STORIA DELLA MUSICA

passo con le tecniche costruttive dell’organo tedesco, ben più avanzato di quello italiano. Maestri della toccata tedesca
furono Reinken, Tunder, Buxtehude e Bach. Con loro entrò in uso l’accoppiamento (solo organistico) tra la toccata e la
fuga. Lo stile della toccata per strumento a tastiera ha riscontro nei ricercare per liuto, meno frequentemente nelle
raccolte per viola.
Composizioni per ballo
Fin dal ‘400 i balli, al centro delle cerimonie di corte, ma anche nelle riunioni dei nobili e nella vita di società della
classe media, erano accompagnati da musica strumentale, ma sino al XVI sec, con la stampa, non ci sono giunte molte
composizioni, essendo per lo più improvvisate o manoscritte. Negli usi esecutivi le danze erano a gruppi contrastanti di
2 o 3: lenta e binaria la prima, danzata con portamento solenne, mossa e ternaria la seconda, danzata con grazia e
leggerezza o esuberanza. Classici erano gli accoppiamenti pavana e gagliarda, poi passamezzo e saltarello. In questo
periodo si affermarono l’allemanda e la corrente.
Variazioni
Grande impiego per la musica strumentale del ‘500 ma soprattutto del ‘600. Si distinsero le variazioni su basso (basso
ostinato di 4, mai più di 8 battute con variazioni alla voce superiore, come nei ground, passacaglie e ciaccone
dall’andamento ternario) e le variazioni melodiche (…un po’ delle solite chiacchere sulle variazioni…).
Da ricordare le diferencias spagnole, basate su noti motivi popolari e le variazioni su canzoni popolari inglesi di Byrd.
In Italia all’inizio del XVII sec. si chiamavano “partite” le variazioni costruite su melodie note (La Follia, Il Ruggero,
La Monica, La Bergamasca…), che spesso avevano carattere di danza.
Una parte non piccola della musica liturgica per organo era costituita da variazioni su cantus firmus (cattolici) o corali
(luterani). Il procedimento di alternare parti organistiche al più comune repertorio gregoriano diede origine alla
composizione delle messe d’organo. Analogamente nelle chiese luterane nacque il Choralvorspiel (preludio al corale),
con le melodie del corale, a valori larghi, usato come cantus firmus, mentre le altre voci svolgevano il contrappunto. Il
coronamento e la conclusione storica di questo tipo di composizioni furono le 150 composizioni organistiche su corale
di Bach
I COMPOSITORI
Alcune connotazioni accomunano i compositori di musica strumentale del ‘500 e primo ‘600:
- scrivevano per lo strumento che praticavano come esecutori, e l’invenzione musicale rispecchiava la tecnica
- non erano molti a scrivere sia musica vocale che strumentale. Eccezioni i Gabrieli, Byrd, Sweelinck, Scheidt
I liutisti
Tra le spiegazioni della diffusione del liuto nella civiltà rinascimentale e post rinascimentale vi erano la facilità di
maneggio dello strumento, la facilità del suo impiego grazie alle intavolature, il suono dolce e rotondo di dimensione
cameristica, la possibilità di usarlo anche come strumento solista.
La scuola liutistica italiana durò circa 100 anni, a partire dall’inizio del XVI sec. I primi strumentisti furono Spinacino e
Dalza. Famoso improvvisatore e compositore fecondo fu Francesco Canova da Milano. Anche Vincenzo Galilei, padre
di Galileo, scrisse per liuto.
Nella produzione liutistica francese dopo il 1550 ebbe grande importanza la musica da ballo e gli airs de cour. Tra i
nomi più noti Adrian Le Roy, anche editore, mentre nella successiva generazione i cugini Gaultier. La tradizione
liutistica francese influenzò la nascente scuola clavicembalistica.
In Germania il liuto ebbe lunga fortuna, fu infatti usato come strumento solista sino alla prima metà del ‘700. Tra i noti
compositori per liuto tedeschi, Schlicht, Neusiedler, Weiss, Telemann e Bach.
La produzione liutistica inglese fu dominata tra il XVI e il XVII sec. da Dowland.
In Spagna per gran parte del ‘500 ebbe successo la vihuela de mano, simile al liuto. Noti compositori Luis de Milan,
Luis de Narvaez, Antonio de Cabezon. Negli ultimi anni del secolo la vihuela de mano fu soppiantata dalla guitarra
espanola a 5 corde
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