contemporary art magazine issue # sixteen december ... - Karyn Olivier

Tue Greenfort, Plant Oil Circulation - After Hans Haacke 1969, 2007 - courtesy: Johann König, Berlin
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Climate is climate is climate?
Art and climate change
as a closed system
_Raimar Stange
L’arte si confronta con il clima e ne deduce
insospettate analogie. Raimar Stange
traccia i paralleli fra il cubo bianco e le
condizioni dell’atmosfera, attraverso una
serie di lavori emblematici che spingono
a riflettere sui concetti di sistema chiuso,
surriscaldamento globale, flussi e interconnessioni,
ma anche sulla mendacia
delle foto dei SUV in paesaggi sublimi e
sulla categoria estetica del sublime come
prevaricazione autorizzata. Insomma, un
bilancio sul peso ecologico dell’arte, con
proposte e autocritiche.
Lo spazio della galleria è praticamente vuoto, la cellula chiusa di
un white cube, in condizioni pressoché virginali. Tuttavia, quando
un visitatore entra, una palla metallica di 70 cm di diametro
inizia a rotolare per la stanza. È guidata da un motore interno
che riceve il segnale da un rilevatore di movimento. Il globo non
è propriamente lento, ma fila dritto contro il muro, sbatte, e il
contatto lo fa rimbalzare all’indietro, come una palla da biliardo.
La cosa va avanti fintanto che qualcuno è presente in galleria. Le
pareti iniziano a mostrare segni di usura, dovuti all’impatto con
la sfera. Hanno perso un po’ di intonaco e di pittura; le prese a
muro e i battiscopa sono danneggiati. Con l’installazione 360º
Presence (2002), l’artista danese Jeppe Hein è riuscito a creare
una pungente parabola della catastrofe climatica. Come la cellula
del white cube, il nostro sistema ecologico globale è un sistema
chiuso; in entrambi i casi, è l’essere umano che, con le sue azioni,
sta portando, lentamente, ma inesorabilmente, il sistema al
collasso finale. Gli ultimi dati dell’IPCC (Intergovernmental Panel
on Climate Change) indicano che le emissioni di CO2 presto si
tradurranno in un aumento di oltre 2°C della temperatura media
terrestre. Non c’è dubbio che, da questo intensivo riscaldamento
globale, risulterà il cosiddetto “effetto serra incontrollato” –
sempre che non sia già accaduto.
Il mondo come sistema chiuso compare anche nell’installazione
di Tue Greenfort Plant Oil Circulation – After Hans Haacke
1969 (2007). Il pezzo richiama subito Circulation di Hans
Haacke (1969): in entrambi i lavori, alcuni tubi trasparenti
sono aggrovigliati sul pavimento in un sistema intricato e
interconnesso. In entrambi, dei liquidi vengono pompati nei tubi.
Se Hans Haacke ha usato l’acqua, Tue Greenfort ha scelto un olio
vegetale. L’olio, come il serbatoio di gas da cui viene pompato,
viene dall’autobus utilizzato anche nel lavoro Free Public Bus
Line (2005) dell’artista danese. Durante la mostra “A Whiter
Shade of Pale” (2005), Greenfort ha avviato una linea di autobus
tra due cittadine della Germania. Gli ospiti potevano viaggiare,
in maniera ecologica, gratis. Con Plant Oil Circulation, il suo
ultimo lavoro, Greenfort tesse un fitto dialogo con un pezzo della
moderna storia dell’arte. Hans Haacke ha cercato un’immagine
essenziale e convincente della società – basandosi su quello che
Niklas Luhmann ha definito “un sistema chiuso”. Tue Greenfort
riflette su quest’idea e va oltre, integrando nel sistema chiuso la
possibilità di un’alternativa ecologica. Per Greenfort, non è solo
la società umana, ma il mondo stesso a essere chiuso. Quindi
Plant Oil Circulation – After Hans Haacke 1969 si pone allo stesso
livello di riflessione dell’attuale ricerca teoretica sull’ambiente,
la quale sostiene che il nostro ecosistema è un sistema chiuso
e interconnesso chiamato Terra, sul quale anche il più piccolo
cambiamento può avere conseguenze di vasta portata.
L’artista berlinese Christine Würmell si ricollega al lavoro di
Greenfort, tracciando una connessione tra l’ecologia, la vita
quotidiana e il sistema artistico. Tuttavia, a differenza di Greenfort,
si concentra sui simboli usati all’interno di ogni sistema. Un
esempio è la serie di collage “Easy Rider” (2008). Due collage,
appesi uno sopra all’altro, sono accostati in modo da creare quello
che equivale a un “circuito chiuso”. Quello superiore è riempito
di pubblicità per gli inquinanti SUV, che sono stati fotografati in
paesaggi idilliaci “in modo naturale”. L’artista, con il digitale, ha
tagliato via il veicolo, rimpiazzando la sagoma con testi, statistiche
ecc. volte a criticare la scarsa sostenibilità ambientale delle
“auto-mostro”. Il collage inferiore mostra i SUV in una cornice
più urbana. Anche qui le vetture sono state ritagliate, e al loro
posto campeggia un pezzo di verde della pubblicità di sopra. La
dialettica critica e l’incorporazione armonica vanno così di pari
passo; la provocazione politica appare incorniciata dall’affermativa
estetica commerciale. Il sistema simbolico acritico della pubblicità,
il collage artistico e la provocazione politica sono intrecciati, tanto
da apparire quasi intercambiabili. Nel suo famoso libro The Politics
of Aesthetics (2003), il filosofo francese Jacques Rancière ha
tracciato una distinzione tra “montaggio dialettico” e “montaggio
simbolico”. In quella sede ha sostenuto che il montaggio simbolico
– che enfatizza le somiglianze piuttosto che le divergenze – ha
sostituito il montaggio relativamente critico e ambivalente di artisti
come Martha Rosler. Christine Würmell, tuttavia, svela la necessità
di considerare le due forme di montaggio insieme; nel sistema
chiuso (simbolico) del nostro mondo sono necessarie l’una all’altra.
Ciò che accomuna i tre artisti è la tendenza a non considerare
la catastrofe climatica come un fenomeno lontano dall’arte, e
viceversa. È il punto sottolineato anche dall’artista viennese Anna
Meyer. Per esempio: la facciata di un edificio demolito dipinta
su una fascia di plastica dai colori brillanti; di fronte alla rovina,
assi deformate, finestre, copertoni di automobili… Il tipico
scenario che noi europei occidentali vediamo sfarfallare sugli
schermi televisivi alla fine di ogni estate: i postumi di un tornado
– calamità che, a causa del cambiamento climatico globale, sta
diventando sempre più frequente e devastante. Sotto la tela
cerata traspaiono le parole: “Powered by Gordon Matta-Clark”.
L’artista guida la nostra attenzione sui paralleli tra i famosi
“Cuttings” dell’artista americano Matta-Clark – decostruzioni di
muri di edifici – e il potere distruttivo dei tornado – soprattutto
negli Stati Uniti. Una buona risposta alla cattiva notizia che il
clima attuale è opera dell’uomo; una “seconda natura”, come
la chiamava Karl Marx. Certo, lo stesso vale per l’arte; per
questo entrambi sono rappresentati in modo così polemico e
penetrante. E quando si tratta di cambiamento climatico, l’arte
non è innocente come si potrebbe pensare. Dopotutto, il filosofo
tedesco Immanuel Kant aveva definito la categoria estetica del
“sublime” mediante il senso della “intelligibile” superiorità
dell’essere umano sulla natura. È il trionfo di una hybris ancora
prevalente, che ha un ruolo non secondario nell’incombente
catastrofe climatica – e anche questa è “alimentata ad arte”.
Un parallelo simile tra arte e cambiamento climatico si trova
nella serie di lavori di Rirkrit Tiravanija “Untitled (Less Oil More
Courage)” iniziata nel 2003. Un’affermazione che riecheggia
il titolo fu originariamente presentata alla Biennale di Venezia
del 2003, in forma di olio con un lettering bianco su fondo
nero. All’epoca, e nel contesto di quella importante mostra, il
pezzo apparve come un chiaro rifiuto della moda pittorica allora
imperante. In occasione dell’ottava Sharjah Biennial, nel 2007,
la stessa frase è stata stampata su segnali montati lungo le
strade degli Emirati Arabi Uniti. Questa volta, il contenuto si
riferiva a qualcosa d’altro: “less oil more courage” diventava una
netta critica dell’economia petrolifera – e proprio nella “tana
del leone”. Un anno dopo, l’artista thailandese espose il suo
lavoro al Thurgau Canton Art Museum, nel corso della mostra
“Moral Fantasies – Art and Climate”. Oggi la stessa frase si può
leggere su una maglietta, tra l’altro acquistabile, che segnala
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l’identificazione personale con l’affermazione critica in primo
piano. La t-shirt, come “seconda pelle”, sottolinea la natura tanto
modaiola quanto sovversiva del procedimento.
Il momento di “fare un po’ di pulizia” – o di riflettere sul
coinvolgimento (negativo) dell’arte e dell’attività artistica nel
cambiamento climatico – non presuppone solo la nozione della
Terra come sistema chiuso e interconnesso cui mi sono riferito
più di una volta. È soprattutto l’azione di autocritica che rende
questi lavori artistici sul cambiamento climatico credibili e
convincenti. Un ultimo esempio è il progetto di Dan Peterman
My Sky (2007). Due giganteschi biglietti aerei pendono dal
soffitto dello spazio espositivo: biglietti per un viaggio andata e
ritorno da Londra, fatto di recente dall’artista in persona. Dan
Peterman, che vive e lavora a Chicago – e dalla fine degli anni ’80
realizza progetti artistici ecologici, come un arredo minimalista
in plastica riciclata – ha colpevolmente calcolato la sua traccia di
monossido di carbonio risultata dal volo. Una seconda fase di My
Sky consisterà nel piantare gli alberi necessari a compensare le
emissioni carboniche calcolate da Peterman. Il cerchio si chiude;
la critica auto-accusa sfocia in un’attività produttiva. Ed è giusto
che sia così!
Art comes face-to-face with the climate
and draws unexpected analogies. Raimar
Stange traces parallels between the white
cube and the condition of our atmosphere,
in a series of emblematic pieces that encourage
us to think about the concepts of
a closed system, global warming, currents
and interconnections, as well as the mendacity
of photos showing SUVs in sublime
landscapes and the aesthetic category of
the sublime as an authorized prevarication.
In short, a rundown on the ecological
footprint of art, with proposals and selfcriticism.
The gallery space is nearly empty, the closed cell of a white cube,
its state approaches the virginal. But then a visitor enters, and a
metal ball 70 cm in diameter starts rolling through the room. It is
driven by a built-in motor, which receives a signal from a motion
detector. The movement of the globe-like object is not exactly
slow as it traverses the room. It rolls straight into a wall, and
like a billiard ball upon contact, rebounds on to its journey. This
goes on as long as someone is present in the gallery. The walls
are starting to show sign of wear and tear from contact with the
Dan Peterman, My Sky, 2006 - courtesy: Andrea Rosen Gallery, New York, © Dan Peterman