contemporary art magazine issue # sixteen december ... - Karyn Olivier

MOUSSE / FABIAN MARTI / PAG. 38
I AM MANY
_ Vincenzo de Bellis
L’immaginario delle fotografie e delle
sculture di Fabian Marti nasce da fonti
diverse e riflette il suo interesse per una
gamma molto ampia di soggetti. Dai simboli
gotici e medievali ai romanzi pulp di
fantascienza, Marti si appropria di immagini
esistenti per ricombinarle, creando
un universo eccentrico e personale, in cui
temi classici come la vanitas s’intrecciano
alla cultura e alla musica underground.
Teschi, croci, rune, cristalli, ma anche vasi
minoici e donne africane popolano un lavoro
in cui il principio e la fine convergono
nella personalità dell’artista. Vincenzo de
Bellis ha di recente intervistato il giovane
“artisti” svizzero, trovandosi a conversare
con più di una persona…
Chi è Fabian Marti?
Il mio principale mezzo di comunicazione. Questa stessa domanda
rappresenta una parte integrante del mio lavoro. A mio modo
di vedere, nasciamo come secchi vuoti, che si riempiono di
esperienze nel corso della vita. La domanda, allora, diventa: chi
voglio essere? Io voglio costruire me stesso. Arte come modo di
crearsi un’identità.
Cosa significa concretamente?
Che l’artista deve inventare se stesso. Penso che si debba
aspirare a vivere una vita biografica, cioè degna di essere scritta.
Questa idea, che per me ha un’importanza fondamentale, viene
da Nietzsche. Sono interessato alla questione di cosa significhi
essere un artista. L’artista è una persona che decide di diventare
un artista. Il mio compito principale nella vita è pormi il problema
di me stesso. Ogni mio lavoro diventa parte della mia identità
o delle mie identità. Cerco di immergermi totalmente nella mia
pratica. È un po’ come un metodo di recitazione: divento il mio
lavoro. Cerco di convincermi, almeno per un periodo limitato, che
ciò che faccio sia importante.
In questo modo la tua storia diventa, in senso stretto, la storia
del tuo lavoro. Puoi raccontarmi come hai iniziato?
Poco tempo fa ho letto un articolo su Huysmans. A quanto pare,
prima di scrivere il suo libro più memorabile, À rebours, lavorava
alla maniera di Zola, tanto che aveva aderito al gruppo dei
Naturalisti. Poi, a un tratto, decise di compiere una svolta verso una
letteratura radicalmente estetica, il movimento decadentista: Des
Esseintes, il protagonista del libro, vive segregato in un castello
di campagna, un mondo ermetico in cui persegue le sue oziose
ricerche. Una bella immagine dell’artista attuale, che è libero di
esplorare qualsiasi direzione gli venga in mente. In questa storia,
vedo un parallelo con la mia vicenda biografica. Ho iniziato usando
la macchina fotografica per documentare ciò che mi circondava, il
mio ambiente, o milieu. Scattavo un sacco di foto dei miei amici.
Poi ho deciso di cambiare. In fin dei conti, il mio ambiente non era
troppo entusiasmante. Ho iniziato a spostarmi verso un mondo più
artificiale. Un mondo di cui sono l’unico responsabile.
La fotografia è il tuo principale mezzo. Usi sia fotografie tue che
immagini preesistenti. Cosa risveglia il tuo interesse nei due casi?
Quando uso immagini trovate, le prendo da fonti diverse. Per
le fotografie di un lavoro molto recente, ho usato le riviste
degli anni ’50 e ’60, mentre per la mia serie “Kaleidoscope” ho
raccolto copertine di libri pulp degli anni ’70 e ’80 e, in certi casi,
ho trovato le immagini su Internet. La loro provenienza non conta.
M’interessa che inneschino qualcosa, sul piano della forma o del
contenuto. Cerco di trovare un significato simbolico nella loro
stranezza, un senso che non si rivela subito.
Come hai accennato, creo anche le immagini da solo, con la
macchina fotografica o lo scanner. Come nel caso di quelle già
Fabian Marti, Breeding Period, 2008 - courtesy: Galerie Peter Kilchmann, Zurich
esistenti, cerco di “trovare” i miei scatti. Di solito ho un’idea
piuttosto vaga dell’effetto che voglio ottenere, e lascio che la
coincidenza giochi un ruolo nel processo. Cerco anche di seguire
direzioni che mi sembrano bizzarre o ambigue, tento di non
riprodurre quello che già so.
Il tuo immaginario è zeppo di segni misteriosi ed esoterici. Penso,
per esempio, a Komposition für einen Rhombus, in cui il profilo
specchiato di una donna nuda si punta una spada al petto, oppure
a The Rise, con l’impronta dorata di un pollice su un fondo nero...
Credo che tutta la conoscenza dei secoli passati, l’intera
cronologia, sia inscritta nell’umanità. Non tanto come conoscenza
intellettuale, piuttosto a livello instintuale, sentimentale. Ho avuto
questa intuizione durante un trip indotto da funghi psicoattivi.
Per me è una prospettiva affascinante, apre una simultaneità
che lascia spazio alla possibilità del viaggio mentale nel tempo.
Per questo, nel mio lavoro, sfrutto molto gli archetipi. Forse con
esoterismo intendi questo. L’idea è di avvincere lo spettatore
utilizzando simboli antichi e universalmente noti. Tutto però si
gioca su un livello puramente formale. In Komposition für einen
Rhombus, il titolo dice tutto; anche se ti sembra di riconoscere
un’iconografia cristiana, il fulcro è il rombo bianco formato dalle
spade incrociate, una forma astratta di base. Adoro i paradossi,
gioco con l’aspettativa che un simbolo debba veicolare qualcosa
di ben definito, ma cerco di portarlo al punto in cui si rovescia nel
suo contrario. Per esempio, in uno dei miei lavori più conosciuti,
Brot & Tod, sono accostate due forme (un teschio e un toast), una
semplice composizione che diventa complessa ed eccentrica.
Nel 2007, hai presentato per la prima volta delle sculture. Come
si legano alle fotografie nello spazio espositivo?
Ho iniziato a scolpire l’argilla come modo di espandere la mia
pratica. Volevo lavorare in un modo più diretto, sporcarmi le mani.
Mi sembrava una cosa atavica, creare qualcosa dalla terra. Lo
paragono al materiale che uso in fotografia: in qualche modo è
sporco anche quello. Nella fotografia c’è un lato materiale che cerco
di svelare servendomi del suo nemico numero uno: la polvere.Tento
di accentuare questo aspetto materiale affiancando la fotografia
alle ceramiche. Per esempio, nella mostra di un anno fa alla Galleria
Fonti di Napoli, ho assemblato una passerella fatta di quindici lastre
quadrate di argilla umida. Ci camminavo sopra, indossando i miei
stivali di cuoio e un bastone da passeggio.Questa passerella iniziava
dalla porta della galleria e percorreva l’intero spazio. Le impronte
che lasciavo si sono seccate nel corso dell’esposizione. Alla fine
della mostra, Fonti ha fatto cuocere le lastre.
Spesso usi lo scanner invece della macchina fotografica,
posizionando le immagini e gli oggetti in modo che si imprimano
direttamente sul vetro. Inizi a scannerizzare con il coperchio
sollevato, creando così uno sfondo scuro. Quando lo fai con le foto
analogiche, il processo enfatizza la materialità della fotografia
attraverso le macchie di polvere, mentre quando piazzi direttamente
l’oggetto sulla superficie il risultato è che gli oggetti rappresentati
sembrano tridimensionali. Qual è la ragione di tutto questo?
Serve a dare all’oggetto una presenza iconica.
Se penso a Kaleidoscope o ad Abstract Cross, solo per citarne
un paio, mi viene da dire che, spesso, concepisci i tuoi lavori in
termini di serie. Se è così, questo implica un gusto nell’archiviare
i materiali e accostarli, facendo emergere un senso. Puoi dirmi da
cosa nasce questo meccanismo di archiviazione e come si applica
al tuo lavoro?
Non penso che il mio lavoro abbia a che fare con l’archiviazione.
Uso l’archivio della storia e della storia dell’arte come una sorta
di memoria collettiva. Nel mio lavoro, puoi trovare immagini che
funzionano come icone, e sono autosufficienti.
Come il mio pezzo Hundhund, che significa “canecane”. Il titolo
è tautologico quanto l’immagine; due negativi sovrapposti dello
stesso cane. In altri casi, realizzo quelle che si potrebbero
chiamare serie, e uso un certo tipo di immagine. A volte mi
sembra che l’idea abbia bisogno della serialità per sviluppare il
suo contenuto. Alcuni tipi di immagine devono essere svolte per
mostrare il loro spettro completo.
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Nella tua recente personale da Peter Kilchmann, hai presentato
una serie di immagini che raffigurano vasi minoici, rilievi e
sculture in bronzo di cavalli, o donne africane che danzano
in stato di trance. Come nei lavori precedenti, hai distorto le
immagini applicando del nastro adesivo...
Non la definirei una distorsione, si tratta piuttosto di un livello
astratto sovrapposto alle immagini trovate. Lo considero una
virtuale moltiplicazione dei livelli di lettura, e le linee servono a
unificare gli scatti. I due spazi della galleria funzionano come vasi
comunicanti. In uno di essi, si trovano immagini che rimandano alla
cultura occidentale. Nell’altro, si possono vedere cinque immagini
in formato gigante di una donna africana in trance. Questo lavoro,
intitolato Spiritual Me, rappresenta l’artista che produce il suo
lavoro in condizione di totale perdita di controllo.
Certo, si tratta di una visione romantica, ma per me rappresenta
un ideale. Le ballerine circondano una struttura in legno al centro
della stanza, che riprende l’idea della linea perché collega diversi
piedistalli sui quali poggiano sculture in ceramica. La struttura
organizza lo spazio e può essere vista come una macchina della
follia, che permette a di raggiungere uno stato di alterazione
mentale.
Chi è Martin Biafa?
Martin Biafa è uno dei miei alter ego, un anagramma del mio
nome. Ho iniziato la mia carriera decostruendo il mio nome. Si
compone delle stesse lettere, ma indica e simboleggia un’altra
identità. Come il titolo della mia mostra alla Galleria Fonti di
Napoli, “Sono Legione”, io sono una legione, una moltitudine.
Quindi, tra “Fabian Marti Vs. Marti Biafa”, con chi sto parlando
adesso?
Stai parlando con “Vs”.
The imagery in Fabian Marti’s photographs
and sculptures comes from different
sources and reflects his fascination with a
wide range of subjects. From medieval and
Gothic symbols to pulp sci-fi novels, Marti
appropriates existing images and mixes
them up to create a strange and personal
world composed of classical themes such
as vanitas, and underground culture and
music. Skulls, crosses, runes, crystals,
but also Minoan vases and African women
populate a body of work whose beginning
and end coincide in the artist’s persona.
Vincenzo de Bellis recently interviewed
the young Swiss “artists”, realizing that
he had to talk with more than one…”
Who is Fabian Marti?
My main medium. An integral part of my work consists of exactly
that question. I believe that in the beginning we are empty
buckets, and throughout our lifetime this bucket gets filled with
experience. So the question is who do I want to be? I want to
make myself. Art as a way to create an identity.
What does that mean, exactly?
The artist has to invent himself. I think that it is best to lead a
biographical life, which means a life that is worth being written
down. This idea, which I like very much, goes back to Nietzsche.
I’m interested in the question of what it means to be an artist.
The artist is someone that decides to become an artist.
All I do in my life is to be preoccupied with myself. Every work
I create becomes part of my identity or my identities. I try to
immerse myself in my work. Maybe it is a bit like a Method
Acting. I become my work. At least temporarily, I try to believe
that what I make is important.