - LIBERA UNIVERSITA' DI BOLZANO - Via R. Sernesi 1
Brescia - PUNTO EINAUDI - Via Pace 16
Cagliari - EXMA' - Via San Lucifero 71
Cagliari - MAY MASK - Via Vincenzo Sulis 63
Cagliari - T HOTEL - Via Dei Giudicati
Caldogno (vi) - C4 - Villa Caldogno, Via Zanella 3
Castiglioncello (li) - LA LIMONAIA - CAST. PASQUINI - P.zza Della Vittoria 1
Catania - PAPINI - Corso Italia 78
Catania - ZO - Piazzale Asia 6
Catanzaro - L'ISOLA DEL TESORO - Via Francesco Crispi 7
Cesena - TEATRO VERDI - Via Luigi Sostegni 13
Chieti - OFF. CULTURALI - Via Papa Giovanni XXIII 14
Cinisello Balsamo (mi) - MUSEO DI FOTO. CONTEMP. - Via Frova 10
Codroipo (ud) - VILLA MANIN DI PASSARIANO - Piazza Manin 10
Como - LA TESSITURA - Viale Franklin D. Roosevelt 2a
Como - LIBRERIA DEL CINEMA - Via Mentana 15
Cortina d’Ampezzo - LIBRERIA SOVILLA - Corso Italia 118
Ferrara - LA CARMELINA - Via Carmelino 22
Firenze - ASSOLIBRI - Via Del Sole 3r
Firenze - BASE-PROGETTI PER L'ARTE - Via Di San Niccolò 18r
Firenze - ELIO FERRARO GALLERYSTORE - Via Parione 47
Firenze - G. CAFFE' GIUBBE ROSSE - Piazza Repubblica13/14r
Firenze - LEF - Via Ricasoli 105
Firenze - LIBERA ACCADEMIA DI BELLE ARTI - Piazza di Badia a Ripoli 1/A
Firenze - LIBRERIA CAFE' LA CITE' - Borgo San Frediano 20/r
Firenze - LIBRERIA DEL PORCELLINO - Piazza Del Mercato Nuovo 1
Firenze - PLASMA - Piazza Francesco Ferrucci 1r
Firenze - STROZZINA - PALAZZO STROZZI - Piazza degli Strozzi, 1
Firenze - TEATRO DEL SALE - Via De' Macci 111r
Firenze - VILLA ROMANA - Via Senese 68
Foggia - LIBRERIA UBIK - Piazza Giordano 74
Gallarate (va) - CIVICA GALLERIA D'ARTE MODERNA - Viale Milano 21
Gallarate (va) - EXHIBAIR MALPENSA - Strada Statale Dell'Aeroporto Della Malpensa
Genova - BROADSIDE - Via XII Ottobre 31r
Genova - C DREAM COSTA LOUNGE&BAR - Via XII Ottobre 4
Genova - LIBRERIA ELECTA - EINAUDI - Piazza Bellini 70
Genova - MENTELOCALE - Piazza Matteotti 5
Genova - VISION QUEST CONTEMPORARY PHOTOGRAPHIA - Corso A. Saffi 29
Genova - WOLFSONIANA - Via Serra Gropallo 4
Genova - ZONAFRANCA - Via XXV Aprile 16
La Spezia - CAMEC - Piazza Cesare Battisti 1
La Spezia - LIBRERIA IL CONTRAPPUNTO - Via Galilei 17
La Spezia - PALAZZINA DELLE ARTI - Via Del Prione 236
Lecce - ASSOCIAZIONE IL RAGGIO VERDE - Via F. D'Aragona 14
Livorno - FACTORY DESIGN - Via Monsignor F. Ganucci 3
Lucca - PUNTO EINAUDI - Via San Girolamo 19
Mantova - CENTRO BOMA-BORSA - Piazza Vilfredo Pareto 1
Massafra (ta) - FALSO PEPE ENOTEI - Via SS Medici 45
Matera - PALAZZO LANFRANCHI - Piazzetta Giovanni Pascoli
Merano - KUNSTMERANOARTE - Via Portici 163
Milano - 11 - Via Alessio Di Tocqueville 11
Milano - 55DSL - Corso Di Porta Ticinese 60
Milano - ACCADEMIA DI BRERA - Via Brera 28
Milano - ACCADEMIA DI BRERA 2 - Viale Marche 71
Milano - A+M BOOKSTORE - Via Alessandro Tadino 30
Milano - ANGEL ART GALLERY - Via Fiori Chiari 12
Milano - ARMANI\LIBRI - Via Alessandro Manzoni 31
Milano - ARTANDGALLERY - Via Francesco Arese 5
Milano - ART BOOKBOVISA - Via Lambruschini 31
Milano - ART BOOK MILANO - Via Della Moscova 27
Milano - ART BOOK TRIENNALE - Viale Emilio Alemagna 6
Milano - ARTIDORO OSTERIA - Via Manfredo Camperio 15
Milano - BASE B - Via Lambruschini 36
Milano - BOCCASCENA CAFFE - Corso Magenta 24
Milano - BONDBAR - Via Pasquale Paoli 2
Milano - CAFFE DEGLI ARTISTI - Viale Abruzzi 23
Milano - CAFFE GIAMAICA - Via Brera 32
Milano - CAFFETTERIA DEGLI ATELLANI - Via Della Moscova 25
Milano - CCS - CENTRO CULT. SVIZZERO - Via del Vecchio Politecnico 3
Milano - CHOCO CULT - Via Michelangelo Buonarroti 7
Milano - CIBOH - Via Clusone (di fronte al civico 6)
Milano - C/O CARE OF - Via Luigi Nono 7
Milano - C-ZONE - Via Pestalozzi 4
Milano - DERBYLIUS - Via Pietro Custodi 16
Milano - DESIGN LIBRARY - Via Savona 11
Milano - DOCVA - Via Giulio Cesare Procaccino 4
Milano - DOMUS ACADEMY - Via Giacomo Watt 27
Milano - ELECTA | KOENIG - Piazza Del Duomo 1
Milano - EMPORIO CHOCOLAT - Via Giovanni Boccaccio 9
Milano - FASHION LIBRARY WORK - Via Vigevano 35
Milano - FONDAZIONE PRADA - Via Antonio Fogazzaro, 36
Milano - FOOD&DRINKS 35 - Via Panfilo Castaldi 35
Milano - FORMA LIBRERIA - Piazza Tito Lucrezio Caro 1
Milano - FRANKLIN&MARSHAL - c.so P.ta Ticinese, 16
Milano - FRIDA - via Antonio Pollaiuolo
Milano - FRIP - c.so P.ta Ticinese, 16
Milano - HANGAR BICOCCA - Viale Sarca 336
Milano - IED - Via Pompeo Leoni 3
Milano - IED ARTI VISIVE - Via Amatore Antonio Sciesa 4
Milano - IULM - Via Carlo Bo 4
Milano - ISTITUTO MARANGONI - Via Pietro Verri 4
Milano - LE BICICLETTE - Via Giovanni Battista Torti
Milano - LE TROTTOIR - Piazza XXIV Maggio 1
Milano - LIBRERIA DEL CASTELLO SFORZESCO - Piazza Castello
Milano - LIBRERIA CLUP - Via Andrea Maria Ampère 20
Milano - LIBRERIA HOEPLI - SECONDOPIANO - Via Ulrico Hoepli 5
Milano - LIBRERIA L'ARCHIVOLTO - Via Marsala 2
Milano - LIBRERIA TIKKUN - Via Montevideo 9
Milano - LIBRERIA UTOPIA - Via Giovanni Ventura 5
Milano - LIFEGATE CAFE - Via Della Commenda 43
Milano - MARGHERA 37 - Via Marghera 37
Milano - MALO - Via Della Spiga 7
Milano - MI CAMERA BOOKSTORE - Via Cola Montano
Milano - MILANOLIBRI - Via Giuseppe Verdi 2
Milano - MILANO LOUNGE BAR - Via G. Cesare Procaccini 37
Milano - MOM - viale Monte Nero, 51
Milano - MUSEO DELLA PERMANENTE - via Turati, 34
Milano - NABA - Via Carlo Darwin 20
Milano - NEON>FDV - Via Procaccini 4
Milano - N'OMBRA DE VIN - Via San Marco 2
Milano - PAC - PADIGLIONE D'ARTE CONTEMPORANEA - Via Palestro 14
Milano - PALAZZO DELLE STELLINE - corso Magenta, 61
Milano - PALAZZO REALE - Piazza Del Duomo 12
Milano - PAPER & PEOPLE - Via Friuli 32
Milano - PURPLE - c.so P.ta Ticinese, 22
Milano - RAAS - Via Pietrasanta 14
Milano - RADETSKY - c.so Garibaldi, 105
Milano - REFEEL - Viale Sabotino 20
Milano - REVEL - SCALO D'ISOLA - Via Thaon Di Revel Genova 3
Milano - RISTORANTE INDUSTRIA / SUPERSTUDIO - via Bugatti, 13
Milano - RIVA RENO GELATO - Viale Col Di Lana 8
Milano - S'AGAPO' - Via Lodovico Il Moro 171
Milano - SKIPINTRO - Via Donatello 2
Milano - SOTTOCORNO LIBRI&CAFFE - Via Pietro Maestri 1
Milano - SOTTOCORNONOVE STUDIOGALLERIA - Via P. Sottocorno, 9
Milano - SPACCIO DI CHARTA - Via Della Moscova 27
Milano - SPAZIO BASEB - Via Raffaele Lambruschini 36
Milano - SPAZIO CRAPAPELADA - Via Savona 12
Milano - SPAZIO FITZCARRALDO - Viale Angelo Filippetti 41
Milano - SPAZIO OBERDAN - Viale Vittorio Veneto 2
Milano - SPAZIO PONTACCIO - Via Pontaccio, 18
Milano - SPAZIO ROSSANA ORLANDI - Via Matteo Bandello 14
Milano - SUITE - Largo La Foppa 5
Milano - SUPERSTUDIO PIU - Via Tortona 27
Milano - T35 - Via Tortona 35
Milano - TAD - Via Statuto 12
Milano - TOKIDOKI STORE - Corso Di Porta Ticinese 62
Milano - TRACE [TRAS] - Via Savona 19
Milano - VENTI - Via Celestino IV 9
Milano - WOK - Viale Col Di Lana, 5a
Modena - CAFE' LIVRE - Via Emilia Centro 103
Momigliano Veneto - BROLO CENTRO D'ARTE E CULTURA - Via Rozone e Vitale 5
Monfalcone (go) - GALLERIA COM. D'ARTE CONTEMPORANEA - P.zza Cavour, 44
Montecatini Terme (pt) - BK1CONCEPTSPACE - Via Della Nievoletta 20
Montepulciano (si) - CANTINE ICARIO - Via delle Pietrose 2
Monza - ARTE FATTO - Via Carlo Prina 18
Napoli - AZAR CAFE - Via Alessandro Scarlatti 139
Napoli - CULTI SPA CAFE - Via Carlo Poerio 47
Napoli - EDICOLE' - Piazza Municipio 5
Napoli - FONOTECA- Via Raffaele Morghen 31
Napoli - INTRA MOENIA - Piazza Bellini 70
Napoli - KESTE' - Via San Giovanni Maggiore Pignatelli
Napoli - MADRE BOOKSHOP - Via Luigi Settembrini 79
Napoli - MANI DESIGN - Via S. Giovanni Maggiore Pignatelli 1b
Napoli - NENAPOP - Via Nardones 22
Napoli - NUOVO TEATRO NUOVO - Via Montecalvario 16
Napoli - PAN BOOKSHOP - Via Dei Mille 60
Napoli - PENGUIN CAFE - Via Santa Lucia, 88
Napoli - SUPPORTICO LOPEZ - Supportico Lopez 32
Napoli - TEATRO TINTA DI ROSSO - Via San Biagio Dei Librari 39
Napoli - TRIP - Via Giuseppe Martucci 64
Napoli - TTC CLUB - Via Giovanni Paisiello 39
Novara - TEATRO COCCIA - Via Fratelli Rosselli 47
Nuoro - MAN - Via Sebastiano Satta 15
Orta San Giulio (No) - ILBOX MOTORE PER L'ARTE - via Olina 22
Padova - BARLUME - Via Antonio Francesco Bonporti 26
Padova - CAFE AU LIVRE - Via Degli Zabarella 23
Padova - GODENDA - Via Francesco Squarcione 4/6
Palermo - EXPA - Via Alloro 97
Palermo - KURSAAL KAHLESA - Foro Umberto I 21
Palermo - LIBRERIA BROADWAY - Via Rosolino Pilo 18
Palermo - LIBRERIA MODUSVIVENDI - Via Quintino Sella 79
Palermo - PALAB - Via Del Fondaco
Palermo - RELOJ - Via Pasquale Calvi 5
Parma - FIACCADORI - Strada Al Duomo 8
Perugia - CAFFE DI PERUGIA - Via Giuseppe Mazzini 10
Perugia - GALLERIA MIOMAO - Corso Cavour 120
Perugia - LA LIBRERIA - Via Guglielmo Oberdan 52
Pesaro - CENTRO ARTI VISIVE PESCHERIA - Corso XI Settembre 184
Pescara - ECOTECA - Via Giovanni Caboto 19
Pescara - FEZ LIVING - Via Nicola Fabrizi 190
Pescara - PUNTO EINAUDI - Viale Guglielmo Marconi 4
Pordenone - CAFFE LETTERARIO AL CONVENTO - P.za Della Motta 2
Prato - CENTRO PECCI - Viale Della Repubblica 277
Prato - SPAZIO POLISSENA - Piazza Sant'Agostino 14
Prato - SPAZIORAZMATAZ - Piazza Mercatale 107
Reggio Emilia - COLLEZIONE MARAMOTTI - MAX MARA - via Fratelli Cervi 66
Reggio Emilia - LIBRERIA ALL'ARCO - Via Emilia A Santo Stefano 3d
Reggio Emilia - LIBRERIA LA COMPAGNIA - Via Migliorati 1a
Riccione - SIXTY HOTEL - Via Milano 54
Rimini - VELVET FACTORY - Via S. Aquilina 21
Roma - 26CC - Via Castruccio Castracane 26 | 28a | 30
Roma - ACCADEMIA DI BELLE ARTI - Via Di Ripetta 222
Roma - ACCADEMIA DI FRANCIA VILLA MEDICI - Viale Trinità dei Monti 1
Roma - AGAVE BISTROT - Via Di San Martino Ai Monti 7a
Roma - ALICELIBRI - Piazza Della Chiesa Nuova 21
Roma - ALTROQUANDO - Via Del Governo Vecchio 80
Roma - AMERICAN ACADEMY - Via Angelo Masina 5
Roma - AMORE E PSICHE - Via Di S. Caterina Da Siena 61
Roma - BACCO E DAGUERRE - Via Nicola Ricciotti 6
Roma - BAR A BOOK - Via Dei Piceni 23
Roma - BIBLI - Via dei Fienaroli, 28
Roma - BOOK Á BAR presso Palaexpo - Via Nazionale 194
Roma - BOOKSHOP presso PalaExpo - Via Nazionale 195
Roma - BRASSERIE CO2 - Largo Del Teatro Valle 4
Roma - CAFFE FANDANGO - Piazza Di Pietra 32
Roma - CAFFELETTERARIO - Via Ostiense 95
Roma - CAFFE UNIVERSALE \ ACANTO SPA - Via Delle Coppelle 16
Roma - CASA DEL JAZZ - ZONE ATTIVE - Viale Di Porta Ardeatina 55
Roma - CHIOSTRO DEL BRAMANTE - CAFFE - Arco Della Pace
Roma - CIRCOLO DEGLI ARTISTI - Via Casilina Vecchia 42
Roma - CIRCUS - Via Della Vetrina 15
Roma - CO2 - Piazza di Spagna 9
Roma - CONTESTA HAIR ROCK - Via Degli Zingari 9
Roma - CRUDO - Via Degli Specchi 6
Roma - DEGLI EFFETTI - Piazza Capranica 79
Roma - DOM CHAMPAGNERIA - Via Degli Zingari 49
Roma - DOP CONCEPT STORE - Via Urbana 25
Roma - DOOZO - Via Palermo 51
Roma - ELIO FERRARO GALLERYSTORE - Via Margutta 11
Roma - ÈSTILE BOOKSTORE - Via Chiana 15
Roma - ESTROBAR - Via Pellegrino Matteucci 20
Roma - ETABLI - Vicolo Delle Vacche 9
Roma - FABRICA - Via Girolamo Savonarola 8
Roma - FAFIUCHE - Via D. Madonna D. Monti 8
Roma - FAHRENHEIT451 - Campo De’fiori 44
Roma - FBPROJECT - Via Giovanni Battista Tiepolo 9
Roma - FONDAZIONE BARUCHELLO - Via Santa Cornelia, 695
Roma - FONDAZIONE GUASTALLA - Viale Regina Margherita 262
Roma - FONDAZIONE OLIVETTI - via Zanardelli, 34
Roma - FRENGO'S MUSIC - via Della Lungaretta, 65
Roma - FRENI&FRIZIONI - Via Del Politeama 4
Roma - FUZZYBARBOTTIGLIERIA - Via Degli Aurunci 6
Roma - GIUFA' - Via Degli Aurunci 38
Roma - GNAM BOOKSHOP ELECTA - Via Antonio Gramsci 73
Roma - IED - Via Alcamo 11
Roma - ISICULT - PALAZZO TAVERNA - Via Di Monte Giordano 36
Roma - LA CONCHIGLIA - Via Dei Pianellari 17
Roma - LA DIAGONALE - Via Dei Chiavari 75
Roma - LA QUADRIENNALE DI ROMA - V.la Carpegna - p.zza di V.la Carpegna
Roma - LIBRERIA ARION VIAVENETO - Via V. Veneto 42
Roma - LIBRERIA BORGHESE - Via Della Font. Di Borghese 64
Roma - LIBRERIA FERRO DI CAVALLO - Via Del Governo Vecchio 7
Roma - LIBRERIA DEL CINEMA - Via Dei Fienaroli 31d
Roma - LIBRERIA L'AVENTURE - Via Del Vantaggio 21
Roma - LIBRERIA NOTEBOOK - Via Pietro De Coubertin 30
Roma - LO YETI - Via Perugia 4
Roma - MACRO - Via Reggio Emilia 54
Roma - MACRO FUTURE - Piazza Orazio Giustiniani
Roma - MAXXI - Via Guido Reni 6
Roma - MEL BOOKSTORE CAFFE’ - Via Nazionale 252
Roma - MOTAMOT - Via Giulio Rocco 37/39
Roma - MUSEO CARLO BILOTTI - Viale Fiorello La Guardia 4
Roma - NECCI - Via Fanfulla Da Lodi, 68
Roma - ODRADEK LA LIBRERIA - Via Dei Banchi Vecchi 57
Roma - OFFICINE - Via Del Pigneto 215
Roma - OPEN COLONNA RISTORANTE - Via Nazionale 194
Roma - OPIFICIO - Via dei Magazzini Generali 20/A
Roma - PAPYRUS CAFE - Via Dei Lucchesi 28
Roma - PARAPHERNALIA - Via Leonina 6
Roma - PRIMO - Via Del Pigneto 46
Roma - PUNTO EINAUDI - Via Giulia 81a
Roma - RASHOMON - Via Degli Argonauti, 16
Roma - RGB46 - Piazza Di Santa Maria Liberatrice, 46
Roma - RUFA - Via Benaco 2
Roma - SAID - Via Tiburtina 135
Roma - SALOTTO42 - Piazza Di Pietra 42
Roma - SCOLARO PARRUCCHIERE - Via Ruggero Sauro 63
Roma - SCUDERIE DEL QUIRINALE - Via XXIV Maggio 16
Roma - SCUOLA ROM. DI FOTOGRAFIA - Via Degli Ausoni 7/a
Roma - SECONDOME - Via Pianillari 26/27
Roma - SHAKI - Via Del Governo Vecchio 123
Roma - SOCIETE LUTECE - Piazza Di Montevecchio 16
Roma - SUPER - Via Leonina 42
Roma - SUPPERCLUB - Via De' Nari 14/15
Roma - TAD - Via Del Babuino 155a
Roma - TEMPORARY LOVE - Via Di San Calisto 9
Roma - THE CRYSTAL BAR - HOTELART - Via Margutta 52
Roma - TREEBAR - Via Flaminia 226
Roma - TUMA'S BOOK - Via Dei Sabelli 17
Roma - VIVALIBRI - Piazza Di Santa Maria Liberatrice 23
Roma - WINE BAR CAMPONESCHI - Piazza Farnese
Roma - WONDERFOOL - Via Dei Banchi Nuovi 39
Rovereto (tn) - MART - BOOKSHOP - Corso Angelo Bettini 43
Rozzano (mi) - FONDAZIONE ARNALDO POMODORO - Via Adda 15
San Candido - KUNSTRAUM - Via Peter Paul Rainer 4
Sarzana (sp) - DISTANZE - Via Sotto gli Uffizi 2
Sassari - LIBRERIA DESSì - Largo Felice Cavallotti 17
Siena - ALOE&WOLF GALLERY - Via Del Porrione 23
Siena - PUNTO EINAUDI - Via Di Pantaneto 66
Taranto - LIBRERIA DICKENS - Via Medaglie D'Oro 129
Terni - PLACEBO - Via Cavour 45
Torino - AB+CLUB - Via Della Basilica 13
Torino - ARTBOOK LINGOTTO - Via Nizza 230
Torino - ARTEGIOVANE - Via Crescentino 25
Torino - CASTELLO DI RIVOLI - Piazza Mafalda Di Savoia
Torino - COMUNARDI - Via Conte Giambattista Bogino 2
Torino - EATALY - Via Nizza 230
Torino - FONDAZIONE MERZ - Via limone 24
Torino - FONDAZIONE SANDRETTO - Via Modane 16
Torino - GAM BOOKSHOP - Via Magenta 31
Torino - IED - Via San Quintino 39
Torino - ILTASTEBOOK - Corso Vittorio Emanuele II 58
Torino - J&S VINTAGE - Via Matteo Pescatore 11b
Torino - KM4 - Via San Domenico 14/15
Torino - LA DROGHERIA - Piazza Vittorio Veneto 18
Torino - MAGO DI OZ - Via Maria Vittoria 58
Torino - MARENA ROOMS GALLERY - Via Dei Mille 40/a
Torino - MOOD LIBRI&CAFFE - Via Cesare Battisti 3e
Torino - OOLP - Via Principe Amedeo 29
Torino - PALAZZO BRICHERASIO - Via La Grange 20
Torino - RIVESTITEMI - Via Vittorio Andreis 18
Torino - ROCK'N'FOLK - Via Bogino 4
Torino - SCUOLA HOLDEN - Corso Dante 118
Torino - TORINO ESPOSIZIONI - Corso Massimo d'Azeglio 15
Torino - WIPE OUT - Via Bellezia 15
Torino - YOU YOU - Piazza Vittorio Veneto 12f
Traversetolo (pr) - FOND. MAGNANI-ROCCA - Via Fond. Magnani-Rocca 4
Treviso - ARCI TREVISO - Via Bolzano 3
Treviso - FABRICA - Via Ferrarezza Fraz. Catena
Trieste - IN DER TAT - Via Diaz 22
Trieste - KAMASWAMI - Via San Michele 13
Trieste - KNULP - Via Madonna Del Mare 7/a
Udine - VISIONARIO - Via Fabio Asquini 33
Venezia - CENTRO CULT. CANDIANI - Piazzale Luigi
Venezia - CENTRO ZITELLE - Venezia - giudecca 95
Venezia - FONDAZIONE BUZIOL - Cannaregio 4392
Venezia - I LOVE TOURISM - Piazza San Marco 71c
Venezia - PEGGY GUGGENHEIM - BOOKSHOP - Dorsoduro 701
Venezia - IMAGINA - Campo Santa Margherita (Dorsoduro) 3126
Venezia - IUAV Biblioteca Centrale, Tolentini - San Marco 1345
Venezia - IUAV FACOLTA' DI DESIGN E ARTI - Dorsoduro 2206
Venezia - LIBRERIA DEL CAMPO - Campo S. Margherita 2943
Venezia - LIBRERIA ED. CAFOSCARINA - Calle Foscari 3259
Venezia - LIBRERIA MONDADORI - San Marco 1345
Venezia - NARANZARIA OSTERIA - Campo San Polo 130
Venezia - PALAZZO GRASSI - BOOKSHOP - Campo San Samuele 3231
Venezia - TOLETTA - Calle Della Toletta 1213
Venezia - VINUS - Dorsoduro 3961
Verona - GHEDUZZI - Corso Sant Anastasia 7
Verona - PALAZZO FORTI - Volto Due Mori 4
Vicenza - LIBRARSI - Contrà Delle Morette 4
…in ogni spazio pubblicizzato ed in tutte le migliori gallerie private del paese!
Hai un bar, una libreria, un ristorante di tendenza, un locale, una struttura ricettiva o turistica, una palestra, una beauty farm, un cinema, un teatro?
Fidelizza la tua clientela distribuendo gratuitamente Exibart.onpaper. Diventa anche tu Exibart.point: http://point.exibart.com

Exibart.onpaper calendario.81
Pescara
Abruzzo
dal 20/09/2008 al 31/10/2008
Letizia Battaglia
La Galleria Cesare Manzo è lieta di presentare
nella sede di Pescara la mostra
personale di Letizia Battaglia (Palermo,
1935), una delle protagoniste della fotografia
italiana contemporanea. La mostra
- a cura di Paolo Falcone - adotta un
taglio antologico
dal lunedì al sabato ore 9:30|13:00
16:00| 20:00
galleria cesare manzo
via umbria, 48
+39 085297206
www.galleriamanzo.it
info@galleriamanzo.it
Napoli
TERAMO
dal 27 settembre all'8 novembre 2008
MATTEO FATO
lunedì - sabato
dalle 10,30 - 13,30 / 15,00 - 19,30
WAREHOUSE
Loc. San Nicolò,
Via G.C. Canzanese, 51
tel/fax: +39 0861 232189
www.warehouseart.it
info@warehouseart.it
Campania
NAPOLI
dal 2 al 24 ottobre 2008
Cybèle Varela
AD SIDERA
per Athanasius Kircher
Inaugurazione: 2 ottobre ore 18.00
Orari : dal lunedì al venerdì, 15-19,
sabato 10-13
Con il patrocinio del MiBAC-DGBL,
MiBAC-Soprintendenza per il Polo
Museale Napoletano, Provincia di
Napoli, Comune di Napoli e
dell'Istituto Nazionale di Studi Romani
PALAZZO REALE, BIBLIOTECA
NAZIONALE DI NAPOLI
Recapiti : Piazza del Plebiscito, 1
tel. 0817819111
Catalogo : Gangemi Editore
www.cybelevarela.com
dal 18/10/2008 all' 11/01/2009
Louise Bourgeois per
Capodimonte
Per la prima volta in Italia, verrà inaugurata
a Napoli, nel Museo di
Capodimonte, un’esposizione che include
le opere eseguite lungo l’arco di tutta
l’attività di Louise Bourgeois. L’artista
presenta un insieme di lavori che segnano
il percorso della sua produzione artistica
dal secolo scorso fino ai nostri giorni.
museo di capodimonte
via di miano, 2
+39 0817499111
www.museo-capodimonte.it
artina@arti.beniculturali.it
Emilia Romagna
Bologna
dal 24/09/2008 al 24/10/2008
Giuseppe Penone
mambo - museo d'arte
moderna di bologna
via don giovanni minzoni, 4
+39 0516496611
www.mambo-bologna.org
info@mambo-bologna.org
Modena
dal 19/09/2008 al 12/10/2008
Canicola - Patto di sale.
Disegni fantastici
Dai viaggi onirici di Little Nemo
(Winsor McCay) alle visioni ipnagogiche
di Aleksandar Zograf e i sogni su
carta di David B., passando per le “storie
a forma di elefante” suggerite da
Moebius, la fantasia nel fumetto ha filtrato
angosce e leggerezze dei maggiori
artisti del secolo.
d406 arte contemporanea
via cardinale giovanni morone, 31/3
+39 059211071
www.d406.com - info@d406.com
Modena
BOLOGNA
dal 27 settembre 2008 all'undici gennaio 2009
AMICO ASPERTINI
1474-1552
Artista bizzarro nell'età di Dürer e Raffaello
a cura Andrea Emiliani, Daniela
Scaglietti Kelescian
PINACOTECA NAZIONALE
Via Delle Belle Arti 56
+39 0514209411
sbas-bo@iperbole.bologna.it
www.pinacotecabologna.it
BOLOGNA
dal 25 ottobre al 2 dicembre 2008
South Africa Trilogy
WILLIE BESTER
feriali 15,30-19,30
domenica 26/10 Ore 16-20
L'ARIETE ARTECONTEMPORANEA
Via D'Azeglio 42
Tel/Info 348 9870574
info@galleriaariete.it
www.galleriaariete.it
dal 19/09/2008 al 6/01/2009
Il sublime è ora
Oltre 200 anni dopo la sua definizione, il
concetto di Sublime si conferma una
tematica di grande attualità: l'idea
romantica legata alla ricerca e all'esaltazione
di nuove frontiere è una presenza
pulsante nel mondo e nelle esperienze
dell'arte contemporanea.
galleria civica d'arte moderna -
palazzo santa margherita
corso canalgrande, 103 - + 39 0592032911
www.comune.modena.it/galleria
galcivmo@comune.modena.it
Roma
Friuli Venezia Giulia
Lazio
dal 18/09/2008 all' 8/11/2008
Anne-Karin Furunes
L’artista norvegese Anne-Karin Furunes
crea quadri di volti e paesaggi giganti su
tele bianche e nere dalla superficie perforata
o su lastre di alluminio.
da mar. a sab. dalle 14.30 alle 19.30
galleria traghetto
via reggio emilia, 25 - +39 0644291074
www.galleriatraghetto.it
roma@galleriatraghetto.it
Roma
dal 16/10/2008 al 6/01/2009
Bill Viola
dom., mar., mer. e gio.: dalle 10.00
alle 20.00; ven. e sab.: dalle 10.00
alle 22.30; lun. chiuso
palazzo delle esposizioni
via nazionale, 194 - +39 06489411
www.palazzoesposizioni.it
info@palazzoesposizioni.it
Roma
dal 21/11/2008 al 7/01/2009
Carla Accardi - Superficie in
ceramica con elaborazione
sonora di Gianna Nannini -
Passi di Passaggio
L’installazione è composta da un pavimento
di piastrelle in gres dipinto, che copre
tutto lo spazio, con segni alternati di colore
verde e cobalto su sfondo bianco.
auditorium - parco della musica
viale pietro de coubertin, 34
+39 0680241436 - www.auditorium.com
info@musicaperroma.it
Roma
REGGIO EMILIA
dall’11 ottobre al 16 novembre
FRANCESCO STEFANINI
Pastelli 1993-2008
A cura di Sandro Parmiggiani
Orario: tutti i gironi 15-19, sabato e
domenica anche al mattino 10-13.
Chiuso lunedì
PALAZZO CASOTTI
Piazza Casotti 1
Tel: 0522454437
www.palazzomagnani.it
catalogo: Edizioni Skira, Milano
foto: Il tempo ritrovato, 2007 pastello su cartoncino,
cm 73x102
TRIESTE
dal 9 ottobre al 15 novembre 2008
ANDREA CONTI
ADIUS
martedì-sabato 17-20
GALLERIA FACTORY-ART
CONTEMPORANEA
via Duca d'Aosta, 6/a
+39 040 314452
www.factory-art.com
info@factory-art.com
dal 23/09/2008 al 3/11/2008
Claudio Adami - ...anlytic(al)
lunedì-venerdì 15-20
studio d'arte contemporanea
pino casagrande
via degli ausoni, 7a - +39 064463480
gallcasagrande@alice.it
Roma
dal 23/09/2008 all' 8/11/2008
Georg Baselitz -
La Grande Notte in Bianco
mar. - sab. 10:30-19 e su appuntamento
gagosian gallery
via f. crispi, 16 - +39 0642746429
www.gagosian.com - roma@gagosian.com
Roma
dal 3/10/2008 al 2/11/2008
Gianfranco Asveri -
Favole in viaggio
da mar. a sab. ore 11-19.30 dom. 11-14
rosso20sette arte contemporanea
via d'ascanio, 27 - +39 068193237
www.rosso27.com - info@rosso27.com
Roma
dal 4/10/2008 al 15/11/2008
Giusy Lauriola - Extra-Urbane
lunedì 16,00 - 19,30; martedì - sabato
10,00 - 13,30 / 16,00 -19,30
galleria 196
via dei coronari, 194 - +39 066892472
www.galleria196.it - info@galleria196.it
Roma
dall' 8/10/2008 al 22/11/2008
Hannu Palosuo -
My Life was a Burning Illusion
La mostra prevede una serie di lavori che raccontano,
attraverso frame estratti da un'unica
sequenza narrativa, secondo angolature e
prospettive diverse, il tema di una natura
complessa e universalmente armoniosa.
lun.-sab.: 11- 13 e 16-19.30, lun.mattina
e sab. pomeriggio per appuntamento
de crescenzo & viesti
via del corso, 42 - +39 0636002414
www.decrescenzoeviesti.com
info@decrescenzoeviesti.com
Roma
dal 18/09/2008 al 18/10/2008
Nigel Bennett - Physical evidence
Presentazione del video inedito. Istallazioni,
fotografia e video arte sul tema della memoria
storica. Rielaborazione di una palafitta
asiatica alla scoperta di realtà dimenticate.
endemica arte contemporanea
via mantova, 14 - +39 0684240140
www.endemica.it - info@endemica.it
Roma
dal 25/09/2008 al 27/11/2008
Pierluigi Febbraio - Mamma, io correvo
ma il fuoco mi inseguiva!
Febbraio mescola la malta ai tipici materiali
della pittura, accostando elementi a
contrasto (bianco/nero, definito/materico,
pieno/vuoto) in un viaggio che parte
dall’infanzia per avvicinarsi alle complesse
dinamiche adolescenziali.
da martedì a sabato 15-20, lunedì e
mattina solo su appuntamento
romberg arte contemporanea
piazza de' ricci, 127
+39 0668806377 - www.romberg.it
artecontemporanea@romberg.it
ROMA
fino al 14 novembre 2008
RICCARDO MURELLI
Tensioni
a cura di Francesco Pezzini
e Cesare Sarzini
inaugurazione venerdì 3 ottobre
2008 alle ore 18
Aperto tutti i giorni dalle ore 17 alle
20 (chiuso sabato e festivi)
Ingresso gratuito
ASSOCIAZIONE CULTURALE
TRALEVOLTE
Piazza di Porta San Giovanni, 10
Tel.Fax 06.70491663 06.77207956
tralevolte@yahoo.it
www.tralevolte.org
Roma
dal 3/10/2008 al 22/11/2008
Rebecca Horn
L'artista tedesca presenterà delle nuove
sculture, appositamente realizzate e che
recupereranno gli elementi simbolici
propri del suo linguaggio poetico.
mar. - sab. ore 16.00 - 20.00
studio trisorio
vicolo delle vacche, 12
+39 0668136189
www.studiotrisorio.com
info@studiotrisorio.com
Roma
dal 25/09/2008 al 15/11/2008
Susanne Kessler -
Synapse
Susanne Kessler lavora con le stratificazioni.
Ciò è anche alla base suoi
principi costruttivi ed è rafforzato
dalla scelta di materiali leggeri: ad
esempio la rete trasparente che rende
possibile la vibrazione e l’oscillazione
dei disegni. Si tratta di dare vita e
anima ad uno spazio artistico.
lun-sab 15:30 19:30
dora diamanti
arte contemporanea
via del pellegrino, 60
+39 0668804574
www.doradiamanti.it
info@doradiamanti.it
Roma
ROMA
fino al 22 novembre 2008
ROBERTO DE PAOLIS
Qui e mai altrove
vernissage: 18 settembre 2008. ore 19
orario: martedì a sabato ore 10-13 e
16-19.30
catalogo: in galleria
Catalogo OREDARIA con l'intervista
all'artista di Walter Guadagnini
OREDARIA ARTI
CONTEMPORANEE
Via Reggio Emilia 22-24
+39 0697601689 (info)
+39 0697601689 (fax)
info@oredaria.it
www.oredaria.it
ROMA
dal 9 ottobre al 9 novembre
UBALDO BARTOLINI
LA DIMORA DEL RATTO
da martedì a sabato dalle 16 alle
20 e su appuntamento
GALLERIA MANIERO
Via Dell'Arancio, 79
00186 Roma
info@galleriamaniero.it
www.galleriamaniero.it
dal 4/10/2008 al 6/12/2008
Veronica Montanino -
OverLook
martedì - venerdi 15.30 - 19.00
artsinergy
via capo d'africa, 46
+39 0645496564
www.artsinergy.com
asroma@artsinergy.com

82.calendario Exibart.onpaper
SABAUDIA LATINA
dal 27 settembre all'11 ottobre 2008
ALESSIO ANCILLAI
Scrittura di Colore_tempo interno
Le ariose sale del prestigioso Museo
Sabaudo, ospiteranno la Personale di
Pittura, Poesia e Videoart dell'artista
romano Alessio Ancillai, con nuove
opere che esplorano il rapporto tra linea
di scrittura e segno pittorico, immagini
latenti di dinamiche interumane.
La Mostra è a cura della storica e critica
d'Arte G. Capurso che propone i lavori di
Alessio Ancillai ritenendolo "un artista
amante della stesura della pittura come
un atto di convinzione e bellezza, egli è in
grado di trattare il colore come una attenta
esplorazione dell'inconscio.".
Vernissage: 27 settembre ore 18.30
Presentazione Catalogo Iacobelli editore
05/10/2008 ore 18.30 Concerto Trio
Rhapsody
Lunedì chiuso
MUSEO CIVICO DI SABAUDIA
"EMILIO GRECO"
Piazza del Municipio
+39 0773.514258
+39 0773.515791
www.comune.sabaudia.latina.it
Genova
Liguria
dal 9/10/2008 al 29/11/2008
Silvia Chiarini - Discopluss
Inaugurazione del nuovo spazio.
dac - de simoni arte contemporanea
piazzetta barisone, 2r
+39 3332778388
www.galleriadac.com
valeria.desimoni@libero.it
Bergamo
Lombardia
dal 30/09/2008 all' 8/02/2009
Pio Manzù -
Quando il mondo era moderno
martedì- domenica: 10.00 - 19.00;
giovedì: 10.00 - 22.00; lunedì chiuso
gamec - galleria d'arte moderna
e contemporanea
via san tomaso, 52 - +39 035399528
www.gamec.it - info@gamec.it
Brescia
dal 27/09/2008 all' 8/11/2008
Alison Mealey - UnrealArt
15-19 tutti i giorni escluso festivi
fabio paris art gallery
via alessandro monti, 13
+39 0303756139
www.fabioparisartgallery.com
fabio@fabioparisartgallery.com
Brescia
LA SPEZIA
dal 4 al 31 ottobre 2008
DELLACLÀ
Chiodi delle mie pene
a cura di Carolina Lio
Orario: dal lunedì al sabato dalle 10.30
alle 12.30 e dalle 16.30 alle 19.30
GALLERIA 911
via del Torretto 48
+39 0187732471 (info)
+39 0187750920 (fax)
galleria911@yahoo.it
dal 27/09/2008 all' 8/11/2008
Karin Kihlberg / Reuben Henry
Le esplorazioni attraverso video, suono,
performance e disegno vengono utilizzate
da Karin Kihlberg e Reuben Henry per
interrogare il valore del live e il significato
che la performance dal vivo può assumere
oggi in una società satura di rappresentazioni
mediatiche.
citric contemporary art
via trieste, 30 - +39 0305030943
www.citricgallery.com -
info@citricgallery.com
Cinisello Balsamo
dal 20/09/2008 al 28/12/2008
Robert Frank - Paris
In mostra 80 opere, la gran parte inedite, realizzate
a Parigi tra il 1949 e il 1952: l'artista scorge
le persone nelle vie di Parigi in momenti difficili,
assenti, in piedi, in mezzo al trambusto o
seduti in metropolitana, accasciati su una panchina
del parco, immobili, o persino sdraiati,
arrotolati su se stessi, su un prato.
da martedì a domenica 10-19; giovedì
10-23. chiuso lunedì
museo di fotografia
contemporanea - villa ghirlanda
via giovanni frova, 10 - +39 026605661
www.museofotografiacontemporanea.org
info@museofotografiacontemporanea.org
Lecco
dal 27/09/2008 al 22/11/2008
Arik Miranda -
Bright Days Are Here
I lavori di Miranda raffigurano momenti
che a volte diamo per scontati: la felicità
della notte, la luce di un fuoco da campo o
di un lampione. Le composizioni minimaliste
incluse in questa mostra tracciano una
connessione tra l'estetica Giapponese e
quella Judaica tramite chiarezza e modestia.
da martedì a venerdì: 15.00-19.30
sabato: 10.30-19.30
federico bianchi contemporary art
piazza alessandro manzoni, 2
+39 0341282902
www.federicobianchigallery.com
info.lecco@federicobianchigallery.com
Lissone
dal 28/09/2008 al 26/10/2008
Giuseppe Monguzzi -
Cinquant’anni di pittura
Monguzzi è artista che si muove in ambito
informale senza mai staccarsi però completamente
dalle suggestioni proprie di
situazioni reali o da tematiche che di volta
in volta lo affascinano, che generano abitualmente
cicli compositivi in sè conclusi.
Il gusto per il gesto e il colore segna tutta
la sua produzione che è espressione,
momento per momento, della situazione
esistenziale dell’artista e riflette le impressioni
immediate, ma anche le esigenze e le
sensazioni più profonde dell’animo.
mar., mer., ven. 15-19; gio. 15-23; sab.
e dom. 10-12 15-19
museo d'arte contemporanea
viale padania, 6 - +39 0392145174
www.comune.lissone.mi.it/pubb_lissnew/c
omune/pinacoteca_reddot/index.htm
museo@comune.lissone.mi.it
Milano
dal 19/09/2008 al 28/10/2008
Alessandra Spranzi - Selvatico
(colui che si salva)
Selvatico (colui che si salva) è la seconda
personale di Alessandra Spranzi (1962)
presso Fotografia Italiana Arte contemporanea,
e rappresenta una novità nel percorso
dell’artista-fotografa milanese.
da martedì a venerdì ore 15-19
fotografia italiana
corso venezia, 22 - +39 02784100
www.fotografiaitaliana.com
info@fotografiaitaliana.com
Milano
dal 2/10/2008 all' 1/11/2008
Alfredo Jaar - It is difficult
La mostra Alfredo Jaar - It is difficult, che
Spazio Oberdan e Hangar Bicocca propongono
per l’autunno, è un’ampia antologica
di intenso significato politico e sociale e di
forte impatto visivo ed emotivo dedicata
all’artista cileno.
tutti i giorni 10-19.30, martedì e giovedì
fino alle 22, chiuso il lunedì
hangar bicocca
via chiese, - +39 02853531764
www.hangarbicocca.it
info@hangarbicocca.it
Milano
dal 19/09/2008 all' 8/11/2008
Andrea Mastrovito -
Nickelodeon
In occasione della sua seconda doppia personale
milanese presso 1000eventi e Antonio
Colombo Arte Contemporanea, Andrea
Mastrovito reinventa gli spazi delle due gallerie
trasformandoli in "cinema da un soldo".
galleria 1000eventi
via luigi porro lambertenghi, 3
+39 0266823916
www.1000eventigallery.it
info@1000eventigallery.it
Milano
dal 3/10/2008 al 22/03/2009
Arnaldo Pomodoro -
Grandi opere 1972-2008
Nel quarto anno di attività della
Fondazione, la grande mostra d’inizio
per la stagione artistica 2008-2009 sarà
dedicata alle opere di Arnaldo
Pomodoro: quindici sculture monumentali,
di cui alcune inedite, come il Grande
portale dedicato a Edipo e l’Ingresso nel
labirinto In contemporanea la mostra
UGO MULAS FOTOGRAFA ARNAL-
DO POMODORO.
mercoledì-domenica ore 11-18 (ultimo
ingresso ore 17); giovedì ore 11-22
(ultimo ingresso ore 21)
fondazione arnaldo pomodoro
via andrea solari, 35 - +39 0289075394
www.fondazionearnaldopomodoro.it
info@fondazionearnaldopomodoro.it
Milano
dal 18/09/2008 al 28/10/2008
Barbara Nahmad -
A Rebours. Parte II
Ermanno Tedeschi Gallery apre la nuova stagione
espositiva con una personale dedicata
agli ultimi lavori di Barbara Nahmad. In contemporanea
a Milano e a Roma, la mostra,
ideale proseguimento di A Rebours del 2006,
evidenzia come la ricerca dell’artista non si sia
esaurita ma anzi continui felicemente nell’indagare
il rapporto tra il passato e il presente.
da mart. a ven. 11-13 e 15-19, sab. 15-
19 o su appuntamento.
ermanno tedeschi gallery
via santa marta, 15 - +39 0287396855
www.etgallery.it - info.mi@etgallery.it
Milano
dal 19/09/2008 al 5/11/2008
Carl D'Alvia / Asuka Ohsawa -
Gulliver in Wonderland
"Gulliver in Wonderland " si ispira a due
dei più conosciuti romanzi della tradizione
letteraria inglese del "Fantasy/Nonsense".
dal martedì al sabato ore 14.00
- 19.30 e su appuntamento; sabato 20:
apertura ore 11.00 - chiusura ore
22.00 - con servizio navette da due
diverse stazioni: pzza oberdan e piazzetta
vergani. domenica 21: apertura
ore 11.00 - chiusura ore 19.00
the flat - massimo carasi
via paolo frisi, 3 - +390258313809
www.carasi.it - theflat-carasi@libero.it
Milano
dal 14/10/2008 al 29/11/2008
Christiane Loehr
Per celebrare il decimo anno di collaborazione
con la Galleria, l'artista tedesca
presenta quaranta sculture, basate sulla
ricerca dei principi architettonici e create
dall’uso di materiale organico, una grande
installazione di crine di cavallo e venticinque
disegni di piccole e grandi
dimensioni.
dal martedì al sabato 10 - 19 chiuso
domenica e lunedì
galleria salvatore + caroline ala
via monte di pietà, 1 - +39 028900901
galleria.ala@iol.it
Milano
dal 19/09/2008 al 19/10/2008
Clegg & Guttmann -
Studiolo Nuovo
Con un rinnovato omaggio alla cultura
del nostro paese, dopo l’installazione
Falsa Prospettiva del febbraio 2001 presso
la sede milanese della galleria, la personale
del 1987, e la presentazione nella
sede storica di Napoli del novembre
2007, gli artisti Clegg & Guttmann
installano per Milano il loro ultimo progetto
italiano appositamente concepito
per la galleria.
da martedì a sabato dalle 11.00 alle
13.00 e dalle 15.00 alle 19.00
galleria lia rumma
via solferino, 44 - +39 0229000101
www.gallerialiarumma.it
info@gallerialiarumma.it
Milano
dal 19/09/2008 al 18/10/2008
Gianfranco Pardi - Architetture,
1970 - 1977 e opere recenti
La mostra intende non solo riproporre al
pubblico un ciclo molto importante nella
biografia artistica di Pardi, quello delle
Architetture, ma anche presentare le opere
recenti.
da martedì a sabato, 10.30-12.30,
15.30-19.00. in occasione di start
milano 19.9/21.9.2008, ven-sab 11 -
22, dom 11-19
galleria gio' marconi
via alessandro tadino, 15
+39 0229404373 - www.giomarconi.com
info@giomarconi.com
Milano
dal 19/09/2008 al 31/10/2008
Ivan Moudov - Welcome
Welcome è il titolo della prima mostra personale
dell’artista bulgaro Ivan Moudov
che presenterà la documentazione di una
serie di performance intitolata Traffic
Control.
mar-sab. 11.00-14.00 e 15.00-19.00
prometeogallery
via giovanni ventura, 3
+39 0226924450
www.prometeogallery.com
info@prometeogallery.com
Milano
dal 9/10/2008 al 14/11/2008
Ketty Tagliatti -
Ostaggi
Con una pittura imbottita, trapuntata, e per
la prima volta forse scultura, difficile da collocare,
Tagliatti racchiude certamente in sè
il gene scenografico della scatola teatrale,
con i suoi simboli e l'ambiguità tra la rappresentazione
dell'oggetto e la visione bidimensionale
di questo.
da lunedì a venerdì ore 14-19
movimento arte contemporanea
corso magenta, 96
+39 02436246
www.movimentoarte.it
info@movimentoarte.it
Milano
dal 19/09/2008 all' 8/11/2008
Khalif Kelly
Con uno stile che riesce a fondere l’estetica
del video game con reminescenze della
grande pittura classica, Kelly raffigura giochi
di bambini ripresi in momenti di condivisione,
litigio, violenza
dal martedì al sabato ore 15-19 in
occasione di start milano la galleria
resterà aperta venerdì 19.9 e sabato
20.9 dalle 11 alle 22 e domenica 21.9
dalle 11 alle 19
galleria monica de cardenas
via francesco viganò, 4
+39 0229010068
www.artnet.com/decardenas.html
monica@decardenas.com
Milano
MILANO
dal 15 ottobre al 22 novembre
GIOVANNI LOMBARDINI
Inventaria
dal mercoledì al venerdì 16-20,
sabato 10,30-13 e 16-20
GALLERIA POLIART
Viale Gran Sasso 35
02.70636109
www.galleriapoliart.com
info@galleriapoliart.com
Foto: Rime, 2008, mista su tavola, cm 50X35
dal 18/09/2008 al 24/10/2008
Marco Demis -
Rag Dolls
Rag dolls è la prima personale di Marco
Demis alla galleria Glenda Cinquegrana:
The Studio. Marco Demis è un giovane
artista milanese, classe 1982, alla sua
personale di esordio.
dal martedì al sabato, dalle 14.30 alle
19.30 oppure su appuntamento
glenda cinquegrana art
consulting - the studio
via francesco sforza, 49
+39 0289695586
www.glendacinquegrana.com
info@glendacinquegrana.com
Milano
dal 19/09/2008 al 20/10/2008
Marcos Lopez
project b contemporary art
via borgonuovo, 3
+39 0286998751
www.projectb.eu
info@projectb.eu
Milano
dal 19/09/2008 all' 11/11/2008
Martin Disler
Lo Studio d’Arte Cannaviello celebra i 40
anni di attività con la personale di Martin
Disler, autore rappresentativo del lavoro
della galleria.
da martedì a sabato ore 10.30-19.30
studio d'arte cannaviello
via antonio stoppani, 15
+39 022040428
www.cannaviello.net
info@cannaviello.net
Milano
dal 19/09/2008 al 19/10/2008
Matt Calderwood
galleria klerkx
via massimiano, 25
+39 0221597763
www.manuelaklerkx.com
info@manuelaklerkx.com
Milano
dal 19/09/2008 al 12/10/2008
Mila Schön -
Linee colori superfici
palazzo reale
piazza del duomo, 12 - +39 0280509362
www.comune.milano.it/palazzoreale/
Milano
dal 18/09/2008 al 30/10/2008
MP & MP Rosado -
De profundis
In questa mostra gli artisti presentano una
nuova installazione prodotta appositamente
per lo spazio: una meditazione sulla malinconia
e il fragile rapporto tra l’uomo nell’era
del consumo e la natura.
dal martedì al sabato
dalle 15:30 alle 19:00
federico luger gallery
via domodossola, 17 - +39 0267391341
www.federicolugergallery.com
info@federicolugergallery.com
Milano
dal 19/09/2008 al 18/10/2008
Nino Migliori -
Terra Incognita
Nino Migliori, classe 1926, è uno degli
artisti più interessanti della cultura fotografica
italiana.
da lunedì a sabato ore 10-13e 15-19
orari galleria per start milano:
venerdì 19: h 11.00 - 22.00 sabato
20: h 11.00 - 22.00 domenica 21: h
11.00 - 19.00
galleria ca' di fra'
via carlo farini, 2
+39 0229002108
gcomposti@gmail.com
Milano
dal 19/09/2008 al 18/10/2008
Paola Pivi -
It's a cocktail party
In occasione di questa mostra personale
Paola Pivi ripropone il lavoro che aveva
presentato alla Galleria Portikus di
Francoforte.
martedì-sabato 11,30-14,00 e 14,30-
19,30; lunedì chiuso
galleria massimo de carlo
via giovanni ventura, 5
+39 0270003987
www.massimodecarlo.it
info@massimodecarlo.it

Exibart.onpaper calendario.83
Milano
dal 19/09/2008 al 18/10/2008
Ryan McGinness -
A Shadow Feeling of Loss
da lunedì a venerdì ore 11-19 sabato
su appuntamento
paolo curti /
annamaria gambuzzi & co.
via pontaccio, 19 - +39 0286998170
www.paolocurti.com - info@paolocurti.com
Milano
dal 19/09/2008 al 5/11/2008
Simon Dybbroe Möller -
Not Nature Near
Simon Dybbroe Möller utilizza un vocabolario
formale che ricorda la Minimal Art e
fa dell’errore, della negazione e della sottrazione
pratiche artistiche privilegiate.
da martedì a sabato ore 11 - 19.30
galleria francesca minini
via massimiano, 25 - +39 0226924671
www.francescaminini.it
info@francescaminini.it
Milano
dal 19/09/2008 al 10/11/2008
Sterling Ruby - Zen Ripper
La Galleria Emi Fontana e West of Rome
presentano la seconda mostra personale di
Sterling Ruby alla galleria
da mar. a sab. dalle ore 11 alle 19.30
galleria emi fontana
viale bligny, 42 - +39 0258322237
www.galleriaemifontana.com
emif@micronet.it
Milano
dal 19/09/2008 al 31/10/2008
T. Kelly Mason - You try being
someone else
mar.-sab. ore 10.00-13.00/15.00-19.00
ven. 19-09 18.00/22.00 sab. 20-09
11.00/22.00 dom. 21-09 11.00/19.00
corsoveneziaotto
corso venezia, 8 - +39 0236505481
www.corsoveneziaotto.com
info@corsoveneziaotto.com
Milano
dal 19/09/2008 all' 8/11/2008
Yael Bartana - Mary Koszmary
Raffaella Cortese è lieta di presentare la
mostra personale dell’artista isrealiana
Yael Bartana.
mar. a sab. 15-19.30 e su appuntamento
galleria raffaella cortese
via alessandro stradella, 7
+39 022043555
www.galleriaraffaellacortese.com
rcortgal@tiscali.it
Marche
CASTEL DI LAMA (ASCOLI P.)
fino al 2 novembre 2008
LA SINDROME DI ICARO:
LICINI E 26 ARTISTI
TRA CIELO E TERRA
Orari 12 - 18
Borgo Storico Seghetti Panichi
Via San Pancrazio 2
CASTEL DI LAMA
Tel info: 0736818622
associazione@seghettipanichi.it
Caraglio
Piemonte
dal 20/09/2008 al 30/12/2008
Ettore Fico
Per la prima volta in Italia, un’importante e
completa retrospettiva dedicata a un grande
maestro del Novecento.
martedì - sabato: 14,30 - 19,00 domenica:
10,00 - 19,00
il filatoio
via giacomo matteotti, 40
+39 0171618260
www.marcovaldo.it - info@marcovaldo.it
Torino
dal 25/09/2008 al 31/10/2008
Cristina Mandelli / Julie
Polidoro - Coincidenze
Coincidenze è un dialogo visivo che
vuole mettere a confronto diverse
ricerche artistiche e scelte curatoriali
con particolari ed inediti punti di
contatto. COINCIDENZE inaugura
la stagione 2008/2009 presentando i
lavori di Julie Polidoro e Cristina
Mandelli.
da martedì al sabato dalle 15 alle 19
mattino e lunedì su appuntamento
41 artecontemporanea
via giuseppe mazzini, 41
+39 0118129544
www.41artecontemporanea.com
info@41artecontemporanea.com
Torino
dal 4/10/2008 al 31/12/2008
Dalle Città dell’Aldilà.
Afterville, Divine Design
Diverse visioni dei -o dai- confini estremi
delle città future. I protagonisti di
questa mostra per molti versi inedita e
‘inaudita’ sono sovente architetti e artisti
che già ci guardano dall’Aldilà.
miaao -
museo internazionale
delle arti applicate oggi
via maria vittoria, 5
+39 0110702350
www.miaao.org
argh@miaao.org
Torino
dal 25/09/2008 all' 11/11/2008
Dario Ghibaudo -
Museo di Storia Innaturale- sala
XIII pesci e anfibi
Dario Ghibaudo, artista che dal 1993
lavora al concetto di contaminazione
genetica tra diversi generi viventi come a
un altro dei mondi possibili, ci mostra
un’altra faccia della sua ricerca, il pianeta
sommerso. Ascritta all’ambito concettuale
del suo vastissimo”Museo di Storia
Innaturale”.
da lunedì a venerdì ore 10,30/12,30-
15,30/19,30
paolo tonin arte contemporanea
via san tommaso, 6
+39 01119710514
www.toningallery.com
info@toningallery.com
Torino
dal 18/09/2008 al 29/11/2008
Paolo Maggis -
In nodum coacti
da martedì a venerdì ore 15,30 -
19,30; sabato 10,00 - 13,00; 14,30 -
19,30
marena rooms
gallery contemporary art
via dei mille, 40/a
+39 0118128101
www.marenaroomsgallery.com
info@marenaroomsgallery.com
Sicilia
GIBELLINA
11 ottobre 2008 ore 11
CIRCLE OF LIFE
1997-2008
di Richard Long
Riso, Museo d'Arte Contemporanea
della Sicilia, nell'ambito di 5venti -
progetto di promozione e valorizzazione
del sistema regionale dell'arte
contemporanea - in collaborazione
con la Fondazione Orestiadi, presenta
a Gibellina una delle opere
appartenenti alla collezione permanente
di Palazzo Riso nell'ottica
identitaria di Museo della Regione
Siciliana diffuso sul territorio.
FONDAZIONE ORESTIADI
Baglio di Stefano
t +39 0924.67844
info@orestiadi.it
RISO, MUSEO D'ARTE
CONTEMPORANEA DELLA SICILIA
www.palazzoriso.it
info@palazzoriso.it
t+39 091.320532
CASTELBUONO (PA)
dal 27 settembre al 2 novembre 2008
MINIMO RADICALE
Giuseppe Adamo, Luna Amato,
Giuseppe Buzzotta, Carlo Cislaghi,
federico Lupo, Vincenzo Schillaci,
Giovanni Sortino
a cura di Helga Marsala
Orario: 9-13/15-20, chiuso il lunedì
MUSEO CIVICO DI
CASTELBUONO
Castello dei Ventimiglia
Palermo
dal 4/10/2008 al 2/11/2008
Sweet Sheets II
Una formula già rodata, Sweet Sheets,
giunta alla seconda edizione, coinvolge
un nucleo di artisti di diverse generazioni
e diverse attitudini, indistintamente
chiamati a deporre tracce vivide sulla
levità della carta.
da martedì a sabato ore 17-20
zelle arte contemporanea
via matteo bonello, 19
+39 3393691961
www.zelle.it - zelle@zelle.it
Firenze
Toscana
dall' 11/10/2008 al 24/01/2009
Claudio Abate - Installation, performance
art & the bathroom
L’artista riesce nell’impresa di dare
all’immagine di una scultura una terza
dimensione, quella interiore, che associa
lo sguardo alla sensibilità e all’intuizione
creatrice
16/19.30 - chiuso lunedì e festivi
galleria il ponte
via di mezzo, 42/b - +39 055240617
www.galleriailponte.com
info@galleriailponte.com
Firenze
dal 18/09/2008 al 2/11/2008
Worlds on video. International
video art
L’esposizione presenterà 30 lavori, alcuni
per la prima volta in Italia, dei più importanti
e affermati videoartisti internazionali.
tutti i giorni 10,00 - 20,00. giovedìdalle
10,00 - 23,00. lunedì chiuso
cccs - centro di cultura contemporanea
strozzina - palazzo strozzi
piazza degli strozzi, 1
+39 0552776461
www.strozzina.it
info@strozzina.it
Siena
LUCCA
23-24 ottobre 2008
LUBEC 2008
giovedì 23 ottobre ore 8.15/13.30;
ore 15-18
venerdì 24 ottobre Ore 9.15-13.30
REAL COLLEGIO
TEMI: Ripartire dal Paesaggio: recupero,
pianificazione e progettualità
per la valorizzazione del Paese;
Turismo e cultura digitale; Il Brand
Italia; Beni Culturali e luoghi della
fede; Risorse e partenariato; Città
d'arte; Musica e management;
Musei/Territorio/Economia
Segreteria Organizzativa: Silvia
Doberti progetti@promopa.it
Diana Lomas espositori@promopa.it
Tel. +39 0583 582783
dal 20/09/2008 al 6/11/2008
Pablo Echaurren
tutti i giorni dalle 9 alle 19
palazzo pubblico -
magazzini del sale
il campo, 1
+39 0577292226
museocivico@comune.siena.it
Trentino-alto Adige
Bolzano
dall' 11/10/2008 al 4/01/2009
Sonic Youth etc: sensational fix
La mostra indaga la relazione tra la storica
band, nata nel 1981, con artisti, scrittori,
film-maker, designer ed altri musicisti.
La produzione multimediale dei
Sonic Youth e i lavori degli artisti presenti
in mostra svelano una possibile storia
alternativa della cultura contemporanea,
discutendo in modo critico la divisione
tra arte “alta” e “popolare”.
museion
via dante, 6 - +39 0471312448
www.museion.it - info@museion.it
Merano
dal 3/10/2008 all' 11/01/2009
Meret Oppenheim -
L'occhio di Meret Oppenheim
Vengono presi in considerazione soprattutto
gli ultimi vent'anni di vita e di lavoro
della Oppenheim dagli anni '60 fino al
1985 attraverso l'esposizione di oltre 60
tra carte, disegni, oggetti.
da martedì a domenica dalle ore
10.00 alle ore 18.00
kunst meran/o arte
via portici, 163 -+ 39 0473212643
www.kunstmeranoarte.org
info@kunstmeranoarte.org
Trento
PISA
dal 20 settembre al 14 dicembre 2008
SOVRANI NEL
GIARDINO D'EUROPA
Pisa e i Lorena
a cura di Romano Paolo Coppini
vernissage: 20 settembre 2008. ore 17
catalogo: A cura di Romano Paolo
Coppini , pp. 304
Orari: Tutti i giorni ore 10-18
La biglietteria chiude un'ora prima
pisaeilorena@stm.unipi.it
www.pisaeilorena.it
telefono evento: + 39 0502215469
MUSEO NAZIONALE DI PALAZZO
REALE - PALAZZO VITELLI
Lungarno Antonio Pacinotti 46
PISTOIA
dal 27 settembre al 6 dicembre 2008
VIA AMATI 13
Alksne, Bertolo, Camoni, Carone,
Cochi, Kruasaeng, Mencarelli,
Mezzaqui, Moscardini, Pirri, Ruffi
Orari: martedì - sabato 15.30 -19.30
GALLERIA SPAZIOA
Via Amati 13
tel 0573 977354
www.spazioa.it
info@spazioa.it
dal 16/10/2008 al 10/12/2008
David Salle - Opere recenti
dal martedì al sabato
dalle 10.00 alle 12.30
dalle 17.00 alle 19.30
studio d'arte raffaelli -
palazzo wolkenstein
via livio marchetti, 17
+39 0461982595
www.studioraffaelli.com
studioraffaelli@tin.it
Perugia
Umbria
dal 4/10/2008 al 6/12/2008
Paolo Bacilieri - Canzoni in A4
da martedì a sabato, dalle 15 alle 20
galleria miomao
corso cavour, 120 - +39 3477831708
www.miomao.net - info@miomao.net
Venezia
GUBBIO
dal 4 ottobre al 23 novembre 2008
56 GUBBIO 08
XXV Biennale di Scultura
a cura di Giorgio Bonomi
con la collaborazione
di Cristiana Marinelli
Inaugurazione 4 ottobre ore 17
PALAZZO DUCALE GUBBIO
Sedi varie
Info: cultura@provincia.perugia.it
info@iat.gubbio.pg.it
www.provincia.perugia.it
www.gubbio-altochiascio.umbria2000.it
PERUGIA
fino al 18 gennaio 2009
DA COROT A PICASSO,
DA FATTORI A DE PISIS
Orario: 10.00 - 18.00 (la biglietteria
chiude alle ore 17.00)
ingresso: interi 8, ridotti 6, scuole 3 euro
PALAZZO BALDESCHI AL CORSO
Mostra promossa dalla Fondazione
Cassa di Risparmio di Perugia
Organizzazione Civita
Catalogo Silvana Editoriale
Informazioni e prenotazioni:
www.fondazionecrpg.it
199 199 111
servizi@civita.it
Veneto
dal 27/09/2008 all' 11/01/2009
Italics. Arte italiana fra tradizione
e rivoluzione 1968-2008
palazzo grassi
salizzada san samuele, 3231
+39 0415231680 - www.palazzograssi.it
VITTORIO VENETO (TV)
dal 26 ottobre 2008 al 14 dicembre 2008
FABIO SANDRI
Due opere ed un diario visivo
a cura di Daniele Capra
inaugurazione 26 ottobre ore 11
finissage 14 dicembre ore 11
su appuntamento
EXITARTE CONTEMPORANEA
STUDIO
viale della vittoria, 77
+39 0438556542
www.exitarte.it
info@exitarte.it

Exibart.onpaper fotofinish.85
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Manifesta in mutande, ehmm, in grembiule. Sembrano essere d'accordo (1) Nico Vascellari, bizzarramente abbigliato come da tradizione, e quelli (2) della galleria Browning di Asolo. Passiamo a New
York dove la PS1 Sarah Scandiffio si è fatta vedere all'inaugurazione della mostra del nostro (3) Stefano Cagol, nello spazio di Priska Juschka. Sempre a New York, qualche street più in là, la mitica (4)
Claudia Gian Ferrari, paparazzata mentre cerca di capire sulla mappa come tornarsene a casa visto il gran freddo. Torniamo in Italia, di più: in Sicilia. (5) Di fronte alla celeberrima parete rossa della galleria
Pantaleone, in quel di Palermo, Loredana Longo ciacola con Shahryar Nashat. Salto dall'altra parte della Penisola e arrivo in Laguna per le nostre foto rubate ai giorni di opening della Biennale di
Architettura. (6) Anila Rubiku parla con Letizia Cariello nelle meravigliose sale di Palazzo Pesaro Papafava. Mentre alla Guggenheim (7), l'economista Pierluigi Sacco e Dario Cimorelli, gran capo di Silvana
Editoriale, parlottavano fitto fitto. Tra campi e campielli si è visto, più di una volta, lo scrittore (8) Tiziano Scarpa: non si è perduto un'inaugurazione della Biennale architettonica. Che stia preparando un
nuovo libro ambientato in mostre e vernissage? Distrattissimo, invece, Francesco Bonami (9) che durante l'opening della mostra da lui curata, che vedeva protagonista un'opera degli A12 in mezzo alla
Laguna, è stato quasi sempre al telefono e poi (10), sempre col telefono, si è messo a fotografare, orgoglioso, il lavoro del gruppo di architetti genovesi. (11) Yoko Ono (presente in una mostra curata da
Lorand Hegyi) si assommava al gruppo dei vip presenti a Venezia, con tanto di figlio (chi di cappello ferisce...) al seguito. Carlo Simula, ufficio stampa del Palazzo delle Papesse (12), intanto, attendeva composto
in prima fila l'apertura del buffet al Padiglione dei Paesi Scandinavi. Confermando che la sindrome da (ab)buffet non risparmia davvero nessuno. Meglio tornarsene a casa, deve avere pensato
Antonio Arevalo (13), pizzicato da un rapace art-paparazzo mentre nella - comodissima prima classe dell'Eurostar Venezia-Roma - dormiva placido e beato.
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LE FOTO PIU' BELLE VERRANNO PUBBLICATE. INVIATECELE A > fotofinish@exibart.com
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tesi XI (bis)
di Marco Senaldi
Karl Marx era un ragazzo
prodigio. La sua tesi di laurea in
filosofia, intitolata Differenza fra
la filosofia della natura di
Democrito e quella di Epicuro,
scritta a ventidue anni, è già
un'opera, se non matura, perlomeno
decisamente personale,
che si conclude con un peana a
Prometeo, "il più grande santo
e martire del calendario filosofico".
Tra gli scritti del periodo immediatamente
successivo, tutti
pubblicati solo diversi anni dopo
la sua morte, spiccano le famose
Tesi su Feuerbach, risalenti
al 1845, cioè a quando Marx
aveva sì e no ventisette anni.
Come già negli abbozzi precedenti,
rimasti inediti, cioè i
Manoscritti economico-filosofici
del 1844 e la Critica della filosofia
hegeliana del diritto pubblico,
Marx non se la piglia con
figure di secondo piano, ma con
i giganti del suo tempo, Hegel e
Feuerbach appunto. Ma con
una lucidità che diventerà poi il
tratto distintivo del suo stile, già
capisce che si tratta di pensatori
defunti anche dal punto di
vista filosofico, il cui culto, a
quei giovani che andavano auto-
definendosi "comunisti", faceva
ormai "un'impressione molto
umoristica".
Forse oggi ci fa un'impressione
umoristica lo stesso culto di
Marx e, a distanza di più di un
secolo e mezzo, fa una stranissima
impressione proprio la più
nota delle tesi su Feuerbach, la
celebre Tesi XI che recita: "I
filosofi hanno [finora] solo interpretato
diversamente il mondo;
il problema è però di trasformarlo"
[Die Philosophen haben
die Welt nur verschieden interpretiert;
es kömmt aber darauf
an, sie zu verändern]. Il senso
della frase è indiscutibile, e
credo che ancor oggi, tanti giovani
si riconoscerebbero in questo
programma (se non altro
per evitare di studiare filosofia,
visto che non serve a niente). Il
fatto è che oggi talune "trasformazioni"
hanno cambiato sì il
mondo, ma forse non esattamente
nel senso che Marx si
augurava. Anche se si sono ispirate
al suo pensiero (caso Cina
docet). Anzi, in un certo senso,
tutti i filosofi (tanto a destra
che a sinistra) hanno effettivamente
seguito il suggerimento
della Tesi XI; peccato però, che
il risultato è ora sotto gli occhi
di tutti, ed è un risultato tale
per cui ora non possiamo più
né innocentemente "interpretare"
il mondo (perché siamo
costretti a sapere, minuto per
minuto, telegiornale dopo telegiornale,
in quale stato terribile
versi), né ingenuamente pensare
di "cambiarlo" (cambiarlo
come, verso cosa, con chi, a
vantaggio di chi, contro chi?).
Da ciò il senso di paralisi mentale
unita a una forma di paralisi
autenticamente fisica: quella
che ci costringe comunque a
"vedere" tutto e a sapere tutto,
seduti come handicappati di
fronte ad uno schermo, un po'
come Alex, il protagonista di
Arancia Meccanica, costretto
dai suoi aguzzini-rieducatori a
sorbirsi scene di inenarrabile
violenza a "occhi bene aperti".
Proprio per essere ridotto
all'impotenza fisica e psichica. E
anche se le analisi delle menti
più brillanti che si sono interrogate
sul futuro del pianeta,
come Jared Diamond o Serge
Latouche, autori rispettivamente
di Collasso, come le società
scelgono di morire o vivere,
Einaudi 2005, e di Breve tratta-
to sulla decrescita serena,
Bollati Boringhieri 2008, costituiscono
una riflessione innovativa
e vi si intravede uno spiraglio
di soluzione, al tempo stesso
quelle stesse posizioni, sconsolanti
o consolanti che siano,
fanno parte del bagaglio crescente
di "interpretazioni" che
semplicemente uccidono la
nostra voglia di agire.
E allora? Non occorrerebbe
rovesciare il problema? Non
dovremmo forse formulare una
Tesi XI bis completamente
"catastrofica" del tipo: "I filosofi
non sanno più interpretare il
mondo, ma comunque nessuno
saprebbe cambiarlo"? Cioè,
non dovremmo semplicemente
prendere atto che non c'è nessuna
soluzione, nessuna decrescita
né drammatica né tanto
meno "serena"; che il mondo è
condannato, sovrappopolato,
inquinato, irrimediabilmente
sbagliato e che sbagliati alla
fine siamo noi stessi. Noi che ci
siamo innamorati, in taluni casi
riprodotti, abbiamo letto e studiato,
scritto, fatto arte e combattuto
credendo in qualcosa?
Non sarebbe forse, questa radicale
consapevolezza del falli-
mento, se non la soluzione, per
lo meno un correttivo all'idea
che le cose "avrebbero potuto
andare diversamente"? "Ah, se
solo il comunismo avesse
assunto un volto umano! Ah, se
solo il fascismo fosse diventato
una condivisa ideologia corporativista!
Ah, se solo il capitalismo,
invece di diventare spietatamente
speculativo, fosse un
sistema davvero liberista! Ah,
se solo gli intellettuali e gli artisti
fossero meno asserviti al
potere e alle loro ambizioni
mediali, e fornissero risposte
coerenti ai bisogni della
gente…". E invece no: le cose
sono andate esattamente al
contrario. Non è forse questa
una scoperta sorprendentemente
giusta che ci impedisce
qualunque velo illusorio, che ci
costringe a confrontarci non
col disastro esotico, ma con la
nostra stessa, intrinseca, "indigena",
"paralisi esistenziale"?
(scrivimi:
hostravistoxte@exibart.com;
illustrazione di Bianco-Valente)