Catalogo Aliens - 2013 - Frattura Scomposta

MOSTRA IDEATA DA
PARTNER TECNICI
ALIENS
ALESSANDRO SCAPINELLI
ALESSIO BOLOGNESI
ANDREA VALSECCHI
ANGELA VIOLA
ANNA CARUSO
ANNA FRIDA MADIA
ANNACLARA DE BIASE
ANNALÙ
ANTONIO DE LUCA
CRISTIANO DE MATTEIS
EMILA SIRAKOVA
ENRICO ROBUSTI
FULVIO MARTINI
GIANCARLO MARCALI
GIANLUCA CHIODI
GIUSEPPE BIGUZZI
ILV - IRENE LUCIA VANELLI
LUCA SKAWALKER
LUIGI LEONIDI
MARCO REA
MASSIMO FESTI
MOMÒ CALASCIBETTA
RAFFAELLA FORMENTI
ROBERTA UBALDI
ROBERTO FONTANA
SILVANO BRUSCELLA
SILVIO PORZIONATO
VALENTINA CHIAPPINI
VANIA ELETTRA TAM
VANNI CUOGHI
WILLOW

ALIENS
LE FORME ALIENANTI DEL CONTEMPORANEO
La pratica artistica contemporanea si situa in un contesto sociale
caratterizzato da due fenomeni complementari e ugualmente significativi, da
una parte il predominio delle immagini sul linguaggio e dall’altra il diffondersi
dell’esperienza della solitudine e dell’indifferenza, dimensioni esistenziali che
non riconducono più necessariamente all’altro di sé.
Le identità sono sempre più provvisorie e legate alle funzioni transitorie
degli utenti dei vari sistemi: stradale, commerciale, bancario, ecc...
Siamo soli ma al tempo stesso accomunati agli altri da relazioni di
tipo contrattuale o da norme prescrittive.
L’esercizio di queste pratiche solipolistiche ha trasformato la
coesistenza sociale in un arcipelago di individualità contigue ma
distinte, sostanzialmente indifferenti le une alle altre.
Entrambi i fenomeni hanno origine nella facilità di accesso alla
comunicazione visiva di massa e nel voler esaltare e rivendicare
la libertà individuale, diffusa e supportata dagli apparati
pubblicitari. Se nell’età moderna il rapporto tra l’individuo e
la massa viveva nell’alternanza di due movimenti antitetici, la
perdita del soggetto nella folla o al contrario, il potere assoluto
rivendicato dalla coscienza individuale, nelle forme di solitudine
della modernità, l’antitesi vitale della contemporaneità si è
oggi ridotta a forme banali di pseudo socialità e ad una sterile
contrattualità con il mondo.
Come alieni ci muoviamo sulla terra, osservando tutto con distacco, leggiamo libri e giornali
in metropolitana senza accorgerci (o meglio dire non volendo accorgercene) del violento
scippo che si sta consumando accanto a noi. Ma la vera tragedia risiede nel fatto che
non riusciamo a capire neppure ciò che stiamo leggendo. Invitiamo amici a pranzo o a
cena, dispensiamo loro sorrisi ed attenzioni, poi li incrociamo il giorno dopo per strada e
ci volgiamo dall’altra parte per non doverli salutare, o peggio fermarci a scambiare poche
parole che, spesso e volentieri, riteniamo possano tradursi in inutili convenevoli.
Dopo l’11 settembre 2001 se vogliamo, tutto ciò si è acuito, all’indifferenza ed al
fastidio si è aggiunta la paura, il terrore del diverso, guardiamo gli altri come potenziali
nemici, ci muoviamo con circospezione... Meglio rimanere a casa e nascondersi
dietro al monitor di un computer e navigare in internet per ore, magari con identità
fittizie, proponendoci agli altri come eroi moderni senza macchia e senza paura, per
tornare il giorno dopo i soliti alieni, visitatori timorosi del pianeta terra.

ANGELA VIOLA
Nella serie Ma(ta)sse, Angela Viola rappresenta l’archetipo del femminile come contenitore che
protegge. […] Figure femminili vengono rapportate a un filo rosso che si attorciglia al corpo
creando delle matasse che formano una sorta di bozzolo in cui ci si possa rigenerare come in
una nuova nascita 1 . […] Il volto nascosto dal caschetto nero […] caratterizza le figure della serie
Ma(ta)sse, in cui il bagaglio di ricordi ed esperienze diventa una vera e propria massa aggrovigliata
di fili rossi che protegge, sostiene e spesso disegna essa stessa il corpo delle giovani donne 2 .
1 Da una nota di Andrea La Carpia.
2 Da una nota di Annalisa Bergo.
MA(ta)SSE #1
2012
200 x 150 cm
Acrilico su tela
ANNACLARA DI BIASE
Con la mia ricerca artistica intendo esaminare come il corpo si trasforma attraverso
i movimenti e l’abbigliamento. Il lavoro ha inizio con una azione performativa
documentata da fotografie, video e tele ad olio. Le fotografie sono tracce di performance
transitorie nello spazio domestico o naturale. Il corpo della modella è sottoposto a
trasformazioni temporanee nelle quali stabilire nuove connessioni con il mondo
dell’iconografia classica, del cinema, del teatro e della musica. Abiti, accessori e tutto
ciò che può portare al mutamento dell’immagine sono di fondamentale importanza.
I capi d’abbigliamento, utilizzati nelle performance, sono vestiti vintage o vestiti che
confeziono personalmente.
JUNE
2011
50 x 70 cm
Olio su tela

ROBERTO FONTANA
Un percorso di analisi e ricerca sulla
difficoltà a reperire il senso intimo
e profondo del proprio essere ed
esistere, attraverso l’autoritratto
come credibile icona elettiva di una
condizione esistenziale, di un disagio
non solo personale ma rappresentativo
dell’intera società contemporanea.
La propria immagine riflessa, lo
sdoppiamento del proprio Io in
continua ricerca, attraverso una pittura
fisica e d’istinto che cerca espressione
attraverso il gesto e la forma.
THREE TIMES ME
2011
193 x 105,5 cm
Tecnica mista su tavola
ANNA CARUSO
Il lavoro si concentra sulla mescolanza tra cultura materialista occidentale e
folclore e religione tradizionali: una madonna/cappuccetto rosso subisce una
trasfigurazione a seguito di una ipotetica “chiamata”, a cui non ha dato ascolto.
La sovrapposizione di sfondo, animale e corpo umano rende la simultaneità
dell’evento, togliendo realismo compositivo e rappresentativo, e cala la scena
in una dimensione surreale. Il soggetto, che ad un primo sguardo ricorda
un’iconografia religiosa occidentale, si carica di significati inaspettati e costringe
l’osservatore ad una continua messa a fuoco dell’immagine, nel tentativo di
decifrarne ogni messaggio.
CHIAMATA SENZA RISPOSTA
2012
70 X 70cm
Acrilico su tela

SILVIO PORZIONATO
Tentativo di rappresentare, attraverso il corpo nudo, l’anima della figura.
UNTITLED
2012
170 x 130 cm
Olio su tela
CRISTIANO DE MATTEIS
“Il peggior peccato contro i nostri simili non è l’odio,
ma l’indifferenza: questa è l’essenza della disumanità”.
George Bernard Shaw
INHUMANITY
2012
83 x 83 cm
Tempera acrilica su base fotografica originale, stampata
su carta ed applicata su supporto in legno

VANIA ELETTRA TAM SOSpesa rappresenta lo stato instabile della società contemporanea, la condizione di preoccupazione
di coloro che dipendono dalla volontà altrui, da quelli che sfruttano e non sanno scommettere su
chi è destinato ad andare via.
Equilibristi su un filo, intenti a sorreggere le proprie fragilità. Persone precarie costantemente alla
ricerca di equilibrio, sospese fra la dura realtà quotidiana e la ricerca di una stabilità.
Provvisorietà espressa attraverso colori indecisi e sottolineata dall’ombra incerta del futuro.
SOSpesa 1
2011
265 x 190 cm
Olio su tela
ANNALÙ
L’isolamento e’ uno stato mentale non fisico, un pensiero costante
come un dolore terebrante che ci può consumare tanto che quel
pensiero sembri non più una proiezione quanto piuttosto un
ricordo.
Il ricordo di un dolore, un silenzio del cielo prima del temporale,
delle foreste prima che si levi il vento, del mare calmo della sera,
di quelli che si amano, della nostra anima,
poi c’è un silenzio che chiede soltanto di essere ascoltato.
Questa e’ l’atmosfera creativa in cui nasce e si sviluppa S.O.S.:
imprimere all’osservatore dei messaggi subliminali , come le
immagini di Rorschach o l’onda Theta , lungo quella lunga,
sfibrante, coinvolgente macchia di colore nero che si propaga
dalla scultura ( o dal corpo acefalico del personaggio?) vuole
creare in Lui la sensazione di essere solo di fronte ad un mistero,
il mistero del pensiero, l’oscurita’ della solitudine.
Ecco il perché di una linea che evochi l’elettroencefalogramma
umano tipico
nelle fasi di sonno REM (sonno con sogni) e nelle fasi di pensiero
caratterizzate da grande produzioni di immagini mentali (stato
ipnagogico, stato di intensa creatività ed emozione):
l ‘Artista vuole creare un onda materica che sia onda di emozione,
un graffito nero che sia immagini da consegnare alla memoria e
all’immaginazione, vuole confinare l’alienazione del personaggio
nel sussulto di un pensiero esistenziale da racchiudere in una
bottiglia come un estremo SOS!
(Testo di Marco Castellano)
SULLA OSCURITÀ DELLA SOLITUDINE (S.O.S)
2012|2013
90 x 350 x 45 cm
Corteccia, vetroresina, smalto, rame, carta

MASSIMO FESTI
“..è come dentro un circo, con una scenografia che non si sceglie:
tutto quel dramma che s’improvvisa con leggerezza, senza
ostentare equilibri, lasciando libere le difese.
Che a camuffare le paure, si diventa disabili.”
(Solidea Ruggiero)
SE FOSSI STATA INTERA
SAREBBE MANCATO QUALCOSA
2012
70 x 50 cm
Fotografia digitale,
lambda print su alluminio
LUIGI LEONIDI
Il mio è un lavoro a metà strada tra l’immagine indicale
e quella iconografica. Perciò ho scelto Paperino,
personaggio alienato, come un perfetto rappresentante
del nostro tempo. Un individuo che ha smarrito l’anima e
le proprie predisposizioni naturali, diventando l’artefice del
tracollo della propria esistenza in cui, man mano, crollano
drasticamente anche (falsi) miti e (false) certezze.
SEPUKU SUPERFICIALE CON CALZATURE INADATTE
2012
100 x 100 cm
Olio su tela

EMILA SIRAKOVA
Attraverso disegni e performance l’artista affronta il tema del corpo umano,
proiezione del proprio ego, visione del se e delle proprie emozioni. E’ un corpo
che cerca di guardarsi dal di fuori attraverso pose talmente tese ed attorcigliate
da ricordare le emozioni: quei momenti in cui rannicchiati su stessi pensiamo,
rimuginiamo, cerchiamo di dimenticare o sogniamo. Sono questi i momenti dove
forse si perde di più il contatto col se stesso carne e si cerca di raggiungere quel
se stesso spirito fatto di strati, macchie e colori indefiniti. Anzi, dei non colori.
DIE ENTFREMDUNG
2012
120x80 cm
pastelli e acrilico su
strati di carta oleata
ANTONIO DE LUCA
I miei ritratti urbani, sono scattati velocemente, senza inquadrare
l’immagine nel mirino. Non pretendo di dare risposte, vado a
spasso con la mia ombra cercando altre ombre, non ho bisogno
di una bella luce, mi basta quella che trovo.
TRANSITI
2011
200 x 180 cm (trittico)
digitale su carta cotone su dibond

RAFFAELLA FORMENTI
“VIR TU ALI. Metti in gioco la forza delle ali mentali se non vuoi che la tua mente
resti ammosciata su di una sedia, nutrita a forza da pensieri VIRALI che uccidono il
TU che ti differenzia….”
Una volta solo chi potesse viaggiare ampliava le sue conoscenze spazio-temporali,
più di uno stanziale; solo chi sapesse leggere accedeva alle esperienze di altre vite
archiviate in parole, attraversando così anche il gap spazio-tempo. Ora è anche
l’accesso o meno al virtuale a creare distanze tra i “viaggiatori”, sempre più unificati/
differenziati nella partecipazione spazio-temporale delle esperienze proiettive di un
altrove rispetto alla nostra quotidiana fisicità. Le biblioteche entrano virtuali nelle
case e richiedono un’attiva partecipazione e coscienza per non diventare labirintico
BLOB/blog universale. Anche di relazioni, sempre più agganciate alla Rete e a rapide
traiettorie occasionali.
IN SEDIA MENTI
VIR TU ALI
2013
cantiere di materiali
cartacei a variazione
ambientale
VALENTINA CHIAPPINI
Sono alieno
Sono altro
Non appartenente a comunità alcuna
Non sono dei vostri
Vi guardo con l’unico occhio della mia mente borderline
I pensieri come lame graffiano il colore vomitato.
UNO STATO DELLA MENTE
(dettaglio opera)
2013
dimensioni variabili
Tecnica mista - lame su tela

MARCO REA
Tutti i soggetti delle mie opere appartengono ad un mondo altro.
Tento di rappresentare un’altra realtà, legata ai pensieri o ai ricordi o ai sogni o forse
a mondi diversi e uguali.
Il soggetto di “Fragile” non è una donna ma l’essenza di essa, composta dalla sua
fragilità e la sua intimità. E’ un’indagine di se, un pensiero, una ricerca.
Rappresenta sicuramente quella forma aliena che alberga dentro di noi.
FRAGILE
2012
57 x 77 cm
Pittura spray su
manifesto pubblicitario
GIANLUCA CHIODI
l’opera, in modo ironico e divertente, vuole creare uno spunto di
riflessione sul dilagare imperante della chirurgia estestica e sull’etica
che contraddistingue questo fenomeno contemporaneo che sempre
più trasforma le persone in “perfetti” esemplari da baraccone.
RASSEGNA STAMPA
2011
64 x 46 cm
Fotocomposizione e stampa su carta da quotidiano

MOMÒ CALASCIBETTA
Nella vita tutto quello che scegliamo e
apprezziamo come leggero non tarda a
rivelare il proprio peso insostenibile. Forse
solo la vivacità e la mobilità dell’intelligenza
sfuggono a questa condanna del vivere.
Chi è pesante non può fare a meno di
innamorarsi perdutamente di chi vola
lievemente nell’aria, tra il fantastico e il
possibile: mentre i leggeri sono respinti dai loro
simili e trascinati dalla “compassione” verso i
corpi e le anime possedute dalla pesantezza.
La leggerezza viene dall’unicità della vita che
ci porta a trascurare l’approfondimento e
l’interiorizzazione, ma evitando di prendere
decisioni e posizioni, l’esistenza diventerebbe
insostenibile e insopportabile?
Nietzsche, con il suo “eterno ritorno” applicato
alla quotidianità, ci fa rivivere infinite volte
quello che abbiamo già vissuto nel passato e
che tornerà ad accadere anche in futuro.
Da qui la necessità di esserci ora, di cogliere
le antifone, di non perdersi nulla, di andare
in fondo.
INSOSTENIBILE LEGGEREZZA
2002
186 x 93 cm
Matita su tavola
ROBERTA UBALDI
Mani che cercano di trattenere forme in continua evoluzione,
anime che si materializzano e poi si dissolvono.
SOUL#16
2013
90 x 180 cm (dittico)
Olio su lamiera ossidata

ENRICO ROBUSTI
Come vincere la morte? cosa promettere a questa venditrice di
luce artificiale che la svela e rivela come una radiografia medica?
COME VINCERE IL NERO CUORE
DELLA LAMPADARIESSA?
2011
150 x 100 cm
Olio su tela
ALESSANDRO SCAPINELLI
FULVIO MARTINI
LUCA SKAWALKER
SILVANO BRUSCELLA
Questo dipinto è stato concepito dal gruppo Innaturalista formato Silvano
Bruscella, Fulvio Martini, Alessandro Scapinelli, Luca Skawalker ed esposto
in occasione della seconda collettiva Innaturalista del 2010, curata da
Francesco Porzio, presso la galleria Isarte di Corso Garibaldi 2 a Milano.
La realizzazione del grande dipinto fu resa possibile grazie alla galleria
che mise a disposizione il suo spazio per montare la tela e dipingerla
direttamente in loco, durante il mese precedente l’inaugurazione.
Il dipinto illustra i possibili effetti degli alimenti geneticamente modificati
(OGM), più in generale, racconta un futuro non propriamente felice che
ci attende a causa dell’avidità e della stupidità umana.
La prima parte (Il paese di Jabuticaba) parla di un tempo lontanissimo
e felice in cui l’uomo viveva armoniosamente nella natura. La seconda
(Brain Damage) descrive il laboratorio del progresso. La terza (La scalata)
ne mostra gli effetti su una umanità ebbra di successo e di denaro. La
quarta (Saremo tutti felici) immagina uno scenario futuro, che forse è già
cominciato da un pezzo.
PITTURA GENETICAMENTE MODIFICATA: UNA STORIA O.G.M.
2010
300 x 510 cm
Acrilico su tela

ANNA FRIDA MADIA
La figura di Calipso in riferimento all’Apocalisse (apokalypsis, composto da
apo’ “separazione” e kalyptein “nascosto”, come in Calipso) e la piuma di
pavone, (l’uccello che più assomiglia alla leggendaria fenice) come un occhio
magico in grado di scrutare gli eventi futuri…
Sullo sfondo alcune navicelle spaziali fanno capolino sulle brumose colline…
L’ISOLA DI KALYPTEIN
2012
110 X 75 cm
Olio su lino
GIUSEPPE BIGUZZI
Riuscire a catturare ancora oggi l’attenzione proponendo uno dei soggetti più
sfruttati nella storia dell’arte equivale ad affermare come pretesto il soggetto
stesso.
Attraverso la figura femminile cerco di indagare lo stato emozionale generato
dal quotidiano vivere nella società contemporanea.
La donna diventa simbolo di identità negate, di emancipazioni imposte
preconfezionate ed illusorie, distanti dalla propria natura.
L’impossibilità di interazione, mediante la negazione dello sguardo, tra
soggetto e osservatore determina l’annullamento della funzione attribuita
al soggetto stesso, ad isolarlo ed estraniarlo completamente da ciò che lo
circonda e a renderlo indipendente
I corpi rappresentati non esaltano quindi il desiderio quanto piuttosto il depresso
abbandono del lasciarsi andare secondo l’odierno modello esistenziale.
ROMINA - DITTICO
2012
60 x 200 cm
Olio su tela

WILLOW
POPulatiom
2012
100 x 120 cm
smalto su tela
...una folla in movimento
ALESSIO BOLOGNESI
Anche se sono diverso, non significa che dobbiate farmi la guerra!
THE SFIGGY CRASH
2012
150 x 200 cm
Acrilico su tela

GIANCARLO MARCALI
“Ri(e)voluzione” è a nuova installazione nella quale la mia
ricerca si sviluppa verso lo sbocco di una dimensione più
spirituale. Da una attenta analisi del momento doloroso che
mi ha portato a sezionare in maniera chirurgica l’attimo in
cui tutto crolla e muore, cerco una via per allontanarmi da
questo dolore attraverso una intuizione.
Mesi fa sono venuto in possesso delle radiografie di un’aquila
ferita in Liguria. Mi è venuta in mente la mia installazione “La
memoria del dolore” nella quale avevo raccolto le radiografie
di 33 persone morte di cancro per creare un’unica identità
che rappresentasse tutte loro, ed ho deciso di regalare le
ali di quest’aquila alla mia opera. L’installazione si sviluppa
su 6 strati di radiografie all’interno di vetri che a prima vista
appaiono scoordinate ma che per effetto di un procedimento
pseudo anamorfico si ricompongono in un unico punto
dello spazio facendo apparire la mia vecchia installazione
prendere il volo.
E’ un atto di fede nei confronti della vita. Il nostro dolore ci
curerà, si addolcirà e ci porterà a ritrovare la nostra identità.
RI(e)VOLUZIONE
2012
300 x 250 x 200 cm
Installazione,
radiografie, vetro,
cavi acciao e nylon
ANDREA VALSECCHI
L’opera è parte della serie Metamondo, un lavoro ispirato al
mondo delle realtà virtuali attraverso il quale l’autore indaga
sulla società contemproranea e sulla sottile linea che separa il
mondo reale dal quello virtuale.
Il lavoro è ottenuto inserendo, all’interno di immagini scattate
in ambientazioni urbane moderne, elementi relativi al mondo
virtuale, al fine di creare situazioni ambigue che disorientino
l’osservatore.
CUSTOMIZING
2010
60 x 108 cm
Stampa digitale ai pigmenti su carta di tipo perlato, montata su alluminio

ILV - IRENE LUCIA VANELLI
Tre manichini che rappresentano sagome abbozzate della “non identità”.
Corpi alienanti, in cui la soggettività e l’individualità si dissolvono, in antitesi
concettuale con l’Umanesimo e la centralità dell’uomo.
L’uomo perde il proprio ruolo e la propria dignità: da soggetto (“homo faber”)
diventa oggetto, parte dell’allestimento di un’opera, strumento di comunicazione
di stati d’animo e condizioni universalmente traducibili.
Nasce così la serie de “Gli ossimori del vivere”:
“Libertà” “Liebe” “Amitié”
GLI OSSIMORI DEL VIVERE
2012
dimensioni variabili
tecnica mista
L’opera rappresenta alcune nobildonne “armate” di piccole protesi
che, anziché facilitarne i movimenti, ne ostacolano il normale fluire
VANNI CUOGHI
Il dipinto rappresenta l’Imperatrice Teodora,
moglie di Giustiniano, che sedusse l’Imperatore
ballando in un postribolo di Costantinopoli.
LE PICCOLE (E INUTILI) COMPLICAZIONI QUOTIDIANE
2011
53 x 129 cm
acquerello e collage su carta
courtesy: Galleria Area B , Milano
IL BALLO DI TEODORA
2012
37x 35 cm
acrilico e acquerello su carta
courtesy: collezione Lora Lamia, Milano

ALESSANDRO SCAPINELLI
Nasce nel 1966 a São Paulo (Brasile) e inizia il suo percorso
artistico attorno al 1985 anno in cui inizia a frequentare la
“Escola Panamericana di Artes de São Paulo”. Nel 1987,
finito il corso di pittura e dopo aver partecipato ad alcune
mostre collettive, fa la sua prima personale al “Centro
Culturale di São Paulo”. Nel 1990 si laurea in architettura e
si trasferisce in Italia a Reggio Emilia, paese di origine dei
suoi genitori. Nel 2003 partecipa al Premio Internazionale
di Albissola Marina. Nel 2006 organizza e realizza la sua
seconda personale, prima in Italia.
Nel 2007 partecipa alla Mostra di Arte Contemporanea a
Pistoia. Negli anni 2008, 2009 e 2010 partecipa ad alcune
mostre collettive. Nel 2009 entra a fare parte del gruppo
milanese di artisti “innaturalisti” che tra il 2009 e 2010
organizza alcune mostre a Milano e dintorni. Due sue opere
sono state scelte per la copertina del giornale Zeroassoluto
e una come immagine del biglietto della “Lotteria Italia”.
Nel 2012 realizza la sua terza mostra personale a Bologna.
Attualmente frequenta il biennio di pittura all’Accademia di
Belle Arti di Bologna.
ALESSIO BOLOGNESI
Nasce nel 1978 a Ferrara. Fin da bambino manifesta la
volontà di diventare ingegnere elettronico, disciplina in cui
si laurea nel 2006.
In ogni momento libero si dedica, però, al disegno, sua
grande passione. Una passione che lo porta a trovare
impiego come artista digitale 2D e 3D durante gli ultimi tre
anni di università, per poi iniziare a lavorare come Project
Manager per un’azienda di Reggio Emilia.
Alessio inizia a dipingere nel 2008 per sfogare le proprie
emozioni, provando a trasferirle anche alle persone che
osservano i suoi lavori.
Dopo la prima mostra, allestita nell’ottobre 2009, ha preso
parte a diverse esposizioni personali e collettive, ultime
delle quali “Senza identità” (La Carmelina Edizioni, Ferrara,
2010), “Alessio Bolognesi” (Club Nove100 Open Art, Reggio
Emilia, 2010 – con la cura di Gino di Frenna, Galleria 8,75
Reggio Emilia), “Arte in Opera” ( Castello di Varano, Varano
de’Melegari, Parma, 2010 – Collettiva a cura di Nausica
Opera), “I Coloristi” (Galleria Il Borgo, Milano, 2010
– Collettiva a cura di Sabrina Falzona, Galleria Il Borgo,
Milano).
Ha vinto inoltre il premio pittura al concorso Arte in Opera
di cui è stata organizzata l’omonima collettiva.
ANDREA VALSECCHI
Nasce nel 1970 a Milano, attualmente vive fra Milano e
Varese abbinando l’attività fotografica/artistica a quella di
consulenza informatica.
Inizialmente attratto dalla fotografia di paesaggio, con i suoi
ultimi lavori rivolge lo sguardo sulla società contemporanea
e sugli effetti contradditori collegati al progresso
tecnologico. Di questi lavori fa parte la serie Metamondo
(2010-2011), attraverso la quale rappresenta, con sottile
ironia, una realtà ambigua in cui mondo reale e mondo
virtuale si confondono.
Fra i principali premi ottenuti, si segnalano i riconoscimenti
al Premio Arte (Cairo Ed.), al Premio Arte Laguna, al Premio
Celeste e al Donkey Art Prize. Nel 2011, ha inoltre esposto
al MIA Fair, fra gli autori selezionati dal comitato critico.
Dal 2005, espone in mostre personali e collettive in Italia
e all’estero.
ANGELA VIOLA
Nasce nel 1981 a Palermo, attualmente vive e lavora a
Milano ed opera nel settore delle arti visive da diversi anni.
Ha esposto in Italia e all’estero (Germania, Spagna) ad
esposizioni collettive, ottenendo numerosi riconoscimenti.
Nel 2003 ha conseguito il diploma di Laurea presso
l’Accademia di Belle Arti di Palermo e nel 2010 la laurea in
Storia dell’Arte presso l’Università degli Studi di Palermo.
Inizia la sua ricerca nel 2004 durante un soggiorno a
Valencia.
La sua opera è stata acquisita da diversi enti pubblici e
privati figurando, inoltre, su diverse pubblicazioni. Nel 2005
rappresenta la città di Palermo alla XII Biennale dei Giovani
Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, Napoli. Durante la VI
Edizione de Il Genio di Palermo, a cura di Eva Di Stefano,
partecipa ad un workshop con l’artista tedesco John Bock.
Negli ultimi due anni si segnalano le seguenti mostre
personali: Happy Family, Galleria Marelia, Bergamo; DE
VENERATIO_Sulla venerazione, a cura di Martina Colajanni
RizHoma.housegallery, Palermo; Uno nessuno centomila,
Fabbrica Borroni, Bollate (Mi); Breaking souls, Spazio
Cannatella, Palermo.
Tra le esposizioni collettive: Dis-aggregazione, a cura di
Gianni Cuomo, Galleria Marelia, Bergamo; Festival UP_
nea’12 - Suburbia in Fabula, Villa Arconati, Bollate (Mi); Next
Generation, Fabbrica Borroni, Bollate (Mi); Sevilla_Palermo,
Sala de Exposiciones KSTELAR 22, Siviglia. Attualmente
collabora con Galleria Marelia, Bergamo, Fabbrica Borroni
(Bollate, Mi) e RizHoma.gallery, Milano.
ANNA CARUSO
Nasce nel 1980 a Cernusco Sul Naviglio (Mi). Nel 2004
consegue il diploma di Laurea presto l’Accademia di Belle
Arti di Bergamo, con indirizzo pittura e restauro, e nello
stesso anno apre e dirige lo Studio d’Arte Picart a Treviglio
(Bg).
La sua ricerca artistica si fonda sull’indagine tra il mondo
fenomenico, reale e tangibile, e il mondo noumenico,
catalizzando linguaggi ed espressioni del tessuto umano
che si sovrappongono al vivere quotidiano. Le figure
che dominano i dipinti sono eteree ed in esse convivono
simultaneamente diversi elementi e differenti chiavi di
lettura, correlate in una composizione fatta di trasparenze
e sovrapposizioni di colore giustapposto.
Tra le numerose esposizioni, si segnala la più recente
personale del 2012 : “C’ero, una volta”, a Milano (Famiglia
Margini) e a Lecce (E-lite Studio Gallery). Tra le collettive
di quest’anno si evidenziano: “Coexist. Eight different kind
of fantastic art” – E-Lite Studiogallery (Lecce), a cura di
Ivan Quaroni; “Surf” – White Gallery (Milano); “Statements
2011”, Circoloquadro (Milano); Arte Accessibile Milano –
Spazio Orlandi; Bergamo Arte Fiera 2010-2012; “Neo pop,
pop surrealism VS Urban Art” - Spazio Orlandi (Milano).
ANNA FRIDA MADIA
Nasce nel 1976 a Torino. Dopo il diploma come Tecnico
grafico della pubblicità consegue nel 2002 la laurea in
pittura presso l’Accademia Albertina delle Belle Arti.
Segnalata in diversi premi nazionali, tra cui il Premio
Morlotti (2002), il Premio Italian Factory per la giovane
pittura italiana (2004) e il British Portrait Award della
National Portrait Gallery di Londra (2007), inizia da subito
ad esporre in Italia e all’estero.
Particolarmente attenta alla figura femminile utilizza fiabe,
citazioni letterarie e racconti medievali per descrivere la
metafora della condizione esistenziale. Nell’ultimo periodo
di ricerca le malinconiche atmosfere preraffaellite si dirigono
verso il mistero e la suspense del thriller.
Tra le recenti mostre personali si segnalano “Peau d’âme“
a cura di Vera Agosti, “In the maybe world” a Torino
, “Il pudore della felicità” all’Istituto dei Ciechi di Milano
a cura di Giacomo Prati e Chiara Canali; fra le collettive:
“Peinture” Galerie Pierre Kleinmann di Parigi, “Iconica “
Galleria Rezarte, Reggio Emilia, a cura di Francesca Baboni,
“Artotheque éphémère 3” Champagne Ardenne, Francia
e “Black Sea” Orlando, USA. Nel 2011 è uno degli artisti
invitati da Vittorio Sgarbi alla Biennale di Venezia, Padiglione
Piemonte presso la Castiglia di Saluzzo (Cn).
Dal 2010 è in residenza artistica presso il Centro d’Arte
Ginkgo a Troyes in Francia.
ANNALÙ
Nasce nel 1976 a Venezia. Scultrice, performer, designer:
la sua attivita’ artistica iniziata fin dagli anni dell’Accademia
a Venezia viene notata dalla Critica tanto da valerle la
presenza alla Biennale di Venezia nel 2001, prestigioso
riconoscimento ripetuto nell’Edizione del 2011.
Il Suo è un lavoro intensamente lirico ed evocativo ma anche
di grande impatto formale, con immagini di coinvolgente
potenza e forza simbolica: creazioni tra forme metamorfiche
ed architetture immaginarie mediante l’assemblaggio e
l’alchimia di resine sintetiche, carte e materiali sottratti alla
Natura come cortecce e radici.
Ha vinto numerosi premi e menzioni: Premio Arte Laguna
sezione Pittura e Scultura, 2007(2), 2008(3); Premio Pagine
Bianche 2006; Premio Stonefly per l’Arte Contemporanea
2008; Premio Ora 2011; Premio Opera le vie dell’Acqua
2012.
Nel 2008 è stata rappresentante italiana nella Collettiva
Internazionale presso il Museo Moya di Vienna e nel
corso degli anni espone in numerosi Musei italiani: Museo
di Storia Naturale a Venezia; Rocca Paolina di Perugia /
Fondazione Burri; Palazzo Ca’ Capello di Venezia; Palazzo
Ducale di Pavullo (Modena); Fondazione Benetton; Museo
Archeologico di Vasto (Chieti); Chiesa di San Francesco a
Como; Chiesa di San Salvador a Venezia; Rocca dei Rettori
a Benevento; e in Musei stranieri : Moya, Vienna; SDAI, San
Diego. Numerose sono le Mostre Personali con prestigiose
Gallerie italiane ed estere curate da importanti critici del
settore. Le sue opere si trovano in collezioni pubbliche e
private, Nazionali ed Internazionali.
ANNACLARA DI BIASE
Nasce nel 1977 a Torino. Si diploma in Decorazione nel
2001 e consegue il Diploma Accademico di Secondo
Livello ad Indirizzo Didattico nel 2007 entrambi presso
l’Accademia di Belle arti di Macerata. Attualmente vive e
lavora tra Ancona e Berlino. Durante i primi anni di studio
all’Accademia inizia la sua ricerca artistica esaminando il
modo in cui il corpo femminile si trasforma attraverso i
movimenti e l’abbigliamento.
Il suo lavoro consiste nella documentazione con video, foto e
tele ad olio di un’azione performativa che vede protagonisti
i vestiti, il corpo e gli accessori domestici. La sua attività
espositiva ha inizio nel 1998, partecipa a premi, concorsi,
mostre personali e collettive ottenendo riconoscimenti e
menzioni.
Tra le mostre personali ricordiamo: nel 2002 Geografie
dell’abitare presso lo Studio Mascarella di Bologna a cura di
Franco Speroni. Tra le mostre collettive: nel 2012 è finalista
del Premio Lissone indetto dal Museo d’Arte Contemporanea
di Lissone a cura di Alberto Zanchetta; sempre nel 2012
partecipa a Figurabile.01 presso L’ARCA laboratorio per le
arti contemporanee di Teramo a cura di Umberto Palestini.
Nel 2011 è invitata alla 54. Esposizione Internazionale
d’Arte Biennale di Venezia - Padiglione Italia/Accademie
a cura di Vittorio Sgarbi. Nel 2006 è finalista del Premio
Italian Factory presso Casa del pane di Milano a cura di
Alessandro Riva e Chiara Canali.
ANTONIO DE LUCA
Nacse nel 1956 a Montagnareale (ME). Vive e lavora a
Milano. Artista multimediale, professionista dal 1980 ha
lavorato e pubblicato per numerose case editrici, tra le
quali Rizzoli, Mondadori, Rusconi, Condè Nast, Elle Japon,
Madame Figarò, Cairo editore, ecc...

Ha inoltre realizzato video pubblicitari, cataloghi, calendari,
pubblicazioni per BGS, HDMWE, Satchi&Satchi, Fiat
immagine, Blue imp., Azzurra, Sbernadori Del Conte,
Ricordi BMG, IVECO, Pirella&G, Red Cell, Penno advertising,
Olivetti, MPIO ecc...
Ha partecipato a numerose mostre, tra le quali ricordiamo:
“Lo schermo di Scipio” personale, Wannabee gallery e
“Cronache vere” Spazio Consolo a cura di Alessandro Riva,
Milano; “Ritratti Italiani” Galleria d’Arte Moderna Aroldo
Bonzagni a Cento (FE) e Fondazione Durini a Milano a cura
di Vittorio Sgarbi; “All in twilight” personale, Nur Gallery,
Ars Prima, a cura di Ivan Quaroni, Milano; “Montblanc
Art Proejct 2001” con il video Bohéme a Tokyo e Sidney;
Vincitore “Artdonkeyprize 2011” con l’opera “Era mio
padre”; “Mystic Land” personale a cura di Silvia Fabbri,
Milano; è stato presente alla “54 Biennale Di Venezia
Padiglione Italia” Arsenale con l’opera “240 Perche’ i
mendicanti vivono ancora”.
CRISTIANO DE MATTEIS
Nasce nel 1971 a Roma. Da sempre disegna e modella con
diversi materiali, la creazione fa parte del suo essere sin da
tenera età.
Il suo percorso didattico passa attraverso gli anni del
liceo artistico dove si forma e prende consapevolezza
dei suoi mezzi e dopo il percorso dell’obbligo s’iscrive al
corso di Illustrazione dello IED di Roma dove si confronta
con professionisti del mondo dell’illustrazione lì nelle
vesti d’insegnanti, recependo stimoli molteplici che lo
porteranno a sperimentare in quegli anni la realizzazione
di immagini attraverso l’uso di macchine fotocopiatrici e
pittura tradizionale.
Studio che ha evoluto negli anni sostituendo la meccanica
fotocopiatrice con un pc, che lo aiuta a portare le immagini
fotografiche che realizza dove lui vuole prima d’intervenire
fisicamente sulle opere. Nel frattempo all’alba del terzo
millennio fonda uno studio di decorazione nel cuore di
Roma, studio che lo porterà ad esprimersi in maniera
professionale e a relazionarsi con molteplici committenze.
Solo nel Gennaio 2011 accetta di realizzare la sua prima
mostra personale nei locali dello storico C.S.O.A. Forte
Prenestino.
EMILA SIRAKOVA
Nasce nel 1984 a Sofia, in Bulgaria. Impara a scrivere
a 5 anni disegnando le lettere dell’alfabeto e da lì in poi
non lascia più la matita. Vive a Milano dal 1994. Dopo la
laurea all’accademia di Belle Arti di Brera, Emila si dedica
al disegno e alle performance, per cui progetta e realizza
i vestiti.
I suoi disegni sono composti da un doppio o triplo strato
di carta oleata, che, sovrapposti, danno vita ad immagini
rarefatte ed oniriche, mentre il tratteggio rinascimentale
ed il tocco di colore rosso si sviluppano in un’immagine
nitida e plastica. Per due edizioni consecutive di Step09
(Museo della Scienza e sella Tecnica di Milano), Emila
realizza, assieme al Laboratorio Alchemico e a cura di Nila
Shabnam Bonetti le performances “Turpiacque” e “TreE”.
Nel 2011 a Milano ha luogo la sua prima mostra personale,
“Paper Swan”, a cura di Emanuele Beluffi, e poi segue
“Kaliakra” da Qanat Art, a Palermo. Nel 2012 viene scelta
per il progetto Contemporary Times della Banca Unicredit
e dipinge un tram a Roma, mentre i lavori dei vari artisti
partecipanti vengono poi riuniti in una mostra collettiva alla
MyOwn Gallery a Milano a cura di Angela Loveday. Sempre
nel 2012, Emila espone in due mostre personali, quali “One
Shot” alla Cascina Cuccagna, e “Mare Caelo Miscere” al
Castello di Belgioioso, con testo di Emanuele Beluffi e col
patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e della Provincia
di Pavia.
ENRICO ROBUSTI
Nasce nel 1957 a Parma. Dopo gli studi classici e una
laurea in Giurisprudenza, si dedica allo studio della tecnica
pittorica, con particolare riferimento alla scuola seicentesca
di van Dick e Rubens.
Nel 2004 la mostra “Bar Italia” alla galleria Annovi di Modena
segna la sua nuova vena espressiva, presentata in catalogo
da Gene Gnocchi. Nel 2005 è tra gli artisti contemporanei
della mostra “Il MaleEsercizi di pittura crudele” a cura
di Vittorio Sgarbi presso la Palazzina Reale di Caccia a
Stupinigi. In giugno è presente alla mostra “Arte Italiana
1968-2007 Pittura” al Palazzo Reale Milano. Nel febbraio
2008 espone alla Moretti Gallery di Londra. In giugno è
presente alla Cà D’ Oro a Venezia nel “L’anima dell’acqua”
mostra collaterale alla Biennale di Venezia 2009.
Nel Febbraio 2010 inaugura una personale “Colpo di
fulmine” a Milano sotto il patrocinio del Ministero dei Beni
Culturali a Palazzo Litta presentata in catalogo dal Professor
Vittorio Sgarbi. Nel giugno dello stesso anno è scelto tra i
partecipanti della 54 ° biennale di Venezia Alle Tese delle
Vergini Arsenale Padiglione Italia.
Nello stesso mese tiene una Personale all’Albemarle Gallery
di Londra. E’ invitato alla Biennale di Torino nel mese di
dicembre. Nel 2012 tiene una personale alla tox’n co’
Gallerie di Ginevra e nel maggio dello stesso anno inaugura
una seconda personale “Enrico Robusti Solo –show” alla
MorrenGalerie di Utrecht (Olanda). Chiudono il 2012 la
personale alla galleria Federido Rui di milano “kiss me” e
alla FNC di Rimini “Cose mai viste”.
FULVIO MARTINI
Nasce nel 1956 a Milano, dove vive e lavora.
Autodidatta, inizia a dipingere intorno ai 20
anni, passando, nel tempo, attraverso la pittura
accademica, il formale, l’informale, sperimentando
m a t e r i a l i e t e c n i c h e , l a s c u l t u r a l i g n e a , l a t e r r a c o t t a percorsi . abbiamo un’origine comune e che il dolore di
Nel 1995 pubblica il romanzo La strana storia di Garolfo. ognuno ha il diritto di essere espresso.
Nel 1998 e nel 1999 frequenta lo studio del pittore Benito
Trolese.
GIANLUCA CHIODI
All’inizio degli anni 2000 abbandona la pittura ad Nasce nel 1966 a Edolo (BS). A trent’anni, la passione
olio e con gli acrilici comincia a dare forma alla fotografica lo porta a lavorare per il mondo pubblicitario,
pittura espressionista fortemente connotata da senza trascurare la ricerca di nuovi “punti di vista” originali
i r o n i a e c r i t i c a s o c i a l e c h e c o l t i v e r à fi n o a d o g g i . e introspettivi. Nel 2003 la prima personale a Reggio Emilia:
N e l 2 0 0 9 s c r i v e i l M a n i f e s t o d e l l ’ I n n a t u r a l i s m o ANTICORPO, .
dove l’artista si esprime utilizzando corpi nudi
Nel 2010 pubblica il libro Il pianeta del nulla con Francesco “caravaggeschi” carichi di sensualità; qui nasce “Opera al
Porzio.
nero” una personale tecnica pittorica ad encausto su tela
Rappresenta l’uomo, le sue storture mentali, aberrazioni emulsionata.
etiche, patologie morali, ed il mondo, sfruttato e inquinato, Nel 2004 incontra lo storico gallerista Luciano Inga Pin, e
in cui vive innaturalmente. Primitivi toscani, Espressionismo, Chiodi espone DISTONIE, una propria “deformazione” del
fumetti anni 70, mescolati con un pizzico di cinismo, satira corpo umano. Nel 2005 l’artista si trasferisce a Milano e
ed una buona dose di ironia per rendere il tutto sopportabile, rivisita alcune icone dell’arte seicentesca di Caravaggio ed
sono la miscela con la quale dipinge un’umanità grottesca, altri autori dell’epoca ne: “L’Amore ai tempi del colera”,
sviluppando temi sia di carattere universale che particolare. esposta a Modena; sempre nel 2005 è selezionato per la
Lavora per cicli aperti - Uomini bidimensionali, Palle, Ladri partecipazione al Premio Cairo con MYOPIA. Nel 2007 FURIA
d’aria, Denaro unico dio, Zombitudini, Panorami urbani - CORPORIS, in cui tratta l’energia dell’amore e dell’odio, nel
sui quali torna con nuove opere ogniqualvolta ha nuove corpo a corpo; ed ancora la mostra ed il catalogo “13x17”
idee.
a cura di P. Daverio.
GIANCARLO MARCALI
Nel 2008 la selezione al Premio Terna ed una personale
a Milano SANTI, PECCATI E PECCATORI dove mette in
Nasce nel 1963 in Svizzera. Si laurea presso la New South scena le icone glamour di una quotidianità più carnale che
Wales University a Sidney in arti aborigene e le culture spirituale in un cocktail di elegante kitsch; ed ancora, la
delle Isole del sud pacifico. Dal 1990 al 1995 collabora Francia con Paris Photo ne L’amore ai tempi del colera.
con Martino Vertova alla realizzazione di vetrate d’arte. Il 2009 a Milano la prima personale pubblica dal titolo
Dal 1995 al 2000 apre a Milano “Spazio Low Tech” per MATRIOSKE: bambole viventi in gentile stato di grazia, e
promuovere il suo lavoro e quello di altri giovani artisti e nello stesso anno la Werkstatt Galerie di Berlino Man-kind:
designer. Dal 2003 al 2008 collabora con la galleria d’arte version & perversion.
contemporanea Emi Fontana a Milano.
Nel frattempo il progetto I AM, metaforico focus sulla
Dal 2009 al 2010 lavora alle opere del progetto “Siamo tutti necessità dell’uomo di spogliarsi del superfluo, rientra tra le
profeti”e la sua ricerca verso la propria identità lo porta opere candidate al Premio Celeste 2009. Dal 2010 la serie
alla realizzazione dell’installazione “La memoria del dolore”, PASSI E CONTRAPPASSI entra nel ciclo di mostre dedicate
esposta poi alla sua personale a Treviso, ed a Gaeta nella ai vizi capitali presso il Museo Arco di Benevento; ed ancora
mostra collettiva “S-corpo-ro”, opera segnalata al Premio Chiodi è presente alla Biennale di fotografia di Alessandria
Celeste 2010 e successivamente a Torino e Sansepolcro. con PICCOLI MONDI, installazione di sfere in vetro ospiti di
Dal 2011 espone le sue installazioni in diverse gallerie intime atmosfere, visibili attraverso la poetica distorsione
d’arte private a Milano, Roma, Napoli, Venezia e Berlino. di una lente convessa. Nel 2012 è invitato al Premio Fabbri
Degne di nota, a dicembre 2012, la mostra collettiva al con l’installazione Marena, opera che entra nella collezione
Museo civico di Sansepolcro dove il suo lavoro colloquia dell’omonimo museo; poi a Bergamo alla Galleria Marelia
con la “Resurrezione” di Piero della Francesca e la mostra una nuova personale “Se mi lasci ti cancello”.
personale ad Arezzo “Anime di calce” dove per la prima
volta presenta la sua nuova istallazione “Ri(e)voluzione”. GIUSEPPE BIGUZZI
Giancarlo Marcali sviluppa la sua ricerca artistica in un Nasce nel 1968 a Ravenna. Vive e lavora a San Donà di
percorso di ricerca del attimo doloroso. Quanti tipi di Piave in provincia di Venezia.
dolore lacerano l’essere umano? Infiniti, quanto l’abisso Gli studi effettuati presso l’Istituto d’Arte di Venezia gli
dell’anima. Ma tutti lasciano una traccia del loro passaggio, conferiscono il diploma di Maestro d’Arte e Maturità d’Arte
una cicatrice, visibile o meno.
Applicata nella sezione ceramica.
A dispetto delle nostre diversità, Giancarlo ci riunisce tutti “E’ un’artista unico nel suo genere. Immortala “Sentimenti
in virtù della nostra comune essenza, per la materia di luce ed Emozioni” attraverso la trasposizione pittorica di forti
di cui siamo composti, ricordandoci che malgrado lunghi sensazioni che affida alla bellezza dei corpi di donna che

dipinge. Corpi vicini e lontani, corpi distratti, corpi che si
offrono allo spettatore per sedurlo attraverso “la bellezza
che tenta di negare la bellezza stessa”, persa in uno spazio
“liberato” dove la voce dell’animo sussurra e racconta delle
infinite lacerazioni che ci dividono da noi stessi e dall’altro,
persi in un groviglio di vie dove smarriscono i pensieri e.....
la vita.” (come da critica di Carla Petrella)
Dal 2006 partecipa a numerose mostre personali e collettive
in Italia e all’estero, tra le quali nel 2012 partecipa alla
collettiva “IT Figures” a cura di Carolina Lio presso la Galleria
Red Elation di Hong Kong. Sempre nel 2012 è invitato
alla collettiva “Attese” presso la Galleria Movimento Arte
Contemporanea di Milano; nel 2011 la personale “La vita è
un gioco di attese” presso la galleria PiziArte di Teramo e
“Fisionomie e Identità” collettiva curata da Domenico Maria
Papa a Cuorgnè (Torino).
ILV - IRENE LUCIA VANELLI
Nasce nel 1982 a Novara dove, da figlia unica, trascorre
la sua infanzia e adolescenza. A 12 anni decide che da
grande sarà una Psichiatra. Intraprende studi classici
e, successivamente, si iscrive a Medicina e Chirurgia.
Frequenta i primi tre anni di università a Novara, poi prende
il volo verso Lisbona, dove resterà per 4 anni. Tornata in
Italia nel 2009 inizia il suo cammino di specializzazione
in Psichiatria. Da sempre interessata all’arte, inizialmente
come semplice spettatrice, poi, nel Gennaio 2012 avviene la
sua epifania artistica. Da autodidatta, inizia a sperimentare,
ricercare la propria via di comunicazione per raccontare ciò
che per anni ha portato dentro di se, con sé, nelle sue
peregrinazioni.
La sua arte è espressione di stati d’animo. Istantanee di
emozioni colte nella loro intensità e rese in modo tattile
e visivo mediante il ricorso a forme espressive articolate,
materiali opposti: forzatamente uniti e volutamente
stridenti. Una elaborazione di concetti che si avvale della
scelta di materiali e forme differenti e distanti (dalla pittura,
all’installazione, alla scultura).
Accostamenti di materiali grezzi e spesso poveri (legno,
metallo, cemento) presi in prestito dall’edilizia, amalgamati
da acrilici, smalti rosso brillante e ruggine. Una forma
d’arte materica, dall’espressione ruvida, che pretende
di comunicare irruentemente e violentemente ciò che
l’inconscio cova e la parola non riesce a verbalizzare. A
partire dal luglio 2012 ha iniziato a proporsi, prendendo
parte ad alcune esposizioni collettive sul territorio nazionale,
transitando già lo scorso ottobre, dallo spazio Ex Ansaldo in
occasione della mostra evento “I ritratti dell’Io” curata da
Silvia Fabbri.
LUCA SKAWALKER
(alias Luca Pedrelli) nasce nel 1971 a Bologna.
Vive a Parma dove dipinge e disegna, inventando un mondo
figurativo dove “la musica crea l’immagine e le immagini
hanno la forma dei suoni, si deformano e si incuneano si
piegano e si assottigliano” (G. Martini).
Inizia ad esporre nel lontano 1994 (“Mostra Spazzziale”
con C. Franchini a Piacenza). Negli ultimi anni prende parte
a diverse expo, tra cui ricordiamo: collettiva itinerante
“Eroticart” (Treviso-Bologna-Torino a cura di Officine
Artistiche, 2007), personale “Paintings+Drawings” (Materia
OFF, Parma, aprile 2008), personale “Paintings” (Caffè
Letterario Baciccia, Piacenza, 2009), collettiva del gruppo
Innaturalismo (Galleria Isarte, Milano 2009), personale
“Anni Zero” (Caffè Letterario, Parma, 2010), collettiva
“Eat Me” (Palazzo Pigorini, Parma 2010), seconda collettiva
Innaturalista (Galleria Isarte, Milano 2010), collettiva
“Snowflakes” (CSArt, Reggio Emilia, 2010), collettiva
“Invito al Collezionismo” (Galleria La Fortezza, Gradisca
d’Isonzo, 2010-11), personale “Systema Solar” (Stiletto,
Parma, 2011).
Inoltre partecipa al progetto “Boulevart” (curato da Edicta
e Comune di Parma) con mostre all’aperto e nei locali della
città.
Un suo lavoro è presente sul catalogo “Premio Celeste”
2008; sue illustrazioni sono state pubblicate su Belio
Magazine (Barcellona) e su La Luna di Traverso (Parma).
LUIGI LEONIDI
Nasce a Bologna città dove tutt’ora vive. A soli sedici
anni incomincia per gioco ad usare un vecchio aerografo,
decidendo in seguito di dedicarsi “seriamente” alla realizzare
di decorazioni su moto, caschi, tavole da surf e superfici
varie, fino ad arrivare sucessivamente a realizzare murales,
loghi per locali e livree di telai per importanti realtà del
settore motociclistico.
La sua passione lo porta ad iscriversi nel 2005 all’Accademia
di Belle Arti di Bologna dove si dipla a pieni voti ed inizia
ad esporre i suoi lavori in diverse mostre collettive e
personali. Nelle sue opere predilige da sempre l’espressione
all’impressione e, sebbene supportato da una pittura
classica, si è sempre prefissato di comunicare ed esporre
più che di descrivere.
Vincitore del premio Accademia Mondadori “Premio Arte
2000”, segnalato al premio Morlotti di Imbersago del 2003.
Nel 2009 espone alla mostra internazionale di incisione
“Iconoclastie” nella Chiesa di S. Stefano a Bologna a cura
del Prof. Edoardo di Mauro. Si segnalano le mostre personali
“elomacessepia” all’ H2O art space di Bologna nel 2010 e
“Paper Faber fortuna sua” del 2010 a Modena alla Galleria
Amphisbaena. Ed ancora le bipersonali “Nightly strips” nel
2010 alla Galleria BTF di Bologna e “leonidi luigi” nel 2012
presso la Galleria Davico di Torino.
MARCO REA
Nasce nel 1975 a Roma, città deve vive e lavora.
La sua ricerca artistica, unica nel genere, si muove su binari
paralleli al mondo della street art e del pop surrealismo,
mantenendo però sempre una propria e ben riconoscibile
originalità.
La tecnica da lui utilizzata e creata è pittura spray su
manifesti pubblicitari. Il lavoro di Marco Rea nasce da
un’immagine patinata, nata per vendere un prodotto,
carica di messaggi sottesi che portano alla fascinazione
e al desiderio, che incitano al feticismo materiale verso
prodotti della cultura di massa. Da questa immagine di
base Marco elimina il prodotto e profana la seduzione
iniziale, cambiando completamente l’atmosfera e portando
il soggetto a piegarsi alla sua volontà, a diventare altro da
se.
I soggetti prediletti delle sue opere sono donne colte
nella loro intimità, perse in pensieri, sogni, esplorazioni
psicologiche, prigioniere dei loro spazi mentali.
Tra le varie esposizioni ci sono quelle all’estero presso la
Strychnin Gallery (insieme a Mark Ryden e Ray Caesar) e la
Cell63 Art Gallery (Berlino), la Fun House Gallery (Detroit),
L’Art de Rien Gallery (Parigi), la Genuine Artikle Gallery
(New York) la Kaneko’s Gallery (California), alla BLOOOM
Art Fair (Colonia); in Italia espone per le gallerie Vecchiato,
Fluxus Art Gallery, MondoPOP, Mondo Bizzarro ecc...
MASSIMO FESTI
Nasce nel 1972 a Ferrara e si diploma nel 1998 all’Accademia
di Belle Arti di Bologna con il teorico di mutazioni
legate ai linguaggi visivi Francesca Alfano Biglietti, è un
artista multidisciplinare, sviluppa una ricerca incentrata
sull’individuo e sull’identità attraverso una pluralità di
mezzi: fotografia, video e performance.
Le sue figure ambigue sono creature imperfette e allo
stesso tempo patinate che nascondono mostri inaspettati,
tra feticismo, antieroismo, erotismo e autocensura si
mascherano per tentare inutilmente di nascondere la
terribile memoria inconsapevole del sé, in cerca di strategie
di sopravvivenza. Da segnalare le ultime mostre personali:
“Impossibile Love” (Cell63 Art Gallery, Berlino) e “The
invisibile monster” (Skin Gallery, Brescia) a cura di Francesca
Baboni e Stefano Taddei, e fra le collettive: “Perfect Number”
Sponge Living Space, Pergola (progetto CIRCUS a cura di
Solidea Ruggiero); “Fotografia Europea 2012” Reggio Emilia
(Progetto WE LIVE IN PUBLIC a cura di Isabella Falbo);
“Biennale di Videofotografia Contemporanea” Alessandria,
a cura di Sabrina Raffaghello.
MOMÒ CALASCIBETTA
Nasce a Palermo. Si laurea in architettura con Gregotti e
Pollini. Leonardo Sciascia definirà la sua pittura “ come il
racconto dettagliato dell’ imbestiamento di una classe di
potere già sufficientemente imbestiata nella più lata avarizia
e nella più lata rapacità....”. Nel 1982 si trasferisce a Milano
dove nasceranno le tematiche di “Comiso Park”, ”Piazza della
Vergogna”, ”De l’Amour”, ”Labirinto Verticale”, ”Terromnia”
...che troveranno spazi espositivi alla Fondazione Corrente,
Fondazione Mudima, Galleria Jannone, Galleria Philippe
Daverio… Nel 2002 la Fondazione Mudima , a cura di
Philippe Daverio, organizza una mostra-evento dal titolo
“Terromnia”.
Nel 2004 è stato ospite con le sue opere alla trasmissione
Passepartout di Philippe Daverio su RAI 3 e nel 2005 un
suo grande lavoro “Il gelato di Tariq” viene utilizzato per
l’allestimento del set delle nove trasmissioni estive di
Passepartout. Nella Biennale di Venezia del 2005 Momò,
con altri curatori, organizza il Progetto “Esserci al Padiglione
Italia”, denunciando l’assenza di artisti italiani e il dilagare di
un corrotto mercato dell’arte mummificato in eventi e fiere
varie da imbalsamatori culturali sempre più lontani dalla vita
dalla società. Nel 2005 partecipa al progetto Plotart a cura
di Gianluca Marziani e Massimo Lupoli che lo coinvolge in
dieci gallerie d’arte contemporanee in Europa. Gli elementi
e le radici della sua “Sicilitudine”, sono stati sottolineati con
testi di Sciascia, Bufalino, Consolo, scrittori che lo hanno
sostenuto nel suo viaggio creativo. Nell’opera di Momò, da
Mario de Micheli a Giorgio Soavi, da Dentice a Testori, da
Philippe Daverio a Gillo Dorfles e Marco Meneguzzo sono
state individuate le caratteristiche ed i canoni del grande e
raro disegnatore satirico.
RAFFAELLA FORMENTI
Nasce nel 1955 a Brescia e si diploma all’ Accademia
di Brera. Lavora da tempo sulla comunicazione ridotta
a rumore visivo, assemblando immagini e parole
provenienti dal mondo della pubblicità, trasformandone
il cartaceo in concrezioni, sculture, o vere e proprie
installazioni. Costante nel suo lavoro è il riferimento al
web, da cui attinge la terminologia e di cui fa parodie
cartacee, che restituiscono peso e consistenza alle entità
virtuali di cui ci paludiamo. Alcune sue opere (tra cui la
Torre Informatica del ’92 selezionata da Lea Vergine per
una mostra) fanno parte della collezione del Museo MART
di Rovereto, esposte in occasione di varie mostre al MART
stesso, tra cui la recente “La Parola nell’Arte”.
E’ di poche parole, ma ne scrive nel web e in libri d’artista,
tra cui “Lettere dal bordo di un monitor”, edito dalla
Galleria Peccolo di Livorno, che la segue dagli esordi.
“Volevo solo leggere e scrivere, e viaggiare nei luoghi
delle parole, ma anche le mani hanno preteso il loro
spazio d’azione, e intervengono con pensieri ingombranti
ogni volta che entrano in rapporto con oggetti carichi di
parole”.
Specifici approfondimenti sull’opera in mostra. http://
insediamentivirtuali.blogspot.it/. http://raffaellaformenti.
blogspot.com

ROBERTA UBALDI
Nasce nel 1965 a Terni, vive e lavora a Narni Scalo (Tr) . Si
diploma maestra d’arte presso l’Istituto “Orneore Metelli”
di Terni. La curiosità e la voglia di crescere la portano a
sperimentare di continuo: dopo aver studiato e frequentato
le diverse tecniche classiche, arriva progressivamente a
sviluppare una sua ben definita cifra stilistica, una tecnica
estrema e delle cromie ridotte all’osso sono al servizio di
un lavoro personalissimo. La continua ricerca di materiali
diversi l’ha portata attualmente ad utilizzare lamiere di ferro
in cui l’ossidazione creata dal tempo supera lo status di mero
supporto per divenire parte essenziale dell’opera pittorica.
L’amore per il corpo umano, la porta a raffigurazioni che
a partire da una matrice ancora volutamente figurativa,
sembrano volersi celare dentro una trama di ossidazioni.
Negli ultimi anni ha preso parte a diverse esposizioni personali
e collettive, ultime delle quali: “les petits cadeaux“ Galleria
Basement Project Room - Fondi (Lt); ”300 Che la collezione
abbia inizio“ La Contemporanea Studio Art Gallery - Torino;
”V-Art Contemporary Project“ La Contemporanea Studio
Art Gallery - Valenza (Al); “Summer Collection“ Galleria
Accessible Art - Roma; “Rust” Studio7 Arte Contemporanea
- Rieti; “Chimicamente” Overlook Agenzia d’Arte - Quarrata
(Pt); “Alfabeto Morso” Galleria En Plein Air - Pinerolo (To);
Salone del mobile - Stand Visionnaire - Milano; “Maison &
Objet” Stand Visionnaire - Parigi; “Step09” Milano; “The
Skull” La Contemporanea Studio Art Gallery - Torino;
“Metalmorphosis” La Contemporanea Studio Art Gallery
- Torino; ”Start Up” Sala Renato Barilli - Verona; “Premio
Combat” Bottini dell’OLio - Livorno.
ROBERTO FONTANA
Nasce nel 1969 a Cambiano (To), per poi trasferirsi
giovanissimo a Palermo, dove attualmente vive e svolge
la sua continua ricerca nel campo della pittura e delle arti
figurative. La pittura è una scelta di campo. Scelta quasi
obbligata dal suo naturale bisogno d’espressione.
La pittura è colore, carne, vita, morte, dolore, gioia,
passione... ove un punto fondamentale è il rapporto
sensuale e quasi organico con il colore come materia,
una lotta continua che evoca e raccoglie esperienze e
suggestioni estetico e psico-emozionali. Una continua
ricerca sull’io più intimo e profondo, puntando spesso
sull’autoritratto come icona elettiva e prioritaria ad
espressione di quel delicato equilibrio mente-corpo
dell’uomo contemporaneo in quanto animale sociale.
Dalla prima mostra personale (Fiatal Muveszek Ljubja,
Budapest 1996) ad oggi ha partecipato a diverse
esposizioni, tra le quali ultime “Carnaio” (ErsuEdizioni,
Palermo 2012) e “Die Grosse” (Museum Kunstpalast,
Dusseldorf 2012).
SILVANO BRUSCELLA
Nasce nel 1974 a Sesto S.Giovanni (MI). Nel 1994 si
diploma all’Istituto Statale d’Arte di Monza e nel 2001 si
laurea in Architettura al Politecnico di Milano con tesi di
specializzazione in museografia. Prosegue gli studi con un
master in Progettazione Ambientale e approfondendo la
ricerca artistica con la Scuola di Arteterapia a Lecco.
Dal 2002 collabora con importanti studi di architettura a
Napoli, Roma e Milano, approfondendo gli studi nel campo
della bioclimatica e gestendo progetti per prestigiose case
di mode. All’attività di architetto affianca l’insegnamento
presso Istituti di interior design a Lecco e Milano. Nel
2005 fonda Fo.A forms+architecture, un atelier d’arte e
architettura, occupasi inoltre dell’allestimento di mostre
d’arte contemporanea e della conduzione di laboratori
artistici. Dal 1994 presenta il suo lavoro artistico in diverse
collettive e personali in Italia e all’estero. Dal 2006 collabora
con la Galleria “Le Tele Tolte” di Calcata (VT) e con Laura
Ramoino, curatrice delle principali mostre personali:
“Coincidenze – parte prima” a Capalbio (GR), “Face to face”
a Sabadell, Barcellona (ES), “I linguaggi dell’Arte” a Calcata
(VT) e “Cyborg” presso lo spazio Sottovuoto di Milano. Nel
2007 è inviato dal Prof.Giorgio Di Genova a partecipare
al “XXIV Premio Sulmona” e nel 2009 si unisce al gruppo
artistico degli Innaturalisti, con cui partecipa alle prime
esposizioni collettive nella galleria ISARTE di Milano. Oggi
vive e lavora tra Milano e Gaeta (LT).
SILVIO PORZIONATO
Nasce nel 1971 a Moncalieri. Dopo un diploma di maturità
artistica, si occupa per un decennio di design per
un’importante azienda torinese. Decide poi di ricominciare
una nuova vita, edificatasi nel silenzio della terra del
Roero, in uno stretto intimo contatto con la natura e con
l’arte, per poi spostarsi recentemente nella sua nuova
casa-studio a Pancalieri, dove dipinge tuttora. Inizia ad
esporre nel 2007 e lo stesso anno è selezionato al premio
Arte Mondatori. Oltre a numerose mostre collettive e
personali, nel 2010 ha vinto il premio della critica a Saluzzo
Arte e ha realizzato un opera “permanente” per il Museo
d’Arte Urbana di Torino. Nel 2011 è selezionato per la 54°
Biennale di Venezia, sia per il padiglione regionale che
per il padiglione Italia. Sempre nel 2011 ha la sua prima
personale pubblica “ I corpi e gli eroi” nella Fondazione
Amleto Bertoni di Saluzzo. Nel 2012 personale “Back to
grey” nella Galleria Biasutti&Biasutti di Torino e la collettiva
“IT” alla Red Elation Gallery di Hong Kong.
VALENTINA CHIAPPINI
(Visual Artist-Performer) Nasce ad Augusta (SR) nel 1980.
Laureata in Pittura, presso l’accademia di Belle arti di
Brera. Dipinge sin da quando era bambina sulle superfi più
disparate. Nella pre-adolescenza scopre una vera e propria
passione nello sperimentare un tipo di pittura fatta di segni,
suoni, colori e simboli dove il soggetto principale è il graffio.
La lama-spatola dal potenziale distruttivo, è lo strumento
che sottrae il colore: il magma cromatico è la materia in
eccesso che fa tintinnare le lame. Valentina Chiappini si
inserisce nel punto intermedio in cui i “Gobbi” di Alberto
Burri passano il testimone a Lucio Fontana: la ricerca della
terza dimensione, la soluzione in cui pittura e scultura si
compenetrano, il flusso tra il filo di ferro e il taglio, è il
punto in cui si leva la lama che accarezza, voluttuosa, il
volto dell’arte paventando una violenza a cui non darà
seguito. Piegare la violenza alla creazione, manipolare un
principio inalienabile di distruzione in un marchio: la texture
del “graffio”.
La terza dimensione di Valentina Chiappini è uno spazio
direzionale. È la verticalità dell’approfondimento filosofico,
delle suggestioni della poesia simbolista, dei suoi modelli di
riferimento: Basquiat, Warhol e il Primitivismo. La Musica,
come per Kandiskij, ha un ruolo fondamentale nell’opera di
Valentina Chiappini: “la lama in se ricorda il fuoco creativo
di Burri, l’esaltazione della materia in quanto tale, in quanto
esauriente esperienza visiva. In quest’ottica è come se
fosse stata in grado di sommare le due produzioni pittoriche
che Kandiskij indicava come composizioni, in quanto
pianificazione razionale di un moto interiore, riscontrabili
nell’uso basilare delle stampe e l’improvvisazione, in quanto
puro evento di carattere interiore. Realizzato per mezzo di
queste spatole violente così liberamente espressive e rock.
L’idea di utilizzarle per tracciare linee e figure riconoscibili e
non solo forme libere denota la volontà di contenere delle
emozioni violente, che potrebbe altresì sfociare nell’apertura
spazialista di nuovi mondi”.
VANIA ELETTRA TAM
Nasce nel 1968 a Como, vive e lavora a Milano. È uno
dei frutti artistici della Nuova Accademia di Belle Arti di
Milano e della scuola di Grafica Pubblicitaria del Castello
Sforzesco.
L’ironia e la seduzione delle sue sceneggiature si
sovrappongono ad una velata critica sociale ma dallo
sguardo sempre lieve, divertito e surreale.
I rifugi casalinghi, la delicatezza e l’instabilità dei suoi
microcosmi quotidiani l’hanno fatta conoscere ed
apprezzare in Italia e all’estero, dove ha esposto in città
come Praga, Londra, Miami, San Diego e Cuba.
Si segnalano in particolare le mostre personali milanesi
organizzate fra il 2008 e il 2010 da Wannbee Gallery “Un
giorno di ordinaria pulizia” a cura di Igor Zanti e “Cronaca
Rosa” a cura di Alessandra Redaelli. Fra le collettive:
“Aquisizioni” 2009 al Museo Parisi Valle di Maccagno a cura
di Claudio Ricci; “Un’altra storia” 2010 in San Carpoforo
a Milano a cura di Edoardo di Mauro; la 54° Biennale di
Venezia - Padiglione Italia Regione Lombardia a Palazzo Te
di Mantova 2011 e a Palazzo dei Congressi - Sala Nervi a
Torino 2011|12 a cura di Vittorio Sgarbi; “Coexist - Eight
different kind of fantastic art” 2012|13 presso E-Lite
Studiogallery di Lecce curata da Ivan Quaroni.
VANNI CUOGHI
Nasce nel 1966 a Genova, si diploma in scenografia presso
l’Accademia di Brera nel 1989.
Realizza grandi cicli pittorici per hotel, chiese, edifici
pubblici e privati fino al 2012, quando , Costa Crociere,
gli commissiona otto grandi dipinti per la nave Costa
Fascinosa. Ha partecipato a numerose mostre e fiere in
Italia e all’estero, tra queste si ricordano: “Arte Italiana
1968-2007 Pittura” a Palazzo Reale, la “54° Biennale di
Venezia” alle Corderie dell’Arsenale, la “Biennale di S.
Pietroburgo”, la “Biennale di Praga” e la “Biennale Italia-
Cina” alla Villa Reale di Monza. Espone a Frieze Art Fair a
Londra, Scope Art Fair a New York, a Pechino nel 2008 in
occasione dei Giochi Olimpici, a Shangai presso il Liu Haisu
Museum e a Permm, in Russia, presso il Museo d’Arte
Contemporanea. Nel 2012 partecipa alla collettiva “Homo
Faber” presso la Sala della Balla al Castello Sforzesco di
Milano. La sua pittura rappresenta personaggi che paiono
usciti da un libro di illustrazioni per l’infanzia, a cui , però,
sembrano aver levato il lieto fine.
WILLOW
Nasce nel 1978 a Milano si diploma presso la Scuola del
Fumetto e Illustrazione di Milano nel 2000. Collabora da
12 anni con case editrici, agenzie pubblicitarie e aziende
produttrici di gadgets e articoli da collezione e design. Con
lo pseudonimo W i l l o w realizza tele, grafiche, murales
e vinyl toys vicine allo stile POP, collaborando con gallerie,
aziende e designers anche all’estero.
Willow ci trasporta in un mondo parallelo, densamente
abitato e popoloso, fatto di colori piatti e di un segno grafico
preciso, lineare, senza interruzioni, dove ogni elemento ha
le sue linee chiuse – ma comunque c’è spazio per tutti!
Questo mondo è abitato da esseri molto particolari, a metà
tra il microorganismo e il virus, che si “parlano”, attraverso
i baloons, ma senza utilizzare le onomatopee codificate del
fumetto, quanto piuttosto attraverso suoni che finiscono per
identificare, nominare e definire l’essere che lo pronuncia.
In questo mondo densamente popolato, non mancano le
sfide sociali, ed è interessante vedere come in un moto di
ribellione all’ordine costituito, siano gli esseri più piccoli a
protestare contro i maggiorenti tentacolati che rimangono
afasici davanti a tale arditezza verbale. Le immagini che
Willow ci propone sono apparentemente ludiche, ma grazie
alla serietà di fondo – anche formale – che le caratterizza,
sono dotate di indubbia forza comunicativa e di grande,
divertente fascino.