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a cura di daniele perra
DANIELE MArZorATI
Che libri hai letto di recente?
Sto per finire La somiglianza per
contatto di Georges Didi-Huberman,
prima La piega. Leibniz e il barocco
di Gilles Deleuze, e una breve storia
di José Saramago, Il racconto dell’isola
sconosciuta, che ho riletto più
e più volte.
Che musica ascolti?
De Andrè, Afterhours, comunque dipende
dalla giornata.
Città che consiglieresti di visitare
e perché.
Bucarest. È una città che non si può
immaginare, da 5 anni la rivisito di
continuo e paradossalmente è tanto
assordante da azzittirti. Tutti i miei
istinti per potervi produrre un lavoro,
lì sono bloccati.
I luoghi che ti hanno particolarmente
affascinato.
Tutti i posti che mi ritornano in mente
hanno a che fare con l’altitudine o, se
vogliamo ribaltare la faccenda, con
una sorta di diminuzione della gravità.
La funivia che percorre un intero
ghiacciaio a 4.000 metri. Un giorno
Classe 1988, sta terminando il triennio alla NABA di Milano e di recente ha preso parte a un workshop
alla XIV Biennale Internazionale di Scultura a Carrara, tenuto dall’artista polacco Grzegorz Kowalski.
Leggerezza e pesantezza, interno ed esterno: sono questi gli elementi su cui ruota la sua ricerca artistica.
Daniele Marzorati realizza performance, che documenta con brevi filmati, e studi pittorici sulle pagine di
piccoli diari, che con la materialità della pittura acquistano tridimensionalità. Ma la forza del suo lavoro
va verso una direzione: la scultura. Senza confini, perché oggi “non hanno motivo d’essere”...
Io non vivo mai negli spazi antropologici - 2009 - performance
lo vorrei percorrere a piedi, intorno
non c’è nulla, e il ghiaccio a volte è
fragile.
Le pellicole che hai amato di più.
Quelle di Antonioni sono terrificanti,
nel senso buono! Se rivedi i suoi
film mille e mille volte non finisci mai
d’imparare, Deserto rosso su tutti.
Mi piace il modo con cui si astraeva
e faceva funzionare il “meccanismo
film”, così, da solo, un po’ come il
pensiero di Boetti.
Le mostre visitate che ti hanno lasciato
un segno.
Nel 2004 Joan Miró, Alchimista del
segno a Como forse mi ha avvicinato
ai primi disegni. Poi la collezione della
Fondazione Beyeler a Basilea, Gianni
Colombo al Castello di Rivoli, alcune
sezioni della Biennale a Carrara e il
Maxxi a Roma.
Gli artisti del passato per i quali
nutri interesse.
Pontormo, Auguste Rodin, Jean-
Auguste-Dominique Ingres, Peter
Paul Rubens, Giovanni e Nicola Pisano,
Constantin Brancusi, Medar-
do Rosso, Joseph Beuys, Gino de
Dominicis, Robert Rauschenberg,
Sol LeWitt, Giuseppe Penone, Neo
Rauch... insomma, troppi per scrivere
un elenco finito.
E i giovani a cui ti senti vicino, artisticamente
parlando?
È da un po’ di tempo che m’interessa
il lavoro di Giuseppe Gabellone, prima
di lui alcuni lavori di Christian Frosi,
poi di Tomas Saraceno, Thomas Houseago,
Marco Bongiorni...
Che formazione hai?
Liceo artistico, ora sto per finire il
triennio in Pittura e Arti visive alla
NABA di Milano.
Hai seguito un workshop con l’artista
polacco Grzegorz Kowalski.
Cosa ricordi di quest’esperienza?
Carrara porta da sola un’energia in
sé, nella montagna di marmo. Lì si
crea un vuoto che è già scultura. Di
Grzegorz Kowalski, la sua clinicità e
la pulizia di pensiero limata da orpelli
inutili. È stato un vero confronto
aperto a tutto e tutti, reale democrazia.
Le tue opere sembrano essere accomunate
da un binomio costante
ma allo stesso tempo contrastante:
leggerezza e pesantezza, interno
ed esterno. Penso alla scultura
con le pietre e la scansione di una
di queste o al lavoro fotografico
con la scorza di mandarino. Ti ritrovi
in questa mia lettura?
M’interessa molto il limite delle cose,
che sia superficie o meno non capisco
mai fin dove esistono. Se dico:
interno /esterno è già sufficiente a
mettere in dubbio il mio pensiero, la
mia posizione. La domanda successiva
è: allora dove terminano questi
due? Ecco perciò la mia attenzione
per una sorta di formazione del pensiero
come relazione nello spazio,
che non si identifica mai definitivamente.
L’idea poi di ribaltare le cose
è costante o, meglio, d’avere uno
sguardo, un sotto-sopra, una linea
d’orizzonte che appartiene a chissà
quale dei due lati. È inutile oggi delimitare
dei confini, non hanno motivo
d’essere.
Hai realizzato due performance
fatte di gesti semplici. In un caso
la performance si è trasformata
in un’immagine fotografica come
in laltrapartedelcielo, in altri casi
le hai riprese, al solo scopo di documentazione,
con brevi filmati.
Da cosa nascono le tue azioni?
Una premessa m’impone la performance
come interessante, solo se
non risulta teatrale. Penso dunque
alle mie come a “sculture globali”,
minime certamente e che lavorano
con una loro ripetitività, producendo
la possibilità di uno sguardo distante.
Da dove nascono in realtà non lo
capisco, ritengo essenziale non concepirle
come gesti, in esse non voglio
entri in azione un’emotività aliena.
So che potrebbero essere eseguite
da tutti, un’ulteriore forma di calco
sempre differente; di queste ritengo
importante che formino appunto una
“scultura del pensiero”, non fisica, e
che lavorino nello spazio, inteso non
come luogo cartografico, piuttosto
come posizione senza riferimenti,
smontabile e ricomponibile.
Hai raccolto sulle pagine di piccoli
diari alcune pitture che “parlano”
di scultura. Le consideri studi preparatori?
Che rapporto hai con il
mezzo pittorico?
Non li considero studi preparatori,
esistono come studi e basta. Questi
formano delle specie di assimilazioni.
Ecco perché hanno la forma del
diario, contengono una continuità, a
rimarcare una fissità come insistenza
lavorativa, consumativa. Scorso
dunque tutto il libretto, se ipoteticamente
cucissi i disegni intorno a un
cilindro, ruotandovi attorno potrei
ottenere una sorta di scultura piana,
come fosse costruita da tantissime
fotografie di particolari, una vicina
all’altra. Un giorno “sfogliavo” Bacon:
trovo interessantissimo il suo
processo, la moltitudine di pagine
strappate, cancellate e piegate su
cui interveniva in diversi modi, quasi
ad attaccare la materia, intuendola
in modo differente.
Stai lavorando con la fotografia.
Cosa ti interessa di quel mezzo?
La fotografia è un mezzo straordinario
già di per sé. Esiste prima d’essere
prodotta. Mi dà la possibilità
di mantenermi rigido rispetto a ciò
che mi si presenta, ed è il metodo
di partenza per la comprensione del
segno pittorico. È un lavoro mentale:
la si deve scattare per ottenere
sostanzialmente un’incisione che
rimanga visibile, ma in realtà sarà
totalmente differente da come ci si
presenta nell’obiettivo. Proprio in
quel motivo si gioca la possibilità di
questo mezzo: costituisce un’altra
evenienza dello sguardo, disambiguo
e con una straordinaria “dislessia” in
se stesso.