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60 tornaconti
a cura di alfredo sigolo
Il rItorno
dell’artIgIano
Iper-professionalizzazione dei processi (e dei prodotti)? Delocalizzazione delle mansioni?
Segmentazione degli incarichi nell’industria artistica che deve produrre opere d’arte a tutto vapore?
Tutto vero, sì, salvo eccezioni, che puntano al riavvicinamento dell’artista a una qual certa manualità...
La grande mostra di Maurizio
Cattelan a Milano diventa un’ottima
occasione per riflettere sul mestiere
dell’artista a cavallo del nuovo secolo.
A partire dagli anni ‘90 la grande fortuna
avuta dall’arte contemporanea
ha prodotto senza dubbio profondi
cambiamenti non solo strutturali, ma
anche nei suoi protagonisti ed eroi.
Che si sono dovuti confrontare con i
nuovi scenari globalizzati, quelli stessi
profetizzati da Jean-François Lyotard
già alla fine degli anni ’70, caratterizzati
dalla crisi delle “grandi narrazioni”
e dall’arretramento degli statinazione
a vantaggio di nuovi equilibri
trasversali governati dall’economia.
Tramontata definitivamente l’idea
classica dell’artista demiurgo che
assomma in sé l’artigiano e il divino,
la pratica e l’idea, un nuovo individualismo
conduce l’artista a farsi protagonista
diretto delle nuove dinamiche
dell’arte dominata dal mercato, secondo
logiche di carattere imprenditoriale.
L’impresa d’artista è molto distante
dalla “bottega” di classica memoria,
che si fondava sull’apprendistato e
sulla trasmissione di competenze dal
maestro verso gli allievi. È più simile
a un’azienda che individua le competenze
necessarie al raggiungimento
di obiettivi strategicamente definiti.
Nel 2008 il Guardian pubblicava un
interessante articolo sull’industria
che si muove intorno al mestiere
d’artista. Qualche esempio? A
Brighton la Millimetre è una vera
e propria fabbrica a disposizione
per la realizzazione dei più disparati
progetti artistici. Dietro gli animali
imbalsamati di Damien Hirst c’è
lo studio di Gloucestershire gestito
dall’inseparabile assistente Emily
Mayer, mentre Tristan Simmonds è
l’ingegnere e progettista che ha reso
possibili le idee di Antony Gormley o
Anish Kapoor. Si dice che se qualcuno
tirasse una bomba sullo studio
di un oscuro personaggio nominato
Michael Smith il volto dell’arte contemporanea
britannica ne uscirebbe
stravolto. Dal suo lavoro dipendono
infatti artisti come Rachel Whiteread,
Gary Hume, Gavin Turk, Keith
Tyson, Jake & Dinos Chapman,
Max Wallinger.
Tra agenti e dealer, assistenti, progettisti
e artigiani che realizzano le
loro opere, la figura dell’artista che
unisce il genio all’abilità e al virtuosismo
tecnico è un’astrazione oggi
molto distante dal vero. La spiegazione
è persino banale: per un artista di
media fama, con un mercato internazionale,
il numero di opportunità di
esporre i lavori supera la sua capacità
di produrli.
Certo l’idea di un’arte pianificata,
programmata sulla scorta di scelte
strategiche che sembrano avere più
affinità con il marketing che con una
qualche forma di Weltanschauung
non è propriamente affascinante,
ma di fatto ha rappresentato perfettamente
quello che si è voluto defi-
Sembra crescere una nuova sensibilità
che prova a reagire ai rigidi modelli
imposti dall’economia, rivendicando
il riscatto della creatività applicata
nire “nuovo Rinascimento”, un’epoca
che ha portato l’arte a specchiarsi
nel suo mercato. Probabilmente il
Damien Hirst più interessante non è
tanto quello che squarta gli animali
ma piuttosto quello che organizza
un’asta dei propri lavori, o quello che
realizza l’opera più costosa del mondo.
Ma potremmo citare il gallerista
al muro e la Wrong gallery di Cattelan
e giungere fino al suicidio del
collezionista di Elmgreen & Dragset
[nella foto di Manolo Remiddi], solo
per evidenziare alcuni esempi autoreferenziali
che sembrano introdurre,
su altri fronti, produzioni seriali
improntate a una sorta di perpetuo
autocitazionismo.
La recente crisi dalla quale anche
l’industria culturale mondiale sta faticosamente
tentando di risollevarsi ha
pericolosamente intaccato non solo il
comparto economico, ma anche (e
diremmo soprattutto) le strutture
come i musei e le pubbliche collezioni
che in qualche modo dovrebbero
fungere da garanti e ammortizzatori,
mostrando tutti i limiti di un sistema
dell’arte dall’andamento centripeto rispetto
all’economia che certamente
non ha risparmiato neppure la figura
dell’artista.
Forse mai come oggi, anche dopo le
sterili polemiche che hanno preceduto
la mostra di Maurizio Cattelan a
Milano, la figura disincantata e cinica
dell’artista degli anni ‘90 ci appare
offuscata, quasi avesse perso di autorevolezza.
Nel frattempo però, in altri contesti,
sembra crescere una nuova sensibilità
che prova a reagire ai rigidi modelli
imposti dall’economia, rivendicando
il riscatto della creatività applicata.
Una sorta di neo Arts & Crafts che
però, a differenza del movimento
che a cavallo tra XIX e XX secolo si
opponeva all’industrializzazione, non
nasce in una cerchia intellettuale
come quella di cui facevano parte
John Ruskin e William Morris, ma si
muove dal basso, tra i giovani e la
gente comune.
Recentemente è uscita in Italia la traduzione
dell’opera del sociologo americano
Richard Sennett dal titolo L’uomo
artigiano (titolo originale The craftsman,
2008) che analizza dapprima
la progressiva decadenza nel mondo
contemporaneo post-industriale della
figura dell’artigiano, almeno nelle
forme tramandate storicamente, e
celebra poi la sua rinascita in nuovi
ambiti come la tecnologia. Esemplare
è poi l’esperienza di Matthew
Crawford: smessi i panni del colletto
bianco a Washington, ha aperto un
negozio di riparazione di cicli e moto,
riscoprendo il valore etico del lavoro
manuale. Il suo libro di successo, Il
lavoro manuale come medicina dell’anima,
rivendica la funzione sociale ed
etica dell’artigianato.
Di qualche anno precedenti sono
le riflessioni di Charles Leadbeater:
amateur professionalism è un ossimoro
creato dal teorico britannico,
già consigliere di Tony Blair, per de-
finire tutto quel complesso di attività
esercitate a livello dilettantistico,
prevalentemente nel tempo libero, le
quali opportunamente coltivate, indirizzate
e organizzate possono fornire
modelli alternativi di sviluppo economico
e produrre determinanti capitali
culturali.
La sua Pro-Am Revolution è il riscatto
della creatività amatoriale dopo un
secolo di oscurantismo determinato
dal mito della specializzazione estrema
e della gerarchizzazione dei saperi.
Sono soprattutto le nuove tecnologie
a fornire le infrastrutture che
servono e favoriscono la diffusione di
questo fenomeno: i social network, il
peer to peer, gli open source, attraverso
questi e altri canali si generano
community che condividono e si
toplot a cura di santa nastro
scambiano saperi vecchi e nuovi, nei
più disparati settori della creatività.
Quasi a confermare questi spunti,
Federico Rampini sulle pagine de La
Repubblica qualche mese fa celebrava
il successo di Etsy che, con 724
milioni di visitatori al mese, è un portale
che dal 2005 si è posto come
obiettivo il commercio e la diffusione
di tutto quanto si definisce handmade.
L’artista contemporaneo negli ultimi
decenni sembrava aver abdicato alle
pratiche manuali nel suo lavoro, di
fatto privandosi in prima persona (e
privando al pubblico di conseguenza)
di tutta una serie di valori che un
tempo costituivano importanti elementi
di distinzione come la ricerca
sulle tecniche, la sperimentazione
diretta dei materiali, l’esercizio e lo
sviluppo di abilità, la perizia artigianale
e la pratica virtuosa. Non che
questi siano scomparsi, semplicemente
sono stati demandati, differiti
e delocalizzati.
Eppure c’è chi intravede anche
nell’arte i segnali di un cambiamento
di rotta. Recentemente, è parso significativo
il progetto A basic human
impulse della Civica Galleria di Monfalcone
nel quale Andrea Bruciati ipotizza,
sulla scia di Sennett, un ritorno
alle pratiche artigianali e un dialogo
più serrato con il design. Ancor prima,
nello Spazio Brown di Milano
riflessioni sul concetto del “fare” hanno
caratterizzato progetti come Let’s
forget about today until Tomorrow di
Marco Tagliafierro o L’uomo ridotto.
È possibile che siamo alla vigilia di un
ritorno della manualità nell’arte?
A rispondere positivamente anche un
progetto padovano in corso, curato
da Guido Bartorelli e intitolato Art/
Tube - creatività a bassa risoluzione,
nel quale alcuni giovani artisti contemporanei
sono messi a confronto
con gli anonimi creativi che affollano
YouTube: una sfida che si fa davvero
dura.
L’arte è alla ricerca di nuove mete? Forse no, ma da Christie’s a
ottobre si sono segnalati risultati sorprendenti per i tre appuntamenti
dedicati all’arte islamica (Art of the Islamic and Indian Worlds,
Oriental Rugs and Carpet, Indian and Islamic Works of Art and
Textiles) che hanno totalizzato a Londra un gran totale di quasi 16
milioni di sterline, con l’82% di venduto (per valore). Il primo round
ha conseguito oltre 11 milioni di sterline, praticamente stracciando
la stima iniziale di 8, con un catalogo (comprendente circa 50 lotti
dalla collezione di Mohammed Said Farsi) dedicato a opere e oggetti
d’arte di un periodo inquadrabile tra il IX e il XIX secolo. Top
lot dell’evento, che non ha dimenticato di dedicare due sezioni,
anch’esse molto apprezzate, all’arte ottomana e indiana, è stata
una porta egiziana intagliata in legno e avorio della seconda metà
del XIII secolo, battuta per oltre 1 milione di sterline. Anche da Sotheby’s,
sempre nella capitale britannica, l’arte islamica ha dato ottimi
risultati. Un’asta in due sessioni ha totalizzato oltre 18 milioni
di sterline, il più alto esito mai realizzato per questa categoria, cui
vanno ad aggiungersi i 7 milioni battuti per la Princely Collection.
Top lot e top price un pugnale spagnolo del XV secolo, un rarissimo
Nasrid Ear-Dagger: stimato 600-800.000 sterline, è stato aggiudicato
per 3,7 milioni.